École d'art de personnages : Cours comlet sur le coloriage et la peinture

1. Introduction au cours: Bonjour et bienvenue à l'école de caractère OT, coloration complète et peinture. Je m'appelle Scott Harris. Je suis un bureau de directeur artistique et je suis aussi un monstre total pour la conception de personnages, la peinture de personnages, la coloration de personnages, le dessin de personnages. J' adorais les personnages et je pense que tu es là parce que tu les aimes aussi. Je vais vous faire suivre ce cours la même façon que j'enseignerais à mes étudiants. Et j'espère que tu auras l'impression que je suis juste à côté de toi ou que j'étais côte à côte. Quand je t'enseigne les différents concepts, je veux que tu apprennes un très, très bien. Maintenant, ce cours est divisé en trois sections principales. La première section est vraiment la théorie fondamentale que nous devons noter, en particulier sur la couleur et beaucoup comme étant la partie la plus importante. Ensuite, nous passons au flux de travail général de la peinture. C' est ainsi que nous allons appliquer toute cette théorie d'une manière logique et cohérente. Et ça va être très important pour vous de mémoriser et de prendre à des trucs de loi chauds. Nous jetons ensuite un coup d'oeil à quelques styles de coloriage, et puis nous avons aussi quelques démos, démos complètes ainsi que ce commentaire de temps écoulé afin que vous puissiez voir le processus de peinture en détail granulaire. Maintenant, ce cours est conçu pour vous faire passer d' un niveau de connaissances 0 à un niveau de connaissances très professionnel. Et je pense que le cours y parviendra. Vous vous approchez peut-être du cours à différents niveaux. Mon conseil est que si vous connaissez des logiciels numériques comme Photoshop ou l'équivalence, de sauter complètement le module 2. Sinon, les modules 1, 2, 3, 4 et 5 sont bons pour tout le monde et je vous les recommande fortement. Je vous conseille également de suivre le cours deux fois la première fois. Il suffit de regarder le cours, regarder toutes les vidéos, prendre des notes et d'essayer d'acquérir une compréhension fondamentale de ce qui se passe. La deuxième fois. Faites toutes les tâches et soyez vraiment diligents et dévoués dans ce que vous faites. L' un des facteurs déterminants lors de la création de ce cours était de créer un cours clair, efficace et extrêmement complet. Je crois que c'est probablement l'un des moyens les plus rapides d'apprendre une peinture numérique haut de gamme de personnages, ainsi que la coloration des personnages très, très rapidement. Je déteste le gaspillage de Tom, je déteste les promenades, et je ne veux vraiment pas perdre ton temps. Je veux que vous fassiez ce cours, vous obtenez un lieu hors du cours, puis procède à continuer à colorier et peindre d'une manière professionnelle, les personnages que vous vouliez présenter au monde. Permettez-moi également de vous remercier d'avoir acheté le cours. Je suis sûr que tu vas y trouver une immense valeur. Je suis très, très excitée de t'apprendre, et j'ai hâte de voir ce que tu vas produire quand tu auras fini. Alors on y va et je vous verrai dans les leçons. 2. Coloration et outils de peinture: Avant d'entrer dans les leçons principales du cours, nous allons jeter un oeil sur le logiciel et le matériel qui peuvent être utilisés pour colorer vos personnages ainsi que pour dessiner vos personnages. Maintenant, si vous êtes déjà familier avec les outils d'art numérique, vous pouvez totalement sauter cette leçon. Vous n'avez vraiment pas besoin de passer par cela si vous êtes nouveau, jetons un coup d'oeil aux outils à votre disposition et allons y aller directement. abord, vous voulez vous assurer que votre ordinateur, il s'agisse d'un PC ou d'un Mac, dispose d'au moins un processeur Intel Core i5. Et vraiment, c'est juste pour assurer une excellente performance sur vos brosses. La capacité de travailler sur des toiles logiques avec des images de haute résolution, et la RAM aide également pour cela. Vous voulez aussi avoir huit concerts de RAM. Je recommanderais un écran 1080 P si vous le pouvez, sinon une haute résolution dans ce. Ainsi, 1080 P est Full HD ou supérieur. Et la raison en est qu'il vous donne plus d'immobilier écran. Et bien sûr, je tiens également à mentionner que si vous pouvez obtenir un ordinateur ou un ordinateur portable ou une tablette avec un écran de haute qualité, ce serait mieux aussi. Affichage capable d'afficher un plus large éventail de couleurs. Et vous verrez quand vous allez au magasin, lorsque vous magasinez, ils mentionneront les hauts des écrans et les hauts des capacités de couleur des écrans. Rps est quelque chose qui est favorable. La technologie d'affichage IPS, il affiche vraiment des couleurs très vibrantes et vraiment une belle précision de couleur large gamme. Quelque chose d'autre que vous pouvez regarder est la gamme de couleurs Adobe RGB de l'écran Nano qui pourrait sembler complexe si vous ne l'avez jamais entendu auparavant, vraiment, c'est juste un peu de statistiques et il vous indique combien de la couleur Adobe gamut l'écran prescrit à. Beaucoup de sorte de milieu à haut de gamme ont environ 70 pour cent gamme de couleurs. Et le très haut de gamme peut avoir jusqu'à 95 pour cent, voire jusqu'à 99 pour cent de couverture de gamme de couleurs, ce qui signifie que vous allez voir plus de couleurs et plus de subtilité dans les couleurs. Maintenant, évidemment, il y a une implication dans le processus. Alors travaillez dans les limites de votre budget et voyez ce que vous pouvez vous permettre. Jetons un coup d'oeil à certains des logiciels que vous pouvez utiliser. Un chien Photoshop est vraiment la norme de l'industrie. Je sais que le mot photo est dans son nom, mais c'est vraiment une application très puissante. Le coût pour l'utiliser n'est pas trop élevé. Ça dépend. Vous ne pouvez plus l'acheter pure et simple. Vous pouvez l'acheter sur un programme de photographie de chien Photoshop pour environ 10$ par mois, je crois dix ou 15$ par mois. Et ça vous donnera Lightroom aussi. C' est ce que l'édition de photos, mais vous pouvez ensuite l'utiliser pour 10$ par mois. Vous pouvez utiliser Adobe Photoshop et accéder à toutes ses fonctionnalités. C' est donc la norme de l'industrie. Il a peut-être obtenu le plus haut niveau d'ajustement que vous pouvez faire en termes de modes de couche et en termes de paramètres de pinceau et de choses comme ça. Cependant, le fait que c'est la norme de l'industrie ne signifie pas nécessairement que c'est le meilleur. Nous allons regarder un autre logiciel qui est assez similaire et aussi pleinement capable. Quelque chose à retenir en regardant le reste du logiciel est que la plupart des logiciels peuvent faire 95 % des choses que nous devions faire et nous allons écrire. Donc Adobe Photoshop, vous en avez probablement entendu parler avant. C' est un peu devenu un truc de culture pop aussi. Et les gens qui vont magasiner ça ou faire du shopping. Mais c'est la fin standard de l'industrie. Je pense qu'il est très bénéfique si vous pouvez utiliser Photoshop. Apprenez le meilleur dès maintenant et finissez-le et ensuite vous pouvez passer aux autres applications relativement facilement. Une autre grande application est le peintre Carl. Fonctionnalités très similaires à Photoshop. Bien sûr, moins concentré sur l'édition de photos en termes d'outils supplémentaires, et plus axé sur les outils de peinture, il est essentiel que la peinture et les papiers dans l'application, ce fond est vraiment avec les papiers comme ils disent, agir comme le vrai médium. Donc, vous obtiendrez des sommets rugueux de papier, lisse ultérieur, mais vous obtiendrez des aquarelles qui saignent comme des aquarelles, des peintures à l' huile qui peuvent dessiner comme toutes les peintures. Vous pouvez même dessiner les peintures dans l'application si vous le souhaitez. Et, et la peinture semble tout à fait réaliste. Maintenant, bien sûr, cela dépend du type de style de coloration ou de peinture que vous allez faire. Mais Carl painter a tout, des outils très numériques aux outils très traditionnels. Donc c'est une bonne option là-bas. Juste pour souligner avec Carl peintre, appelé peintre utilise beaucoup de puissance CPU. Je recommande d'aller à une sauvegarde d'art et modèle 16 gigs de RAM et peut-être une carte graphique dédiée si vous voulez utiliser curl painter. Il est très riche en ressources, et il l'est depuis de nombreuses années. Donc, il faut juste beaucoup de puissance de traitement pour faire tous ces calculs de la peinture en mouvement, en balançant et en mélangeant ensemble. Alors gardez cela à l'esprit avec Carle peint. Ensuite, nous avons Clip Studio Paint. Honnêtement, je ne peux pas assez faire l'éloge de cette application. Je crois que c'est une application japonaise. Je ne suis pas sûr à 100%, mais je pense que c'est japonais. Je l'utilise depuis trois ou quatre ans. J' utilise un tas de logiciels différents chez Toms, je vais basculer entre les deux. Mais Clip Studio Paint est effectivement un achat hors vente. Vous pouvez acheter seulement la version pro qu'ils ont la version Pro et la version edX. La version pro a tout ce dont vous avez besoin pour dessiner et peindre des personnages, pas de problème. C' est de grandes brosses, une excellente mécanique de brosse. Il a des fonctionnalités très similaires à Photoshop me développeurs sont vraiment constamment mise à jour application et la meilleure partie est les coûts du logiciel, si je ne me trompe pas, 5999 dollars américains. Bien sûr, selon le moment où vous regardez ce cours, cette coupe croisée augmente ou diminue. Mais néanmoins, c'est une fois hors achat. Et vous avez ce logiciel très, très puissant, très impressionnant et extrêmement productif, très impressionnant et extrêmement productif, efficace en termes d'utilisation du système, il est très efficace. Il peut fonctionner sur un grand nombre d'ordinateurs et les performances ne se dégradent vraiment pas. Je ne peux pas recommander assez Clip Studio Paint, non ? Passons à la Procreate. Procreate est une application iPad, en particulier pour l'iPad Pro avec le crayon Apple. On en parlera un peu plus tard. Procreate est fantastique car il apporte vraiment le monde de l'interaction tactile de votre toile avec le monde du dessin à l'écran. Et il a des fonctionnalités très puissantes. Comme je l'ai dit, la plupart de ces logiciels partagent des similitudes entre eux et la procréation n'est pas différente. Il a des couches, il a des modes de couche, il a des brosses variables et vous pouvez faire vos propres brosses et de grandes tailles de toile. Et c'est vraiment une application fantastique pour l'iPad Pro. Il, il est vraiment spécifique à l'iPad Pro. Si vous allez dessiner, peindre, colorier sur votre iPad Pro, c'est l'application que vous voulez utiliser. Il n'y a actuellement aucune application. Ils peuvent rivaliser. Procreate. Ce sont des alternatives géniales, mais elles ne sont même pas aussi bonnes que Procreate. Donc c'est tout pour le côté logiciel, ce sont mes recommandations. Mort soignée. Jetez un oeil à ces logiciels. Il s'agit de parler du matériel. Et la première chose que nous voulons regarder est de dessiner des comprimés. Maintenant, ces types d'habitudes de dessins n'ont pas d'écran sur eux. Et il y a un peu de déconnexion lorsque vous commencez à l'utiliser pour la première fois. Ceux-ci se connectent à votre ordinateur. Il y a deux marques encore humide sur qui a été vraiment la plus grande marque depuis le dessin des tablettes sorte de est venu en train d'être. Et plus récemment, une société chinoise de ne pas se tromper, il est venu appelé Who ion. Et ils produisent également des comprimés de très grande qualité à un prix beaucoup moins cher. Cependant, je suis pro contre, mais c'est vraiment juste parce que je l'utilise depuis tant d'années et qu'ils sont vraiment robustes et robustes. J' ai de très vieilles habitudes qui ont perdu un 1015 ans. Donc, je peux vraiment recommander comme sur, mais qui ion obtient de grandes critiques et vous pouvez regarder dans cela. Ces comprimés sont géniaux. Ils viennent à un bon prix là aussi précis que les affichages à l'écran, les broches fonctionnent de la même manière. C'est merveilleux. Vous pouvez être inquiet que oui, il va y avoir une déconnexion parce que vous devez regarder écran de votre ordinateur et avoir votre main en dessous. Tu ne regardes pas vraiment ta main. Mais je peux vous montrer trois à cinq heures sur l'une de ces choses, juste en train de dessiner et vous avez vraiment le coup de ça, c' est pas grave après. La seule zone où ces tablettes de dessin ou plus faible que le dessin à l'écran est quand vous voulez vraiment faire des lignes propres et raffinées pour vos dessins. Les lignes très, très propres, non ? Les encres, si vous voulez, ou vos lignes de remboursement Lindsay nettoyées. Mais à part cela, c'est possible de nos jours, en particulier dans quelque chose comme Clip Studio Paint, où vous avez la possibilité d'activer une fonction appelée pinceau, stabilisation des pinceaux. Et la stabilisation brossée permet vraiment à l'ordinateur de calculer toutes vos petites tortilles si vous parvenez à tracer des lignes lentement. Donc tu sais, et c'est vraiment à toi de décider. Mais si vous voulez une expérience de dessin plus naturelle, vous voudrez regarder quelque chose comme une tablette à l'écran. Ici, nous avons une syntaxe de webcam à gauche et la version Hawaii à droite. Ceux-ci ont également branché sur votre ordinateur et ils agissent comme des écrans secondaires, comment vous pouvez réellement déplacer Photoshopped sur l'écran et dessiner littéralement sur l'écran. C' est un très cool, c'est très génial. Ça ne va pas te rendre meilleur pour dessiner, peindre ou colorier, s'il te plaît garder ça à l'esprit. Et en fait, pour la coloration, je recommanderais en fait juste l'orientation standard parce que votre main entrave le chemin, évidemment quand votre main couvre l'écran. Mais néanmoins, tu ne peux pas te tromper avec ces gars non plus. Je peux aussi les recommander et ils sont vraiment super. D' accord ? Il y a donc des tablettes à l'écran. Ils varient en prix. Ils sont significativement plus chers que les tablettes non à l'écran, beaucoup plus. Et ils varient également en taille et en style. Donc, ils montent et vous obtenez ceux qui peuvent se plier de différentes manières et ceux qui peuvent se tenir vraiment verticalement ou ils peuvent tourner. Faites des recherches sur eux. Mais bien sûr, considérez votre budget. Je n'irais pas dépenser trop pour un de ces trucs. Alors pensez-y avant de l'acheter. Et puis, enfin, nous avons dessiné des tablettes PC et ceux-ci sont assez nouveaux. Et peut-être que dans les trois ou cinq dernières années, ils arrivent. Le pain épilogue Pro, est très nouveau. Je pense que c'est seulement environ un an et demi vieux roman 3D, mais il ne nécessite un achat séparé de l'Apple Pencil. Et aussi que apparemment les nouveaux Microsoft Surface Pros n'incluent pas la douleur, mais les anciens modèles le font. Et les autres modèles sont toujours Ansel. Néanmoins, l'Apple iPad Pro fonctionne sur iOS. Vous allez principalement utiliser Procreate sur là et peut-être une suite d'autres applications juste pour compléter ou peut-être vous aider avec quelques modifications ou post-production de votre travail. Mais néanmoins, c'est un appareil fantastique et fantastique. J' ai un iPad Pro, adoré dessiner sur la batterie. La vie est folle et dessinée, peindre dessus, je colore dessus tout le temps. C' est un bon appareil. Il est très efficace et procreate peut exporter vers PSD, sorte que vous pouvez passer à votre PC plus tard et faire quelques ajustements si vous le souhaitez. Et beaucoup de temps, tu n'as même pas à le faire. Microsoft Surface Pro Anya est alors un ordinateur complet. C' est une tablette complète. Comme je l'ai dit, les anciens modèles sont livrés avec un stylet. Les nouveaux modèles ne semblent pas. Vous devez l'acheter séparément. C' est 100$ ou ici. Il n'utilise pas la technologie WACC com. Il utilise différents types de technologie et la broche, mais je les ai utilisés et cela fonctionne parfaitement bien. n'y a pas, Pour moi, il n'y a pas de différence perceptible dans la capacité de dessin de la capacité de peinture. C' est vraiment la même chose. Et maintenant, lorsque vous utilisez une Surface Pro parce qu'il s'agit d'un ordinateur, vous pouvez utiliser Photoshop ou des clips de votre peinture ou une autre suite logicielle pour dessiner et peindre. Et aussi un excellent appareil comme un autre point à noter sur le service qui béquille de retour d'une manière vraiment agréable où vous pouvez le reposer pour un type de mode de dessin où l'écran s'incline un peu. L' iPad Pro, vous allez avoir besoin d'un support pour ordinateur portable ou quelque chose pour le soutenir si vous voulez l'utiliser de cette façon. Mais néanmoins, ce sont votre matériel et vos options logicielles sont simplement recommandées. Les produits que je pense sont vraiment bons et vous aideront à y entrer très rapidement. Laissez-moi vous dire, les gars, nous voulons garder à l'esprit. Odd est vraiment sur la théorie et la pratique. Ne vous inquiétez pas tant pour les outils. Un don vous stresse dehors, ne paniquez pas à ce sujet. Vous pouvez obtenir par l'ordinateur de milieu de gamme un coup bon marché sur tablette ou Hawaï sur tablette, et un abonnement à Photoshop ou un achat de clips, votre stylo ou tout ce que vous pouvez obtenir par juste plaisir. Essayez de développer vos compétences. Ne vous inquiétez pas trop du matériel et des logiciels. D' accord, mais ce sont mes recommandations et je vous verrai dans la prochaine leçon du cours. On se voit là-bas. 3. Module 1.1 : Lumière de la couleur et l'œil: Bienvenue à la première leçon du module 1, compréhension du lot et de la couleur. Et dans cette leçon, nous allons jeter un oeil sur le fonctionnement de l'œil. Ils vont monter. Et pour ce faire, je vais juste faire une petite illustration ici de la vue latérale de notre globe oculaire et une sorte de dessin dans les sections photorécepteurs ici à l'arrière quand ils vont dans le cerveau. Et on va en quelque sorte faire une théorie. Et cela vous sera vraiment si utile parce que vous comprendrez pourquoi nous choisissons une chose particulière sur laquelle nous devons nous concentrer fortement dans notre AUC, qui est la valeur par rapport à une autre chose qui est la couleur, non ? Et donc dans ton globe oculaire autant d'intos, ça frappe un tas de photorécepteurs que je vais diviser en deux sommets. Donc ça ressemble probablement à ça dans la règle de l'ABA, non ? C' est un peu pointilleux. Et puis il y a une sorte de petites masses rondes aussi, parce qu'il y a tous ces petits allèles épineux vont courir des masses. Ça ressemble probablement à ça de la vue de côté. Et effectivement, nous avons, je vais juste simplifier ici. Nous avons des tiges qui reçoivent informations de lumière et ensuite nous avons aussi des cônes reçoivent des informations de lot. Très bien, les tiges et les cônes. Et ceux-ci sont très, très importants pour ce qui est de la façon dont nous comprenons comment nous voyons le chlorure. Et donc à l'intérieur de la surface lorsque vous regardez directement dans l'œil, il y a des tonnes, des tonnes et des tonnes. Je n'ai probablement pas pu les dessiner assez vite. Ou des tonnes et des tonnes de tiges, environ 120 millions de tiges dans l'œil. En fait, écrivons ça là-bas, un 120 millions de tiges. Et puis il ya environ 6 millions de cônes vont pourrir dans l'œil humain moyen. C' est probablement la distribution. Et les tiges tout ce qui détecte la luminosité, la luminosité et l'obscurité. Ok, donc on va juste l'indiquer comme ça, obscurité à la luminosité, non ? Ainsi, les tiges détectent la largeur. Et les cônes prennent la couleur, non ? Et vous pouvez voir juste par la scission ici des 120 millions à 6 millions, que beaucoup de vision 3D est due aux tiges parce que les tiges peuvent voir la différence entre quelque part qui est allumé et quelque part qui n'est pas allumé. pourriture peut voir les morts des ombres et les reflets les plus brillants. Et les tiges font le levage lourd en termes de compréhension de la mousse, n'est-ce pas ? Alors que les cônes, ils sont principalement là pour ramasser la couleur maintenant d'un point de vue scientifique, si je ne me trompe pas, les cônes peuvent également détecter des degrés de luminosité d'une manière particulière, mais le levage lourd de ce est les tiges et les cônes ont trois types d'alliances avec les récepteurs, n'est-ce pas ? Vous avez le récipient bleu, Owens. Et les cônes des récepteurs rouges. Et puis vous avez aussi les verts réciproques. Et maintenant, supportez-moi parce que je sais que vous vous êtes inscrit à un cours sur la façon de colorier et de peindre votre travail. Mais bien sûr, c'est vraiment crucial et, et croyez-moi, cela vous sera très, très utile en très, très utile pour vous. Alors supporte moi pendant que nous traversons ça, mais ne vous inquiétez pas, ce n'est pas très long, ce n'est pas très complexe. Et je simplifie aussi extrêmement le processus. Oui. D'accord, c'est ce qui se passe, comme en termes de pièces de monnaie. En fait, je veux juste le tourner comme ça. Et peut-être que vous avez vu ces couleurs avant, peut-être que vous les avez vues sur votre téléviseur, ou vous le comprenez en termes de pixels sur les écrans LCD, que les pixels individuels de votre écran est constitué d' une petite lumière rouge et un petit feu bleu, un feu vert. Et ces trois récepteurs combinés est la façon dont nous obtenons notre spectre complet de couleurs, c'est comment nous voyons notre spectre complet de couleurs. Mais ce qui est assez fou, Ce qui est vraiment intéressant à ce sujet, c'est que le genre de cerveau mélange le bleu et le vert. Oh devrais-je dire plutôt que vous pouvez détecter toutes les choses entre le bleu et le vert, non ? Comme le bleu et le vert et mélanger. Et vous pouvez détecter toutes les choses entre le vert et le rouge est le vert et le rouge mélange. Donc, vous pouvez imaginer Green qui va en raid, vous obtenez une sorte de Brown, vous obtenez des jaunes et des choses comme ça. Et puis il devient rouge. Et puis à partir du bleu que vous obtenez, ce que vous êtes en quelque sorte de cyan va dans les verts terrestres ou a pris des bruits et que quand vous allez dans le vert, cependant, votre cerveau ne se lie pas. Je veux dire que le, ces récepteurs particuliers, désolé, ne sont pas liés les uns aux autres, que bleu et rouge ils ne lient pas. Et donc votre cerveau fait juste la couleur entre les deux. D' accord, et c'est assez fou, je sais. Donc techniquement, la couleur maquillée serait magenta. C' est une sorte de vidéo de base. C' est juste inventé dans ton cerveau, ce qui veut dire que ton magenta et ta mère pourraient être complètement différentes. Et nous ne le saurions jamais parce que quoi que j'appelle à nouveau pour commencer ou vos violets minuscules, vous pourriez l'appeler comme ça aussi, mais ça pourrait être une couleur complètement différente de vous, non ? Mais néanmoins, c'est un peu une pensée folle. Mais c'est ainsi que nous obtenons notre spectre de couleur et ajoutons également roue de couleur est dérivée du système de rouge, vert et bleu. Et voilà ce que nous aimerions vraiment appeler les vraies primaires. Certaines personnes affirmeraient que les vraies primaires ou signe cyan, magenta et jaune. Et c'est plus un débat technique sur le sujet, mais vraiment juste garder les choses de base. Le rouge, le bleu et le vert sont nos primaires. Et c'est aussi la façon dont nos écrans d'ordinateur et nos écrans de téléphone affichent le spectre complet de couleurs pour nous en utilisant des configurations RVB dans la structure de pixels. Et c'est comme ça qu'on voit. Encore une fois, la grande chose que nous voulons enlever de cette très, très grande chose, c'est juste comment sont les tiges pivotantes, non ? Et à quel point l'information sur la valeur est importante, n'est-ce pas ? L' inflammation de la luminosité est pleine. Comment nous voyons nous discernons principalement la tridimensionnalité et forme en termes de la partie réceptive de celui-ci, en termes de lat via les tiges, via la luminosité ou via la valeur. Et donc la valeur la plus étrange pour nous est absolument fondamentale. C' est absolument essentiel. Et vous verrez comment cela se lie dans très, très fortement à la coloration de niveau professionnel et la valeur de la peinture de caractère de niveau professionnel est exceptionnellement important, bien sûr, un peu joue un grand rôle aussi. Mais la division de l'importance est quelque chose comme 90 pour cent en valeur puissante, 10 pour cent en couleur importante. Parce que la couleur est vraiment, bien sûr, il y a de multiples utilisations, mais la couleur peut vraiment conduire à l'humeur, mais la valeur conduit à une véritable compréhension des mousses. D' accord, c'est tout pour cette leçon. Passons à la leçon suivante. Je te verrai là-bas. 4. Module 1.2 : La échelle de la lumière: Dans cette leçon, nous allons maintenant examiner la valeur. Et comme mentionné précédemment, la valeur est très, très, très importante. C'est vraiment le cas. Et les fondations et les fondements 2, coloration et la peinture bien, et si vous comprenez vraiment bien cette leçon, vous êtes sur une base solide pour aller de l'avant. D' accord, donc d'abord, on va jeter un oeil à l'échelle de valeur. Droit ? Maintenant dans l'art, nous n'avons évidemment qu'une sorte de gamme de blancs étant les plus brillants. Nous pourrions représenter une image et le noir étant le plus sombre que nous puissions représenter. Si vous regardez le sélecteur de couleurs sur le côté de la tige de l'écran ici, quand nous parlons de lieu, nous parlons vraiment juste de la luminosité et de l'obscurité. Et en OT, nous représentons cette luminosité et cette obscurité dans une sorte de snips d' étain qui commencent par le plus large étant blanc, que je vais juste utiliser un gris très clair pour représenter cela sur l'écran. Je peux à peine le voir, mais c'est là. Et notre prochaine étape serait un peu plus loin. Étape 2, étape 3. Étape 4, étape 5, 6, 7, 8, 9. Et allons prendre ces gars et les rendre un peu plus petits pour qu'on puisse en avoir 10. Et l'étain serait noir, non ? Et c'est ce que nous appelons notre échelle de valeur. D' accord ? Et la raison pour laquelle nous faisons cela est en réalité, quelle est la plus brillante que vous obtenez ? Qui connaît probablement une étoile dans la galaxie, non ? C'est extrêmement lumineux. Quel est le plus sombre que vous obtenez ? Est-ce qu'ils sont plus noirs que noirs ? Il y a ? À quoi ressemble une zone complètement sans vol ? Tu sais, à moins que tu sois là, je suppose que c'est difficile à dire, mais c'est probablement pour nous, Pitch Black écrira. Mais dans étrange afin de parler de propriété de valeur. Et d'une manière plus efficace, on décompose le plus brillant possible. Et l'obscurité est qu'on n'est même pas allé dans ces 10 étapes de valeur ou ces 10 arrêts de valeurs, n'est-ce pas ? Et, euh, dépend de qui tu apprends, où, s'ils vont de 1 à 10, où l'un est le plus brillant, 10 est l'obscurité, le plus sombre, ou vice versa. Ça ne fait pas vraiment la différence. Mais sachant que nous parlons de ces 10 étapes avec ce locataire, la valeur s'arrête, non ? Et c'est ainsi que nous allons dire que vous voulez vous assurer que lorsque vous peignez un objet XYZ, recoloring objet XYZ qu'il y a un arrêt assez grand entre deux valeurs, droite, aux niveaux de luminosité afin que le spectateur puisse voir ce qui est agrandi et ce qui est dans l'ombre. Et nous allons aller plus là-dedans. Nous allons juste prendre un bref aperçu maintenant une valeur, nous allons aller plus en deux quelque chose appelé la déclaration de deux valeurs un peu plus tard. Mais pour l'instant, nous voulons comprendre la valeur de l'art. Est vraiment la luminosité ou l'obscurité. Ça n'a rien à voir avec la couleur, non ? C' est juste de la luminosité ou de l'obscurité. Maintenant, bien sûr, retournez au sélecteur de couleurs ici à droite, nous pouvons voir que la couleur peut être apportée à un chien, donc nous pouvons avoir un rouge vif ou un taux de doc. Mais c'est à voir avec la valeur de la couleur. Et la valeur constitue le fondement de tout cela. Ok, Donc c'est la première grande chose, l'échelle de valeur, puis l'échelle de valeur de hant a utilisé l'idée de l'échelle de lieu pour que vous sachiez, un ou atteindre a apporté le besoin. Ou un ou atteindre est noir selon la façon dont les écailles se déplacent. Et ce cinq est généralement ce que nous appelons un gris à 50 % ou gris neutre. Et que si nous passons de cinq, nous peignons avec 53 et nous l'appelons avec 53. C' est à un pas des autres valeurs, n'est-ce pas ? Parce qu'il y a un arrêt. Donc nous disons séparer quelque chose par un seul arrêt. On séparerait 53 par le bouchon pour deux arrêts, on séparerait 52 par les deux arrêts de 34. Maintenant, je ne te fais pas sentir que c'est super complexe. Ce n'est vraiment pas le cas. On a vraiment 10 valeurs dans une échelle, les plus brillantes jusqu'à l'obscurité. Et c'est comme ça que nous parlons, en parlons quand nous disons, Ok, vous voulez garder la valeur plus neutre ou moyenne, vous voulez l'égayer, ou vous voulez une valeur plus sombre. Ok, donc c'est l'échelle de valeur. Mais c'est une chose importante dont nous voulons parler avec des valeurs aussi. Et c'est si évident, mais personne ne l'affirme vraiment. Et donc j'ai décidé, vous savez quoi, je dois dire ça pour que vous soyez pro rod au début. Ici, nous avons une version de valeur seulement si vous voulez l'appeler une vision en niveaux de gris ou en noir et blanc, bien que ce ne soit techniquement pas noir et blanc parce que ces mini-salles gammes ici. Et à moins que nous ayons une version en niveaux de gris ici d'une œuvre d'art que j'ai faite précédemment. Et la chose importante que je veux que vous réalisiez est que les différents objets ont des valeurs inhérentes différentes, tout comme les différents objets ont des couleurs différentes. Donc, vous savez, si quelqu'un a bien la ville, Elif est vert et l'écorce des arbres brune, vous seriez comme HDR, c'est évident. Mais ce qui n'est pas si évident, c'est que les différents lieux ont, je veux dire, des objets différents ont des valeurs différentes. Cela ne veut pas dire que certains objets n'ont pas les mêmes valeurs. Mais c'est un point assez crucial, jamais vu un EVA délits en quoi que ce soit. Différents objets ont des valeurs différentes. Et donc ce que je veux dire par là, et vous travaillerez sur le personnage et vous utilisez le raid sur l'illustration, c'est la valeur de ses cheveux diffère de sa valeur de peau, non ? La valeur des globes oculaires diffère de la valeur des peaux. La place des boucles d'oreilles diffère de la valeur des peaux, la valeur des lèvres diffère légèrement de la peau. La valeur de la boucle d'oreille diffère des cheveux et ainsi de suite et ainsi de suite. Et évidemment, sur la peau, la peau a ses zones de valeur LET, puis ce sont des zones de valeur ombragées. Eh bien, c'est vrai. Et la même chose avec les cheveux. Il est allumé. Il a ombragé des zones et c'est éclairé. Et bien sûr, vous aurez quelques valeurs qui peuvent être ombragées dans un lieu. Saints, par exemple, les faits saillants ici sur les cheveux, apparemment assez proche de la peau, très bien, non ? Mais gardez cela à l'esprit. Différents objets ont des valeurs différentes, tout comme les différents objets ont des couleurs différentes. Et plus tard, nous allons passer par un calque de vérification de la valeur et juste un outil simple que vous pouvez utiliser dans Photoshop pour vérifier la valeur de votre travail et voir, Oh, je vois, j'ai fait de ma coiffure la même valeur de ma peau. Laisse-moi changer ça parce qu'il a aussi la clé. Si nous faisons deux valeurs similaires à la visionneuse, l'objet est le même objet, même si vous avez rendu les couleurs différentes. Maintenant, ça peut sembler fou parce que tu es comme ça n'a pas de sens. Comme la couleur est différente, mais juste dire que la valeur peut être la même. Et c'est vrai. La couleur peut être différente et pourtant la valeur peut être la même. Vous pouvez avoir un bleu et un rouge qui à la même valeur. Et donc, tandis que le spectateur percevra la différence de couleur, ils Bryan ne percevront pas la différence de valeur. Et donc ils perdront une chose clé, c' est pourquoi nous avons appris le lieu en premier lieu. Ils perdront la capacité de distinguer en trois dimensions, la différence entre ces objets, ainsi que les plans et les ombres et ainsi de suite. Si les lieux sont les mêmes. La valeur est donc cruciale et la valeur est fondamentalement importante. Bon, donc c'est tout pour le moment, nous allons passer par des sujets plus avancés sur la valeur, mais apprendre le djihad très squelettique. S' habituer à cette idée que différents objets ont des valeurs différentes et commencez à vous demander en regardant autour de vous, quel est le lieu de cela ? Quelle est la valeur de cela ? Quelle est la valeur de ce manque que j'ai dans la pièce contrairement à la valeur de peut-être mon écran d'ordinateur ou mes crayons ou qu'avez-vous cessé de chercher de la valeur ? Parce que nous grandissons dans notre capacité artistique, nous apprenons à mieux voir. Et apprendre à voir la valeur est fondamental pour pouvoir bien peindre, n'est-ce pas ? Et bien la couleur. Impressionnant. Je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Module 1.3 : Perception des formes: Quand il s'agit de la façon dont nous percevons les choses dans le monde réel. Ce sont vraiment deux grands champs qui nous aident à voir la 3D. Et l'un est la perspective, et l'autre est la lumière. Et la lumière est vraiment sur laquelle nous allons nous concentrer, c'est notre préoccupation quand nous parlons de la coloration des personnages et de la peinture des personnages. Et l'une des choses les plus importantes que nous voulons toujours garder à l'esprit est qu'en tant qu'êtres humains, nous voyons d'abord les ombres et ensuite nous voyons la lumière. Cela signifie donc que nous déterminons la tridimensionnalité d'un objet par ses ombres. Ça semble bizarre parce que tu as besoin de lumière pour voir des choses qui sont évidemment vraies. Mais les ombres qui se forment, les ombres de forme dans les facteurs sont appelées nous aident à comprendre et à distinguer ce qui est en face, ce qui est derrière, ce qui est autour, ce qui tourne, ce qui est carré, ainsi de suite et ainsi de suite. Donc, nous voyons d'abord les ombres, puis la lumière. Et donc les ombres sont ce qui nous aide essentiellement à comprendre les formes 3D. Et cela donne lieu à quelque chose appelé la déclaration de deux valeurs ou à l'éclairage de forme de valeur. Et nous allons entrer dans ça dans un peu. Mais pour l'instant, jetons un coup d'oeil à cet exemple d'image. A gauche, nous avons cette fille penchée contre un mur ou une fenêtre avec son portable. Et ce que nous allons faire, c'est d'abord, nous allons simplement décomposer cette image en valeur simple. Et on peut voir qu'il y a une belle division de valeur. Ses gènes sont différents de sa chemise ou chemises différentes ou une veste. Ses cheveux sont différents de sa peau, et cetera, et cetera. Et même dans la scène, nous pouvons voir différentes valeurs ou droits. Et vous pouvez voir que j'ai apporté sa valeur de chaussures est comparée à peu près au reste de la scène à l'exception du ciel. Et ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons simplifier les valeurs encore plus loin que peut-être deux ou trois valeurs. Et on a quelque chose dans le sens de ça, non ? Où nous pouvons encore vraiment comprendre ce qui se passe dans la scène. peut voir une fille debout, elle porte un jean, des baskets, elle a un téléphone ou quelque chose dans ses mains. On peut voir son visage. On peut voir ici. Ici, nous pouvons voir les bâtiments, nous pouvons voir le ciel. Et comme vous pouvez le voir, tout est toujours financé moyen à la compréhensible. Nous avons donc décomposé cette immensité de complexité en deux ou trois valeurs. Et ce qu'il nous reste à la fin de la journée, c'est vraiment la lumière et l'ombre. Nous sommes capables de distinguer les formes par ces ombres. Très bien, et donc ici nous voyons un bon exemple de la déclaration de deux valeurs. Il y a environ trois valeurs dans cette image, mais néanmoins, le principe d'avoir la lumière et l'ombre une plante. J' ai peint ce simple cube ici, j' ai deux avions, l'avant et le côté du cube. Et nous pouvons voir, surtout quand vous regardez la vue des vignettes, que nous pourrions facilement percevoir cela comme une forme 3D. Pourtant, nous n'avons utilisé que deux valeurs, d'accord, et donc la déclaration de deux valeurs ou la formulation de valeur, nous conduit à un principe fondamental quand il s'agit façon dont nous voulons couleur avant slash peindre nos œuvres. Et ce que c'est, c'est vraiment que nous voulons nos ombres et notre lumière lisent clairement, non ? Et ce que cela signifie, c'est que seules les deux valeurs de base de l'ombre et de la lumière devraient rendre l'objet tridimensionnel. Très bien, nous devrions être en mesure d'obtenir un look 3D avec seulement deux valeurs plates. Ok, Cela ne veut pas dire que nous allons commencer n'importe quel type de flux de travail en utilisant seulement deux valeurs. Non, ça n'a pas de sens, même si vous pouvez certainement pratiquer ça et vous aurez des devoirs d'entraînement là-dessus. Mais c'est d'avoir cette compréhension clé que si vous peignez quelque chose ou que vous coloriez quelque chose, vous pensez à vous-même, Eh bien, ça a l'air vraiment plat et peut-être votre intention est-il pour deux, pour qu'il ait l'air très 3D ? Ensuite, vous devez vous demander, dehors de toutes les autres complexités que vous êtes occupé à traiter sur cette zone particulière de la peinture ou la section de coloration de votre dessin. Ai-je les deux valeurs carrément, faites les deux valeurs, lisez clairement. D' accord ? Et comme nous apprendrons au fur et à mesure que nous avançons dans le cours, ombres deviennent très préoccupantes pour nous. Les deux forment des ombres dans les ombres d'occlusion ambiante que vous apprendrez car elles sont essentielles à la création d'un look 3D. Et pour terminer cette leçon, je veux juste dire encore une fois qu'une lecture forte de la lumière et de l'obscurité. lumière et l'ombre sont tout ce qui est nécessaire pour une base de forme solide. J' espère que cela a été utile et je vous verrai dans la prochaine leçon. 6. Module 1.4 : plans: Nous comprenons maintenant que nous pouvons obtenir une bonne forme de lecture, une bonne lecture 3D avec juste la lumière et l'ombre, droite, en faisant lire ces choses clairement. Mais la question clé est, où mettez-vous ces ombres, est-ce pas ? Où les mettez-vous ? Et la réponse réside dans les plans et l'apprentissage des plans de la forme humaine. J' ai ces trois têtes ici à titre d'exemple. Donc, la première tête ici sur le côté gauche est vraiment juste un modèle très basique de la tête. Et c'est plein de montagnes et de vallées de complexité. Donc, si nous allons à la tête des avions réels et les avions sont vraiment juste les différents côtés des choses. Assez complexe. Donc, si je commence à dessiner des plans flèches, imaginez que cela ferait quelque chose comme ça irait dans et autour de l'ABL, vers le bas, autour de la joue, ici et autour. Et vous pouvez commencer à voir ça, wow, ils ressemblent sérieusement à un grand nombre d'avions et ils changent. Par exemple, ici nous allons sur la lèvre, les avions cessent de changer. Et on peut les égaliser, d'accord. Nous pouvons donc obtenir une vue en grille de tous les différents plans et les angles auxquels ils sont confrontés. Maintenant, la lumière se déplace en ligne droite et nous allons vraiment le regarder dans la prochaine leçon. Mais nous voulons comprendre que les OVS ont besoin d'objets différents, ont des côtés différents, n'est-ce pas ? Un objet 3D a un plusieurs côtés et manque va frapper certains côtés et ne pas frapper les autres. Nous avions besoin de connaître les côtés. Et comme vous pouvez le voir, les avions sont assez complexes. Alors, comment diable tu les apprends ? Et la réponse est que nous verrons le numéro trois ici, c'est que nous voulons étudier les versions simplifiées des avions. Donc, par exemple, si vous pouvez imaginer sur le numéro touché, frapper le numéro deux ici, nous aurions comme des avions sur le nez comme ça et ensuite les avions en dessous ici. Et il y a tellement d'avions sur la façon dont les joues vont , puis les avions vont là-bas, puis autour des yeux et ensuite dehors comme ça. C' est juste vraiment complexe, est-ce que beaucoup d'entre eux, des milliers ou des millions d'entre eux même raison ? Nous devons simplifier. Et donc une version simplifiée des avions serait quelque chose comme ça où nous disons, d'accord, si nous faisions toute cette section du front ici un seul avion, ce juste un plan. Celui-ci, juste un avion ici. On a un avion qui se dirige vers les yeux, non ? Un plan arrondi pour les globes oculaires parce qu'ils sont circulaires. Un autre avion qui sort sous les yeux, avion droit ici pour les joues, jouer ont ces joues, et cetera, et cetera. Et nous divisons les nœuds en seulement deux plans. L' avion du bas dans un plan supérieur ici. Et on peut vraiment avoir un avion de gazon qui descend comme ça. Et vous pouvez voir que nous commençons à comprendre comment nous pouvons faire entrer les ombres générales, d'une manière générale. Et à mesure que nous apprenons les avions plus en profondeur, nous pouvons commencer à augmenter le niveau de détail si nous voulons un style de coloration ou de peinture très réaliste. Maintenant, bien sûr, quand vous, quand vous parlez de ces types de Sonics, choses qui s'échelonnent, parfois vous voulez juste une coloration très simple et c'est amusant. Parfois, tu veux plus avancé, c'est celui que je t'apprends à être un professionnel et ça veut dire que tu sais tout faire , de la chose la plus complexe jusqu'à la chose la plus simple, non ? Pour revenir aux avions, les avions sont critiques. Comment vous apprenez les avions est que vous trouvez des modèles de plans faciaux simples. Vous cherchez des images de référence de plans faciaux simples. Maintenant, généralement ceux-ci viennent sous la forme de sculptures. Donc, un, un, un artiste ferait en fait un simplifié il Plains une sculpture de structure de la tête. Maintenant, je ne peux pas vous les montrer parce que presque toutes sont des images protégées par le droit d'auteur. Et je ne sculpte pas personnellement, donc je n'ai pas un de ces tubes. Néanmoins, une simple recherche Google, les plans des plans faciaux du corps humain vous donnera des millions de résultats que vous pouvez étudier et référencer. Et croyez-moi, quand je dis ceci, vous voulez approfondir votre compréhension des avions. Vous voulez faire beaucoup d'études sur les avions et vraiment avoir une idée de l'angle des avions sur le visage. Maintenant, par exemple, ce genre de points vers le bas, ce genre de points vers le haut, ce genre de points soulignés. Et donc vous avez tous ces avions et quand vous comprenez les avions, et puis nous ajoutons une source de lumière, par exemple, nous disons, d'accord, les sources de lumière ici, en haut à gauche, où la lumière va frapper ? Nous pouvons alors voir qu'il peut ne pas frapper cet avion ici du nez. Donc ce serait dans l'ombre, non ? Et il peut ne pas frapper une partie de cet avion, de certains de cet avion, mais il frappe cette section ici et nous commençons à obtenir cette forme 3D à travers. Il y avait un avion, oui, probablement pas là et pourrait frapper un peu là, certains ici, mais peut-être pas cette section non plus. Et donc nous commençons à forme audacieuse à partir de la compréhension des plans et de l'emplacement de la lumière. C' est la base des avions. Il y aura plus d'informations dans vos affectations. Je te verrai dans la prochaine leçon. 