Écrire votre scénario : l'art de l'histoire, de la structure et du script

1. Introduction: Je suis Joshua Dickinson et je suis scénariste. J' ai commencé en tant qu'acteur et maintenant j'écris et je dirige aussi. J' ai enseigné la réalisation cinématographique et le conseil sur les scénarios depuis cinq ans. J' ai vraiment remarqué comment diviser le processus en étapes vraiment simples aide les gens à clarifier leurs idées et à partir de, j'ai eu cette idée et je pense peut-être écrire aussi. On y va, j'ai un scénario fini sans pilote. J' ai écrit ce cours comme un guide pour ce processus. Nous revenons en arrière et regardons la mise en page du scénario, mais nous allons plus loin en arrière et pensons aux histoires et à ce qu'elles sont, comment elles fonctionnent, comment on prend une idée et en fait une histoire vraiment efficace. Comment vous fournissez une très bonne ligne de journal pour cette histoire afin que vous puissiez la présenter d'une manière très courte et succincte, puis briser cette histoire en structure. Vous pouvez obtenir la structure à trois actes et la structure à cinq actes. Comment vous prenez toutes ces idées et en faites un beat board. Vous écrivez tous les événements de votre histoire. Puis décomposer ça en scènes. Penser à la façon dont nous structurons une très bonne scène, comment nous écrivons des actions et des dialogues efficaces, puis des conseils sur la façon de rédiger votre premier avant d'envisager de réécrire les deuxièmes brouillons, les troisièmes brouillons et les obtenir des commentaires. Quand j'apprends, j'aimerais que les choses soient claires. J' ai fait de mon mieux pour m'assurer que chaque classe est l'étape suivante du processus. Si vous avez un scénario que vous voulez écrire, vous pouvez suivre les cours le long, et espérons que d'ici la fin, vous aurez votre scénario terminé. Je peux être aussi mauvais que quiconque parle d'écrire et de le faire. Mon espoir est que quelqu'un voit ce cours et au lieu de penser, oh oui, je vais écrire ça un jour. Il met juste le café, prend un stylo et du papier et commence à écrire. 2. Scénarios: Après des semaines d'esclavage à un clavier, il est incroyablement excitant de tenir votre scénario fini dans votre main. Après tout, c'est la chose que vous essayez de faire. C' est le produit final. Être capable de l'ouvrir et de voir toutes les scènes et les personnages, l'action et le dialogue et de savoir que votre histoire est ici est un moment incroyablement satisfaisant. Bien sûr, il faut beaucoup de travail pour arriver ici, et nous sommes un peu en avance sur nous-mêmes, mais je pense qu'il est utile à ce stade de jeter un oeil à l'intérieur d'un scénario. Les scénarios ont un format vraiment particulier, et tout écrivain, réalisateur ou producteur expérimenté sera en mesure de dire si l'auteur sait ce qu'il fait juste en le regardant. Afin de démystifier ce processus mystérieux, je vais fouetter ces six règles pour le formatage des scénarios, première chose à sortir du chemin, les polices. Tout le monde utilise Courier. C' est peut-être parce qu'à l'époque, chaque scénario était écrit sur une machine à écrire, et depuis, les gens ne veulent pas vraiment voir cet aspect d'un scénario changer. N' essayez pas de souffler l'esprit des gens en utilisant Arial ou Comic Sans. Tenez-vous à Courier et regardez plus professionnel. Règle numéro deux, en-têtes de scène. Ceux-ci sont toujours en majuscules et alignés à gauche. Ils viennent en trois parties. Tout d'abord, vous allez écrire INT ou EXT. Il représente l'intérieur ou l'extérieur et nous dit si la scène est à l'intérieur ou à l'extérieur. C' est très pratique pour l'équipage qui doit établir un calendrier et apporter différents types d'équipement à différents endroits. La deuxième partie du titre de votre scène est l'emplacement, et cela nous indique où se passe la scène. Il pourrait s'agir d'une voiture, d'un camping, d'un château ou d'une mine de canaris ou quelque chose comme ça. La troisième partie de votre scène est que ce soit le jour ou la nuit. Il suffit de laisser un tableau de bord et d'écrire le jour ou la nuit, selon que c'est le jour ou la nuit. Règle numéro trois, action, qui est alignée à gauche, et ici nous trouvons une description de tout ce que nous allons voir à l'écran. A quoi ressemblent les personnages. A quoi ressemble l'emplacement. Tout mouvement sur la scène. Les accessoires, le maquillage, et tout le reste. Tout se trouve dans l'action. L' écriture est une compétence vraiment particulière, et nous allons l'examiner plus tard. Règle numéro quatre, caractère. Centre-aligné et en majuscules, cela nous dit qui parle. La règle numéro cinq, dialogue, se trouve dans une colonne centrale en dessous du caractère. Cela nous dit ce que dit le personnage. Règle numéro six, entre parenthèses. C' est là que vous pouvez mettre entre parenthèses comment un personnage dit quelque chose si vous ne pensez pas que ce soit vraiment clair dans le dialogue. Vous pouvez le mettre juste en dessous du personnage ou au milieu d'un monologue. Règle numéro sept, transitions. Ceci est aligné à droite et en majuscules, et vous dira comment vous allez d'une scène à l'autre. C' est votre fondu ou votre coupe. Personnellement, je les utiliserais plutôt avec parcimonie. transitions sont plus à voir avec l'édition, donc je ne les ajouterais que si vous pensez que c'est fondamental pour la façon dont nous vivons l'histoire sur la page. Il y a beaucoup de sites web gratuits qui formeront votre scénario pour vous, ce qui vous permet d'économiser beaucoup de temps et vous permet de vous concentrer sur la créativité. Il y a, bien sûr, des applications professionnelles d'écriture de scénario, mais elles peuvent être assez coûteuses, et rappelez-vous, c'est le contenu qui est important, pas le programme sur lequel vous l'avez écrit. C' est le formatage du scénario. Vous savez maintenant à quoi devrait ressembler votre scénario quand il est terminé. Mais comme je l'ai dit, nous sommes légèrement en avance sur nous-mêmes parce qu'il y a énormément de travail à faire avant d'arriver à ce produit fini. On va sauter un peu en arrière, et on va penser à l'histoire. Parce que ton histoire et ton scénario ne sont pas la même chose. On se voit dans la classe suivante. 3. Histoires: Le film est un moyen visuel pour raconter des histoires et des histoires d'amour pour les humains, que nous regardions un film et la télévision, lisons un livre, écoutons un podcast. Je verrai vos amis ce qu'ils ont fait le week-end, découvrant comment ils se sont fiancés ou en demandant à quelqu'un qui est allé voyager, s'ils se sont finalement retrouvés. On aime qu'on raconte une histoire. Nous voulons savoir ce qui s'est passé, comment cela s'est passé, et surtout ce qui s'est passé ensuite ? Histoires, comment un effet incroyable presque hypnotique sur nous. Cela vaut la peine de prendre une pause pour réfléchir sur eux. L' histoire est dans notre ADN, c'est quelque chose que nous faisons qu'aucun autre animal ne fait. Les abeilles font des ruches, les castors construisent des barrages, les humains racontent des histoires. Depuis les débuts de l'Homo Sapiens primitif, histoires nous ont permis de collaborer, partager nos idées et de survivre, ce soit des histoires sur la chasse ou la défense de nos familles, ou encore de traverser des paysages épiques à la recherche de nourriture et d'abris. Les histoires étaient une façon de communiquer des idées pour nous aider à naviguer dans le monde extérieur. Mais les humains ont aussi un monde intérieur complexe. façon dont nous pensons et ressentons de notre vie joue un rôle important dans les décisions que nous prenons et dans la façon dont nous nous comportons. Si je vous raconte une histoire sur quelque chose qui s'est passé avec moi et comment je pensais et ressentais à l'époque. Vous allez avoir une meilleure idée des raisons pour lesquelles j'ai pris les décisions que j'ai prises et comment j'en ai ressenti par la suite. Peut-être que ce sont des choses qui peuvent vous aider, des choses sur lesquelles vous pouvez réfléchir à l'avenir. Ou peut-être que tu as eu ce sentiment toi-même. Partager cette idée est une façon de construire de l'empathie. C' est une façon de se