Encre et papier teinté : créer de belles fleurs

1. Introduction: Peindre des fleurs dans leur état naturel peut sembler intimidant, car il y a tant de choses à considérer avec une myriade de formes, de tailles et de textures uniques. Bien sûr, les fleurs peuvent être très colorées, ce qui ne fait qu'ajouter à ce défi. C'est là que les études sur du papier teinté peuvent être une première étape extrêmement utile. Bonjour. Je m'appelle Ohn Mar. Je suis artiste de carnets de croquis, illustrateur d'emballages alimentaires, vêtements cadeaux et de livres. J'ai travaillé pour la BBC, YouTube et l'UNICEF et je suis également auteur de Go With The Flow Painting. Je suis l'un des meilleurs professeurs sur Skillshare, et j'aide les artistes de tous niveaux perfectionner leurs compétences en aquarelle en partageant mes connaissances approfondies en remplissant 40 carnets de croquis avec des paysages, des natures mortes et des fleurs. Cette technique de papier ton nous permet créer des esquisses dynamiques en mettant l'accent sur la simplification en décomposant les zones en zones les plus claires, les tons moyens et les plus foncés. Pour nous guider tout au long du processus d'esquisse, je vous fournirai des images de référence qui vous permettront d' expérimenter une variété de formes et de styles. Tout au long du cours, je partagerai décisions clés concernant la façon dont j'interprète les différents éléments des photos qui ont impact sur la composition, la forme et le contraste. De plus, nous approfondirons le concept d'espace négatif, une technique où les formes sont créées en peignant autour d'elles. Cette approche peut ajouter de la profondeur et de la dimensionnalité à nos croquis. Ne pensez pas que vous devez vous éclabousser sur des tas de matériaux. encre brune et blanche ou la peinture suffit et vous pouvez utiliser n'importe quel papier ton sur ton provenant de vieilles enveloppes ou même de l' intérieur de boîtes en carton. Si vous aimez peindre des fleurs, je veux vous faire passer au niveau supérieur. Ce type d'études vous aidera à affiner vos compétences d'observation et connaissances en matière de contraste de valeurs. J'espère que vous êtes enthousiaste à l'idée de me rejoindre dans ce voyage et j'ai hâte de voir vos belles interprétations de fleurs sur du papier teinté. 2. Votre projet: Merci beaucoup de m'avoir rejoint pour ce cours. Je travaille sur du papier à tonalités depuis un an, tout en améliorant ma connaissance des valeurs, en particulier des points forts. Je pense que cela a considérablement amélioré pièces de mon carnet de croquis, car je suis obligée de rechercher des zones claires et sombres , de les simplifier pour obtenir des formes et d'utiliser le contraste pour donner l'illusion d'une lumière directionnelle. Pour ce cours, vous pouvez utiliser n'importe des images de référence en haute résolution que j'ai utilisées pour les démos de ce cours. Un téléchargement PDF intitulé Flower References for Tone Paper est disponible . Vous pouvez le trouver sous l'onglet Projets et ressources, Vous pouvez le trouver sous l'onglet Projets et juste ici, sur le côté droit, sous le mot ressources. Votre projet consiste à créer une étude florale sur du papier teinté à encre blanche et brune à partir d'une image de référence en utilisant les techniques que je vais démontrer dans les vidéos. Veuillez inclure une ou plusieurs études sur papier et encre de la fleur que vous avez choisie ainsi que vos réflexions sur le processus, les leçons apprises et les défis que vous avez rencontrés. Il est normal d'être honnête ici. Vous pouvez choisir vos propres images, mais veillez à inclure votre photo de référence dans votre projet. C'est important, en particulier si vous souhaitez des commentaires constructifs sur vos croquis afin que je puisse voir sur quoi vous travailliez. Lorsque vous êtes prêt à télécharger votre projet de classe, rendez-vous dans l'onglet Projets et ressources et cliquez sur le bouton « Créer un projet ». abord, je vous ai donné un projet pour la photo de couverture et un titre pour la faire vraiment ressortir. Vous pouvez y ajouter le contenu de votre projet, y compris les photos et le texte, pour réfléchir au processus et à ce que vous avez trouvé intéressant. Une fois que vous avez ajouté votre contenu, n'oubliez pas de cliquer sur « Publier ». Lorsque vous avez terminé, vous pouvez revenir à tout moment pour modifier ou même ajouter d'autres photos à votre projet. Je sais que cela peut être très effrayant de faire connaître votre travail au monde, en particulier lorsque vous débutez, mais je vous encourage à faire preuve d'audace et à partager afin que je puisse vous faire part de vos commentaires. Jetez un coup d' œil à la galerie de projets et envoyez quelques likes et commentaires sur d'autres projets étudiants à. Diffusons cette bonne énergie, car un commentaire encourageant a le pouvoir de vraiment agrémenter la journée de quelqu'un. Dans la vidéo suivante, nous allons passer en revue les outils et le matériel dont vous aurez besoin pour ce cours. Quand tu seras prêt, rejoins-moi là-bas. 3. Matériel: Commençons par examiner le matériel dont nous aurons besoin pour ce cours. Le papier teinté est simplement un papier qui a une valeur autre que le blanc. Ou en d'autres termes, ce n'est pas un livre blanc. Il se décline souvent en différentes nuances de gris ou de brun et également de noir. Vous pouvez acheter un papier teinté sous de nombreuses formes. J'ai ce carnet de croquis en papier gris de Hahnemuhle, que vous verrez plus tard. Hahnemuhle propose également une version cappuccino. Vous devrez consulter mon autre cours sur papier teinté si vous voulez voir ces pages de près. Strathmore produit un paquet de papiers de différentes couleurs comme ceux-ci. Il est fait pour les pastels, mais vous pouvez également l'utiliser pour ce projet. Un paquet de papier kraft standard que vous pouvez acheter à très bas prix vaut également la peine d'être envisagé . Vous avez très probablement du papier coloré qui traîne dans la maison sans vous en rendre compte, peut-être du papier d'emballage ou l'intérieur de boîtes d'emballage alimentaire comme celle-ci. Si vous les démontez, ils se présentent sous toutes les formes et nuances. De manière très surprenante, il s'agit de papier teinté prêt à l'emploi. Ce qui est bien, c'est que vous n'avez pas à payer plus d'argent pour ces boîtes de barres protéinées, ces enveloppes Amazon. J'ai même gardé ce papier mais certaines fleurs sont emballées dedans. J'ai aussi cette enveloppe en manille d' quelques années sur laquelle j'ai dessiné des fleurs au stylo blanc. J'ai pensé que ça valait la peine de te le montrer car c'est très joli. Ce que nous faisons dans ce cours sont principalement des études, et elles ne sont pas censées être des œuvres d'art finies et élaborées. Vous pouvez vraiment utiliser tous les bouts de papier ton que vous avez sur vous. De plus, si vous débutez dans cette méthode de travail, si vous vous trompez légèrement, vous n'aurez pas l'impression de devoir jeter du papier coûteux. Il suffit de trouver une autre boîte en carton et de la démonter. Comme nous devons indiquer les nuances et les reflets. C'est là que les encres entrent en jeu. Commençons par examiner une sélection d'encres brunes. Je commence par les encres acryliques. Il s'agit essentiellement d'une version extrêmement fluide de la peinture acrylique. L'encre acrylique est à base de pigments, et ces pigments adhèrent définitivement