7. Module 1.5 : Lumière et réflexion: Dans cette leçon, nous allons apprendre sur la lumière, sources de lumière et la réflexion. D' accord ? La première chose que nous voulons savoir sur la lumière est que peu importe les dernières sources, qu' il s'agisse d'une ampoule ou du soleil, cette lumière se déplace généralement en ligne droite. D' accord. Donc, la lumière se déplace en lignes droites. Et une conséquence de son déplacement en lignes droites, il rayonne en lignes droites, est qu'il se reflète aussi en lignes droites. Donc s'il y avait une surface ici, une surface très lisse, la lumière se refléterait aussi en lignes droites, non ? Quelle que soit la surface, en fait, réfléchit toujours sur des lignes droites basées sur les plaines de cette surface. Donc notre premier point important dans quelque chose que nous voulons penser, en particulier en ce qui concerne les avions, c'est que la lumière se déplace en ligne droite, ok ? très parfaitement droites. Et des lignes droites. C' est ainsi que nous voulons penser à la façon dont la lumière se déplace. D' accord ? La deuxième chose dont nous voulons être conscients est les sources de lumière qui nous entourent. Donc, je vais dessiner une scène simple ici. Et nous aurons le ciel et le sol. Et ensuite on peut mettre un fils ici. Disons que c'est une scène extérieure. Donc, dans un extérieur typique vu quand on pense à la lumière et qu'on demande à quelqu'un, comment on peut tout voir ? D' où vient la lumière ? Les gens diront évidemment, Hey, ça vient du soleil et ça rayonne du soleil. Et alors que cela est vrai dans la majorité de la lumière vient du soleil dedans, sur Terre quand nous sommes debout dehors. Le ciel agit aussi comme une source de lumière. Les ondes lumineuses se déplacent à travers l'atmosphère et le ciel et sa belle nature bleue devient la source de lumière aussi. Et donc le ciel en lui-même coûte aussi ses rayons de lumière, non ? C' est la lumière bleue qui coûte dans le monde. Nous avons donc les rayons du soleil et les rayons du ciel qui brillent vers le sol et sur les objets et ainsi de suite en ligne droite. Et donc nous avons déjà deux sources de lumière. Mais alors ce qui se passe est tout ce qui accepte la lumière sur le sol, la surface du sol, et qu'avez-vous alors lui-même depuis que la lumière remonte dans l'atmosphère, n'est-ce pas ? Et bien sûr aux objets qui l'entourent. Et vous pouvez voir ici que nous avons en fait trois grandes sources lumineuses en cours. Maintenant, si vous êtes dans une pièce, votre chambre, par exemple, dans la lumière de votre chambre est allumée. Alors vous n'avez vraiment qu'environ deux sources de lumière. Et c'est une sorte de style d'éclairage intérieur vraiment, vous, vous savez, quelqu'un est à l'intérieur basé sur la lumière étant une manière particulière juste là, sorte d'allumée à partir d'une source de lumière, d' une source de lumière principale, l'ampoule. Et puis cette lumière rebondit autour de la pièce et sur tous les objets. Et puis vous avez le deuxième numéro latin à venir, SAP réfléchit l'éclairage de tous ces objets remplissant la pièce. Maintenant, dans ce cas, on appellerait techniquement le soleil la lumière clé, parce que c'est la plus brillante et c'est la principale source de lumière. Le ciel serait notre source de lumière secondaire. Ou vous pouvez aussi l'appeler la source de lumière ambiante. Mais gardons ça secondaire pour l'instant. Et puis le sol serait la source de lumière réfléchie. Ok, lumière réfléchie, que vous pourriez aussi appeler lattes liées. Et qui, selon les circonstances aussi, en général, serait aussi la lumière ambiante parce qu'elle apporte une sorte de lumière moins brillante à la scène. Ainsi, la lumière clé 3D est la lumière la plus brillante et l'éclairage secondaire et la lumière réfléchie et l'éclairage ambiant sont les autres types d'éclairage. Et nous parlerons de l'éclairage à trois points plus tard, pas trop loin d'ici. Et l'éclairage à trois points est vraiment critique pour nous quand nous voulons colorier et peindre des personnages d'une manière qui est super convaincante, super crédible, faire des choses que vous ne penseriez pas faire avec la couleur de la peinture en gros, pour obtenir un très crédible dans un effet très attrayant. Donc notre deuxième, ici, c'est qu'en général, trois sources lumineuses sont bonnes, non ? Trois sources de lumière sont quelque chose que nous voulons vraiment avoir dans notre travail si nous le pouvons. Et bien sûr, sur la base du style du travail que vous faites, si vous faites une coloration plus simpliste, vous, vous pouvez même pas avoir des sources de lot distinctes, n'est-ce pas ? Cependant, si vous n'optez pas pour un look super 3D, nous voulons connaître l'étendue de nos capacités en matière d'éclairage et comment la lumière fonctionne correctement ? Maintenant, passer à la réflexion et à la réflectivité, va juste rendre ce truc un peu plus petit. Donc, il y a de l'espace. Imaginez si vous voulez, comme voler du soleil en lignes droites. Il est rayonnant et il va frapper deux balles, non ? Et on aura une balle ici. Appelons cette balle la boule de verre. Et on appellera cette balle la boule d'argile, non ? Donc, il frappe un bol en verre et il frappe un câble. Ce qu'on va faire, c'est qu'on va zoomer avec un microscope sur la structure moléculaire de ces boules. Voici donc une vue zoomée. D' accord. Et lorsque nous zoomons sur la structure moléculaire de la brillance, nous voyons que les molécules sont vraiment proches unes à côté des autres, de sorte que la surface du verre est un peu lisse. D' accord ? Et quand nous arrivons à l'argile à ce niveau moléculaire de particules très étroitement zoomé, nous avons remarqué que les particules sont une sorte de Vary, à la fois très aléatoirement placés et ils vont partout dans le spectacle. Et donc la surface de l'argile à ce niveau est une sorte de a toutes ces petites montagnes et vallées, fossés et choses qui se passent. Et donc ce qui se passe est que beaucoup continue à se déplacer en ligne droite, ne change pas qu'il se déplace en ligne droite. Mais quand il frappe l'argile, il frappe sous tous ces angles différents et se reflète de façon vraiment folle, non ? Et de sorte que les particules de lumière dans la lumière, les lignes des particules de lumière, si vous voulez, vont dans toutes ces directions différentes et commencent à se chevaucher les unes les autres. Et parce que la réflexion n'est pas un rebond direct en arrière, un rebond droit en arrière, vous obtenez une sorte d'apparence brumeuse lorsque ces types de surfaces, comme les surfaces de type argile, se sont secouées. Donc, si cela est respecté, les surfaces sont frappées avec de la lumière. Ils ne reflètent tout simplement pas très bien les choses. Bien sûr, ils reflètent leur couleur, leur valeur réfléchissante. Ils ne reflètent pas très bien les faits saillants. Ils qu'ils ne reflètent pas beaucoup l'environnement autour d'eux. Ils ont également très différent haut de balade d'éclairage rebond, ce qui est très brumeux. Vous pouvez imaginer si ce sont des petits points de particules qui rebondissent ici dans la zone d'argile des choses sont comme une sorte d'éclat de bizutage ou de glisse, n'est-ce pas ? Cependant, à l'inverse, lorsque les faisceaux de lumière droits avec les faisceaux lumineux droits frappent brillance, par exemple, en tant que dessus de surface, il rebondit directement en arrière. Et à cause de cette directive rebondir. Cela donne de la brillance. C' est la nature de montrer les faits saillants et de refléter souvent le monde qui l'entoure, les couleurs qui l'entourent, les choses qui l'entourent. Et cela s'applique à toutes les surfaces hautement réfléchissantes, brillantes au milieu et au chrome et des choses comme ça, non ? Plastique très brillant, et cetera, et cetera. Et donc, sachant cela, comprendre comment la lumière fonctionne et interagit avec ces types de surfaces nous aide à comprendre comment nous allons porter, peindre ou colorer quelque chose qui est plastique par rapport à quelque chose qui est peut-être du coton. C' est quelque chose qui est peut-être Chrome, non ? Donc ça nous aide à comprendre, Ok, peut-être que j'aurais dû vraiment apporter des faits saillants sur des choses qui sont métalliques, sur des choses qui sont très brillantes, mais sur des choses qui vont du coton ou de la laine, je ne serais pas trop fou avec le faits saillants. Et bien sûr, les choses vont dans divers degrés de complexité où vous voulez vraiment prendre le temps comprendre pourquoi et comment la soie reflète-t-elle la lumière par rapport au vent ? Comment le coton reflète la lumière ? Et ça nous donne notre troisième ici, des sommets de réflectivité, non ? Basé sur le dessus du matériau. Ok, les types de réflectivité. Maintenant, nous allons passer au principe de chargement de forme dans la prochaine leçon, le principe de doublure de téléphone est vraiment le principe d'éclairage hardcore que tous les colorants de peinture basés sur. Mais je pense que vous devriez maintenant être bien équipé, bien équipé dans votre compréhension des avions légers et la valeur pour vraiment saisir cela d'une manière rapide. Et j'espère que vous le ferez. Donc, c'est tout pour cette leçon. Dernier mouvement en lignes droites, veulent généralement strophe trois sources de lumière. C' est une directive, pas une règle. Et les sommets de réflectivité basés sur le dessus du matériau de service. Je te verrai dans la prochaine leçon. 8. Module 1.6 : Le principe de l'éclairage de forme: Bienvenue dans cette leçon clé et pivot, le principe de l'éclairage de forme. Le principe de la doublure complète est vraiment le principe fondamental que nous utilisons en tant qu'artistes pour nous aider à colorier et à peindre notre travail à des degrés divers de créabilité. Nous basons donc toutes nos connaissances d' apprentissage sur le principe de l'apprentissage complet. Et puis nous ajoutons des informations supplémentaires comme nous en avons besoin en plus de cela. C' est donc vraiment notre principe fondamental en matière d'éclairage. Maintenant, je vais faire ça étape par étape. Ne vous inquiétez pas trop de ce que je fais et comment j'utilise Photoshop ou mon ami, en utilisant les outils qui seront abordés plus tard dans le cours. Pour l'instant se concentrer sur chacun des éléments individuels du principe d'apprentissage de forme. Permettez-moi de le dire aussi et j'espère que je vous le rappellerai aussi à la fin. Vous voulez vous souvenir de chaque élément de tout ça par cœur. Et permettez-moi de dire que si vous pouvez vous en souvenir par cœur et comment cela fonctionne et le principe de formatage, vous avez déjà une base très, très solide dans la peinture. Bon, alors commençons devant nous. Nous avons juste un cercle gris. Ce cercle gris va devenir une sphère. Donc, ce que nous voyons, c'est la sphère sans éclairage. Et tout ce que nous voyons, c'est sa valeur inhérente, qui est d'environ un cinq, et l'échelle de valeur et sa couleur inhérente dans ce cas, nous sommes allés avec juste un gris, donc sa couleur et sa valeur sont très similaires. Ok, donc c'est un 5 sur l'échelle de valeur et sa couleur inhérente est grise. Et ce que nous devons faire est de déterminer ou de définir une source lumineuse. D'accord ? Donc nous allons dire, mettons le lot en haut à gauche. Et nous allons juste dessiner dans une petite sorte de flèche 3D ici, juste pour indiquer où est la lumière. Donc ça vient de l'ascenseur supérieur. Et maintenant que nous avons beaucoup de sources, quelque chose commence à se produire, non ? Nous allons commencer à voir les ombres de forme se produire avec la lumière ne touche pas. Donc je sélectionne cette forme, cette forme circulaire ici. Et je vais saisir la brosse douce et ajouter doucement en fonction des plaines de la forme. Maintenant, évidemment, un cercle est parce que des milliers de billions d'avions qui listent, nous allons en quelque sorte l'aile, mettre sous une forme d'ombres, de ruée de documents ici sur les zones où il fait assez sombre. Et vous pouvez voir immédiatement comment, ce que nous avons appris sur la déclaration des deux lieux et juste la puissance de la lumière et de l'ombre. Ce que ça peut faire à quelque chose de si simple, comme un cercle. Il en a déjà fait une sphère. Et pourtant, nous n'avons même pas encore fait tous les autres éléments du principe 90. Alors rappelez-vous à nouveau à quel point l'énoncé de deux valeurs est vraiment important. Mais si vous regardez la vue des vignettes, si vous deviez montrer ceci à une personne aléatoire et dire, Hey, qu'est-ce que vous pensez que c'est ? Eh bien, ça ressemble à un grand bol ou peut-être que c'est une grande planète ou c'est une sphère grise, non ? Ils ne diraient pas, Oh, c'est juste un cercle gris. Et c'est la puissance des ombres et de la lumière en termes de la zone ici, c'est notre lieu de base local. D' accord ? Donc ce sont des ombres de forme et ce sont des ombres. Qui apparaissent sur le formulaire une fois le formulaire allumé, OK, devant mes ombres. Ensuite, nous allons ajouter des ombres d'occlusion ambiantes. Maintenant, les ombres d'occlusion ambiante, le type de nom d'indices sur ce que le but ou comment cette ombre se produit. Donc, tout d'abord, l'ambiance se réfère au sommet de l'éclairage. Ces ombres sont donc causées par l'éclairage ambiant, pas par l'éclairage direct. Ainsi, l'éclairage direct provoque les ombres de forme que les ombres d'occlusion ambiante sont causées par l'éclairage ambiant autour de la zone ou de l'environnement de l'objet. Et l'occlusion se réfère à ce dernier étant coupé donc manqué de ne pas apparaître d'une manière ou d'une autre. Donc, quand nous comprenons les ombres d'occlusion, lesquelles nous allons entrer tout à l'heure, qui est un peu comme un espace entre vos doigts ou l'obscurité sous vos chaussures quand vous êtes debout sur le sol, c'est presque pas noir. L' occlusion signifie simplement occlusion pour empêcher la lumière y arriver et bien sûr, les éclats indiquent juste que ce sont les ombres d'occlusion ambiantes. Et toute ombre d'occlusion est une sorte de bizarre. Je l'explique probablement d'une manière étrange. Mais ce qui est important à savoir, c'est que les ombres d'occlusion ambiantes nous apparaissent lorsque les âges d'une forme ont tendance à tourner. Donc cette sphère a tendance à se déplacer dans les sections arrière de la sphère, non ? Il y a un dos, un front et un cetra sodique. Et donc ce qui se passe est dans les ombres d'occlusion sont ombres très subtiles qui apparaissent en quelque sorte autour des bords de formes comme celle-ci. Et ils nous aident à avoir une idée du tournant de la forme, non ? Le virage de l'avion. Et vous pouvez le voir en quelque sorte améliore l'aspect sphérique global. Je veux juste être un peu plus subtile ici. Et c'est aussi un indice. Tu veux être subtile avec lui. Ils ne sont pas censés être des ombres trop dures. D' accord. Allons juste mettre ça là-dedans. D' accord. Ça a l'air sympa. D' accord. Donc ce sont nos ombres d'occlusion ambiante. Le but d'eux encore une fois, est de montrer le tournage de la forme. Si un objet ou une forme que vous avez dessinée infecte le tour, ou sous forme arrondie, même s'il s'agit d'une forme carrée. Si un virage ou qu'il a un autre côté, vous voulez avoir un degré d'occlusion ambiante. C' est, c'est une ombre qui se forme par les lumières ambiantes occlus. Ok, passons à l'élément suivant. Ce que nous allons faire ici, c'est que nous allons ajouter juste la lumière et le niveau général de laisser supplémentaire avant d'arriver au point culminant. Maintenant, beaucoup est souvent juste formé automatiquement dans cette région, non ? Il est juste formé automatiquement parce que Shawna beaucoup a été créé les ombres de forme et vous avez déjà une sorte de zone latine. Et vous pouvez voir dans la vignette, nous avons déjà un peu beaucoup de choses là-dedans. Mais nous allons ajouter les scènes alors que parce que c'est aussi très utile lorsque nous peignons, nous recolorions pour penser à la lumière comme scène. Permettez-moi de le répéter encore une fois. Vous ne voulez pas penser à la peinture comme ajouter de la lumière, ajouter de l'ombre. Je veux vraiment vous encourager à penser à obtenir la bonne valeur inhérente et la couleur inhérente et juste ajouter l'ombre. Et vous vous êtes sauvé beaucoup de drame et beaucoup d'étapes en essayant de le faire paraître 3D. Travailler pour s'assurer que vos ombres lisent correctement. Quoi qu'il en soit, ajoutons ce labo. Je vais sélectionner cette couleur locale là-bas, et je vais augmenter la valeur, peut-être d'un ou deux arrêts. Et nous allons juste diffuser la lumière du soleil sur cette section. Et notre bol a l'air un peu plus 3D maintenant. D' accord ? C' est donc la lumière, et la lumière vient évidemment de la source lumineuse. Il nous manque une zone. Allons à notre couche suivante, si vous voulez, ou notre prochain élément d'éclairage, qui est le point culminant. Maintenant, la surbrillance se produit généralement à des points spécifiques seulement. Une autre façon de penser à un point culminant est de penser à une chaîne de montagnes. Et il y a une montagne qui est la plus haute montagne totale. Ça s'appelle le sommet de la montagne juste là. Le sommet de la montagne parmi les sommets. Pensez au point culminant comme ça. Lorsque vous commencez à mettre beaucoup de faits saillants sur quelque chose, ils ne semblent plus vraiment être un des faits saillants. Ils ont l'air de petites marques très brillantes sur tout ce que vous faites. Le terme « Highlight » vient vraiment du point le plus élevé de lattes, non ? Donc, si comme le plus haut sommet de la chaîne de montagnes, alors soyez très, donc utiliser les faits saillants avec beaucoup de parcimonie. Ok, et ce qu'on va faire, c'est sélectionner cette couleur claire, augmenter sa valeur. Et nous allons en quelque sorte ajouter un peu plus petit point culminant ici. Un endroit avec beaucoup est le plus brillant. Et même aller un peu, l'a apporté dans la journée froide. Très bien, au centre sur cette petite forme comme je finançais. C' est donc le point culminant. Mais il reste encore du travail à faire. Ce que je vais faire maintenant, c'est aller derrière notre sphère. Et je vais dessiner une ombre de coût, non ? C' est faire une ombre comme ça. Soyons assez raisonnables pour un exemple. D' accord ? Et les ombres coûteuses, chose importante à retenir avec les ombres de base est cosh, les ombres sont transparentes juste là, à peu près transparentes. Tu ne veux pas vraiment les faire opaques. Ça aura l'air bizarre d'avoir ça, on aurait vraiment une ombre noire sombre d'un quelque chose. Et c'est bien sûr que tu fais ça pour une raison intentionnelle. C' est important de se rappeler, causer des ombres toutes transparentes, mais elles sont tous généralement quantiques doc. Et d'autres points à noter est que l'âge de l'ombre centrale est boutique dans une lumière très claire et brillante. Et il peut être un peu floue quand le lot est diffusé. Ainsi, par exemple, pensez à un éclairage fluorescent, pensez à une journée très nuageuse. Les ombres ne se rapportent pas à avoir des âges très aigus quand il fait un jour nuageux. D' accord. Lorsque la lumière est diffusée, mais dans le magasin droit latéral général circonstances normales d'éclairage, les ombres de coût ont tendance à avoir un bord tranchant. Maintenant, la chose à retenir avec les ombres de base est qu'elles coûtent de la mousse. Ainsi, comme les faisceaux de lumière posaient, les zones de forme où la lumière ne frappe pas l'ombre coulée se forment, peu jolies, assez évidentes d'une certaine manière. En même temps, vous voulez penser à l' apparence d'une ombre centrale en fonction de la façon dont la lumière se déplace au-delà de la forme. Et c'est l'ombre des coûts. Ruts, données de coût. Nous avons juste mis cette couche sous notre sphère juste pour des raisons de commodité, pendant que nous travaillons. Ensuite, nous voulons parler de l'éclairage réfléchi ou rebondi. D'accord ? Donc je sélectionne notre sphère à nouveau ici. Et nous allons prendre un peu de lumière ici de cette surface, qui est maintenant une sorte de table blanche ou notre environnement 1D. Parce que lorsque la lumière brille, une partie de la lumière brille. Post sphere frappe la surface de la table et rebondit à nouveau à l'arrière de la forme, non ? Et c'est notre manque réfléchi ou rebondi, dont nous avons déjà appris un peu déjà quand nous avions fait les éléments de lumière, non ? Les sources, les sources de lumière LED. Donc ce que je vais faire, c'est juste faire un doux, doux, mauvais pinceau. Fais une traction git. Une pulvérisation très subtile de cette lumière réfléchie dans cette zone ombragée d'un. Et la chose clé à retenir avec la lumière réfléchie est qu' elle n'apparaît généralement que dans l'ombre. Donc, beaucoup rebondi barre oblique avant réfléchie plomb se rapporte à vraiment se montrer seulement dans l'ombre. Maintenant pourquoi c'est ça ? Eh bien, parce que c'est la lumière réfléchie, il est beaucoup moins lumineux que la, que la source de lumière réelle elle-même. Et donc, s'ils ont été réfléchis de la lumière dans les zones lumineuses qu'il y a, vous ne pouvez tout simplement pas la voir parce que les zones lumineuses sont suralimentées et explosées avec la source de lumière directe. Ainsi, notre lumière réfléchie est clairement visible dans les zones d'ombre. Je vais ajouter un autre élément principal encore, que nous appellerons nos lignes secondaires. D' accord ? Et je vais m'en tenir à ce qui pourrait être le ciel si vous êtes dehors ou ça pourrait être un autre globe si vous avez un globe orange dans la pièce, puis un globe rouge dans la pièce. Le globe rouge étant un peu moins puissant, peut-être une source de lumière plus lointaine, il brillerait encore, c'est lats. Lat atteindrait toujours l'objet. C' est notre source de lot secondaire. C' est secondaire à l'âme primaire ou au lot clé. Ici, je vais juste faire allusion à éditer juste un peu sur cet âge de l'actif. On va dire qu'il y a une source de lumière secondaire au ranch. Maintenant, il est différent de la lumière réfléchie car il peut être introduit et les sources de lot secondaires fonctionnent essentiellement comme on peut le voir dans beaucoup. Cela dépend juste de la configuration de l'éclairage. Et comme nous le faisons, ajoutons notre source de lumière secondaire ici aussi. Donc, ce serait un peu conscient qu'il y a une source de lumière secondaire venant de la droite. Peut-être que c'est très loin et un peu éloigné. D' accord, une source de lumière secondaire, c'est plus faible. Et je vais juste mettre encore malade et pour qu'on sache que c'est une source secondaire de lot. Et je dirai juste primaire ici ou source lumineuse clé. Ok, nous avons encore une chose à faire dans notre principe d'éclairage de forme, et c'est l'ombre d'occlusion. Maintenant, chaque fois qu'un objet touche un autre objet, en général, vous obtenez une ombre d'occlusion qui se passe là où manqué tout simplement ne peut pas pourrir le sang est lui-même occluse. Il suffit de mettre cela là des ombres d'occlusion fermement. Et je vais choisir notre sphère ici. Il suffit de cacher la sélection pour qu'elle ne soit pas gênée pendant que nous travaillons. Je vais sélectionner une couleur d'ombre foncée. Même je vais juste sélectionner le noir. Je vais être subtile avec elle parce qu'il y a beaucoup de courbure qui se passe sous nous via. Donc vous n'auriez qu'un peu d'une zone avec l'ombre d'occlusion, mais ce serait là quelque chose comme ça qui manque un peu trop de subtilité. Mais on y va. D' accord. Et que ceux-ci infectent sont tous les éléments du principe d'éclairage de forme. Et nous utilisons ces éléments lorsque nous peignons une chose particulière pour déterminer quels éléments nous voulons ajouter et enlever en fonction du scénario d'éclairage de cet objet particulier. Maintenant, quand vous avez affaire à différents types de OT, peut-être que vous allez pour un look très cartoony. Vous ne pouvez pas utiliser tous les éléments du flux de travail d'éclairage, n'est-ce pas ? Vous ne pouvez en utiliser aucun. Vous pouvez simplement faire la couleur complètement plate. Mais si vous voulez apporter de plus en plus de dimensions, vous voulez utiliser de plus en plus le principe d'éclairage de forme. Alors discutons de ce principe maintenant avec quelques notes clés sur ce qui se passe ici. Et nous voulons également commencer à essayer de voir comment un flux de travail, comment nous pourrions travailler et mettre en œuvre la coloration dérivée de ce principe particulier. D' accord, donc ce qu'on veut d'abord, c'est diviser les familles ici. Et nous avons la famille de la lumière. Et nous avons l'ombre qui m'a nourri. Et les choses du latin, la famille ombragée ne se croisent pas les unes dans les autres. D' une manière générale, par exemple, nous n'avons pas de valeurs provenant de la famille de lumière qui se produit dans les zones des familles d'ombre. C' est juste que ça n'arrive pas. Les lieux sont complètement séparés y bien, si nous nous souvenons de notre déclaration de deux valeurs, tout doit se résumer aux deux valeurs. Évidemment, si nous avons des valeurs de la zone d'ombre dans la zone, des incorporations de la zone latine dans la zone d'ombre, tout devient un désordre floue et nous ne pouvons pas lire les mousses animales. C' est la raison pour laquelle ces familles sont en guerre, pourriez-vous dire. Et dans la famille de lumière, nous avons notre base ou la couleur locale et la valeur. Nous avons notre espace éclairé. Et nous avons aussi notre point culminant, non ? Et nous voulons nous souvenir, nous ne voulons pas devenir fous avec les faits saillants. C' est presque le cas du fils d' un amateur ou de quelqu'un qui ne comprend vraiment pas le principe de l'argent. Ils ont juste des faits saillants sur tout comme le personnage ou tout ce qu'ils dessinent un tableau. C' est juste super brillant et tout ça a l'air vraiment bizarre. Ok, donc ce sont les éléments de notre grande famille et le truc fou, c'est que tu penses que la famille légère serait cette grande famille folle. Ils n'ont que ces trois membres vraiment. Tout le reste fait partie de l'ombre fannie, soulignant une fois de plus l'importance des ombres tout. Et puis dans le côté de la famille de l'ombre, bien que oui, nous avons le genre d'occlusion ambiante qui se produit dans le côté de la famille de l'ombre. C' est un peu différent, mais néanmoins c'est lotsa, ça fait partie de la famille des ombres. Nous avons nos ombres d'occlusion ambiantes. Oui. Rappelez-vous aussi dans la famille de loquets serait la source de lumière secondaire ainsi, évidemment parce que c'est lui-même une lumière. D' accord. Donc, nous avions les ombres d'occlusion ambiantes dans la famille des broyeurs, nous avons les ombres de forme, qui sont vraiment nos ombres de base. Et lorsque vous faites votre ombre, vous voulez principalement vous concentrer sur vos ombres de forme. Je vais mettre un numéro 1 là et le numéro 2 et vos ombres d'occlusion ambiante quand vous travaillez juste avec votre lieu de base et la couleur de base. Et vous avez le désir de créer cette forme 3D, travailler uniquement avec vos ombres de forme et vos ombres d'occlusion ambiantes fonctionnent celles jusqu'à ce qu'il semble 3D. Ne vous inquiétez pas pour les autres éléments qu'il a frappés. Ok, nous avons nos ombres d'occlusion. Et je le répète pour vous afin que vous vous habituiez à l'idée de tous ces éléments. Et on va l'énumérer et le soulever aussi. Ce n'est pas pour gâcher votre tom c'est parce que nous voulons en tirer un flux de travail. Tout est bon et bien, apprendre le principe de pleine longueur, mais pouvez-vous l'utiliser dans une œuvre d'art réelle ? C' est la vraie question. Va regarder et juste eu une gorgée d'eau là-bas. Ok, donc c'est notre loquet réfléchi, aussi appelé lattes reliées. Et c'est parce que le lats brille vers le bas, puis il rebondit la surface et un retour sur l'objet quel que soit l'angle qu'il est par rapport à l'objet. La chose clé à noter ici est réfléchie et rebondir la lumière ou une partie de la famille des ombres, non ? Parce que ces lots se produisent dans le hangar, c'est que vous les voyez dans l'ombre. Même si le fils généralement ils se produisent le loquet, vous ne les voyez pas beaucoup. Donc, en termes d'OT, nous voulons être conscients qu'ils se produisent dans les zones d'ombre, non ? Je fais juste une flèche, les trous de loquet secondaires. Et puis nous avons nos ombres de coût, qui coûtent en pension complète. Et pour se rappeler qu'ils sont transparents. Droit ? Donc, quand vous commencez à regarder tous ces éléments dans une sorte de liste de mode. Nous avons en quelque sorte notre couleur et notre valeur locales de base. Ensuite, nous avons nos ombres de forme, nos ombres d'occlusion ambiante. Ensuite, nos lumières se mettent en évidence, les lumières réfléchies. Nous pouvons également ajouter des lots secondaires à ce stade. Et le flux de travail, les ombres d'occlusion et Nos ombres de coût. Faisons en sorte qu'on les ait tous. 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9. Ok, on y va. On les a tous là. Maintenant, quelque chose d'important à noter est de regarder où sont les ombres de base. Regarde où sont les ombres d'occlusion, elles sont perdues. Et c'est très important. Vous ne voulez pas peindre dans les ombres de coût quelque part au début parce que vous allez finir par peindre va colorier sur eux. Et ce serait bizarre parce que les ombres de base coûtent plus cher que les choses. Habituellement, si un bras est au-dessus de la tête d'un personnage, vous vouliez avoir peint la tête et vain faire l'ombre de coût sur cette plage. Donc c'est très important. Mais en substance, c'est ainsi que nous obtenons notre flux de travail d'éclairage général, ok, sur le flux de travail d'éclairage général. J' espère que ce principe a été très utile et très précis. Leçon bien apprise, apprenez tous ces éléments à chaud, finissez-en et finissez-en, et vous me remercierez plus tard. C' est la fin de la leçon, et je te verrai dans la leçon suivante. 9. Module 1.7 : Comprendre la couleur: Dans cette leçon, nous allons en apprendre davantage sur les éléments de la couleur. Devant vous, vous voyez une roue de couleur assez typique. Ce type de roue de couleur est appelé un an, MA roue de couleur, et vous découvrirez bientôt pourquoi il s'appelle cela. Néanmoins, la couleur a quelques propriétés à elle. Un dont vous connaissez déjà, qui est une valeur, qui est la luminosité ou l'obscurité de quelque chose. La prochaine que nous allons jeter un oeil est Hue. teinte fait essentiellement référence à tous ces différents segments colorés. Pas nécessairement la couleur elle-même, mais plutôt la gamme de fréquences de la gamme de couleurs à la couleur particulière tombe dans. Et donc, dans l'ordre, nous avons le jaune, le rouge, magenta, le bleu, le cyan et le vert. Et le chemin vers l'urine B vient du jaune, rouge et magenta bleu remontant dans la section jaune, je ne sais pas nécessairement pourquoi ils sont partis à C et G. Mais quelque chose qui est important à noter est qu'il est bon de venir avec un pneumonique pour vous-même afin que vous puissiez vous souvenir de tous ces segments. Parce que la roue de couleur, connaissant la roue de couleur si par chaud, vous aide à savoir quelles couleurs intermédiaires une couleur peut déplacer deux dans sa gamme particulière. Donc, il était un jaune va dans les oranges, oranges se déplace en rouge, rouge en rouge rose et grilles en sorte de McCain dit, et encore une fois ne cailloux pas et ainsi de suite et ainsi de suite. Maintenant, une autre chose importante à propos de Hughes est que les couleurs sont divisées en couleurs chaudes et des couleurs fraîches. Et je vais diviser la roue maintenant pour vous montrer la scission chaude et fraîche qui est dans le coin. Et les couleurs fraîches de la femme ont tendance à vraiment contraster les uns les autres. Les couleurs chaudes, comme son nom l'indique, se sentent chaudes et chauffées. Couleurs fraîches, se sentir cool et froid. Et à mesure que nous avançons dans le cours, vous commencerez à voir comment avoir une bonne interaction entre chaud et cool et aussi comment nous traitons la femme cool quand nous manquons d'objets est une facette très importante de la compréhension des teintes. Donc, nous avons la couleur, nous comprenons que Verdi était la luminosité et l'obscurité, et nous comprenons la teinte, les couleurs chaudes, et les couleurs froides aussi bien. Mais il y a un troisième élément, et ce troisième élément est la saturation. La saturation fait référence à la quantité de gris dans une teinte particulière. Donc, si nous regardons ce segment orange ici, comme il se déplace au centre de la roue de couleur, il devient de moins en moins riche en couleurs, qui a de plus en plus de gris dedans. Et cet exemple, nous appelons ce gris neutre ou le gris à 50 pour cent. Donc, la saturation, vous pouvez le considérer comme la quantité de gris ou vous pouvez le considérer comme la richesse des couleurs. Donc, il a soit beaucoup de gris ou un peu de gris essentiellement, et cela va saturer ou D saturer la couleur. Maintenant, lorsque vous combinez cette roue de couleur dans l' information et les connaissances que vous avez sur la valeur, vous avez une très large gamme de couleurs à utiliser. Des tonnes de différentes étiquettes de luminosité et d'obscurité combinées à des tonnes de niveaux de saturation différents, combinées à des tonnes de différentes teintes. Et évidemment, la roue de couleur est une simplification des États-Unis parce que, comme vous pouvez le voir sur le sélecteur de couleur ici dans Photoshop, les niveaux de teinte tout simplement assez fou. La plupart des ordinateurs prennent en charge la couleur 24 bits , soit 24 millions de couleurs. Et en réalité, la gamme est nettement plus élevée que ce que je suis amené à croire. D' accord. Mais néanmoins, ce sont les éléments de base de la roue de couleur et les éléments de base de la couleur. Maintenant, il y a aussi quelques addenda à parler, et c'est plus sur la terminologie. Vous avez peut-être entendu ces tonalités, ces termes avant, nuances et tons. Qu' est-ce qu'une nuance ? Qu' est-ce qu'une teinte ? Qu'est-ce qu'un ton ? Pour être honnête avec vous, la vie quotidienne, la plupart des gens les utilisent à mauvais escient, en particulier les tonalités des mots, mais je suppose que cela a une utilité dans la musique aussi. Mais néanmoins, les nuances, les tons et les tons sont des éléments séparés. L' ombre est quand vous ajoutez du noir à une couleur ou des degrés de noir, n'est-ce pas ? Vous allez commencer à obtenir l'ombre ou les valeurs d'ombre de ce particulier ici. Dixièmes, d'autre part, est quand vous ajoutez du blanc à un particulier ici. Et les tons sont les différentes étapes de saturation est lorsque vous ajoutez du gris à une teinte particulière. Donc ce sont ce que sont les nuances et les tons. Et avoir ce vocabulaire sous votre ceinture et cette compréhension nous vous sommes très utiles lorsque vous peignez et coloriez votre travail. Droit ? Donc, à titre d'exemple prenons ceci, prenons ce rouge, par exemple. Et je vais chercher un pinceau ici. Et ce que je vais faire est d'augmenter lentement l'obscurité de celui-ci pour me donner différentes nuances de ce taux particulier. Vous pouvez voir que nous obtenons un assez beau spectre de ce ROUGE, d'autre part, nous faire augmenter la quantité de blanc dans la couleur. Et encore une fois, vous voyez un spectre très étroit. Et enfin, les tons nous font face au niveau de saturation. Et donc ici, nous allons aller plus vers le gris sur les photoshops, sélecteur de couleur particulier ici. Donc, nous allons passer à un gris de 50 pour cent en diagonale, donc saturé un peu plus. Et ce sont des variations de temps. Et c'est vraiment la couleur en un mot. C' est la leçon et je vous verrai dans la leçon suivante. 10. Module 1.8 : changement de couleurs: Nous avons appris la théorie des couleurs. Maintenant, nous allons apprendre comment colorer la couleur de la surface d'un Fichte. Une erreur débutant très courante est de supposer que lorsque la lumière frappe un objet, l'objet va simplement augmenter en valeur. Et donc ce que je vais faire ici, c'est que je vais juste te donner un exemple de ça sur la sphère rouge au sommet. Et donc l'hypothèse est que d'accord, j'ai fait ma couleur de base, j'ai fait ma valeur locale, et ma couleur locale. J' ai ajouté dans un peu d'ombre et maintenant un 12. De la chance. Je vais donc sélectionner la base et je vais augmenter la valeur du taux. Et je vais citer un peu de rouge ici. Bien que ce ne soit pas nécessairement faux et affirmer les conditions latines, ce qui est plus commun est que la teinte va changer en fonction de certains facteurs, va écrire le Q va changer. Donc, nous n'allons pas seulement augmenter la valeur de la luminosité du taux de base, nous allons également changer la teinte. Maintenant, cela signifie que nous devons aller à notre roue de couleur ici i an la roue de couleur, et faire une belle ligne divise entre les couleurs chaudes et fraîches, non ? Donc, de ce côté, nous avons les couleurs chaudes, et de ce côté, nous avons le cool. En général, en règle générale, la plupart du temps, nous tombons sous des lumières chaudes, ce soit des globes et notre maison, que ce soit des lampes fluorescentes dans notre maison ou nos bureaux, ou nous sommes à l'extérieur sous le soleil. La source lumineuse primaire est généralement chaude ou assez chaude. Quand il devient cool, les choses deviennent un peu froides et froides et nous sentent un peu bizarres. Donc je pense qu'en général, nous optons pour des types plus chauds de lattes ou plus de lumière du jour comme des lumières parce qu'il est plus naturel. Et quand une lumière chaude frappe une surface d'une teinte particulière, elle a tendance à provoquer l'échauffement de cette surface. Ok, Donc, quand une lumière chaude frappe une surface particulière, quelle que soit la teinte de cette surface, elle a tendance à provoquer l'échauffement de la surface. Maintenant, il y a beaucoup de circonstances qui sont possibles, mais c'est une situation très courante. Et en général, c'est la façon la plus naturelle de le faire. Aussi, avant d'entrer dans les exemples, que le contraire est vrai ? Si une lumière fraîche frappe une surface d'une vue particulière, est-ce que Hugh refroidit ? Et la réponse est oui, bien sûr cela dépend de la fraîcheur de la lumière et de la couleur de ce lot particulier. Mais beaucoup vont tomber dans une catégorie d'un chaud ou frais. Et le soleil est généralement considéré comme chaud parce qu'il est jaune. Passons donc à nos sphères et voyons quelle serait l'approche correcte pour les éclairer, qui ne signifie pas seulement augmenter la luminosité, mais aussi réchauffer l'énorme. Donc je vais passer à la brosse douce ici et on va commencer par la brosse rouge. Maintenant, si nous nous demandons, quelle ne sera pas la zone ou la direction chaude, ce RED passera-t-il à ce taux particulier ? Il va probablement être vers l'orange et le jaune, Il va se réchauffer vers l'orange et le jaune. Nous allons donc choisir la valeur de base ici, couleur de base et la couleur locale augmentent la valeur parce que nous éclairons ce côté afin que nous puissions augmenter la valeur. Il va y avoir comme là. Mais nous voulons aussi bouger un peu la teinte. Et bien sûr, la mesure dans laquelle vous déplacez cela dépend de ce que vous essayez réellement de peindre, mais vous voulez obtenir le principe général ici. Et donc ce serait un bon moyen de laisser cette surface particulière, vous changez et décalez la teinte de la couleur locale, en la réchauffant au fur et à mesure que la lumière le frappe. Allons au bleu. Et le bleu se réchaufferait de la fraîcheur ici en cyan, non ? Donc ça va se réchauffer en cyan. Donc, nous allons le sélectionner, va augmenter la valeur parce que nous voulions obtenir plus lumineux et va le réchauffer vers le cyan. Et vous pouvez voir à quel point il semble naturel de faire un changement de teinte ainsi qu'un changement de valeur, n'est-ce pas ? Last but not least, faisons-le. Sphère verte, une fois de plus augmentera la valeur. Et puis nous allons changer de teinte vers un vert citron, à droite, en entrant dans cette zone d'alarme des couleurs chaudes ici. Et il fournit un assez convaincant, agréable réchauffé ici. Il a l'air naturellement éclairé. Une question que vous pourriez poser est, eh bien, qu'en est-il des zones d'ombre ? Et les zones d'ombre sur le côté obscur de ces sphères ici ? Et la clé de, la clé que vous voulez retenir ici est que les ombres elles-mêmes sont effectivement l'absence de lumière, non ? Pour que l'absence de lumière, ce qui signifie que ce n'est pas le cas, c'est l'absence de cette capacité de changement de teinte de la lumière. Donc 3D ombres sur juste une valeur inférieure de la couleur locale, ok ? Les ombres ne sont pas nécessairement affectées par des changements de teinte. Vous ne voulez pas entrer et être comme, oh, eh bien, euh, mis en garde le dernier donc je vais refroidir les ombres bien que vous puissiez le faire et vous avez la liberté créative, général, les ombres ou l'absence de lumière. Et donc vous def propre volonté, vous savez que si c'est votre base ici, vous feriez juste vraiment tomber la valeur pour une zone ombrée et laisser la lumière dans la teinte se décaler et laisser parler. D' accord ? Donc, c'est en effet, comment la couleur de la lumière affecte la couleur de la surface ou la couleur locale d'un objet. Et quand vous avez des lumières chaudes, vous voulez teindre. C' est la fin de cette leçon. Je te verrai dans la prochaine leçon. 