Transcription
1. Introduction: Salut, je m'appelle Zira Marx. En tant que dessinateur et illustrateur, encre à la
plume occupe une place importante dans
ma pratique créative Mais je dois être honnête,
il
m'a fallu beaucoup d' essais sur erreurs avant de pouvoir vraiment maîtriser ces outils incroyablement expressifs mais
difficiles J'ai donc pensé qu'il était temps de créer un cours qui se
concentre vraiment sur ma technique
personnelle de penink Voici les compétences sur lesquelles nous
allons nous concentrer aujourd'hui. Développer le contrôle des lignes,
exprimer la lumière et les ombres, transformer les formes plates
en trois formes en
D, donner le ton à la texture
et, surtout, en dire
plus avec moins de lignes. Ce cours est composé
de quatre leçons simples et d'un projet axé sur des objectifs, des choses sur lesquelles vous
pourriez vous concentrer pendant un après-midi ou passer
votre vie à essayer de maîtriser. Permettez-moi donc de vous présenter un nouveau point de vue
sur le stylo et l'encre.
2. Séquence des outils Plume: Bienvenue en classe. Avant de commencer notre pratique du
dessin, discutons de nos outils. Maintenant, je veux que ce cours s'adresse aux artistes
numériques et analogiques. C'est vraiment un cours
sur la réflexion et l'outil est vraiment secondaire par rapport à la façon dont vous
réfléchissez lorsque
vous tracez une ligne. Nous aborderons donc les outils
numériques dans un instant. Mais parlons des outils
traditionnels. Vous connaissez peut-être ce bracelet,
Pigma, également connu sous le nom de micron.
Il est disponible dans toutes sortes de tailles de pointes techniques,
avec Pigma, également connu sous le nom de micron des lignes fines et
très raffinées, mais il s'agit également d'un stylo pinceau Vous pouvez voir que la
pointe de ce stylo est feutre et qu'elle simule
la pointe d'un pinceau Mais contrairement à une brosse, elle ne commence pas à
étaler ses poils Il tient très bien sa
pointe en feutre. Tant que la pointe ne
commence pas à s'user, vous aurez
cette
ligne vraiment raffinée sur votre stylo. L'encre est également archivistique, vous pouvez
donc peindre à l'
aquarelle par-dessus Si vous souhaitez améliorer un peu vos
stylos, je vous recommande le Kuratak, une marque japonaise
, une
autre encre d'archivage, et plus grande variété de
pinceaux Donc, si vous voulez vraiment vous intéresser
à l'épaisseur de la ligne, la qualité et à l'épaisseur d' une ligne, cette marque est
faite pour vous. Ils durent plus longtemps que
le micron que je trouve, mais ils ne coûtent que 1 dollar de plus Alors que les microns sont d'environ 2:50. Le KuraTak mesure environ 3h50 le stylo. Et si vous travaillez
avec un stylo pinceau, assurez-vous d'avoir un
bon papier compatible. Je recommande la planche
Strathmore Bristol. Il a une surface lisse. Il pèse environ 100 livres,
ce qui est un
peu comme du papier cartonné, et il absorbera
très bien l'encre de votre stylo sans saigner OK. Maintenant, lorsque nous sélectionnons notre outil de
dessin et que nous procréons, nous voulons simuler la
sensation de ce stylo à pointe de pinceau Allons donc dans notre bibliothèque. Dans la section des stylos, nous
voulons parcourir et choisir un type de stylo qui a un cône très
étroit à une extrémité, l'autre extrémité et qui devient beau
et large au milieu. Vous pouvez voir qu'
il s'agit d'un toucher léger, toucher
lourd, d'un toucher léger à nouveau. Tous ceux qui
ont un corps fort et qui se résoudront en un point seront de
bonnes options pour nous. Par exemple, nous pouvons essayer le Sanderlin, fixez-le à
environ 25 % de votre taille Et il suffit de le tester.
Notre objectif est de pouvoir sans trop
d'effort capturer une
pointe très étroite d'un côté, l'élargir, puis la
redevenir vraiment étroite, de la plus petite à la plus grande à la plus petite. Que vous aimiez une belle ligne
lisse ou une ligne
légèrement texturée,
ce qui signifie qu'elle est un peu sèche au toucher. Les deux fonctionnent pour la leçon que
nous abordons ici aujourd'hui. Sur la gauche, assurez-vous que
votre taille n'est pas trop petite. Si vous commencez à 5 %, votre ligne ne
sera jamais aussi dynamique, car vous vous
heurtez à un mur quant
à la taille que un mur quant ce stylo pourrait
atteindre très rapidement. Essayez donc les extrêmes, très étroits et très larges Mais plus au milieu se trouve
un point idéal où vous pouvez capturer les deux sentiments sans trop
ajuster le réglage. Je vais donc travailler avec le stylo Ivarsque car j'aime la texture
qui l'accompagne Mais tu peux
choisir ce que tu veux.
