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1. À propos du cours: Bonjour, tout le monde.
Je suis Bianca Rayala Je suis aquarelliste, éducateur et professeur de haut niveau de Skillshare Au fil des ans, j'ai eu le
plaisir d'enseigner à
des milliers d'étudiants du
monde entier sur Skillshare Mes cours visent à rendre aquarelle accessible,
joyeuse et significative Je travaille avec des marques
comme Schminka, Silverbush Limited
et Arkon Mounts Dans ce cours, nous allons
faire quelque chose d'un
peu différent, mais je
crois que c'est vraiment utile si vous
voulez grandir en tant qu'artiste. Faites une étude de master, une
façon ciblée et intentionnelle d'apprendre en observant et en peignant le
travail d'un grand artiste. Nous étudierons les magnifiques peintures atmosphériques
de Joseph Zuck Big, l'un des aquarellistes
qui m'a profondément inspiré J'ai beaucoup appris en regardant de près
sa façon de peindre, son utilisation du ton, de
la composition et du timing, et je voudrais
également
vous expliquer comment vous pouvez apprendre de
son travail. Ce cours est conçu pour vous aider
à acquérir confiance nécessaire pour peindre des paysages
atmosphériques, à
apprendre à créer de la
profondeur et de la perspective à l'
aquarelle ou à explorer des pinceaux lâches
et expressifs Que vous soyez débutant
ou que vous ayez de l'expérience, je vais partager des techniques
que vous pouvez facilement appliquer à vos propres peintures. Nous allons commencer par expliquer
ce qu'est une étude de master, pourquoi elle est utile et comment l'
aborder avec
le bon état d'esprit. Ensuite, nous prendrons le temps d'examiner certaines parties des peintures de Joseph, façon dont il peint le ciel, les figures
lointaines , les
reflets, et nous ferons
quelques études sur cette base. Ensuite, nous peindrons un paysage complet
inspiré de son style, réunissant en une seule pièce tout ce que
nous avons pratiqué . Les techniques que vous apprenez
dans ce cours peuvent également être appliquées à l'étude du travail
d'autres artistes que vous admirez. J'espère que
ce cours vous
aidera non seulement à mieux comprendre le travail de
Joseph,
mais qu' il vous fournira également les
outils nécessaires pour continuer à apprendre et à grandir en observant et en
pratiquant avec intention À la fin de ce
cours, vous aurez terminé
une peinture
inspirée de l'œuvre de Joseph et aurez une
meilleure compréhension de la façon
d' appliquer ces techniques
à vos propres œuvres d'art. Que vous
débutiez vos études de master ou que
vous soyez curieux de découvrir ce style de
peinture, j'espère que ce cours vous aidera à rythmer votre pratique
créative, redécouvrir le plaisir de peindre et peut-être même à
vous surprendre en cours de route Alors, prenez votre matériel, et c'est parti.
2. Fournitures: Pour ce cours,
commençons par le matériel
que je vais utiliser. Tout d'abord, pour le papier, je vais peindre sur du papier
à aquarelle Celui-ci est appelé coton
pressé, 100 % coton, 300 g/m², et il mesure dix
pouces sur sept pouces. J'aime beaucoup ce papier
car il a une belle texture. Il absorbe très bien l'eau et
la peinture, et il est
suffisamment solide pour être superposé Je vais l'utiliser à la fois pour le projet principal et pour des exercices
pratiques de peinture. Ce que j'aime aussi dans
ce papier, c'est qu'il est assez abordable par rapport aux autres marques de papier pour
aquarelle, tout en étant de bonne qualité Pour les pinceaux, j'
utiliserai certains de mes favoris de
Silver Brush Limited. Voici les
pinceaux Renaissance en taille dix et huit. Ce sont mes produits préférés pour les lavages, et je les utilise également pour
ajouter des détails Le pinceau ultra
rond Silver Silk 88 en taille 6 est un excellent pinceau pour détails
plus précis et le
pinceau à script en velours noir en taille 1, parfait pour
les ridules comme les branches d'arbres
ou les tiges de fleurs. Maintenant, pour les peintures, je vais utiliser les aquarelles
SchmikaHadu. Vous trouverez la liste complète des couleurs
de ma palette
dans la section des ressources. Même si Joseph possède sa
propre palette de couleurs, je travaillerai avec ma palette
d'aquarelle habituelle Je l'adore parce qu'il reflète ma personnalité et mes préférences. Au lieu de copier exactement
ses couleurs, nous nous attacherons à recréer
l'atmosphère de sa peinture en la mélangeant
à ce que nous avons déjà Et pour les autres articles essentiels, j'aurai du papier de soie, un flacon pulvérisateur pour
vaporiser le papier, crayon et une gomme et
deux tasses d'eau Vous trouverez également
la photo
de référence de la peinture de Joseph que nous utiliserons pour cette
étude de master dans la section des ressources.