comprendre. Cela nous aide à penser gentiment à nous-mêmes et à tout le monde. Les bonnes histoires augmentent l'empathie. Les histoires font vraiment du monde un meilleur endroit. En tant que moyen de narration. Film a beaucoup d'outils à sa disposition. Les premiers conteurs ont dû raconter leurs histoires autour d'un incendie de camp. Mais avec la technologie moderne, nous sommes en mesure de prendre une histoire et de la faire jouer devant le public comme si c'était le temps présent. Cela signifie que le public est en mesure d'assister à l'action plutôt que de lui dire de seconde main. Nous sommes beaucoup plus en mesure de suspendre notre incrédulité et de nous impliquer totalement dans ce qui se passe à l'écran. Grâce à la technologie moderne, nous sommes en mesure d'éditer, ajouter des effets sonores, de la musique et des effets spéciaux toujours plus époustouflants. Cela signifie que nous sommes capables de contourner le cerveau gauche logique et d'attaquer le cerveau émotionnel droit. Le film est vraiment le moyen de narration le plus puissant. Qu' est-ce qu'une histoire exactement ? Comment le définissons-nous ? De quoi est-il fait ? Qu' est-ce qui en fait une bonne histoire qui vaut la peine de raconter et pas seulement quelque chose qui s'est passé ? On va jeter un oeil à ça dans la prochaine classe. 4. Protagoniste, objectif et obstacle: Qu' est-ce qui fait une histoire ? Quand je demande cela dans mes cours, habituellement les gens disent un début, un milieu et une fin, ou un antagoniste, ou une torsion surprenante. Ce sont vraiment de bonnes réponses, des choses que vous pouvez certainement inclure. Mais quand nous la dépouillons, il y a trois choses dont nous avons fondamentalement besoin pour faire une histoire, un protagoniste, un but et un obstacle [NOISE]. La première chose dont nous avons besoin pour qu'une histoire soit une histoire est un protagoniste. C' est votre personnage principal, votre personnage central. Ils ont une chose très importante qu'ils doivent faire, c'est-à-dire changer [NOISE]. C' est ce que nous appelons l'arc du personnage ou le développement du personnage. Ce n'est pas juste un changement superficiel comme obtenir une coupe de cheveux. Cela signifie qu'ils doivent changer à l'intérieur. Ils doivent changer leur comportement, ils doivent changer leurs croyances sur le monde. Le protagoniste commence l'histoire avec un défaut, une croyance sur le monde qui les fait se comporter d'une certaine manière. Au fur et à mesure que l'histoire se déroule, leur compréhension du monde change et de ce changement est qui ils sont à l'intérieur, influant sur les décisions qu'ils prennent et sur leur comportement. Essentiellement à la fin, ils ont surmonté leur faille. Par exemple, disons que nous avons un personnage dont la faille est qu'ils sont incroyablement égocentriques. Peut-être que c'est parce que leur croyance sur le monde est que tout le monde est seulement pour eux-mêmes. Alors pourquoi devraient-ils agir différemment ? Au cours de l'histoire, nous pourrions les voir rencontrer des gens plus généreux, auquel cas ils voient la joie qu'ils apportent et décident de changer de façon. Ils ont atteint une nouvelle compréhension sur le monde et donc ils ont changé leur comportement. D' un autre côté, ils pourraient rencontrer des gens qui sont encore plus égoïstes qu'ils ne le sont. Ils sont témoins de la douleur que cela peut causer, donc ils ont décidé de devenir une meilleure personne parce qu'ils ont atteint une autre compréhension du monde et donc changer leur comportement d'une manière similaire. Quoi qu'il en soit, nous avons vu ce protagoniste avoir cette croyance testée, changée, et par conséquent, ils ont changé leur comportement. Il y a aussi des histoires dans lesquelles les protagonistes ne changent pas. On les appelle des tragédies et les personnages finissent généralement morts. Ces histoires nous rappellent que notre capacité à changer est ce qui nous maintient en vie. S' en tenir à des croyances que vous savez être fausses peut être dangereux. Aucun changement n'équivaut à la mort. Souvenez-vous de ça. Il est important que les protagonistes ne changent pas trop facilement. Dans la vraie vie, nous ne changeons pas nos croyances à la goutte d'un chapeau. C' est vraiment incroyablement difficile d'amener quelqu'un à changer ses croyances. Ça veut dire admettre que tu as tort, ce qui est psychologiquement très douloureux. Pour rendre nos histoires crédible, nous devons forcer nos personnages à changer. Nous le faisons en utilisant les deux autres éléments essentiels que sont l'histoire, le but et l'obstacle. Le but est ce que le protagoniste essaie d'atteindre. Sa fonction est de conduire le protagoniste et la puissance de l'histoire. Le public veut savoir si nous allons atteindre l'objectif ou non, et donc continuer regarder jusqu'à la fin pour voir s'il se termine par le succès ou l'échec. Alors Frodon doit détruire la bague. Katniss doit abattre la capitale et Marlin doit trouver Nemo. L' objectif a un effet puissant sur nous. Combien de fois avez-vous continué à regarder un film juste pour savoir ce qui s'est passé à la fin. Nous pouvons voir l'effet d'avoir un but. Si vous regardez des vidéoclips, ceux qui sont toujours vraiment efficaces sont ceux qui ont une histoire puissante et un récit qui le motive. Mais enlever un but, et qu'est-ce qu'il te reste ? Un montage d'une pop star qui a l'air triste au ralenti. Ces clips musicaux ne retiennent pas notre attention. Mais ceux qui ont l'histoire, sont ceux qu'on continue de regarder jusqu'à la fin. Mais si un objectif est trop facile à atteindre, il devient assez ennuyeux. Par exemple, aujourd'hui j'avais besoin de lait, donc je suis allé au magasin, j'ai pu le trouver dans l'allée. J' ai pu payer pour ça et je suis rentré chez moi. Ce n'était pas une histoire digne d'être racontée. Il manque les parties passionnantes de l'histoire, qui sont les obstacles. Les obstacles sont tout ce qui empêche le protagoniste d'atteindre son objectif et leur fonction dans l'histoire est de créer des conflits. Le conflit est ce qui alimente le drame. Si jamais vous êtes aux prises avec une scène, il est probable qu'il n'y ait pas assez de conflit. Dès que vous introduisez un conflit où quelqu'un veut quelque chose et quelque chose les arrête, vous avez une scène beaucoup plus intéressante. Les obstacles apparaissent sous trois formes. Le monde physique de l'histoire, les personnages de soutien, et les protagonistes faillent. Le monde physique de l'histoire contient tous les obstacles qui empêcheront le protagoniste d'atteindre cet objectif, donc dans un film d'horreur, il pourrait s'agir d'une maison hantée contenant tous les pièges posés par un fou. Dans un film de science-fiction, ce pourrait être l'atmosphère toxique et les plans extraterrestres d'une nouvelle planète. Dans un film de fantaisie, ce sont peut-être les objets magiques et le château étrange que le protagoniste explore. Dans un Rom com, il peut s'agir d'un puits plein de café qui attend juste d'être renversé sur vous avant d'aller à la prochaine réunion ou un taxi vous empêche d'arriver à l'aéroport. Dans un film de braquage, ces films sont littéralement basés sur un ensemble toujours plus difficile d' obstacles que vous devez déverrouiller, sauter par-dessus ou entrer par effraction. On n'a même pas encore atteint la quatrième dimension, le temps. Si vous avez du mal à faire entrer un conflit dans une scène, fixez une limite de temps. Hourra ! Les personnages de soutien sont également des obstacles pour le protagoniste à surmonter. Cela pourrait être l'antagoniste qui est généralement le méchant principal ou l'adversaire principal du protagoniste. Dans un film de super-héros ou un film d'espionnage, il est généralement facile de déterminer qui est le méchant, et donc ils seront l'antagoniste. Dans un Rom-com ou une comédie de copains, c'est généralement l'intérêt romantique ou l'ami du protagoniste qui est l'adversaire principal, les forçant à changer leur comportement en étant une personne difficile à être autour. Les personnages de soutien viennent également sous la forme d'alliés et d'ennemis. Les ennemis tentent d'empêcher le protagoniste d'atteindre leur but tandis que les alliés pourraient encourager leurs protagonistes à faire des choses qu'ils ne feraient pas dans leur zone de confort habituelle. La chose importante à retenir, est qu'ils soient ennemis ou alliés, les autres personnages de soutien sont là comme obstacles pour faire pression sur le protagoniste pour changer. Le changement du protagoniste devrait être la chose la plus importante pour vous en tant qu' écrivain parce que caché à l'intérieur de ce changement est ce que vous dites au monde. C' est l'argument que vous faites, l'idée que vous essayez de communiquer. Le changement du protagoniste est le thème de votre histoire, donc le thème est ce que nous devons examiner examiner ensuite [MUSIQUE]. 