3. Leçon 1 Séquence 01: Notre première leçon consiste à examiner et à
enrouler nos bras autour de la ligne de contrôle et du poids du
trait de notre outil de dessin. Maintenant, je me souviens encore la première fois que j'ai
essayé de travailler avec un stylo et de la nature
chaotique de ce travail, sans savoir à
quel point la pression exercée sur la main me
donnait la qualité du trait. Et la
courbe d'apprentissage était plus longue que celle d'un autre type d'outil de dessin comme un crayon
ou un stylo à bille Mais j'ai tout de suite
compris pourquoi je voulais développer
ce nouvel ensemble de compétences. Cela se résume à un
mot, caractère. En tant qu'artiste narratif, caractère provient de différents
aspects, comme mon écriture, la voix de mon
travail a du caractère. Mais en fait, la ligne
que j'ai inscrite sur la page est probablement la
plus forte présence de caractère dans le travail d'un
illustrateur. Même avec ce
petit traitement de texte que
j'ai ici sur la page, vous pouvez voir à quel point
le caractère de
cette ligne peut être dynamique . Il peut être très lourd
ici sur ce numéro un, ou il peut même, par accident, être très étroit et précieux, cassant
et fragile Si nous commençons à considérer
notre ligne elle-même comme une voix dans notre travail, nous pouvons accepter la nature chaotique
de l'outil et également chercher à l'affiner et à en
prendre le contrôle. Développer une technique
avec votre stylo, c'est modifier le
mouvement de votre main, mais aussi
lâcher prise un peu, ce qui est une excellente
leçon pour l'artiste. En termes de
renforcement des compétences pour cette leçon, nous voulons nous concentrer
sur la pression des mains, la vitesse de notre main et la prise en compte de l'
imprévisibilité de l'outil Ce premier exercice vous
prendra environ dix à 15 minutes et
il ne s'
agit en fait que de gérer votre
contrôle de ligne. Nous allons commencer. Cela va créer
une nouvelle couche pour que je puisse facilement activer
et désactiver les choses. Nous allons faire six points en haut de notre page et six points en bas. Notre objectif est maintenant
de créer une belle ligne
uniformément pondérée le
long de la page, d' un point à l'autre. Maintenant, vous pouvez voir tout de
suite que c'est très irrégulier. Il passe d'étroit à très étroit
pour redevenir épais. Cela tient en grande partie à la
façon dont je déplace ma main. Remarquez que lorsque nous
bougeons instinctivement notre main avec le crayon, nous avons tendance à le faire pour écrire
, car nous sommes le plus souvent en car nous sommes le plus souvent créer des mots et une grande partie de ce mouvement
provient du poignet Mais le dessin
doit être plus gestuel afin que
nous puissions mieux contrôler
le caractère de la ligne. Nous ne voulons pas simplement utiliser
notre poignet, car cela devient très maniable après une
telle distance Voyez où la ligne
commence à se briser. Au lieu de simplement bouger
du poignet comme ça, pensez à bouger du coude comme ça ou même de l'
épaule comme ça. Si je bouge davantage par rapport à mon bras, très rapidement, je peux constater que j'ai une plus grande
sensation de contrôle. Maintenant, peu importe la
quantité que vous dessinez, il y a toujours un
échauffement à faire. Sur ces six lignes
reliant point à point, vous pouvez voir que je gagne en
contrôle au fur et à mesure. Je me rappelle ce qu'il faut pour contrôler la pression de
ma main. Mais développons
d'autres compétences techniques. Avec un autre exercice. Nous voulons que les six points soient de nouveau affichés à l'écran. Cette fois, nous voulons passer d' épaisseur de ligne étroite à une épaisseur de ligne
vraiment large. J'ai
réglé mon stylo à environ 23 %, le haut est étroit, le bas
est très épais. À peu près à mi-chemin, vous devez vous situer quelque part autour de la largeur
médiane de la ligne. Notre objectif est de créer une belle remontée uniforme sur toute l'
épaisseur de la ligne Maintenant, vous remarquerez qu'il n'y a pas beaucoup de symétrie
entre le début et la fin de ma ligne à ce stade, car que
vous soyez droitier ou gaucher, le cône de votre ligne
va sembler différent au début, jusqu'à ce que vous ayez
vraiment pris
le contrôle de votre technique de stylo. Je dirais honnêtement que
je n'ai pas
beaucoup de contrôle. Je pense que cette sensation de marche mal à l'aise
est vraiment convaincante. Pourquoi est-ce que j'y crois ? Parce que
Charles Schultz est peut-être l'un des artistes les plus célèbres qui
travaillent avec la ligne . Sa valeur en tant qu' artiste réside dans le fait que
sa ligne avait ce caractère nerveux et
unique et que cela se
reflétait sur
ses Leur personnalité était directement liée à la qualité de la
ligne créée par Charles Schultz
4. Leçon 2 Séquence: C'est bon. Leçon 2, surlignage, ombre et profondeur. Démontrons d'abord à
quelle vitesse épaisseur du
trait peut réellement
établir la profondeur d'une scène. Dessinons simplement une boîte. Cela représente une
composition, une fenêtre, un cadre temporel et spatial, nous allons établir
une forme de cercle. Et le centre du cadre
avec une épaisseur de trait de taille moyenne. Imaginez que ce cadre