3. Qu'est-ce qu'une Master Study Study Study: Avant de commencer à peindre, je voudrais prendre quelques
minutes pour expliquer ce qu' une étude de master et pourquoi c'est un moyen
si utile de
grandir en tant qu'artiste. Une étude de maîtrise consiste
à prendre le temps observer et de recréer le travail d'un artiste plus expérimenté, non pas pour copier pour le
plaisir, mais pour vraiment comprendre
ses décisions, comment il utilise la pierre,
comment il simplifie, où il place
ses coups de pinceau C'est une façon d'
apprendre en regardant près et en peignant
avec intention. L'un des artistes
qui m'a profondément influencé est
Joseph Book Big. Son travail est atmosphérique, expressif et plein d'émotions, même lorsque le sujet est simple. Pour ce cours, nous
étudierons son paysage de
champs de coquelicots, et je vais vous expliquer
comment nous pouvons le décomposer, l'étudier et le peindre ensemble Faire une étude de master aide à entraîner vos yeux à remarquer
ces choses subtiles. Cela contribue également à renforcer
la confiance en vous
lorsque vous commencez à comprendre comment et
pourquoi certaines choses fonctionnent. Au fil du temps, vous commencez à intégrer cette sensibilité
dans votre propre travail sans même vous en rendre compte, mais je tiens également à vous rappeler
gentiment qu' ne
s'agit pas de
faire une copie parfaite. Il s'agit d'un processus d'apprentissage. Si vous partagez votre
peinture en ligne, assurez-vous
simplement de
mentionner qu'il s'agit d'une étude et de mentionner
l'artiste original. Par exemple, vous allez
écrire dans la légende Maîtriser » après
Joseph Z pour vous entraîner. Enfin, alors que nous nous concentrons sur l'une des œuvres de Joseph
dans ce cours, l'approche que vous apprenez
ici peut également être appliquée à l'étude d'autres artistes que
vous admirez. Ce n'est là qu'une des nombreuses façons de continuer à apprendre et à grandir. Dans la leçon suivante,
je vais vous montrer comment commencer à observer
comme un artiste, décomposant la peinture
sur le terrain pour chiots en fonction de la valeur, la composition et de l'ambiance.
Continuons donc.
4. Observer en tant qu'artiste st: Maintenant, prenons le temps d'
observer attentivement la peinture sur le champ de
coquelicots de Joseph Z, et je vais vous montrer
comment décomposer visuellement
une peinture avant commencer une étude
de master Nous allons nous concentrer sur les trois points. Le premier est la valeur, puis
la composition et enfin, l'humeur. Pour notre première étape, qui consiste à visualiser les valeurs
avec une impression en niveaux de gris, nous allons commencer par préparer une version en niveaux de gris
de cette peinture afin de mieux observer
la structure des valeurs sans
nous laisser distraire par Vous pouvez le faire en
ajustant les paramètres en niveaux de gris sur
votre téléphone ou iPad, ou vous pouvez simplement imprimer
une copie de la référence. En regardant l'image en niveaux de
gris, voici ce que j'ai remarqué Tout d'abord, le ciel est la
valeur la plus claire de toute la pièce. J'ai également remarqué que la structure
centrale et le champ pour chiots se situent dans
la fourchette des valeurs moyennes, ce crée une douce
chaleur qui règne sur la scène Les herbes du premier plan et les zones ombragées d'arbres sur les côtés sont
les points les plus sombres, ce qui donne à la peinture à la fois
profondeur et fondement Le contraste est subtil
mais très efficace. Par exemple, le toit clair du bâtiment se
distingue toujours par le mur de valeur moyenne dessous et par les arbres
plus foncés qui le bordent. Joseph utilise la valeur
avec soin pour suggérer la lumière, la profondeur et la structure sans trop rendre
quoi que ce soit. Voyons maintenant comment
comprendre la composition à l' aide d'une grille arbre par arbre. Maintenant, je place une grille de trois
par trois sur le tableau pour
analyser la composition. Vous pouvez dessiner manuellement la
grille sur votre impression ou utiliser une application de retouche
pour les copies numériques Le bâtiment principal se trouve juste
en face du tiers supérieur, créant ainsi un solide ancrage
horizontal. La dense
ligne orange de coquelicots traverse
le tiers central attire votre regard
à travers le paysage Les deux peintres sont assis au
centre dans le tiers gauche, ce qui ajoute un intérêt humain
et un équilibre asymétrique Il y a également un
léger flux en forme de Z qui dirige
le regard du bord gauche des arbres vers
les deux personnages et
à travers les chiots rouges C'est une composition calme mais
dynamique, mais toujours très intentionnelle. Voyons maintenant l'
ambiance et les sentiments. En regardant l'ambiance
et la façon dont Joseph a créé cette sensation paisible, chaleureuse et
nostalgique, nous pouvons constater que le champ de foregu a une texture subtile
dans Il a probablement pulvérisé de l'eau sur le papier alors que la
sous-couche était encore humide, créé une granulation douce et
une texture fourrée naturelle Il a également remarqué que les coquelicots
rouge-orange près de l'horizon avaient probablement été réalisés au pinceau sec. La texture cassée donne
juste assez de détails pour suggérer des fleurs sans
être trop lourde. Les personnages sur la
gauche (deux peintres assis sur le terrain)
semblent avoir été laissés sans peinture au départ, préservant ainsi le blanc
naturel du papier Ce choix intelligent
leur permet de briller doucement et de se
démarquer sans effort d'un arrière-plan de valeur
moyenne C'est un bel exemple
de la façon dont Joseph utilise la lumière, et non les contours, pour définir la forme. Ils ont également l'impression
d'être baignés de soleil, d'air
forcé et lumineux De même, le toit
du bâtiment présente une
transition douce vers le ciel. Il n'y a pas de limite stricte. L'air et
la lumière semblent plutôt envelopper la structure, et il utilise des changements de tons et des ombres
subtiles pour suggérer la forme du toit
plutôt que de se fier à un contraste prononcé Cette douce connexion entre
le ciel et la structure fait enfin
respirer l'ensemble du tableau. Enfin, les arbres de
gauche et de droite sont peints avec des coups de pinceau audacieux mais
organiques, confiants, pas trop détaillés. Ces marques expressives
apportent de l'énergie au cadre tout en préservant l'harmonie
avec le champ plus lâche situé en dessous. Maintenant, lorsque nous étudions
un travail de master, nous apprenons non seulement comment ils ont peint quelque chose,
mais aussi pourquoi cela fonctionne. Essayez de commencer par le numéro un, une image en niveaux de gris pour
voir clairement les valeurs, superposition
convenue pour décomposer la composition et des
observations sur l'ambiance, le
pinceau, les bords et De cette façon, vous
entraînez vos yeux à voir comme un artiste, non seulement à copier, mais à
vraiment comprendre. Dans la leçon suivante, nous étudierons au
pinceau la façon dont Joseph peint le ciel, le
feuillage et les personnages. Passons à l'étape suivante.
