Erreurs de conception de personnages [Comment les corriger]

1. À propos de le cours: Bonjour les gars et bienvenue dans mon cours sur les erreurs de conception de personnages. Dans ce cours, vous apprendrez les erreurs les plus courantes que les débutants feront dans la conception de leur personnage, ainsi que quelques trucs et astuces pour les surmonter. Au cours de ces trucs et astuces, vous verrez comment je prends un vieux dessin à moi et l'améliorerez en utilisant les conseils que je vous enseigne. Mais avant de sauter dans les conseils, je vais vous montrer mes versions précédentes gratuites du même personnage, ce qui a mal tourné à chaque fois. Cela vous aidera à analyser vos propres œuvres d'art et à voir ce que vous n'avez pas fait à l'époque, mais vous pouviez le faire. Maintenant. Vous pouvez regarder ce tutoriel et dessiner avec moi ou vous pouvez d'abord le regarder, comprendre ce que je fais et ensuite postuler pour vous-même. Quelle que soit la façon dont vous choisissez, je vous recommande vivement de l'essayer vous-même afin que vous puissiez réellement expérimenter ce que je vous montre. Plus vous essayez de le faire vous-même, mieux vous obtiendrez tous les jours. Maintenant, assurez-vous de rester jusqu'à la fin, car c'est là que se trouvent la plupart des joyaux. Maintenant, pour votre mission, j'aimerais que vous nous montreriez dès maintenant dans la section projet quel ancien dessin vous souhaitez améliorer, puis soumettre un projet différent avec le nouveau dessin. Avant de passer à la leçon suivante, il est important que vous vous arrêtiez et recherchiez une ancienne œuvre d'art que vous souhaitez améliorer, soumettre et vous engager à essayer d'y apporter une amélioration. J'apprécierais également que vous me suiviez sur Skillshare car je publie des tutoriels complets mensuels sur l'art numérique et la procréation. Si vous ne voulez rien manquer, cliquez sur le bouton Suivre. J'aimerais également être plus actif auprès de mes abonnés et vous montrer quelques photos de progrès dans les prochains tutoriels. Discutez avec vous du sujet de la prochaine étape et ainsi de suite. instant, je ne fais cela que sur mon Instagram. Donc, si vous voulez me suivre, c'est ma poignée. Je vous verrai sur la première leçon, mais seulement après avoir posté votre dessin dans la section projet. voit les gars. 2. Erreurs courantes: Salut les gars et bienvenue dans la première partie de ce cours où je vais vous donner un contexte sur façon dont j'ai pu apprendre de mes erreurs chaque année en redessinant le même personnage. Pour ceux d'entre vous qui ne me connaissent pas. J'ai eu ma première tablette graphique avec un écran, à savoir l'iPad Pro avec l'écran 10.5 en 2018. J'ai aussi cette tablette du Groenland des années auparavant, mais je n'ai jamais vraiment ressenti l'art numérique, c'est vrai. Investir dans un iPad Pro a donc été un grand pas pour moi et je craignais que mon argent soit gaspillé. Pour résumer, cependant, iPad Pro était le meilleur investissement que j'ai pu faire dans mon parcours artistique. J'ai décidé de continuer à dessiner et j'ai essayé de m'améliorer avec chaque nouveau dessin que j'ai fait. Et pour le faire rapidement, j'ai utilisé l'un des croquis que j'avais dans un cahier, ai pris une photo et je l'ai utilisé comme base pour mon premier dessin sur mon iPad. Vous pouvez voir ce tout premier dessin en haut à droite de la toile. Voyons maintenant ce qui ne va pas avec ma première tentative d'illustration numérique. Vous pouvez voir que le feu que j'ai fait dans Procreate est extrêmement floue et ne ressemble guère à un vrai feu. C'est une sorte d'intensité de lin et la solution consiste à opter pour des lignes plus nettes et une forme plus dynamique. Maintenant, comme mon personnage tient le feu dans sa main, cela signifie que c'est la principale source lumineuse de l'illustration, ce qui signifie que toutes mes ombres doivent être du côté droit de l'illustration. Mais dans ce cas, mes ombres sont difficilement visibles. Et bien que j'aie eu l'intuition de faire la