11. Module 1.9 : formules de couleurs: Dans cette leçon, nous allons maintenant jeter un oeil à l'harmonie des couleurs et aux schémas de couleurs, mais nous n'allons pas aller trop loin avec cela, parce que la couleur est vraiment assez subjective. Il n'a pas vraiment de règles difficiles et rapides et il a plus de directives. Devant nous, nous voyons la roue de couleur sur la gauche et sur la droite, un tas de séparations différentes de cette roue. Et c'est votre type typique de division de la roue en divers régimes, si vous voulez, sera sorte de divisions. Donc, en haut, nous avons les primaires et le premier primaire est juste RG et B, rouge, vert et bleu, que nous construisons la plupart de notre roue hors de, ce qui est comment les cônes dans nos yeux voient la couleur. Et puis nous avons à côté de la primaire défendable. Pourquoi est-ce que cela appelle l'ovule proéminent ? Parce qu'il est soutenu dans certains milieux artistiques que ceux-ci pourraient aussi être globalement vraiment primaires aussi bien. Vous regardez l'impression et l'industrie de l'impression, par exemple, impression alpha1 dans ce qu'on appelle CMJN, qui est cyan, magenta, jaune et noir. Et CMJN produit également images parfaitement lisibles et lisibles lorsque vous regardez vos magazines ou livres et ce que vous avez. Ensuite, nous avons secondaire. Ce sont des couleurs secondaires qui vraiment juste les couleurs à côté des primaires. D' où pourquoi on les appelle secondaires. Et vous pouvez dériver un jeu de couleurs secondaire, qui est un jeu de couleurs utilisant des couleurs secondaires. Et puis bien sûr, vous avez peut-être entendu parler de couleurs complémentaires avant. Les couleurs gratuites sont directement opposées les unes aux autres sur la roue de couleur. Et alors que nous atteignons ce point, vous pouvez commencer à voir une sorte de subjectivité déjà en place. Parce que vous pouvez dire, Eh bien, bleu et l'orange n'est-ce pas gratuit sur le rouge et le vert gratuit, Qu'est-ce qui se passe avec cette roue de couleur ? Pourquoi ça ne marche pas comme ça ? Eh bien, c'est parce qu'il n'y a pas vraiment une roue de couleur parfaite en soi, non ? Juste une sorte de roues de couleur artificielle. Et si vous regardez Photoshop, n'a même pas une roue plus ancienne, vous pouvez télécharger une roue particulière, mais n'a même pas vraiment une roue a cette bande de couleur. Et à quoi ressembleraient les schémas de couleurs si nous devions travailler avec cette bande, non ? Ça s'appelle, ça peut être très, très subjectif. Ensuite, nous avons des couleurs analogues. Et ce sont vraiment des couleurs qui sont juste à côté de l'autre sur la roue. Ainsi, par exemple, le jaune, l'orange et le rouge sont considérés comme un analogue, et ainsi de suite et ainsi de suite. Lorsque vous travaillez autour de la roue, vous pouvez simplement choisir les couleurs qui sont à côté de l'autre. Split compléments, vraiment que vous avez un primaire, puis juste une sorte de diagonale à partir de lui au lieu de directement à travers, vous avez un split complémentaire, ce qui vous donne un schéma de trois couleurs. Il y a des schémas de couleurs écarlates monochromatiques. Monochromatique signifie vraiment une seule couleur. Donc, vous auriez une seule couleur dans ce cas, nous avons le bleu, et puis vous auriez diverses autres couleurs étant soit des bleus de plus grande valeur, des nouvelles moins contrôlées bleus documentés, plus saturés de ce bleu, moins d'Azure AWS, vous restez vraiment dans cette plage d'une seule teinte. Et c'est vraiment un aperçu des divisions générales vous pourriez voir quand il s'agit de roues de couleur et d'harmonie des couleurs. Cependant, je veux vous montrer un excellent moyen de simplifier ce processus où vous n'avez pas vraiment besoin d'apprendre tout cela. Ça ne va pas faire une énorme différence dans ta vie. Et on va regarder. Ça maintenant. Ok, et donc ce qu'on va faire, c'est atteindre l' harmonie des couleurs en utilisant la règle des trois. Techniquement, c'est la règle de trois plus un, ce que nous allons appeler ça la règle de trois ici pour cet exemple. Ok, alors mettons-le ici. Harmonie des couleurs par règle de trois. Et avec ce système, vous ne pouvez vraiment pas vous tromper. Ils peuvent ou non être un U dans le mot couleur dépend de la façon dont vous aimez épeler. C' est juste interchangeable utiliser les deux, non ? Harmonie des couleurs par règle de trois. Et ce que vous voulez faire, c'est que vous voulez choisir votre couleur primaire, quelle que soit la couleur principale de votre personnage sera leur couleur descriptive principale. Dans ce cas, prenons un bleu, Ok, on va aller au bleu, choisir sa valeur, le niveau de saturation de Pickett, choisir la teinte que vous préférez, et décider par vous-même, quelle sera votre couleur primaire. Et donc nous allons avoir une seule couleur primaire. Je n'aime pas ça. Je voulais être un peu plus sombre. Donc, ce sera une invite, puis choisissez une couleur secondaire. Ok, donc je vais juste y aller avec n'importe quoi. Allons-y avec le jaune et l'orange. Ok, prenons ça et il a sa propre teinte, sa valeur et son niveau de saturation. Et il est important de noter que vous voulez que ces couleurs que nous choisissons ici soient différentes en valeur, n'est-ce pas ? Tellement différent dans le lieu. Et bien sûr une différence dans tous les autres éléments aussi. Plus vous pouvez obtenir de différence entre eux, le soumissionnaire, parce que de cette façon nous éliminions les parallèles dans notre valeur, éliminant les parallèles en couleur. Et comme une couleur tertiaire, que nous allons appeler notre couleur d'accent. Je vais prendre un rouge. Allons pour ce haut de taux de rouge très chaud et chaud et taux de brunch. D' accord ? Et donc ce que nous avons ici, c'est que nous avons une couleur primaire, secondaire, que nous venons choisir en fonction de ce que nous ressentons comme nous sommes subjectifs, oui. Et puis une couleur d'accent. D' accord. Vous pouvez aussi appeler votre couleur tertiaire, mais gardons les x n et je vais vous dire pourquoi quand nous avons ces sélectionnés, n'est-ce pas ? Et laissez-moi juste obtenir l'outil de sélection carré ici. Lorsque nous les avons sélectionnés, nous voulons organiser le pourcentage de couleur dans notre pièce particulière. Disons que c'est notre tenue de personnage en fonction de l'état, toutes ces couleurs, donc par exemple, la couleur primaire, Utilisons le noir pour les notes sont la couleur primaire. Nous voulons avoir environ 50 pour cent de couverture et la communication au spectateur que c'est la principale. Donc la plupart de la couleur sur ce personnage, que ce soit une sutta, ils sont dehors pour le costume va être bleu, ce bleu, toutes les couleurs primaires. Donc 50 pour cent, vous voulez que votre couleur soit partagée ici à 50 pour cent par rapport à votre primaire. Alors quand il s'agit de votre secondaire, vous voulez que votre secondaire soit les objectifs les plus profonds, non ? La couleur utilisée sur votre personnage pour définir son jeu de couleurs sera la deuxième. Et puis dernier but non moindre, le x dans le tertiaire, couleur tertiaire sera le 20 pour cent perdu. D' accord ? Pour que vous ayez une division inégale, une scission asymétrique des couleurs. Maintenant, lorsque vous construisez un personnage, lorsque vous peignez un personnage et coloriez un personnage, cela ne signifie pas que vous n'utilisez que ces couleurs pour le personnage. Au contraire, c'est le schéma de couleurs du personnage. Les cheveux vont toujours être ce qu'ils détestent, la couleur va être, la peau va toujours être la peau dure. Ils étaient dans des montres ou des accessoires ou des bracelets ou ce que vous avez. Vous pouvez choisir si vous voulez ou non que cela fasse partie du schéma ou non. Mais en général, s'ils tiennent quelque chose qui ne peut tout simplement pas faire partie du schéma, par exemple, ils tiennent une balle de golf. Les balles de golf sont généralement blanches, les balles de tennis sont généralement vertes. Donc, vous pourriez toujours colorer les choses comme elles sont. Mais vous voulez le sentiment vom global de vos personnages, vêtements ou de leur tenue, et leurs chaussures et les accessoires généraux, ou ils se sentent être ces trois couleurs particulières. Donc, si vous deviez mettre ces couleurs et dire, Hey, quels personnages pensez-vous correspondre à ce schéma ? Donc, prenons, par exemple, ce schéma de couleurs particulier que j'ai ici vient de me penser maintenant que j'ai utilisé la radio NGRI, mais néanmoins, je pense quelque chose comme X-Men, peut-être cyclope, quand je vois ces couleurs, droit ? Il y a un costume bleu. C' est de bonnes bandes jaunes. Il a son taux d'ASA. Et en fait, il est un parfait exemple. Dans ce cas, si vous n'êtes pas familier avec les cycles de personnages X-men, ce personnage d'aversion de bande dessinée. Vous noterez que les séparations de couleur s'appliquent à lui de cette façon aussi bien. La seule chose qui est aussi prête que sa visière sur ses trucs brillants. Et puis il a des rayures jaunes, mais la plupart de son costume est bleu. Donc il est en fait un bon exemple dans ce cas. Évidemment, on ne peut pas mettre une image du mec ici. Néanmoins. Et je tiens à souligner que vous voulez que les valeurs entre vos couleurs varient. Donc une astuce simple pour le faire dans Photoshop et nous le ferons et une vérification plus avancée un peu plus tard est de juste choisir la couleur et vérifier le niveau de valeur, non ? Où est ce bleu ou peut-être que c'est un quatre. Où est ce jaune ? On dirait un trois. Où est ce rouge ? C' est comme un 1.5 sur l'échelle du lieu, non ? Parce que vous voulez cette variation de valeur parce que la vue est que le cerveau perçoit ce lieu. Laisse-moi ajouter un petit truc en plus. Sentez-vous libre. Tu m'as entendu dire que c'est l'harmonie des couleurs par règle de trois. Et puis j'ai mentionné plus 1, hésitez pas à ajouter et accent supplémentaire d'une valeur, que ce soit noir ou gris ou watts. Parce que cela peut aussi aider à y ajouter, évidemment, en fonction de ce que vous faites. Eh bien, non ? Mais la règle ici est de s'efforcer de garder l'utilisation de la couleur, l'utilisation du schéma général à trois couleurs. N' utilisez pas plus de trois, n'utilisez pas moins de trois. Je veux dire, vous pouvez vraiment vous en sortir avec moins de trois pour être honnête avec vous, ce qui signifie que vous êtes vraiment juste éliminer la couleur de l'accent. Mais considérez et contemplez cette façon très simple d'obtenir vraiment de grands schémas de couleurs en utilisant simplement la règle de trois. C' est tout pour cette leçon, je te verrai dans la leçon suivante. 12. Module 1.10 : Éclairage dynamique: Nous allons maintenant jeter un bref regard sur le concept d'un éclairage à trois points. Et à droite, nous avons une fille magicienne que j'ai créée. Et à gauche, nous avons une source de lumière ponctuelle unique. Donc ici, maintenant vous connaissez déjà beaucoup des principes d'éclairage à trois points parce que nous avons déjà passé en revue. Mais je voulais revenir sur cela juste un peu d' une manière différente et utiliser le terme éclairage à trois points pour vous aider à réaliser quel point l'éclairage à trois points peut être important quand il s'agit de créer un vraiment crédible dans un très attrayant 3 Je regarde dans ton travail. Maintenant, vous allez toujours avoir au moins une source de lot sur votre travail, sauf si vous faites un style de coloration très simpliste, vraiment sur toutes les sources de lot claires. C' est plus un style graphique et moins un éclairage réaliste ou formé haut de style. D' accord ? Maintenant, les débutants ont tendance généralement à n'utiliser qu'un grand nombre d'entre nous au début. Ils pensent à eux-mêmes, ou à l'objet 3D est allumé. Ils doivent donc être une zone éclairée et une zone qui a de l'ombre. Et c'est tout ce que je vais faire. Et bien que ce n'est pas nécessairement faux, s'il y a une seule source de lumière. Quand cela est fait dans tout le travail, la chose, l'objet des personnages qu'ils peignent ou rendent semblent être très plat rock. Ils semblent très ennuyeux. Et c'est là que l'émerveillement de l'éclairage à trois points entre en jeu. Sur le côté gauche, nous avons notre sphère et elle est actuellement éclairée d'un seul côté, l'ascenseur supérieur. Ce qu'on va faire, c'est introduire une lumière bleue sur le côté droit. Et nous allons introduire une lumière réfléchie sur le fond. Comme je l'ai dit, rien de ce que vous n'avez généralement jamais vu auparavant que nous allons prendre un peu une petite touche et nous regardons cela et nous allons aussi utiliser un personnage qui m'a appelé sur les droits pour illustrer comment un trois points fictif l'éclairage peut être. Maintenant l'éclairage à trois points est froid, Cela va nous avons la lumière clé, qui est notre lot principal, sont malades et recharger, qui va être beaucoup bleu. Et puis notre lumière réfléchie en bas, qui va être tertiaire lot. Et donc nous avons 1, 2, 3 points d'éclairage. Alors allons y entrer et nous allons rapidement ajouter ces Lutz. Donc je vais utiliser un bleu similaire qui est encore moi. C' est une sorte de couleur vive au bleu. Utiliser la brosse douce pour ce faire. Et nous allons doucement ajouter cette source de lot secondaire ici. Et notez comment je m'assure qu'il est certainement beaucoup plus lumineux près des bords. Et je peux en fait augmenter la valeur humaine un peu là. Aux points les plus brillants des lats, non ? Et nous n'avons pas introduit notre source lumineuse secondaire. Et vous pouvez également voir dans la vue miniature que cela augmente en quelque sorte que la lecture 3D quanta de manière significative. D' accord, et maintenant, allons de l'avant et ajoutons à notre lumière réfléchie. Je vais juste faire ça peut-être un peu très léger, une couleur un peu plus terne. Ce sera une sorte de gris de grande valeur dans la gamme verdoyante. Et la raison en est que nous ne voulons pas avoir de niveaux de valeur concurrentielle. Nous ne voulons pas avoir de symétrie, si vous voulez, entre les valeurs de la source lumineuse secondaire et les sols lumineux réfléchis. En gardant également à l'esprit que je réfléchis la lumière n'apparaît généralement que dans l'ombre, non ? Dans notre travail. Donc, nous voulons le garder pas trop lumineux, ce n'est pas trop léger. En fait, je pense que nous devrions prendre cette perte de valeur, mesures rapides et un peu, mais pas trop. Et étant donné que nous pouvons passer dans cette gamme de gris vert, nous pouvons en fait lui donner un peu de goût GNC. Et cela semble, cela semble raisonnablement bon pour la source de lumière réfléchie. On ne veut pas la rendre trop brillante. D'accord ? Et donc ce que nous avons est une sphère d'aspect beaucoup plus tridimensionnel parce que nous avons levé d'un trois points, parce que nous pouvons encore l'améliorer avec un point culminant et ainsi de suite. Ce n'est pas nécessaire pour cet exemple particulier. Maintenant, si nous allons jeter un oeil à Kami et nous allons zoomer ici un peu. Jetez un oeil à son visage. Par exemple. Nous remarquerons qu'elle est en effet victime, si vous voulez, d'un éclairage à trois points qui le rend plus dynamique et plus tridimensionnel, alors elle aurait l'air autrement sans la doublure. Et pour qu'on puisse voir que sur le côté gauche d'elle, elle a un éclairage clé. C' est juste changer le pinceau là-bas. Elle a un chillax et elle a des feux secondaires sur le côté gauche. Une serrure à clé se montre ici dans le point culminant de son nez. Et la façon dont ce genre de valeur augmente sur son front en termes de bijoux et de parures de ses vêtements, son écharpe peut voir l'impact de ce lot clé sur la valeur de base à la base, la couleur locale des objets que le la lumière brille. Et c'est la même chose sur ses gants et ainsi de suite et ainsi de suite. Il y a une lumière clé dans la scène, et cela vous donne un bon sens de la 3D. Et bien sûr, les ombres renforcent cet emplacement clé. Ensuite, nous avons la lumière secondaire, qui brille presque dans un motif répété, si vous voulez, de terrain noir foncé pour la plupart des parties où l'Islamique qu'il n'y a pas alors il ya lepton, il n'y a pas sur les zones que ce est en train de frapper. Donc, par exemple, nous voyons ici qu'il frappe le haut du chapeau qu'il ne frappe pas, puis il frappe à nouveau. Probablement ne frappe pas à nouveau et frappe ici, mais ça ne frappe pas leurs hits ici. Ça ne frappe pas là et frappe un peu ici. Et nous ne pouvons pas avoir réfléchi l'éclairage là-bas. Et on voit ici comment cette lumière bleue brille sur ses cheveux, sur le côté de son visage, non ? Sur sa lèvre, un peu dans ses yeux, même à l'intérieur de ses ornières. Vous pouvez voir comment ce lot secondaire améliore la tridimensionnalité d'elle. Bon, donc l'éclairage à trois points est parfait pour cet effet dynamique ici sur les gants. Maintenant, gardez à l'esprit aussi bien lorsque vous faites l'éclairage de sécurité, essayez de le faire disparaître aussi naturellement que vous le pouvez du bord vers la forme. Et évidemment être logique au sujet des plans, donc ne dessinez pas de lignes droites solides du loquet secondaire, juste un peu rayonnant dans une ligne droite solide comme celle-ci. Ne fais pas quelque chose comme ça. On continue juste parce que tu veux briser la file d'attente. Ça a l'air plus naturel. Si vous regardez autour de vous même en ce moment, regardez les éléments de votre chambre. Vous remarquerez le manque suit généralement un animal de compagnie et je vais laisser la zone, zone ombragée éclairée zone d'époque, zone ombragée, zone éclairée , zone ombragée, que ce soit dans un sens macro ou un micro sens. Néanmoins, en continuant, nous avons aussi une source de lumière réfléchie qui brille du sol. Et que nous pouvons voir dans cette sorte de loquet plus gris qui coule au bas de son menton, ils vont dans une voiture Joel est même le bas de ses cheveux ramasse une partie de cette lumière réfléchie. Tous les services de fond que vous pensez ramasser cela obtiendra ce fond reflété manque de traitement. C' est secondaire. Il s'agit de lumière réfléchie par le bas. Ce fond reflète le sang sur sa boucle d'oreille. Vous ne voyez pas le lot secondaire côté gauche parce qu'il est très similaire à la coupure de ses boucles d'oreilles, mais vous voyez le lot clé sous la forme de ce surlignement. Donc là, vous l'avez plus ou moins en un mot, éclairage à trois points avec l'exemple de Kami ici. Et j'espère que cela vous a été très utile. Je vous verrai dans la prochaine leçon. 13. Module 1.1.1 : Perspective de l'atmosphère: Dans cette leçon, nous allons jeter un coup d'œil à ce qu' est la perspective atmosphérique et ce que cela signifie dans le monde réel, dans nos dessins et bien sûr dans notre coloration de personnages et notre peinture de personnages. Dans le monde réel, l'air s'accumule entre les objets et, à mesure qu'ils reculent de plus en plus au loin, il y a de plus en plus d'accumulation d'air. Et ce que cela signifie est que les éléments de premier plan ou DACA, effacer un plus net et plus contrasté. Et à mesure que les éléments se déplacent dans la distance à cause de l'accumulation d'air, leurs valeurs sont plus légères. Ils ont moins de détails, ils sont beaucoup moins contrastés. Et cela signifie des contrastes entre un objet à l'autre et ils globalement moins de détails. donc vraiment ce qu'est la perspective atmosphérique. Maintenant, dans un sens, à vos angles de caméra typiques, ou plutôt devrions-nous dire, aux perspectives et points de vue typiques sur lesquels vous avez tendance à dessiner des personnages, vous ne verrez pas une quantité incroyablement importante de perspective atmosphérique parce que les objets, par exemple, un bras de l'autre côté du corps est assez proche du corps encore, il n'y a pas beaucoup d'air qui peut être construit là-haut. Mais néanmoins, nous l'utilisons comme un outil de dramatisation, n'est-ce pas ? Donc, nous construisons dans un drame supplémentaire et un saints supplémentaires de profondeur et entité tridimensionnelle mentionnée en morceaux en utilisant les principes de la perspective atmosphérique. Maintenant, sur notre dessin au milieu, ici, c'est de l'aine, c'est un OLC. Vous pouvez, peut-être savoir si vous savez, théorie de dessin dans les poids de Londres que nous avons tendance à dessiner poids de ligne plus épais sur les lignes qui sont en avant et plus fines, poids de ligne sur les lignes qui sont derrière. Et au fur et à mesure que les lignes traversent un infini, nous reculons ces objets en arrière-plan. C' est donc un moyen pour nous de créer de la profondeur en utilisant la perspective atmosphérique en nous assurant que les objets de premier plan ont des lignes plus épaisses et que les objets d'arrière-plan ont des lignes plus fines. Et c'est ainsi que nous utilisons généralement des poids de ligne. Vous pouvez voir en grandissant, cultivé ici, il a des lignes nettement plus fines sur ses tresses de cheveux que la ligne de son épaule qui va dans son bras. Et puis encore une fois, les lignes sont vraiment épaisses sur la main de premier plan ici, ainsi que la lame pour la distinguer et créer un sentiment de profondeur. Maintenant, vous pourriez dire, eh bien, il n'y a vraiment pas beaucoup d'air entre ces choses. Et tu viens de dire qu'il n'y a pas beaucoup de choses entre ces choses qui sont vraies. Mais rappelez-vous, nous allons créer des images. Nous ne créons pas de vraies choses avec la création d'images. Et nous essayons de persuader le spectateur de la crédibilité des images. Donc, tous les outils que nous avons et que nous pouvons utiliser qui aideront à persuader le spectateur est bon. Nous voulons aussi garder à l'esprit la croyabilité, réalisme de Trump, non ? La croyabilité du réalisme de Trump. Si quelque chose est plus crédible et pas vraiment réaliste, c'est encore plus crédible que réel, n'est-ce pas ? Donc la croyabilité, le réalisme de Trump. Maintenant, passez à Charlotte à l'extrême droite. Pourtant, les éléments dans, dans notre sphère d'intérêt particulière, ou son bras arrière ici, son bras droit, ainsi que sa jambe droite. Et les deux ont des valeurs plus légères par rapport à leurs éléments de premier plan. Et encore une fois, cela est fait pour les différencier de ces objets et éléments. Et aussi pour aider le spectateur à comprendre qu'il y a de la profondeur dans l'image. Maintenant, c'est généralement un effet subtil d'effet assez subtil. Mais l'avoir dans les annonces tellement de profondeur supplémentaire à la paix, l'utiliser comme vous le voyez bon. C' est là une perspective atmosphérique. Et je te verrai dans la prochaine leçon. 14. Module 1.12 : Differntiation du bord: Dans cette leçon, nous allons apprendre sur l'essentiel des âges, comment cela se rapporte à la coloration, comment cela se rapporte à la peinture et le sommet de Cornerstone, Ils sont vraiment dans la création d'art en général. Mais avant d'arriver aux bords eux-mêmes, il est important d'en apprendre davantage sur la profondeur du champ. Maintenant, vous voulez faire un exercice pratique. Prenez quelque chose près de vous et maintenez-le aussi près de votre visage que possible là où il est encore une sorte de focalisation et juste une sorte de mise au point sur 1 de cet élément. Et ce que vous remarquerez probablement, et c'est quelque chose que vous avez probablement vu auparavant, c'est qu'une fois que c'est mis au point, tout le reste se déconcentre. Il devient très floue. Essentiellement, vous avez créé une faible profondeur de champ, une halte, elle est si proche de votre visage. Maintenant, la profondeur de champ fait référence techniquement à la distance entre les objets les plus proches et les plus éloignés qui sont en focus. C' est la profondeur du champ, pourrait presque l'appeler la profondeur du champ de concentration, n'est-ce pas ? Donc la distance entre les objets les plus éloignés et les plus proches qui sont mis au point, tout en dehors de ces zones est flou, non ? Et hors de la concentration. Ainsi, une profondeur de champ peu profonde fait référence à une zone qui n'a qu' une petite quantité d'objets en mise au point, puis des objets proches ou au premier plan. Tellement floue. Bec, les objets ronds sont un peu bleus. Et une profondeur profonde de champ se réfère à pas beaucoup floue et premier plan pas beaucoup floue en arrière-plan. Beaucoup de choses sont au centre. Par exemple, la photographie de paysage. De façon générale, beaucoup de choses sont en évidence lorsque vous parlez de photographie de portrait, généralement seule la tête de la personne est au centre et l'arrière-plan est magnifiquement floue dans ce cas. Maintenant, pourquoi est-ce important ? Pour commencer, si on regarde les âges de ces étoiles, elles sont plutôt sympa et on regarde les bords de ces étoiles, elles sont plutôt floues. Et immédiatement à notre vision, ça nous dit quelque chose à des gens comme, Hey, regarde-moi, je suis concentré et hey, ne me regarde pas. Je ne suis pas concentré. Je ne suis pas important. Il ramène les objets vers l'avant lorsqu'ils ont des bords tranchants et les repousse en arrière. Maintenant, comment cela se rapporte à nous et comment nous peignons, C'est beaucoup à voir avec les pinceaux que nous utilisons, les âges des pinceaux que nous utilisons. Et la plupart des applications devraient prendre en charge plusieurs types d'âges, n'est-ce pas ? S' ils n'ont pas de pinceaux différents qui font un tas de choses différentes. Ici, du côté des otages, on peut voir à quoi ressemble un beau et net bord dur. Et puis de même avec les bords souples et les dernières étapes. Et en quelque sorte votre traditionnelle, OT typique, théorie sur les fondamentaux. Et on vous apprendra qu'il y a trois types de bords, bords chauds, bords souples et bords d'âge perdus qui sont plus implicites mais pas mentionnés, ils se perdent. Et c'est assez simple pour saisir ce concept avec d'autres exemples ici, juste pour montrer ce qui se passe entre les bords. Maintenant, une fois de plus, je veux renforcer cela. Tu veux penser à un bord chaud presque comme s'ils disaient, hé, je suis là, regarde-moi. Ils créent un contraste si fort entre les valeurs et, bien sûr, le bord lui-même qu'ils attirent l'attention du spectateur sur eux-mêmes. Et les bords doux, d'autre part, sont très timides et ils ne veulent pas être remarqués. Et ils sont un peu comme, Hey, ne me remarquent pas vraiment. Je ne suis pas vraiment là. Ne me regarde pas. Et c'est comme ça que vous voulez penser aux bords souples. Nous pouvons donc utiliser les bords souples dans les saints pour repousser les choses et les bords durs pour faire avancer les choses. Mais nous pouvons aussi utiliser les bords au sens de la composition à la manière de notre travail, la façon dont nous jouons les bords durs, cela attire leur attention, non ? Nous pouvons donc définir des points focaux avec des arêtes et des points non focaux avec des bords souples, non ? Donc c'est comme ça que nous voulons penser aux bords. Mais ce que je veux faire avec les arêtes aussi, c'est que je pense beaucoup d'arêtes comme vous le feriez une échelle de valeur, sauf dans le monde des arêtes. Et donc nous aurions, disons juste, amour de l' argument, dix étapes. Je vais faire autant d'ajustement sur la page encore. Mais nous allons prendre ce pinceau particulier. C' est une brosse à bord dur et abaisse lentement sa dureté. Maintenant, toutes les applications ne prennent pas en charge cela, mais ce n'est pas le but de l'exercice. Ce que nous voulons faire, c'est adoucir lentement la dureté des bords. En fait, je me demande si cet effet va même fonctionner. Ok, ça l'est. D' accord. Donc, nous durcissons lentement mais sûrement le matériel de bord. Donc, vous pouvez voir presque la plupart de cette barre est assez dur bord. Et ce que vous voulez faire, c'est penser aux bords comme une échelle de bords allant de très, très dur à de plus en plus doux, plus doux et plus doux et plus doux. Pour que vous considérez les bords comme une large gamme de bords ira à ce point, puis j'utiliserai une brosse douce juste pour indiquer des bords encore plus doux. Ok, alors pensez aux bords comme une échelle, allant de très dur à une sorte de ferme à une sorte de médiocre, peu doux, plus doux. Rendons ça un peu plus doux. Et puis les bords les plus doux qui sont vraiment, vraiment, il n'y a presque pas de bord là-bas. On dirait juste une sorte de fumée, de gaz ou d'air. Alors pensez aux bords comme un, dans une échelle d'âge. Maintenant, nous allons approfondir sur cela plus quand nous arrivons aux exemples de style des différentes techniques de coloration et différentes techniques de peinture. Et nous faisions ces exemples pratiques. Pensez à la théorie. Rappelez-vous la théorie et si vous pouvez s'il vous plaît prendre des notes, âges sont vraiment à la pierre angulaire de art que beaucoup d'artistes ont vraiment poussé à la touche et seulement réalisé beaucoup plus tard, combien ils avaient vraiment besoin de toute cette théorie de bord. un dernier exemple, nous allons jeter un coup d'oeil aux bords d'impact vraiment peuvent avoir quand il s'agit de se concentrer. Nous avons donc ici une série de points rouges en arrière-plan et un point bleu au premier plan. Et la seule raison pour laquelle nous allons dire que le point bleu est au premier plan du moment, c'est parce qu'il chevauche les points rouges. Mais quand nous commençons à manipuler les bords, nous pouvons voir comment nos yeux sont immédiatement dupés, trompés par ce qui se passe lorsque nous changeons les types de bords. Donc ici, nous avons floue les bords de l'arrière-plan et soudain il semble que ce cercle bleu saute vers l'avant, non ? Mais que se passe-t-il quand nous bleuissons ensuite le cercle bleu et nous gardons le magasin de fond. Maintenant, notre attention est reportée aux cercles arrière. C' est la puissance des bords. Et c'est vraiment comme une chose simple à faire, comme je le dis, de citer offert et négligé. Gardez cela à l'esprit quand vous peignez. Soyez conscient de vos bords, soyez très intentionnel. Et quels points vous souhaitez utiliser des arêtes chaudes, et quels points vous souhaitez utiliser, arêtes douces, pourquoi vous utilisez ces arêtes à ces différents points. C' est tout pour cette leçon et je te verrai dans la leçon suivante. 15. Module 1.13 : observation: Alors que nous quittons notre théorie de l'éclairage et des couleurs, je veux que vous vous demandiez comment, comment le plus est venu avec toutes ces théories folles que nous utilisons aujourd'hui dans la coloration et la peinture top réaliste. Comment les ont-ils trouvés ? Et la réponse est évidente. Ils ont vraiment pris le temps d'observer le monde qui les entoure. Et je tiens à vous encourager alors que nous quittons cette section pour devenir un observateur du monde qui vous entoure. Regardez la façon dont la lumière frappe certains objets, regardez les motifs qui verrouillent crée. Demandez-vous, pourquoi une chose sur une surface et une autre chose sur une autre surface ? Et pendant que vous y êtes, commencez à porter une attention particulière à l'occlusion ambiante subtile et à former des ombres qui se produisent sur les objets. Parce que, comme nous l'avons appris, au fur et à mesure que nous avons parcouru cette section, ces deux valeurs votre lieu blanc et vos ombres, sont vraiment la base de vos formes 3D lorsque vous peignez. Maintenant, même si vous allez faire la coloration plus simpliste et vos personnages, plus de coloration de style de bande dessinée. Si vous voulez faire quelque chose qui est la cellule S8 ombragée comme une mangue ennemi style cel ombrage. Malgré cela, ces styles simplistes sont dérivés des principes fondamentaux. Je veux donc vous encourager à devenir un observateur du monde qui vous entoure. Sois un peu fou à ce sujet. Sois un peu intense à ce sujet. Regardez attentivement les choses. Soyez bizarre dans le centre commercial ou quand vous marchez dans la rue, quand vous êtes à l'école, ou vous êtes en classe ou à l'université où que vous soyez, soyez fou de ça. Observez le diable des choses dont vous avez besoin pour apprendre à voir plus que la personne moyenne ne voit, attention particulière et en accordant une valeur particulière aux ombres et aux lumières, à l'éclairage réfléchi, à l'éclairage rebondissant et à l'éclairage secondaire. Et comprendre comment les lumières et les ombres travaillent pour créer cette vision de tridimensionnalité que nous vivons. Laissez-moi vous encourager à devenir observateur. Sortez dans le monde, soyez plus que vous tous quand il s'agit du monde visuel et soyez un peu fou, par-dessus bord quand il s'agit de regarder le monde qui vous entoure. C' est la fin de l'article. Je suis tellement excité de vous apprendre des choses plus pratiques, plus applicables en termes de coloration des personnages et de peinture des personnages. Alors on y va et je te verrai dans le module suivant. 16. Module 2.1 : introduction: Bienvenue dans le Module 2 et bienvenue à l'introduction à la coloration numérique Essentials. Ce module vise à apprendre les outils numériques dont vous avez besoin pour colorer et peindre efficacement vos dessins de personnages. Maintenant, si vous êtes un débutant, ce module est fortement recommandé pour vous. Nous couvrons quelques nuances et bien sûr, les outils essentiels nécessaires pour obtenir la coloration et la peinture que vous désirez. Cependant, si vous êtes déjà assez familier avec les outils d'art numérique, vous savez comment utiliser assez bien Photoshop, ou Clip Studio Paint ou quelque chose de similaire. Vous n'avez pas vraiment besoin de passer par ce module. Pour les débutants seront jeter un oeil aux touches de raccourci, les différents outils, calques, modes, sélections, et ainsi de suite et ainsi de suite. Et vous obtiendrez également ce fichier clavier, version principale de celui-ci dans vos ressources. Photoshop sera utilisé comme exemple de logiciel de base. Mais gardez à l'esprit que les raccourcis et l'utilité générale des applications restent vraiment les mêmes parmi tous les progiciels, en particulier quand il s'agit de pinceaux, pinceaux, édition, couches, modes calques, etc. La plupart des principaux progiciels, ces fonctionnalités. Très bien, allons droit là-dedans. Commençons. Et je vous verrai dans la première leçon du module 2. 17. Module 2.2 : aperçu des outils généraux des outils généraux: Dans cette leçon, nous allons faire un bref aperçu des outils généraux utilisés dans les applications d'art numérique. Et pour commencer, on va parler de la toile. Et la toile est vraiment là où nous allons vraiment faire le dessin de la peinture, la coloration et ainsi de suite. Le Canvas représente vraiment la taille de sortie de notre travail. Nous allons l'imprimer ou la taille de résolution d'écran sur travail en fonction des options que nous sélectionnons lorsque nous créons un nouveau document. La section suivante dont nous allons discuter est la section des calques. Et la dernière section nous permet de construire des couches de transparence, essentiellement les mêmes proportions et la même taille que le document canevas original ici. Et cela nous permet de faire des choses sur différentes couches. Par exemple, si je devais peindre les cheveux d'un personnage sur la couche 3, je pourrais alors, parce que j'utilise le système de couches, ajuster juste la couleur des cheveux. Et généralement, nous avons nos lignes et nos dessins sur une couche supérieure et nous avons tendance à peindre en dessous. La plupart du logiciel vous permettra de créer de nouvelles couches dans votre section de calques, ainsi que d'ajuster les modes de couche dans lesquels nous allons entrer plus tard. Passons à présent et parlons de pinceaux et d'effacement. Désormais, dans Photoshop, l'outil Pinceau et l'outil Effacer partageaient la bibliothèque de pinceaux. Maintenant, ces brosses peuvent être importées, peuvent être téléchargées. Il y a des milliers de pinceaux à la particulièrement pour Photoshop, Procreate et peintre corail, vous pouvez faire votre propre ainsi. Ils offrent vraiment un large éventail de types de simulations de type média, par exemple, l'aquarelle et PESTEL et ainsi de suite. Mais vous trouverez dans la plupart des applications logicielles capables de créer vos propres pinceaux, de les manipuler, de les modifier et ainsi de suite. Et les outils de brosse aussi, nous allons générer, vous donner le contrôle de l'opacité et le contrôle du flux, que nous allons entrer un peu plus en détail plus tard également. Le prochain outil très important sur ce qui est l'outil de sélection. Maintenant, dans Photoshop, lorsque vous cliquez sur l'outil de sélection et que vous le maintenez enfoncé, vous obtenez l'outil de sélection rectangulaire, qui vous donne des sélections rectangulaires et des sélections sphériques sont des sélections elliptiques. Et puis vous avez aussi la main libre et l'outil polygonal qu'ils appellent l'outil lasso. Pourtant, la plupart des gens l'appellent la main libre parce que vous pouvez juste tirer des sélections. Et les sélections vous permettent de sélectionner des zones de votre pièce et de manipuler cette zone particulière , de la déplacer, de changer sa taille , de la transformer, etc. La version polygone vous permet d'obtenir sélections plus précises en vous offrant une fonctionnalité point à point. Si votre main est un peu tremblante ou si vous avez des courbes vraiment serrées que vous voulez sélectionner. Ensuite est le sélecteur de couleurs. J' ai le sélecteur de couleurs sur la droite et une sorte de mini fenêtre que j'ai soulevée. Mais le sélecteur de couleurs typique de Photoshop ressemble un peu à ceci, et il vous permet de sélectionner une saturation de valeur. Et bien sûr, la teinte ici. Et vous pouvez voir que vous avez accès à un nombre assez étonnant d'options de couleur en ce qui concerne la coloration numérique. Donc c'est vraiment le sélecteur de couleurs. Parlons ensuite un peu de la navigation de base. Beaucoup de logiciels incluent une fenêtre de navigateur, Procreate ne le fait pas, mais vous n'en avez pas vraiment besoin parce que vous pouvez manipuler la page avec vos mains. Mais la fenêtre du navigateur vous permet d'avoir une petite vue miniature. Vous pouvez cliquer sur la petite boîte rouge et la stylo autour de la page. Et lorsque vous zoomez et faites un zoom arrière, cette petite boîte devient de plus en plus petite. En outre, vous pouvez utiliser la barre d'espace, qui ouvrira l'aiguille de navigation. Et il vous permet de faire glisser et de parcourir la page. Last but not least, jetons un coup d'oeil sur les minutiae top parentales la plupart des logiciels et certains d'entre eux vous familiariserez probablement avec le menu Fichier, qui vous permet de créer de nouveaux documents et d'exporter des documents. Le menu Edition, qui vous permet de modifier divers éléments et éléments que vous utilisez dans le document réel. Le menu Image, qui contrôle beaucoup d'éléments en fonction de la page réelle ou du canevas. Le menu Calques, qui contient les options de calque, top, qui contrôle le haut et le texte, et le menu de sélection, qui contrôle tout ce qui concerne les sélections. Le menu Fenêtre, qui est également commun dans beaucoup d'applications graphiques, vous permet de contrôler beaucoup de fenêtres et beaucoup de ces panneaux d'interface utilisateur graphique, vous pouvez vraiment les faire glisser autour. Et si vous voyez qu'il y a une interface ici que j'ai qui peut ne pas être sur votre version particulière de Photoshop ou l'application que vous utilisez. Allez vérifier qu'il s'agit du menu Fenêtre et cliquez simplement sur la case de votre choix et déplacez-la à l'endroit où vous souhaitez l'avoir. Bien sûr, le menu d'aide aussi, juste après avoir aidé pour cette application logicielle particulière, le menu 3D n'est pas souvent utilisé. Ceci est particulièrement seulement dans Photoshop de réutiliser pour l'art numérique beaucoup. Et le média filtrant contrôle une gamme de filtres, mais nous y retournerons au bon moment quand nous allons l'utiliser pour une sorte de fonctionnalité. Il est important de noter qu'à peu près la plupart des applications que j'ai nommées et beaucoup des principales applications graphiques devraient avoir certains filtres et des choses que vous pouvez faire comme l'affûtage et le blues. Donc, vous verrez qu'en général, si vous en apprenez vraiment bien, vous ne pouvez pas avoir une portée assez large d'utilisation dans d'autres applications logicielles parce que beaucoup de choses sont partagées, y compris les raccourcis d'application. C' est tout pour cette vue d'ensemble des outils généraux, entrons dans le minutieux de celui-ci. Je te verrai dans la prochaine leçon. 18. Module 2.3 : Guide de taille de toile et de résolution: Jetons maintenant un coup d'oeil à la création d'une nouvelle toile, en particulier en ce qui concerne la taille et la résolution. Les applications vous donnent généralement la possibilité de choisir une largeur et une hauteur de la toile que vous souhaitez. Et puis l'outil de mesure. Donc, que ce soit en millimètres, centimètres, pixels ou ce que vous avez, beaucoup d'artistes auront tendance à choisir des pixels ou des millimètres et la taille de page indéterminée par cela, les applications offrent souvent des préréglages. Ainsi, vous pouvez voir ici photoshop propose des préréglages photo, des préréglages d'impression, des illustrations et ainsi de suite. C' est tout particulièrement utiliser les préréglages d'impression. Et j'opterais pour une toile de taille A3 ici, ce qui est assez grand. Lorsque vous le convertissez en pixels, vous pouvez voir qu'il a une hauteur de 4 961 pixels et une largeur de 3 508 pixels, ce qui est vraiment idéal pour les arts numériques. Presque actuellement une page de taille parfaite pour vous d'utiliser et la taille du papier est assez, à peu près standardisée. Ensuite, il vous donne une option d'orientation. Souhaitez-vous commencer par une page verticale ou horizontale ? Quoi qu'il en soit, ça ne fait pas vraiment la différence. Vous pouvez ajuster cela de toute façon dans les documents en le retournant simplement ou simplement en faisant une rotation de page. Maintenant, très important est la section de résolution. Quand vous faites de la coloration numérique, de la peinture numérique, vous ne voulez vraiment pas le faire à basse résolution ou quoi que ce soit ? Je dirais inférieur à 300. Maintenant, si votre ordinateur a des problèmes de performance, je dirais regarder, descendre à 150, essayer de ne pas aller bas dans ce sens. Mais d'une manière générale, la norme est de 300. Et si vous avez une machine, pourquoi ne pas aller à 600 aussi ? Sachez juste qu'il nécessite beaucoup de puissance de traitement et RAM pour réellement peindre à cette résolution. Mais cela va vous donner la plus haute, l' une des résolutions les plus élevées que vous pouvez obtenir pour la peinture numérique. Mais je peins à peu près 300 pixels par pouce. J' ai trouvé ça très bien, et j'avais un ordinateur très puissant et je trouve encore 300. Et pour être amusant, et on veut s'en tenir aux pixels et aux pouces, ok ? En termes de mode couleur, généralement, beaucoup des anciennes applications seront automatiquement par défaut la couleur RVB, qui est rouge, vert, bleu, qui est la couleur numérique. Beaucoup de gens posent la question, surtout commencer comme poser la question, devrais-je utiliser CMJN, qui est l'impression couper parce que, vous savez, peut-être que je voulais imprimer mon auto il. Maintenant, la réponse à ce serait non parce que vous vouliez réellement peindre avec la couleur RVB et la couleur avec la couleur RVB. Ensuite, lorsque vous voulez l'imprimer, vous convertissez le document en CMJN. Si vous deviez peindre ou ingérer un peu CMJN. La façon dont Et fonctionne dans les applications logicielles est qu'il va limiter votre plage réelle ou la couleur réelle. Les ingénieurs ne veulent pas faire ça. La couleur RVB est 24 bits sur la plupart des ordinateurs, la plupart des logiciels de nos jours. Tenez-vous à RVB. Vous pouvez quitter la Bhatia à huit heures, mais vous n'avez pas besoin de vous en soucier. Et puis il s'agit simplement de sélectionner ce que vous voulez que le contenu d'arrière-plan soit, juste généralement blanc, noir ou une couleur d'arrière-plan. Et certaines applications vous donneront la possibilité de rendre ce fond transparent. Quoi qu'il en soit, cela n'a pas vraiment d'importance même si vous choisissez transparent, vous pouvez simplement ajouter un autre calque et le rendre blanc. Très bien, et c'est vraiment les bases de la taille de la page comme une ligne directrice générale pour la résolution générale et pas la résolution réelle pixel par pouce, a essayé de rester à une largeur d' environ 3 000 et au moins 3000 à votre côté le plus long pour obtenir une bonne résolution d'impression dans votre travail. dehors de cela, il n'y a pas beaucoup plus à craindre en termes de toile, vraiment juste s'assurer que votre largeur et votre hauteur sont à une bonne dimension de pixel, votre résolution est à 300 si possible, et vous travaillez certainement en couleur RVB, et c'est tout pour cette leçon. 19. Module 2.4 : Installation des pinceaux: Examinons maintenant rapidement comment installer de nouvelles brosses dans Photoshop. Et le processus est vraiment très similaire pour la plupart des autres applications. J' ai l'outil de brosse sélectionné ici, et je vais dans les paramètres de l'outil de brosse en haut ici et cliquez sur cette petite icône d'engrenage. Et lorsque je clique sur l'icône, il y a une section au milieu de ce très grand menu qui indique Charger les brosses. Vous pouvez également remplacer les pinceaux ici, enregistrer les pinceaux ou les réinitialiser aux valeurs par défaut du logiciel. Cette instance, je vais choisir Charger les pinceaux, puis je naviguerai vers le fichier de pinceau. Donc, il va Photoshop la brosse tout se termine généralement par un B R. Je vais sélectionner cela, je vais cliquer sur charger, et il a chargé ces brosses dans. Maintenant, si vous voulez garder les choses assez simples à des fins de coûts, vous pouvez aller et sélectionner remplacer les brosses. Cliquez sur les pinceaux que vous avez téléchargés, puis sur charger. Et il remplacera tout le nombre de vos pinceaux par défaut avec juste ces pinceaux essentiels. Ce pack de pinceaux particulier qui est inclus avec le cours comme mes pinceaux froids personnels, qui comprend un croquis d'un dessin, un flatter Inca pour faire des appartements et de l'encrage. Une opacité douce avec une brosse à faible débit, ce qui est bon pour l'ombrage doux et les ombres d'occlusion ambiante. Une brosse à double bord qui est chaude et une soudaine dure et douce sur l'autre. Un haut carré de pinceau, ce qui est génial. C' est mon pinceau par défaut. Un pinceau de style rond qui partage les mêmes propriétés. Un pinceau granuleux pour un beau look granuleux, un pinceau circulaire pour un look plus doux. C' est un pinceau très doux, un pinceau aquarelle qui fonctionne vraiment plus ou moins comme de l'eau. Une sorte de brosse carrée rugueuse. Ce genre de choses fonctionne un peu comme des pastels. Un pinceau rond rugueux, qui ressemble aussi un peu à des pastels ou des craies, puis un pinceau moucheté, nous faisons des taches de rousseur et d'autres effets de texture et un râteau, qui est un genre de brosse à texture de type harish. Prêt, utilisez-le, mais je l'ai inclus de toute façon. Donc, c'est essentiellement ce qui est dans ce pinceau en arrière, et c'est ainsi que vous installez les pinceaux. 