5. Pratique des techniques et étude du mélange des couleurs: Dans cette leçon, nous allons nous concentrer
sur quelques parties de la peinture de Joseph Z et faire
des études axées sur la technique. C'est l'une de mes
parties préférées d'une étude de master observer de près
puis expérimenter
avec ce que je vois Ce sont comme des petits exercices qui nous aident à comprendre
comment il construit différentes parties de
la scène
à l'aide d' un pinceau,
d' timing et d'une utilisation subtile de la couleur Commençons par les arbres. Les pinceaux de Joseph ici
sont résolument organiques. Ils ne sont pas trop détaillés, mais vous en ressentez toujours la
forme et le mouvement. Les arbres n'ont pas de contours. Ils sont formés par des formes audacieuses et
expressives. À titre d'exemple personnel, j'avais l'habitude de
donner à mes arbres un aspect symétrique, égal des deux côtés,
régulièrement espacés. Mais l'observation de la
peinture de Joseph m'a aidée à me rendre compte de
la beauté du contraste de
forme, de taille et de direction. Essayons de peindre
quelques formes d'arbres en utilisant simplement des marques rapides et
décisives. Ne plantez pas sur chaque feuille. Concentrez-vous sur le rythme de votre
pinceau et sur la façon dont les bords saignent ou restent nets
en fonction du moment choisi Maintenant, pour ajouter de la profondeur à
un bouquet d'arbres, chargez votre pinceau
avec des tons plus foncés, conservant le même
type de mouvement. Imaginez que vous tamponnez
le pinceau tout en balançant votre bras pour
créer un rythme fluide Cela fonctionne encore mieux si
vous peignez debout, afin que tout votre bras
bouge plus librement. Ensuite, prenez un pinceau à script et peignez les cimes
des arbres Ces traits plus fins suggèrent ces branches supérieures légères et aérées Vous pouvez également essayer de rater
les arbres pour créer un effet de décoloration doux, comme si les formes disparaissaient
dans l'atmosphère Pour un cyprès, j'aime passer à une brosse
légèrement sèche J'efface l'excès d'eau puis j'utilise des mouvements rapides vers le bas Après quelques coups, je l'ai à nouveau raté pour
lui donner une finition douce et brumeuse. Enfin, recréons les brindilles. Utilisez votre pinceau à script
en le maintenant à un angle de presque 90
degrés par rapport au papier. Assurez-vous que votre peinture est un peu plus épaisse que celle que vous avez
utilisée pour le vert, afin que les fines lignes
ressortent sur le feuillage. Ces brindilles légères apportent une touche finale de
détail et de contraste R Maintenant, étudions ensuite les fleurs de
pavot Près du premier plan, certains chiots apparaissent
nets et distincts, probablement à l'aide d'un pinceau sec, sorte que la peinture saute sur Près de l'horizon, les chiots ont sensation de décoloration et d'adoucissement, est
probablement dû à une technique humide
ou humide lorsque le papier n'est plus
brillant mais toujours humide Pratiquons maintenant les deux méthodes. Sur du papier sec, faites glisser
doucement
un pinceau rouge pour que la peinture crée des bords
cassés texturés Sur du papier humide, tamponnez le rouge
et regardez-le fleurir doucement. Cela vous donnera un
meilleur contrôle lorsque vous recréerez cet effet dans
votre peinture finale Pour le premier exercice, qui consiste à brosser les chiots à sec, chargez votre pinceau d'une peinture rouge
crème épaisse, puis retirez d'abord l'
excès d'eau L'objectif est d'avoir votre pinceau riche en pigments, mais pas mouillé. Faites-le glisser doucement sur
le papier sec et
admirez ces belles textures
cassées. Si vos marques semblent trop solides, cela signifie
que votre pinceau
est encore trop liquide. Maintenant, pour le deuxième exercice, qui consiste à peindre
sur du papier humide, je veux que vous mouilliez légèrement votre
papier et que vous le
laissiez sécher un peu jusqu'à ce qu'
il soit humide et non brillant. Cette étape vous donnera des arêtes
souples mais contrôlées. Si vous peignez trop tôt, la couleur se répand de
manière incontrôlable Mais sur du papier humide, vos marques rouges
s'étaleront doucement, créant ainsi l'
effet soft focus que nous recherchons. Maintenant, peignons
le champ pour chiots. Commencez par mouiller le papier avec un lavis vert clair pour
représenter le champ Pendant qu'il est encore humide,
ajoutez des tons plus verts. Puis vaporisez-le avec de l'eau
pour créer des textures subtiles. Ajoutez de petits points de
vert foncé ici et là,
puis omettez à nouveau pour plus de profondeur. Laissez le champ sécher un
peu avant d'ajouter
les premiers chiots. Maintenant, peignez les chiots alors que la partie supérieure du
champ est encore humide Utilisez le ventre de votre brosse à angle latéral pour faire apparaître de légères marques rouges sur