5. Thème: changement de votre protagoniste est le thème de votre histoire et tout dans votre histoire devrait être basé sur ce thème. Les emplacements, les caractères, les objets, tous doivent avoir une relation avec ce thème. Qu'est-ce que c'est ? Thème est la morale de l'histoire. C' est un jugement sur la façon dont nous devrions vivre nos vies. Les films traitent de sujets auxquels leur public cible se rapportera : famille, maison, amis, âge adulte, deuil, choses que nous avons tous ou que nous allons tous expérimenter. Le thème est ce que l'écrivain veut dire à ce sujet. C' est le point de vue de l'écrivain et il est incarné dans le développement du protagoniste, dans son arc de personnage, alors qu'ils passent de la vue opposée à celle de l'écrivain sur le sujet. Prenons le Roi Lion comme exemple. Le thème du Roi Lion est que nos responsabilités sont plus importantes que nos désirs individuels. Au début du film, Simba désire aller au cimetière des éléphants, malgré le fait qu'on lui a dit de ne pas le faire. Cela conduit à une série d'événements où Mufasa doit le sauver des hyènes. Les hyènes font équipe avec Scar pour tuer Mufasa dans une bousculade. Simba croit que c'est sa faute à cause de Scar et il s'enfuit. Il rencontre Timon et Pumbaa qui lui enseignent que dans la vie, vous ne devez prendre aucune responsabilité. Ils marchent sur une bûche chantant « hakuna matata ». Cela signifie pas de soucis pour le reste de vos jours. Simba est très heureuse de vivre comme ça jusqu'à ce que Nala arrive. Elle lui dit que la fierté va mourir de faim s'il ne revient pas et ne défie pas Scar et sauve sa famille, l'orgueil et le cercle de la vie d'une mort certaine. C'est encore la mort. C' est toujours la mort. Il n'est pas rare que le thème soit mentionné tôt par un archétype ou un guide qui est là pour s'occuper du protagoniste. Prenez un point si vous reconnaissez ces citations qui nous disent exactement quel est le thème du film. Avec une grande puissance vient une grande responsabilité. Pourquoi sommes-nous tombés ? que nous puissions apprendre à nous prendre nous-mêmes. Utilise la force Luke. Ce dernier peut-être un peu cryptique, mais ça marche. formation Jedi de Luke consiste à lâcher prise et à faire confiance à ses instincts. Aller à l'avant. Il est très important de connaître votre thème car il vous aide à développer un conflit dans votre script. Si votre thème porte sur la responsabilité, il ne sert à rien d'avoir des obstacles qui ne se rapportent pas à ce thème. Disons que vous avez un thème, renommée ne vous apporte pas de bonheur. Quels types d'obstacles seront utiles ? Des endroits comme des studios de télévision, des scènes avec un public, des vestiaires , des restaurants de fantaisie, des personnages de soutien comme des agents , des fans, d'autres célébrités et ils ont le contraire. Si votre personnage est à la recherche de la gloire, comment réagiraient-ils dans un endroit isolé sans accueil où personne ne les reconnaît ? voyage de votre personnage incarne le thème de sorte que vous devez vous assurer que les obstacles avec lesquels ils entrent en contact les forcent à avoir des points de vue différents sur ce thème. Les écrivains ont également utilisé le symbolisme pour s'engager sur le thème. Un symbole est une métaphore qui exprime quelque chose sur le thème. Dans Titanic, le bijou donné à Rose s'appelle le cœur de l'océan. Il a été laissé sur le navire quand il a coulé et son vrai amour, Jack, se noie. Des années plus tard, quand c'est une vieille femme, elle est récupérée par les plongeurs, mais elle la prend et la jette dans l'océan. Son coeur est toujours avec Jack. Ce n'est pas très subtil, mais c'est très efficace et j'ai pleuré. Thème prend toujours une réflexion sérieuse sur. C' est souvent la partie la plus difficile de trouver votre histoire. objectifs et les obstacles sont faciles à trouver. Mais travailler sur votre thème, ce que vous voulez dire sur un sujet particulier qui peut être un peu plus difficile. Mais travailler tôt est vraiment important parce que cela va affecter tous les aspects de votre histoire. Ok, maintenant nous comprenons comment fonctionnent les histoires. Maintenant, nous devons réfléchir spécifiquement à la façon dont les histoires fonctionnent à l'écran. 6. Storytelling visuel: Le film est un support visuel. Je ne veux pas sous-estimer l'importance du son dans le cinéma, mais nous accordons plus d'attention à ce que nous voyons que ce que nous entendons. Pour le scénariste, cela signifie que leurs mots doivent décrire des images en mouvement. Jusqu' à présent, nous avons parlé d'histoires et de leur fonctionnement. Maintenant, nous devons réfléchir en particulier, à façon dont les histoires fonctionnent à l'écran. Parce que le film est un moyen visuel de narration, le public reçoit le récit à travers les images qu'il voit. C' est pourquoi la règle d'or pour les scénaristes est : « Montrez, ne dites pas. » Si j'ouvre un scénario et ne vois que page après page de dialogue, je sais déjà que quelque chose ne va pas. longues scènes de dialogue fonctionnent vraiment bien sur scène parce que le public y reçoit le récit à travers les mots qu'ils entendent. Mais dans le cinéma, nous accordons plus d'attention aux images que au dialogue. Quand nous ouvrons un scénario, nous devrions voir beaucoup d'action. Cela a un effet énorme sur la façon dont nous comprenons notre protagoniste. Au lieu d'avoir un long monologue qui décrit exactement ce qui se passe à l'intérieur de la tête du personnage, nous devons comprendre comment ils pensent et ressentent à travers leurs actions, en particulier les décisions qu'ils prennent lorsqu'ils réagissent aux obstacles. Disons qu'une personne âgée tombe de l'autre côté de la rue. Que fait votre protagoniste ? Est-ce qu'ils se précipitent et aident immédiatement ? Ou essayent-ils de partir ? Ils rient cruellement ? Ou se promener et faire semblant d'aider tout en volant secrètement leur sac à main ? Toutes ces actions nous disent quelque chose sur votre personnage et qui ils sont. Nous apprenons s'ils sont gentils, insouciants, cruels ou manipulateurs. Chaque action nous révèle quelque chose sur qui est ce personnage. C' est pourquoi les films muets ont pu voyager autour du monde. Toutes les complexités du personnage et des intrigues ont pu être communiquées par l'action, par le comportement à l'écran. Il n'a pas été retenu par différentes langues. C' est pourquoi il est si important de créer des obstacles vraiment difficiles pour vos personnages. Nous découvrons qui sont vraiment les gens quand ils sont sous pression. Quand les choses vont à votre chemin, il est très facile d'être agréable et agréable. Mais quand les choses deviennent difficiles, c'est quand on découvre qui est vraiment quelqu'un. Lorsque vous pensez à créer des obstacles pour vos personnages, choisissez des obstacles qui sont vraiment difficiles, qui les testeraient vraiment et révéleraient qui ils sont vraiment sous le masque. Une note sur la création de personnages intéressants, il est généralement beaucoup plus intéressant de créer un personnage qui se comporte de manière anormale, quelqu'un qui crie dans une bibliothèque, ou saute une file d'attente, ou gare une voiture au milieu d'une autoroute. Ces choses sont d'autant plus intéressantes qu'elles sont anormales. C' est l'anomalie qui crée du caractère, et personne n'est normal. Nous pouvons tous nous rapporter à ce sentiment d'être un peu étrange. Je ne suis pas normal. Je ne le suis pas. « Afficher, ne pas dire » est également une bonne règle pour révéler histoires de personnages ou des informations que nous devons connaître dans l'intrigue. Ce que nous voulons éviter, c'est le dialogue expositionnel. dialogue expositionnel est l'endroit où les personnages expliquent quelque chose qui est vraiment pour le public et pas vraiment pour les personnages du film. Éviter le dialogue expositionnel en nous montrant de l'information est plus difficile, mais c'est beaucoup plus agréable pour le public. Nous avons l'impression que nous pouvons assembler le morceau du puzzle nous-mêmes plutôt que de simplement se faire dire des choses. Montre-nous. À quoi ressemble l'intérieur de votre maison de personnages ? Qu' est-ce qu'il y a dans leur frigo ? Quelle photo ont-ils sur leur mur ? Y a-t-il des objets inhabituels qu'ils transportent et qui ont une signification particulière pour eux ? Le public apprécie cela. On aime se sentir comme un détective rassemblant des preuves. Donnez-nous cette preuve en images et non en déclarations de témoins, pour étirer quelque peu l'analogie. Tous ces moyens nous permettent de communiquer de l'information visuellement à un public. Je suis sûr que vous aurez plein d'idées vous-même. D' accord. Nous avons examiné tous les composants dont nous avons besoin pour faire fonctionner une histoire à l'écran. Maintenant, réfléchissons à la façon dont nous prenons une idée et la concevons pour être prêt pour une histoire à l'écran. Dans l'industrie cinématographique, nous appelons ce processus, le développement. 7. Développement et Logline (projet de cours 1): Quand j'ai commencé à faire des films, le plus gros problème que j'avais était de ne pas savoir comment prendre mes idées franchement étonnantes et les transformer en un scénario réussi. Je commencerais à écrire sur une page blanche et à trouver qu'il serait [inaudible] probablement parce que l'idée n'était pas complètement étoffée. Maintenant, chaque fois que j'ai une idée, je la prends à travers un processus appelé développement. Une idée peut nous arriver sous de nombreuses formes. Certaines personnes voient des images, d'autres pensent à des personnages ou à des situations. Pour certaines personnes, c'est imaginer une période de temps ou une séquence d'action. Peut-être que vous avez lu un article ou une histoire autobiographique. La liste de ce qui peut inspirer une idée est infinie. Dans l'industrie cinématographique, la phase de développement consiste à prendre une idée et à aplanir tous les plis, ce qui rend l'histoire aussi forte que possible avant d'écrire un seul mot d'un scénario. Comment prendre une idée et la transformer en histoire ? abord, vous devez déterminer quelle partie de l'histoire vous avez, puis déterminer quelles parties vous avez besoin. Parce que, comme nous l'avons vu, différentes parties de l'histoire servent des fonctions différentes. En élaborant ce que vous avez, vous pouvez élaborer les autres parties de l'histoire dont vous avez besoin en fonction de leur relation les uns avec les autres. Quelle partie de l'histoire avez-vous ? Est-ce un protagoniste, un but, un obstacle ou un thème ? Ce n'est pas toujours aussi simple que ça en a l'air. Être très clair avec vous-même sur la partie de l'histoire que vous avez est vraiment important. Une fois que vous savez quelle partie de l'histoire vous avez, vous pouvez vous poser quelques questions clés pour déterminer ce que devraient être les autres parties de l'histoire. Si vous avez un protagoniste, quel est leur plancher et comment vont-ils changer ? Si vous remarquez, vous pouvez penser à une combinaison d' un objectif et d'obstacles qui vont les forcer à changer. Demandez-vous : « Quel emploi seraient-ils le moins qualifié ? » Demander cela peut vous aider à penser à un but qui les forcera à changer. Si vous avez commencé avec un but, qui serait le pire protagoniste de cet objectif ? Qui trouverait cela le plus difficile et le plus difficile ? Qu' est-ce qui serait donc ? Comment auraient-ils besoin de changer ? Ensuite, choisissez les obstacles sur leur chemin qui forceront ce changement. Si vous avez un obstacle, quel objectif serait-il en train de faire obstacle ? Qui est le protagoniste qui trouverait cet obstacle le plus difficile à manipuler ? Comment devraient-ils changer pour réussir ? Si vous avez commencé avec le thème. Pensez à un protagoniste qui aurait le plus à apprendre de ce thème. Pensez à un objectif qui les mettrait en conflit avec des obstacles qui les forceraient à choisir entre des points de vue différents sur ce thème. Rappelez-vous que le personnage nous emmène vers ce que vous voulez être votre argument final sur ce thème. C' est bon de commencer avec quelqu'un qui a fondamentalement le point de vue opposé. Vous pouvez commencer à voir des questions familières émerger, peu importe où vous avez commencé. Une fois que vous avez une idée, vous devez la déconstruire afin de savoir quelles parties de l'histoire vous avez et quelles parties vous devez ensuite remplir. Vous cherchez à créer un protagoniste défectueux qui a un but, qui va faire face à des obstacles qui les ont forcés à changer. Ce changement va être le thème de votre histoire. Pour ce faire, il est si important de le faire correctement à ce stade, car cela affectera chaque mot que vous écrivez. Afin de clarifier votre idée et de rendre votre histoire aussi forte que possible, écrivons quelque chose que l'industrie s'attend à ce que vous ayez pour chaque projet. Une logline. [ MUSIQUE] L'industrie cinématographique est pleine de gens occupés et de gens qui aiment avoir l'air occupés. Une logline est un très bon moyen de communiquer votre idée d'histoire de la manière la plus courte possible. Juste si vous rencontrez le producteur ou le réalisateur lors d'une fête ou dans un ascenseur. Votre logline doit communiquer tout ce qu'il doit savoir sur votre histoire d'une manière courte et très engageante. Au moment où je l'ai entendu, je devrais comprendre qui est le protagoniste, quel but sera, quels obstacles ils seront confrontés, et une idée approximative du thème que vous allez explorer. Voici quelques exemples [MUSIQUE]. Vous pouvez voir à partir de ces exemples qu'une logline vous raconte très clairement trois des principaux éléments de l'histoire, le protagoniste, le but et les obstacles. Si vous y pensez un peu, vous allez déterminer quel est le thème. Maintenant, c'est ton tour. Nous en sommes à la phase de développement. Je veux que vous preniez votre idée, déterminiez quelle partie de l'histoire vous avez et quelles parties de l'histoire vous avez besoin. Commencez à générer beaucoup d'idées, écrivez-les toutes, travaillez sur ce qu'ils vous offrent en termes de lieux, de personnages de soutien, d'obstacles. Assurez-vous que vous avez pris une décision sur votre genre. Assurez-vous de choisir des obstacles qui créeront des conflits qui conviennent à un film d'horreur et non à une comédie. Si c'est ce qui va te faire. Une fois que vous avez trouvé toutes ces idées, vous devez commencer à prendre des décisions sur l'histoire que vous allez raconter. En fin de compte, cela revient à votre instinct créatif. Rédaction d'un scénario prend beaucoup de temps. Quelle version de votre histoire voulez-vous passer le temps à écrire ? Lequel fonctionne le mieux ? Lequel êtes-vous naturellement attirée ? Une fois que vous avez choisi tous les éléments de l'histoire ? C' est le moment d'écrire votre logline. Faites-le simple, clair et engageant, puis allez le dire aux gens, voir s'ils sont intéressés. Les scénaristes professionnels ont passé beaucoup de temps à trouver des loglines et à les tester. Rédaction d'un scénario prend beaucoup de temps. Développer votre idée d'histoire et ensuite évaluer si les gens sont intéressés est une bonne idée avant de commencer à passer des semaines, peut-être des mois, voire des années à travailler sur votre scénario [MUSIQUE]. C' est le temps des projets de classe, et la première chose que je veux voir est votre logline. Vous pouvez télécharger une feuille de travail de logline pratique à partir de la section Projet et ressources ci-dessous. Une fois que vous avez fait, n'oubliez pas de le télécharger pour commentaires. [ MUSIQUE] Disons que nous avons toute l'histoire