20. Module 2.5 : Guide de raccourcis de clavier: Nous allons maintenant jeter un oeil à certains des raccourcis clavier les plus courants dans les applications d'art numérique. Maintenant, nous n'allons pas parcourir tous les raccourcis clavier possibles. Comme je l'ai dit précédemment, Photoshop et des applications similaires de très profond. Et je conseille vraiment de jouer avec l'application pendant que vous faites du travail, pendant que vous faites vos peintures, jouer avec elle, gâcher avec elle et faire des erreurs. Évidemment, avez un fichier de sauvegarde disponible pour vous afin que vous puissiez vous désarmer et réellement expérimenter certains des outils aléatoires et autres éléments du logiciel que vous utilisez. Vous pouvez également envisager de rechercher une formation approfondie et complète dans l'application que vous utilisez. Connaître aussi votre outil est toujours très utile car il vous permet d'être beaucoup plus efficace et de vous concentrer sur l'étrange lui-même. Cela dit, commençons et nous allons commencer avec B. Et B est notre outil de brosse et il nous permet d'utiliser nos différents pinceaux. Donc, vous appuyez sur B pour l'outil de brosse. De même, vous pouvez appuyer sur E pour l'outil gomme, et l'outil d'effacement apparaîtra et vous permettra d'effacer tout ce que vous avez peint. Vous pouvez maintenant modifier la taille de votre pinceau. Donc, je suis retourné pour brosser là avec un B, et j'utilise des crochets à droite pour aller plus grand et les crochets à gauche pour aller plus petit. La grande chose à ce sujet, c'est un moyen très facile et efficace de changer la taille de votre pinceau, ce qui est quelque chose que vous ferez beaucoup lorsque vous faites de la peinture numérique et de la coloration numérique. En outre, vous voudrez savoir comment annuler et refaire certains vont mettre trois points ici. Et si je touche Contrôle Alt Ed, je vais annuler et je peux refaire avec le contrôle, le déplace. Maintenant, en fonction de l'application dans vos préférences de clavier, vous pouvez changer cela. Habituellement, j'ai des états de contrôle à annuler et Control Shift Z. Il se trouve à refaire parce que la version de Photoshop d'annulation est un rétablissement d'annulation en un seul bouton. Donc, quand vous allez Contrôle zed, il n'annulera que votre dernière action. Vous pouvez donc voir qu'ils sont juste constamment annulés et refait cette action. D' accord, Ensuite, nous allons parler de l'outil de sélection de la zone de sélection, qui est M, et c'est cette icône ici. Et cela vous donne la possibilité d'avoir une sélection rectangulaire ou elliptique et de l'opprimer là-bas. Et je vais dessiner une sélection et j'appuie sur Supprimer pour effacer le contenu de ce calque que je viens de créer. Ensuite, nous voulons regarder l'outil de déplacement. Alors mettons un point ici. Changeons notre pinceau. Peut utiliser une brosse à bord dur ici. Changer r point et je vais appuyer sur V pour obtenir l'outil de déplacement. L' outil Déplacer peut manipuler tout ce que vous avez sélectionné ou ce qui se trouve sur votre calque à l'heure actuelle, cliquer et faire glisser et je peux déplacer des objets à l'aide de l'outil Déplacer. Vous obtenez également l'outil de sélection Lasso, auquel vous pouvez accéder en appuyant sur L. Et il vous donne la possibilité d'utiliser des sélections à main levée ou des sélections point à point. Les sélections point à point fonctionnent en cliquant sur points et en vous donnant une sélection de cette façon lorsque vous la terminez. Et la sélection de la main libre vous permet de créer une sélection à main levée, donc nous dessinons juste la sélection qu'il manquerait. Maintenant, ce que vous pouvez faire aussi bien que possible, surtout quand vous peignez. Vous ne voulez vraiment pas voir ces lignes parce qu'elles gâchent les âges de la zone que vous peignez, notes sur l'audit pour les cacher, vous appuyez sur Contrôle H. Maintenant, la sélection est toujours là. Vous pouvez voir que je peux toujours peindre à l'intérieur de cette sélection, mais les lignes de sélection ou cachées et puis il se met dans le chemin et ils ne sont pas distrayants quand vous essayez de peindre. Maintenant, pour désélectionner quelque chose avec un raccourci clavier, vous appuyez sur le contrôle D. Ou le contrôle D est le bouton de sélection D, ok ? Maintenant, ce que vous pouvez également faire est que vous pouvez sélectionner l'outil Déplacer si vous le souhaitez, ou l'Outil de sélection, sélectionnez un objet, puis appuyez sur Contrôle T. Cela vous donne la possibilité de transformer l'élément. Ce que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez mettre à l'échelle l'élément autour. Vous pouvez l'écraser, l'étirer, et vous pouvez également le déplacer dans ce mode particulier. Donc c'est Control T pour atteindre les outils de transformation. Quelque chose d'important à noter est que vous pourriez dire, eh bien, je n'aime pas le contrôle que j'ai. Oui, je veux que cet objet reste exactement à la bonne taille et aux bonnes proportions. Et donc Photoshop ou a un bouton de proportions contraintes intégré, qui est le même, généralement parlant, dans la plupart des applications impaires, qui est décalage. Donc, si j'appuie d'abord sur Maj puis que je clique sur le petit guidon là, il maintiendra les proportions. Je ne peux pas sortir de la taille proportionnelle réelle de la forme. Eh bien, je peux le faire, c'est l'échelonner proportionnellement. Donc c'est Shift. Et d'ailleurs, le décalage vous permet également de déplacer les choses dans des lignes parfaitement droites, horizontales ou verticales en fonction de la direction d'origine. Donc, je maintiens Maj, je clique, et si je me déplace vers le bas, peut voir qu'il va se déplacer parfaitement fait. Il peut également déplacer un angle de 45 degrés ou parfaitement horizontal, non ? Ainsi, un mouvement vertical, un mouvement vertical, un mouvement horizontal ou un mouvement de 45 degrés, vous pouvez restreindre le mouvement en maintenant la touche Maj enfoncée. Et ce changement ne s'applique pas seulement aux transformations, mais à tout ce qui est en général. Droit ? C' est donc la touche Maj pour contraindre les proportions et garder les choses alignées correctement. Mais vous pouvez aussi faire, vous voulez tout sélectionner sur une couche. Vous pouvez appuyer sur contrôle un, qui sélectionne ensuite tout sur le laboratoire. Et vous pouvez appuyer sur Contrôle C pour copier des éléments de mémoire et Contrôle V pour coller. Et maintenant, nous avons également collé cet élément dans la mémoire. Donc maintenant, nous avons deux d'entre eux très semblables à d'autres applications, n'est-ce pas ? Et ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai utilisé shift pour sélectionner plusieurs couches et supprimer ces deux couches. Maintenant, on peut revivre ça. Donc je suis prisonnier B pour mon pinceau. Je mettrai ça sur la couche 3, et je mettrai ça sur la couche 4. Et si je les déplace indépendamment, je ne déplace qu'une seule ligne, mais si je veux les déplacer les deux pour sélectionner les deux calques, je peux maintenir la touche Maj enfoncée, cliquer sur les deux calques, et je peux déplacer les deux éléments. C' est à l'aide de décalé pour utiliser plusieurs sélections de calque. Laissez-moi vous montrer un autre truc cool. Si vous avez un élément que vous souhaitez dupliquer et que vous ne voulez pas utiliser le contrôle C et le contrôle B et ainsi de suite. Une courte façon de le faire est juste de maintenir Alt, cliquez sur l'objet et faites-le glisser dans la direction de 12. Et Photoshop en fera une copie pour vous. Cela fonctionne également dans la plupart des autres applications artistiques. Et d'ailleurs, vous pouvez maintenir Alt Shift pour vous assurer qu'il est directement aligné en dessous de l'original. Ensuite, nous allons jeter un coup d'oeil à l'outil de texte, qui est t. Toutes les applications n'ont pas des outils de texte, mais néanmoins, outil de texte vous permet de taper et vous obtenez vos options normales de police et de style gras, alignement et ainsi de suite et ainsi de suite. Vous pouvez changer la couleur et ce que vous avez. C' est l'outil de texte, qui est T. Et enfin, nous allons jeter un oeil à l'outil de dégradé. La touche de raccourci de l'outil dégradé est G, et nous allons utiliser les dégradés et nous allons les approfondir plus tard dans le module 3. Mais quand même, lorsque vous démarrez Photoshop pour la première fois, il peut se trouver sur l'outil Paint Socket Tool. Il suffit de cliquer et de maintenir l'outil Dégradé et vous obtiendrez un outil Dégradé ici. L' outil Dégradé vous permet de créer une variété de dégradés et il vous permet de créer un dégradé à utiliser. Par exemple, nous avons ici un rose à bleu, nous avons un vert foncé à vert clair, ou nous avons un rouge, trop transparent. Et les deux hauts transparents des gradients sont ceux que nous utilisons principalement. Donc, nous sélectionnons un élément et nous faisons juste un léger gradient à partir d'un emplacement sur un autre emplacement. C' est donc l'outil dégradé qui est G sur le clavier. Et ce sont quelques-uns des raccourcis clavier d'application OT les plus courants. J' espère que cela a été une leçon utile, et je vous verrai dans la leçon suivante. 21. Module 2.6 : Opacity des pinceaux et flux: Nous allons maintenant jeter un oeil aux brosses, au flux et à l'opacité. Et nous allons d'abord parler de pinceaux. Juste une sorte de discuter de certains des pinceaux dans le paquet de pinceaux avec un peu plus de détails, en commençant par le pinceau croquis. Maintenant, la chose clé que nous voulons garder à l'esprit quand il s'agit de brosses est que nous voulons garder à l'esprit nos âges efficacement. Une grande partie du temps qu'ils utilisent est soit de produire un certain type de texture, mais fondamentalement plus, c' est de déterminer un haut âge. Donc, avec les âges très durs, très doux, ou une échelle d'âges entre les deux, n'est-ce pas ? Donc généralement en sélectionnant nos pinceaux en fonction de son âge. Donc le croquis, un pinceau ici est vraiment un bon pinceau pour juste faire des dessins, non ? Vous pouvez bien dessiner avec elle. Il est également bon pour ajouter de jolis traits durs et des choses comme ça. Et quand nous le faisons exploser, vous pouvez voir que la brosse a une dynamique de taille sur et ce à quoi cela fait référence est que le SaaS change en fonction de la pression ainsi que de la dynamique d'opacité. Ainsi, la légèreté ou l'obscurité du coup est également déterminée par la pression. Et la grande chose à propos de cette brosse particulière ayant ces séances intégrées est qu'elle peut être utilisée comme un marqueur de toutes sortes. Vous pouvez voir quand je commence à me chevaucher et cela a vraiment un effet de plafonnement du marché aussi. Tout en étant en même temps très polyvalent comme un pinceau à crayons aussi, car il va commencer à ressembler beaucoup à une peinture. J' y suis allé ressemblait à un marché quand tu dessines des choses. Et d'accord, donc c'est le croquis du pinceau. Le pinceau de fuite Inca, comme son nom l'indique, est un pinceau qui n'a pas d'opacité, mais qui change de taille en fonction des positions de broches. Donc ça marche comme une épaisse encre foncée qui sort de la brosse. Maintenant, il s'appelle Inca inondé parce que vous pouvez l'encrerer avec quand vous voulez faire de belles lignes, super propres, super lisses. Quand tu fais des travaux encrés. Chaque bande dessinée ou manga bloqué les œuvres. Mais il est également idéal pour faire des plis plats de formes car il produit une quantité constante de peinture qui ne change pas en fonction de la pression. Ainsi, vous pouvez obtenir une belle chute plate propre et solide avec la brosse plate Inca. Et c'est l'un des avantages de ce pinceau particulier. Maintenant, quand on passe à la brosse à flux doux, c'est juste appelé « soft upflow », juste pour indiquer l'opacité et le flux. L' opacité et le flux et cette brosse particulière là sont assis ici et aussi un peu dans la brosse, choses qui ne se trompent pas. Mais cette brosse particulière n'a pas de taille pour sa pression, n'est-ce pas ? Il a de l'opacité. Donc, lorsque vous appliquez la pression, vous obtiendrez un coup plus sombre et vous louez le laser. Enfin, vous obtiendrez un coup plus grand, mais la taille ne change pas. Et c'est important parce que la plupart du temps vous utilisez cette brosse douce pour faire des choses comme des ombres, n'est-ce pas ? Vos ombres d'occlusion ambiante ainsi que vos ombres de forme. Et vous ne voulez pas avoir des ombres qui ont ce petit ruban pointu pointu. Il vise à la fin d'eux. Vous voulez que tout soit très cohérent. Et c'est donc le but de cette brosse. Et croyez-moi, ce sera l'un des pinceaux les plus courants que vous utilisez lorsque vous peignez la brosse douce vers le haut, les pinceaux de bord, une brosse spécialisée. Je ne l'utilise pas particulièrement beaucoup, mais certains artistes trouvent ce type de pinceau utile. C' était basé sur l'angle où vous tournez le pinceau. Vous pouvez obtenir un bord dur d'un côté. Doux sur un autre. Et il imite quelque chose qui peut arriver naturellement avec, en termes de forme ou de boulon, où vous avez cette ombre d'occlusion venant à l'intérieur, mais un joli bord net à l'extérieur de la forme sorte de imite cela de cette façon particulière. Essayez-le, voyez comment vous l'aimez. Le pinceau de calmar est à la fois carré pour une très bonne raison et fonctionne comme un pinceau de peinture. Il a une dynamique de taille sur et il a également façonné la dynamique en termes de, je veux dire la dynamique d'opacité. Donc, quand vous appuyez beaucoup sur ce que vous obtenez un très gros coup et vous appuyez dur pour obtenir un hod frappé. Vous pourriez dire, eh bien, c'est un peu comme un bord aléatoire très bizarre et c'est assez intentionnel. Le problème avec les outils numériques, lorsque vous utilisez une brosse ronde tout le temps, dignité Photoshops brosse par défaut. Les coups de pinceau commencent à avoir l'air tout à fait numérique. Et le problème avec ça, c'est que ça a l'air juste un peu faux, non ? Ça a l'air un peu faux et incroyable. Donc, ce pinceau carré, comme étant crédité existe pour imiter l'aspect réel de la peinture, assez riche efficacement. Et ce sont des bords aléatoires sorte d'imiter les sommets des images aléatoires. Vous avez tendance à obtenir une sorte de types traditionnels similaires de pinceaux. Ainsi, la forme circulaire a été éliminée pour un carré et vous obtenez un pinceau avec ces propriétés. Grande brosse pour obtenir un très peint le coup E. Regardez vos œuvres, c'est le pinceau de script. Effacons ce contenu de ce calque. Maintenant, le peintre rond est effectivement exactement le même que le carré, sauf qu'il a une forme ronde à lui. Maintenant, au lieu de cela, brosse très numérique, je vous ai parlé des cas où vous voulez avoir un peu d' aspect rond ou vous rendez des surfaces particulières. Donc, cela fonctionne beaucoup de la même façon que vous pouvez voir. Il a un bord très tranchant de ce pinceau particulier. Utilisez-le si nécessaire. Essayez-le certainement pour obtenir certains effets. C' est génial pour les faits saillants et les choses comme ça. Ce n'est pas très différent du SketchUp. La peinture granuleuse est granuleuse comme son nom l'indique. On va jeter un oeil ici. Il vous donne un effet noir très court, bon pour certaines surfaces texturées. Éléments de fond aussi. La peinture circulaire vous donne un effet rond très convaincant, circulaire mais pas numérique. Vous pourriez sans doute peindre une pièce entière avec juste ce pinceau aussi, non ? Parce qu'il a un aspect très naturel pour elle. Donc c'est une peinture circulaire. Et le pinceau aquarelle, je l'appelle le pinceau aquarelle parce qu'il semble avoir des effets comme de l'aquarelle, même si je les implémente de manière manuelle. Donc, contrairement à Carle peint les pinceaux aquarelle et les divers traditionnels comme un pinceaux ne saignent pas vraiment sur la page et semblent Witt. Si vous utilisez Carle painted, vous pouvez obtenir ces effets d'aquarelle très réalistes dans ce logiciel. Cependant, est aussi difficile que de contrôler dans ce sens, ainsi que ce serait sur papier normal, sorte que vous ne l'utilisez pas à votre propre discrétion. Ce pinceau particulier donne très convaincant et très agréable aquarelle comme des effets et idéal pour le type lâche de coloration, croquis incertains. La brosse carrée rugueuse est une brosse très épaisse et rugueuse est bon pour bloquer dans certaines choses, surtout si vous voulez commencer à peindre. Faire la structure d'une peinture avec juste de la peinture, vous ne faites pas la structure d'un dessin. Vous n'avez pas de dessin comme base. Vous voulez juste commencer avec la peinture est très bon pour le blocage et les éléments, blocage dans les objets environnementaux et ainsi de suite. Et vous pouvez l'utiliser pour une texture rugueuse particulièrement agréable sur une surface. Très bien, donc ça peut varier. C' est un pinceau très solide, un pinceau très agréable et un pinceau très naturel. Bien sûr, vous voudriez dessiner avec. Il vous donne ce look choco fantastique. Cette brosse ronde rugueuse, très similaire à la brosse précédente. C' est juste une version arrondie, peu plus striée, un peu moins granuleuse texture, peut utiliser de cette façon que vous en trouvez un besoin, pour être honnête, eh bien, nous allons passer aux deux derniers tout à l'heure. Je m'en tiens surtout à l'Inca flatter. Eh bien, en général, j'utiliserai toujours le croquis de cette encre de Theta, toujours l'écoulement doux, généralement la peinture carrée et dans le peintre rond. Et selon le style que je vais chercher, je pourrais passer aux autres brosses. Enfin, nous avons le croquis de votre pinceau ici et le râteau ou pinceau que le pinceau moucheté lundi, le pinceau moucheté met juste beaucoup de points sur qui semble un peu inutile au début. Ce n'est pas vraiment, c'est bon pour des choses comme les taches de rousseur, les types de textures pierreuses qui font une pause sur la peau et dévoilent des peintures détaillées et des choses comme ça. Et à mesure que vous devenez plus habile à peindre et à colorier vos personnages, vous trouverez de plus en plus d'utilisations pour ce pinceau particulier. Last but not least est la brosse gréeur. C' est la même chose que la brosse mouchetée avec quelques réglages qui ont été modifiés, n'est-ce pas ? Ce pinceau est bon pour ajouter des textures supplémentaires dans les cheveux déjà rendus. Je ne l'utilise pas pour le faire ici. Juste, c'est, vous savez, il semble juste que, vous savez, vous pensez qu'au début, alors que cela va être un moyen rapide d' obtenir que les cheveux regardent, ce n'est pas vraiment, c'est bon pour une sorte d'amélioration ou rendu 3D déjà peint ou coloré ici si vous vouliez obtenir cette texture supplémentaire. Ce sont donc les pinceaux qui sont inclus dans le cours. Et ce sont mes pinceaux personnels qui sont utilisés pour presque toutes mes œuvres d'art, que ce soit des peintures de paysage, des dessins, des peintures de personnages, des coloriages de personnages, et ce que vous avez. Donc ce sont les pinceaux que j'utilise. Maintenant dans Photoshop. Vous pouvez voir les pinceaux et vous pouvez modifier la taille et la dureté de certaines Russie si elles permettent que assis avec cette fenêtre, toutes les applications impaires vous permettront de modifier la taille de la brosse. La dureté assise est quelque chose qui est typiquement une fonction supérieure Photoshop. Quelque chose que je voulais vous montrer, c'est les séances de pinceau avancées ici. Et c'est quelque chose que vous trouverez dans la plupart des applications artistiques, y compris Procreate sur l'iPad, où vous avez une multitude de paramètres. Et vous pouvez voir que je passe par chaque fenêtre ici, Il y a tellement de paramètres différents que vous pouvez changer sur le pinceau appliqué au pinceau. Maintenant, ces types de dynamique de séance détaillée en profondeur sont vraiment un sujet dans un sens. Pour une autre fois. Les pinceaux peuvent être manipulés d'innombrables façons, depuis leurs angles jusqu'à la directionnalité jusqu'à la vitesse où ils poussent l'encre et la peinture. Tant de facteurs, je vous encourage à vérifier, à jouer avec. Vous pouvez toujours remplacer n'importe lequel des pinceaux si vous les gâchez en manquant avec ces paramètres, rechargeant et en chargeant dans Photoshop ce fichier de pinceau. Mais s'il y a DO jeter un oeil ici et commencer à s'habituer à l'idée de créer vos propres pinceaux à un moment donné, je peux vous assurer que les pinceaux dans le paquet, vous pouvez vraiment leur faire confiance. Ils sont robustes et je les utilise depuis des années et sont en fait personnalisé Bokeh ce pour être un peu un kit de brosse tout rond pour Photoshop qui spécifiquement, n'est-ce pas ? Enfin, je veux parler de quelque chose de très important, qui est l'opacité et les paramètres de flux. Maintenant, chaque pinceau peut avoir ses propres objets Opacité et Flow individuels intégrés dans leurs paramètres complexes ici, n'est-ce pas ? Mais ce curseur d'opacité ici et ce curseur Flow ici sont solides comme vous le verrez dans les autres applications impaires aussi. Maintenant, l'opacité se réfère évidemment à l'épaisseur de la peinture, à sa transparence. Niveau de transparence, est-ce opaque ou transparent ? Et vous pouvez voir qu'il y a un réglage de brosse pour moi avec le pinceau scatter, où si j'appuie plus fort, c' est plus opaque et où j'ai appuyé doux, sans doute opaque. Néanmoins, ce paramètre d'opacité peut remplacer cela encore plus. Maintenant, selon que vous faites triés certains styles de travail plus picturaux, vous voudrez garder l'opacité en voyant pas trop haut, peut-être environ 80 pour cent pour des travaux plus picturaux, parce que cela vous donne beaucoup de contrôle, beaucoup de micro contrôle sur les mouvements de la main quant à l'opacité appliquée. De même, lorsque nous faisons de l'ombrage et de l'ombrage sur nos personnages, peintures et couleurs de personnages. Vous voulez vous assurer que le débit n'est pas particulièrement élevé. Cette assise s'applique principalement à la brosse ascendante douce. Maintenez le débit bas. C' est l'un des secrets clés du mélange. Maintenant, nous ne regardions pas vraiment le mélange comme un sujet dans le cours. Il était le mélange n'est pas vraiment un sujet, est devenu une sorte numérique de soviétique comme, comment puis-je blâmer les couleurs ? Mais pour, pour les artistes de base, vous êtes, vous êtes un peu historique. Bizarre de mélange était juste une question de mettre deux couleurs l'une à côté de l'autre et de la taper avec votre doigt pour obtenir un flux plus lisse hors de lui. Pour nous, je veux que nous réfléchissions à la fusion comme des bords. Quel type d'arête permettrait à une valeur ou une couleur de circuler dans une autre valeur ou couleur. Néanmoins, ayant un faible débit sur la brosse douce, vous pouvez jouer avec elle sur les autres brosses vous permet d'obtenir une transition lisse d'une valeur et la couleur de base à une autre valeur et la couleur de base. L' opacité, encore une fois, a à voir avec la transparence ou l'opacité de la peinture est épaisse et vous ne pouvez pas voir travers elle ou comme elle est semi-transparente et le flux a à voir avec la quantité de peinture qui sort du pinceau à un à un moment donné, quelle quantité de peinture est pulvérisée à un moment donné ? Et une fois de plus, il est conseillé de garder un faible débit pour les œuvres de style plus pictural. Et généralement chaque fois que vous utilisez cette brosse particulière, l'aérographe souple, dans tous les autres cas, vous pouvez garder l'opacité et le débit à 100 pour cent, en général, avec la plupart des autres brosses, car elles ont déjà intégré les séances Opacity et Flow. J' espère que cela explique l'opacité et le flux vers vous. Et je vous verrai dans la prochaine leçon. 22. Module 2.7 : Mélanger et choisir les couleurs: Nous allons maintenant jeter un coup d'œil sur la fonctionnalité et l'importance de la touche Alt. Lorsque vous appuyez sur Alt, il affiche le sélecteur de couleurs et c'est un bascule. Donc, si vous le maintenez, le sélecteur de couleur reste et si vous lâchez, le sélecteur de couleur disparaît. Donc, ce n'est pas vraiment un interrupteur à outils, c'est plutôt un interrupteur à bascule. Et bien sûr, c'est bon pour juste choisir les couleurs que vous voulez utiliser de votre pièce et peindre avec celles-ci. Mais c'est aussi un outil très utile pour le mélange. Donc, si je voulais mélanger ce bleu dans le violet, peut choisir le bleu et commencer à peindre, puis choisir la couleur du milieu. Commencez à mélanger avec ça pour obtenir un mélange plus lisse. Choisissez le violet là et fondez-le dans le travers. Et comme je ramasse et mélange constamment, je peux obtenir une belle transition en douceur. Et c'est effectivement l'utilisation de l'alcène et est vraiment l'une des grandes caractéristiques du numérique, ce qui signifie que nous n'avons pas besoin d'avoir un ensemble de peintures sur le côté. Une fois que nous avons défini nos couleurs et valeurs initiales, nous pouvons simplement choisir la toile et travailler comme nous avons besoin d'utiliser l'alcène. Et c'est ça pour cette leçon. 23. Module 2.8 : sélecteurs de couleurs numérique: sélecteurs de couleurs numériques représentent aujourd'hui l'un des outils les plus puissants des logiciels d'art numérique. Et différents logiciels implémente le sélecteur de couleurs d' une manière différente qu'ils font fondamentalement tous la même chose. Devant vous. Nous avons en haut à gauche des photoshops dans le sélecteur de couleurs numérique. En haut à droite, nous avons des peintres de corail, et en bas nous avons Clip Studio Paint. Peu importe à quoi cela ressemble, ils remplissent tous les mêmes fonctions. Tous offrent la possibilité de changer la valeur. Et ils offrent également différentes méthodes de sélection d'une teinte. Les employés de Photoshop, c'est des clips de barre de teinte verticale, à votre avis, peinture corail en utilisant la barre circulaire pour permettre la sélection de la teinte. Quoi qu'il en soit, ça ne fait pas vraiment la différence. Bien que je sache que beaucoup de peintres préfèrent utiliser une boule de sélection de teinte circulaire et vous pouvez obtenir des plug-ins pour Photoshop qui le permettront. Et enfin, ils vous permettent de choisir votre niveau de saturation. Maintenant, sur le sujet des sélecteurs de couleur avec une grande puissance vient une grande responsabilité. Ce n'est pas parce que vous avez tous les humains la couleur disponible à votre disposition que vous ne devriez pas utiliser toutes les couleurs. N' oubliez pas ce que nous avons appris en termes de notre système de sélection de trois couleurs, c'est un excellent guide pour vous aider. Mais aussi lorsque vous peignez, une règle générale à garder à l'esprit est que vous ne voulez pas utiliser votre couleur de base, avoir votre couleur de base à une valeur trop élevée ou à une valeur inférieure. Et pourquoi c'est ça ? Ce que nous voulons nous assurer que lorsque nous faisons des couleurs de base, nous avons essayé de rester au milieu de la plage de valeurs et au milieu de la plage de saturation, ce qui nous permet si nous éclairons suffisamment d'espace pour faire lumières et suffisamment d'espace pour faire des ombres adéquates. Nous avons donc une large gamme de valeurs et aussi une large gamme de saturation. Comme nous utilisons la teinte, cela dépend évidemment de ce que vous peignez. Mais gardez cela à l'esprit. Vous voulez généralement commencer avec votre valeur de base et vos couleurs de base autour de la zone médiane, une valeur moyenne, zone de saturation moyenne pour être sûr. Et c'est à peu près pour les sélecteurs de couleurs numériques. 24. Module 2.9 : modes de calques et de calques: Dans cette leçon, nous allons jeter un oeil aux calques et discuter de certains modes de calque. Maintenant, 99 % des bons logiciels d'art ont une fonctionnalité de couches et c'est la capacité d'ajouter couches supplémentaires où vous pouvez séparer les éléments d'art et acides impairs sur des calques distincts et en ajouter continuellement d'autres selon vos besoins. L' une des utilisations courantes pour les couches est que nous allons faire notre coloration plate sur une couche particulière et faire notre ombrage et nos étapes d'éclairage sur une autre. Nous mettons également nos lignes à la couche supérieure. Maintenant, il y a un très polyvalent que vous ne pouvez pas simplement mettre des choses sur eux. Vous pouvez également manipuler ces choses en utilisant les modes de calque. Et les modes de calque modifient le fonctionnement des calques et la façon dont ils affichent les informations sur les pixels qui y ont été placées. En particulier, je voulais mentionner le mode multiplier et le mode écran. Et ces modes, ou Janvier également disponible dans tous les autres logiciels aussi, également appelé Multiply et écran. Je vais sélectionner ce calque avec ce cercle très rougeâtre dessus, et je vais le définir pour se multiplier. Et comme vous pouvez le voir, l'effet que le cercle a est qu'il est presque comme si le cercle est devenu transparent et saints. Mais ce que la couleur des cercles fait maintenant, c'est qu'elle multiplie la valeur du cercle bleu sous-jacent. Et donc ce que vous obtenez est une nouvelle valeur qui est significativement plus sombre. La façon simple de penser à Multiply est qu'il a tendance à assombrir et à saturer dans certains cas, les éléments en dessous. Inversement, écran fait le contraire. Maintenant, vous remarquerez que le reste du cercle disparaît. Et c'est parce que le latin ne veut pas plus grand qu'il ne l'est. Donc cette partie disparaît. Et ici, nous voyons un éclaircissement de la couleur résultante du cercle bleu sous-jacent, non ? Ce qui vient de ce calque étant à l'écran. Quand quelque chose est normal, il s'affiche comme s'il s' afficherait normalement si vous utilisiez une peinture particulière sur un Canvas particulier, n'est-ce pas ? D' où pourquoi ce lemme est simplement appelé le mode normal. Et comme vous pouvez le voir, il y a une multitude de modes terrestres. Chacun d'eux fait diverses choses et beaucoup d'entre eux sont plus utiles la photographie alimentaire qu'ils offrent l'art numérique. Bien que je vous encourage à jouer avec eux et juste voir ce qu'ils font n'endommage pas vraiment le fichier. Tu peux choisir quelque chose et t'en mêler et voir ce qui se passe, non ? Ceux auxquels je veux que vous accordiez une attention particulière, en particulier multiplier et écran. Je vais les ramener à la normale. Nous allons parler d'une autre fonctionnalité des calques, en particulier dans Photoshop. Ceci est également disponible dans la plupart des autres logiciels d'art numérique. Et c'est la possibilité de sélectionner le contenu du calque dans Photoshop lorsque vous maintenez le contrôle et que vous cliquez sur la vignette du calque. Photoshop sélectionnera alors automatiquement tout le contenu de ce calque créera également une sélection de ce contenu. Que vous soyez sur ce calque, hors de ce calque. Je suis sur une nouvelle couche ici, et je vais mettre un peu de rouge dans ce cercle par ici. Mais vous verrez qu'il est sur sa propre couche séparée, mais il a été limité à la sélection de ce laboratoire. Donc, une fois de plus, comment j'ai fait cela, j'ai cliqué sur le contrôle et j'ai sélectionné cette couche. Ne vous inquiétez pas, nous allons certainement aller sur ce et vous m'entendrez faire ces choses pendant que nous traversons le flux de travail de coloration numérique dans le module 3. Une autre fonctionnalité très, très, très utile est la possibilité de découper les calques. Et ce que signifie Clip Layers, c'est prendre un calque. Prenons ce cercle ici et disons-lui je veux seulement que ce calque s'affiche au-dessus d'un autre calque. Donc, dans Photoshop, lorsque je maintiens la touche Alt et que je survole la ligne entre les deux calques, peux découper la couche qu'ils sont dans un autre logiciel ATS, cela est appelé référencement de la couche ou des termes similaires sont utilisés, mais cela s'appelle un clip et ou un masque d'écrêtage dans un sens. Ce qui se passe, c'est que tu ne vois que mon cercle rouge à l'intérieur du cercle bleu. Donc, le calque supérieur est, le calque inférieur est le calque de référence. Et le calque supérieur se limite uniquement aux régions qui ont des pixels dans le calque inférieur. C' est donc l'écrêtage de la couche. Une autre fonctionnalité utile est également appelée verrouillage alpha des pixels. Je vais juste déclipser ce cercle là-bas. Et ce que le verrouillage alpha est sur la couche 1 ici nous avons notre cercle rouge et c'est conduit une copie. Et sur la couche normale, nous avons le bleu. Maintenant, disons par exemple, vous voulez peindre uniquement sur les zones qui ont déjà la couleur. Mais vous n'utilisez pas une sélection juste au cas où vous finiriez par peindre la chose sur un calque différent. Vous voulez le peindre sur cette couche particulière. Et ce que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez faire ce qu'on appelle un verrou alpha. Et il s'appelle alpha car il verrouille tous les pixels qui n'ont aucune information de couleur. Tous les pixels transparents dans Photoshop, C'est cette petite icône ici, cette petite icône en damier et les applications, il pourrait être appelé verrou alpha ou verrouillage de transparence. Dans Procreate en particulier, vous devez faire un geste particulier de la main pour obtenir cela et vous devrez regarder l'aide de procreate quant à la façon initier le verrouillage alpha dans ce morceau de logiciel. Néanmoins, si je clique sur Alpha Lock sur notre calque rouge ici, je peux voir qu'il n'y a pas de sélection, mais je ne peux pas peindre en dehors de la zone réelle qui a pixels pleins si je peux peindre à l'intérieur de cette zone. Et c'est ce que fait Alpha Lock. Il vous permet, par exemple, une fois que vous avez fait les imbéciles plats et un personnage, disons que vous avez plié à plat les cheveux et votre peau plate pliée pour verrouiller le, verrouiller ces couches uniquement sur les zones que vous pliez afin que vous ne avoir à vous soucier de sortir accidentellement des lignes. C' est vraiment le but de ça. Et c'est une fonctionnalité fantastique et cela nous permet vraiment de travailler avec très, très efficacement. C' est donc en un mot, les calques, et ces deux modes de calque le multiplient et l'écran. Et je te verrai dans la prochaine leçon. 25. Module 2.10 : Comprendre les Sélections de Understanding: Regardons une fois de plus brièvement la puissance des sélections et ce que nous pouvons faire avec les outils de sélection. Donc, le premier outil de sélection que j'ai ici est l'outil de sélection Lasso, ou aussi connu sous le nom d'outil de sélection de la main libre. Et il me permet de faire une sélection de main libre. Je peux juste dessiner la zone de sélection que je suis allé. Et les sélections nous permettent d'isoler la zone dans laquelle nous voulons peindre ou dessiner. N' oublions pas que nous pouvons également le faire en cliquant sur Contrôle , puis en cliquant sur la vignette du calque est très similaire dans toutes les autres applications, il sélectionnera tout le contenu de ce laboratoire. Maintenant, la sélection n'est vraiment qu'une chose générale. Ce n'est pas spécifique à la couche. Vous pouvez donc avoir une seule sélection s'exécutant sur plusieurs couches. Vous pouvez effectuer diverses opérations dans cet espace sur plusieurs couches. Mais lorsque vous êtes sur un calque et que vous avez une sélection, vous pouvez également transformer cette sélection en appuyant sur Contrôle T. Les outils de transformation de transfert sont très puissants. Ils vous permettent de mettre à l'échelle proportionnellement en maintenant Maj ou sans proportions en laissant aller le décalage, ils vous permettent de faire pivoter. Ils vous permettent de déformer l'image en saisissant une des poignées du milieu et donc je peux l'écraser là ou je peux l'étirer ici. Et ils vous permettent également de faire la distorsion de perspective lorsque vous maintenez le contrôle et vous cliquez sur l'une des extrémités, C'est presque comme si vous étiez en train de construire un morceau de papier dans l'espace 3D. C' est donc très bon pour créer des graphiques sur des objets. Par exemple, si vous avez des tiques que vous avez enseignées, que vous avez conçu un graphique 2D que vous souhaitez mettre sur chemise ou le pantalon d'un personnage ou quelque chose comme ça. Donc, c'est la guerre de perspective et Corel Painter, procréer et Clip Studio Paint ont tous cette fonctionnalité ainsi que Photoshop. Vous avez également accès à l'outil de sélection polygonale. Cela varie d'un logiciel à l'autre. Et, par exemple, si je voulais découper cette sphère, prétendre que c'était sur un fond blanc et qu'ils n' étaient pas sur des couches séparées et je voulais la découper. L' outil de sélection des polygones vous permet d'obtenir sélections très précises en cliquant sur une valeur 0.2.2. Et il vous permet de sélectionner un point à point de cette façon, vraiment génial pour obtenir ces sélections précises où vous pourriez ne pas être en mesure de libérer la main ces courbes de niveau. Mais en un mot, sont les capacités de l'outil de sélection et aussi la façon dont vous pouvez transformer les choses et déplacer les choses que vous avez sélectionnées. On se voit dans la leçon suivante. 26. Module 2.11 : Comprendre les ajustages de réglages: Dans cette leçon, nous allons jeter un oeil aux réglages d'image, en particulier la luminosité et le contraste, teinte et les réglages de niveaux. Et pour nous aider avec cela, nous l'avons fait grandir l'Inde sur l'écran. Et sur cette couche appelée Copie d'art, nous avons toutes les illustrations et toutes les différentes couches, la couche de peau et la couche de cheveux et tout ce qui a fusionné en un seul laboratoire pour que nous puissions faire les ajustements sur ce labo en particulier la luminosité, le contraste et les niveaux. Jetons un coup d'oeil à ceux d'abord. Nous allons dans le menu Image et aller ensuite le sous-menu Réglages peut choisir Luminosité et Contraste. Et cet ajustement de l'image vous permet d'ajuster la luminosité, ainsi que d'ajuster le contraste de l'image, augmentant les arrêts entre les plages de salles, créant un look plus contrasté. Maintenant, la raison pour laquelle vous utiliseriez cet ajustement est peut-être si vous devez fermer les valeurs entre vos lats, vos ombres et vos limites. Ou si vous sentez que vous avez peint vraiment Doc, et que vous voulez l'égayer un peu. Vous pouvez simplement faire un réglage rapide de la luminosité et du contraste. Passons aux niveaux. Les niveaux vous donnent un contrôle plus granulaire. Et vous avez la fente trois est un curseur Ombres, un milieu, le curseur de valeurs moyennes, et une valeur brillante légèrement ou très surbrillance curseurs de valeur. Et vous pouvez manipuler juste la dernière valeur. Ainsi, vous pouvez introduire juste plus comme des valeurs ou augmenter milieu ou diminuer milieu ou augmenter vos valeurs plus sombres. Et c'est une sorte de version plus avancée de la luminosité et du contraste, ce qui est un bon moyen d'y penser. Et cela vous permettra d'obtenir vraiment la sortie la plus optimale de l'image. Et vous pouvez utiliser la diapositive précédente qu'il avait pour comparer les versions. Case à cocher Aperçu, non ? Voilà donc l'ajustement Niveaux. Enfin, nous allons jeter un oeil à l'ajustement de la saturation de la teinte. Juste quelque chose que vous utilisez habituellement quand vous êtes occupé à peindre la pièce. Donc on va aller aux niveaux, aux couches par ici. Et dans ce dossier et faites défiler vers le bas jusqu'à sa couche de cheveux. Il est dit ici les faits saillants, mais ils sont à la fois les cheveux et les points forts peuvent voir que je active et désactive cela, nous avons juste le fond gris de ses cheveux. Donc, je vais choisir juste les cheveux là-bas. Accédez à Réglages de l'image et teinte et saturation. Et cette boîte nous donne trois diapositives est un curseur de teinte qui nous permettra de changer la teinte des cheveux. Saturation, qui va changer le curseur de saturation et de légèreté, ce qui va changer la valeur. Et disons que nous voulons le faire ici pour être une couleur différente. Disons une sorte de bleu sombre. Nous pouvons manipuler ces curseurs pour changer facilement et rapidement la couleur de n'importe quel élément particulier de la pièce. D' accord. Et c'est un aperçu très rapide de la saturation humaine, luminosité et le contraste et les outils de réglage des niveaux prennent certainement un certain temps, remplissez-les avec eux et vous verrez qu'ils sont assez simples. Je te verrai dans la prochaine leçon. 27. Module 2.12 : ajuster les réglages de l'interface utilisateur: Jetons maintenant un coup d'oeil aux interfaces utilisateur communes et éléments d'interface utilisateur à travers principalement les logiciels basés sur PC tels que Photoshop, peintre corail, vous Clip Studio Paint. Aujourd'hui, de manière générale, Photoshop a établi la norme de l'industrie. Et donc les autres progiciels ont généralement des éléments très similaires, tels qu'un panneau de navigation, Sélection rapide, zone de couleur, menu préréglages de brosse, ainsi qu'une zone de calques, ainsi que les outils que les éléments de menu du haut et les options supplémentaires. La bonne chose à savoir est que tout cela est personnalisable et vous pouvez cliquer et vous pouvez adapter votre espace de travail à quelque chose que vous trouvez très efficace et efficace. Beaucoup de ces applications peuvent être utilisées d'autres façons. Qu' ils soient strictement l'illustration sont destinés ou qu'ils sont utilisés pour la conception graphique. Vous pouvez donc personnaliser votre interface d' une manière qui fonctionne avec la peinture numérique, avec la coloration numérique. Et l'échelle particulière ont ici est conçu juste pour cela, me donne mon navigateur, mon panneau de sélection de couleurs et l'accès à mes brosses ainsi que évidemment les couches. Maintenant, de manière générale, vous trouverez l'accès à ces pénalités supplémentaires si vous ne les voyez pas dans votre application dans le menu Fenêtre, vous pouvez voir ici dans Photoshop liste toutes les fenêtres possibles que je peux ouvrir un excès de petits panneaux que je peut s'ouvrir et je peux les faire glisser. Je peux les faire utiliser ici aussi. Si je voulais les faire entrer ou sortir, je peux simplement les faire glisser sur l'interface et les repositionner comme je le sens nécessaire. Une autre chose à noter est que la plupart des applications logicielles dans leur menu de préférences vous donne la possibilité de changer réellement les éléments de l'interface, tels que la taille du texte, les côtés de l'interface, les polices et a également activé les modes tactiles en fonction du logiciel que vous utilisez. Si vous avez une machine qui est touchée capable. Alors gardez ça à l'esprit. Mais sachez toujours que vous voulez disposer de l'espace de travail qui vous convient le mieux. Et c'est aussi très efficace parce que ce que vous trouverez est que la coloration numérique, la peinture numérique, très similaire à la peinture traditionnelle, coloration traditionnelle prend beaucoup plus de temps que le processus de dessin, le dessin initial dans le processus de planification. Et c'est principalement parce que vous appliquez plusieurs niveaux de couleur, évidemment, selon le style que vous faites, faites-le pour que vous soyez aussi efficace que possible avec vos outils. Donc certainement regarder et friands et jouer avec et gâcher avec l'interface pour obtenir l'interface exacte qui fonctionne pour vous. C' est la fin du module 2, et je vous verrai dans le Workflow de coloration des caractères, Module 3. 