les chiots éloignés À l'aide d'un pinceau à script, ajoutez de petits points rouges
pour créer de la variété. Pour le premier plan,
attendez que le papier soit sec. Utilisez ensuite votre
pinceau rond pour appliquer des points rouges
riches et variés comme des
empreintes de chiots Variez la taille et regroupez-les naturellement pour qu'ils n'aient pas l'
air uniformément espacés. Utilisez votre pinceau de script pour
ajouter des points rouges plus fins et des traits verts plus foncés pour créer du contraste autour des fleurs. Maintenant que le champ inférieur est sec, peignez les
chiots du premier plan avec des bords
durs pour un contraste net Ajoutez les tiges d'un coup très
léger, ce qui peut demander un peu de pratique Parfois, les lignes sont
trop épaisses ou trop uniformes, mais avec un léger toucher
et des mouvements rapides du poignet,
vous obtenez des tiges d'apparence naturelle Maintenant, pour un troisième exercice, nous allons examiner les
bâtiments et les fenêtres. Peignons une
mini-étude de la maison. Remarquez la douce transition
de couleur entre le toit et le ciel. Les tons sont proches, mais les ombres définissent le
bord, pas une ligne dure. Essayez de mélanger un ton chaud, peut-être une burcena diluée, laissez-la couler doucement dans le
ciel. Ensuite, une fois sec, retournez dedans et ajoutez les
ombres pour séparer le toit. Pour les fenêtres,
nous utiliserons à
nouveau la technique
humide sur humide. Peignons. Je vais commencer par le ciel, un mélange
de thé léger de bleu cobalt, violet
cobalt et
d'une touche de Brncena Je suis juste en train de
le laver dans le ciel, en laissant le toit non peint Ensuite, je vais prendre du
Brencena et peindre le toit. Remarquez comment cela se connecte
au ciel, et ce n'est pas grave si les
couleurs se décolorent légèrement, cela reste naturel Je vais continuer à terminer le fond du ciel
autour de la maison. Maintenant, pour la première
couche d'ombre, je mélange un ton clair et
dilué et je peins le côté
ombragé de la maison. Je vais également ajouter un contour doux
sur le toit avec Burncena. Cela semble un peu
flou, mais c'est bon. Séchez cette couche
avec un pistolet thermique, ou vous pouvez simplement la
laisser sécher toute seule. Une fois que ce sera sec, j'y
retournerai pour approfondir les ombres. Je n'ai pas besoin de les
rendre trop sombres. Il suffit d'un changement subtil
pour faire briller la maison. Eh bien, ce mur est
encore un peu humide. Je vais assombrir légèrement le toit
pour définir les formes. Maintenant, je vais ajouter quelques
petites marques de cheminée. Je garde le ton doux, et je vais ajouter une petite
ombre à chacune d'elles. Enfin, nous
vous suggérons quelques fenêtres. J'utilise un lavis légèrement
plus foncé, en faisant
juste de petites marques alors que
la peinture est encore humide. Si les marques semblent trop foncées, je les adoucirai avec mon doigt. Remarquez comment ils
fondent légèrement, ce qui les empêche d'
être trop durs. Cela donne au bâtiment une atmosphère harmonieuse vieillie plutôt qu'un bâtiment
plat caricatural La clé ici est de
tout garder doux et subtil. Il ne s'agit pas de détails précis,
mais d'atmosphère. Pour le quatrième exercice, peignons les petites figures humaines
près de la maison. Ce qui est beau ici, c'est
qu'ils n'ont probablement
pas été peints au début et qu'ils n'ont été
ajoutés qu' une fois le
fond sec. Cela a laissé des reflets
blancs sur le papier brillant
qui les font ressortir
avec un minimum de détails. Nous allons essayer la même approche. Tout d'abord, peignez le
fond, mais laissez un petit espace à l'
endroit où se trouvera la figurine. Une fois que c'est sec, nous
pouvons revenir et suggérer une figurine en
quelques coups rapides. Pour le faire ressortir, je vais
peindre autour de la figurine avec un ton plus foncé, c'est-à-dire une peinture
négative. Veillez à ne pas perdre
la forme au fur et à mesure. Maintenant, ajoutons juste une touche d'ombre sur le
chapeau et le t-shirt. J'en laisse une petite
partie non peinte On dirait
que la lumière entre en
contact avec la chemise, et cette petite touche
donne vie à la silhouette N'oubliez pas que moins c'est plus ici. Ne vous attardez pas trop sur les détails. L'impression suffit. Enfin, entraînons-nous à mélanger couleurs
sourdes
comme le fait Joseph Il utilise rarement des utilisations vives et
saturées. Sa palette est douce et tonale. Par exemple, mélangez du vert olive avec
une touche de rouge ou de gris
pour le masquer des arbres Essayez également d'ajouter de l'ocre jaune pour obtenir une teinte plus claire
de ce vert tamisé. J'essaie également d'ajouter du
vert olive aux couleurs chaudes comme le henné brûlé, pour
réduire leur intensité Pour les ombres ou les verts foncés, je prends du vert olive, de l'indigo et du chenna brûlé.