lumière d'une orange subtile sur ses vêtements et sa peau. Puisque mes ombres sont à peine visibles, les lumières ne s'élèvent pas non plus. C'est un grand signe débutant car il montre que je n'avais aucune confiance en mes ombres. Donc, sans me rendre compte que je les ai rendus aussi subtils que possible. Mais alors un artiste expérimenté sait que si vous voulez attirer l'attention du spectateur, vous avez besoin du contraste qui manque sérieusement à cette illustration. Regardons maintenant la source lumineuse. Étant donné que la main est si proche du feu, elle doit être celle où la lumière réfléchie du feu doit être la plus visible. Mais mon orange n'est guère visible sur la peau car la peau et la lumière orange sont vraiment claires et il n' y a pas de couleur plus foncée pour les aider à être perceptibles. Maintenant en termes d'erreurs d'anatomie, celui qui surgit le plus, pour moi, du moins, est le visage, qui est beaucoup trop petit par rapport à sa tête. Il y a aussi d'autres erreurs, telles que le torse, la zone thoracique D par rapport aux anciennes proportions corporelles. Si vous continuez à dessiner année après année, la même illustration, vous commencerez à voir d'autres erreurs et à agir sur elles. Une fois encore. C'est un autre exemple de l'absence de contraste. Les cheveux qui tombent sur son dos n'ont pratiquement aucun moyen de le construire. Il devrait donc être beaucoup plus sombre qu'ici. Il y a beaucoup de zones similaires comme le dos de sa jupe aussi. En parlant du dos de la jupe, il s'agit d'un échantillon de beaucoup trop de mélange et d'absence de texture utilisée. Quelque chose sur lequel je devrais me concentrer à l'avenir. Passons maintenant à ma représentation du personnage un an plus tard. La version 2019 m'a rendu très fier car elle avait un caractère plus mature, photos plus dynamiques et une flamme plus dynamique. ce moment-là, j'ai également appris à utiliser plus de couleurs dans mes ombres et à y ajouter un peu plus de contraste. Voyons donc où sont les erreurs. La première erreur ici est que je ne comprenais pas comment utiliser températures dans une illustration et que tout était beaucoup trop saturé. saturation signifie que les couleurs sont trop vives et qu'il n'y a pas de contraste entre la température et les couleurs plus désaturées ou atténuées. Lorsque vous faites quelque chose comme ça, les yeux du spectateur commenceront à souffrir. Maintenant, j'ai également dit que j'ai plus de contraste, mais pas encore assez dans certains domaines, comme vous pouvez le constater ici. L'anatomie n'est pas non plus précise dans tous les aspects et le nez semble vraiment bizarre. Qu'est-ce que je pensais ici ? Les sourcils sont également beaucoup trop fins. Ils sont comme une ligne. Celui-ci n'est pas forcément une erreur, cela dépend de votre style. Mais avoir des lignes d'une seule couleur allait à l'encontre de ce que j'essayais d'accomplir. Pour la dernière illustration, la version 2020 a été créée lorsque j'ouvre mon compte binomial Kofi. Et je voulais célébrer cela, vrai ou dessiner cela dans votre défi de style sur Instagram. J'ai donc laissé tomber le feu et j'ai choisi des vêtements plus décontractés. Encore une fois, mon personnage n'a qu'une chemise. Le visage est meilleur, l'anatomie est globalement meilleure. Voyons où sont les erreurs. Je voulais mentionner que j'ai pris l'espace de tête pour changer la façon dont je dessinais les sourcils. Et je vais probablement les changer à nouveau d'ici l'année prochaine parce que je ne suis pas entièrement content d'eux. Maintenant, nous n'avons toujours pas d'ombres partout, comme au sommet de la tête où les racines sont censées être. Je manque également de texture dans les vêtements et je vais devoir me concentrer là-dessus. Encore une fois sur le rail sans suffisamment d'ombres sous le menton. Et l'ombre est vraiment fausse sur l'épaule, car elle ne respecte pas la source lumineuse. La main sur la tasse ne projette aucune ombre non plus, ce qui se traduit par un poids insuffisant. Et c'est à peu près tout pour les