28. Module 2.13 : adaptation aux logiciels: Si vous êtes nouveau dans les outils d'art numérique et la coloration et la peinture numériques, vous pouvez vous sentir un peu stressé en ce moment. Et si je ne sais pas comment fonctionnent tous les outils ? Et si je ne me souvenais pas de la moitié de ce que j'ai appris dans cette leçon. Ne vous inquiétez pas pour ça. fur et à mesure que nous passons dans le reste du cours, vous verrez ces choses soulevées encore et encore car les outils sont constamment utilisés et mis en œuvre dans un flux de travail de coloration des personnages réel. Je ne veux pas que vous vous sentiez mal équipé, mais plutôt, je veux que vous sentiez que vous grandirez au fur et à mesure que vous apprendrez et utiliserez davantage les outils. Il y a bien sûr des ressources que vous pouvez obtenir pour développer vos connaissances et votre expérience avec l'outil particulièrement sélectionné de votre choix. Cependant, permettez-moi de dire que la meilleure façon d'apprendre est d'expérimenter, de cliquer sur des boutons aléatoires et d'essayer des choses aléatoires. Vous ne pouvez vraiment pas casser le logiciel la plupart du temps. Et vous pouvez toujours réinitialiser les paramètres par défaut dans les paramètres système et les préférences du logiciel. Ne vous inquiétez pas, n'ayez pas peur. Permettez-moi de vous encourager que si vous êtes frais et que vous êtes toujours dans très, très nouveau à la coloration numérique que je suis juste ici pour vous. Utilisez les outils pour poser des questions, obtenir des commentaires, et je suis toujours là pour vous aider. Donc, ne ressentez pas de stress logiciel. Concentrez-vous sur votre créativité, vos designs, et une coloration de personnage et peinture que vous voulez faire. Je te vois dans le module suivant. 29. Module 3.1 : aperçu du flux de travail: Bienvenue dans le module 3 et bienvenue dans la présentation du flux de travail de peinture à colorier. Le module 3 est vraiment le cœur du cours parce que nous regardons le flux de travail de peinture à colorier lui-même. Et le flux de travail est vraiment la façon dont nous appliquons la théorie d'une manière pratique, dans un ordre logique qui, espérons-le, est clair , facile à comprendre et aussi facile à retenir. Dans ce module, nous allons examiner trois étapes de production. Pré-production, production et post-production. pré-production est vraiment là où nous allons nous préparer pour le processus de peinture principal. Et nous examinerons les éléments de peinture et de contexte tels qu'un calque de vérification de la valeur, ainsi que la toile grise à 50 % et apprendrons également la préparation. La phase de production est vraiment l'essentiel de notre travail. Et ici, vous verrez quelque chose qui devrait sembler assez familier. peu près ces étapes du principe d'apprentissage de la forme avec quelques petites choses supplémentaires ainsi à elle dedans. Et puis la post-production regarde ce que nous allons faire pour vraiment terminer notre travail de façon très professionnelle. Quelque chose à garder à l'esprit est que la phase de production ici est vraiment la majeure partie du travail. C' est à peu près 90 à 95 % du travail. Et vous constaterez que la pré-production et la post-production sont très rapides à faire, rapides à mettre en œuvre. Pendant que vous vous déplacez à travers ce module. Gardez à l'esprit ces quatre piliers de la tridimensionnalité. Vous savez, il y a plusieurs étapes au principe de formatage. Si vous gardez cela à l'esprit, vous serez sur une base stable pour toujours obtenir un look tridimensionnel. Formez des ombres, des ombres d'occlusion ambiante, lumière réfléchie et des reflets. Et j'ai mis un regard léger entre parenthèses là pour vous rappeler que vous voulez vraiment avoir un seul point de lumière le plus élevé par élément. Par exemple, les cheveux 1 de la plus haute lumière, face 1 de notre diapositive, et ainsi de suite et ainsi de suite. Gardez donc à l'esprit ces quatre piliers de la tridimensionnalité. Même si vous cherchez à créer un travail coloré d'un style particulier qui peut ne pas implémenter toutes les étapes du flux de travail. Et cela nous amène au dernier point ici, qui est les styles de coloration. Il y a une multitude de styles de coloration là-bas et ce flux de travail est universel. Donc, si vous voulez faire une coloration très simpliste ou si vous voulez faire de la peinture numérique très haut de gamme et avancé. Que ce soit l'art réaliste, art de style comique et le style émis ou ce que vous avez. Ce flux de travail peut évoluer vers le haut et vers le bas. Vous pouvez apprendre un flux de travail et vous pouvez être efficace et efficace dans la peinture et la coloration. Eh bien, quoi de plus ? Ce flux de travail est universel, pas seulement deux caractères. Vous pouvez utiliser ce flux de travail pour peindre des environnements, des arrière-plans, des conceptions de créatures, etc. Ne vous inquiétez pas pour le style pour l'instant. Allons directement dans le flux de travail et je te verrai dans la leçon suivante. 30. Module 3.2 : Préproduction de toile numérique: Dans cette leçon, nous allons en apprendre davantage sur le grand calque d'arrière-plan et le calque de vérification de valeur. Et pour nous aider avec ça, nous avons une commie, le major ici. Maintenant, quand nous peignons, nous voulons essayer d'éviter de peindre sur un fond blanc ou un fond noir. Et la raison en est que nous percevons la couleur et la valeur et la luminosité relative dans le contexte. Donc, quand nous regardons Comie en ce moment avec son fond de recherche, nous interprétons sa coloration et son éclairage dans le contexte de ce fond blanc. Et elle a l'air bien, ses valeurs et ses choses sont amusantes. C' est parce qu'elle a été peinte avec un fond gris. Maintenant, pour ajouter un fond gris, il suffit de créer un nouveau calque, puis de le remplir avec une valeur de brouillard gris ou un gris à 50 %, non ? Ce qui est vraiment juste un gris de valeur moyenne. Et quand nous faisons cela, c'est un contexte beaucoup plus équilibré et beaucoup plus avantageux contexte nous permettant de peindre dans la main, si vous voulez, pour éloigner les oreillers et vers les valeurs. C' est la première chose que nous voudrons faire quand nous commencerons nos vêtements. Assurez-vous que nous peignons sur un grand fond. Et j'ai amené Kami pour une autre raison aussi. Et c'est pour discuter de la couche Value Check. Et la couche de vérification de la valeur est exactement ce qu'elle ressemble. Je vais ajouter une couche ici. Je vais citer VC pour la fille du lieu. Et cette couche se trouve juste au sommet de la pile de couches, amenée au sommet de toutes les terres. Et comme son nom l'indique, c'est une couche que nous allons utiliser pour vérifier nos valeurs, non ? Pour m'assurer que je laisse assez d'ombre ont même des arrêts, assez d'arrêts entre eux, que leur contraste et que les différents éléments que nous peignons ont différents lieux inhérents. Par exemple, la peau devrait être une valeur globale différente de celle des cheveux. Les cheveux devraient être une valeur globale différente du chapeau, par exemple. Et aussi que les lumières et les ombres à l'intérieur de la peau, la légèreté des ombres à l'intérieur des cheveux, et les objets et les éléments ont assez de différence de lieu pour que la vue est cerveau peut voir la différence entre ces valeurs et en tant que tel perçoivent alors les formes que 3D forme. Donc, je vais créer un nouveau calque sur le dessus. Ce qu'on va faire, c'est qu'on va aller modifier la version complète et qu'on va le remplir en noir. Maintenant, peu importe le logiciel que vous utilisez. En règle générale, les logiciels recommandés plus anciens auront la capacité de le faire. Vous sélectionnez simplement le calque entier que vous avez retourné avec du noir, puis vous l'asseyez en mode calque appelé saturation. Mode de saturation. Et comme vous pouvez le voir, il vous présente essentiellement une vue en échelle de gris de l'œuvre. Droit ? Maintenant tu veux peindre avec ça. Vous l'utilisez simplement en activant et en désactivant sa visibilité, juste pour tromper vos valeurs et vous assurer que les choses fonctionnent dans les puits de valeur appropriés. D' accord ? C' est donc le calque de vérification de la valeur, et c'est le calque d'arrière-plan gris afin que nous puissions peindre dans le contexte, les bons contextes pairs avec le fond gris. Et nous pouvons vérifier les valeurs avec une couche Value Check. Encore une fois, c'est un calque rempli de noir, qui indique la saturation en mode calque en haut de notre pièce. Et c'est le calque de vérification de la valeur et le calque d'arrière-plan gris. Je te verrai dans la prochaine leçon. 31. Module 3.3 : préparation de illustrations: Lorsque vous aurez terminé l'illustration du personnage, vous voudrez préparer vos lignes pour la coloration. Et dans cette leçon, nous allons examiner certaines choses à garder à l'esprit afin assurer que vos lignes sont prêtes pour le processus de peinture ou de coloration. Et la première chose que vous voulez garder à l'esprit est de juste faire le tour de la pièce et essayer d'effacer les bords, besoin de suffisamment de lignes maintenant il y a quelque chose que vous voulez finir et faire avec. Effacer tous les bords, tous les pots rugueux, tout ce qui se chevauche d'une manière bizarre, quelque chose comme ça, passez à travers l'image et dégagez ces bords rugueux et scruffy. Maintenant, vous devez également vous assurer que votre travail de ligne se trouve sur un calque distinct. Vous voulez avoir les lignes sur un calque complètement séparé. Ceci est particulièrement utile lorsque vous souhaitez modifier les lignes. Et cela aide également dans le processus général de peinture de ne pas avoir les lignes sur une seule couche. Ainsi, par exemple, par le contrôle de maintien et je clique sur cette vignette me donnera une sélection de toutes les terres du laboratoire. Si je veux peindre les lignes, par exemple, les modifier en rouge ou sur les peindre, je peux le faire. Et vous pouvez voir là que nous avons une belle peinture de travail propre ligne. Maintenant, ce qui peut arriver, c'est que vous oublier de dessiner votre pièce nettoyée entière sur une couche séparée. Si vous l'avez fait, nous avons un exemple ici. Nous avons une ligne sur une couche d'arrière-plan ici avec ces terres étaient en fait sur un fond blanc. Ne vous inquiétez pas, tout n'est pas perdu. Vous verrez ici que lorsque le mode calque est défini sur normal et que les lignes sur le calque d'arrière-plan sont autorisées. Si j'essaie de peindre un tableau derrière la pièce, vous ne voyez rien. Toutefois, si nous définissons le mode calque quatre lignes sur l'arrière-plan pour qu'il se multiplie, vous dites effectivement au calque de multiplier toute la couleur sous-jacente. Et donc vous pouvez ensuite efficacement colorer la pièce. L' inconvénient de cela, cependant, est que vous avez très peu de contrôle sur votre coloration de ligne. Donc, si vous avez eu des ambitions de changer les lignes d' une certaine manière ou de déplacer des éléments ou de modifier des éléments des lignes. Tu es dans un endroit un peu difficile. Essayez donc toujours de vous rappeler de dessiner vos lignes sur des calques séparés, en particulier vos lignes finales. D' accord, prenons ça et je vais vous montrer une autre chose que vous pouvez faire pour préparer vos lignes pour la couleur. Donc numérique est très nette, Il est très net, surtout avec la ligne ons. Et quand vous pensez à des dessins traditionnels, même à des dessins encreurs, le graphite ou l'encre tomberont souvent dans ces petites rainures du papier à un niveau très zoomé, créant un effet de ligne plus doux que vous ne voyez pas sur numérique. numérique a l'air très, très pointu. Ce que vous pouvez faire est que vous pouvez imiter ce look naturel dans votre coloration LAN en dupliquant votre couche de lignes, ce que je viens de faire. Ils vont au menu des filtres, vont flouter et flou gaussien. Et la plupart des logiciels ont un flou guassien d'une sorte ou d'une autre. Puis manipuler la quantité de flou sur la couche de cette deuxième ligne. Donc, nous sommes effectivement dupliqués la couche de lignes ici. Donc, nous avons deux lignes terres. Le calque de la ligne supérieure. Nous ajoutons un flou aussi, et nous brouillons toutes les lignes. Ce que tu veux faire, c'est avoir un bon flou. Vous pouvez voir si on souffle trop, ça a l'air bizarre et groovy. Et si on ne floue pas du tout, ça a l'air très net. Vous voulez obtenir un bon degré de flou juste pour adoucir ces bords. Et puis modifiez légèrement l'opacité de la couche sanguine pour que l'effet ne soit pas trop fort. Et ce que cela fait, c'est qu'il crée un très naturel, lignes lisses. Et il permet également le coloré est que vous allez faire pour avoir une belle transition en douceur dans la ligne plutôt que cette ligne noire très dure, couleur plate avec un âge très vif entre les deux. Et vous verrez ici en activant et en désactivant la visibilité de la couche, juste l'effet que le ramollissement a sur la pièce. Donc, cette pièce particulière est la pièce va aller de l'avant avec le flux de travail pour indiquer et faire les exemples de l'ensemble du flux de travail de coloration. Et là, vous voyez encore l'effet adoucissant de la ligne, non ? C' est tout pour la préparation des terres. Je te verrai dans la prochaine leçon. 32. Module 3.4 : Étape 1-Couleur locale: Bienvenue à cette première étape de notre processus de coloration et de peinture, qui consiste à poser les appartements. Maintenant, qu'est-ce que les appartements font référence ? Flex, fait référence à la couleur plate. On pose juste une seule couleur plate, pas de dégradés, pas d'âges bizarres, juste des couleurs plates simples. Vous pouvez voir ici que nous utilisons l' outil plus plat d'ancrage ou un pinceau équivalent dans le logiciel actuel que vous utilisez pour simplement faire un bloc de couleur solide et plein dans une zone particulière. C' est ce que sont les appartements. Et nous allons remplir les appartements pour chaque région indépendamment. Nous allons donc étiqueter cette peau de couche, et elle progressera tout au long de la pièce. Faire une couche pour les cheveux, couche pour les bulles, laisser les coquilles et le tentacule et ainsi de suite et ainsi de suite. Donc on va poser des appartements. Maintenant, notre chute a été prépayée pour ce processus de coloration. Nous avons une couche de vérification de la valeur ici en haut. Nous avons nos lignes dans un groupe qui comprend notre couche de lignes adoucissantes ainsi que notre objectif normal manqué, lui donner ce beau bord doux. Ensuite, nous aurons nos couches sous les lignes pour construire chacune de nos couches plates. Maintenant, nous avons également inclus l'arrière-plan gris parce que nous voulons nous assurer que nous choisissons des valeurs dans les contextes de couleur appropriés ou dans un type normal de contextes de couleur où nous n'avons pas de blanc ou noir étant deux contrastant la façon dont nous sélectionnons le valeurs. Maintenant, sur cette note, quand vous faites des appartements, vous pouvez aplatir dans n'importe quelle couleur, mais je vais vous faire une recommandation. Alors disons que nous voulons faire la peau. Et nous pourrions être enclins à choisir quelque chose comme ça et à dire, eh bien, qui ressemble à un teint raisonnable. Le problème, c'est que c'est un teint bien éclairé. Et quand nous faisons des appartements, nous voulons nous assurer qu'ici, dans la zone de couleur, nous voulons avoir une bonne gamme de hauts lieux et une bonne gamme de lieux bas. Ainsi, lorsque nous faisons les ombres et les ombres d'occlusion ambiantes dans les ombres du cœur, nous pouvons utiliser ces plages de valeurs inférieures pour celles-ci. Et nous faisions les faits saillants et la lumière réfléchie et les autres laboratoires, nous pouvons utiliser les plages de valeur plus élevée pour ceux. Nous voulons donc nous assurer d'avoir un large éventail de lieux et de pièces d'art. Donc, si je devais choisir une valeur pour le teint de la peau, j'ai commencé ce que je voudrais que ce soit si c'était un vrai éclairage, puis je le déplace vers le bas dans un peu plus d'une zone grise. Et juste ma teinte un peu plus chaude là-bas. Et c'est à propos de la valeur que j'utiliserais pour le teint et la couleur de la peau. Et donc passer à l'aplatissement, la façon dont je le fais personnellement en utilisant le pinceau de fuite Inca, il a un bord chaud et il est précieux aussi sensible pour les fils. Et je vais littéralement dans et colore la surface à la main. Et il y a d'autres façons de le faire. Mais ce que vous voulez garder à l'esprit, c'est que vous vouliez garder à l'esprit que vous voulez avoir la précision de chacune des régions. Je vais aller de l'avant et colorer toute la surface de la peau ouais. Par-dessus le visage. Et donc ce que je fais c'est que je fais attention à rester dans les lignes et ne pas laisser cette valeur de peau et cette couleur de peau saigner sur les cheveux. Mais si c'est le cas, je vais juste passer à l'outil gomme et l'effacer pour que je n'aie que la peau sur cette couche. Donc je vais juste venir ici et des listes complètes en utilisant la précieuse sensibilité pour entrer dans ces petits coins. Et ce que je vais faire, c'est m'assurer que n'importe quel domaine que j'ai parcouru, ça va te dire qu'il ne devrait pas avoir ce ton. Je viendrai effacer. Ainsi, par exemple, les sourcils vont faire partie de la couche de cheveux. Et donc ce que nous allons juste effacer les sourcils et les yeux vont faire partie de la couche oculaire. Donc je vais effacer la peau de la couche oculaire ici. De même dans la bouche. Et nous avons donc aplati le visage. Maintenant, il y a d'autres façons de le faire. Allons à la couche de ma ligne. Une autre façon de le faire est d'utiliser l'outil de baguette magique ou un outil de sélection complet. Donc, l'outil magique ici dans Photoshop essaiera essentiellement de deviner quelle zone à l'intérieur d'une forme que vous sélectionnez. Parmi la couche de lignes, la couche de magasin et de terres. Je vais cliquer dans cette zone et vous pouvez voir que le logiciel a fait une approximation de l'espace à l'intérieur ici. Créons une nouvelle couche de peau et voyons ce qui se passe lorsque nous remplissons en fonction de cette sélection. Donc pour utiliser le pinceau ici, et je vais juste brosser la sélection. Et nous désélectionnerons la sélection. Et comme vous pouvez le voir, il y a quelques petites zones grises qui n'ont pas été pliées. Pas si vous voulez utiliser cette méthode de sélection, vous pouvez entrer et remplir ces zones grises également. Ce que vous pouvez faire aussi bien que nous allons annuler tout cela. Nous avons encore notre sélection. Si votre logiciel le prend en charge, vous pouvez aller dans le menu Sélectionner, modifier, qui modifiera votre sélection actuelle et sélectionnez l'option Développer. Et vous choisissez ensuite le nombre de pixels que vous voulez développer la sélection par dans ce cas, Allons-y avec quatre. Faisons un plein à nouveau. Désélectionnez-le. Et vous pouvez encore voir qu'il y a encore quelques lacunes. Ce n'est pas le cas, c'est un peu plus précis que la première sélection, mais il y a encore quelques lacunes. Et il y a même une autre façon d'aborder ça. Supprimons ces sans peau, ne pas utiliser de sélections. Nous allons créer une autre compétence et ce que vous pouvez faire. Et je connais un artiste professionnel qui fait ça. Il suffit de colorer toute la zone de la peau comme ça. Aller à travers tous les domaines que notre peau, à droite. Il suffit de faire toute la peau et de venir ensuite et en fait juste effacer ce qui est en dehors des zones. Donc tu ne te concentre pas vraiment sur le fait de rester dans les files d'attente. Vous êtes inquiet de tout effacer en dehors des lignes, et c'est certainement une méthode viable aussi. Vous avez peut-être des questions sur l'outil de seau de peinture. Si vous avez utilisé un outil de seau de peinture dans lequel vous sélectionnez un outil de seau de peinture et vous avez alors juste plein dans la zone. La chose avec l'outil de seau de peinture est qu'il doit lire les informations sur la couche de lignes. Donc, cela ne fonctionne pas vraiment pour nous parce que si je devais utiliser l'outil de seau de peinture ici et faire une certitude complète. Il se plie. Il utilise la même technologie que l'outil de sélection pour essayer de deviner la zone que vous essayez de remplir. Mais nous avons placé cette couleur sur le calque de lignes et nous ne voulons certainement pas le faire parce que maintenant nous sommes une sorte de contour de titre et la peau sur le même calque. Et ils l'appelleraient et modifieraient les choses sur le calque de lignes correctement car il y a des pixels pliés sur ce calque qui font partie de l'habillage. L' outil de seau de peinture n'est pas vraiment un outil efficace pour nous. Je recommanderais certainement simplement d'utiliser brosse inondée ANCA entrer et remplir toutes les régions. Et quelque chose à garder à l'esprit, c'est que les plis plats prennent un peu de Tom. Le processus complet de fuite est l'une des choses les plus longues à faire. C' est la chose la plus simple à faire, la chose la plus simple à faire vraiment. Et tu es juste à colorier et à plat. Mais cela prend un peu de temps, surtout lorsque vous voulez des plis plats précis. Donc, je suis allé de l'avant et à plat plié toute la pièce afin que vous puissiez avoir une idée de ce à quoi devrait ressembler le pas plein plat. Et oui, j'ai donné les bons lieux et les bonnes couleurs aux zones que je voulais. Alors j'ai donné des cheveux américains et bleus, le teint de la peau. Elle a des coquilles roses, des bulles bleues. Elle se cache assez derrière leur dos ou quelque chose comme ça. Elle a le tentacule avec les petites ventouses sur les tentacules et les ventouses sur les tentacules et les petits motifs sur son étagère, équité partagent exactement la même couleur et la même valeur. Et c'est l'un de ces exemples où zones détaillées plus petites peuvent souvent partager une couche, n'est-ce pas ? Ils n'ont même pas eu à partager une couleur, ils peuvent partager un calque. Maintenant, passons à notre couche Value Check et voyons les valeurs. Et ici, nous pouvons voir que bien que les couleurs toutes différentes, nous avons aussi des différences dans les cheveux à la peau, par exemple, la peau aux coquilles, les coquilles aux tentacules dans la peau aux tentacules. Et c'est très, très important, presque plus important. En fait, il est plus important dans les couleurs que vous choisissez eux-mêmes, non ? Vous voulez avoir ces lieux séparés parce que quand ils regardent la pièce qui principalement les valeurs en premier et les couleurs en deuxième, ok ? Et c'est l'écoute sur les plis plats. Ce fichier vous a été fourni afin que vous puissiez travailler sur cette étape par étape au fur et à mesure. Mais je recommande également, bien sûr, d' utiliser votre propre œuvre d'art, de la préparer en ligne, de faire le plat tombe sur votre propre œuvre d'art et passer à travers ce flux de travail sur votre propre œuvre d'art. Eh bien, c'est la chute à plat, et je te verrai dans la leçon suivante. 33. Module 3.5 : Phase 2- variations: Ce que nous allons faire maintenant, c'est d'ajouter des variations de couleur à nos appartements existants. Maintenant, si vous avez peur de gâcher vos appartements existants, vous pouvez simplement les placer dans une couche de sauvegarde, copier tous les calques avec eux dans leur propre dossier. Et j'ai une nouvelle couche, l'Inde appelée base Flats backup. Ce n'est pas une mauvaise idée de faire ça. Mais en général, quand vous avez plus d'expérience, vous ne vous inquiétez pas trop. Parce que ce que nous allons faire, c'est sélectionner chacun de ces éléments séparés qui ont des plis plats. Et nous allons leur donner quelques variations de couleur. Et la raison pour laquelle nous allons introduire ces variations, comme vous le verrez, est pour que nous obtenions une couleur de base de surface plus variée avant de frapper l'éclairage. Et ce qu'il fait est à la fin de la journée, il permet au travail d'être un peu plus dynamique, d' avoir une gamme plus large de couleurs et juste un peu plus attrayante, un peu plus crédible. Maintenant quelque chose à retenir aussi est que le processus d'aplatissement prend beaucoup de temps, comme mentionné dans la leçon précédente. Et l'ajout de ces modules de variance de couleur va être assez rapide. La récompense de faire ce long processus d'aplatissement est vraiment que vous arrivez à faire le reste des étapes de la totalité des neuf principaux relativement rapidement. Donc, une fois que le processus d'inondation prend beaucoup de temps, vous pouvez réellement faire le reste du flux de travail d'éclairage assez rapidement, comparativement. Néanmoins, passons aux variations de couleur, ce qui est le sujet de cette leçon. Donc ce qu'on va faire ici, c'est qu'on a choisi la couche de peau. Je vais maintenir le contrôle et cliquer sur la vignette et cela va sélectionner tout le contenu du calque. Alternativement, vous pouvez cliquer sur le bouton Voir, laissez-moi verrouiller les pixels alpha, qui verrouillera tous les pixels invisibles sur le calque. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va prendre la brosse douce ou un aérographe très doux dans votre application de choix, je vais cliquer sur Ends. Couleur, choisissez cette peau, un lieu que nous avons utilisé dans la couleur de la peau. Et ce que je veux faire est de vouloir introduire peut-être un léger changement de valeur, juste un peu de changement de valeur et un peu de changement de teinte différente, généralement une teinte qui aurait du sens sur cette surface. Donc, par exemple, j'ai déménagé dans une sorte de rose orange. Et je vais ajouter doucement dans quelques zones extra douces de ce genre de couleur rose. Maintenant la vérité soit dit, vous ne remarquerez probablement même pas ces couleurs tant une fois le Latinx dans. Mais le but principal ici est que nous obtenons une surface de variation en cours dans ces appartements. Donc, les appartements sur si terne et ennuyeux. Et donc ici, je vais juste ajouter des petits morceaux de ce genre de nouveau genre de demi-couleur dans les zones de la peau juste au hasard. Je ne pense pas vraiment trop à l'éclairage quand je fais ça. Et j'ajoute juste un peu de variété à cet appartement. Et je vais passer à travers la pièce en faisant ça pour tous les autres éléments aussi. Nous sélectionnerons les cheveux ici, Control H pour masquer ces lignes de sélection. Et je vais juste obtenir un peu d'une variante différente. Nous voulons tellement changer la valeur. On veut vraiment changer la teinte, non ? Donc, nous ne jouerions pas trop avec la valeur parce que si nous jouons trop avec la valeur, nous allons dans le territoire de faire les ombres et l'éclairage, et nous ne voulons pas jouer avec ça à ce stade. On veut juste des variations dans les appartements. Donc ici vous pouvez voir que j'ajoute un peu de turquoise dans les cheveux. Et c'est tout à fait un, Je vais dire que c'est une technique secrète en soi, mais il n'est pas utilisé très souvent. Et peu de gens savent pour le faire au flexeur, il suffit de procéder au reste du flux de travail d'éclairage. Et c'est une belle façon, un professionnalisme supplémentaire dans votre travail. Droit ? Allons vers les bulles. Et vous pouvez faire la queue vers le bas quand vous faites ça. Ce n'est pas la fin du monde. Rends mon pinceau plus petit. Et j'utilise la brosse vers le haut doux ou une brosse douce. Et je suis juste tamponner un peu de variante d'un peu d'un gradient, si vous voulez, fera les coquilles. Et ensuite, nous allons déplacer les coquilles dans une portée parfaite. Et l'effet est vraiment assez subtil. Des tentacules. Et vous pouvez voir pendant que je fais ça même maintenant avant même que nous atteignons l'éclairage, combien il est rapide de se déplacer entre les éléments maintenant qu'ils sont tous sur leurs propres couches séparées. Je suis, c'est vraiment quelque chose de vraiment bon pour l'efficacité du workflow d'avoir ces couches séparées, tout sur une couche séparée. Nous ne nous inquiétons pas pour ces petits détails. Nous pouvons faire le manche de la lame pour sûr. Je sélectionne la couleur de cette valeur de base, lui donne un léger ajustement du lieu, mais surtout un réglage de la teinte. Et juste introduire quelques types de couleurs supplémentaires là-dedans, quelques couleurs supplémentaires. Et je pense que nous n'étions pas inquiets pour les chances et le sommet de la lame. Et c'est ajouter des variations de couleur à nos appartements dans le but d'une peinture plus riche, non ? Donc vraiment cela juste enrichir et enrichir le but de la peinture. se voit dans la leçon suivante. 34. Module 3.6 : Étape 3-Forms 3- 3-Forms: Nous allons maintenant jeter un oeil sur les ombres, le stade du flux de travail. Et c'est de loin la partie la plus importante du flux de travail. C' est vraiment la leçon. Vous voulez prendre des notes et vous voulez vraiment faire attention à tout ce que nous allons faire concernant les ombres. Maintenant, vous pourriez remarquer que les caractères iris avaient été peints en vert et les lèvres ont obtenu une belle couleur de lèvres vieillie douce pour eux. Et je l'ai fait pendant le rendu de toutes les ombres. Toutes les ombres ont déjà été rendues. Pour que je puisse vous montrer à la fin de la leçon à quoi ça va ressembler. Mais vous pouvez aller de l'avant et voter plat sur ces domaines aussi. Juste chacun sur des couches séparées. Vous pouvez mettre vos iris couche séparée ou sur l'autre couche, c'est bien. Et les lèvres sur une couche séparée. D' accord. Donc, avant d'entrer dans le processus réel, nous allons juste jeter un coup d'œil à quelques notes ce que nous allons faire par zone. Donc pour le dossier de la peau ici, zone , pour les bulles , pour les coquilles , etc. La première chose que nous allons faire, c'est que nous allons mettre en général de grandes ombres, d'accord ? Général, grandes ombres et accent sur le mot général. Nous ne ferons pas autant de choses folles en pensant aux avions. Je vais faire des grandes ombres générales. Ensuite, nous allons faire des ombres d'occlusion ambiante. Et puis nous allons faire les ombres de forme. Et là où nous en avons besoin, nous allons en fait brancher une certaine occlusion et des ombres coûteuses aussi. Maintenant, nous allons faire une étape d'occlusion vers la fin du flux de travail et une étape d'ombres de coûts de l'étape CATIA appropriée, si vous voulez, à la fin du flux de travail. Mais il est important que lorsque nous reconnaissons les zones qui nécessitent occlusion supplémentaire ou qui nécessitent des volets d'appel pour bien lire, pendant notre phase d'ombre, nous les mettions maintenant en place et cela nous fera gagner du temps plus tard. Permettez-moi de le répéter encore une fois. C' est la partie la plus importante du flux de travail. C'est la seule chose. La deuxième chose est que les formulaires doivent lire à l'étape. Cela signifie que le travail doit regarder raisonnablement 3D, doit avoir un niveau raisonnable de la 3D convaincante à ce stade, étape deux rayons au large des appartements et frapper les ombres. Avant de passer aux autres étapes du flux de travail, nous faisions des éclairages et des surlignements, etc. Et la troisième chose est que vous voulez vraiment, vraiment trop investir au stade du flux de travail. Surinvestir dans l'ombre. Vous pouvez sous-investir dans toutes les autres étapes de largeurs. Parce que si cela se lit bien, la base de l'image est définie. D' accord ? Donc tu veux vraiment travailler plus dur. Oui. Alors allons-y et entrons dans ça. Et je vais être doux à l'ombre de cette pièce particulière. Ça veut dire que je vais utiliser une brosse douce et nous allons nous concentrer sur un style de rendu très lisse. Autrement dit, le style de la pièce va sembler assez lisse et dégrader joliment dégradé. veut pas dire que ce flux de travail ne s'applique qu'à ce style. Encore une fois, il s'agit d'un flux de travail universel. Si vous vouliez avoir une peinture rugueuse ou un aspect aquarelle ou ce que vous avez. Nous allons couvrir ces particuliers. Et dans le module 4. Mais vraiment, vous voulez juste vous concentrer sur le flux de travail, juste dans le fait que nous faisons obturateur. Ne vous inquiétez pas trop du style ou l'aspect du flux de travail qui peut toujours être modifié. Ou c'est un va être une leçon légèrement plus longue que d'habitude. Je ferai de mon mieux pour garder les choses aussi claires et concises que possible. Mettons-y directement. Et ce sur quoi nous allons travailler en particulier c'est que nous allons travailler sur la peau ici. Ce que je vais faire, c'est créer une couche au-dessus la peau et je vais appeler ça l'éclairage de la peau. Maintenant, quand nous disons que l'éclairage ne signifie pas la lumière, cela signifie simplement tout le principe d'éclairage de forme que nous voulons appliquer. On va tout faire sur cette couche. Et ce que vous pouvez faire est de cliquer sur votre calque d'habillage et de contrôler la vignette et de cliquer pour sélectionner la zone. Et pour que nous ne peignons que sur notre nouvelle couche dans la sélection de la peau que vous pouviez le faire. Cependant, si votre logiciel prend en charge les masques d'écrêtage, ce que la plupart des logiciels font, vous pouvez simplement maintenir Alt et passer le curseur entre les lignes ici, entre l'éclairage de la peau et la peau. Et cela dira à la couche de doublure de la peau, seulement peindre sur les zones que la couche de peau couvre, non ? Ce qui verrouille fondamentalement tous nos pixels aux peaux. Vous pouvez voir ici, ce n'est que peindre sur la peau, peu importe où je déplace ce curseur. C' est vrai ? Maintenant ce que nous allons faire, c'est nous allons passer à notre brosse vers le haut ou une brosse douce de votre choix, nous voulons nous assurer que le débit est assez faible. Maintenant, vous verrez quand vous regarderez la démo complète de ce tableau du début à la fin, que j'ai commencé à un débit à 100 pour cent et que j'ai dû faire un ajustement environ 1 cinquième, 1 sixième du chemin à parcourir. Et cela peut arriver parfois. Donc, faites vraiment attention à votre flux, asseyez-vous et maintenez-le un peu bas. 70 à 80 pour cent est amusant. Et ce qu'on va faire, on va tenir Alt et on va choisir la valeur de la peau de base ici. D' accord, allons la couleur de la peau et ça va varier. Et nous allons déposer la valeur ici sur le sélecteur de couleurs. On va laisser tomber le lieu. Et si vous le voulez, vous pouvez jouer un peu avec la saturation de la teinte. C' est vraiment juste un sujet de créativité. Vous pouvez le faire comme vous le sentez et obtenir une valeur d'ombre, n'est-ce pas ? Donc, nous avons choisi la couleur et nous avons une valeur d'ombre. Et ce qu'on veut faire, c'est se répandre aussi fort que possible sur un coup. Accédez à notre calque Vérification de la valeur et assurez-vous qu'il y a un contraste adéquat, qu'il existe une distinction claire entre la lumière et l'ombre. Et on dirait qu'il y en a dans ce cas. Donc c'est génial. Et nous allons passer à la première étape que je m'assieds dans les notes de classe, les ramène maintenant, mais une grande ombre générale. Et donc ce que je vais faire ici, supprimez juste que je vais, hum, je ne suis pas inquiet à propos de peindre les lignes parce que j'ai mon masque de coupe. Je vais me dire, d' où vient la lumière ? On va garder les choses simples. On va dire qu'il y a une lumière sur le côté gauche, la clé principale, beaucoup et Linux sur elle. Et donc ce que je vais faire, c'est rendre mon pinceau vraiment grand et vaporiser doucement dans quelques grandes ombres générales. Donc le côté de la tige de votre corps va probablement être plus ombragé et plus dans la veine de l'ombre, l'ascenseur. Et donc juste quelques ombres générales, faites-les descendre pas trop sombres. J' appuie très légèrement et partout où je pense a besoin d'un peu d'ombre générale. D' accord. Vous voyez maintenant que nous avons un côté gauche plus léger et une droite légèrement plus foncée ? Et ce ne sont que vos grandes ombres générales. C' est vrai ? Ensuite, nous allons passer à nos ombres d'occlusion ambiantes. Ok, et l'ombre d'occlusion vraiment ambiante est une fois de plus montrer le tournage de la forme. Une sorte de Beckett demander dans la couche de doublure , la même valeur, nous avons la même valeur là-bas et la même couleur. Et ce que nous allons faire maintenant est de nous demander où une ombre d'occlusion a et B peut se produire, généralement sur les bords des formes. Donc, nous allons laisser le moins pulvériser dans une ombre d'occlusion ambiante sur les bords des formes. Donc le bord de la tête ici obtient la même chose ambiante au bord de l'oreille. Ne soyez pas timide avec une valeur. Et vous pouvez me voir l'ajouter ici, le bord des épaules. Et je joue avec la sensibilité du pinceau, la sensibilité à la pression de la brosse pour m'assurer que je le garde bien et lisse pendant qu'il se dégrade dans la dernière partie de la peau. C' est vrai ? Et donc j'ajoute dans ces ombres d'occlusion ambiante aux bords des objets, non ? Où que les formes tournent. C' est là que si une forme est arrondie ou retourne à un autre côté, c'est une bonne idée d'avoir une ombre d'occlusion ambiante à son âge. Et j'aimerais penser que c'est en fait assez simple. Nous allons donc les ajouter assez rapidement. Je vais bouger un peu plus vite, pour ton temps. Et nous allons faire entrer ces ombres d'occlusion ambiante. Et vous voulez essayer d'éviter d'avoir un bord trop dur. Donc vous ne voulez pas avoir comme une enveloppe, vous brisez comme ça où vous n'avez pas essayé de contrôler le gradient. J' essaye juste de garder ça bien et lisse. Et si ce n'est pas lisse, il suffit de recommencer un peu plus doux et de le garder là dedans. Ok, gardez-le bien et lisse. Et ce bord de la forme va avoir une ombre d'occlusion ambiante ici, le gazon du bras. Maintenant, tu voudras faire ça un peu plus soigneusement que je ne fais ici. C'est toujours correct. Ce n'est pas incorrect. Mais en accélérant ma vitesse pour votre bien. D' accord. Ce sont donc les ombres d'occlusion ambiantes. On les a sur les bords et c'est vraiment sympa. Et j'ai tendance à utiliser le terme occlusion NB un peu plus lâche que sa signification TA la plus stricte. Mais je suis sûr que vous comprenez ce que je veux dire quand je dis : Mettons ces ombres sur les bords. Rush. Maintenant, une fois qu'ils sont entrés, on bouge de veine. Faire notre prochaine étape d'observation, qui est la forme des ombres. Et c'est l'étape très importante. D' accord ? Cela nous oblige également à avoir vraiment investi du temps et juste avoir une bonne compréhension générale des avions. D' accord. Et pendant que vous travaillez, toujours un SASE, sentez-vous les valeurs assez sombres nos équipes pour aller trop sombre, donc je voulais laisser tomber la valeur un peu sombre. Ouais, je pense que je vais juste laisser ça comme c'est parce que j'ai tendance à me taire dans l'obscurité, excusez-moi, et c'est facile à réparer numériquement. C' est la meilleure chose avec le numérique. Vous pouvez tout réparer à nouveau si vous faites des erreurs. Mais de toute façon, on gardera ça pareil. Ce qu'on va faire, c'est la forme des ombres. Les ombres de forme, les ombres qui tombent sur la forme dans les zones avec une lumière ne se touchent pas. Et donc ce que je vais faire c'est qu'on va faire les ombres de forme ici sur le visage. Et je vais commencer à peindre dans l'ombre dans les paupières. Beaucoup venant de l'ascenseur. Donc j'imagine que le côté du nez aurait probablement un peu d'ombre là-bas. Je le garde lisse, en gardant le gradient lisse. Et je voulais avoir une ombre plus sombre alors que nous arrivons à ce côté droit du visage ici. Parce que les lats ne touchent pas là. Excusez-moi, sous le nez, on va ajouter une autre ombre ici. Et c'est là que nous pouvons impliquer une ombre de coût. C' est l'un de ces cas où nous pouvons réellement obtenir une ombre centrale. Donc, le nez coûte un peu vers le bas se terminant. On peut mettre une petite ombre d'occlusion ambiante ici sur l'âge du nez comme il va dans l'occlusion, ombre de l'œil gauche. Vous pouvez voir que nous gardons ces bords beaux et doux. Et c'est très important de le faire. Vous ne pouvez pas, c'est bêta d'avoir des bords très doux que vous pouvez hanter. Et plutôt que d'essayer d'adoucir les bords très durs, ce qui peut être très, très délicat. Et comme la tête est vraiment ronde, je pense que nous allons avoir plus d'ombre ici. Et on voudra avoir une ombre sous la lèvre inférieure ici, et un peu plus sous le menton ici. De même dans l'oreille, vous pouvez mettre quelques petites ombres de base. Nous voulons que les trous dans l'oreille soient assez sombres et colleront au visage sur cette note là-bas. Et nous allons passer à l'ajout de légères ombres d'occlusion au visage. Et ce que nous voulons faire est sombre dans cette valeur d'ombre un peu, parce que certaines zones doivent être un peu plus sombres. Jumble ont d'autres narines, les parties les plus internes de l'œil, la prise de grignoter. Et puis ces petites zones sous les cheveux, juste avec un cheveu se connecte, il va y avoir beaucoup d'exclusion qui se passe là-bas. Donc, nous allons juste améliorer ces ombres. Cette petite mort par l'oreille comme elle va à côté de la tête, et de même par le lobe de l'oreille comme il se connecte au joel, nous voulons que ce ne soit pas un doc. Et aussi ces zones sombres à l'intérieur de l'oreille elle-même. Et c'est vraiment le processus que vous voulez travailler à travers, faire les ombres générales et ensuite travailler l'occlusion ambiante, les ombres de forme. La prudence est que vous avez besoin dans les ombres d'occlusion dont vous avez besoin dans cette zone. Et vous pouvez remarquer de petites zones de gris ou quelle que soit la couleur de fond que vous avez est pure et ne vous inquiétez pas à ce sujet. Vous ne pouvez pas vous asseoir et essayer d'obtenir ce genre de choses super parfaites. C' est pourquoi nous avons la post-production qui nous permet de nettoyer certains de ces trucs. Ne vous inquiétez pas pour ça. Et donc je peux venir ici et améliorer certaines de ces ombres d'occlusion ambiantes. Et ajoutons cette ombre de Nick, qui va coûter un peu plus cher. Nous allons simplement ajouter la forme du coût de l'ombre et garder l'âge relativement plus difficile ici, sorte qu'il semble coûter correctement. Et donc tout au long du processus d'ombre, je pense à l'endroit où l'occlusion de la zone d'ombre d'occlusion ambiante, où sont les ombres de forme, où il y aura de l'ombre. Donc, par exemple, ici avec la clavicule relie la clavicule là, il va être un peu d'ombre là-dedans. Par exemple ici, où le bras et l'épaule se connectent au torse. Nous voulons que l'ombre soit plus sombre. Nous voulons nous assurer que ces bords ne sont pas trop durs. On va ajouter cette ombre en sunnite avec les seins. Gérer la pression de notre brosse, non ? Gérer comment nous le faisons. Et si vous sentez que vous avez éclipsé l'erreur n'importe où, appuyez simplement sur E pour l'outil gomme, assurez-vous qu'il est sur la brosse douce ici. Et vous pouvez juste entrer et l'effacer légèrement. Et donc vous voulez travailler les ombres exactement dans cet ordre. grandes ombres générales, les ombres d'occlusion ambiantes sur les bords forment des ombres et y travaillent constamment, en les regardant pour évaluer la surface que vous faites et en vous assurant que vous peignez ces ombres. Je vais mettre en valeur ces ombres là. Et donc je travaillerais sur chaque surface de cette manière particulière. C' est vrai ? Maintenant. Ne vous inquiétez pas trop à ce stade si vous avez l'impression de ne pas le saisir, car il y a beaucoup de démonstrations dans ce cours que vous verrez le flux de travail exact, en particulier celles que nous avons faites jusqu'à présent, des appartements aux variations de couleurs plates, aux stades d'ombre faisant les grandes ombres générales dans l'âge, les occlusion ambiantes, puis les ombres de forme. Donc nous nous demandons où sur la forme à l'ombre tombent. Par exemple, ici nous pourrions faire une grosse ombre de forme là pour ce sein ici nous pouvons en mettre une ici parce qu'il n'y a rien à faire en latin, peut-être entre les seins, quelques ombres là-bas. Peut-être qu'il y en a trop. Nous allons donc effacer cela et garder les choses douces mais précises autant que possible. Et qu'est-ce que tu veux finir avec ? Passons à ces couches là-bas. Est. Tu veux finir avec un morceau qui ressemble à ça, non ? Et quelle que soit la pièce qui ressemble à ça. Donc, toutes les ombres ont été placées sur chaque zone et c'est bien s'il fait un peu sombre parce que nous avons aussi la scène d'éclairage pour nous aider à éclaircir les zones lorsque nous ajoutons du lat réel à la pièce. Et vous pouvez voir qu'ils avaient particulièrement besoin d'un bon nombre de passes de l'étape d'occlusion où vous vraiment assombrir les petites ombres dans les cheveux et noter l'ombre générale des cheveux. Bon, on a une zone plus claire à gauche et une plus sombre et la droite. Même chose avec la peau plus grande à gauche, sombre à droite, et s'applique de même à tout le reste. D' accord. C' est donc le stade de l'observation. Surinvestir Nitpick. Ajoutez les détails que vous souhaitez ajouter et assurez-vous que vous ajoutez dans chacune de ces étapes que vous vous dites : Est-ce que cela a l'air 3D ? Et l'une des grandes raisons pour lesquelles peut ne pas avoir l'air 3D est que vous pouvez placer les ombres à l'endroit incorrect. Et la solution à cela est de retourner étudier les avions. Vous devez vraiment investir du temps dans l'étude des avions. écrira, mais ça ne prendra pas trop de temps. Je peux vous promettre que vous avez seulement besoin d'une compréhension générale des avions. Et c'est vraiment la fin de la leçon des ombres. Mais faisons juste une comparaison entre les appartements et les ombres. Il y a donc les appartements. Ces graisses n'ont pas de variantes de couleur parce que nous avons notre couche de sauvegarde, si vous vous souvenez de la dernière leçon. Et ici, nous avons les ombres. Et une fois que la base solide a été posée, vous verrez dans les étapes suivantes combien il est facile, combien il est facile de le rendre superbe et super 3D. Et vraiment un bel exemple pour le mien principe, non ? Les fesses travaillent sur scène, croyez-moi, travaillez sur scène, prenez mon patron. Travaillez sur la scène. D' accord. Je te verrai dans la prochaine leçon. 