représente une scène, et mettons une ligne ici qui représente
la ligne d'horizon, le ciel, le sol, l'objet au sol. Supposons maintenant que nous voulions placer un cercle plus loin
en arrière-plan. Non seulement nous voulons le tracer
plus près de l'horizon, mais nous voulons également modifier
l'épaisseur de la ligne. Si nous utilisons une épaisseur de
ligne plus légère comme celle-ci, l'objet semble plus éloigné. Cela a une idée de ce que l'on appelle la perspective
atmosphérique, qui signifie essentiellement que l'air est opacé. Plus une chose est éloignée,
plus il y
a chose est éloignée, d'air entre notre vision de la chose et de la chose, plus elle est légère
au toucher Maintenant, si nous voulons placer un cercle en
gros plan au premier plan, agrandissons
un peu notre outil linéaire et dessinons-le ici Il y a le bord d'un
cercle très près de nous. Je ne
rentre presque pas du tout dans le cadre. Maintenant, nous pouvons jouer encore plus à ce
jeu. Supposons que nous
voulions placer deux objets entre ces deux objets. Maintenant, nous avons quelques règles ici. C'est le milieu,
c'est l'arrière-plan
et c' est le premier plan y a quelque chose entre le
premier plan et le milieu du plan, l'épaisseur de la ligne doit se
situer entre ces deux Il y a un petit cercle étrange qui
s'insère juste là dedans. Disons que c'est entre le
milieu et l'arrière-plan. S'il existe un poids de ligne
entre les deux. Une fois que nous avons établi certaines
règles pour le poids de
notre ligne, notre composition peut sembler unifiée,
plus crédible, plus engageante et plus claire lorsque nous commençons à
respecter ces règles Dans ce cas, l'épaisseur du trait possède un langage au sein de
cette composition. Supposons maintenant que nous
voulions utiliser une ligne pour établir des valeurs de lumière. Un
exercice de dessin assez courant lorsque vous apprenez à utiliser vos crayons pour la première fois consiste à
dessiner une échelle à cinq valeurs. Un, deux, trois, quatre,
cinq, un étant le plus brillant, le point culminant et cinq étant la plus profonde, ce que l'
on appelle l'ombre centrale Nous voulons maintenant illustrer
ces cinq valeurs de lumière à l'aide de ce que l'on appelle le hachurage, qui est essentiellement,
dans ce cas, simplement des
lignes de pondération verticales et régulières à
différentes densités Plus les lignes sont
rapprochées, plus elles sont sombres. Plus il y a d'espace entre les
lignes, plus elles sont claires. Je vais juste
tracer de manière très uniforme des lignes
verticales très denses. Le point où ils se chevauchent
réellement. Dans l'univers
de cette composition, c'est la valeur d'
ombre la plus profonde que nous puissions créer et la plus grande quantité
de reflets que nous puissions créer Maintenant, au lieu de choisir
un, deux, trois, quatre, nous allons sauter
au centre, nous allons passer à la case trois. Il est plus facile d'équilibrer notre source de
lumière de cette façon. Nous voulons maintenant trouver quelque chose en termes de densité de ligne qui corresponde à ces deux options. Je vais bien espacer
mes lignes de manière uniforme
afin d' obtenir ma valeur de gris entre une lumière intense
et une ombre centrale. Maintenant, essayons d'en faire quatre. Il ne sera pas aussi dense
en termes d'épaisseur et de
tracé que cinq, mais il ne
sera pas aussi clairsemé que trois, il sera
un peu plus serré Maintenant, deux vont
être un peu plus rares. Il existe une échelle à cinq valeurs. Surlignage, trois valeurs de gris et l'ombre
centrale la plus profonde. Appliquons cela à un exercice de dessin très
simple. Dessinons un rectangle dans l'espace. Par espace, je ne veux pas dire
simplement flotter dans l'espace, mais m'asseoir sur une table. Imaginons maintenant que la source
lumineuse
vient de cette direction et
pointe vers le bas selon un certain angle. Notre défi consiste maintenant à utiliser
notre outil d'encrage et à utiliser ces cinq valeurs d'ombre
et de lumière pour déterminer la source
lumineuse de cette pièce Maintenant, je sais que le dos de cette boîte reçoit le
moins de lumière, je vais le rendre vraiment sombre et représenter la valeur cinq. Supposons maintenant que le sommet obtienne une
valeur supérieure à deux ou trois. Remarquez la direction dans laquelle
je trace mes lignes. Je suis les
angles des surfaces. Disons que c'est un deux, puis
disons que c'est un trois. Nous pouvons maintenant aller un peu
plus loin et comme
cela existe dans un espace
à surface plane, nous pouvons continuer notre
ombre centrale sur le sol. Maintenant, même cet exercice très
simple nous montre le pouvoir de la densité de la ligne et comment elle peut
instantanément évoquer sans trop expliquer où se trouvent les
sources de lumière dans la pièce, ainsi que la
forme de l' objet dans un espace
tridimensionnel
5. Séquence de la leçon 3: D'accord. La troisième leçon
se concentrera sur la transformation d'une forme, un rendu bidimensionnel d' une chose en
forme de chose, c' est-à-dire en ajoutant cette sensation
d'une troisième dimension, donnant à un objet l'impression qu'il existe dans un temps et un lieu. Maintenant, la bonne nouvelle est que nous