erreurs du passé. Je vous verrai dans la prochaine partie de la classe où nous commencerons à discuter des conseils. voit les gars. 3. Planifiez avant: Bienvenue dans le verre d'erreur de conception de personnage. Nous avons donc passé en revue quelques erreurs courantes et une illustration de personnage. Il est maintenant temps pour le premier livre de jour, ce verre et c'est de planifier à l'avance. La planification vous permettra d'économiser beaucoup de temps et d'efforts. Si vous n'avez aucune idée de ce que vous voulez dessiner, enregistrez quelques références sur Pinterest. Si vous ne savez pas comment dessiner la main, prenez une photo de votre main dans la position souhaitée. Et c'est exactement ce qu'ils ont fait pour celui-là. Vous devriez avoir un concept clair à l'esprit lorsque vous commencez à grandir. Comme qui est le personnage ? Que ce soit Beeline, qu'est-ce qui a agrafé le mien, ils ne sont plus jamais, quelle est leur histoire ? Qu'est-ce que vous essayez de montrer et ainsi de suite. Ce sont toutes les choses auxquelles vous devez réfléchir. abord, n'oubliez pas de penser aux couleurs que vous souhaitez utiliser et de faire un croquis grossier et de voir à quoi cela ressemble. Sun, nous parlerons plus de la forme et la structure et de la façon de les utiliser dans un design de personnage. 4. Forme de structure: Bienvenue dans la classe des erreurs de conception de personnages. Dans cette leçon, nous parlerons davantage de la forme et de la structure, et je vais vous montrer les progrès de mon illustration. Parlons donc de la forme et de la structure. Que signifient ces termes de toute façon ? En ce qui concerne la forme, nous savons tous qu'il existe trois formes qui constituent la base de n'importe quel design. Cercles, carrés et triangles. Et chacun d'entre eux veut dire autre chose. Par exemple, l'utilisation de formes rondes suggère une nature ludique et peut-être une innocence infantile. Si vous les utilisez pour dessiner des bébés ou des crises, carrés sont plus masculins et peuvent être utilisés pour dessiner des torses vraiment volumineux pour les hommes, par exemple, les triangles reflètent le danger. Vous pouvez les utiliser pour dessiner des clauses, des pointes, des lances, etc. Mais chaque fois que vous créez des personnages, vous n'utilisez pas qu'une seule forme. Vous utilisez le teint de cet arbre. Ce qui est important, cependant, c'est d'avoir une forme principale que vous souhaitez être visible. Dans mon cas, les cheveux de mon personnage sont tout en feu. Et cela devrait paraître imposant et dangereux. J'ai donc essayé d'utiliser autant de formes dérivées que possible de triangles. Une forme secondaire dans mon design est le cercle, car mon personnage est en fait très féminin et son corps est sinueux. Selon ce que votre illustration est censée montrer, vous pouvez utiliser différentes formes pour mettre en valeur une partie spécifique de l'illustration. Par exemple, dans ma version 2020 de ce personnage, où elle n'avait pas de feu, j'ai surtout utilisé des formes rondes pour faire preuve de féminité et d'innocence. Et maintenant, nous voulons montrer plus de sites dynamiques du troupeau. Vous pouvez également utiliser des formes, pose du personnage afin de contribuer à la personnalité du personnage ou à la composition de votre illustration. Et parler s'oppose à cela, croyez les deux derniers. Un autre aspect important de votre illustration, la lisibilité des publications. J'ai essayé de rendre votre post clair à lire le plus possible. Rien ne s'emmêle ou la profondeur et ne confond pas votre public. Un bon poteau a besoin d'une bonne silhouette. Facile à reconnaître si l'on ne voit aucun détail. Et pour bien les deux, vous avez besoin d'une bonne ligne d'action dans votre dessin. La ligne d'action est la ligne la plus longue de votre post qui attire votre attention. Dans mon cas d'illustrations, il part du haut des poils de feu et descend jusqu'au visage, poitrine et continue avec le bras qui tient le feu. Au cas où vous n'auriez pas pris de notes. Récapitons-le. La