Je laisse vos ombres refroidir et vos
reflets chauds et doux Pour le ciel
bleu-gris atmosphérique, essayez de mélanger le bleu cobalt le violet cobalt et
brûlez du henné pour le désactiver. Cela vous donne un
bleu
maussade et désaturé avec J'évite l'outremer car il est trop brillant et granuleux Pour le gris chaud pour les ombres des
bâtiments, essayez les mêmes couleurs
que nous utilisons pour le ciel, mais j'ajouterai plus de Bncena et bleu
cobalt ou parfois de violet
cobalt Ces combinaisons
produisent des gris chauds riches
qui varient en
fonction de votre ratio, parfaits pour les
formes de construction souples ou les ombres des arbres Pour une couleur lavande atténuée
pour les détails lointains, j'essaie de mélanger le
bleu cobalt et le bleu glace Une alternative que vous pouvez utiliser pour le bleu
glacé est le
bleu royal ou la lavande. Cela crée un ton
doux et distant, idéal pour les figures humaines. N'oubliez pas que l'atmosphère
n'est pas qu'une question de teinte. Il s'agit également de
saturer les couleurs vives avec leur complémentarité, de
contrôler le timing, laisser votre papier légèrement humide avant d'ajouter des détails pour
adoucir les bords et d'
utiliser plus d'eau pour créer de la transparence
et de la légèreté Il n'est pas nécessaire d'obtenir une correspondance
exacte pour chaque couleur. Ce que nous recherchons, c'est
le toucher, la douceur, l'
harmonie et l'éclat Prenez votre temps,
appréciez le processus et souvenez-vous que même
les plus petites
études jettent les bases
de la peinture finale.
6. Ébauche au crayon: Faisons le croquis au crayon. La toute première chose que
j'aime faire lorsque dessine est de localiser
la ligne d'horizon Pour cette pièce, je la place
juste au-dessus de la ligne médiane, près d'un tiers de la
feuille Cela définit instantanément
la perspective et me donne une impression d'
espace pour le paysage. Ensuite, je passe à la grande
forme du bâtiment. À ce stade, je garde les
lignes simples et directes. Pas besoin de détails pour l'instant, juste la silhouette principale. Je suggère également les toits du
côté droit. Ne vous inquiétez pas de
les rendre trop précis. N'oubliez pas
qu'il ne s'agit que de notre guide, et Watercolor se chargera d'une
grande partie du travail plus tard Une fois que j'ai
cartographié ces formes, je commence à ajouter le
toit principal et les cheminées Un petit conseil que j'utilise
ici est de comparer les espaces négatifs de mon
croquis avec la peinture de Joseph. L'observation des formes autour
des objets m'aide à vérifier si les proportions
me conviennent sans me limiter aux mesures
exactes. Maintenant, ajoutons les arbres. Je garde ces marques
légères et lâches presque comme si je dessinais
l'air qui les entoure. Il n'y a pas encore de textures, nous allons
les enregistrer pour la phase de peinture. heure actuelle, ce
ne sont que des formes douces qui nous
rappellent où
reposera le feuillage. Sur le côté gauche
du tableau, nous avons des figures humaines. Il est très important de les
mettre en proportion, car même une légère différence échelle peut les
mettre hors de propos. Je commence toujours par observer
la forme générale, l'inclinaison du corps, l'angle des bras et la forme du chapeau. Je n'arrête pas de me rappeler
que moins c'est plus, juste assez d'informations pour
que, lorsque nous les peignons plus tard, ils paraissent naturels
et crédibles Maintenant, ajoutons quelques fleurs au premier plan
et au milieu. Encore une fois, je ne dessine pas tous les coquelicots que nous
voyons dans le tableau Au lieu de cela, je plisse les yeux devant l'image et je
ne choisis que
les fleurs les plus visibles ou qui aident
vraiment à décrire la sensation Cela permet de garder le dessin propre
mais toujours plein de vie. Enfin, je reviens en arrière et j'affine le croquis avec juste
quelques détails supplémentaires. Rien de trop lourd, des
lignes de clarification étaient nécessaires, j'ai
donc un guide clair
lorsque nous commençons à peindre Et c'est tout. Notre
croquis est prêt. C'est souple, simple et laisse toute la place à
la fraîcheur de l'
aquarelle.