comprenons déjà comment
la ligne peut représenter lumière. La lumière est
l'aspect
essentiel pour transformer une forme en une forme. Pour cet exercice, il
sera très utile trouver une
photo de référence avec laquelle travailler. Je suis déjà allée
jusqu'à me rendre sur
Pintris pour y trouver une nature morte. Je vais esquisser sa forme
de base, à peu près un cercle. Les ombres sont-elles un cercle et
son petit sommet une chose. C'est juste là. Il y
a cette imperfection ici. Dans de jolis gestes épurés, simples mais larges, je vais trouver la
forme de cet objet, mais aussi utiliser ma ligne pour développer le caractère
et exprimer mon style. Teinté. J'ai tendance à dessiner d'abord les zones d'ombre
parce qu'il est plus facile capturer les zones les plus sombres puis une fois que je me suis
réchauffée, je peux appuyer
un peu sur la lumière. Il y a une esquisse de l'
objet. Juste pour le fun. Imaginons un outil d'encrage
et voyons ce qui se passe si notre ligne est un peu plus propre un souci de variété, voici un outil d'encrage vraiment
compliqué. Examinons nos trois
croquis et ce qui se passe lorsque nous nous familiarisons
avec un objet. Plus nous le dessinons, plus nous intériorisons
certaines de ses qualités, et nous pouvons développer un sens
de l'abstraction et du style La première version est un peu
plus compliquée avec la partie tige. Même chose pour le second. Lorsque je suis passé à
ce pinceau, il y avait
quelque chose qui m'a donné envie de m'intéresser un peu plus à cet
élément. Puis, lorsque je suis revenu
à un outil désordonné, un outil très désordonné,
nous avons pu constater qu' il y avait une certaine simplicité Je l'ai rendu rapidement et cela a décidé que l'information
contenue dans cette petite tige, les détails
visuels tels qu'ils existent sont vraiment devenus moins importants
et sont devenus abstraits. C'est devenu de
petits artistes téméraires, quelques petits zigzags Ils lui confèrent une qualité unique, mais ne
vous disent pas exactement de quoi il s'agit. Au fur et à mesure que nous développons notre style d'encrage, nous trouvons un équilibre entre ce
que nous produisons de manière fournir de l'information et ce
que
nous résumons de manière à développer le style En tenant compte de ces
deux éléments dans les deux sens, nous finissons par trouver un aspect totalement unique à notre travail
6. Séquence de la leçon 4: Leçon 4, nous
voulons développer et approfondir quelque chose
que nous avons abordé dans la troisième leçon. Cette idée de
vous
familiariser suffisamment avec votre sujet pour pouvoir développer votre style en coordination avec ce qu'il est réellement. Être tellement à
l'aise avec le design que vous pouvez oublier choses, changer des
choses, changer
le ton et
le personnaliser. Regardons une photo de
nature morte assez chargée. Si je veux le dessiner
dans mon propre style, je dois être capable de
le décomposer en éléments clés. Permettez-moi de faire un croquis
au-dessus de cette photo pour
vous montrer exactement ce que je
regarde et ce que je dois savoir pour pouvoir en dessiner ma
propre version. Passons au
noir et blanc. Nous pouvons donc nous concentrer sur
ses valeurs de lumière. Ce qui est encore plus important, c'est
de dissocier ce qu'est
réellement le sujet . Considère
ça comme de simples choses. Ce n'est plus du poisson, des
citrons, du pain et du persil. C'est un tas d'
objets dans un espace. Voyons comment ils sont positionnés et quel est leur langage
de forme de base. Tout d'abord, évaluons
la direction dans laquelle certains de ces
objets sont placés. Les deux poissons
vont comme ça. Le pain est posé
dans un angle comme celui-ci. Les citrons ont une sensation ronde
et plate. Et ce sont de petites basses plates. Examinons simplement les géométries
de base qui
se produisent ici Nous avons ce cercle, ces longs ovales et si nous voulons donner vie à
ces choses, nous devons simplement ajouter un peu plus d'informations
visuelles Il y a un croquis
illustré assez clair ici. Nous pouvons dire quel est notre
sujet. Nous pouvons nous faire une idée
des surfaces
sur lesquelles il repose et qui mettent un peu plus d'
ombre en dessous. Nous pouvons ajouter de petites
informations qui nous indiquent la texture et même de petites informations qui impliquent
de la lumière. Ce croquis présente un bon équilibre entre informations que nous
voulons connaître sur la nature morte, ainsi qu'
une grande liberté
pour le délier et l'encrer de manière vraiment
amusante sans avoir besoin de
capturer tous les
détails visuels du dessin Dans cet esprit, je
vais revenir à la photo d'origine et je vais encrer légèrement le dessus Mon processus de dessin m'
a aidée à me connaître. Aspects techniques
de cette conception. Le point de vue,
la disposition des choses les unes par rapport
aux autres, remplacement sur la table
et me donner une idée de ce que je veux et de ce que je veux représenter
à leur sujet. Maintenant, en termes de détails, les choses que je choisis de dessiner
mettent généralement en valeur certains aspects de la forme du
dessin ou d'une texture. Allons-y. Un joli style d'
encrage souple et léger.