35. Module 3.7 : Étape 4-Light 1: Dans cette leçon, nous allons maintenant jeter un oeil à la phase d'éclairage général. Et si vous avez investi le temps pour faire vos ombres, cette phase sera relativement rapide. Vous devez toujours penser aux avions et nous allons toujours travailler sur notre couche d'éclairage, et nous le ferons tout au long de la pièce. Alors allons y entrer. Commençons par la peau. Par exemple. Nous irons à notre couche de doublure de peau ici. Et nous choisirons un peu la valeur plus légère de la peau, donc pas la valeur d'ombre de la valeur plus légère. Et ça va faire une teinte. Et puis nous augmenterons la valeur. Et nous vérifierons ensuite en faisant un peu de test. Vérifiez la valeur de cette lumière et voyez s'il y a assez de contraste pour en faire une lumière viable semble un peu trop légère pour moi, donc je vais baisser légèrement la valeur. Annuler ça. Essaie ça. Et cela semble raisonnable. Vous ne voulez pas qu'elle aille trop haut car nous avons encore besoin de la salle Vettii pour les moments forts. Maintenant, nous allons passer à la couche de doublure de la peau. Il est bien sûr, coupé à la couche de peau, peut également utiliser une sélection si vous le souhaitez. Et nous allons vivre toutes les zones qui ont besoin de lumière supplémentaire. Et nous allons utiliser notre compréhension des avions pour déterminer où la lumière l'atteindrait quand nous brillons du côté supérieur gauche. Donc je vais emménager ici en utilisant un plus gros pinceau. Zones claires, en appuyant très doucement et en apportant des lignes supplémentaires à la pièce. Ainsi, par exemple, ici, le côté gauche des seins reçoivent des lots supplémentaires. Cette zone de poitrine avant peut obtenir un peu plus ainsi. De même ici, mais l'estomac. Et vous constaterez que cette étape est particulièrement rapide. Vous avez juste besoin de vous assurer que vous n'appuyez pas trop fort et ne pas obtenir bords trop durs de votre brosse. Donc vous verrez que je cherche la subtilité et vous devriez aussi. Nous voulons juste introduire beaucoup là où c'est nécessaire. Et surtout ce serait sur le côté gauche aussi. Alors gardez ça à l'esprit. Vous voulez introduire une grande partie de ce lot dans une zone ombragée ou dans la zone ombragée générale. Et ce que vous sentez vraiment que vous avez besoin d'ajouter un peu de manque d'air, apportera un peu plus fort dans le bras ici. Ici aussi. Passons au visage. Et donc je suis très tentée par la façon dont j'utilise la brosse douce dans ce cas. Et je vais me demander, eh bien, s'il y avait de la lumière frappant le visage pour le chemin, est-ce que ça va frapper ? Et j'imagine qu'on aurait une place sur le front. Un peu de lumière sur le nez, peut-être sur ce plan supérieur du non-stéroïdien, peut-être pas. J' ai donc apporté un peu comme ça différemment sur la joue gauche. Vous pouvez voir que je le frappe très lâchement, appuyez très doucement. Et je le construis lentement. Donc, vous n'avez pas à vous précipiter pour construire une de ces zones. Droits. Et puis les paupières aussi recevraient un certain nombre de lots. Ils ont tendance à être assez éclairés, ne dépend de la circonstance de l'éclairage, mais il obtient des annonces dans AS degré de dynamisme. Et nous voulons être prudents lorsque nous faisons cette phase d'apprentissage aussi, ne pas éliminer nos ombres d'occlusion ambiantes sur les bords des formes. C' est une erreur de débutant très courante. Si vous faites cela, il va faire la forme et ne pas regarder animal en trois dimensions. Et c'est à peu près tout pour l'éclairage, bien sûr, plus le degré de précision est élevé dans cette étape, plus l'image aura de fidélité. Et vous jouez vraiment avec l'échelle de très réaliste, jusqu'à une échelle de très simpliste. On va garder les choses en quelque sorte au milieu ici. Il fait toujours le flux de travail complet. Il a frappé les cheveux. Allez à la couche de cheveux ici. Ici, l'éclairage. Sélectionnez notre couleur de base avec un réchauffer un peu dans la teinte. Et nous allons augmenter la valeur. Nous voulons une augmentation substantielle. Et nous allons le garder très doux et poser les gradients fonctionnent bien. Et nous allons le faire une fois de plus avec subtilité. Et surtout dans les domaines que nous nous comportons serait plus léger. On ne veut pas y aller et, tu sais, c'est beaucoup, ça fait beaucoup. C' est comme si c'était comme si c'était beaucoup, etc. Nous nous concentrons juste sur l'endroit où la lumière serait à un endroit où la lumière serait essentiellement concentrée avec une lumière ne serait pas. Donc, je dois me demander, ce que je veux faire avec certaines des lacunes dans les cheveux ? C' est dans l'ombre ? Si c'est le cas, je veux le laisser non éclairé. Si ce n'est pas dans l'ombre. J' y ajouterai quelques traces de lumière. Nous allons juste laisser quelques-unes de ces zones, mais très subtilement, vous ne voulez pas en faire trop. Et nous nous déplacions ensuite à travers chaque zone, appliquant doucement la lumière aux zones où nous pensons avoir besoin de lumière supplémentaire qui sont touchées par une source de lumière générale. Nous améliorons efficacement les zones lumineuses existantes qui ont été définies en plaçant les ombres dans les bonnes positions. Droit ? Jetons un coup d'oeil à ce qui se passe quand on a fait ça sur toute la pièce. Nous devrions avoir nos appartements dans notre ombre complètement fait. Et puis quand nous avons appliqué les lumières sur la pièce aura ce type d'effet où c'est presque comme si vous allumiez et éteignez une lumière du côté gauche et il allume les formes. Et vous le déplacerez à travers chacune des couches, en prenant soin de considérer les plaines et d'utiliser la subtilité. Et n'oubliez pas que vous voulez que votre flux soit assez faible dans ce cas ou que votre capacité soit faible. Si votre logiciel n'a pas de flux assis, gardez votre passé environ 80 pour cent vous donne juste plus de contrôle sur la quantité de peinture que vous utilisez par coup. Et c'est ça pour la phase d'apprentissage. Passons à la phase suivante. 36. Module 3.8 : Étape 5-Light 2: Nous allons maintenant passer à notre étape d'éclairage réfléchi. Et la chose que nous voulons retenir à propos de la lumière réfléchie est qu' ils apparaissent généralement dans l'ombre. Ils apparaissent également généralement du sol. Ils rebondissent du sol et frappent les surfaces inférieures des choses. Donc, nous allons aller de l'avant et utiliser notre couche de revêtement de peau ici pour faire un exemple de la façon dont vous pouvez peindre cela dedans. Et bien sûr, vous vous déplacerez sur toutes vos couches, vos lèvres laissant leurs cheveux s'éclairer là et ainsi de suite. Entrer et faire l'éclairage réfléchi là où il devrait probablement apparaître. Alors commençons ici sur le visage. Et ce que vous allez remarquer, c'est que maintenant que vous avez vos ombres vers le bas et que vous avez construit la majeure partie de cette forme. Vous allez remarquer que lorsque vous ajoutez de la lumière réfléchie, cela apporte soudainement un tout nouveau monde de dimensionnalité à la pièce. Et c'est pourquoi l'éclairage réfléchi est l'un des quatre piliers du latin. Donc, ce que j'ai fait ici est, c'est ma couleur typique que je sélectionne, qui est une sorte de valeur élevée dans la gamme de nuances vertes gris. Donc, c'est vraiment juste un gris légèrement verdâtre. Et vraiment, vous pouvez utiliser vous pourriez à peu près utiliser n'importe quoi. Mais j'ai l'impression que ce genre de mélange du lot arrive à quelque chose comme ce genre de gris Lachish. Vous pouvez juste aller une sorte de gris plat, de haute valeur. Et c'est la couleur que je les utilise. Et ce que je veux faire, c'est imaginer quels avions, l'éclairage au sol pourrait briller dans les zones ombragées. Et l'un des endroits les plus communs pour cela est au bas du menton et les mâchoires. Donc on va y aller et on va peindre ça. Et ce que vous voulez faire, c'est vous assurer que pendant que vous peignez dans ces coups, que le gradient au fur et à mesure qu'il se déplace dans la peau est très, très lisse. Tu veux éviter les bords durs, non ? Vous ne voulez pas d'arêtes vives dans cette instance. Et donc je vais commencer juste à peindre une section très, très légère et lisse. Et puis je passe dans une petite section de bronches ici. Et je continue de dépasser ce bord pour tuer cette ligne, à droite, ce bord dur. Pour que nous obtenions un gradient lisse se déplaçant dans cette zone. Apporter un peu plus ici. Et je vais ajouter un peu sous l'oreille aussi. Et donc je me demande juste, s'il y avait beaucoup de rebondissant de la voie terrestre, est-ce que ça pourrait frapper un peu de l'année ici. Et soudain, un endroit qu'il a certainement tendance à frapper est le fond du nez. Gardez juste à l'esprit, essayez de le garder dans les zones d'ombre. Et vous pouvez déjà voir la tridimensionnalité que vous obtenez de l' ajout de cette doublure réfléchie dans le visage. Et donc vraiment, vous vous déplacez simplement à travers la pièce, en la peignant, en assurant que ces bords sont vraiment doux, vraiment, très doux bords. Parce que s'ils sont durs, ça tue l'effet immédiatement. Peut-être qu'il y a un rebond et un éclairage réfléchi, désolé, dans la zone des yeux ici puis notre zone supérieure de plomb sous le nez ici même sur la narine. Et en effet, même dans les yeux, il y aura un peu effrayant, l'étrange couche en ce moment. Bien sûr, ils seront aussi sur les lèvres et ainsi de suite et ainsi de suite. Donc, je vais aller de l'avant et juste vous montrer quoi ressemblera la pièce entière quand vous aurez ajouté cet éclairage réfléchi. C' est donc notre paix sans l'éclairage réfléchi. Et très similaire à quand nous avons ajouté tous les lots, vous remarquerez que si vous allumez et éteignez une lumière du sol, Allons à ce sujet est égal niveau. Je peux supposer que c'était amusant. Et allumons cette couche avec l'éclairage réfléchi. Alors c'est allumé. Et c'est éteint. Encore une fois. Encore une fois allumé. Ok, gardons ça et explorons un peu. Ainsi, vous pouvez voir ici généralement les plans face au fond, les plans qui font face au sol obtiennent ce traitement à un degré ou à un autre. Et ce qui arrive à faire est en fonction de ce que les domaines et un point focal ou non. Je vais l'alléger en arrivant au sommet. Donc ici, cette zone ici vous pouvez voir qu'il y a beaucoup là-bas. Et, mais ici sur ce morceau principal de cheveux de balayage se fait attraper apporté la valeur de cette lumière réfléchie devient assez large. Nous l'avons sur plusieurs zones du visage, aurait un petit soupçon de celui-ci dans le je suis arrivé sur les lèvres et la lèvre supérieure, le fond du nez, le fond des coquilles, principalement des plans orientés vers le bas. Le fond de ce bras ici que là et ici sur les zones de tentacules qui font face aux plans inférieurs. Et c'est l'étape de l'éclairage réfléchi. Je vais passer à la scène des points forts. Je te verrai là-bas. 37. Module 3.9 : Étape 6-Highlights 1: Nous allons maintenant discuter des faits saillants et de l'étape de mise en évidence. Maintenant quelque chose à garder à l'esprit est qu'un surlignement apparaît dans les zones éclairées. En outre, vous voudrez restreindre votre utilisation des faits saillants. Faits saillants son vraiment amusant et lumineux. Et donc commencé comme une erreur commune est qu'ils placent des faits saillants partout sur tout et nous voulons faire preuve de retenue. Nous voulons mettre les points forts à, là où nous croyons être le point de lumière le plus élevé sur une surface particulière ou sur un élément particulier. Nous allons donc faire l'exemple sur la couche de peau. Encore une fois, c'est une couche très courante. Et nous allons choisir notre couleur de zone de lumière. Une de nos valeurs dans la zone lumineuse, quelque part assez légère. Et on va se réchauffer un peu. Et nous allons valoriser un peu. Et puis faites un test. Droit ? Vérifions cela sur la couche Vérification de la valeur. Ça a l'air bien. Défaites ça, et retournez à notre couche de doublure de peau ici. Et ce que nous voulons faire est de choisir une ou quelques zones dans la zone éclairée, ou quelques éléments qui pourraient avoir un point culminant potentiel basé sur les plans. Donc, sur le visage ici, par exemple, que je vois trois zones très viables pour un bon point culminant. La première zone serait une petite section juste ici sur le front, qui serait le point de lumière le plus élevé sur cette section du front. Et sur le nez. Je vais légèrement pulvériser dans un peu de points saillants de nez. Essayez de ne pas éliminer mon âge d'occlusion ambiante là-bas. Je vais commencer ici le point le plus brillant à la pointe, et je vais le faire glisser un peu et tuer certains des bords un peu pour les rendre pas si pointus. Sache, c'est ça. Et peut-être même quand je fais ça, je pense à moi-même, à la retenue. Vous voulez faire preuve de retenue avec les faits saillants. Donc je ne vais pas l'étendre jusqu'au sommet. Et puis sur le soin des joues un peu d'un subtil reflets. Juste sur la joue. Rien de trop fou. Et ce serait probablement pour le visage. En fait. Ajoutons juste un peu ici aux paupières, juste les conseils d'entre eux. Une sorte de petit truc que j'aime faire parce que cette zone des paupières peut attraper beaucoup juste au milieu là-bas. D' accord. Et ce serait tout pour le visage. Maintenant, vous pouvez vous amuser avec, et vous pouvez ajouter des lumières subtiles ici et là sur votre phase de mise en évidence. Mais vous voulez faire preuve de retenue parce que la minute où vous commencez à ajouter trop de points forts sont trop brillants, vous êtes prêt, commencez à perdre la tridimensionnalité des formulaires. Donc, par exemple, oui, nous passons à la zone de la poitrine. Imaginez que ce ne serait pas un endroit probablement comme ici qui recevrait beaucoup de beaucoup plus probablement les autres côtés. Et j'ai essayé de rester à zones de vie ici sur les seins peut être un peu d'une section là-bas et une section ici sur ce contrevenancé. Et pour essayer, vraiment essayer, garder les choses minimales et penser aux avions. Ne deviens pas fou avec les faits saillants, tu le regretteras. Les ohms que vous avez, par exemple, objets cylindriques s'équipes à mettre en évidence avec une bande ou une bande. Donc je vais faire un peu de bande gauche. Ils ajustent toujours la taille de ma brosse comme j'en ai besoin. Et nous avons probablement un peu d'un, un surlignement noir audacieux ici, juste là sur l'OEM. Et tuer les bords ramollissant. Quelqu' un ici sur le ventre, probablement ce côté gauche aurait un peu de point culminant parce qu'il est soulevé, ses avions sont élevés. Et donc vous pouvez voir que vous devez vraiment faire preuve de retenue quand vous faites des faits saillants. Alors allez-y, faites les faits saillants. Rappelez-vous que vous voulez choisir le briquet en couleur, teindre et valoriser assez substantiellement. Et c'est effectivement notre étape de mise en évidence. Vous vous déplacerez à travers la pièce en faisant cela sur chaque couche de doublure de la peau, que les lèvres allongées là et ainsi de suite et ainsi de suite. Et encore une fois, je suis allé de l'avant et j'ai fait des faits saillants sur toute la pièce, juste que nous pouvons gagner du temps. Donc, il y a le travail sans faits saillants, et voici le travail avec les faits saillants. Et surtout sur les cheveux. Vous voulez choisir vos zones de très sagement fait aller soulignant chaque chemin va vraiment ruiner l'entité en trois dimensions là-bas. D' accord ? Nous avons donc les points forts sur et les points forts off, on et off. D' accord, on va les laisser allumer. Et je te verrai dans la prochaine leçon. 38. Module 3.10 : Phase 7- Hightlights 2: Lorsque nous peignons des faits saillants, il y aura le costume de Tom et les surfaces doivent être plus réfléchissantes. Et la façon dont nous indiquons la réflectivité est en durcissant les âges des reflets sur cette surface particulière. Et dans ce cas de cette pièce particulière, ces tentacules vont en fait être un peu plus brillants. Et donc ce qu'on va faire, c'est qu'on a déménagé à la couche de tentacules Latin par ici. Et nous avons mis dans nos faits saillants et nos lats. Vous pouvez voir cette section du tentacule. Et ce qu'on va faire, c'est utiliser la brosse douce. Nous allons entrer et nous allons en fait durcir certains bords de manière sélective. Maintenant, quels âges choisis-tu comment ? Eh bien, vous devez vraiment le regarder et voir ce qui a du sens. Mais en général, vous pouvez durcir avec un peu des bords et cela va commencer à rendre la surface un peu plus brillante. Maintenant, le hada, l'âge est sur une surface particulière en termes de vos lats haïssant il est plus réfléchissant que la surface est jusqu'à un tel point où vous pouvez avoir une réflexion miroir et il est vraiment juste de refléter tout autour d'elle. Mais dans ce cas, nous allons aller pour juste un peu plus brillant. On n'ira pas pour un miroir réfléchissant. Donc ce que je vais faire, c'est juste choisir ce point culminant ici. Utilisez ma brosse douce à une taille assez petite. C' était la plus petite taille signifie que j'ai un âge plus dur, un bord plus dur. Et je vais durcir le bord de ce point culminant ici. Maintenant, je veux m'assurer que les choses n'ont pas l'air super strié. Donc, je vais toujours changer la taille du pinceau à certains moments juste pour m' assurer que le mélange des dégradés semble toujours bon, en particulier à l'intérieur de cette zone de surbrillance. Et vous pouvez voir immédiatement le changement qu'il a dans la façon dont nous percevons cet objet. Maintenant, je vais en fait sélectionner l'ombre. Et je vais utiliser l'ombre pour durcir le bord intérieur de ce point fort particulier. Et ce faisant, j'insiste pour le spectateur que cette chose a un plus grand degré de réflectivité basé sur ses reflets les plus chauds. Je vais entrer et Honda et même taupe juste pour obtenir un peu plus de contraste entre la zone éclairée et la zone ombragée. Vous pouvez voir ici que nous avons un avantage solide maintenant. Et n'oublions pas, nous voulons penser aux âges dans une gamme de très, très doux, jusqu'à très, très dur. Donc, vous vouliez obtenir une belle gamme d'âges quand vous peignez et coloriez en général. Droit ? Et donc cette zone est terminée. Et donc la perception de la matière, de la surface, du matériau de cet objet a été modifiée, non ? C' est plus une surface brillante. Je vais faire la même chose ici à titre d'exemple. Maintenant, typiquement, l'âge léger serait le plus chaud. Le côté qui fait face à la dernière et légèrement plus doux sur le côté qui n'est pas face à la lumière. Et donc ici, j'arrive et une fois de plus, je durcit les bords de ces lumières, les points forts ici. Et donc sur toutes les surfaces qui doivent être Shania, vous voulez assez chaud le bord un peu. Ça ne veut pas dire qu'il lève un magasin. Par exemple, si nous utilisons ce pinceau à fuite d'encre, en particulier sur la surface, vous pourriez probablement l'amener à un fini miroir, mais c'est à quoi ressemblerait un bord très dur. Bon, donc on est juste en train de mettre un côté très chaud. Et soudainement, il est efficace pour les surfaces très brillantes. Ça ne va pas être ultra brillant, peut-être un degré moyen de Sean, ok ? Et c'est effectivement ce que nous ferons sur toutes les surfaces qui ont besoin de ce traitement de haut âge. Donc, dans cette pièce particulière, les zones Ani, nous regardons vraiment ce qui se passe sur le tentacule et la poignée du couteau, la partie supérieure, cette partie grise de la nuit. Et c'est pour les bulles. Techniquement, nous pourrions aussi le faire sur les bulles aussi. Je n'ai tout simplement pas opté pour cette pièce particulière parce que les bulles sont en fait plus d'un des éléments de fond. Donc je ne veux pas trop me concentrer sur eux. Mais assurez-vous que vous hantez les bords sur des services qui brillent ou signifient être plus brillants ou plus réfléchissants. Sa fin ? Oui, en fait, avant de passer à la leçon suivante, regardons à quoi ça ressemble une fois terminé. Donc, c'est sans le durcissement, se penchera particulièrement sur le tentacule. Et c'est avec le durcissement. Et vous pouvez voir comment notre perception du matériau de surface du tentacule a changé assez significativement auparavant. Et hors dette. Assurez-vous donc d'avoir un point de vente où vous courez sur vos points forts et chaud dans ces âges. Si le matériau est plus d'un haut réfléchissant du matériau. Bon, passons à la leçon suivante. 39. Module 3.1. : Phares de 8-Hightlights 3: Dans cette dernière leçon sur les faits saillants, nous allons maintenant jeter un coup d'œil à l'ajout d'une spécularité ou de surlignements spéculaires à notre pièce. Maintenant, les faits saillants spéculaires vraiment bizarre les points les plus brillants de la lumière. Et en général, il n'y a qu'un seul surlignement spéculaire par zone particulière. Similaire dans la manière des faits saillants, mais encore moins et plus sobre que les faits saillants ne le sont. Donc, ce que nous faisons avec les surlignements spéculaires, ou du moins ce que j'aimerais que vous fassiez pendant que nous traversons ce flux de travail, c'est de placer votre couche de spécularité ou votre couche de surbrillants spéculaires au-dessus de vos lignes. Et ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai la couche de lignes ici, que j'ai combinée sont des hotlines et nos soft lines dans un laboratoire de lignes simples et que j'ai placé au-dessus de la couche de lignes. Et vous remarquerez que lorsque vous faites des surlignements spéculaires, vous effacerez certaines lignes dont vous n'avez pas besoin car c'est inutile si une surbrillance spéculaire se trouve sous une ligne parce que la surbrillance spéculaire est plus brillante que quelque chose en dessous, n'est-ce pas ? Donc il doit être sur le dessus. Et donc nous mettons la couche de spécularité au-dessus de notre couche de lignes et nous allons écrire. Et donc nous allons aller de l'avant dans cette pièce et aller ajouter quelques faits saillants spéculaires. Et les premiers faits saillants que nous allons ajouter, nous allons prendre notre brosse à fuir qui a un beau bord dur. Nous allons ajouter les reflets spéculaires aux yeux. Donc je vais juste mettre un point là et un point là. Et je vais mettre un point plus petit dans le i aussi. C' est juste un choix stylistique. Vous pouvez mettre autant de points forts que vous le souhaitez dans ces UNH, pour être une forme particulière. Il pourrait être carré, il peut être triangulaire. Et nous allons aussi ajouter un surlignement spéculaire à la lèvre ici et un autre petit aussi. Et ce que je voudrais faire est d'ajouter un seul point culminant spéculaire au nez. Disons juste, Ok, qui sait ? C' est très brillant. Donc ce que je vais faire ici, c'est que je pourrais utiliser du blanc. Je vais utiliser ma brosse douce pour ça, basée sur la surface de la peau n'étant pas aussi réfléchissante que les chances des boucles. Et je vais juste apporter ma valeur à l'intérieur peut être un peu plus haut aussi. Je vais ajouter juste un petit point culminant à son nez. Et tu l'exécutes. Et c'est à peu près ce que nous faisons quand nous faisons le spicule est particulièrement que les haut-parleurs watts sont assez faciles. Maintenant, vous pouvez voir que j'ai enlevé les cercles se moquant des positions de surbrillance sur les bulles. Et alors ce qu'on fait, c'est qu'on déménage dans les bulles. Nous pouvons utiliser, je pense qu'une brosse plate ou une brosse douce aussi longtemps que votre âge est dur. Et ajoutez ces reflets de bulles, ce qui est assez simple et nous passons à travers la pièce et le faisons. Mais il y a autre chose que je voulais te montrer. Comme nous le savons, ce tentacule est assez réfléchissant et je vais vous montrer une technique fantastique pour obtenir vraiment dur avec des reflets spéculaires lisses une fois que vous aurez fait tous vos autres éclairages. Donc ce qu'on va faire ici, c'est qu'on va aller au pinceau de fuite des Incas. Et nous allons choisir une valeur beaucoup plus élevée. Et nous pouvons même augmenter la teinte ici aussi. Et nous allons utiliser le pinceau de fuite Inca et le soft opera, soft upflow brush à l'unisson les uns avec les autres, non ? Donc, tout d'abord, nous allons mettre un coup à l'intérieur, juste dans notre zone mise en évidence comme ça. Et nous allons frapper l'outil d'effacement et utiliser la brosse vers le haut doux et effacer les pointes jusqu'à ce que nous obtenions un beau gradient lisse dans cette zone. Droit ? Et immédiatement, je suis sûr que vous pouvez dire qu'il ressemble beaucoup plus brillant et beaucoup plus brillant. Faisons-le ici. Et notez que je déplace la brosse assez rapidement pour obtenir ces coups lisses dedans. Et faites la même chose là-bas. Et la même chose ici. Et bien sûr, si vous pensez que peut-être que vous voulez que ce soit le point le plus large, nous pouvons juste effacer dessus et bas avec une valeur car nous effacons ce petit spéculaire supplémentaire là-bas. C' est dû à ce point ici. Vous pouvez voir que je vais annuler jusqu'à ce que j'aie le coup exactement comme je l'aimerais. Et je conseille aussi ne pas prendre malade et de se baser avec toi-même. Ne vous précipitez pas pour obtenir les choses exactement comme vous voulez, n'est-ce pas ? Et donc ici, je vais faire la même chose encore une fois. Et je vais juste me verrouiller et la plupart de la course. Et voilà, nous avons un tentacule très brillant avec quelques spicules dessus. Alors considérez ce que les sommets de matériau auraient un éclairage spéculaire. Cette lame ici, par exemple, serait certainement cette poignée haut de la lame ou la lame cachée. Donc je vais faire la même chose. Je vais mettre un coup large. Et parce que c'est sur un calque séparé, il n'y a aucun problème avec moi d'effacer ces bords. Droit ? Et donc vous pouvez voir dans certains cas, regardons nos anciennes lignes où elles étaient des lignes, par exemple, le nez sur les lignes et les cercles sur les bulles. J' ai dû les effacer. Et c'est une pratique courante. Habituellement, vous réalisez que vous avez mis des lignes quelque part où vous voulez réellement un spéculaire et donc vous devez aller dans vos lignes. Y a-t-il une augmentation de ces lignes, juste revenir aux nouvelles lignes. Vous pouvez voir qu'ils ont été effacés. Et cette couche, la couche de spécularité, la spécularité parlant, il y a une des quelques couches qui mettra un tas de terres ou juste au-dessus des choses. Mais nous allons y aller plus à mesure que nous avancerons. C' est la fin des faits saillants. Écoutez, voici mes arroseurs complets pour la paix. Pas très différent de ce que nous venons de faire, juste quelques niveaux supplémentaires. Et je te verrai dans la prochaine leçon. 40. Module 3.12 : Stage 9-Éclairage dynamique: Nous allons maintenant jeter un oeil à l'ajout d'un éclairage secondaire à votre pièce. Et la première chose que vous voulez faire est de penser quelle direction l'éclairage secondaire devenant d'un lot primaire à gauche se reflèterait en bas. Donc, peut-être une bonne échelle de cigarettes dans ce cas est de droite. C' est ça. Il n'est pas nécessaire que ça vienne de la droite. Il pourrait aussi être de la gauche. Et ça aurait toujours l'air cool. Mais néanmoins, avec la lumière venant de la droite, la source lumineuse secondaire, nous allons aborder cela d'une manière très similaire à que nous avons abordée à l'état d'éclairage réfléchi. Donc, ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai sélectionné un bleu de très grande valeur. Maintenant, bien sûr, vous pouvez sélectionner la couleur que vous sentez fonctionne avec le schéma de coloration avec lequel vous travaillez. Et ce que je vais faire, nous allons utiliser à nouveau la couche de revêtement de peau comme exemple pour cela, c'est que nous allons emménager et peindre légèrement dans cette lumière secondaire brillante sur tous les plans qui y font face. Donc, ce que je fais c'est que je viens avec la brosse douce juste pour obtenir une lueur initiale qui se passe. Et puis je me rapproche pour ajouter la bronche secondaire au point le plus brillant. Tout ça. Très, approche très similaire à la façon dont nous faisons la lumière réfléchie. Maintenant, rappelez-vous aussi qu'il est correct chevaucher l'éclairage réfléchi lorsque vous faites la scène, par exemple, la sécurité qui va clairement briller sur cette section du bras ici aussi. Et ainsi de suite. Il suffit de se chevaucher qui réfléchit l'éclairage et de continuer à peindre à l'esprit malade et rechargement. Droit. Et c'est un processus assez simple, mais peut aussi prendre beaucoup de temps. Cela dépend de nombreux détails. Vous avez une nouvelle pièce sur le visage. C' est un peu à la Jolla et essayer de vous assurer que vous n'avez pas à chaud Âges. Personne n'a à ressembler à une ligne. Il avait juste l'air de briller la lumière. On peut en ajouter un peu à l'oreille ici aussi. J' utilise la brosse douce pour cela aussi. Notez également que j'ai ajouté un petit point spéculaire bleu sur la couche de spécularité juste pour indiquer cette source de lumière dans les yeux aussi bien. Et donc vous travaillez couche par couche section par section, en ajoutant cette source de lumière secondaire. Et quand tu auras fini, ça devrait ressembler à ça. Encore une fois, vous savez, vous obtenez assez correct quand vous pouvez l'allumer et l'éteindre comme un interrupteur. Et comme tel, maintenant que nous avons la lumière réfléchie au sol, la lumière clé sur la gauche et un plein sur la tige ou les lots de degrés AAS était sur la droite. Nous avons maintenant un éclairage à trois points et il rend notre travail très, très dynamique et très, très 3D. Et c'est tout pour l'amour secondaire. Et je te verrai dans la prochaine leçon. 41. Module 3.13 : 10 : 10-Stage 10-Contraste: Nous allons maintenant passer au stade des ombres d'occlusion. Et nous allons vraiment améliorer toutes les ombres minuscules les plus sombres de la pièce à cette étape. Et la première chose que nous voulons faire est de créer une couche d'ombres d'occlusion sous notre couche de spécularité et au-dessus de notre couche de lignes. C' est la toute première chose que nous voulons faire. Ensuite, nous allons vouloir définir ce calque d'ombres d'occlusion sur le mode multicouche. Et ce que nous allons faire, c'est que ce calque multiplie les valeurs des couleurs en dessous. Et nous allons ensuite utiliser le pinceau doux et peindre avec du noir. Donc ce que nous allons faire, peindre sur cette couche, mais nous allons utiliser des sélections de notre vie pleine. Ainsi, par exemple, dans l'habillage ici sur un contrôle de maintien et sélectionnez toutes ces zones, ils appuyez sur Contrôle H pour masquer les lignes de sélection. Et je vais revenir à ma couche d'ombres d'occlusion, non ? Celui-ci, il a appelé clause des ombres d'occlusion en raison des équations finies ont déjà été faites. Et juste au cas où vous seriez confus à ce sujet. Et passons à l'intérieur. Donc, si nous affichons la sélection, vous pouvez voir que toutes les zones de peau ont été sélectionnées. Mais assurez-vous que vous êtes sur votre couche d'ombres d'occlusion lorsque vous allez peindre dans les ombres d'occlusion. Et donc ce que je vais faire, c'est me demander, Hey, où vont-ils être ? ombres qui s'approchent vraiment du noir sur le formulaire, n'est-ce pas ? Et une de ces zones ici serait dans ces petites crevasses près des cheveux. Donc je vais un peu caresser doucement dans les ombres d'occlusion. Les cheveux rencontrent la tête avec un marteau. J' ai l'impression que ce sont peut-être des zones sombres. Et encore une fois, vous pouvez voir ces petites zones grises qui n'ont pas plein et une fois de plus, ne pas insister à leur sujet. Nous pouvons nettoyer cela lorsque nous faisons notre dernière touche avec n'importe quel type de zones que nous n'avons pas pliées ou qui n'ont pas reçu de valproate ou vous pouvez les nettoyer. Et donc ce que je fais, c'est que je me déplace à travers la pièce à la recherche de zones qui ont besoin d'avoir plus d'ombres d'occlusion ou d'ombres d'occlusion plus sombres. Et je passe par étape et je les ajoute partout où je pense qu'ils ont besoin d'être. Donc ici sous l'oreille, par exemple, pourrait faire avec un peu plus la section du cou ici. Et n'ayez pas peur d'utiliser l'outil d'effacement pour effacer les bords. Donc, par exemple, si je voulais faire une occlusion ici et l'entrée, qui est un emplacement viable. Et j'ai fait quelque chose comme ça pour l'améliorer. C' est très bien. Je peux alors simplement utiliser l'outil d'effacement et effacer les zones qui ne sont pas censées être un pollué. Et gardez toujours mon occlusion quand vous l'exécutez. Et c'est la bonne chose de l'avoir sur un calque séparé. Je voudrais peut-être améliorer les petits espaces entre les coquilles, auquel cas je vais devoir aller à la couche de coquilles. Allons ici et sélectionnez-les. Contrôlez H pour masquer cette sélection. Et parce que je ne veux pas peindre sur ma couche d'étagères, je vais retourner à ma couche d'ombres d'occlusion. Qu' est-ce que ce doc et juste améliorer ces ombres ici. Ce sont des occlusions plus subtiles. Vous pouvez voir la différence que cela fait dans la façon dont les formulaires se distinguent. Droit ? Et nous nous déplacions à travers toute la pièce, nettoyant les cheveux, ajoutant des inclusions partout où nous nous sentions nécessaires pour rehausser les ombres les plus sombres de notre travail. Maintenant, voici les occlusions fauniques pour ça. Ça n'a pas pris trop de temps. Ce n'est pas vraiment une très longue étape. Vous essayez vraiment juste d'identifier les zones qui sont un peu à déjeuner. Et donc ici, vous pouvez voir que je l'allume et éteint est introduit contraste et vous pouvez voir quelques zones qui ont obtenu l'ombre d'occlusion, traitement, éruption cutanée. Et c'est cela pour la couche d'ombres d'occlusion. Encore une fois, rappelez-vous au-dessus de vos lignes, dessous de votre couche de spécularité. D' accord, je te verrai dans la leçon suivante. 42. Module 3.14 : Étape 1 : 1 : Cast Cast: Nous allons maintenant faire la dernière partie de la majeure partie du flux de travail de doublure de formulaire en peignant ce personnage, qui est des ombres projetées. Et bien sûr, les ombres de voiture sont ces ombres qui sont causées par un objet sur un autre objet. Une autre chose clé que nous voulons garder à l'esprit est que les ombres de base sont généralement assez transparentes. Et les âges de l'ombre centrale sont déterminés si la lumière est très brillante ou si la lumière est très dispersée. Par exemple, la prudence n'est pas un temps nuageux. Nous aurons un bord plus doux et appelons les ombres sur une journée ensoleillée et lumineuse aura un bord plus dur. Et c'est de cette pièce, je pense qu'on va aller avec un éclairage plus normalisé. Donc je vais rester avec chaud vieilli. Et ce que nous allons faire, c'est nous allons créer une couche au-dessus de toutes nos autres couches, est particulièrement au-dessus de la couche de spécularité. Et nous pouvons aller nous mettre en garde et nous allons rester en mode pour Multiplier. Nous allons ensuite utiliser la brosse à fuir Inca ou une brosse à tranchant dur dans le logiciel de votre choix. Pour peindre dans des rayures essentiellement noires de l'ombre du noyau. Nous voulons essayer d'imiter un CAUTI d'effet avec ce noir pur d'abord. Ensuite, nous allons utiliser la douce sortie Bhatia, une brosse douce pour effacer les pièces dont nous n'avons pas besoin, ainsi que pour créer la transparence dans le dépotoir. Mais laissez-moi vous montrer comment nous pouvons aborder cela. Maintenant, avant que nous commencions réellement. manière générale, selon la pièce sur laquelle vous travaillez, il se peut que vous n'ayez pas trop d'ombres de voiture dans la pièce. Il suffit de penser logiquement à ce qui pourrait être la création d'une ombre de voiture sur une surface ou un objet dans la scène ou dans la pièce. Et cela vous guidera. Dans cette pièce. Il n'y a que quelques endroits pour les ombres croisées. Et l'un des plus grands endroits est ce gros morceau de cheveux qui balaie tous les autres ici. Donc ce que je vais faire, c'est que j'ai la brosse plate Inca, j'ai sélectionné noir, je suis sur, ma prudence est couche avec multiplier. Et je vais essayer d'imiter la forme de l'ombre qui peut se produire de ces cheveux. Maintenant, cela peut être aussi précis ou aussi simplifié que vous le souhaitez. Et aussi basé sur le style que vous allez pour. J' ai essayé de l'obtenir aussi précis que possible, mais nous devons garder à l'esprit que nous ne sommes pas des ordinateurs. Vous n'obtiendrez pas d'ombres de base précises à 100 pour cent. Et faites donc vraiment de votre mieux. Ici. J' utilise l'Inca flatter et j'efface juste les morceaux dont je n'ai pas besoin qui sortent des cheveux là-bas. Une sorte de deviner à ce bord. Et je vais soulever cette section ici pour imaginer où sera ce morceau de cheveux du bas. Et puis je vais passer à mon outil Effacer, passer à la brosse douce et effacer légèrement la transparence. Donc, j'appuie légèrement pour que je puisse obtenir un degré de transparence sur cette ombre centrale. Maintenant, il a l'air un peu sombre, donc je vais recommencer. Et c'est un moyen très rapide de peindre dans les ombres du cœur. Je vais juste lisser ce bord là-bas. Et nous avons une ombre sur les coûts. Maintenant, je vais sauter droit devant le réticule de déjà placé et nous pouvons jeter un oeil à eux. Et vous pouvez voir que j'ai étendu cette ombre de coût ici, par ici, de haut en bas juste pour donner l'impression que c'est définitivement devant le reste de ces cheveux. J' ai ajouté une petite centaine de ce morceau de cheveux ici. Et puis j'ai aussi ajouté une sorte prudente d'imiter le bord des formes de coquille que ces coquilles coûtent sur le côté de la lumière en haut à gauche. C' est donc à peu près les seuls ombres de voiture qui sont ajoutées dans la pièce parce que nous avions déjà fait certaines des ombres de coûts clés au début du flux de travail. Quand nous faisions nos pas d'ombre, nous avons ajouté dans l'ombre de noyau de nick et nous avions cette ombre de noyau de nez très légère sous le nez encore. Et c'est quelque chose que nous pourrions vouloir améliorer, ce que nous pouvons faire lorsque nous effectuons notre dernière étape de nettoyage. Et c'est le coût. Des ombres. Écoute, donc il suffit de chercher des endroits clairs et évidents où si quelque chose coûtait cher, créez votre couche. Assurez-vous qu'il est défini pour se multiplier. Utilisez le noir, utilisez le bord de la brosse que vous pensez nécessaire pour les circonstances d'éclairage. Et puis aller peindre, effacer pour que nous ayons la transparence. Et c'est ainsi que nous créons rapidement des moulages, des ombres. Super. Je te verrai dans la prochaine leçon. 43. Module 3.15 : ajustements de post-production: Nous avons maintenant terminé toutes les étapes du flux de travail d'apprentissage, mais nous avons encore des choses à faire. Mais avant d'y arriver, c'est le moment idéal pour s'arrêter et considérer ce que nous pourrions changer en termes de niveaux, de teinte et de saturation des éléments individuels. Et pour effectuer ces ajustements numériquement et efficacement, ce que nous voulons faire est de fusionner nos couches ensemble. Donc, par exemple, ici, nous avons la couche de doublure de la peau et la couche de la peau plate. Ce que nous pouvons faire est de maintenir Maj, sélectionner les deux, cliquer avec le bouton droit, puis choisir Fusionner les calques. Et cela fonctionne plus ou moins de la même manière dans la plupart des logiciels. Et maintenant que les calques sont fusionnés, nous pouvons alors aller à l'image et au menu des réglages et choisir parmi une variété d'ajustements qu'il a dû apporter à cette section. Je vais aller de l'avant et fusionner les couches d'ellipse aussi. Et je suis allé de l'avant et j'ai fusionné tous les jours pour que chaque élément séparé ait maintenant l'éclairage et les appartements sur une seule couche individuelle. Et c'est vraiment juste une fois de plus, il est facile pour nous de faire ces modifications et ajustements. Sake la peau, par exemple. Tout d'abord, ajustons ses niveaux. Doit être les étiquettes de valeur, les lieux de document, les valeurs de gris de ton moyen et les valeurs de lumière. Et je vais ajouter quelques valeurs plus légères supplémentaires dans le joueur sous les tons moyens. J' utilise vraiment mes yeux pour voir ce que je ressens, se sent bien dans le contexte du fond gris et de la pièce dans son ensemble. Et puis cette boîte d'aperçu me permet de voir la différence entre mes modifications et la version précédente. Et il faisait un peu sombre. Donc je suis content que nous ayons augmenté la valeur de la peau là-bas. Maintenant, soyez prudent lorsque vous utilisez des outils comme ça. Vérifiez toujours votre lieu pour vous assurer que le lieu est toujours bien lu, vous voulez que vos lats et vos ombres contrastent clairement les uns contre les autres lorsque vous apportez ces changements. Alors soyez vigilants là-dessus. Prenons les cheveux par exemple. Nous allons faire un énorme changement quand les cheveux, Disons juste pour l'amour de l'argument, nous voulions qu'ils détestent être plus verts. Peut y ajouter un peu plus de vert, augmenter un peu la saturation. Et puis on pourrait garder ce changement. Et ça change un peu la sensation d'une pièce. Donc, ce que vous ferez une fois que vous aurez terminé l'éclairage est de prendre ce moment pour faire une pause, fusionner les couches ensemble et passer par les réglages de niveau afin que vous puissiez obtenir les étiquettes de contraste que vous voulez. Si vous avez fait quelque chose de trop sombre, nous avons fait quelque chose un peu de mauvaise couleur. C' est le Thom pour le changer avant de passer à autre chose. Alors assurez-vous que vous avez ce genre d'ajustements, arrêtez le point le long du chemin que vous travaillez à travers vos pièces. Je te verrai dans la prochaine leçon. 