7. Le processus de peinture - Partie 1: Commençons à peindre.
Tout d'abord, je prépare mon bloc d'aquarelle en
effaçant doucement certaines des lignes de crayon
fortes Je ne veux pas qu'ils prennent le dessus sur
le tableau plus tard. Puis j'incline
légèrement mon papier. Ce petit angle permet vraiment à l'aquarelle de
s'écouler naturellement, créant ainsi ces magnifiques transitions
douces que nous adorons Avant de commencer, il me
manque un peu d'eau, traverse la feuille pour que
la surface reste fraîche et prête
à recevoir la peinture. Maintenant, mélangeons le ciel. Je remarque que la peinture de Joseph
a ce joli ciel grisâtre, ni trop bleu, ni trop
terne, juste atmosphérique Pour imiter cela, je
mélange du bleu cobalt, violet
cobot et une
touche de cena brûlé Ensuite, je le dilue
avec beaucoup d'eau jusqu'à obtenir ce ton bleu gris
transparent. Pendant que je peins, je laisse la couleur
perler légèrement sur le bord. Ainsi, lors du prochain lavage, je ne laisserai pas de lignes rugueuses. À peu près à mi-chemin dans le ciel, j'ajoute une touche de bleu
cobalt pour varier. Ensuite, je me déplace dans
les zones du toit. J'utilise Bncena
légèrement plus foncé que le ciel et je fais
attention à la
transition fluide entre les deux Cette étape consiste à le
garder doux et naturel. Pas de contours précis, juste
ton contre ton. Remarquez comment la chaleur
du toit
crée déjà un doux
contraste avec le ciel plus frais. Maintenant, peignons le
côté ombragé du bâtiment. J'utilise le même mélange de gris, bleu
cobalt, violet de cobalt et Brncenna Je laisse le burncena
se mêler au gris, laissant les couleurs
jouer sur le papier au lieu de
trop les mélanger sur la palette De cette façon, le mur semble
vivant et non plat. C'est l'heure d'aller sur le terrain. Je commence par le
rouge Perlin et le vert olive pour ce nettoyant de base Sans oublier les
figures humaines et les taches de fleurs. Je commence par un
léger lavage, puis progressivement à un ton plus riche et plus
foncé au fur et à mesure que j'atteins le
milieu et le premier plan Il est important ici de garder
le mélange crémeux et non aqueux. Ainsi, même lorsqu'il me manque de
l'eau sur la peinture, elle ne se lave pas tout simplement. Et avec la base abaissée, je prends mon pulvérisateur et je rate
légèrement la surface, en
inclinant la planche de telle sorte que la gravité
tire les couleurs vers le Vous verrez de magnifiques effets de
fluidité se produire presque comme dans
la peinture naturelle elle-même. Ne vous précipitez pas, regardez
l'aquarelle bouger. C'est là que la peinture
devient méditative. Maintenant, j'approfondis le champ
avec des verts plus foncés, en y ajoutant des mélanges de ticker crémeux Je vous recommande de me
regarder peindre cette partie avant de l'
essayer vous-même. Cela vous aidera à comprendre comment les laveuses se connectent
et où faire une pause L'aquarelle récompense
les patients, prenez votre temps. Il ne s'agit pas de vous presser , mais de vous laisser guider par le
médium Pour suggérer la texture du gazon, j'utilise des traits de haut en bas
avec une peinture vert crème. J'ajoute également des touches
d'ocre jaune,
qui font ressortir de
petites touches de lumière Puis encore une fois, cela me manque, alors les fleurs et les
textures douces se forment naturellement. Au fur et à mesure qu'il s'écoule, le champ devient
plein de profondeur et de lumière. Maintenant, pour le contraste,
j'ajoute
des taches vertes plus foncées là où je placerai les fleurs
plus tard. Cela les aide à se démarquer davantage. Avec mon pinceau à doublure, humide mais sans peinture, j'enlève doucement
un peu de couleur, laissant de fines marques semblables à des tiges. C'est une astuce subtile qui
ajoute de beaux détails. Et puis avec le même
pinceau chargé de peinture, j'ajoute de fines touches
de tiges de fleurs. Et si le pinceau semble trop humide, je le tape sur le mouchoir pour la marque
reste nette
et contrôlée J'ai raté le terrain une fois
de plus pour créer de petites fleurs. Mettons-le de côté pour qu'il
sèche avant de passer à autre chose. Maintenant, revenons au bâtiment. Comme le lavage est sec, je prépare un mélange d'ombres plus foncé, bleu
cobalt, violet cobalt et erchena avec moins d'
eau pour Je peins soigneusement
le mur ombragé délimite le bord du toit Veillez à peindre
autour des personnages, en préservant les
reflets blancs du papier. Sur la partie inférieure du mur, j'assombrit la valeur
en ajoutant un peu
du mélange vert. Cette profondeur supplémentaire fera briller
les figures humaines sur le
fond. Sur le toit, j'utilise le même
mélange pour approfondir les zones ombragées. Je passe ensuite à mon pinceau rond synthétique
pour peindre les vitres. Comme mon mélange est épais, il laisse des marques nettes même sur papier
légèrement humide, ce qui
ajoute une définition subtile. Je remarque que le toit est
trop clair par rapport au ciel, alors je le recouvre d'
une fine couche de porcelaine brûlée adoucir le bord