à la surface du papier lorsqu'ils sèchent et ne peuvent pas être retravaillés. Tu dois travailler assez vite. En général, l'encre acrylique est plus résistante à décoloration en raison des pigments qu'elle contient. J'ai ces trois encres acryliques autour de moi. Ils devront bien secoués car une partie du pigment restera coincée au fond. Voyons à quoi ils ressemblent sur du papier brouillon. Voici Tara Rosa. C'est un brun assez rougeâtre, probablement un peu trop rouge à mon goût. Celui-ci est brun antilope. C'est un peu comme le brun noisette, mais c'est une teinte légèrement verdâtre. Celui-ci est sépia. Quand je l'ai regardé à travers la bouteille, il ressemblait à un vert foncé trouble. Mais quand je l'applique, il est en fait d'un brun assez foncé. Ces deux encres brunes sont de Winsor et Newton. Nous avons du brun noisette et du brun tourbe. Le brun noisette est plutôt d'une couleur rougeâtre et terreuse. Cette tourbe brune ressemble plus à de la terre de Sienne crue. C'est une teinte plutôt dorée. Ces deux encres sont beaucoup plus translucides que les encres acryliques. Il convient également de mentionner cette encre acrylique Burnt Umber de Liquitex. Je dirais que c'est presque brun châtain. C'est une couleur assez chaude. Si vous n'avez pas d' encre, ne vous inquiétez pas, mélangez simplement de la gouache brune jusqu'à la consistance d'une seule crème. Passons maintenant aux encres blanches, encore une fois, il existe de nombreuses variétés qui vous donneront des résultats différents. Tout d'abord, je commence par le Kuretake, une encre blanche très opaque. Il sort assez rapidement, mais vous pouvez le diluer. La prochaine étape est l'encre blanche Bleedproof du Dr Ph. Martin. Il est assez épais et ressemble beaucoup au Kuretake. Le prochain est de Daler Rowney. C'est une encre acrylique. J'aurais probablement dû laver mon pinceau. Des encres des deux versions précédentes étaient encore collées sur ce pinceau. Cela a donné un résultat différent. Il s'agit de l'encre blanche Liquitex. J'ai lavé mon pinceau avant de l' essayer et il n'est pas aussi épais que les autres. Si vous n' avez pas d'encres blanches, mélangez simplement de la gouache blanche ou même de l'acrylique blanc. Ils fonctionneront tout aussi bien pour cela. Enfin, vous aurez besoin de quelques petits pinceaux. Ce ne sont que des pinceaux synthétiques et ils vous donneront une très bonne prise en main. Quelles que soient les encres brunes et blanches que vous avez. Je vous suggère fortement de tout essayer sur une feuille de papier brouillon, comme moi. Vous avez une bonne idée de la couverture et de son comportement. Si vous le faites, vous aurez probablement une bien meilleure expérience lorsque vous créerez vos études. 4. Mes exemples: Avant même de savoir que j'allais créer ce cours, j' essayais différentes approches de manière indépendante. Cela a fini par constituer la base des démos que je vais vous montrer dans ce cours. Vous allez découvrir l'expérience que j'ai acquise grâce à plusieurs tentatives et itérations dans ce cours. Vous aurez l'occasion d' assister à l'évolution de vos propres compétences et techniques et de mieux comprendre le processus d' apprentissage qui peut être réalisé grâce à la persévérance et à l'exploration. Certains d'entre vous ont peut-être déjà vu ce carnet de croquis gris pour Halloween lors de mon précédent cours sur papier sur ton. Je ressens le début de ce carnet de croquis avec des portraits que j'ai réalisés uniquement au stylo noir et blanc. Je voulais poursuivre sur ce thème, alors j'ai décidé de me faciliter la vie en capturant des fleurs simples. Tout d'abord, nous l'avons , ne m'oubliez pas, à l'encre blanche et au stylo Kuretake. fait, je cherche simplement à saisir l' essence de la fleur, et il y a beaucoup de simplification ici. Ensuite, il y a des perce-neige. Je les ai dessinées au début du printemps et j'ai été vraiment inspirée par ce que je voyais autour de moi. Cela aurait été fait incroyablement rapidement, mais les résultats sont vraiment magnifiques. Cette vidéo a été prise à Norfolk le week-end de mon anniversaire et c' était un spectacle tellement magnifique. En fait, j'ai peint d'autres perce-neige pendant que j'y étais. Je te le montrerai à la fin de ce cours. L'une de mes préférées est la fleur de pommier, qui annonce les périodes les plus chaudes du printemps. Ils ont des bourgeons si distinctifs qui sont si délicats, mais ils se transforment en fruits incroyables. Ces pommes en particulier sont si sucrées. Mes enfants les adorent. Voici une petite facette nazie vraiment mignonne et du muguet. Encore une fois, juste des études très simples au stylo et à l'encre Kuretake. cerisiers en fleurs sont tellement charmants et les voir illumine toujours ma journée. Ces échantillons particuliers ont été prélevés au bord de la rivière. Je ne suis pas un grand amateur de Helly Balls, mais je les apprécie beaucoup maintenant . Ils apportent toujours ces belles vibrations printanières. Vous pouvez voir ici que mes traits deviennent assez expressifs. À ce stade, j'ai trouvé que mon carnet de croquis était trop petit pour le type d'exploration avec lequel je voulais jouer. Heureusement, j'avais plein de papier brun qui traînait. J'utilise une partie du papier d'emballage qui entoure certains colis pour essayer différentes idées. Ici, vous pouvez voir dans ce premier exemple qu'il s'agit d'une fleur d'aubépine. Le papier est un peu froissé mais cela n'avait pas vraiment d'importance. Cependant, cette enveloppe en carton était vraiment agréable à travailler. Je dois dire que j'ai été très impressionné par les résultats. Il suffit de répéter le processus, en utilisant la même image de référence, pour obtenir des résultats magnifiques. J'ai tellement appris. J'ai poursuivi en examinant les climats hivernaux florissants. Je sais que le papier est très froissé, mais je pense que cela ajoute à l'effet. C'est une image assez complexe. Cela signifiait donc que je devais vraiment regarder et simplifier ces ténèbres et ces lumières. C'est une étude très importante pour moi. Celui-ci est un peu plus complexe. Cela provient d'une photo que j'ai prise au printemps dernier alors que je ramassais des brins de fleurs épanouies lors de mes promenades quotidiennes. J'ai quand même beaucoup appris grâce à ces deux exemples, mais j'ai trouvé que la valeur tonale de l'article sur celui-ci était un peu faible pour ce que nous essayions d'atteindre. Encore une fois, il est très important que je comprenne quelque chose comme ça à l'avenir. Je peux utiliser cette information à une date ultérieure. J'ai également un autre cours sur papier teinté appelé Toned Paper, propose de superbes illustrations simples en noir et blanc. Nous utilisons des références réelles à des fruits, des légumes et des vases pour décomposer les formes en zones sombres et claires essentielles afin de mieux comprendre le sujet. Veuillez consulter ce cours si vous souhaitez d'autres exemples d' observation attentive et d'utilisation stylos noir et blanc pour vous concentrer sur les formes et le contraste. Je laisserai un lien vers cette classe dans la description. 