et que notre logline est prête à partir. Je serai prêt à commencer à taper. Pas encore. Entre l'histoire et le scénario, nous devons élaborer la structure. [ MUSIQUE] 8. Structure: Ok, donc nous avons notre histoire et notre ligne de bûches. Sommes-nous prêts à ouvrir une page vierge et à commencer à taper ? Pas tout à fait. Entre l'histoire et le scénario, nous devons regarder la structure. Aristote, l'ancien philosophe grec qui a été le premier à souligner qu'une histoire avait besoin d'un début, d'un milieu et d'une fin. Cette observation est vraie aujourd'hui et elle a évolué au fil temps pour former la structure standard de l'industrie cinématographique. Elle est connue sous le nom de structure à trois actes, et elle ressemble à ceci : une ligne horizontale et deux lignes verticales. C' est la forme sur laquelle notre histoire peut tomber. Trois sections appelées trois actes, divisées par deux lignes appelées points de tournant dans l'histoire. L' acte un s'appelle la configuration. acte 2 est le conflit et l'acte 3 est le point culminant et la résolution. Le premier tournant s'appelle l'incident incitant. Le second s'appelle la crise. Prenons ceux-ci un par un. L' acte un est la configuration. C' est là que nous rencontrons votre protagoniste. Nous découvrons qui ils sont au début de l'histoire, et surtout, découvrons leur défaut. Ces scènes nous montrent leur monde et comment ils se comportent avec lui. Il peut s'agir de leur travail, leurs amis, de leur vie amoureuse et de leur famille. Ceci est votre protagoniste dans leur monde normal et nous voyons comment leurs croyances actuelles affectent leur comportement. Le premier tournant est l'incident incitant. C' est l'événement qui déclenche le protagoniste dans la poursuite de son objectif. C' est alors que Frodon a reçu la bague, quand Katniss se porte volontaire pour sauver sa sœur et quand l'inaudible a disparu. Ça ne devrait pas nous prendre trop de temps pour arriver ici. Mettre en place le protagoniste rapidement et clairement, puis obtenir un droit à l'incident incitant. Dans l'acte deux, conflit, le protagoniste poursuit l'objectif, rencontrant les obstacles en cours de route. Ces obstacles les ont contraints à changer et à évaluer leur croyance sur le monde. Le deuxième tournant est la crise. C' est là que le protagoniste est à son point le plus bas du film et ils croient que tout est perdu. C' est au deuxième tournant que le protagoniste est capable de réfléchir et de changer ses croyances, se lançant dans l'acte 3 avec une nouvelle compréhension du monde. Acte trois, point culminant et résolution, où le protagoniste est armé de cette nouvelle compréhension, dirige vers le point culminant de l'histoire et soit réussit ou échoue à atteindre leur objectif. Dans la résolution, nous découvrons ce qui arrive au personnage maintenant qu'il a cette nouvelle compréhension, et nous attachons également tous les fils d'histoire lâches. Si ce n'est pas immédiatement clair comment votre histoire s'intègre dans cette structure, je suggère de revenir à votre ligne de journal et de regarder vraiment votre objectif protagoniste, obstacle et thème. La structure de l'histoire est conçue de manière à ce que les bases de l'histoire puissent s'y adapter de manière agréable et soignée et devrait vous donner une façon de comprendre ce qui devrait se passer dans l'histoire. Si vous voyez clairement où votre histoire s'insère dans cette structure, alors vous êtes prêt à aller de l'avant. Chaque acte a une certaine structure. Jetons un coup d'oeil à l'acte. 9. Actes (projet de cours 2): Qu' est-ce qu'un acte ? Un acte est un plan d'action que le protagoniste poursuit pour atteindre cet objectif. Vous pouvez y penser comme un sous-objectif. Par exemple, si vous voulez retirer un braquage, vous devez d' abord construire l'équipe. Si vous voulez être un super-héros, abord, vous devez vous entraîner avec vos pouvoirs. Si vous voulez faire sauter l'Étoile de la Mort, d'abord, vous avez besoin d'un pilote, c'est de vous enlever une Tatooine. Une fois qu'un protagoniste a terminé un plan d'action ou si ce plan d'action n'est plus possible, le protagoniste atteint un tournant et est ensuite filé dans un nouvel acte. La structure en trois parties de notre histoire, la mise en place, le conflit et la résolution, est reproduite dans chaque acte. C' est utile d'y penser comme un triangle. Chaque point représente la configuration, le conflit et la résolution, la ligne diagonale sur le chemin vers le haut représente l'action montante et la ligne diagonale sur le chemin vers le bas représente l'action de chute. Avec un plan d'action à l'esprit, le protagoniste se déplace vers ce sous-objectif, trouvant le plus de conflit au sommet du triangle, puis ils réagissent, répondant à leur succès ou à leur échec dans l'action tombante. Nous avons vu que nous avons un acte ou un plan d'action où le protagoniste est en train de construire une équipe pour un cambriolage. Dans l'action montante que le protagoniste fait le tour d'embaucher des membres de son équipe pour le vol, rencontrer le plus de conflits au sommet, peut-être que quelqu'un refuse de se joindre ou doit sortir de prison d'abord. Dans l'action de chute, une fois que le protagoniste a l'équipe, ils ont dû les former pour le travail à venir. Dans le point culminant et la résolution, il est clair que l'équipe est prête pour le braquage et qu'elle a atteint un tournant où elle doit poursuivre une nouvelle ligne de conduite, effectuant le braquage lui-même. Dans chaque acte de votre histoire, vous devez connaître la cause d'action que poursuit votre protagoniste. Qu' est-ce qu'ils essaient de réaliser ? Même dans le premier acte précédant l'incident incitant, le protagoniste devrait suivre une voie d'action dans la vie normale. Le troisième acte a le point culminant à son apogée, l'action montante est la dernière poussée vers le but, et l'action tombante accroche l'histoire par la suite. Le premier et le troisième acte sont généralement les plus faciles à élaborer. Le deuxième acte est un peu plus difficile, non seulement parce que c'est un peu plus long, mais aussi parce que c'est là que le protagoniste va faire face à tous les obstacles qui vont les amener à changer. Le pic du deuxième acte est appelé le point médian, et c'est généralement un moment majeur pour le personnage. Après cela, il n'y a pas de retour en arrière. C' est la combinaison de l'action montante dans la première mi-temps, où le protagoniste poursuit le but, et ensuite ils répondent principalement aux événements. Comme pour tout gros problème, c'est toujours une bonne idée de le décomposer, et il y a différentes approches pour le faire avec le deuxième acte. Certaines personnes le divisent en deux avec le point médian au milieu et travaillent sur l'action montante et tombante. D' autres, moi y compris, aiment diviser ce deuxième acte en trois, vous donnant une structure à cinq actes. L' avantage d'une structure en cinq actes signifie que vous pouvez suivre de plus près le parcours de votre protagoniste. Dans cette nouvelle structure à cinq actes, le second acte est l'endroit où le protagoniste est capable d' expérimenter cette nouvelle compréhension sous un nouveau comportement. C' est là que les super-héros peuvent essayer de nouveaux pouvoirs sans aucune conséquence. Dans le troisième acte, le protagoniste apprend que ce nouveau comportement a des conséquences, soit eux, soit quelqu'un de proche, est blessé. Cela signifie qu'ils reviennent à leur ancien comportement dans l'acte 4. Mais ce faisant, cela provoque encore plus de problèmes et conduit à la crise. Au deuxième tournant, ils se rendent compte qu'ils doivent adopter cette nouvelle croyance, ce nouveau comportement, indépendamment de la douleur qu'il est pour atteindre l'objectif. J' aime vraiment la structure à cinq actes parce qu'elle vous oblige à réfléchir à la façon dont le protagoniste se développe alors qu'il poursuit différentes voies d'action. C' est ce qu'est un acte et comment ils fonctionnent. Maintenant, vous pouvez revenir à votre histoire et déterminer ce qui se passe dans chaque acte, quelle voie d'action votre protagoniste va suivre pour atteindre cet objectif. C' est l'heure de notre projet de deuxième classe, et cette fois je veux voir votre structure. Vous pouvez télécharger une feuille de travail de structure pratique à partir de la section Projets et ressources ci-dessous, couvrant la structure à trois et cinq actes, et une fois que vous avez terminé, n'oubliez pas de la télécharger pour commentaires. Une fois que vous aurez élaboré vos actes dans tous vos plans d'action, vous serez prêt à regarder les rythmes de l'histoire. 