du contour Je peins également les plus petites formes de
toit sur la droite. U Maintenant, le bâtiment commence à prendre une
apparence vivante et dimensionnelle. Notez que vous n'êtes pas obligé de
faire cette étape au cas où le toit ne serait pas trop
pâle sur votre propre peinture. Maintenant, je prépare un mélange brun
plus foncé, encore une fois, avec du
cena brûlé, du bleu cobot et du violet cobot pour
renforcer
les contours du toit et mettre en valeur les détails
des fenêtres Quelques petites
marques suffisent. Nous n'avons pas besoin d'en faire trop. Oh Passons aux arbres, je mélange le vert olive avec un peu
d'ocre rouge et jaune Avec un pinceau complètement chargé, je place de larges traits organiques. Ensuite, avec mon pinceau à doublure, je superpose des
traits uniques pour obtenir de la texture. Pour créer de la profondeur, j'assombrit
certaines parties du mélange avec de l'indigo, donnant ainsi de la variété aux verts L'astuce consiste à superposer la lumière et obscurité pour que les arbres
ne paraissent pas plats Au fur et à mesure que j'ajoute des traits d'arbre, je laisse mon pinceau sécher
un peu. Cela crée un défaut de
texture rugueux qui semble naturel Pour le cyprès, j'utilise quelques traits verticaux pour que la
forme soit distincte Sur le côté droit, j'
ajuste
légèrement la teinte verte et je peins des
traits plus larges pour varier les couleurs. Ensuite, j'applique des tons
plus foncés et j'ajoute un autre cyprès plus court cette fois pour équilibrer
la position de la bosse Enfin, j'ai assombri une partie
du mur du bâtiment sous les arbres pour le
remettre dans l'ombre, ce qui a rendu le toit plus
lumineux par contraste Cela fait, je prépare un mélange rouge-orange vif pour commencer à peindre
le champ pour chiots. Cette explosion de couleurs reliera
l'ensemble de la scène.
8. Le processus de peinture - Partie 2: Je suis maintenant prête à
donner vie
à ce tableau avec un champ pour chiots. Je commence par un coup de pinceau sec, en tenant mon pinceau incliné de manière à
ce que le ventre du pinceau entre en
contact avec le papier. J'ai chargé un mélange épais et
concentré de peinture rouge. Cela me donne cette belle texture de pinceau sec
cassé qui suggère immédiatement des
grappes de fleurs. Lorsque je fais glisser le pinceau
sur le papier, j'évite de tout recouvrir. Je veux préserver ces
petits bonnets blancs. Ils deviennent des reflets qui
brillent à travers la couleur. Faites particulièrement attention à peindre autour des
figures humaines sur la gauche. Nous aurons besoin de cet
espace propre plus tard. Je continue à frotter doucement
le pinceau, en gardant les marques
texturées et fraîches, sorte que l'illusion de
fleurs commence à apparaître sans que je
peigne chaque pétale N'oubliez pas que moins c'est plus ici. Ensuite, je prépare un mélange
vert foncé d'indigo, rouge et de vert olive. Avec cette couleur plus foncée, j'ajoute des points épars et des taches
entre les traits rouges. Cela donne l'impression de feuilles et d'ombres dans le champ et aide à décomposer le rouge pour qu'il ne soit pas trop uniforme. Ensuite, j'ajoute
quelques points rouges supplémentaires, en particulier dans la
partie centrale du champ. À ce stade, je rate légèrement le
champ avec de l'eau, ce qui adoucit certaines des
marques rouges
et les fait
fleurir en formes douces Le résultat est un joli
contraste entre les nettes aux bords durs
et les fleurs légèrement floues
situées plus loin. Même si le papier
est encore humide, la peinture reste contrôlée car mon mélange est
épais et résistant. Pour créer de la variété, j'
éclabousse également de la peinture rouge
sur le terrain Ces petits points donnent
l'impression de fleurs
lointaines et ajoutent de
l'énergie à la scène. recul de temps en temps
et regardez votre travail du recul de temps en temps
et regardez votre travail à distance, car
cela vous permet d'avoir une vue ensemble et de
décider où vous avez besoin de plus de couleurs sans
encombrer un seul H. Je rate
à nouveau le papier et je continue à m'éclabousser, puis j'ajoute des
points rouges légèrement plus grands au premier plan Ces traits plus grands et plus audacieux
rapprochent les fleurs du spectateur et
donnent l'
impression que le champ est plein et abondant Autour des plus grandes fleurs, j'ajoute quelques petits points, en
gardant à l'esprit
qu'il n'est pas nécessaire de copier exactement le
tableau de référence. N'oubliez pas que le cœur d' une étude de master
n'est pas de reproduire parfaitement la
peinture, mais d'étudier le processus de
pensée de l'artiste, la façon dont il gère la composition, l'équilibre entre les bords durs
et souples,
les techniques de pinceau qui créent une impression
plutôt que les détails Notre travail aura naturellement
un aspect différent, et c'est ce qui fait toute sa beauté. Il est maintenant temps de
suggérer les tiges. Je passe à mon pinceau Silver
Silk 88, qui me permet de faire des lignes