5. Avantages des études: La couleur est probablement l'une des qualités les plus attrayantes des fleurs et il existe une myriade de couleurs parmi lesquelles choisir. Mais croyez-le ou non, lorsque vous essayez de représenter des fleurs, la valeur est en fait plus importante que couleur pour la conception et le succès d'une peinture. La valeur, c'est-à-dire les lumières et les ténèbres, est la raison pour laquelle nous n'avons pas besoin voir un contour dans notre peinture. bords des objets ne sont pas nécessairement définis par la couleur mais par une valeur relative. Dans ce cours, nous utilisons du papier teinté pour améliorer notre compréhension du contraste et de la profondeur de nos références florales. Le papier teinté lui-même sert de base, permettant aux reflets et aux ombres de ressortir bien en évidence. Les études de tonalité ne doivent pas être considérées comme une perte de temps. Au contraire, ils jouent un rôle crucial dans approfondissement de votre compréhension de l' art floral à plusieurs niveaux. Bien qu'il puisse être tentant de se plonger directement dans la version couleur, passer à côté de l' étude des tons reviendrait à manquer d'importantes opportunités d'apprentissage. En prenant le temps de créer des études sur papier, vous posez les bases d' une compréhension plus complète de vos fleurs. Ces études vous permettront d'explorer et de comprendre les principes fondamentaux de la forme, de valeur et de la composition sans vous laisser distraire par la couleur. Ils vous fourniront une base solide pour capturer l' essence de la fleur, ses formes et l' interaction de la lumière et de l'ombre. En observant attentivement les fleurs et en les reproduisant sur du papier ton, vous développerez un sens aigu des nuances subtiles de valeur et de contraste. Cette prise de conscience accrue sera très bénéfique pour vos futurs travaux sur les couleurs, car vous aurez une meilleure compréhension de la relation entre les différentes teintes et nuances et de la façon dont elles interagissent. De plus, les études sur papier sont l' occasion d' expérimenter et de planifier. Comme elles sont généralement plus rapides et prennent moins de temps qu' une œuvre en couleur, vous avez la liberté d' essayer différentes techniques, explorer différentes compositions et de procéder des ajustements sans avoir à vous soucier du résultat final. Cela vous permet d' affiner vos idées, tester différentes approches et de gagner en confiance avant de vous lancer dans une version couleur plus complexe. Ce processus évolutif d' apprentissage et de perfectionnement renforcera vos capacités artistiques et vous aidera à grandir en tant qu'artiste. Ces études vont vraiment jeter bases solides pour toutes les pièces de couleur potentielles, vous permettant de les aborder avec plus de confiance. 6. Espace négatif: Parfois, j'utilise l'espace négatif dans mes croquis définir la forme et la forme. Comme vous pouvez le voir, je remplis la zone d'arrière-plan et derrière les cerisiers en fleurs à l'aide d'un stylo pinceau. À l'origine, je l'ai peint à l'aquarelle et à l'encre, mais je trouvais qu'ils manquaient de profondeur J'utilise donc ce stylo pinceau dans les espaces négatifs pour créer contraste visuel avec le sujet principal, à savoir les cerisiers en fleurs. Pendant les démonstrations en classe, je pourrais commencer à parler d'espace négatif. J'aimerais expliquer un peu plus ce terme. espace négatif est la zone qui entoure le sujet, ou en d'autres termes, l'espace positif est le point central, tandis que l'espace négatif se trouve en arrière-plan. En masquant intentionnellement l'arrière-plan ou les zones environnantes, le sujet devient plus prononcé et plus visible. L'espace négatif agit comme un cadre visuel, attirant l'attention du spectateur sur ce sujet principal, qui, dans notre cas, sera constitué de fleurs. En prêtant attention aux formes formées par l'espace négatif autour du sujet, les artistes peuvent définir et améliorer efficacement la forme générale des fleurs. L'interaction entre l'espace positif et négatif crée un dialogue visuel qui ajoute de la profondeur, la dimension et un intérêt visuel à votre œuvre d'art. L'utilisation d'un espace négatif laisse place à l'interprétation et je pense personnellement que cela évite que les œuvres d' art soient surpeuplées ou submergées C'est un appareil très pratique pour comprendre comment l'utiliser. Je vais vous montrer quelques exemples supplémentaires. Il s'agit d'un temple bouddhiste zen à Kyoto, au Japon. L'image de référence montre ce temple dans la neige. J'utilise la ligne d'arbres en arrière-plan pour définir le bord de ce toit qui était recouvert de neige et je pense que c'est un très bon exemple d' utilisation de l'espace négatif pour donner une idée du bord plutôt que d'utiliser une ligne parce que le papier était blanc. Voici un autre bel exemple où j'ai rempli l'arrière-plan ce foutu corbeau d'une couleur très foncée pour accentuer la forme de son corps. Je ne sais pas ce qu'il y avait en arrière-plan, mais c'est l' appareil que j'utilise pour regarder les plumes de sa queue. Dans cette version, le couplet est très pâle et le papier blanc, il aurait été très difficile de le définir En utilisant une prune de Bourgogne très foncée, j'ai pu le définir beaucoup plus et encore une fois, avec ce verre de cerises. Pour cette nature morte, j'ai utilisé un marqueur acrylique bleu très foncé pour définir le bord de cet oignon qui pousse ainsi que le manche de cette théière. Dans la partie ci-contre, vous pouvez voir le bleu foncé réapparaître entre les tiges et les bords de ces feuilles pour donner l'impression que vous pouvez voir à travers cette plante en arrière-plan. Enfin, pour cet exemple des chardons, j'ai utilisé l'espace négatif, encore une fois, en utilisant un stylo pinceau pour donner un arrière-plan beaucoup plus foncé, car les feuilles avaient une forme très inhabituelle et le dessus des chardons était duveteux. J'ai pensé que c'était la meilleure façon d'aborder ces chardons. Je sais que c'est une quantité incroyable d'informations, surtout si vous n'avez jamais utilisé d'espace négatif auparavant. Mais j'espère que les prochaines démos mettront certaines de ces théories en pratique. 7. Fleur 1 : clématite: Cette clématite poussait en fait dans mon jardin et j'ai trouvé que c' était un très bel arrangement. Vous pouvez voir la lumière et l' obscurité très distinctement, les fleurs de clématite elles-mêmes ayant une valeur incroyablement claire. Les zones les plus sombres se trouvent directement sous ces fleurs centrales, puis lorsque vous vous éloignez de ces zones, vous commencez à voir les formes d'une feuille entière. Pour cette démonstration, je vais utiliser de l'encre blanche Curie Take avec l'un de ces papiers toniques Strathmore provenant du bloc-notes. Je vais placer la plus grande fleur de clématite, celle en bas à droite. Ils ont tous quatre pétales, ce qui facilite la vie, bien qu'ils ne soient pas complètement inclinés à 90 degrés l'un de l'autre. N'oubliez pas qu'il s'agit de plantes biologiques, alors ne soyons pas trop parfaits dès le début. Trois informations se chevauchent Vous devez donc décider quels pétales se trouvent à l'avant et quels pétales se trouvent derrière les autres. Les pétales et les feuilles qui se chevauchent peuvent être très déroutants et vous n'avez pas à les représenter avec précision. Ce ne sont que des études. Vous devrez faire preuve de jugement et votre décision est tout à fait correcte. Celui-ci légèrement plus petit, bien qu'il soit légèrement plus rose, je vais quand même opter pour de l'encre blanche. Parce que c'est tellement clair par rapport à ce fond. Je ne pense pas vraiment que le positionnement de certains de ces pétales soit exact, mais ce que j'essaie de faire, c'est d'examiner la relation