44. Module 3.16 : amélioration de la peau: Dans cette leçon, nous allons maintenant jeter un oeil à la dispersion souterraine sur la peau du personnage. Maintenant, la diffusion sous la surface définie est un effet de lumière qui se produit lorsque la lumière pénètre dans un objet, se disperse sous l'objet, puis provoque une légère lueur à l'extérieur de l'objet. Types de domaines à penser. C' est, par exemple, sur les oreilles quand la lumière brille à travers un personnage, est tous les petits morceaux de peau entre vos doigts. Vous avez probablement vu qu'il brille assez lu, parfois en fonction de l'éclairage. Évidemment. Une autre façon de penser à d'autres objets, par exemple, notre arme à feu, les ours gommeux d'eBay en sont un bon exemple. Et la gelée, par exemple, de la façon dont la diffusion sous la surface fonctionne avec la lumière pénètre dans l'objet, rebondit autour de l'intérieur et provoque ensuite un peu d'éclat pour ce qui est en dessous. Maintenant, évidemment, sous notre peau, beaucoup de vaisseaux sanguins et de sang. Et donc nous obtenons une femme cotée ci-dessous se produisant. Et c'est l'une des choses clés qui rend un personnage qui a l'air d'être un peu vicié ou peut-être vraiment pâle, les faire paraître un labo et nous allons le faire maintenant. Et je vais vous montrer un moyen très rapide et facile de le faire, en particulier dans Photoshop. Et la façon dont vous pouvez imiter cela dans d'autres applications est vraiment juste de créer une couche normale et juste mettre un peu de lumière sur raid ou un raid très cerise avec une brosse douce. Mais dans Photoshop, il y avait un grand mode de couche appelé éclairage doux. Donc, d'abord, j'ai créé une nouvelle couche ici et nous allons l'appeler essais ASA pour la diffusion souterraine. Et nous allons asseoir le mode calque ici à la lumière douce. Ensuite, nous allons saisir un rouge cerise très brillant sont brosse plus douce ici et doucement mettre la peinture de diffusion sous la surface comme indice est d'obtenir sur les zones où il serait. Maintenant, les zones communes pour la diffusion souterraine tendent généralement à être les zones cartilagineuses de l'oreille. Souvent les joues, très soudainement, parfois le nez. Et je vais vous montrer un effet bonus supplémentaire pour ça aussi. Alors faisons la zone de l'oreille par exemple. Je vais sélectionner la zone de la peau. En fait, ils ne veulent pas peindre sur les cheveux ou ailleurs. Je vais laisser le sprite dans une partie de ce rouge et très brillant rouge cerise. On va en faire sur les joues. Sois très subtil avec ça. Tu ne veux pas en faire trop. Et tu me verras défaire si j'ai l'impression qu'il est devenu un peu trop rouge. C' est une joue. Voilà l'autre. Maintenant, la beauté de la couche de lumière douce est qu'elle maintient les valeurs que nous avons placées en dessous. Donc, la façon de le faire, si vous n'avez pas de couche de lumière douce et votre logiciel pour vraiment jouer avec l'opacité de la couche aussi, juste pour obtenir ces valeurs à travers. Et certains sur son nez. Il faut être subtil avec ça. Droit ? Et huit lamelles petit truc qui est très intéressant à faire est mettre une partie de cela juste sur les coins des yeux, les coins des îles en haut à droite ici de cet ion. Donc je suis parti de ça. Et ça ressemble un peu au maquillage. Et vous pouvez utiliser ce calque pour apporter des couleurs supplémentaires. Si vous voulez donner un look de maquillage de personnage, allons-y avec le violet par exemple. Et nous pouvons réellement se propager et juste très légèrement là. Et il permet aux valeurs de s'afficher à travers. Pense, Allons-y avec le violet rien. Mais généralement aller avec ce taux de chaise est aussi assez agréable. Donc on va rester avec la voie violette. Revenons au rouge cerise. Maintenant. Les zones où l'on verrait cela se produire à plus grande richesse qu'une dispersion souterraine se trouvent aux articulations des genoux et des coudes. Donc ici je vais mettre un séjour verrouillé un peu de rose là-bas de ce char mandu, un peu ici aussi. Et ça améliore le look et rend le personnage plus vivant, non ? Qu' ils ont du sang qui coule dans leurs veines. Et si vous sentez l'effet est un peu trop fort et juste ajuster l'opacité de celui-ci. Je pense que je vais faire une subtilité préférée par rapport à la coloration au pinceau très large. Et bien sûr, faites-le pour ce qui vous semble le mieux et l'espace de travail pour vous. Et actionnons et désactivons cette couche et jetons un coup d'oeil. Et ce que cela fait au sentiment d'amour dans le personnage. Mais elle a l'air d'un jouet auparavant. Il va utiliser mon effacer doux. Oui. J'ai juste l'impression que c'est un peu à lire sur cette joue. Ça va me laisser en effacer une partie, donc gardez-le plus souple. Et c'est ajouter de la diffusion souterraine sur votre personnage en utilisant le labo souple. Le laboratoire utilisera juste une brosse douce dans un laboratoire normal et jouera avec l'opacité de ces notes de laboratoire. Je te verrai dans la prochaine leçon. 45. Module 3.17 : Technique de peinture de cheveux secrets: peinture des cheveux peut être une douleur royale dans les fesses à moins que vous ne connaissiez une technique de peinture secrète qui rendra votre vie super facile. Maintenant, à ce stade du flux de travail, nous avons déjà de belles zones de lumière et d' ombre créant les masses massives des formes des cheveux. Donc les cheveux se sont formés, mais ça ne ressemble pas vraiment à ici. Ça ressemble un peu à Platon ou quelque chose comme ça, non ? Et cette technique, vous m'avez vu l'utiliser une fois avant quand nous faisions l'éclairage spéculaire sur les sections de tentacules. Mais ce que nous allons faire avec cette technique, c'est que nous allons créer deux couches supplémentaires au-dessus de notre couche de cheveux. On appellera une ombre pour peindre les cheveux, d'autre part, peindre les lattes. Et on va utiliser le croquis de votre pinceau. La raison pour laquelle nous allons utiliser ce pinceau particulier, les propriétés du pinceau sont vraiment que sa pression détermine fois l'opacité et la taille. Donc, quand nous faisons un coup avec ce pinceau, Faisons juste un exemple de lecture ici. Nous obtenons huit degrés divers d'opacité le long du trait, et nous obtenons ces beaux points pointus à la fin. Maintenant, peindre ici est un processus de relâchement OVN. Vous voulez être lâche et fluide comme les cheveux eux-mêmes. Et donc ce que nous allons faire, c'est d'améliorer les zones lumineuses existantes et les zones d'ombre existantes avec des coups de cheveux. Ensuite, nous allons utiliser notre brosse douce pour effacer les pointes, pour se mélangent bien et qu'elles soient vraiment lisses. Je vais faire un petit exemple de section, probablement sur cette bande ici. Et puis je vais vous montrer à quoi il ressemble dans mes versions que j'ai fait sur l'ensemble des cheveux, le processus est vraiment un processus de rinçage et de répétition une fois que vous avez toutes ces formes de base vers le bas. D' accord, une fois que vous aurez toute la base glissante que nous avons déjà fait. Donc je vais faire d'abord c'est que je vais choisir ma valeur d'ombre ici. Et je vais l'assombrir un peu. J' ai coupé ces deux couches à l'éclairage de la tête là-bas. Si vous n'avez pas d'écrêtage de votre logiciel, vous pouvez simplement mettre les couches sur le dessus et créer une sélection de vos cheveux et simplement peindre sur les couches de cette sélection. Donc ce que je vais faire ici, c'est que je vais d'abord travailler sur les ombres. Et je conseille de le faire dans le flux de travail de toutes les ombres d'abord, puis toutes les lumières éteignent à cela. Et comme une note supplémentaire. Et vous pourrez voir ce processus de peinture complet dans le flux de travail complet de cette vidéo. Donc la vidéo à temps plein de cette peinture en particulier, non ? Alors allons y aller et faire pivoter la toile ici. Une des raisons pour lesquelles j'écris en faisant tourner la toile est parce que j'ai besoin ce flux et que j'ai besoin de circuler correctement avec les lignes. Ce que je fais c'est que j'ai trouvé les zones d'ombre et ensuite j' en tire quelques coups. Et à droite. Donc je tire les ombres si vous voulez, des zones ombragées. Et j'essaie d'obtenir une belle variété de coups ici. C' est la piscine un, une autre là. En fait, vous voulez essayer de garder les détails. Le détail du trait. Ne pense pas à toi, Oh, ça a l'air désordonné. C' est bon. Avoir un degré de détail de course. En passant par le chevauchement des pelouses et ainsi de suite. Et aussi changer la taille de votre brosse n'est pas la maison et obtenir quelques rayures très fines pour sortir ainsi et de traverser les formes et le mirage. Et il a tiré celui-ci un peu là-haut. Vous pouvez voir sur la clé très, très forte avec la brosse, j'essaie d'être très lâche. Il y a une sorte de chien, désolé. Je suis un peu risqué avec ça. Mais je tire certains de ces fils dans une précipitation. Et une fois que cela est fait, vous appuyez sur E pour aller à votre gomme, utilisez une gomme douce, puis effacez légèrement les pointes des cheveux. Peut-être que c'était un peu trop fort ou mon intrigue. Allons juste annuler ça. Droit ? On veut, on veut juste obtenir les pourboires. Et vous feriez des ombres plus anciennes de cette manière particulière. Et vous pouvez déjà voir comment ça commence à ressembler un peu plus à de vrais cheveux. Bien sûr, dans la version générale universelle flux de travail des cheveux. Maintenant passons à la peinture, laisse les lignes de peinture des cheveux. Et on va faire la même chose, la même brosse. Je vais sélectionner ces valeurs très légères ici. Goûtez-le, assurez-vous que ce n'est pas une branche. Et on va y aller. Et surtout avec les lumières, nous voulons faire preuve de retenue. Encore une fois, nous n'alignons pas chaque section des cheveux avec l'un de ces reflets lumineux. Seulement vraiment les zones que nous avons raillé comme ayant ces derniers points de vente. Il n'y a donc que quelques zones. Oui, nous, nous avons eu ce dernier point culminant. Vous voulez mettre ces rues de cheveux les plus brillantes dans ces zones seulement. Droit ? Et alors ce que je vais le faire à nouveau. Donc je vais essayer d'être très lâche ici. Je vais augmenter cette valeur un peu plus. Et je vais retirer ces fils de l'endroit apporté. Juste comme ça. Allons faire quelques petits coups là-dedans. On va faire le gazon ici aussi. Ce morceau de cheveux par ici. Ne vous inquiétez pas si vous exagérez un peu certaines lignes parce que c'est ce que l'outil d'effacement est plein. Je vais utiliser juste un pinceau légèrement plus petit. Maintenant, cette technique particulière peut être mis à l'échelle tige jusqu'à très, très réaliste cheveux. Vous avez juste vraiment à vous demander, quel point voulez-vous que le flux de travail d'éclairage de la tête soit détaillé ? Ok, donc tu peux mettre cette tige à l'échelle photo-réelle ici si tu veux. Fonctionne exactement de la même manière. Et ici, je suis passé à l'eurasie. Et j'efface encore une fois ces pourboires. Et donc nous avons un morceau de cheveux bien arrondi. Oui, assez convaincant pour le style actuel du flux de travail. Droit ? Laisse-moi te montrer à quoi ça ressemble quand tout est rendu. Et vous pouvez voir à quel point j'ai été prudent avec les zones de surbrillance, non ? Nous ne voulons pas avoir trop d'urnes de surbrillance, mais comme pour les ombres, devenez fous avec les ombres, mettez-les là où vous voulez qu'elles soient. Ils apportent vraiment cette sensation supplémentaire des fils ici et ils courent tout le morceau, non ? C' est la technique secrète de la peinture des cheveux, peignant des coups avec un pinceau avec opacité et pression sur SES. Et puis en utilisant une brosse douce pour effacer les bords, nous travaillons dans une ombre et beaucoup de phase sur cela. Souvenez-vous de deux valeurs. Je vais pivoter très important pour presque tout ce que nous faisons quand nous peignons. Et c'est la fin de cette leçon. 46. Module 3.18 : ajuster la couleur de lignes de lignes: Dans cette leçon, nous allons jeter un oeil à la coloration des lignes. Mais avant d'y aller, jetons un coup d'oeil à quelques notes sur les poids de ligne eux-mêmes. Si vous avez des lignes épaisses dans votre pièce, elles sont plus difficiles à cacher. Et de façon générale, vous voulez alors vous assurer que si vous faites des lignes épaisses, elles sont là pour une raison et qu'elles font réellement partie de la pièce. Donc, dans cette pièce, par exemple, les lignes sont des moyens d'être ici. Nous n'essayons pas de peindre les lignes à un stade ultérieur. Maintenant, si vous voulez avoir un regard plus pictural dans votre travail où vous ne voulez pas voir les lignes à la fin, alors vous voudrez opter pour des lignes minces dans vos prêts de nettoyage parce que les lignes minces peuvent être facilement cachées. Bien sûr, les poids LEN varient. Vous avez peut-être appris des poids qui sont très, très épais. La fourrure est un peu plus d'un poids de ligne de style graffiti et évidemment les lignes de la caractéristique NRA de l'œuvre. Donc, vous voulez les garder, que vous les coloriez ou non, les terres ou une entité et vous voulez les garder visibles. Mais gardez juste à l'esprit que si vous alliez pour un style très pictural, regardez, lignes plus fines sont meilleures et vous voulez garder les poids de ligne très petits et minimaux parce que vous allez laisser la peinture et la coloration faire le discours. Mais des lignes plus épaisses seront répandues dans travaux plus illustratifs où vous voulez voir les lignes. Alors gardons cette note à l'esprit. Donc, en allant sur la coloration de la ligne, il est vraiment un processus assez simple. On va utiliser la brosse douce pour faire ça. Et nous allons créer un calque au-dessus de notre calque de lignes. Et si vous utilisez Photoshop ou un logiciel qui permet l'écrêtage, vous pouvez le découper sur le calque de lignes, ce qui crée simplement une sélection. Vous pouvez également contrôler, cliquer sur la vignette, créer une sélection, cliquer sur Contrôle H pour masquer cette sélection, puis créer un nouveau calque en haut. Et puis vous pouvez aller de l'avant et peindre les lignes. Et donc la peinture au trait est assez subjective. Vous pouvez faire ce que vous voulez tant que vos formulaires sont toujours en train de lire. Maintenant, une façon courante de faire la peinture au trait est de sélectionner une valeur plus foncée ou une valeur d'ombre de la zone actuelle. Ainsi, par exemple, dans le maigre, je vais cliquer sur la valeur de l'ombre de la peau, puis faire les lignes de toutes les zones de la peau cette valeur d'ombre. Et vous pouvez voir ici, il y a un bon effet adoucissant à la pièce. La pièce n'a pas l'air si dure et donc magasiner plus. Très similaire à ce que nous faisons dans le ramollissement de la ligne lorsque nous adoucissons les lignes à l'aide de l'outil de flou. Et de même avec les cheveux, je choisirais une valeur d'ombre de cheveux ici et aller de l'avant et faire toutes les lignes des cheveux que la valeur d'ombre plus foncée. Et cela adoucit vraiment l'apparence de tout et le rend un peu plus professionnel. Bien sûr, cela est bloqué dépendante. Vous pouvez aimer les lignes noires, et personnellement j'utilise beaucoup de lignes noires, donc tout dépend de vos préférences. Une autre technique que vous pouvez faire est si la valeur de la zone que vous faites est de cinq à 10, donc c'est une zone très sombre. L' idée est d'utiliser une valeur très légère pour les lignes. C' est un ish assez moderne. En haut de l'oeil. Vous verrez beaucoup d'animation moderne et beaucoup d'illustration fera cela là où les zones plus sombres ont des lignes très claires. Et puis inversement, les valeurs de cinq à un, les valeurs plus légères ou utilisées sur les surfaces qui sont des valeurs de cinq à un. Vous utilisez ensuite une ligne plus foncée. Ainsi, par exemple, la peau, nous utilisons ensuite une ligne plus foncée. Et vous pouvez voir qu'il a un effet assez agréable. C' est évidemment plus un effet illustratif parce que, bien sûr, vous ne cachez pas autant les lignes. Last but not least, vous pouvez également faire toutes les lignes en une seule valeur. Et une technique commune pour cela est d'utiliser un brun plus clair, ce qui est assez agréable. Je vais le faire sur toute la pièce ici. Et cela a aussi un regard très particulier à ce sujet. Vous avez peut-être vu ça avant. Il aide également à adoucir la pièce. Je conseillerais d'utiliser juste une valeur légèrement plus foncée pour les yeux cuz vous pouvez voir que vous pouvez perdre beaucoup de lisibilité dans les yeux. Mais il adoucit la pièce entière vraiment belle scène. Et bien sûr, vous ne pouvez pas vraiment faire ce que vous voulez avec nous tant que votre image est toujours en train de lire. Utilisez donc votre vision créative et votre subjectivité créative pour décider ce que vous aimez le plus. Et cela en un mot, c'est la coloration de ligne. 47. Module 3.19 : Over Peinture: Nous sommes maintenant très, très près de finir comment la paix. Et donc nous passons à la scène de surpeinture. J' ai créé un calque ici appelé sur la peinture, et il se trouve au-dessus de toutes les autres couches. Maintenant, vous voulez faire l'autre étape de peinture une fois que vous êtes prêt, heureux que toutes les valeurs et les couleurs qui utilisent les saturations, tous les ajustements ont été faits et vous êtes vraiment heureux avec la pièce à ce stade, sorte que vous pouvez aller dans et utiliser l'autre couche de peinture pour changer les choses, déplacer les choses, peindre dans les petites lacunes que vous avez manquées, et ainsi de suite. Donc vous voulez vous assurer que tout va bien avant de faire ça parce que l'autre peinture reste au-dessus de toutes les autres couches. Et donc si vous deviez faire d'autres ajustements, les choses cesseraient d'être bizarres. Maintenant, bien sûr, vous pouvez aller à ces couches individuelles, par exemple, le plus mince et fixer la peau ou à la main. Généralement, la couche de surpeinture est faite juste à la fin. Très bien, alors on y va. Et ce que je vais faire, c'est que je vais utiliser le pinceau doux et peut-être le choix de couleurs beaucoup et peindre littéralement sur des éléments pour nettoyer ces zones. Et donc, par exemple, je vais réparer ces petites zones grises là-bas. Et en gros, je choisis juste la couleur et vaporise pour sortir ces zones grises. Et j'ai déjà pensé à certaines choses que j'aimerais changer sur la pièce, en particulier sur son œil gauche. Elle dans l'œil gauche ne lit pas très bien de loin comme il n'y a pas assez de vert. Je sens qu'il n'y a pas assez de vert. Donc l'autre peinture il y a une chance parfaite pour moi de venir ici, ajouter un peu de lumières supplémentaires comme si je dessinais juste au-dessus de tout et que les choses lisent un peu. Vous pouvez voir la différence là-bas avant. Et souvent ça va regarder de plus près avant. Après, il y a un peu plus grand, j'ai lu là-bas. Et donc, en fait, c'est 1 sur la peinture, c'est votre chance de combler toutes ces petites lacunes avant de passer aux ajustements finaux, aux ajustements globaux et aux effets de la phase de post-production. Et donc je vais continuer à faire ça. Et au moment où vous arriverez à la prochaine leçon, toutes ces petites lacunes seront comblées et nous serons prêts à aller de l'avant. On se voit là-bas. 48. Module 3.20 : Effets de production postérieure à produire 1: Nous avons maintenant atteint la dernière étape de post-production de la pièce, et nous allons examiner quelques effets différents que nous pouvons faire sur l'image pour vraiment finir. La première chose que nous allons examiner est le dégradé d'ombre, ainsi que l' ajout d'un calque de superposition d'équilibrage des couleurs. Donc, en ce qui concerne le dégradé d'ombre, ce que nous devons faire avant de pouvoir travailler sur ces effets, c'est que nous voulons tout fusionner en un seul calque. Donc, nous n'avons plus plusieurs couches, nous n'avons qu'une seule couche. Et donc ce que vous devriez avoir à ce stade est une surpeinture près de la couche d'ombres de base, couche spécularité, ombres d'occlusion, votre couche de coloration de ligne, vos lignes elles-mêmes, ainsi que la coloration et la peinture groupe. J' ai encore un groupe qui a tous nos éléments individuels, des couches sur eux. D' accord ? Et nous voulons ramener tout ça à une seule couche. Et ce que nous pouvons faire est simplement de les sélectionner tous, puis de les fusionner tous ensemble. Alors, d'abord, faisons un renfort. Je vais tous les sélectionner ici. Nous laisserons la couche Vérification de la valeur. Je vais dupliquer tous ces calques en cliquant avec le bouton droit de la souris en allant dupliquer. Et puis je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et fusionner les couches dupliquées ensemble. Et toutes mes vieilles couches. Je vais simplement les sélectionner ensemble, créer un nouveau groupe et les mettre dans un groupe et simplement les appeler source, parce que c'est la source originale de tout. Ensuite, nous allons simplement désélectionner la visibilité. Donc maintenant, l'image entière est juste sur un seul calque et elle est prête pour nous à faire nos effets. Donc je vais appeler ça les effets un et nous allons faire les différents effets dont je viens de parler. Ok, donc la première chose que nous allons faire est de garder contrôle et de sélectionner l'image entière. Je vais cacher cette sélection. On va prendre le pinceau doux et le noir. Et je vais créer un nouveau calque sur le dessus. On va appeler ça un dégradé d'ombre. Nous allons mettre ça à se multiplier. Maintenant bien sûr, gardez à l'esprit que ces effets que je vous montre entièrement facultatifs. Et ils viennent d'ajouter des extras et vous montrer quelques trucs cool et astuces que j'aime faire sur mon travail. Donc, généralement, la plupart des caractères, la plupart des choses sont allumées en haut à droite, ce qui signifie que nous allons avoir des valeurs un peu plus faibles en bas. Ainsi, le dégradé de déversement sur une couche multiplier avec le pinceau doux réglé sur noir est vraiment juste un moyen rapide d'assombrir certaines des zones inférieures et de garder les zones supérieures plus légères. Donc tu veux juste le faire. Tu veux le garder assez subtil. Et c'est à peu près ce qu'on fait là-bas. Et l'une des raisons pour lesquelles nous faisons cela comme dans le travail de caractère, le point focal numéro 1 est généralement la tête, généralement toujours la tête. Et le point focal numéro deux est les mains. De façon générale, cette section de la pièce devrait être la plus légère, la plus contrastée, et ainsi de suite pour attirer l'attention sur ce point focal. C' est donc le dégradé d'ombre. La prochaine chose qu'on va faire, garder notre même sélection. Nous allons à la couche de crédit et nous allons l'appeler notre couche de superposition. Et nous allons utiliser ce calque pour créer un effet d'équilibrage des couleurs dans lequel nous appliquons une seule couleur. Ça pourrait être n'importe quelle colonne et vous montrer que nous allons utiliser un bleu. Et ce que cela fait, c'est qu'il apporte en quelque sorte toutes les différentes couleurs dans une famille plus équilibrée de cette couleur de superposition particulière. Mais allons y aller et tu verras ce que je veux dire. Donc je vais faire ici, c'est que je vais prendre le pinceau de fuite Inca. Nous avons toujours notre sélection. Et je vais juste sélectionner un bleu très vif, non ? La valeur la plus élevée, le bleu plus vif ici. Nous avons appelé la superposition de couche, et c'est ce que nous allons faire. On va juste faire une sorte d'appartement bonjour sur toute la pièce. Droit ? Et c'est quelque chose que j'ai tendance à faire avec tout mon travail. Et la valeur change, mais la couleur change. Mais l'idée, Robert, est la même. Ce qu'on fait, c'est qu'on coûte presque penser à ça comme si tu lui donnais une lumière. Regrouper toutes les valeurs et couleurs que vous avez utilisées dans une seule famille de sortes. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va rester en mode calque pour superposer. Très bien, donc le mode de couche de superposition. Et puis nous allons réduire considérablement l'opacité dans ce genre de région de 5 à 10 pour cent. Et vous pouvez l'ajuster si nécessaire. Et donc ici, actionnons-le et éteignons-le. C' est un effet très subtil, mais il amène en quelque sorte toute la gamme à un coût d'éclairage similaire, si vous voulez. Droit ? Donc tout semble maintenant plus unifié. Ecrire toutes les couleurs semblent un peu plus unifiées. Et c'est le dégradé d'ombre et le calque de superposition au-dessus de nos effets, qui est maintenant un calque groupé, qui est un calque fusionné compressé de tous nos éléments sur un seul calque. Passons à la leçon suivante. 49. Module 3.21 : Effets de production post-production 2: Lorsque la lumière à différentes longueurs d'onde se réfractent à différents angles, vous obtenez parfois un effet appelé aberration chromatique. Vous voyez en quelque sorte quelques couleurs différentes sur un objet. Et cela peut parfois rendre l'objet un peu plus tridimensionnel, juste dans un sens général. Et donc ce qu'on va faire, c'est appliquer un effet de type aberration chromatique à notre travail. Et comment allons-nous le faire, c'est que nous allons d'abord sélectionner toutes nos couches, dupliquer et les fusionner en une seule couche. Nous pouvons désactiver notre ancienne superposition déverser un gradient et la loi de Fick, parce que maintenant nous avons tout sur une seule couche. Ensuite, nous allons vouloir garder le contrôle et sélectionner l'espace entier de l'image ici. Je ne sais pas pourquoi cette petite zone il n'y a pas de sélection, mais je vais aussi éditer. droite. Maintenant. Dans Photoshop, c'est principalement ainsi que vous faites cet effet particulier. Si votre logiciel prend en charge les canaux, vous pouvez également le faire là. Je vais passer à l'onglet Canaux dans Photoshop, qui est à côté de l'onglet Calques. Et ce que font vraiment les canaux, c'est qu'ils vous permettent d'éditer toutes les informations de couleur rouge ou verte ou toutes les informations de couleur bleue d'une image. Et ici, vous pouvez voir que toutes ces informations plus il combiné sont toutes visibles, ressemble très à la dernière étape. Ce que je vais faire, c'est que je vais cacher ma sélection. Je vais sélectionner juste la chaîne de radio. Je vais appuyer sur V sur mon clavier, donnez-moi mon outil de déplacement. Et je vais utiliser le clavier pour pousser ou déplacer l'image d'un pixel en utilisant les flèches directionnelles sur le clavier. Je vais déplacer tous les pixels rouges juste une fois vers la gauche. Je vais sélectionner le vert. Utilisez à nouveau le clavier. Et nous avons tous les pixels verts veut à droite. Et je vais sélectionner le bleu. Nous avons tous les pixels bleus une fois vers le haut. Donc je suis allé pour le haut, mais vous pouvez le faire dans la direction que vous voulez. Et personnellement, je ne recommanderais pas de passer à plus d'un pixel à travers le plus vous le déplacez vers le fou comme il a l'air. Et donc ici vous pouvez voir l'effet de l'aberration chromatique, n'est-ce pas ? Allons le comparer à nos couches précédentes. Ce que je vais faire, c'est que je vais les dupliquer à nouveau, les fusionner à nouveau. D' accord ? Et la couche supérieure ici a notre aberration chromatique. Et ce n'est que nos couches de couleurs fusionnées. Jetons un coup d'oeil à la différence. Mais évidemment, ça a l'air un peu plus floue. Ce n'est pas forcément une mauvaise chose. Il y a notre ancienne version, et il a une nouvelle version avec aberration chromatique. Quand vous regardez de plus près ce qui se passe avec l'aberration chromatique. Vous pouvez voir que le déplacement des pixels est causé ces étranges changements de couleur qui se produisent, en particulier sur les bords des choses, n'est-ce pas ? Et l'effet peut être très agréable et vous n'avez pas à déplacer tous les canaux. Par exemple, vous pouvez déplacer seulement le rouge et le bleu, le rouge et le vert ou ce que vous avez. Je recommande de jouer avec l'effet et de voir ce qui fonctionne le mieux pour vous. Et c'est ainsi que vous implémentez l'aberration chromatique dans votre pièce, étant donné la vue, une sorte de sens de la 3D à cause de la façon étrange que nous avons fait apparaître la lumière comme réfractaire. 50. Module 3.23 : Conclusion au module 3: Nous avons maintenant atteint la fin du module 3. Et gardons à l'esprit le flux de travail principal de revêtement de formulaire, en particulier en termes d'ombres que nous avons fait dans la partie production de ce processus. Nous voulons nous assurer que les ombres et les formes lisent bien et regardent en 3D parce que tout le reste est relativement simple après cela. Alors assurez-vous que vous descendez vraiment ça. Apprenez-la par cœur, apprenez le principe d'apprentissage de la forme et investissez également dans votre phase d'ombre. Aussi ne vous inquiétez pas trop sur les effets de post-production parce que vous pouvez vraiment juste gâcher dans le logiciel et oublier vos propres effets que vous aimeriez faire à la fin de la pièce. Une fois que tout le travail a été fait, un time-lapsus de tout ce processus suivra cette leçon et vous pouvez l'utiliser comme un résumé rapide pour vous guider lorsque vous peignez votre propre travail. Alors jetez un oeil à ça. Dans le module 4, nous examinerons plusieurs façons de mettre à l'échelle les principes fondamentaux du flux de travail, ce qui nous permettra de faire une coloration simpliste et de l'adapter à une peinture plus avancée. Ça a été génial. J'espère que vous avez apprécié cela et appris beaucoup. Passons au module suivant. 51. Module 4.1 : Introduction à la couleur du personnage à la couleur et à la peinture: Bienvenue au Module 4, styles de coloriage et de peinture. Et dans ce module, nous allons jeter un oeil sur la façon dont nous pouvons utiliser ce que nous avons appris sur la lumière, la couleur, le principe de doublure complète et notre flux de travail et l'appliquer de différentes manières pour obtenir différents styles de coloration et de peinture pour notre travail de caractère. Maintenant, ce que nous voulons réaliser, c'est avec la théorie que nous avons apprise et l'idée générale du flux de travail que nous avons appris. Nous pouvons étendre nos connaissances à des peintures haut de gamme et réduire nos connaissances à une coloration simple. Et tout dépend évidemment du style de travail que vous voulez produire. Maintenant, lorsque nous pensons au flux de travail, nous voulons nous rendre compte que les flux de travail peuvent être flexibles. Cela dépend de ce que votre peinture est. Un flux de travail de style bande dessinée semblable à un flux de travail de peinture numérique haut de gamme est un flux de travail de peinture numérique haut de gamme semblable un workflow de style dessin animé très simpliste. Ils varient vraiment. Le flux de travail que nous avons appris dans le module 3 est donc une base solide dans un flux de travail de base solide pour nous. Mais les workflows peuvent être flexibles et vous pouvez vraiment concevoir votre propre workflow. La théorie haute d'un reste la même. Nous appliquons encore vraiment de différentes manières et à des degrés divers et des quantités variables. Le principe de la doublure en mousse et j'ai la théorie de la couleur et de la lumière. Nous choisissons et choisissons ce que nous voulons en fonction du style que nous recherchons. Et donc, quand nous passons à la peinture haut de gamme, nous utilisons beaucoup de théorie pour ne pas tout. Et quand nous réduisons à la coloration simpliste, nous utilisons juste un peu de celui-ci, quelques morceaux et morceaux. Je suis vraiment excité de vous montrer ce que vous pouvez réaliser avec les connaissances que vous connaissez déjà. Alors entrons dans les leçons et je te verrai dans le module 4. 52. Module 4.2 : Réaliser la couleur à plat et la couleur de style dégradé: Nous allons maintenant jeter un oeil à notre premier style de coloration, qui est essentiellement la coloration plate avec des dégradés. Et un aspect définitif de ce style est que vous avez tendance à utiliser des couleurs pastel étaient vraiment, vous avez tendance à utiliser seulement tendu lorsque vous faites vos appartements. Maintenant, cette illustration particulière est l'une d'une princesse guerrière celtique, le nom est Gwen cerf. Et son style a toujours été conçu pour être ce type plat de style de coloration afin que ses lignes soient vraiment montrées bien. Maintenant, si vous choisissez ses appartements, vous remarquerez que tout est en quelque sorte de lumière. Il y a beaucoup de blanc dedans. Et il n'y avait vraiment pas de couleurs très sombres. Même le brun du bois n'est pas très sombre et pluvieux sur le panneau Couleur ici, vous voulez coller dans cette zone supérieure ici, dans cette gamme haut de gamme ici. Donc, nous ne sommes pas inquiets de faire nos flux de travail d'éclairage général à mi-chemin car avec ce style de coloration particulier, nous n'avons pas vraiment besoin de valeur plage. Il ne s'agit pas vraiment d'avoir un contraste de lumière et d'ombre. Par exemple. Nous voulons rester ici et puis nous allons évidemment juste différencier chez Hughes et faire des schémas de couleur des yeux et autres. Mais en gardant beaucoup de couleurs blanches, nous voulons garder beaucoup de blanc là-bas et utiliser beaucoup de dixièmes. Donc, c'est la seule chose que je suis allé de l'avant et pré flatté sur cette pièce entière pour vous montrer comment nous prenons ce style de coloration très simple juste un peu plus loin et amplifiez-le juste un peu. Et on va faire deux choses. La première chose est que nous allons utiliser la brosse douce et l'outil dégradé juste pour dégrader certaines zones et ajouter des tons différents. Et la deuxième chose est que nous allons utiliser l'outil Inca flatter pour ajouter quelques faits saillants. Et donc ici, vous pouvez déjà voir une simplification massive du flux de travail d'éclairage général où nous n'utilisons que des appartements n'étaient pas vraiment coller à la règle. Choix de valeur. Oui, nous allons simplement garder les choses simples et nous allons utiliser la couleur que nous voulons que les surfaces soient comme la couleur que nous allons choisir. Donc pas la couleur que nous espérons qu'elle sera quand elle sera allumée, plutôt le genre que nous voulons qu'elle soit comme la couleur que nous choisirons. Et donc ici, nous avons un plat séparé en couches séparées, comme d'habitude. Il commence par la peau et frappons d'abord les gradients. Ainsi, vous pouvez utiliser l'outil dégradé, vous pouvez utiliser la brosse douce. Ça n'a pas d'importance. Je vais changer la brosse douce. Je vais aller à l'outil de dégradé ici. Et cet outil fait un logiciel très particulier, logiciel différent et comment il fonctionne, mais c'est généralement le même, non ? C' est généralement la même chose. Et je pense que je ne vais même pas couper un calque. Je vais juste sélectionner toute la peau. Comment s'est passé cette sélection avec Control H ? Je vais utiliser cette petite icône ici, qui est un gradient radial. Et faisons juste une démo. Le dégradé radial crée juste un petit dégradé circulaire et aussi la queue de gradient horizontal créera un dégradé horizontal sur la surface. Utilisons réellement le dégradé horizontal. Et donc ce que je vais faire. C' est, je vais essentiellement habiller ces appartements. On ne fait pas d'éclairage hardcore. C' est un style de coloration très illustratif, orienté. Nous gardons l'accent principalement sur les terres liées aux lignes, faire le discours des formes pour nous avec un poids de ligne et le chevauchement du paysage et de parler. Et donc j'ai sélectionné un maigre, je vais juste le laisser tomber un peu. Peut-être changer la teinte juste un peu ici. Et on va juste faire un, juste beaucoup de dégradé sur sa peau là-bas. C' est à propos de ça. C' est à propos de ça pour ça. Et va au pinceau doux ici. Et on peut juste faire allusion à des ombres douces sur elle. Vous êtes prêt veut être subtil avec vous faire ça. Prenons juste un peu d'une valeur plus sombre. Maintenant. Ça a l'air amusant. Et je vais juste assombrir sa peau un peu là-bas et choisir quelques zones comme la grande scène d'ombre d'un saint. Mais tu n'es vraiment pas obligé, tu n'as pas à y réfléchir trop fort, c'est d'être honnête avec toi. Rush. Donc, c'est que nous pouvons ajouter un cours de diffusion sous-surface implicite. Sois subtil avec ça. Juste sur ses joues et de la peinture dans ses lèvres, mais juste très légèrement. Nous gardons les choses très, très beaucoup. Nous ne voulons pas casser l'utilisation de la palette pastel que nous avons ici, n'est-ce pas ? Sont des granulés très teintés, non ? Et n'oublions pas les dixièmes ou effectivement sont des teintes avec beaucoup de envie d'écrire une couleur avec beaucoup de blanc ajouté à elle. Droit ? Et donc il se déplace à travers la pièce. Par exemple, l'alma ici, sélectionnez l'AMA avec ma brosse douce et vraiment juste habiller un peu, non ? Ce n'est pas un plan de travail très intensif. C' est aussi très rapide. Cela ne prend pas aussi longtemps que le flux de travail normal, n'est-ce pas ? Et donc j'ai traversé la pièce et je l'habille. Et comme vous pouvez le voir, c'est assez simple. J' en suis sûr. Maintenant que vous connaissez le replay complet de l'éclairage, vous pouvez voir à quel point ce rayon est simple. On ne met pas d'ombres de base, on n'y met pas d'ombres de forme. Nous ne mettons pas nécessairement la doublure réfléchie. Vous pouvez, mais en général, vous n'avez pas besoin de le faire. Vous pouvez jouer avec ça si vous le vouliez. Et puis allons juste regarder les faits saillants. Retourne à la peau là-bas. Ce qu'on va faire ici, c'est que je vais juste choisir une valeur beaucoup plus légère du ton de la peau de base commuté au pinceau de fuite Inca. Et je vais juste sortir dans un point culminant leurs petits points. Mets-en un sur l'épaule. Vous pouvez aller choisir les zones que vous souhaitez louer des lots. Peut-être ici, sur le genou. Depuis un très, très simpliste. Et c'est à peu près ce que nous faisons sur toute la pièce jusqu'à ce qu'elle soit terminée. Juste très, très, très, très, très subtil. Coloriage, en se concentrant sur les plats et en s'assurant que le schéma se lit bien. Et oui, en les gardant dans PESTEL et dans la gamme pastel, nous allons à la hauteur, ouais, nous allons simplement ajouter les lats à l'AWS. Les personnages avaient l'air tout à fait fait quand vous n'avez pas le lot de modifications aux yeux. Même avait un petit point culminant à l'œil aussi, juste avec une brosse dure. Et c'est vraiment les écrous et les boulons de tout ça. Et cette pièce en particulier aussi, je pense qu'elle serait beaucoup plus agréable. Fusionnons les calques ensemble. Elle va les dupliquer et les fusionner. Let's morceau serait beaucoup plus agréable avec des lignes brunes et brunes. Ça ramollirait un peu. Donc, je sélectionne toutes les lignes là-bas. Et une, ma brosse douce et probablement un brun assez foncé ici. Nous ne voulons pas que les lignes soient trop nombreuses. Il est là va devenir illisible et juste aller de l'avant et peindre toutes les lignes marron. Et quand il s'agit de matériaux de rendu de surface qui était rendu, si vous voulez, par exemple, si vous voulez que les métaux regardent un petit moment et tige métallique parce que vous ne voulez pas qu'ils soient trop plats. Et prenez votre brosse plate. Allons à la zone de Palmar ici. Je vais juste découper un calque sur ça. C' est juste qu'on appelle ça beaucoup d'armures. Je vais juste en utiliser un. Il va faire la même technique que nous faisons pour certains faits saillants. Et disons qu'on a beaucoup de choses en train de courir ici. Rush. Donc je vais l'appeler « pinceau » beaucoup là-dedans. Je pourrais juste aller avec ça même ça semble correct. Et puis ce que je peux faire est juste effacer doux. Oups. Je suis sur l'outil d'effacement et je ne le suis pas, je vais effacer doux ces bords. Et ils ont juste enlevé un bord, puis un latin il vers le haut. Et boum, on a un beau reflet et on peut juste rincer et répéter ça, traverser les surfaces. Et vous pouvez bien sûr, aller de l'avant et juste brosse douce, douce dans certains faits saillants aussi bien si vous le souhaitez. Mais rappelez-vous que vous voulez garder l'accent sur les lignes et sur les plis plats, vraiment, les chutes plates et les terres font tout le travail. Si vous commencez à ajouter trop de couches d'éclairage, alors vous commencez à passer dans un style différent, n'est-ce pas ? Parce que plus nous utilisons d'éléments, tout le flux de travail d'éclairage, plus il sera tridimensionnel. Ensuite, vous commencez à entrer en conflit avec le niveau de détail que vous avez diverti et le niveau de détail que vous effectuez le rendu. Et il n'y a donc que quelques faits saillants sur la peau. Mais garder les choses très simples et très plates. Et c'est un moyen très rapide et facile d'obtenir un plat coloré avec des dégradés. Regardez votre travail, ce qui est très agréable pour les pièces bien illustrées où vous vous concentrez sur les lignes, sur les poids de ligne et vous laissez vraiment le dessin faire la forme parler et le parler en trois dimensions plutôt que le se colorier. Super, passons au style suivant. 