10. Rythmes: Nous avons notre histoire, que nous avons divisé en trois actes, et chaque acte a maintenant un plan d'action. Maintenant, nous devons remplir ces actes avec les événements de l'histoire, que nous appelons histoire bat. C' est une étape vraiment amusante et créative du processus d'écriture. Je vous conseille de vous procurer des notes collantes ou des cartes de couleur d'enregistrement afin de cartographier vos battements d'histoire. Chaque battement représente un événement dans l'histoire et a besoin de quatre choses : un titre, le conflit, le changement émotionnel et les notes. Le titre devrait être une brève description de ce qui se passe dans ce temps. Le conflit devrait décrire le conflit dans les battements ; qui veut quoi et qui essaie de les arrêter. Le changement émotionnel nous dit comment le protagoniste change au sein de la scène, en veillant à ce que nous ayons un changement émotionnel. Dans les notes, j'inclut toutes les idées que j'ai eues pour le rythme ; les lignes, l'action, tout autre chose. Quand vous commencez, descendez tous les grands battements que vous avez déjà pensé. L' incident incitant, le milieu, la crise, le point culminant, ces battements que vous connaissez déjà. Écrivez ces derniers, puis commencez à les placer en rangées selon les actes dans lesquels ils sont. Certaines personnes aiment le faire horizontalement, certaines personnes aiment le faire verticalement, j'aime le faire horizontalement et je travaille aussi en cinq actes, donc je vais avoir cinq rangées horizontales. Je sais que mon incident d'incitation viendra à la fin du premier acte, donc je vais le placer ici. Je sais que mon point médian arrivera en plein milieu du film, donc le milieu de l'acte 3 sur la troisième rangée et mon point culminant va se produire dans mon cinquième acte, donc ça sera juste là au milieu de nouveau. Ensuite, vous voulez remplir tous les autres temps que vous pouvez éventuellement. C' est d'un scénario que j'ai écrit il y a quelques mois, donc je vais les exposer maintenant, et la finale est là. C' est ce que j'ai fait avant, donc c'était un peu tricher. Mais pendant que vous remplissez votre tableau de rythme, vous aurez beaucoup d'espaces vides et vous êtes en train de sortir beaucoup de rythmes différents. Lorsque vous regardez cela, vous devez regarder dans quel acte il se trouve, quel plan d'action votre personnage poursuit et élaborer des rythmes dans l'histoire qui répondent à ce plan d'action. Bien sûr, avec l'action montante sur le côté gauche et l'action tombante sur le côté droit, vous devriez être en mesure de créer les bons types de battements qui suivront votre chemin de votre histoire. Combien de cartes de battement avez-vous besoin ? Cela dépend de la personne et de ce qui fonctionne pour vous. Personnellement, j'ai trouvé que neuf cartes de battement pour chacun de mes cinq actes fonctionnaient très bien. Un nombre impair de cartes signifie que j'ai une carte du milieu qui peut représenter le pic, le conflit majeur dans chaque acte et je sais que de l'autre côté, j'atteindrai un tournant qui me ramènera à l'acte suivant. Habituellement, je trouve que j'ai un peu moins de cartes dans l'acte final parce que lorsque j'arrive à la résolution, j'aimerais juste terminer les choses bien et rapidement. Une fois que je suis satisfait de la mise en page et que je pense que chaque temps est au bon endroit, je vais commencer à lire et ajouter autant de détails à chaque rythme que possible, donc obtenir le conflit dedans, le changement émotionnel et ajouter des notes le dialogue ou les moments que je veux voir dans ce rythme. C' est vraiment utile parce que vous pouvez lire votre tableau de rythme comme s'il s'agissait d'un premier brouillon, allant de l'acte 1 jusqu'à votre acte final et ressentir le rythme de votre script. Être capable de le faire est vraiment utile parce que parfois vous sentirez qu'un rythme est dans un mauvais endroit donc vous pouvez l'échanger contre un autre rythme et rendre compte que votre histoire va mieux fonctionner dans un ordre différent, ou vous pourriez vous rendre compte que ce rythme particulièrement en fait, n'ajoute rien à l'histoire et vous pouvez le lancer. Une autre chose vraiment utile à faire pendant que vous traversez est de surveiller lorsque vous introduisez des personnages de soutien. Quand vous en trouvez un, écrivez une courte biographie à leur sujet, déterminez comment ils sont un obstacle pour votre protagoniste. Quelle est leur relation avec le thème ? Avoir toutes ces informations sera vraiment utile lorsque vous arrivez à écrire votre brouillon. A ce stade, plus il y a de détails, mieux c'est. Quand une planche de battement est-elle terminée ? Personnellement, j'aime travailler sur cette scène aussi longtemps que possible, en ajoutant de plus en plus de détails jusqu'à ce que j' aie l'impression que si je devais ajouter plus de détails, je pourrais aussi bien décrire le script. Je pense qu'il est enfin temps de regarder comment on écrit un scénario. 11. Scènes: Les scènes sont la plus petite unité de votre histoire. Combien vous avez besoin et combien de temps ils sont dépend de votre histoire. Comment pouvons-nous nous assurer que la scène fonctionne dans votre histoire ? Vous pouvez commencer à écrire vos scènes en fonction des rythmes de votre histoire. Parfois, vous aurez un battement à une scène. Parfois, vous aurez plusieurs battements sur une scène, et parfois vous aurez besoin d'un croisement entre les scènes sur plusieurs battements. Chaque scène est une petite histoire en elle-même. Tout comme nos actes, il a une configuration, un conflit et la résolution. Avant de commencer à écrire votre scène, vous devez savoir ce qu'un personnage veut, quels seront les obstacles, comment cela générera des conflits et comment ils vont changer d'ici la fin. Ce n'est pas un grand changement comme on le verrait à la fin du film, mais juste un petit changement émotionnel qui fait partie du voyage. Une fois que j'ai écrit ces trois choses, je vais pointer toutes les autres idées que j'ai vues et ainsi j'aurai tout le matériel dont j'ai besoin pour commencer à écrire la scène. Un conseil commun pour écrire des scènes arrive en retard, partez tôt. Cela signifie simplement se débarrasser de tous les bits ennuyeux. Donc nous n'avons pas besoin de voir le personnage arriver au café choisir son café, le payer, l'attendre, obtenir sa monnaie, s'asseoir, attendre que d'autres personnages arrivent ou ce genre de dialogue d'ouverture, Tu comprends, salut, comment vas-tu ? Je vais bien. Merci. Comment vous oui, je vais bien. Merci. On peut couvrir ça. Emmenez-nous directement au milieu de l'action. Et la même chose vaut pour la fin. Avons-nous toujours besoin de voir le personnage partir, ou pouvons-nous découper de la scène dès que nous savons de quoi il s'agit de cette partie de l'histoire, il y a quelques conseils communs pour écrire des scènes que je vais couvrir dans notre classe le premier ébauche. Tout d'abord, je veux examiner de plus près l'action d'écriture. 