première étape que vous devez maîtriser est votre compréhension des formes et de ce qu'elles suggèrent. Exagérez vos formes et vos grandes formes dominantes pour votre personnage. La deuxième étape est la pose, où vous pouvez également utiliser vos formes pour envoyer le message sur le personnage. Utilisez des silhouettes claires pour vos poses afin que la lisibilité de votre illustration soit facile pour votre spectateur. La troisième et dernière étape consiste à avoir une ligne d'action claire. C'est un excellent outil narratif qui peut faire ressortir l'histoire de votre illustration. Sans oublier que votre personnage aura l'air beaucoup plus dynamique si vous le concentrez en lui donnant une ligne d'action. Je vais vous laisser regarder le reste de mon processus en niveaux de gris où j'ai marqué les ombres de base créées par mes sources lumineuses sur mon personnage. Sans trop penser aux couleurs, voyez ça. Je vous verrai lors de la prochaine leçon. D'accord. Et ainsi de suite. D'accord. D'accord. Bonjour. D'accord. 5. Choix de couleurs: Bienvenue dans ma classe. Dans cette leçon, nous reprendrons là où nous nous sommes arrêtés et nos niveaux de gris se transforment en pierre rosâtre, ce qui nous aidera à avoir une base naturelle pour nos couleurs. Ce que nous allons faire ensuite, c'est de placer nos couleurs au-dessus la base rose à l'aide de calques Multiplier ou de superposer. Pourquoi avons-nous besoin de la base rose au lieu de tout remplir de couleur ? le temps, j'ai réalisé qu'avoir une largeur de base des ombres douces accélère beaucoup le processus. Au lieu de créer des calques différents pour chaque couleur et les ajuster jusqu'à ce que leurs températures correspondent les unes aux autres. Avoir une couleur de base de ton rosé ou rougeâtre est similaire à la façon dont les anciens maîtres vitraient leurs peintures avant de commencer à ajouter les détails. Le ton rouge agit également comme le blog sous la peau et mélangez vos couleurs après coup boueuses. Cela dit, cette leçon porte sur choix de couleurs et les aide à faire les bons choix pour votre illustration. Choisir les bonnes couleurs pour la conception de votre personnage peut le créer ou le briser entièrement. Il y a quelques choses que vous devez savoir sur la psychologie des couleurs afin de savoir comment vous voulez que votre personnage soit défini. La respiration est synonyme d'amour et de colère passionnés. Des oranges pour l'énergie, le bonheur et la vitalité. Le jaune est pour le bonheur. J'espère m'asseoir. Vert pour de nouveaux débuts d'une nature sans bornes. Bleu pour une tristesse calme et responsable. Violet pour le monde de la créativité. La soudure. Le noir est synonyme de mystère, d'élégance et de mal. Élevé pour déplacer l'informalité conservatrice. Maintenant, lorsque vous utilisez des couleurs pour vos personnages, vous devez également garder à l'esprit à quel point elles vont bien ensemble. Pour ce faire, vous pouvez soit utiliser des couleurs complémentaires, soit les couleurs opposées les unes aux autres sur la roue chromatique. Ou vous pouvez utiliser les couleurs Socratic. Donc ces couleurs qui forment le triangle sur la roue chromatique. Ce sont les combinaisons de couleurs les plus utilisées en matière de conception de personnages. Mais comment savoir combien de couleurs vous devez utiliser pour que le design ne devienne pas trop dur pour les yeux ? Une règle générale consiste à utiliser gratuitement à quatre couleurs. De préférence, l'un d'eux doit être non coloré, noir ou blanc, ou quelque chose de neutre. Si vous voulez améliorer votre jeu encore plus loin, vous pouvez essayer d'équilibrer vos couleurs en une fraction de 80, 20. Cela signifie que 80 % de la conception du personnage doit être basée sur une couleur et 20 % sur une couleur d'accent, ce que nous attirerons davantage l'attention du spectateur sur cette couleur. Disons que c'est un bijou spécial ou d'autres accessoires que les cheveux ou la glace du personnage de Manchester. Enfin, un autre équilibre que vous devriez avoir à l'esprit consiste