7. Séquence du projet de cours: Le projet de classe a toujours
deux objectifs pour moi. Le premier est le sens de l'expression
personnelle faire ressortir des
idées qui
vous trottaient dans la tête depuis un
certain temps et de créer quelque chose qui
reflète le moment présent pour vous. L'autre consiste à essayer de jongler avec
les aspects techniques d' un nouvel ensemble de compétences et de
les intégrer à votre processus de création Pour notre projet de classe, nous allons d'abord discuter
des étapes et des objectifs de celui-ci. La première étape consiste à créer une
nature morte très simple. Celui qui révèle quelque chose
sur votre espace créatif. Des sujets personnels,
des choses liées à vos fournitures artistiques ou à vos inspirations,
ou simplement des choses que
vous mangez et qui vous
nourrissent pendant que vous créez La deuxième étape, avec une nature morte consiste à créer une bonne occasion de mettre en pratique ces nouvelles compétences. Certains éléments de
la configuration de la nature morte devraient la configuration de la nature morte nous inciter à
faire ce qui suit. Travaillez sur notre sens
du contrôle des lignes, travaillez sur notre sens de la
lumière, de l'ombre et de la profondeur. Travaillez sur notre sens de la
transformation de la
forme en forme et travaillez sur notre clarté, notre ton
et notre style. Notre nature morte devrait idéalement être dessinée
à partir de l'observation, mais pour le
montage de cette leçon, j'ai quelques photos pour vous montrer ce que je vais réellement
regarder pendant que je travaillerai. Bien entendu, les photos sont toujours un excellent point de référence pour vous
aider à vraiment
comprendre le sujet
tel qu'il
est réellement et la façon dont la lumière joue
et les ombres agissent dans un espace. Laissez-moi vous montrer les photos que j'ai prises, j'ai gardé les choses très simples. Je n'ai pas de studio photo
chic. Je viens de prendre un
de mes blocs-notes, ouvrir avec
des feuilles
de papier propres et de l'
appuyer contre le mur, à un angle étrange par rapport à certaines lampes
du plafond de mon studio Il se trouve
que cela fonctionne très bien pour mettre en
place une nature morte. C'était ma première photo. Souvent, une nature morte a besoin d'un peu de
révision pour vraiment arriver à une solution idéale pour vos objectifs en
matière de dessin. Dans ce cas, j'ai un peu
trop de sujets. Je pense que je n'ai pas besoin de
dessiner toutes ces choses pour pratiquer les techniques sur lesquelles
je veux me concentrer. J'ai simplifié. J'ai sorti
le crayon de couleur et le pinceau et je me suis concentré
sur l'idée des encres. Ce que j'ai commencé à remarquer une fois que j'ai commencé à déplacer le
stylo, c'est qu'il fait une très belle ombre sur le mur si vous l'inclinez
à angle droit. En fait, vous pouvez bien
voir le stylo lui-même et petit trou de serrure
qui s'
ouvre dedans J'ai importé ma nature
morte dans Procreate et je vais d'abord régler la saturation,
pour éliminer les distractions liées
aux couleurs, en gros, et jouer un
peu avec la luminosité pour
me faire une idée des endroits où les ombres et les
reflets sont les plus forts Si je commence à
augmenter la luminosité,
ce qui reste des bouteilles
elles-mêmes, de leurs bouchons,
du stylo, ce que je
remarque ici, c'est ce joli flou qui passe à travers le verre,
quelques petits reflets
qui mettent en valeur la quelques petits reflets Alors pourquoi je le ramène vers le bas
et ces ombres apparaissent ? En fait, c'est quelque chose que je faisais peut-être
inconsciemment, mais nous avons cette jolie aiguille sur
une horloge qui se reflète sur
le mur qui se juste entre ces formes
dans ce bel espace négatif Nous avons ce bel arc ici. Regardez bien votre photo. Et ne pensez pas
à l'ensemble des sujets, mais à l'espace positif et
négatif qu'ils créent. Maintenant, avant de commencer à
esquisser ma scène au crayon, je vais juste
prendre mon stylo à encre et faire ce que l'on appelle une étude notan, et c'est ce que j'ai ici Je vais juste prendre le rouge et le
marquer par-dessus pour que vous
sachiez de quoi
je parle. Une étude notan ne tient compte des sujets
et se contente d'examiner les valeurs de lumière et d'obscurité
dans la composition Ce qui est vraiment
noir, c'est le flacon, ce bouchon, le stylo. À partir de là, nous
avons la nuance
de gris suivante ,
qui est cette ombre ici, cette idée de cette
ombre contre le mur et même sur les bords du bocal. Ce sont nos
nuances de gris les plus profondes. Au-delà de cela, en passant de l'autre
côté de notre échelle de valeur, nous avons quels sont
nos points forts ? Eh bien, il y a ce
bel espace là-bas. J'ai un bel espace autour
du sujet. Même dans ce modèle, la bouteille elle-même
apparaît principalement blanche car
l'encre est blanche à l'intérieur. Ensuite, même sur la table, nous
avons ce bel espace blanc. L'étude Notan est un moyen de vous
débarrasser des sujets, de leur signification et de leur valeur
sentimentale, ainsi que
du saut dans les détails Être une composition à
la base parle d'abord de ses formes
générales, puis on y regarde de plus près, on trouve les détails,
on trouve le sens. Mais je pense qu'il est très
important pour les artistes de voir l'équilibre