entre chaque pétale et chaque feuille l'un à côté de l'autre, afin que cela ressemble toujours à une clématite, comme s'ils poussaient de manière organique. Les études de tonalité constituent un très bon exercice de résolution de problèmes. Nous avons ici la première couche, qui est l'encre blanche. Nous allons maintenant utiliser une partie de l'encre de Sienne brûlée Liquitex. Je choisis absolument les zones les plus sombres qui se trouvent entre les pétales dans cette zone centrale, mais je fais attention aux vignes et aux sections qui se situent probablement dans les zones à tons moyens. Regardons d'abord les formes de ces endroits les plus sombres. Cela vous aide à comprendre la structure sous-jacente et les proportions, ce qui vous permettra de créer une représentation plus précise. Comme je l'ai mentionné dans d'autres cours, c'est vraiment une bonne idée de plisser les yeux en les fermant à moitié. faisant, vous verrez moins de couleurs et davantage de lumières et d'ombres, et ce sont les valeurs de vos couleurs. Cette zone, la section sur laquelle je travaille, est en fait une feuille Je vais donc utiliser de la peinture négative pour extraire cette forme du papier ton. Nous pouvons donner un sens à ce que nous voyons parce que nous reconnaissons sa forme. J'ai pu définir ce bord de la feuille et celui qui se trouve à côté. Ma technique consiste à le décrire abord, puis à combler cet espace négatif . Il existe probablement d'autres moyens de le faire, mais c'est le processus lequel je me penche en ce moment. J'ajoute maintenant cette tige et la feuille qui plane juste au-dessus. Je sais qu'il semble à moitié terminé, mais j'y reviendrai dans un moment. Les études de tonalité encouragent vraiment la simplification des formes et des formes. Lorsque nous travaillons sans distractions liées aux couleurs, vous pouvez vous concentrer sur la capture des formes et des structures de base de votre sujet. Vous ne pouvez pas espérer tout capturer. À un moment donné, vous devrez donc décider ce qu'il faut inclure et ce qu'il faut omettre, afin de donner cette apparence de superposition et de profondeur. Vous remarquerez que je vole ou que je me déplace d'une zone à l'autre, et c'est juste ma façon de me faire une idée, de trouver comment tout s'intègre, parce que je ne peux pas toujours le voir immédiatement. Je me suis rendu compte que la tige sur laquelle je viens de peindre n' est pas au bon endroit, et j'ai réalisé sa relation avec le pétale. Je vais devoir prendre une décision à ce sujet. Pour l'instant, je vais m'en tenir aux grandes lignes, je sais qu'il y a quelque chose qui ne va pas, mais je n'arrive pas à le comprendre pour le moment. Il y a tellement de choses qui se passent là-bas en ce moment, et je ne veux pas tout inclure parce qu'il y aurait trop de monde. Je vais devoir passer un appel d'ajustement. Cependant, j' essaie toujours de transmettre le caractère aléatoire des feuilles en les tissant en arrière-plan. C'est un peu comme analyser la distribution des lumières et ténèbres afin d'identifier ces formes principales, et cela permettra au spectateur comprendre ce qui se passe réellement ici. Passons à la tige, que vous pouvez voir sortir de la gauche. C'est probablement un peu difficile, mais nous allons remplir cette section avec quelques encres négatives. Pour moi, lorsque je suis dans le doute, je remplis toujours les zones les plus sombres en premier, car cela permet à mon cerveau de réfléchir à la prochaine étape à suivre. J'utilise l'espace négatif et positif pour représenter les feuilles et les tiges de la clématite , car elles s'entremêlent. Même si j'ai accéléré cette vidéo, vous pouvez toujours constater qu'il y a un peu d'hésitation et que c'est à moi de décider de la prochaine étape. Je continue à regarder la référence et à regarder mon article, pour trouver la manière la plus simple de décrire ce que je vois. Cette ligne que j'ai tracée juste à gauche est en fait l'un des poteaux de ma clôture, et je pense qu'elle créera une jolie bordure. Je regarde le bord de cette fleur de clématite. Je pourrais le remplir avec de l'encre blanche, mais je pense que j'ai décidé laisser passer le papier ton. Je pense que cela a très bien fonctionné. Nous terminons maintenant en ajoutant les étamines au milieu de chaque fleur de clématite. J'ai décidé d'utiliser uniquement des points, car lorsque je plisse les yeux, je ne peux pas vraiment voir grand-chose de ce qui se passe C'est donc la meilleure approximation que je puisse transmettre. Mais ce n'est pas grave, car c'est la simplification qui permet aux artistes d'identifier rapidement ce qu'est cette partie de la fleur. Juste pour vous le rappeler encore une fois, ce ne sont que des études. Ils sont là pour nous permettre d' améliorer notre observation, notre perception de la profondeur et de prendre des décisions avec plus de confiance. Vous savez, j'aime toujours faire une critique attentive par la suite, où nous évaluons ce que nous avons créé. Je dois dire que pour ma première tentative, je suis vraiment content du résultat. Je pense que cela donne une bonne impression de ces jolies clématites roses. Il y a une qualité organique très vive, presque comme un motif de lumière claire ou foncée qui traverse ce groupe. Plus je regarde cette œuvre, plus j'observe comment la lumière tombe sur différentes surfaces et crée ces reflets et ces ombres, ce qui nous permet de définir certaines des formes tridimensionnelles de ces pétales et feuilles. 8. Fleur 2 : Aubépine: Ces aubépines poussent partout dans mon quartier. J'adore les voir au printemps. Si nous faisons le tour des yeux en plissant les yeux, nous pouvons voir la fleur d'aubépine vraiment apparaître fond vert foncé, ainsi que la plupart des feuilles elles-mêmes. Notez les zones les plus sombres, en particulier celles où les tiges délicates qui ont une valeur très claire apparaissent devant ces taches sombres en arrière-plan. Heureusement, les fleurs et les bourgeons d'aubépine sont assez simples et c'est par cela que nous allons commencer. En fait, j'utilise un sac à emporter en papier pour cela. À partir de l'encre blanche Daler-Rowney et d'un pinceau rond numéro 8, les fleurs blanches sont des traits vraiment simples. Vous pouvez les tamponner ou commencer par le milieu vers l'extérieur. N'oubliez pas de superposer certaines fleurs, car c'est ce qu'elles font naturellement. Il est préférable de se concentrer sur l'assemblage des formes des touffes de fleurs entières plutôt que d' essayer de les peindre individuellement. N'oubliez pas que le cerveau peut combler les lacunes. Il peut émettre des hypothèses sur ce qui se passe. Les études de tonalité ne sont pas destinées à être des répliques parfaites. Ils visent plutôt à encourager les artistes à observer et à interpréter leur sujet. En autorisant des formes et des proportions approximatives, vous pouvez vous concentrer sur la capture de l'essence et du caractère de vos fleurs plutôt que de vous laisser emporter par quelque chose de trop précis. Cela permet des interprétations plus expressives et plus personnelles de votre sujet. Je pense que c'est un très bon départ. Maintenant, nous allons y aller avec l' encre Daler-Rowney. C'est du sépia. N'oubliez pas de secouer légèrement ces bouteilles d'encre afin que les pigments ne restent pas coincés au fond. Si je plisse les yeux, cette zone est l'une des plus sombres et elle se trouve juste à côté de la fleur. Cependant, au fur et à mesure que vous descendez, il