à utiliser des couleurs chaudes contre les couleurs froides. Les couleurs chaudes sont le jaune, l'orange, le rouge et les couleurs froides sont violet, bleu et vert. Et bien sûr, toutes les variantes. Ainsi, si vous avez une source de lumière chaude comme le soleil ou une flamme, vous pouvez créer un contraste en utilisant des couleurs froides dans vos ombres. Cela fonctionnera à merveille dans votre art. C'est tout pour l'instant. Je vais vous laisser voir le reste du processus et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous discuterons du contraste. D'accord ? D'accord. Bonjour. Et ainsi de suite. D'accord. Bonjour. D'accord. Et pourquoi ? D'accord. Et ensuite, l'impact. Bonjour. Bonjour . D'accord. Nous sommes de retour. Un bon. D'accord. Et pourquoi ? Des énergies renouvelables ? 6. Constraste: Bienvenue dans la conception et les états des personnages dans cette leçon, nous parlerons un peu du contraste et de la raison pour laquelle il est si important pour votre œuvre d'art. Comme vous pouvez le voir dans cette vidéo, je commence par ajouter des tons plus sombres à mon arrière-plan et je le fais pour que la diapositive de feu soit encore plus lumineuse. Il est très important pour votre art en général d'avoir le bon contraste. Lorsque vous avez l'impression que votre illustration ne va nulle part ou que la mort ne se sent pas assez bien. Essayez d'assombrir vos sombres et d'éclaircir vos lumières. Gardez toujours à l'esprit où vos sources lumineuses et ne faites que cette requête. Vous êtes sombres, soyez à leur plus sombre et vos lumières à leur plus brillante. Par exemple, vous pouvez travailler à approfondir les ombres en arrière-plan et certaines ombres spécifiques sur le visage et le corps. Vous pouvez approfondir l'ombre sur le cou et les ombres autour des cheveux. Celui qui va mourir sur le corps. Vous pouvez approfondir les ombres selon le Bose qui attire, dans mon cas, sous le bras qui retient la flamme et tout le bas du corps. Parce que ce sont des départs où le plaisir n'atteindra pas si facilement. De même, ils peuvent compter les citations que porte votre personnage et là où il peut y avoir des ombres, la mort nécessite un apprentissage profond. En dehors de cela, ce que vous pouvez faire quand il s'agit d'ombres est d'alterner entre les lignes douces et les lignes dures. Cela signifie que toutes vos ombres ne devraient pas avoir un mélange doux ou qu'elles auront un aspect aérographié bizarre. Essayez plutôt d'utiliser des lignes dures en utilisant votre brosse ronde à différents endroits. Toutes ces choses que j'ai mentionnées jusqu'ici peuvent également s'appliquer à la lumière. N'oubliez pas que vous pouvez toujours utiliser les modes de fusion pour tirer le meilleur parti de vos ombres. Et les lumières. Assurez-vous de ne pas exagérer les lumières vos œuvres d'art deviendront trop saturées assez rapidement. Similaire à l'une de mes anciennes versions. Comme vous l'avez vu dans la première leçon. C'est tout pour cette leçon, j'ajouterai pour finir de regarder le time-lapse, et je vous verrai lors de la prochaine leçon où je vais vous montrer mes façons préférées de rendre l'œuvre d'art meilleure. Quelques touches finales si vous, nous vous verrons bientôt. OK. OK. Nous sommes de retour. Qui sont vrais. OK. Nous sommes de retour. Bonjour. OK. OK. Salut. Désolé. OK. OK. Bonjour. 7. Faites de la musique en sorte de: Salut les gars et bienvenue à la dernière leçon de ce cours. Dans cette leçon, je vais vous montrer quelques-unes de mes astuces de définition préférées pour rendre votre art encore plus important. Dans cette leçon, je ne vais pas vous dire ce que je fais, c'est que je continue d'ajouter de plus en plus de détails. Tout d'abord, j'ajuste le contraste à un peu plus. Je l'ai donc fait après les mots comme des étincelles magiques. D'accord. Pour ce faire, vous avez besoin d'un pinceau qui comporte plusieurs petits points et de l'étinceler à différents endroits. J'utilise celui des restaurants essentiels, mais vous pouvez utiliser n'importe quel type de béguin