spatial positif et négatif de leur design. Au fur et à mesure qu'ils élaborent la composition à l'aide de
leur croquis , de leur encrage ou de tout autre
support que vous utilisez, vous avez plus confiance en
vous, vous vous concentrez sur ce qui fait fonctionner
cette image globale
et vous vous connectez instantanément accord ? Nous allons donc
mettre cela de côté. Maintenant que nous avons
une idée précise de ce qui se
passe dans cette scène, je vais prendre
un crayon et dessiner l'emplacement
des objets et leur échelle. Je ne vais pas les dessiner
avec le moindre détail. Je vais juste
mettre quelques formes sur la page et aussi
lâcher que possible, créer une structure
sur laquelle je
pourrai encrer . Voici notre idée
d'une ligne d'horizon. Notre bouteille, celle-ci, notre bouteille d'encre va
aller là,
notre petite bouteille d'encre blanche
va aller là,
et puis le verre
est à peu notre petite bouteille d'encre blanche
va aller là, près là. Maintenant, je vais
commencer à remplir ces formes un tout petit peu, en faisant très attention à la
distance d'ici à ici, la distance d'ici à là, la distance de là
à là-bas, là où cette chose se trouve
réellement dans la composition. Maintenant, bloquons
l'angle de ce stylo. Tout d'abord,
ce qui compte, c'est l'angle du stylo, qui correspond à peu près à cela. Ensuite, une fois que je connaîtrai l'angle
et sa longueur totale, je pourrais commencer à
concevoir le stylo lui-même. Une grande partie du développement d'une pratique
artistique consiste donc à
rechercher des étapes entre les étapes ,
car vous n'
aurez alors jamais besoin de revenir en arrière. Tu es toujours en train de construire plus en plus
petit, et tu n'es pas du genre,
oups, je dois faire marche arrière, réparer ces
choses et les effacer En fait, plus vous ralentissez, plus vous travaillez vite et
plus vos images sont fortes. Une fois que j'ai une idée
des formes générales, je commence à y penser
un peu plus. Mais avant cela,
mettons cette ombre
sur le mur. L'arc va de
là à là. Notons-le et
fixons ce bel angle de cette ombre à stylo sur le mur. Pour moi, ce fard à plume
est un heureux hasard et à ce stade de mon processus de
création, c'est en train de devenir l'aspect le plus
important de mon processus créatif. C'est un processus créatif comme celui-ci, qui laisse place à de nouvelles idées. C'est ce qui distingue
votre cerveau du cerveau de l'IA. cerveau de l'IA
tire des conclusions hâtives et ne
suit pas le parcours organique d'un processus créatif
où vous découvrez en cours de
route des choses qui
changent fondamentalement ce que vous créez Tous ces choix
trouvent un écho dans l'œuvre et il est
intéressant d'en parler Si vous voulez réfléchir à la manière dont
nous nous distinguons de ces outils automatisés qui nous
prennent le dessus
de nombreuses manières, vous pouvez enrichir votre processus de
création et votre travail trouvera toujours plus d'
écho si vous
le faites vous-même Cela a-t-il du sens ? Je l'espère. Maintenant que j'ai
tout bloqué, je vais commencer
à trouver les formes l'angle de cette bouteille. Encore une fois, je ne
recherche pas vraiment la précision. Je cherche une idée générale de la composition
pour inspirer l'encrage
8. Séquence 2 du projet de cours: Il y a suffisamment de
croquis pour que
je me sente bien dans
mon processus d'encrage Je vais revenir
au stylo que j'
ai utilisé dans l'ensemble
et juste pour m'
échauffer un peu . Je
viens ici et je sens la largeur du stylo en
fonction du pourcentage de taille. Je veux une belle variation
de l'épaisseur de ma ligne. Je veux être capable de tracer de
très petites lignes, mais aussi de les rendre belles et larges et de remplir des
noirs solides sans trop d'effort. Allons-y. Supprimons
cela et repartons à zéro. Pendant que vous encrez,
n'ayez pas peur de simplement omettre les aspects dont vous ne savez pas encore ce que vous allez en
faire J'essaie donc une touche de liberté à ces objets sans
vraiment m'engager trop de noirs solides, mais parce que je pense que
je vais avoir envie négocier et de prendre une certaine liberté
créative avec certaines
ombres de cette scène, surtout une fois que j'aurai commencé l'année, car
en moment, j'ai des gris profonds sur du noir et je travaille vraiment
contraste élevé avec ce crayon. Ce
sera noir contre
noir si je commence à les
remplir, ce qui n'est peut-être pas exactement
ce que je recherche. Il se peut que je sois un peu trop confuse pour ne pas
comprendre ce que nous cherchons Les bords d'abord, une belle main lâche. C'est amusant de jouer avec
différents matériaux. C'est amusant de distinguer
le verre vide du
verre plein, de
petites choses comme, eh bien, comment vais-je rendre
ce petit
détail de peinture sur le côté ? À quel point
cela est-il important pour mon design ? Je pense que c'est un détail subtil que vous remarquerez peut-être ou non. Cela indique simplement que le
flacon a été utilisé. Une autre version
pourrait le souligner. Regardons ce
stylo pendant une seconde. heure actuelle, il semble
très plat et ajout d'une touche de
contour contribuera grandement à en montrer
la forme et le
point de vue. Si nous regardons cette photo, laissez-moi changer de couleur pour que vous puissiez voir que c'est un
angle très précieux, tout comme celui-ci. C'est super utile.