y a plus de feuilles, nous allons donc devoir les contourner. Je vais ajouter la feuille qui est adjacente. Je pense que mon positionnement est légèrement décalé, mais je peux vivre avec ça. Nous pouvons y revenir pour y réfléchir. Je vais maintenant y retourner pour remplir une autre zone très sombre. J'ai remarqué que les feuilles des aubépines sont très distinctives et qu'elles ont une forme à trois pointes. Dans cette section, vous pouvez voir certaines des tiges les plus délicates, et j'aimerais les intégrer. Cela signifie avoir un pinceau très régulier pour que ce papier teinté transparaisse lorsque nous peignons l'espace négatif autour de ces tiges très fines. J'ai décidé d'ajouter quelques fleurs blanches supplémentaires après avoir observé cette image de référence un peu plus longtemps. Je pense que travailler de cette façon, c'est comme suivre une route, mais vous ne savez pas exactement où elle vous mène, mais vous devez simplement avoir confiance que vous arriverez à la destination finale. Je travaille actuellement sur cette partie supérieure, qui a cette petite branche tous les brins semblent se détacher. C'est une bonne idée de l'ajouter maintenant pour me servir de point de référence afin que je puisse évaluer la position de certaines feuilles par rapport à celles-ci. Maintenant, je passe d'une zone sombre à une autre. Cependant, je dois admettre que je suis parfois très confuse parce que je n'arrive pas à comprendre ce qui se passe. Je dois travailler avec une approximation et continuer à revenir à l'image de référence pour faire une observation vraiment minutieuse afin d'obtenir plus d'informations. Je suis sûr que vous aurez tous votre propre interprétation de la même image, et c'est très bien. Je pense que le papier Tone offre aux artistes un plus large éventail de possibilités d'expression et que vous pouvez vous en approprier. Vous verrez que je continue à le faire en volant d'une zone à l'autre, juste pour recueillir des informations. Petit à petit, je crois que j'y arrive. J'ai tendance à ne pas m' attarder trop longtemps. Sinon, je pourrais finir par surcharger certains domaines et je ne veux vraiment pas cela, car il ne s'agit que d'une étude. J'ai choisi cette zone en bas à gauche. J'ai juste dû l'inventer parce que c'est un peu flou sur la photo, mais si je plisse les yeux, cette zone est incroyablement sombre, donc je pense que c'est la meilleure solution. Les études sur papier sur ton offrent l' occasion d' expérimenter et de peaufiner alors que nous essayons d'établir la relation entre certains éléments. Dans ce cas, il s'agit de feuilles et de fleurs. Je pense toujours que c'est un peu magique lorsque vous remplissez l'espace négatif et que vous voyez ces feuilles émerger de cette feuille de papier. Cette zone en haut à gauche a besoin d'un peu plus de définition pour permettre une meilleure lecture de cet article. convient de mentionner ici que des études approximatives comme celles-ci peuvent aider les artistes à surmonter leur peur de faire des erreurs, car elles encouragent une approche plus détendue et exploratoire qui favorise un sentiment de liberté et de créativité. Cela intègre vraiment le processus. Il est maintenant temps d'ajouter les petites étamines au milieu, qui sont très délicates. J'ai probablement été un peu autoritaire ici. Une autre analogie pourrait consister à remplir des parties de la carte au fur et à mesure. Vous essayez de tracer les différentes parties de cette fleur d'aubépine. Au fur et à mesure que vous obtenez des informations supplémentaires, vous pouvez remplir une autre partie. Je pense que les petites zones des tiges délicates ont besoin d'être un peu plus définies, car elles constituent une partie importante de ce groupe de fleurs d'aubépine. Bien que ces minuscules tiges d'aubépine soient incroyablement petites et difficiles à peindre en tant qu'espace négatif, elles jouent un rôle extrêmement important dans l'histoire de ce bouquet de fleurs d'aubépine. J'ajoute simplement que cela aide à caractériser les formes de feuilles distinctives que nous observons sur les aubépines. Jetons un coup d'œil à ce que nous avons fait ici. Oui, il a l'air un peu rugueux sur les bords et il est inachevé, mais c'est tout à fait acceptable. L'essentiel est que nous ayons mis l'accent sur les éléments essentiels , à savoir les relations de valeur et la composition globale. De plus, en laissant intentionnellement certaines zones inachevées, vous pouvez attirer l'attention sur les éléments les plus cruciaux qui transmettent l'essence de votre fleur. Cette approche sélective permet prioriser les aspects essentiels de votre travail et laisser inachevé peut servir de représentation visuelle du processus artistique. Il s'agit d'un travail en cours qui capture un moment précis de votre parcours créatif. Personnellement, je pense que cela ajoute un sentiment de spontanéité et de qualité gestuelle à mes œuvres d'art. N'oubliez pas que l'objectif d'une étude de tonalité est de saisir les éléments essentiels et de servir d'outil d'apprentissage. Tant que vous avez bien transmis les principaux aspects de votre sujet, laisser quelque peu inachevé permet de l'interpréter. Vous pouvez considérer l'esthétique inachevée comme choix artistique délibéré et explorer les possibilités créatives qu'elle offre. 9. Fleur 3 : bouquet mixte: C'est un joli bouquet que j'ai créé lors d'une promenade printanière l'année dernière. Nous avons un mélange de calamiteux, jacinthes et aussi d'aubépines. Vous en avez déjà abordé deux dans ce cours. Je sais que ce bouquet a l'air assez intimidant, mais il peut tout de même être assez simple. Pour commencer, ils sont généralement tous plus clairs que le fond, sorte que les pétales et les feuilles devraient ressortir. Cependant, je tiens à souligner les jacinthes des bois, car leur valeur est probablement plus proche de celle jacinthes des bois, car leur valeur est probablement du demi-ton. Je pense que nous allons les laisser transparaître sous forme papier sur ton dans les zones où ils sont assis. Ce papier brun est le dos d'une enveloppe Amazon. Pour cette démonstration, je vais utiliser Dr. PH. Encre blanche résistante aux saignements de Martin. Comme nous l'avons déjà fait pour les autres fleurs calamiteuses, nous allons commencer par les pétales distinctifs. Cependant, je dois faire attention à la forme qu'ils créent lorsque les pétales se touchent, en particulier celui de gauche qui est incliné par rapport à nous. Veuillez plisser les yeux pour voir la forme. Ajoutons maintenant quelques-uns de ces bourgeons d'aubépine juste pour donner plus d'informations à ce cadre de base. Il y a en fait une troisième fleur calamiteuse sur la droite et les pétales celle-ci sont légèrement plus grands que les deux autres. Ensuite, il y a une très petite version à côté. Nous allons terminer avec les bourgeons d'aubépine et n'oubliez pas de remplir la forme de la masse des bourgeons pour donner une impression plutôt que d' essayer de les ajouter individuellement. Maintenant que nous avons mis en place un cadre, je pense qu'il y assez pour commencer à ajouter de l'encre brune. Voici Winsor et Newton Pete Brown. La zone centrale est vraiment confuse car il ne s'agit que d'une masse de feuilles sombres à intérieur et j'essaie désespérément de comprendre ce qui se passe. Cependant, nous avons cette feuille d'Hawthorne distinctive juste ici, à l'avant, donc je pense que je vais l'ajouter en premier. Il ressort à cause