similaire. Utilisez une couleur claire pour cela sur un calque séparé. Cette couche pour ajouter le mode de fermeture de ce parc. Si vous voulez également l'effet lumineux, vous pouvez dupliquer le calque et utiliser un flou guassien subtil sur le calque en dessous. Si vous utilisez trop de flou, il ne sera guère visible. Un petit peu est donc nécessaire. Par la suite. Si vous avez envie d'avoir deux calques en mode Ajouter, réglez l'opacité des calques Bonneville comme bon vous semble. Ensuite, nous allons jouer avec les dégradés. Nous devons avoir tout sur un seul calque pour cela, que nous dupliquerons car les dégradés modifient entièrement les couleurs de votre calque. Et ce n'est pas ce que nous voulons. Nous voulons seulement avoir une teinte provenant de la couche de dégradé. Ainsi, après avoir joué avec les options de dégradé et que vous avez choisi celle que vous aimez, conservez ce calque au-dessus de votre calque d'illustration. Et nous continuerons à ajuster l'opacité de la couche de dégradés ou le mode de fusion. Et vous pouvez effacer des parties que vous n'aimez pas à l'aide d'un aérographe. Il y a tellement de choses que vous pouvez faire, y compris le fait que plusieurs calques dégradés sélectionnent différentes couleurs et ne gardent que la moitié de h par exemple. Une autre chose que vous pouvez faire est de brouiller certaines de vos lignes et ce mouvement vers votre BSW. Choisissez avec l'outil Lasso des lignes que vous ne voulez pas être aussi nettes, puis accédez à votre menu et choisissez flou. Faites ensuite glisser votre diapositive dans la direction dans laquelle vous voulez que les mouvements soient M. Vous pouvez monter et descendre latéralement où vous le souhaitez. Cet effet ajoute une sensation de profondeur à votre illustration. Notre prochain Crick ajoute une aberration chromatique à quelques endroits pour des intérêts visuels. Avec toutes les options de réglage fournies par Procreate, vous pouvez choisir de les appliquer à l'ensemble du calque. Ou choisissez un crayon et allez dans les zones spécifiques où vous souhaitez appliquer ce réglage spécifique. J'utilise généralement un pinceau doux lorsque j'applique ces ajustements. J'aime utiliser cet ajustement pour créer d'autres choses. L'église. J'utilise des demi-tons sur des parties spécifiques de mon illustration. manière. Une aberration chromatique. Et ce réglage est généralement le meilleur sur les vêtements ou en arrière-plan, mais utilisez-le comme vous le souhaitez le plus. Une belle astuce que j'ai appris qui fait des merveilles lorsque vous voulez aussi apporter votre art est d'ajouter le bruit sous-dural à l'ensemble de votre illustration. Donc, une couche entière de deux ans, juste assez pour la rendre mate ici, une sur votre écran. Il est maintenant temps d'ajouter un peu de jus à notre illustration et d'ajouter de jolis points forts. Toutes les audiences là-bas. J'aime les ajouter aux yeux, au nez et aux lèvres, en plus de faire une lumière sur le côté du visage, les épaules dans les mains. Bien sûr, cela dépend beaucoup du dessin de carte postale, mais ce sont généralement là que je mets les reflets ainsi que les cheveux. Mais dans ce cas, les cheveux du personnage sont en feu, donc cela n'aurait aucun sens. Enfin, vous effectuerez quelques ajustements de couleur jusqu'à ce que vous ayez une bonne idée du résultat. Le processus est expérimental, alors n'ayez pas peur d'essayer de nouvelles choses. Et c'était tout pour cette leçon. J'espère que ça vous a vraiment plu. N'oubliez pas de redessiner l'un de vos anciens dessins à l'aveugle. Ce que vous apprendrez dans ce cours et le soumettrez, c'est l'étape du projet. J'espère que vous avez déjà soumis votre ancien dessin dans le tampon du projet. Et maintenant, vous n'avez plus qu'à redessiner l'un de vos plus anciens. Et maintenant, il suffit de le redessiner. Je lancerai un nouveau cours le mois prochain, alors n'oubliez pas de me suivre sur Skillshare pour d'autres mises à jour. ici là, ayez une maman incroyable et continuez à vous entraîner. On se voit. Bonjour.