Maintenant, dans notre version à encre, je sais que j'ai vraiment
besoin que cette ligne
et cette ligne correspondent assez bien ce qui vous en
dit long sur ce stylo. Maintenant, permettez-moi de vous indiquer
où cette ombre
va aller. Des choses que j'ajoute, comme cette petite ombre
sur la table, dont le but est de
faire
éclater davantage cette bouteille et d'
établir des éléments tels que le
placement sur la surface, non pas pour vous en dire plus
sur la bouteille, mais simplement pour lui donner plus de masse. Il y a une jolie
petite ombre qui pousse
ça devant Nous pourrions également mettre l'accent sur
cette petite ombre qui se cache ici. Regardons ce qui se passe derrière nous. Nous avons un joli petit écart, puis je vais
ajouter cette ombre ici. Je vais laisser un peu d' espace autour
de la bouteille juste pour préserver le
détail de sa forme. Il faut faire
attention aux ombres ,
car elles peuvent parfois effacer les formes des choses. Pour l'instant, je vais me
cogner et c'est presque comme si cette aura de lumière était préservée sur
le bord de la bouteille Si je le fais, je
laisse cette petite lacune,
ce qui me permettra de combler les autres aspects de la bouteille
en toute confiance autres aspects de la bouteille
en Le petit bout
tétonné ici en haut a un joli surlignage,
alors il est noir uni Je vais conserver
ce petit point fort et commencer à
noircir les choses en général Utilisez des hachures pour le remplir
, afin éviter quelques petits reflets
sur la bouteille elle-même. Se déplacer sur une ligne de contour révélant la forme
de l'objet. Même lorsqu'un objet est
rempli de matière solide, cela vaut probablement la peine de le déplacer
dans la forme de l'objet. Lorsque je dessine des objets qui
se trouvent à l'intérieur d'autres objets, j'essaie d'alléger l'épaisseur de
mon trait,
alors que l'étiquette est
plus visible en surface Je vais m'attarder
un peu plus sur
ce point pour capturer une touche
de typographie
et de formes qui s' ce point pour capturer une touche y trouvent Je vais
les garder abstraits car si vous commencez à
bloquer le lettrage, cela attirera l'attention
d'une manière qui ne correspond peut-être pas à
ce que vous recherchez Gardez les choses abstraites,
surtout s'il s'agit d' informations telles que des lettres, des chiffres
ou des logos. OK. Passons
à ce stylo. Je tiens à
préserver
cette idée du caractère
du corps du stylo. J'expliquais comment il y a cette jolie petite
fissure là-dedans.
Je veux sauver ça. Voici la texture du type liège. Ensuite, quelques
lignes hachurées indiquent qu'il s'agit d'un matériau distinct
du matériau situé en dessous Maintenant, le manche lui-même a
un joli point fort, mais il est principalement noir uni. Le point culminant se trouve sur
le côté opposé, juste là. Je vais essayer de le
sauvegarder et de le garder présent tel que je suis dans le
corps du stylo. Revenons maintenant à l'
ombre du stylo lui-même. En tant que dessinateur, la silhouette
est très importante pour moi. Silhouette est synonyme d'
iconographie, de familiarité. C'est quelque chose de vraiment
bien adapté à la narration. J'adore trouver la silhouette de quelque chose
et le faire vraiment ressortir. Ce stylo ressemble presque à une
silhouette caricaturale à ce stade, je prends juste une certaine
licence artistique et je le fais
ressortir d'une manière qui
n'est peut-être pas tout à fait vraie en ce qui concerne
ma référence photo Dès que nous serons là,
nous pourrons terminer. Regarde ce petit
détail. C'est très bien Nous allons nous en sortir
. Voici donc ma nature morte à l'encre, quelques objets issus de
ma pratique créative, réalisés dans un style indien agréable, souple et texturé, jouant avec l'épaisseur du trait, en me
concentrant sur les reflets, les ombres, essayant de donner
une petite impression de profondeur à ces
objets de la scène C'est à moi de faire passer cette
limite en fait. Euh, celui d'Horizon se passe dans
mon ombre. Je transforme mes formes en
formes en ajoutant le
contour des objets, et je partage un
peu de
ce que l' on ressent lorsque l'on travaille
avec ces matériaux, le désordre de l'encre qui
fait également son caractère, cet équilibre de matériaux
chaotiques, mais aussi la précision
de l'outil Je pense que tout cela est
là, dans ma façon d'encrer, et je pense que c'est une excellente façon développer son
propre style, quel que soit
l'équilibre entre clarté et tonalité. C'est notre projet de classe. Dans le chapitre suivant, nous allons
juste faire un petit résumé. Passons donc à ça.