12. Action: Ok, on est sur le point d'écrire sur cette page blanche. Chaque scène est composée d'action et de dialogue. Prenons-les un à la fois. L' action doit décrire tout ce que le public voit se produire. « Josh ouvre la porte, il s'assoit à son bureau, ouvre son ordinateur portable et tape un e-mail. » Cette action est simple et claire, je peux voir ce qui se passe, je sais exactement ce que fait le personnage, mais nous pouvons le rendre beaucoup mieux. Souviens-toi, montre, ne dis rien. Le film est un médium visuel et nous voulons comprendre ce que ce personnage pense et ressent à travers son comportement, à travers son action. Dans un roman, tu pourrais écrire ce qui se passait dans la tête de Josh. Il pourrait être furieux par exemple, « Josh ouvre la porte, il est extrêmement en colère. Il s'assoit à son bureau, ouvre son ordinateur portable et tape un e-mail. » Donc, ça me semble utile. Nous comprenons que Josh est extrêmement en colère, mais en fait c'est totalement inutile dans un scénario parce que je ne peux pas filmer ça. Je ne peux pas filmer extrêmement en colère. Quelqu' un peut se sentir extrêmement en colère à l'intérieur, mais il peut ne pas le montrer à l'extérieur. Alors, qu'est-ce que tu veux dire ? Quel est leur comportement ? Qu' est-ce qu'ils font de leurs actions ? Nous voulons comprendre le personnage à travers leurs actions, à travers leur comportement. C' est pourquoi c'est incroyablement important les verbes, les mots d'action que vous utilisez. Josh ouvre la porte d'une manière neutre ou la jette ouverte, pousse ouverte, la force ouverte, la ouvre. Il y a tellement de façons d'ouvrir une porte et chaque façon de l'ouvrir, ça nous montre ce que vous ressentez. Voyons si nous pouvons réécrire l'action et utiliser des verbes pour exprimer cette colère sans avoir à le dire. « Josh ouvre la porte, claquant contre le mur. Il se plante dans sa chaise et marteau aux clés de son ordinateur portable. » Je n'ai rien dit sur ce que Josh ressentait, mais il est clair qu'il n'est pas de bonne humeur. Donc, lorsque vous écrivez votre action, voyez si vous pouvez exprimer ce que ressent votre personnage avec cette action. Vous devrez également nous décrire les lieux et les objets afin que nous puissions les visualiser. N' écrivez pas de longs paragraphes poétiques, mais donnez-nous de courtes descriptions qui nous donnent un peu d'impression. Disons que vous essayez de décrire le bureau de Josh, « Un bureau ouvert avec des tapis tachés et des classeurs cassés. » Je vous dis juste ce que le public verra, sans ajouter de longs paragraphes sur ce que tout se sent. C' est dans les détails que vous pouvez communiquer la sensation d'un endroit. Qu' en est-il des scènes d'action, combats, des danses, des séquences de chasse ? C' est à vous de créer un sentiment d'excitation dans vos mots. « Il retient son souffle, ne bouge tout simplement pas. Il écoute, hochet. Il regarde la porte à moitié ouverte, hochet. Il se lance passé le serpent géant. Il s'enclenche sur lui, les crocs lui coupent la jambe, il s'effondre, se tourne pour regarder le serpent. Elle domine au-dessus de lui. » Le lecteur de script veut être emmené dans un voyage et grand-mère dicte le rythme de son expérience de lecture. Une virgule maintient une phrase et elle voit indiquer une pause, un double tiret l'accélérera. La grammaire est comme un chef d'orchestre pour le rythme des phrases. Essayez-le. Ok, ça suffit à l'action. Vous pourriez écrire un film muet avec ça, mais je suis sûr de regarder le dialogue et ce serait utile. 13. dialogue: Ok, j'ai dit qu'on avait assez parlé de l'action, mais le dialogue, c'est de l'action. Le dialogue est une action. Parler est quelque chose que nous faisons pour obtenir ce que nous voulons. Donc, chaque fois qu'un personnage a une ligne de dialogue, c'est quelque chose que nous faisons pour atteindre un objectif. Si le dialogue est une action et que l'action nous parle de leur caractère, cela signifie que la façon dont les personnages utilisent le dialogue nous indique qui ils sont. Donc, chaque fois que vous écrivez une boîte de dialogue, demandez-vous, que fait le personnage avec ce dialogue ? Qu' est-ce qu'ils font de leurs mots ? Sont-ils charmants, attaquants, rejetant, critiquant, déviant ? Nous pouvons faire toutes ces choses avec la langue. Donc, si vous êtes aux prises avec une ligne de dialogue, demandez-vous, quel est le personnage qui essaie de réaliser et qui sont-ils ? Comment essaient-ils d'y parvenir ? Pour obtenir le dialogue, ce dont vous avez besoin, c'est des conflits. Pour y jeter un coup d'oeil, écrivons un très mauvais dialogue et voyons comment nous pouvons l'améliorer. Amy, « Hé Ben, tu veux un rencard avec moi ? » Ben, « Oui ». Amy, « Super, à vendredi ». Tant pis, ça fait mal d'écrire. Ok, je pense qu'on peut améliorer ça. Tout d'abord, vous vous souvenez de notre structure à trois actes. Nous avons notre mise en place et nous connaissons notre résolution, mais ce qui nous manque, c'est le conflit. Donc la première chose à faire est de faire ça correctement. « Excellente présentation aujourd'hui. » « Étais-tu là-dedans ? » « Non, mais tout le monde en parle. » « Sont-ils ? » « Est-ce que c'est juste moi ou est-ce que cette semaine traîne vraiment ? Je parie que tu as de gros plans pour le week-end. Amener la petite amie à dîner vendredi ? » « Je n'en ai pas. » « Vraiment ? Bizarre. J'allais voir ce nouveau restaurant d'arcade si tu voulais venir. Pour la compagnie. » « D'accord. Bien sûr. Je dois m'enfuir. Je vous enverrai mon numéro plus tard. » « On se voit Ben. » Ok, ça va mieux. Maintenant, nous avons un conflit. Amy est timide, donc elle a du mal à approcher Ben et est résistante. Il est monosyllabique sans engagement. C'est un obstacle plus difficile à contourner. Ce que je pense que c'est une grande amélioration, c'est qu'on sait maintenant ce qu' Amy veut, mais elle ne le dit jamais. Ce qu'elle veut est caché dans le sous-texte. Nous utilisons les mots, le texte et le sous-texte pour différencier ce que les gens disent et ce qu'ils signifient réellement. Par exemple, j'ai froid, je pourrais dire, s'il vous plaît, pouvez-vous fermer la fenêtre ? Le texte serait, j'ai froid et le sous-texte serait, s'il vous plaît, pouvez-vous fermer la fenêtre ? Jetons un coup d'oeil à ce que le sous-texte pourrait être dans cette scène. Excellente présentation aujourd'hui. Je t'aime. Étais-tu là-dedans ? Je ne t'ai pas vu là-dedans. Tout le monde en parle. Non, c'est embarrassant. Ils le sont ? Non, ils ne le sont pas. C' est juste moi ou cette semaine traîne vraiment ? Je parie que tu as de gros plans pour le week-end. Amener la copine à dîner vendredi ? Oublie ce que j'ai dit. Tu as une petite amie ? Je n'en ai pas. Non. Vraiment ? Bizarre. J'allais voir ce nouveau restaurant d'arcade si tu voulais venir. Pour la compagnie. Brillant, je suis si content. Voulez-vous venir à ce nouveau restaurant serait ce week-end ? Je t'aime. Ok, bien sûr. Je dois m'enfuir. Je vous enverrai un e-mail plus tard. Tout cela est bon, mais pas terrible. Ok, cool. Arrêtons d'en parler maintenant. On se voit Ben. Ok, elle se parle encore bizarrement à la fin. Elle est un peu pycho. Ce dialogue ne va pas gagner de prix, mais il a un conflit et le texte cache le sous-texte, ce qui en fait une scène raisonnablement réussie. Ok, donc c'était de l'action et du dialogue. Nous avons notre histoire, nous avons notre structure et nous avons nos actes, nous avons notre histoire bat, nous avons nos scènes, nous savons écrire l'action et dialogue, donc nous sommes prêts à écrire la première ébauche. 14. Première ébauche: On y va. Les premiers brouillons sont désordonnés, il suffit de continuer. Le but est de ne pas avoir une version parfaite de votre scénario la première fois est d'avoir un brouillon complet que vous pouvez retourner et éditer. Nous avons beaucoup parlé d'écriture, mais la maxime est vraie. Écrire, c'est réécrire. À la fin de votre premier brouillon, vous auriez transformé autant de votre plan que possible en un scénario que vous pourrez revenir en arrière et éditer plus tard. Voici mes meilleurs conseils pour travailler sur votre première ébauche. Numéro 1, restez sur l'histoire. Tenez-vous au plan. Reportez-vous à votre histoire, personnages et les événements prennent leurs propres mensonges, et vous voudrez vous livrer à une partie de cette créativité intuitive. Quelques-uns de vos meilleurs travaux en sortiront. Mais finalement, vous devez arriver à la fin de l'histoire et parfois si vous suivez ces lignes de pensée trop loin, cela vous emmènera si loin que vous ne pouvez pas revenir sur le chemin. Reportez-vous toujours à votre plan et assurez-vous de rester sur l'histoire. Deux, conflit. Chaque scène devrait avoir un conflit. Si une scène n'a pas l'impression qu'elle fonctionne, demandez-vous quel est le conflit. Ajouter plus d'obstacles, rendre les choses plus difficiles pour vos personnages. Sans obstacles, il n'y a pas de choix, donc