très fines. Avec une pression contrôlée, je dessine des traits fins pour les tiges, puis quelques traits légèrement
plus épais pour les feuilles C'est un travail délicat, mais
c'est un travail délicat, mais cela lie
les fleurs au champ. Pour plus de texture
au premier plan, je passe à mon pinceau à liner Sa pointe fine produit des traits herbacés
expressifs qui donnent vie à cette zone inférieure J'ajoute quelques touches jaunes à de subtiles notes de lumière qui
brillent au premier plan Ici, je tamponne mon pinceau pour
suggérer des feuilles
et de petits détails À ce stade, je me détends et laisse mes traits devenir
plus spontanés. Cette étape concerne le
relâchement et la liberté, et vous remarquerez que plus votre main devient
détendue, plus
votre peinture est naturelle Pour faire ressortir les
coquelicots rouges, je renforce certaines des fleurs focales avec
des marques rouges
plus riches Remarquez que je ne
peins pas tous les pétales. Je pense plutôt à
la forme générale et j'exerce
une pression variable sur mon pinceau pour que les traits soient souples, naturels
et expressifs. Maintenant, pour ce qui est du détail final, est-à-dire
les centres foncés des coquelicots, je mélange un mélange crémeux, presque foncé, suffisamment
épais pour qu'il ne se transforme pas dans le rouge
et je le mets soigneusement en
pointillés et je le mets soigneusement en
pointillés Instantanément, les
fleurs prennent vie. Revenons au
bâtiment pendant un moment. J'ajoute quelques
lignes supplémentaires et des touches d' ombre sur le toit pour mieux définir
sa forme. De petits ajustements comme celui-ci donnent la structure et de l'équilibre à
l'ensemble de la composition. Ensuite, je mélange un
vert très foncé et je commence à
peindre en négatif autour des personnages. Cela signifie que je peins soigneusement le fond plus foncé pour que les personnages
ressortent plus clairement. En quelques traits soignés, leurs silhouettes s'
affinent et se définissent mieux. Prends
ton temps ici. Toute marque trop éloignée peut facilement modifier la
forme de la figure Un coup de
pinceau lent et régulier est essentiel. Avec des peintures grises, je peins
le pantalon de la figurine. Pour la chemise, je crée un mélange de
lavande à partir de bleu cobalt, blanc et d'une touche de violet. Cela me donne une
ombre subtile pour le tissu blanc. Je fais attention à laisser une petite touche non peinte
sur la chemise, pour qu'elle brille comme si la lumière
tombait directement dessus Sur le chapeau, j'ajoute
juste une touche de couleur, encore
une fois, en préservant les zones
blanches où la lumière frappe. Pour la deuxième figurine,
je commence par un chapeau, puis je peins les ombres des chemises
avec le même mélange de lavande. Au fur et à mesure que j'ajuste les
espaces négatifs autour de lui, sa forme devient plus claire
et plus réaliste Enfin, je peins soigneusement
autour de la toile qu'il tient, en laissant les fleurs derrière
elle briller de contraste. À ce stade, je prends du recul et j'
ajoute quelques touches finales au champ pour chiots. J' assombrit certaines zones juste assez pour augmenter les
contrastes si nécessaire, mais je me rappelle de
ne pas trop le surcharger Pour assembler le tableau, je suis retourné
sur le toit une dernière fois. J'approfondis certaines ombres, en m'assurant que la direction
et le ton de l'ombre correspondent
à la lumière du reste de la scène. Et pour terminer,
je peins quelques petits oiseaux dans
le ciel avec mon pinceau, les
gardant petits et
subtils, ni trop foncés, ni trop grands, juste assez pour donner de
la vie à l'espace ouvert. Nous avons maintenant
fini de peindre un champ de
chiots à l'atmosphère vibrante inspiré par Joseph
Brukwk, plein de mouvement, de lumière et de traits expressifs H
9. Réflexions finales: Merci de vous joindre à moi aujourd'hui
pour ce cours d'aquarelle. J'espère que cette séance
vous a permis de renouer avec
votre créativité et vous a rappelé
que la peinture peut être simple, libératrice et amusante J'adorerais voir vos créations et connaître votre expérience. Partagez les pages de votre carnet de croquis
avec moi sur Instagram ou dans la
section des projets de classe ici sur Skillshare Dites-moi quel sujet
vous aimez le plus ou comment cette pratique vous aide
à stimuler votre créativité. Si vous aimez le cours, pensez à
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mes futurs cours et m'encourage
vraiment à continuer à
créer plus de contenu pour vous. Si vous
voulez poursuivre votre voyage,
je vous invite à consulter
mes autres cours de
carnet de croquis à l'aquarelle
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voyage à l'aquarelle, où nous peignons des scènes
inspirées de lieux et de souvenirs réels Ils constituent un excellent moyen de rester inspiré et de maintenir cet élan
créatif. ici là, continuez à
peindre en toute liberté, suivez votre curiosité, et je vous verrai au prochain cours.
Bianca Rayala, Top Teacher | Watercolor Artist