9. La séquence de fin: OK, j'espère que vous avez pris plaisir à
explorer le stylo
et l'encre, et si ce cours vous
a inspiré pour créer un projet de classe,
j'adorerais le voir. Vous pouvez le publier dans la section des
projets de classe sur Skillshare Je passe chaque jour
pour voir s'il y a de nouvelles œuvres d'artistes en herbe, et j'adore partager vos
commentaires et vous guider vers les prochaines étapes de
votre parcours créatif J'ai une chaîne de
plus de 20 cours qui
se concentrent sur l'art narratif, le
dessin animé, les bandes dessinées
et d'autres techniques à la plume et à l'encre, et d'autres techniques à la plume et à l'encre comme celles que nous abordons aujourd'hui Donc, si vous avez un moment
pour laisser un avis positif sur ce cours, ce serait vraiment
bien car cela aide. D'autres le découvrent. Maintenant, en guise de chapitre bonus, je vais me pencher sur
certains des artistes qui influencent mon travail et
ce cours en général. Donc, si tu veux m'
y rejoindre, ce serait génial. Sinon, je vous retrouverai prochaine fois et j'ai
hâte de voir votre travail.
10. 10 Séquence inspirations: Je réfléchissais
aux techniques sur lesquelles je
voulais me concentrer dans le cadre
de ce cours. Je n'ai pas pu m'empêcher me souvenir de l'un de mes romans graphiques
préférés, illustré par Jillian Tamaki, illustratrice et dessinatrice contemporaine Ils travaillent dans les domaines de la bande dessinée, l'illustration et
des livres pour enfants. Cet été est peut-être mon travail préféré auquel
ils ont participé. Cela m'a inspiré des choses que j'ai faites. travail à l'encre de Gillian
est souple, maîtrisé et d'une
clarté remarquable Et ils dessinent des sujets du quotidien, ils ont un poids émotionnel, mais ils ont aussi l'impression d'être
des extraits d'un journal Ils sont tellement personnels
et simples , ils sont presque inspirés par la pensée
et ils sont fantaisistes Il y a cette jolie mise en
italique de leur dessin au trait. C'est élégant
et ample, et les outils présents sont tellement
texturés. Vous pouvez voir à quel point
ils sont confiants dans leur travail. Bien qu'ils explorent tant d'idées et de sujets dans leurs dessins au trait, il y a une certaine marge de
manœuvre qui les rend un peu irrésolus ou ouverts,
comme un souvenir qui s'estompe Peut l'être. C'est Jillian Tamaki Ensuite, nous allons
jeter un œil au dessinateur Walt Kelly Il est surtout connu comme le créateur
de la bande dessinée Pogo
, publiée du début des
années 1940 aux années 1970 Comme le dessin au trait
ressemble à un élastique, je suppose que c'est ainsi
que je le décrirais. Il est élastique. C'est efficace. C'est plein d'énergie, d'énergie
potentielle, mais il y a aussi
cette chaleur dans ses dessins de personnages qui transparaît dans ses
dessins
au trait, qui sont parfaits
pour l'expression d'un motif, ainsi que pour les travaux de conception lâches, gluants, presque scénographiques C'est une formule parfaite
pour le dessin animé. Qu'il dessine
ces grands globby trees une tortue ou un oiseau, il dégage un sens incroyable
du travail de construction qui est unifié par son style souple et
constant Enfin, nous
allons nous intéresser à Tomi Ungger, un
illustrateur prolifique Leur carrière va des caricatures
politiques aux sujets très
sérieux et lourds Poster, travail éditorial
et livres pour enfants. Ses dessins à l'encre ont cette précision audacieuse et
vraiment économique. Ils sont intrépides dans la façon dont ils utilisent juste quelques
coups décisifs pour communiquer Mais bien sûr, ils peuvent toujours être ludiques et ce ton provient
du fort contraste et de la clarté
graphique présents et pas tant
des petits détails. Son style montre vraiment à quel point une
voix illustrative forte peut s'adapter à toutes les formes narratives tout en restant clairement
claire et individuelle
Ira Marcks, Cartoonist