des énormes feuilles plus foncées qui se trouvent derrière lui. En parcourant le papier, je me rends compte que ce comporte de nombreux bords sombres calamiteux comporte de nombreux bords sombres. Je vais donc les ajouter maintenant, car cela m' aidera probablement à obtenir cette position. J'ai décidé de me bloquer dans cette petite zone jusqu'à ce que je comprenne ce qui se passe avec les différentes relations. Dans cette composition, je dois comprendre la relation entre les tiges des bourgeons d'aubépine et ils sont si nombreux. Ce que j'ai fait, c'est juste donner une suggestion. Je n'ai pas pu ajouter chaque tige. Maintenant, ce mouvement vers le bas fait en fait partie de ma main. Maintenant, je viens d'ajouter des formes positives, des formes de feuilles de base, puis en remontant, je reviens au négatif pour ajouter plus de zones sombres. Je dois simplifier une quantité phénoménale, car il y a tellement de feuilles dans cet arrière-plan. Maintenant, j'ajoute les tiges de ces bourgeons. Je me suis rendu compte que les fleurs d' aubépine sont un peu déplacées. Mais je pense qu'une fois que nous aurons les jacinthes, elles seront bien plus belles. Je ne vais pas trop insister à leur sujet. Lorsque je commence à créer ces jacinthes des bois, je tiens à ajouter beaucoup de détails, mais je m'efforce ne pas me laisser emporter par tous les petits capitules séparés. Ce que j'ai décidé de faire, c'est simplement tracer les bords des jacinthes des bois. J'essaie de ne pas me préoccuper de la majeure partie de ce qui se passe réellement dans ce domaine. C'est pourquoi je m'en suis tenu au plan. Je sais que cela semble vraiment étrange en ce moment et que cela n'a pas beaucoup de sens, mais et que cela n'a pas beaucoup de sens, mais je pense que cela aide à établir une partie de ce fond sombre. Même s'il ne s'agit que de buissons en arrière-plan, si vous plissez les yeux, il est difficile de comprendre ce qu'ils sont en dehors de cette masse sombre. Maintenant qu'il y a quelque chose qui encadre les jacinthes des bois, je suis un peu plus confiante quant à l'ajout de trous dans certaines de ces formes de cloches distinctes. Nous devons maintenant établir les limites de l'autre côté de ce groupe de jacinthes des bois. Cela semble compliqué, mais je pense que cela s'est considérablement amélioré en ce qui concerne la façon dont nous sommes en mesure de communiquer ce bouquet. Je peux dire qu'il se passe quelque chose de floral dans cet espace. Agrandissons maintenant cet espace négatif autour de la moitié supérieure de ce bouquet. J'aurais vraiment dû utiliser un pinceau plus gros pour ça. Quoi qu'il en soit, l'ajout de cette tache sombre au-dessus des bourgeons d'aubépine sur la droite a vraiment donné un certain contexte. en revenir au centre du bouquet, je fais mon truc habituel qui consiste à essayer de trouver les zones les plus sombres et à définir formes de ces feuilles sur le papier et vous pouvez voir qu'elles émergent bien, ce qui est tellement satisfaisant. Ces feuilles, en particulier , se heurtent à la fleur. Je dois m'assurer qu'ils se en dessous de ce groupe et pour donner l'illusion de profondeur. Je ne suis pas sûr que cette partie soit tout à fait correcte, Je ne suis pas sûr que cette partie soit mais elle suffira pour le moment. J'ai décidé qu'il nous fallait la dernière petite fleur calamiteuse et peut-être le soupçon d'une autre. Pendant que j'ai mon pinceau à la main, je vais ajouter quelques autres masses de fleurs d' aubépine et prendre leur place juste là. Si nous nous concentrons sur ce groupe pour le moment, nous pouvons les aider en définissant le bord inférieur de ce groupe avec de encre foncée, puis en ajoutant cette forme de feuille pour définir un autre bord. Cela commence vraiment à mieux communiquer , ce qui ajoute de la clarté à la composition et améliore la lisibilité globale de cette pièce. Les principales relations spatiales de ce bouquet sont en place et notre regard est dirigé vers ces grandes fleurs calamiteuses. Cependant, je ne suis pas très satisfait de ces jacinthes. Ils sont tout simplement trop plats. Je pense que nous devons introduire un contraste plus fort entre les valeurs claires et sombres. Je vais prendre un peu de cette encre blanche et sélectionner les plus petits points saillants sur les jacinthes des bois. Ils seront sur le bout des fleurs. Les points saillants sont essentiels pour capturer les jeux de lumière sur différents services et ils indiquent les zones les plus directement exposées à la lumière. Il est maintenant temps d'entrer et de créer ces étamines. Vous pourriez probablement être un peu plus léger en contact que ce que vous me voyez faire ici. J'aurais probablement dû changer de pinceau, mais tant pis. Ces petits points ajoutent vraiment une belle touche de contraste pour attirer votre regard vers le milieu. Je pense que nous avons fait du bon travail ici. J'aurais peut-être pu regarder ces jacinthes d'un peu plus près lorsqu' elles sont regroupées comme ça, mais elles sont incroyablement complexes et je ne voulais pas me laisser submerger. Je pense qu'avec cette pièce en particulier, j'ai dû faire plus attention aux bords, car elle comportait de nombreux éléments de nombreux types de fleurs et de feuilles. Il est essentiel de définir les contours des études de tonalité pour créer une séparation visuelle et transmettre de la profondeur. Il est important d' établir un sentiment de séparation et de définir les limites entre les différentes formes de feuilles et fleurs pour communiquer l'ambiance de ce bouquet. Je voudrais terminer cette vidéo en soulignant l'importance de ces études exploratoires rapides, car permettent aux artistes d' expérimenter différentes techniques, médiums et idées avant se lancer dans une peinture plus grande et plus complexe. Je sais qu'ils ont l'air incroyablement désordonnés et rugueux, mais ce qui est beau , c'est que nous apprenons de chacun d' eux et que nos compétences peuvent être affinées. Lorsque j'étais étudiant en art, nous faisions de nombreuses études exploratoires rapides souvent limitées dans le temps. En créant d'abord ces petites études, nous pouvons identifier et résoudre problèmes potentiels, ce qui évitera de perdre du temps et des efforts sur pièces plus volumineuses et plus chronophages. Cela permet d'effectuer des ajustements et des améliorations de manière plus efficace et, en fin de compte, de mener à un processus de peinture plus ciblé plus tard. 10. Réflexions finales: Merci d'avoir pris le temps de regarder mon cours. Il convient de rappeler que même sans aucune couleur, nous avons pu très facilement identifier la nature des fleurs. En effet, notre cerveau est très habile à reconnaître et à identifier des objets tels que des fleurs en se basant uniquement sur les motifs de l'obscurité et de la lumière. Cela est dû à la remarquable capacité de notre système visuel à hiérarchiser et à traiter le contraste. J'espère sincèrement que vous pourrez utiliser ce que vous avez appris dans ce cours et l' appliquer à de futures œuvres d'art. Amusez-vous à découvrir les formes et vos fleurs et j'ai hâte de voir sur quels morceaux de carton ou d'emballage inhabituels vous utiliserez pour peindre. N'oubliez pas de les télécharger dans la section des projets. J'adorerais que vous laissiez un avis sur ce cours, car cela m'aide vraiment, à moi et à vos camarades de classe . Si vous souhaitez partager ce que vous avez créé dans ce cours sur Instagram, taguez-moi @ohn_mar_win