il n'y a pas de caractère. Trois, continuez. Ne vous tentez pas sur des choses qui ne fonctionnent pas. Parfois, vous pouvez laisser un détenteur de place. Un détenteur de place pourrait être une ligne d'action qui décrit ce qui devrait se passer ici. Vous n'avez pas encore apporté la façon parfaite de l'écrire. Vous pourriez l'écrire dans le dialogue. Juste, quelqu'un dit quelque chose ici par là, ça veut dire, vous savez ce qui doit se passer là-bas, mais peut-être que vous n'êtes pas encore prêt à l'écrire. Il suffit d'écrire quelque chose et de passer à autre chose. Je l'ai déjà dit, mais écrire c'est réécrire. Tu vas revenir à ça. Ce dont vous avez besoin, c'est un premier brouillon complet que vous pouvez modifier. Enfin, travaillez votre processus d'écriture individuel. Les gens ont différentes méthodes pour faire leur écriture. Vous devrez trouver ce qui fonctionne pour vous. Certaines personnes aiment écrire à la maison, d'autres préfèrent travailler dans un café. La plupart des gens que je connais aiment se lever très tôt et commencer à écrire avant que les distractions quotidiennes ne gênent le chemin. Personnellement, j'aime me réveiller assez tôt, mettre une casserole de café et commencer à travailler à partir d'environ 6:00 du matin, je vais écrire jusqu'à la mi-journée jusqu'à ce que je sois fatigué, donc peut-être 2:00 ou 3:00 heures. À ce moment-là, mon cerveau sera brûlé et je m'arrêterai et je le quitterai pour le lendemain. Le lendemain matin, je commencerai à arriver à 6h avec cette cafetière et je lirai ce que j'ai écrit la veille de faire des petits changements que je vais et ça m'a aidé à remonter au rythme de l'histoire, et puis je Continuez à écrire jusqu'au milieu de l'après-midi. J' aime vraiment écrire un premier brouillon. Vous êtes vraiment capable d'entrer dans un flux créatif. Il peut aussi être incroyablement affolant à certains moments et c'est incroyablement solitaire. Aussi aller voir des amis dans la soirée, je vais le recommander. C' est ça. Il est temps d'aller écrire votre premier brouillon. Amuse-toi bien. Je serai là. C'est tout ce que je voulais vous dire avant de partir et d'écrire votre premier brouillon, donc soit vous pouvez partir et le faire maintenant et revenir à la classe, soit vous pouvez me rejoindre pour réécrire les deuxièmes brouillons et les commentaires. 15. Réécriture et avis (projet de cours 3): Si vous regardez cela après avoir terminé une première ébauche, bien faite, c'est une réalisation massive. Le processus cinématographique est très long et il vaut la peine d'être célébré à chaque étape. La première chose à faire est de faire une pause. Vous avez besoin d'un peu de distance par rapport à votre travail, et franchement, vous l'avez mérité. Sortez voir des amis, aller au cinéma, lire des livres, faire ce que vous voulez faire. Vous devez mettre un peu de distance entre vous et votre premier projet. C' est vraiment important parce que lorsque nous revenons à notre première ébauche, nous devons pouvoir l'analyser de manière objective et sans passion. Sinon, l'une des deux choses a tendance à se produire. C' est incroyable. C'est horrible. Nous pouvons être nos pires critiques et aussi ignorer les failles presque évidentes. Comment allons-nous de l'avant ? Réécriture et rétroaction. Après avoir terminé une première ébauche ? Je ferais une réécriture avant de l'envoyer pour n'importe quel commentaire, cela me donne l'occasion de clarifier toute erreur d'orthographe et de grammaire. Mais je vais aussi me poser des questions très importantes. Premièrement, l'histoire est claire ? Il s'agit de raconter des histoires. Si vous remettez votre script quelqu'un et qu'ils prennent le temps lire et commencent à se sentir perdus dans l'histoire, ils le déposeront. Au fur et à mesure que vous lisez, demandez-vous si l'histoire est claire et s'il ne s'agit pas de vous demander pourquoi c' est : est-ce que la scène a l'impression qu'elle dure trop longtemps, avez-vous besoin d'en couper une partie, ou avez-vous peut-être dépensé trop de temps loin de votre protagoniste ou de leur objectif principal ? Question 2, le développement de mon protagoniste est-il clair ? Est-il clair qui ils sont au début du film et comment ils ont changé à la fin ? Ce changement leur a-t-il été imposé en entrant en conflit avec des obstacles, ou a-t-il changé sans raison apparente ? Question 3 : l'action est-elle claire et concise ? Est-ce que cela décrit ce que le public voit, est-ce que je dis en 20 mots, ce que je pourrais dire en cinq ? Nous voulons que le lecteur traverse le script, appréciant vraiment l'histoire, alors ne les enlisez pas dans les détails inutiles. Question 4, le dialogue est-il nécessaire ? Je me demande toujours : ai-je absolument besoin de cette ligne de dialogue et si je le fais, puis-je la rendre plus courte et plus agitée ? Nous voulons être en mesure de parcourir le dialogue autant que l'action, et un bon one-liner accrocheur est mieux qu'un énorme morceau de texte. Je regarde également chaque ligne pour m'assurer que j'utilise le sous-texte plutôt que le texte. Question 5, est-ce que je peux couper ça ? Je cherche toujours des choses à couper. Si ça n'ajoute rien à l'histoire, alors c'est parti. Dans ma dernière première ébauche, j'ai écrit 113 pages et mon deuxième brouillon était de 90 pages. C' est 23 pages de choses qui n'étaient pas nécessaires pour l'histoire, et cela a fait pour une lecture beaucoup plus lisse et plus agréable. Une fois que vous avez terminé cette première réécriture, il est temps de demander aux gens de la lire. Demandez-leur leurs leurs pensées, ce qui s'est passé pour eux. C' est une partie vraiment vulnérable du processus, mais c'est vraiment important. Maintenant, voici le truc à propos des commentaires. Les gens sont beaucoup plus susceptibles de signaler ce qu'ils n'aimaient pas que ce qu'ils font. Lorsque vous allez faire un tour dans une voiture, vous remarquez les bosses beaucoup plus que vous ne faites le voyage en douceur. Les gens vont probablement dire, « Oui, j'ai aimé ça, mais », puis ils vous ont frappé avec une liste de critiques. Ils ne seront pas spécifiques sur les bits qu'ils ont aimés, mais ils seront vraiment douloureusement spécifiques sur les choses qu'ils n'ont pas fait. Bien sûr, ils auront beaucoup d'idées sur ce que vous auriez dû faire. Bien sûr, tout ça va bien. C' est une partie du processus. Certaines de leurs idées seront géniales et vous pouvez les voler, ou ils pourraient venir avec une critique qui étincelle une idée est encore meilleure que celle que vous auriez pu trouver indépendamment. Mais surtout, rappelez-vous qu'ils n'ont pas toujours raison. Je peux vous garantir ça à coup sûr. Personne ne lira vos scripts aussi attentivement que vous l'avez écrit. Posez-leur les questions que vous vous êtes posées : est-ce que l'histoire est claire, pouvez-vous me l'expliquer, avez-vous compris mon caractère, pouvez-vous me dire comment ils ont changé ? Une fois que vous avez recueilli tous ces commentaires, revenez en arrière et lisez-les vous-même. Voyez quelles parties des commentaires vous pensez être vraies et lesquelles pensez-vous que vous pouvez ignorer. Une fois que vous avez recueilli tous ces commentaires, ce que nous appelons notes, vous pouvez partir et rédiger une deuxième ébauche. Ensuite, vous pouvez prendre ce deuxième brouillon et proposer de lire à nouveau, et vous pouvez recueillir des notes sur ce brouillon et écrire un troisième, et vous pouvez recueillir des notes sur ce brouillon et écrire un quatrième, puis un cinquième , un sixième et un septième, et un huitième, et un neuvième et un dixième. Cela pose la question : quand un scénario est-il terminé ? Il y a une réponse très simple à cela. Ça ne l'est jamais. Tu ne finis pas vraiment un scénario, tu l'abandonnes. C' est l'heure de notre dernier projet de classe. Je ne vais pas vous demander de télécharger votre scénario fini parce que vous possédez les droits à cela, et cela pourrait être très précieux. Mais ce que j'aimerais voir, c'est votre scène préférée, une scène de vitrine de votre projet fini, après avoir été à travers un premier brouillon et une réécriture. Téléchargez-le, obtenez des commentaires. J'adorerais le voir.