et utilisez le # ohnmyskillshare, afin que je puisse trouver vos œuvres incroyables et les partager sur mon fil d'actualité. Maintenant, je vous ai promis un aperçu d'une autre version de perce-neige que j'ai peinte dans mon carnet de croquis. Cela a commencé sur place dans un parc et un parc à Norfolk. C'est en fait l'arrière-plan de mon carnet de croquis avant que j' y ajoute quoi que ce soit d'autre. Cela ressemble à une aquarelle abstraite, mais ce que j'ai fait, c'est créer mon propre fond teinté. La plupart sont en fait de milieu de gamme, à part ces arbres qui se trouvaient en arrière-plan et qui étaient incroyablement sombres et j'ai pu travailler dessus, vous verrez que j'ai créé deux versions. L'un utilisant des stylos Posca et l' autre des crayons de couleur. Cependant, le principe est le même : trouver les zones les plus sombres et utiliser espace négatif pour masquer certaines parties de l'arrière-plan. Je pense que c'est dans la continuité de ce que j'ai présenté dans ce cours. Mais pour passer à l'étape suivante, appliquant les mêmes considérations de contraste et d'ombre, mais en utilisant des médiums différents. La création de mes propres arrière-plans sonores spontanés est quelque chose avec lequel j'ai beaucoup joué récemment dans le cadre de mes études de carnets de croquis. J'ai utilisé de l'encre en arrière-plan, appliquée de manière très aléatoire, afin qu'elle ne réagisse pas avec aquarelles ou les stylos avec lesquels je pourrais avoir envie de travailler sur le dessus. Une fois que vous aurez les bases, vous serez en mesure d'appliquer le même cadre. Elles sont en fait extraites de mon carnet de croquis sur place. Si je transforme certaines de ces planches en une image en noir et blanc, vous pouvez voir que j'ai essentiellement créé du papier teinté. J'ai pu ajouter des reflets à l'aide d' un stylo Posca et de pinceaux plus foncés. La compréhension de la relation entre la couleur et la valeur permet de travailler plus facilement avec différentes couleurs. Même celles qui ne semblent pas naturelles, comme les éclaboussures rouges accidentelles sur la peinture acrylique de ce carnet de croquis. En fait, même sans aucune couleur, notre cerveau peut facilement identifier les objets d'une image. En effet, notre attention est principalement attirée par les motifs de lumière et d'obscurité. Lorsqu'il y a un contraste entre des éléments clairs et foncés, nos yeux sont immédiatement captivés. Bien que nous considérions souvent la couleur et la valeur comme des concepts distincts, ils sont étroitement liés. En prenant en compte la valeur d'une couleur, nous pouvons capturer efficacement l'essence d'un objet ou d'une scène, quelle que soit sa coloration. En reconnaissant l'importance de valeur et de sa relation avec la couleur, nous pouvons prendre des décisions éclairées lorsque nous choisissons la couleur de nos œuvres d'art. Comprendre que la valeur joue un rôle important dans la façon dont nous percevons et interprétons les couleurs nous aide à créer des compositions plus percutantes et visuellement attrayantes. 11. BONUS : étude des couleurs de clématite: Je voulais inclure cette leçon vidéo bonus pour vous montrer comment j'interprète la même clématite de la démo 1 en tant que version couleur. Vous pouvez maintenant comparer la façon dont la création d'une version papier teintée a influencé ma prise de décision lorsque je crée une étude à l'aquarelle en couleur. Vous n'êtes pas obligé d'interpréter les couleurs dans le cadre de votre projet de classe, c'est purement facultatif. Toutefois, si vous décidez d'en peindre une, veuillez télécharger votre version couleur avec l'étude sur papier et quelques mots sur votre expérience en comparant les deux études différentes. Maintenant que nous avons créé une version papier teintée de cette clématite, nous disposons à nouveau de beaucoup plus d'informations issues de cette première étude. Nous pouvons utiliser cette expérience lorsque nous examinons une version aquarelle de la même image de référence. Ne vous laissez pas intimider, car nous travaillons maintenant avec la couleur. Comme nous devons toujours être attentifs aux mêmes choses, il convient mettre fortement l'accent sur la forme et les valeurs. Avant d'entreprendre des études sur papier ton, il est fort probable qu'elles aient commencé avec des pétales pâles comme celui-ci. Mais c'est assez difficile à voir. Je vais le modifier et travailler d'abord avec l'espace négatif, comme dans notre étude. Allons-y avec un peu de vert sève, auquel j'ai ajouté une goutte d'indigo. Je laisse le papier blanc ou non peint, puis j'utilise le vert pour peindre l'espace autour de la forme de ces pétales. Il s'agit toujours de rechercher les zones les plus sombres, principalement entre chaque pétale. Lorsque je peins les zones les plus sombres, j'utilise le gris de Payne mélangé à ce vert sève. Ne l'édulcorez pas trop. Assurez-vous qu'il y a beaucoup de pigments à l'intérieur pour ces valeurs plus sombres, car les aquarelles sèchent plus clairement. Vous pouvez voir ces pétales émerger, ce que j'adore absolument. En fait, je m'intéresse davantage à l'image de référence qu' mon étude, car je pense avoir oublié certaines choses la première fois et, comme je suis responsable, je peux l'interpréter comme je le souhaite. Il est parfois très intéressant de voir quelles sont les différences lorsque vous comparez deux œuvres qui peuvent provenir de la même image. J'essaie toujours de comprendre à nouveau les pétales principaux. Ils diffèrent légèrement de l'ensemble de mon étude car je travaille toujours avec l'espace négatif et cela donne des résultats différents maintenant. J'avais beaucoup de mal à trouver les bonnes proportions de ces pétales et leur positionnement. Mais j'ai laissé tomber et je continue. Si créer une étude de tons puis passer à une version couleur sur la même étude est une nouveauté pour vous. Je voudrais passer rapidement en revue certaines des raisons pour lesquelles la répétition est si importante. La principale question que j'ai abordée est celle du renforcement de la confiance. Au fur et à mesure que les artistes répètent et mettent en pratique diverses techniques, ils se familiarisent et se sentent plus à l'aise avec celles-ci. Cela renforce la confiance, réduit certains doutes de soi et nous permet de nous attaquer à des problèmes plus complexes comme celui-ci. De plus, il est très important de développer la mémoire musculaire en pratiquant à plusieurs reprises ces techniques et ces coups de pinceau. Nous entraînons nos muscles. Lorsque nous faisons cela, il existe en fait des voies neurologiques dans notre tête qui effectuent les mouvements souhaités à chaque fois. Cela devient beaucoup plus efficace et facile. Cela permet un meilleur contrôle, une meilleure précision et une meilleure cohérence de nos œuvres d'art. Nous cherchons maintenant à apporter des feuilles plus brillantes ou légèrement plus claires dans la zone supérieure. Il est maintenant vert sève mélangé à du jaune. Vous pouvez voir comment cela correspond aux zones du papier teinté que nous n'avons pas peintes. Si certaines parties de votre papier sont visibles, c' est là que certaines de vos feuilles peuvent entrer en jeu , car elles se situent plutôt à une valeur moyenne. Je laisse les pigments se mélanger sur le papier. Laissons donc certains de ces jaunes et verts faire la merveilleuse magie de l' aquarelle. Lorsque vous plissez les yeux, vous pouvez déjà voir la différence entre les valeurs tonales du vert clair que j' applique maintenant et l' indigo foncé et le vert sève de l'arrière-plan. La répétition aide à établir la mémoire musculaire, c' est-à-dire la capacité de nos muscles à mémoriser et à exécuter automatiquement des mouvements spécifiques Grâce à une pratique régulière, comme celle que nous faisons ici, nous pouvons entraîner nos muscles à exécuter certains gestes et actions sans avoir à y penser consciemment. Cela permet des mouvements beaucoup plus fluides et fluides lorsque nous peignons. Ajoutons une indication de ce poteau de clôture. Je tiens à ce que cette zone ne soit pas peinte car de nombreuses tiges venteuses s'y cachent. J'aimerais les ajouter plus tard. Maintenant, je pense qu'il est temps de bien laver le pinceau, car j'aimerais mélanger un peu de ce rose pâle chaud et remplir les pétales. Ce que j'ai mélangé, c'est Opera Rose avec un peu de gouache pour atténuer l'opacité et une petite goutte d'orange. Je tiens à conserver une partie du livre blanc ci-dessous pour conserver cette luminosité. Encore une fois, c'est à vous décider si vous souhaitez travailler à partir de la photo de référence d'origine, de l'étude tonale ou d'une combinaison des deux. Il est tout à fait normal d'avoir des interprétations différentes, et c'est pourquoi nous menons des études. Comme vous l'avez vu sur cette photo de référence, il y avait juste un enchevêtrement de vignes dans ce coin en particulier. Je l'ai simplifié pour cette étude tonale, mais je pense qu'il suffirait de quelques mesures supplémentaires. le modifier parce que je comprends beaucoup mieux cette scène en particulier après l' avoir peinte pour la deuxième fois. Ces vignes sont de couleur beige brownie, mais je ne pense pas que je vais introduire une autre couleur. Je vais rester très simple, mais cela donne quand même l' impression qu'il y avait enchevêtrement à côté de ces feuilles. Je vais en ajouter quelques autres en bas à droite. Au milieu, il y a quelques feuilles. Je pense qu'il est temps d'en ajouter quelques-unes à cette zone pour donner un peu de contexte. Tout comme dans les études tonales, je n'ai pas toujours de plan d'action clair. Je suis littéralement en train de procéder étape par étape et je me demande quelle est la prochaine chose à ajouter. Je passe d'une zone à l'autre au fur et à mesure que je confirme une information. En regardant à nouveau ce pétale central, je me suis rendu compte qu'il n'avait absolument pas la bonne forme. J'ai peint une partie de cet espace négatif, et oui, il est bien plus beau. Il en va de même pour quelques-uns des autres pétales. Ils avaient juste besoin d'être résolus un peu mieux pour que les formes soient beaucoup plus claires. C'est pourquoi savoir comment utiliser l'espace négatif et la peinture négative est un outil si génial. Pour en revenir à la partie supérieure droite, cela ressemble beaucoup à notre étude, mais j'ai du mal comprendre comment je vais ajouter ces feuilles. Je ne pense pas que je vais plutôt ajouter des feuilles individuelles ici. Je vais juste le remplir d'un vert clair pour qu'il contraste suffisamment avec ces pétales pâles. Comme je l'ai dit dans les autres vidéos, il est toujours bon de continuer à vous déplacer dans votre pièce afin de ne pas devenir trop obsédé par un domaine en particulier et de finir par le surcharger. Je vais opter pour cette sève verte jaunâtre parce que ce sont les zones feuillues. Leurs valeurs varient légèrement, mais je vais y revenir une fois qu'elles seront un peu sèches avec quelques peintures négatives pour les rendre plus évidentes. Ce sont des feuilles. C'est très lâche et ces pigments continuent de s'agglutiner, mais ils finiront bien. Fais-moi confiance. en revenir à cette partie supérieure, je ne veux pas trop la remplir, car elle est trop confuse pour que mon cerveau puisse comprendre ce qui se passe. Je vais juste le laisser comme ça. En ce qui concerne ces feuilles dans le coin inférieur, je vais maintenant utiliser de la peinture négative pour créer une forme de feuille à créer une forme de feuille partir du vert de sève que nous avons déposé plus tôt. Cette zone est en fait un peu humide. Vous pouvez voir qu'il fusionne un peu, ce qui est tout à fait normal. Prenons maintenant un moment pour admirer ce que nous avons fait jusqu'à présent. Je trouve que c'est superbe avec juste les bonnes touches de contraste. Il est maintenant temps d' ajouter les étamines. Encore une fois, j'utilise du vert sève, mais avec beaucoup plus de jaune pour qu'il s'harmonise avec les feuilles. Je les prends très rapidement du milieu vers l'extérieur. Je dois recommencer avec une sève verte légèrement plus pigmentée avec une touche de jaune dedans. Juste pour ajouter une touche de contraste dans la dimension de ces étamines. Lavons à nouveau notre pinceau car nous allons ajouter un peu plus de détails à ces pétales de clématites, ce qui leur confère leur qualité de texture. À ce stade, il pourrait être très facile de commencer à trop travailler. C'est là que nous, en tant qu'artistes, commençons à Pfaff. En gardant votre pinceau en mouvement autour de votre pièce, il conserve cette fraîcheur et cette énergie, et évite un certain surmenage. Ça n'a pas l'air si spontané. Ce mouvement continu et variation du pinceau créeront une sensation de vivacité et stimuleront l'intérêt visuel et la vitalité. J'ai dû revenir au rose pâle parce que je ne les avais pas inclus sur ces pétales de clématites, à l'extrême droite. C'est maintenant l'heure de la dernière passe C'est ainsi que je l' appelle lorsque j'ajoute les détails de finition en utilisant le gris de Payne. Dans ce cas, j'ai pensé que ce serait une bonne idée de donner au bas de cette pièce un bord extérieur ou un cadre. Cela avait quelque chose à contredire et à donner un peu plus de contexte. Je ne le fais pas souvent, mais à cette occasion, je pense que cela m'aide à ne pas me contenter de continuer jusqu'à ce que le papier atteigne le bord de cette feuille de papier. Vous avez remarqué que j'ai une palette assez limitée. C'est pour éviter la boue et mes couleurs. De plus, en déplaçant votre pinceau de différentes zones, empêchez ces couleurs de devenir boueuses ou trop mélangées. Lorsque vous travaillez continuellement dans la même zone pendant une période prolongée, les couleurs peuvent trop se mélanger, ce qui entraîne une perte de clarté et de vivacité. J'aurais pu remplir ces feuilles sur les bords extérieurs, mais je suis consciente de ne pas vouloir les encombrer. Si nous prenions le temps d' admirer les deux pièces, je pense sincèrement que je n' aurais pas pu créer une telle version en couleur si rapidement si je n'avais pas fait d'étude tonale. Lorsque vous effectuez le test de strabisme tonalement, ils sont très similaires. Comme la version couleur est la deuxième version, j'ai pu saisir plus d'informations J'ai donc probablement ajouté quelques détails supplémentaires, en particulier les vignes. J'adore ce rose pâle sur ce fond bleu-vert foncé luxuriant. J'espère vraiment que vous pourrez obtenir effets similaires si vous décidez de créer une version couleur de votre pièce florale Si c'est le cas, n' oubliez pas de la télécharger. J'ai hâte de voir vos versions. 12. En coulisses: Rubis. Ruby, chérie, j'ai besoin de mon bureau, je dois commencer à filmer. Vas-y, tu peux le faire. Merci Non, Ruby, descends, quitte Ruby. Chérie, je ne sais pas si c'est le bon chemin. Oh, calme-toi. Ruby, tu t'es assise sur mon bureau.