53. Module 4.3 : Animation et style animé de l'ombre des cellules 9: Dans cette leçon, nous allons jeter un oeil au style d'animation ou à ombrage de cel style anime en termes de comment nous arrivons à la pièce, nous voulons obtenir un look ombragé authentique comme si nous étions en train de capturer une image d'animation. Vous remarquerez donc que nous utilisons un processus très similaire à celui que nous avons utilisé avec l'Inde. Nous avons des appartements de couleur pastel qui se passent ici. Et vous voulez aborder de la même manière, en en tenant à cette gamme de valeur très élevée avec beaucoup de couleurs blanches comme vos appartements. Et ce que nous allons faire, c'est que nous allons habiller chacun des appartements la même façon que nous avons habillé les appartements dans la couleur plate de base. Cependant, nous n'allons pas impliquer des ombres de toute façon. Donc ici, vous pouvez voir que j'ai travaillé un peu sur le visage et j'ai ajouté quelques pulvérisations douces de fard à joues. Et j'ai ajouté des lats doux dans ses yeux. Et vous pouvez ajouter des lumières à travers la pièce et juste des variations de couleur générales, très similaire à l'étape de variation de couleur que nous avons fait dans le flux de travail universel général. Et il le fera à travers toute la pièce, en ajoutant quelques variations de couleur et en ajoutant un peu de temps, mais en ne touchant pas du tout les ombres. Parce que la façon dont nous faisons les ombres. Alors, qu'est-ce qui va définir cet aspect ombragé de cellule ? Et c'est dans cela que nous allons nous lancer maintenant. Donc ici, nous pouvons voir toutes les couches plates. Et ce qu'on va faire, c'est qu'on va créer une couche au-dessus des appartements, et on va appeler cette cellule ombragée ombres. Ça va être un peu tordu de la langue. Ne vous inquiétez pas pour ça. Et qu'est-ce qu'on a cette couche ? Nous allons définir le calque en mode multiplicateur. Et nous allons asseoir l'opacité de la couche à environ 20 à 25 pour cent. Allons-y et 21, c'est marrant. Quand utiliser notre Inca pinceau plat et demandé brosse à bord dur et noir. Et tu veux avoir ce joli avantage ferme, non ? Et nous allons faire toutes les ombres, toute la pièce sur cette couche. Et ce que fait la couche multiplier, c'est qu'elle multiplie les valeurs des appartements sous-jacents. Et cela crée en fait une diminution automatique de la valeur sur ces couleurs spécifiques. Ainsi, par exemple, si nous regardons la peau ici dans le sélecteur de couleur, ajoutez de la couleur, choisissez la peau. Et ici, nous obtenons la valeur des peaux et la couleur de la peau. Et puis quand je colore, choisissez le, oh, la cellule ombragée couche d'ombres avec notre noir multipliez 20%. Vous pouvez voir qu'il se déplace vers le bas en valeur. Donc, lorsque je clique dessus et que nous obtenons un changement de valeur là-bas. Et il le fait automatiquement sur tous les appartements sous-jacents. Donc la même chose arrive avec les cheveux. Nous avons les cheveux à une valeur plus élevée, puis un obturateur automatique à une valeur inférieure. Nous avons donc un processus en deux étapes quand nous faisons des ombres de cette façon. Les premiers processus que nous allions et nous peignons toutes les ombres de la pièce. Ensuite, la deuxième chose que nous allons faire est d'appliquer un filtre de flou guassien pour tuer les bords très durs que cette technique particulière crée. Et quand vous faites cela, vous obtenez un look très, très authentique à vos morceaux ombragés de cellule. Maintenant, vous pouvez le faire avec le travail de style Disney, peut le faire pour le travail de style manga. C' est juste un look particulier si vous voulez réaliser cette animation alambics, haut de chance dans votre travail. Droit ? Allons-y et on va faire quelques ombres sur son visage. Et n'hésitez pas à vous assurer que vous êtes sur Black. N' hésitez pas à utiliser l'outil d'effacement autant que nécessaire et vous utiliserez probablement l'outil d'effacement dur. Assurez-vous donc que votre outil d'effacement est aussi sur incur flatter ou n'importe quelle brosse dure que vous utilisez. Alors, allons-y. Vous pouvez voir que je peux caresser autant que pareille parce que la brosse à fuir Inca n'est qu'une brosse à opacité solide. Vous n'obtenez aucune variation dans les coups, donc c'est toujours, toujours la même chose. Appliquera cette ombre là. Il fera apparaître une ombre sur sa joue. Fais ça. Mettez une ombre ici pour son nez, visage et nous allons juste effacer ce qui aurait dû en sortir ici. Et nous voulons tout cela dans l'ombre. Les chances de lire super méchant. Peut ajouter de l'ombre ici dans ses cheveux. Et vous pouvez également utiliser l'outil d'effacement pour façonner les ombres que vous créez. Donc on va juste les peindre. Juste effacer l'ombre inutile dans les cheveux ici. Et si vous le voulez, vous pouvez totalement le faire par couche et les termes de vous pouvez le faire. Vous savez, vous pouvez faire juste les peaux, ombres si vous voulez, juste les cheveux comme etc. etc. Mais vous trouverez qu'il est vraiment vraiment facile et vraiment pratique de le faire très facilement. Juste sur une seule couche dans toute la pièce donnera à sa lèvre supérieure une ombre, juste un peu d'ombre là. Et faisons son écharpe aussi. Tout comme un exemple d'autres surfaces aussi. Maintenant, vous pouvez aller de l'avant et rendre cela aussi complexe ou aussi simple que vous le souhaitez. Ça va avoir fière allure. De toute façon. Si vous obtenez trop de petites ombres dans le style commence à changer un peu. Donc regardez juste d'obtenir trop de petites formes d'ombre. Donc, ce que vous voulez faire, c'est penser à la façon dont les ombres de forme peuvent apparaître. Vous utilisez toujours votre théorie d'apprentissage en termes d'avions et vous demandez, hé, où certaines de ces ombres de forme apparaîtraient encore dans la pièce ? Et comment ont-ils enveloppé les différents objets ? Et je suis sûr que vous pouvez voir que l'effet commence déjà à fonctionner. Nous avons vraiment ce look d'animation que vous allez voir tout se réunir vraiment bien quand nous appliquons ce flou gaussien aux volets que nous avons appliqués. Bon, donc nous avons notre couche d'ombres ombragées de cellule ici. Ce que nous allons faire maintenant, c'est quand appliquer ce flou, filtre, flou et flou gaussien. Et nous voulons adoucir les bords, mais nous ne voulons pas en faire un hyper flou. Donc c'est comme ultra flou. On ne veut pas devenir trop flous et on ne veut pas le garder au magasin. Assurez-vous donc d'adoucir les bords et vous pouvez simplement comparer votre aperçu, combien de ramollissement vous avez fait sur les bords. Et une fois que cela sera fait, vous aurez une pièce entièrement ombragée. Et donc vraiment le flux de travail, une fois de plus pour cela est que nous faisons nos appartements comme d'habitude sur des couches séparées. Nous nous assurons ensuite de rester dans cette gamme de couleurs pastel avec un schéma de couleurs pour ce type de travail. Nous pouvons ensuite aller habiller la couche, en ajoutant un peu de laxisme si nous voulons sentir un peu de zones claires avec une brosse douce gardant les choses très, très subtiles, rien de trop chaud vieilli. Ajout de certains effets comme la dispersion du sous-sol ou le blush des joues ici. Ensuite, nous créons notre couche d'ombres ombragées à une seule cellule pour multiplier l'opacité d'environ 20 %. Nous utilisons un pinceau dur sur noir sur cette couche pour entrer et ensuite peindre toutes les ombres de forme et obtenir ce regard ombragé de cellule dans notre travail. Et c'est ainsi que vous atteignez la coloration de style ombragée de cellule. Je te verrai dans la prochaine leçon. 54. Module 4.4 : Obtenir la couleur de l'aquarelle et la couleur de style bref: Dans cette leçon, nous ne allons pas jeter un oeil à une sorte de coloration de style aquarelle rugueuse. Et dans ce cas, nous n'avons pas fait d'appartement parce que nous allons effectivement appliquer directement la couleur que nous allons utiliser une seule couche de peinture pour obtenir toute la coloration et pas la chose à retenir est que tant que vous connaissez le flux de travail complet de peinture, vous pouvez choisir et choisir ce que vous voulez hors de celui-ci que vous pensez va travailler pour atteindre le style particulier que vous voulez atteindre. Donc j'utilise le pinceau aquarelle du pack de pinceaux. Ce n'est pas vraiment un vrai pinceau aquarelle. C' est quelqu'un pour travailler comme de vraies aquarelles, mais cela donne un bel effet rugueux et vous permet d'obtenir plus d'un aspect rugueux à votre travail et vous voulez plus d'un champ traditionnel. Et donc ici, nous avons ce personnage qui ont dessiné appelé Charlotte. Et on va juste commencer à la peindre telle qu'elle est. Maintenant. Vos choix de couleurs à nouveau, vont probablement via plus vers la lumière, plus vers le pastel lorsque vous faites top plus simpliste de coloration. Et vous avez affaire à des aquarelles réelles, des aquarelles réelles, vous travaillez de la lumière à l'obscurité, en construisant des couches d'aquarelle pour construire vos ombres. Et donc commencer ce dernier est généralement mieux. Mais bien sûr, c'est le cas. Il change en fonction de la couleur initiale que vous choisissez. Alors allons de l'avant et commençons à peindre ici avec ce pinceau. Et jetons un coup d'oeil à la texture de ce pinceau à nouveau à partir d'un IT. Et vous pouvez voir qu'il a des bords très doux et qu'il se construit sur lui-même d'une manière très naturelle et lâche. Il est en fait vouloir s'adresser pour être un peu plus sombre. Donc, ce sera un peu plus long que les leçons précédentes, mais j'espère que cela en vaudra la peine pour vous. Et ce que tu veux faire ici, c'est être très lâche avec des coups. Ne vous inquiétez pas de sortir des lignes. Allez-y. Peignez les zones dans lesquelles vous voulez peindre. Nous allons pour un look plus lâche et naturel. Comme vous travaillez. Essayez de travailler de l'arrière vers l'avant. Et ce que je veux dire par là, c'est vous demander, ce qui serait dans la couche la plus d'arrière-plan, non ? Dans certains cas, c'est l'habitude de la peau. Dans, pour la plupart ici, Il y a des robes, plus d'un fond, et donc nous travaillons tous en une seule couche. Nous ne nous inquiétons pas de la gestion des couches. Nous allons juste travailler sur cette seule couche et essayer de peindre de l'arrière vers l'avant. Donc, du plan de fond des éléments aux plaines de premier plan des éléments. Il va peindre dans son bras ici. Et on pourra nettoyer ce genre de bords désordonnés un peu plus tard. Nous ne nous inquiétons pas trop pour eux. Pour l'instant. On pourra venir plus tard et les nettoyer. Tu as ce saignement de couleur qui se passe. Comme par exemple, les cheveux de la peau coulant dans la robe, même la robe coulant dans les zones de la peau. Et c'est une sorte de pod du style d'une manière cette aquarelle rugueuse sur le dessus du look, vous aurez un peu de saignement qui se produit. Essayons de garder les choses lâches, de garder les choses naturelles. Je recommande ce style principalement pour des œuvres plus simplifiées afin que vous n'ayez pas à passer éternellement à peindre dans toutes les régions différentes. Vous pouvez voir qu'elle n'a pas une tonne de zones. Elle a des chaussures en peau, robe, ses cheveux, elle comme. Qui micro et vos notes musicales. Et c'est à peu près tout sur ces zones. Effectivement, je fais un genre lâche de fichiers plats. Tu pourrais dire. Il est d'obtenir ses chaussures et assurez-vous de quand vous nettoyez l'extérieur de la forme, assurez-vous d'effacer et ne pas colorer, choisir fond gris. Sinon, vous aurez des morceaux aléatoires de 12 peintures de qualité lorsque votre travail. Et vous, comme je l'ai dit, vous verrez des zones où il n'y a pas de couverture parfaite. C' est comme ça que c'est censé être, non ? Tu veux ce look naturel. Donc, ne soyez pas trop concentré sur vous soucier de la couverture. Remplissez tous les détails exactement comme ils devraient l'être, obtenant un peu de zones grises. Ce n'est pas grave. Droit ? Donne-lui un chapeau rose. Si vous avez déjà utilisé des aquarelles auparavant, vous savez peut-être qu'elles sont assez difficiles à contrôler. Ils ont tendance à saigner aléatoirement dans des directions aléatoires. L' application trop provoque le papier à froisser et à faire des choses bizarres. Et beaucoup d'artistes, traditionnel honnête à faire de la peinture à l'aquarelle a tendance à utiliser ce genre d'occurrences aléatoires pour, ils profiteraient et envoyer de la même manière lorsque vous faites soi-disant accidents heureux sur la pièce. Où tu as un saignement dans une direction bizarre ou quelque chose comme ça. Essayez de voir comment pourriez-vous intégrer cette erreur ou cette soi-disant erreur dans le travail, n'est-ce pas ? Au lieu d'essayer de lutter contre elle. Et donc je m'en tiens à des valeurs très élevées ici. Alors ajoutez les faits saillants dans ses yeux. Donc, nous continuions à aplatir chaque élément, mais en étant lâchement très, très lâche à ce sujet. Et quand il s'agit de l'ombrage, nous allons simplement baisser la valeur. Vous pouvez ajuster la teinte si vous le sentez nécessaire. J' aime parfois avoir une saturation écrasée dans l'ombre. Et puis venez ici et peignez vaguement en utilisant un sélecteur de couleurs à blâmer où vous sentez que l'ombre ne devrait pas être. Donc je vais, je vais colorer, choisir la peau, je vais colorer, choisir ma couleur ombragée. Et tu ne veux pas travailler trop dur avec ça. Tu veux garder l'aspect lâche et naturel. Je dois donc souligner cela aussi. Tu ne veux pas travailler trop dur. Vous voulez vous efforcer d'éviter les bords. Ça va deux hall SH, garder les choses agréables et lâches et naturelles. Maintenant, le seul domaine où vous pouvez commencer à devenir dur avec vos âges. C' est quand vous appliquez des faits saillants, deux choses. Et vous verrez que dans la coloration des bandes dessinées aussi bien quand nous faisons la stylisation des bandes dessinées, c'est quelque chose qui s'applique là aussi. Que généralement parlant, les faits saillants aident à avoir quelque chose lu très rapidement dans de sorte que les faits saillants ou où nous allons vouloir commencer à utiliser hada âges dans nos coups. Et donc ici, je suis juste en quelque sorte d'appliquer un peu d' occlusion et de mélanger les couleurs. Donc, il fait assez sombre en bas. On va l'apporter un peu. Lorsque nous arrivons au sommet pour garder les choses lâches, gardez ces bords doux. Je ramollit ces bords. Qui va nettoyer un peu l'intérieur de l'œil ici. On va juste faire une belle ombre ici. Et en fait le lot dans ses yeux vient des ascenseurs. Alors gardez ça un peu lotsa. Le haut de moins en moins. Et vous pouvez faire l'éclairage général ici aussi. Je vais faire quelqu'un qui ici, ici et juste augmenter cette valeur un peu avec un éclairage général. Le très haut ici, en gardant la peau douce Mohsen ainsi, 10 K. Et si vous vouliez ne pas avoir l'air tache, suffit de mélanger ces bords que tout a un joli bord doux à elle. Et je ne fais que manipuler comment j'utilise la pression de la brosse pour obtenir ces bords mous là-dedans. Rangons ça juste un peu. laisse un peu de saignement là parce qu'on dirait qu'il a rebondi. Droit ? Maintenant, ce que nous pouvons faire est d'ajouter un nouveau calque pour le faire pour garder le même pinceau. Je vais y aller et ajouter des points forts très brillants à des choses particulières dont nous voulons nous souvenir avec points forts qui ont tendance à apparaître n' avaient que le point le plus élevé de lumière ou une surface particulière. Et on peut aller un peu plus fort avec les bords. Mais essayez de ne pas devenir trop fou avec les faits saillants. De toute évidence, si nous faisons cela, nous verrons à perdre cette idée ou cette forme. Comme une mousse ceux ne sont qu'un creux et une joue, là. J' allais adoucir un peu ça. Mettez 10 ohms. Ici, nous pouvons utiliser ces bords durs. Ce n'est pas grave. Mais quand leurs droits je vais juste saisir cette valeur de lumière, mettre le point culminant sur sa lèvre. Et portons son œil un peu plus ou sommes prêts à un peu plus saturés. Nous pouvons ajouter quelques ombres du haut pour obtenir ce contraste à partir de la distance. Droit ? Et vous avez peut-être déjà remarqué que nous avons les couleurs de ligne et une sorte de couleur brune. Nous avons donc fait une sorte de pelouses marron plus foncé pour garder les lignes douces et douces. Mais en termes de superposition, nous avons tout comme d'habitude, mais les lignes dans les poumons adoucissant les couches. Et puis nous avons notre fond gris et notre couche de vérification de la valeur. Assurez-vous que nous avons des valeurs de différenciation de chacune des zones plates si vous voulez les appeler ainsi. Donc, quand on aura fait ça, on pourra y aller et vous pourrez utiliser la brosse plate Inca si vous voulez une effacement très précis ici. Et on peut y aller et nettoyer tous ces bords. Vous voudrez peut-être les laisser que vous pourriez vraiment vouloir simplement les laisser pour le look et la sorte rugueuse de redémarrage aquarelle look. Eh bien, vous pouvez les nettoyer et vous aurez toujours le look à cause de la façon dont vous avez fait la peinture interne de la pièce. Donc ici, vous pouvez me voir aller de l'avant. Et je suis juste en train de nettoyer tout l'extérieur, en dehors des lignes de peinture. Et ceci, tout comme les deux leçons précédentes, c'est un moyen très rapide d'obtenir un peu de couleur sur une pièce. Principalement une fois de plus, si vous voulez que votre travail soit plus illustré, orientez-le. Donc, là où le dessin fait, beaucoup de discussions en termes de formes, en termes de lecture des forums. Cela signifie donc beaucoup d'investissement en temps dans les poids de ligne et les chevauchements. Et bien sûr la forme lu de l'illustration elle-même. Et donc c'est presque comme un arrêt à mi-chemin entre coloration pli plat très simple et commencer à entrer dans la peinture de plus de personnages. Je vais juste nettoyer entre ses doigts ici. Et je pense que permettez-moi de souligner encore une fois ce point, le relâchement. Vous voulez vraiment, vraiment, vraiment, être lâche dans votre main. Juste être libre avec les coups, pas trop s'inquiéter. Avec la lumière ou l'ombre est nécessairement comme super parfait bien que super précis présenté. Tu veux une idée générale quand tu fais ce genre de style. Et vous pouvez voir que c'est assez attrayant. C' est fouetter un fond blanc. Ils devaient voir à quoi pourrait ressembler la vue présentée. Et je vais probablement faire quelques ajustements juste pour rendre la peau un peu plus légère. J' ai tendance à rendre la peau un peu plus foncée. Mais c'est ce flux de travail particulier couleur de l'eau volé plus d'un regard rugueux. Et je te verrai dans la prochaine leçon. 55. Module 4.5 : Réaliser la peinture de style style pépites au pinceau: Lorsque nous passons à des travaux plus peints, nous devons commencer à mettre en œuvre davantage de notre flux de travail d'éclairage général. Et la raison en est que les lignes moins soulignées et la peinture devient plus soulignée. Nous devons donc communiquer cette forme dans cette entité tridimensionnelle, principalement avec la peinture. Et donc nous allons faire un exemple d'un style plus épais peint le flux de travail ici en utilisant bro acheté ce robot devant nous. On va commencer par une couche de peinture ici. Je vais m'en tenir à notre genre de valeurs de milieu de gamme ici, que nous avons une bonne gamme de valeur élevée et bonne gamme de faible valeur pour obtenir notre ombre et tout ce jazz it. Maintenant, tout comme dans notre flux de travail universel, ce qui est vraiment important, c'est que nos ombres lisent vraiment bien. Et donc je vais juste un peu grossier dans une certaine valeur ici et juste mettre cette peinture de base dedans. Je ne m'inquiète pas trop de la propreté pour l'instant. On pourra nettoyer ça plus tard. Nous nous concentrons probablement sur sa section d'astuces pour cet exemple particulier. Et donc ce que je vais faire dès que je commence, ça n'a pas besoin d'être des appartements au fait, sur notre plat beaucoup. Il peut juste être vraiment lâche et rugueux. Mais ce que nous allons faire n'est pas vraiment commencer à travailler immédiatement sur les ombres de forme. Nous ne ferons pas de grandes ombres initiales ou quoi que ce soit. Nous allons juste commencer sur la forme, juste obtenir ces ombres de forme dans son hypothèse que les sources de lumière ici de la droite. Et nous allons commencer à travailler nos ombres de forme. Maintenant, notre couche de vérification de la valeur devient extrêmement utile lorsque nous faisons un travail comme celui-ci. Parce que nous voulons constamment vérifier que le mélange de peintures et ce que vous avez que les valeurs sont bien lire. Et donc ici sont utilisés la pression de la brosse pour m'obtenir ces divers degrés d'obscurité dans les éléments réels. Et donc ce que je vais m'efforcer de faire, c'est de travailler avec les ombres de telle sorte que nous commençons à avoir une idée de la forme de ce robot particulier. Et la raison pour laquelle c'est un style épais que nous utilisons la brosse carrée est que nous gardons les coups de pinceau assez visibles. Nous n'essayons pas de cacher les coups de pinceau. Nous n'essayons pas d'avoir tout super lisse, ombragé. Cela ne nous dérange pas que les coups de pinceau soient assez visibles. Ce que je vais faire, c'est commencer à peindre toutes ces sections. Obtenir la lecture de l'ombre, obtenir quelques éléments à lire en utilisant seulement la lumière et l'ombre. Vous pouvez voir que j'ai déjà peint dans mon occlusion ambiante sur les bords. Et je pense aux avions. Alors que beaucoup frapper alors que le latin ne frappe pas. Pour qu'on puisse lire ce formulaire. Maintenant, je vais bouger un peu vite. Oui, pour l'amour du Tom, ajoutons du lettrage. Juste un peu de déjeuner. Nous pouvons ajouter une belle, mettre en évidence cela un peu. Gardez-le bien et chaud. Peut-être qu'il est très brillant. Donnons-lui des yeux. Nous allons, nous allons travailler tous les éléments de cela à partir de notre sorte de valeur de ton moyen est MIT, valeurs. La chose clé à retenir est que si le principal de planification complète représente en grande partie les règles strictes, pour ainsi dire, de la façon dont nous voulons éclairer l'application de flux de travail. Une fois que nous connaissons le flux de travail, l'application du flux de travail peut varier en fonction de ce que nous voulons réaliser. Et c'est très important à retenir parce que vous pouvez voir que je ne suis pas strictement suivre le flux de travail exact que nous avons appris. Mais j'utilise beaucoup de mes connaissances de ce flux de m'aider à mettre en œuvre toutes ces étapes. Et je me demande constamment, qu'ai-je pas fait ? que j'ai les ombres d'occlusion dans toutes les ombres d'occlusion ambiantes lire bien, est-ce que cela mis en évidence a du sens dans cette zone ? En utilisant ce sélecteur alt là aussi pour mélanger des choses qui ne semblent pas fonctionner super bien. Allons des ombres d'occlusion dans l'obscurité. Les inclusions peuvent en fait mettre un peu de surbrillance sur chacun de ces boulons. Et vous pouvez voir comment les loci STR, le look commence à devenir très traditionnel, commence à devenir quand vous pouvez voir ces coups de pinceau. Et néanmoins, pendant que je travaille à travers cela, je pense à tous les éléments de notre flux de travail d'apprentissage et de les mettre en place si nécessaire. Je vais juste nettoyer l'extérieur de la forme. Vous devez également garder à l'esprit, vous voulez certainement faire la queue lorsque la lumière frappe la surface. Sans un bon, il pleurait aussi dynamique que celui-là est là. L' objet n'aura pas l'air correct, la couleur ne sera pas correcte et il peut également gâcher l'éclairage. D' accord. Et donc vous pouvez voir aussi que je prends une approche lâche et vous voudrez avoir une approche plus lâche lorsque vous faites un manque d' ombrage doux que nous avons fait pour la charge de travail d'éclairage générale et cela a été fait pour apprendre le flux de travail. Là, vous voulez vraiment avoir un degré de subtilité et de précision dans vos gradients. Mais quand vous faites des styles plus picturaux dans le monde réel avec des matériaux réels, ils ont tendance à être un grand élément de hasard qui se produit, vous savez , brosse, petits poils de brosse, faire ceci et cela par eux-mêmes. Ils font des choses que tu n'avais pas l'intention de faire. Et c'est donc une chose qui crée l'aspect naturel. L' autre chose qui crée le Lucas naturel. Que si vous voulez un coup de la vôtre, coup de peinture pour paraître naturel, que vous mettez en œuvre ce coup naturellement, n'est-ce pas ? Vous voulez mettre en œuvre ce coup naturellement, ce qui signifie que vous devez être lâche. Ce que je vais faire ici, c'est que je vais peindre dans des prises pour les Rs en mettant une ombre autour des yeux ici. Donc nous avons une sorte d'ombre en retrait autour de ces sections de robots IS. Et puis je peux apporter une partie de cette valeur d'échelle pour briller à l'intérieur d'un côté de la prise. Et peut-être mis en évidence la jante à l'extérieur de la douille. La chose est que vous voulez vous rappeler que vraiment les principes que nous avons appris dans notre flux de travail de ligne générale, nous pouvons mélanger et correspondre et jouer avec eux et faire choses folles avec eux pour obtenir un look pictural ou n'importe quel look que nous voulons. Et en fait, nous pouvons peindre sans lignes du tout, accord, nous n'avons pas besoin de terres, bien sûr, ce cours est axé sur la peinture d'illustration de personnage, mais vous pouvez utiliser ce mot peinture inondable avec ces lignes du tout. D' accord, rendons ce design un peu plus frais. Donnons-lui un peu plus de design. Pensant comme une sorte de strop. Laissez les rayures, il fait plus sombre d'un côté. Ça pourrait avoir beaucoup de choses sur l'autre. Un petit jour de point culminant. C' est aussi en retrait. Donc ici vous pouvez voir, je dessine efficacement les saints avec de la peinture. C' est à une valeur légèrement plus élevée ici, un réseau qui touche à l'intérieur ici. Et donc ce que vous pouvez voir en travaillant sur cette pièce, c'est que je vais mettre en œuvre différents principes d'éclairage à différents moments. Je ne travaille pas dans ce sens très strict de, ok, je vais faire des appartements, puis je vais faire des variantes de couleur. Ensuite, je vais faire XYZ et travailler à travers ce flux de travail. Maintenant que je peins, je travaille principalement sur, ok, quelle est la valeur de base de la couleur de base ici ? C' est quoi les ombres, non ? Et faites-les entrer. Et puis tout le reste est juste cerise sur le gâteau, est juste la décoration sur le gâteau. Travaillons un peu plus sur cette pièce. Je vais faire ces sections de pompes à carburant ici, débarrassés. Peut-être que c'est un peu trop de valeur. Laissons cette section hydraulique, une sorte de section hydraulique, peut simplement utiliser un peu plus gros pinceau là-bas. Vous pouvez le voir en le chargeant presque automatiquement construit dans les ombres d'occlusion ambiante. Je vais juste les ajouter dans d'autres là-bas. Et nous allons allumer ces petits morceaux rouges qui font la queue aussi dans nos lats. Tu es trop haut. Ajout du jour férié. Ajoutons un point culminant ici a été choisi à partir de qui met en évidence une pièce. Et je vais juste mettre des ombres là-dedans. Nous pouvons laisser un peu d'entre eux à l'intérieur du bord. On peut avoir beaucoup d'Aha créant un peu de lumière de jante. Quand ces gars en fait, ce serait de l'autre côté lundi. Comme ça. Rush. Nous pouvons rendre cette section plus grise et chargée un peu. Quand nous voulons nous souvenir des ombres, des ombres, des ombres, des ombres, des ombres, des ombres. Les ombres sont tout. Et vous pouvez voir que nous continuerions tout au long de la pièce comme cette section par section, n'est-ce pas ? Débiter le flux de travail comme nous en avons besoin, déterminer ce qui est déverrouillé, ce qui est dans l'ombre. Et en réalisant vraiment ce look pictural, ce style pictural. Et bien sûr, la brosse aide. Ce pinceau particulier aide dans ce cas, parce qu'il n'est pas rond, il n'a pas l'air numérique, semble très traditionnel. Il a l'air très pictural, presque tous picturaux d'une certaine manière. Souvenez-vous de vos étapes, souvenez-vous de votre occlusion ambiante , etc. Et c'est ainsi que vous atteignez un style pictural. On dit juste une dernière chose. Vous voulez garder à l'esprit que lorsque vous travaillez sur un style plus pictural, vous voulez utiliser davantage le flux de travail. Et vous pouvez mettre en œuvre des choses à différents moments pendant que vous travaillez à travers la pièce. Vous n'avez pas un flux de travail aussi strict. Les fondamentaux ne changent pas, les étapes ne changent pas, mais le flux de travail ne reste pas strict comme il l'était autrefois. Super. Je te verrai dans la prochaine leçon. 56. Module 4.6 : Réaliser une peinture de style style peindre en lisse: Dans cette leçon, nous allons jeter un oeil à un style pictural lisse. Mais au lieu d'une démo, nous allons vraiment regarder un principe clé qui définit ce style de peinture par rapport à dire, le style pictural épais que nous avons regardé précédemment, ou comparé à dire, le style d'ombrage lisse que nous avons regardé dans le module trois. Ce que nous allons jeter un oeil ici, c'est que nous allons nous concentrer sur les bords. Lorsque vous voulez passer à un style lisse Penthée ou un style peintre. Cela se déplace plus vers un type réaliste de style ou de type réaliste de peinture. La considération de pointe devient l'une de vos priorités clés numéro 1. Si nous jetons un oeil à cette ombre coulée ici sur le noyau de moi son nez, nous pouvons voir que le bord qui fait face à la lumière est dur et le bord qui fait face loin de la lumière est assez doux. De même, nous voyons un effet similaire se produisant ici, l'ombre centrale du cou. Il fait plus chaud à ce stade et pourtant il se rétrécit à ces endroits. Et même quand nous parlons des faits saillants, regardez le point culminant sur le nez. Le bord de cette face à la lumière est plus dur, besoins que les visages loin est plus doux. C' est un principe clé et cela nécessite réflexion intentionnelle dans l'investissement de temps pour vous demander quel avantage va être le plus chaud ? Quel bord va être plus doux en fonction de la direction de la lumière, en fonction des plans. Peut voir aussi bien que ici les plaines de calmer son nez pour faire quelque chose comme ça comme il se déplace dans sa zone de front. Et donc on ne peut vraiment pas mettre une ombre de forme dure ici. Il serait très étrange d'avoir une ligne d'ombre de forme Hodge HOD solide là. Pourtant, nous avons un avantage dur ici. Et la raison en est à cause du rabat de la paupière dans le pliage de la peau, cela fait que cette forme d'ombre généralement douce a un bord très dur d'un côté lorsque nous montons dans un autre plan, qui est le plan de l'île. Donc, vraiment quand vous cherchez styles plus avancés et que vous utilisez tous les éléments du flux de travail. Ombres d'occlusion M dans les ombres d'occlusion, ombres projetées, doublure secondaire , éclairage réfléchi, etc. Vous voudrez faire attention à la façon dont vous gérez vos bords. C' est la fin de cette leçon. 57. Module 4.7 : Réaliser la couleur de style Book de livre de de: coloration de style bande dessinée est vraiment un haut simplifié de la coloration qui est conçu pour l'efficacité. Lorsque vous avez un projet de bande dessinée massive et que vous voulez créer des pages en couleur de chaque bloc. Cela peut prendre un certain temps si vous allez faire une technique de peinture haut de gamme. Et donc l'efficacité sous-tend la pensée générale derrière la coloration des bandes dessinées. Maintenant pas trop différent de nos appartements dans la coloration de style dégradé, notre style de coloration simplifié, nous remplissons des couches plates, toutes les couleurs que nous voulons. Cependant, dans ce cas, nous ne nous limitons pas aux gammes pastel et nous pouvons choisir où nous voulons faire du glissement avancé sur n'importe quelle surface. Donc, c'est à vous de décider si vous voulez ajouter un éclairage réfléchi, si vous voulez que cette lumière réfléchie soit dure ou douce ou ce que vous avez. Mais pensez vraiment à la valeur sous-jacente de l'efficacité quand il s'agit de colorier dans le travail de style bande dessinée. Maintenant, l'une de ces propriétés d'efficacité qui généralement, de toute évidence, ce n'est pas vrai pour tous les styles, mais généralement, les bandes dessinées ont une phase d'encrage. Donc, ils vont de crayons aux encres où un Inca dédié et Google Inc. il, puis il passe des encres à la coloration. Et l'étape d'encrage et l'étape de crayonnage indiquent toutes deux des zones généralement ombragées de sorte qu'au moment où le, l'illustration finale arrive au coloriste, une grande partie des zones ombragées sont déjà là. Et selon le style, vous pouvez avoir, mettre en évidence les zones indiquées également. Donc, de la façon particulière que j'ai dessiné la vipère coronale ici, nous avons les zones chassées comme des formes vides et des zones ombragées comme des coups dans les formes. Et donc cela enlève beaucoup de travail d'ajouter sous forme détaillée ombres parce que le stylo lent l' Inca est allé de l'avant et a déjà fait cette étape. Et donc, dans un certain sens, vous savez, dans un certain sens du style, vous pourriez soutenir que, oui, peut-être, cette illustration est bien car elle est même dans sa forme colorée, aussi simple que cela puisse être, parce que beaucoup de choses sont déjà indiqué et il a un aspect très fini à elle. Et c'est vraiment juste parce que le travail de style bande dessinée et le travail plus continu de Stella ont tendance à avoir un accent très lourd sur les lignes et beaucoup plus léger sur la coloration réelle de la peinture elle-même. Donc ce qu'on va faire, c'est qu'on va aller de l'avant et travailler sur le costume. Et nous avons tous nos appartements séparés sur des couches individuelles. Je vais juste mettre ici un éclairage approprié et je vais le clipser. Donc il n'y avait que de la peinture sur le costume. Et ce que je vais faire en premier, c'est juste prendre la brosse douce, prendre une valeur plus foncée des costumes, et juste brosser doucement un peu de shedder, juste quelques ombres générales. Maintenant, vous pouvez vraiment mettre à l'échelle ça. Comment hardcore voulez-vous aller avec l'ombre est voulez-vous vraiment passer des tonnes de temps sur les voitures ? Vous voulez simplement le garder plus simplifié. C' est à toi de décider. Nous allons le garder assez simplifié dans cet exemple. Et je mets juste obturateur d'une manière très générale où je pense qu'ils ne seraient pas des ombres. Je ne vais même pas m'inquiéter des ombres coûteuses ou des ombres d'occlusion folles ou quelque chose comme ça. En général, je vais faire entrer quelques ombres. D' accord. Et je vais ensuite utiliser la brosse de flutter Inca et obtenir une valeur légèrement plus élevée de la combinaison. Et je vais aller de l'avant et peindre dans tous les domaines qui a moqué que les zones de lumière. Pendant que je fais ça, je vais vous parler un peu du personnage. C' est donc un personnage que j'ai créé appelé Baba coronal. Et c'est une sorte de personnage de tireur de héros où on pourrait la jouer dans un jeu. Et elle a trois pads de téléportation qu'elle peut installer à travers une zone d'une carte ou un endroit où se déroule la bataille, peut se téléporter entre les trois d'entre eux afin qu'elle ait beaucoup de variables, marginaux quand elle claque l'ennemi équipe ou qu'est-ce que vous avez. Et donc le personnage est construit autour de ce concept. Elle est très mobile. Elle peut grimper les murs et tout ça et kilohm jusqu'aux obstacles. Et cela fait un ennemi tout à fait mortel, bien que je suppose que ce serait un personnage de santé beaucoup plus faible dans ce jeu particulier. Parce que tu veux garder les choses équilibrées. Très bien, donc ici, j'ai fait ces sections de costume haut. Je viens de commencer à remplir certains de ces faits saillants. Et vous pouvez voir vraiment, nous gardons les choses simples et simples et nous laissons les lignes faire la majeure partie du travail. Maintenant, je dois dire que faire les chutes à plat est toujours aussi long que cela prendra habituellement. Et c'est vraiment la partie la plus longue du processus. Mais une fois les appartements terminés, vous pouvez finir l'image entière dans un laps de temps relativement court. Et la démo complète de coronavirus commencer à terminer le processus de coloration est dans le cours dans le module suivant. Et donc je me déplacerais à travers chacune des zones faisant cela, en mettant beaucoup d'ombres et en mettant dans un des points forts tranchants partout où ils ont été marqués comme tels. Et encore une fois, rappelez-vous que vous avez tous les éléments de la forme neuf principal à votre disposition. Utilisez ce que vous voulez comme vous voulez l'utiliser. Je vais passer directement à l'ombrage fini de cette pièce. Donc c'est sans les ombres et les lumières, et c'est avec les ombres et les lats. Et également inclus une couche spéculaire supplémentaire pour la terre et les lèvres et ce que vous avez déployé les reflets blancs. On peut juste comparer les versions. Donc, vous pouvez l'aller assez loin. Vous pouvez prendre dans un niveau tout à fait attrayant. Cette pièce particulière n'a qu'une lumière clé et une zone ombragée n'a pas trois points ou d'éclairage réfléchi ou quoi que ce soit du genre. Et c'est parce que je voulais vraiment avoir plus d' un look de bande dessinée et aussi avoir un flux de travail plus rapide. Et j'ai été ajouté dans de petits extras comme avoir peint cette section rouge, juste ajouté un pinceau doux lu dessus Donc semble être brillant. Et de même, j'ai ajouté une lueur de pinceau plus douce derrière ces formes grises. Il semble donc qu'il y ait une sorte de source lumineuse sous-jacente sur les téléports. Sinon, le flux de travail est assez simple. Rien de trop compliqué à ce sujet. Et puis passons aux derniers réglages où nous avions fait un calque de superposition et fait quelques ajustements à l'image et l'avons rendue un peu plus lumineuse. Et la raison pour laquelle je l'ai rendu un peu plus lumineux dans ces cas, j'ai tendance à être un peu sombre dans mes valeurs. Et aussi je voulais qu'il se distingue sur un fond blanc afin qu' il lise encore assez clairement sur un fond blanc de ce étant trop contrasté. Et même pas peut-être encore un peu trop contrasté. Et je décide toujours. Donc, qui est la coloration de style bande dessinée. C' est assez simple. Les principaux différentiateurs que généralement les illustrations indiquant déjà la forme ombre. Et aussi, vous ne choisissez pas seulement des couleurs pastel. Vous choisissez la, toutes les couleurs que vous voulez dans la pièce en particulier. Et c'est tout pour notre vue d'ensemble de la stylisation. Et je vous verrai dans le prochain module. 58. Module 5.1 : Introduction à les démonstrations complètes à déroulages: Bienvenue au Module 5 et bienvenue à la coloration dans les démos de peinture. Dans ce module, nous allons jeter un oeil aux démos du commentateur Tom. Ensuite, vous êtes présenté avec une démonstration complète de l'ensemble du flux de travail. Maintenant, il est important de noter que la démo complète est en fait aussi Tom caduque et c'est de garder un fichier taille bas pour la plate-forme, ainsi que de s'assurer que vous n'allez pas passer jusqu'à dix heures à regarder une démo, pas encore à un rythme que vous pouvez suivre et voir tout en détail granulaire. Ne vous inquiétez pas pour ça. Mais sachez qu'un style de peinture haut de gamme, en particulier quelque chose comme Kami ou quelque chose qui a beaucoup de contrôle de bord et utilise toutes les étapes du principe de formatage prendra généralement beaucoup plus de temps. Et bien sûr, les styles plus simplistes prennent beaucoup plus vite. Et je pense qu'en moyenne, serait en moyenne entre huit et 12 heures pour une peinture très haut de gamme et entre trois et cinq heures pour une sorte de style de peinture plus bas ou plus simplifié. Alors gardez ça à l'esprit. Je suis vraiment excité pour vous de voir ces workflows complets et j'espère que vous obtiendrez beaucoup de choses grâce aux démos. Ne les regarder et les regarder à nouveau. C' est comme ça que vous apprenez vraiment et comment vous avez préparé Grosse une partie de la nuance. Et je vous verrai dans les démos. 59. Module 5.2 : DEMO 1 : Carmi Timelapse avec commenté: Bonjour et bienvenue dans l'armée. Time-lapse. Et nous allons jeter un coup d'oeil et je vais venir et passer à travers en regardant ce flux de travail et ça marche assez vite. Mais je vais poser en chemin pour discuter de certaines choses. Donc vous pouvez voir là que je suis dans Photoshop, nous venons de finir les appartements et j'ai commencé à faire la phase des ombres toutes importantes ici. n'y avait pas de variantes de couleur sur cette pièce particulière, mais j'ai essayé de les ajouter plus tard. Et tu verras un changement de stock par rapport à ce que je déciderai de faire avec elle pendant que nous avançons. Donc, ici, je suis un flux de travail d'ombrage doux typique et je vais dans, travailler les ombres. Mais j'ai commencé à me penser en faisant cela, que je ne voulais pas que cette pièce particulière ait l'air douce et ombragée. En fait, le projet sur lequel je travaillais pour elle avait en fait un style plus pictural. Et bien que je ne parvienne pas à y parvenir dans Photoshop, je décide à un moment donné d'entrer dans le peintre de corail et d' utiliser certains de ses pinceaux peints pour donner à la pièce un aspect plus pictural. Donc, je commence à zéro, mais je voulais vous montrer comment les choses peuvent changer. Vous savez, quand vous décidez que vous voulez obtenir un look différent ou un style différent ou qu'un style de coloration particulier ne fonctionne pas sur votre dessin. C' est bon, ne t'inquiète pas pour ça. Ne paniquez pas. Allez-y et apportez les changements que vous voulez. Donc elle venait bien. y avait aucun problème avec la stylisation, mais j'ai juste senti que la stylisation ne convenait pas très bien au projet. Et tu me verras passer à Carl Peinter. Parfois, quand je conceptualise un personnage et que je dessine dans les seins. Je sais que dans ce cas particulier, ce personnage a des seins assez larges. C' est étrange parce que je ne les amuse jamais à avoir de gros seins. C' est la façon dont je les attire en essayant de penser aux masses. Et je pense que parfois je me suis penché sur la proportion en les analysant. Mais nous avons dû refuser cette zone. Donc vous verrez comment la vraie faune de cette pièce, elle a une bande sur zone que je viens de peindre, n'a même pas dessiné. Donc, voici ce que je fais, c'est que j'utilise le pinceau carré dans Photoshop. Ils brièvement et moi voulions obtenir un top Photoshop de look brossé, mais je n'étais pas content avec ça. Donc, vous pouvez voir immédiatement ici nous sommes passés à Carle peint 2015. Et vraiment, laissez-moi dire aussi bien ou à Matt Carle peint, vous avez vraiment besoin d'une seule version de celui-ci. Il s'agit d'une pièce 2017. Mais Carl peintre à partir de 20102011, n'a pas vraiment changé beaucoup. Donc, si vous avez une version à partir de là, c'est à peu près la même chose. Et donc ici, je vais et commence à faire le flux de travail normal de l'observation. J' ai fait du travail supplémentaire sur le visage et c'était parce que je voulais tester tout le flux de travail sur son visage juste pour m'assurer que j'étais heureux la façon dont la stylisation sortait qui semblait un peu plus peinte, un peu plus de coups de pinceau. Comme je me suis déplacée. Et donc, une fois que cette zone est bien faite, j'ai fait le flux de travail standard à travers tous les autres éléments. Donc évidemment ici, je travaille sur l'ici et on fait les ombres de foin. Et je saute un peu autour, pour m'assurer que tout fonctionne bien avec le visage. Et c'est une étape importante pour moi. Cette pièce particulière. De temps en temps, je fais une pièce qui va au-delà de mes attentes de ce que j'étais personnellement capable de réaliser. Et vous trouverez est, eh bien, vous êtes voyage chaud que vous êtes en constante croissance. Vous aurez des plateaux et ensuite vous aurez des moments où vous atteindrez des sommets élevés. Et puis vous serez un peu plateaux à l'origine du pic. Et c'est vraiment la nature de l'art. Et je pense que la nature de beaucoup de choses qui sont de façon basée sur les compétences, plus vous travaillez dessus, mieux vous obtenez. Continuez à y aller. Et donc juste une fois de plus, faire la phase d'ombre et vraiment, vraiment, vraiment, vraiment, investir du temps dans l'ombre, pensant à la modification, en les ajustant si nécessaire. Et puis passer à la phase lumineuse, en regardant maintenant, j'ai l'impression qu' il n'y avait pas assez de contraste et beaucoup de zones. Mais heureusement, comme nous le savons, nous pouvons utiliser des ajustements juste pour nous aider. Apportez quelques ombres supplémentaires, apportez une occlusion supplémentaire. Je suis aussi longtemps qu'on a réfléchi au placement de ces ombres. Et donc ils font l'éclairage réfléchi. Donc j'espère que ce n'est pas inhabituel pour vous en ce qui concerne chaque chose que je fais dans la pièce, vous pourriez dire, d'accord, eh bien, il fait de la spécularité sur le bijou. Il fait la phase d'éclairage ou il fait la phase de mise en lumière. Et c'est exactement comme ça que vous voulez regarder et voir l'art. Je détesterais si tu étais à ce stade et que tu sentais qu' il y a une sorte de talent inné ou quelque chose comme ça. Je veux dire, il n'y en a vraiment pas, je ne suis pas naturellement doué du tout. C' est vraiment juste apprendre, juste apprendre, apprendre, apprendre. Je suis beaucoup plus mathématiquement orienté, curieusement. Mais j'aimais vraiment l'art et j'admirais les gens qui le faisaient bien, surtout au début de ma vingtaine. Et c'est là que j'ai décidé, hé, je veux vraiment faire ça et je vais faire tout ce qu'il faut pour faire ça. Prouver à moi-même et prouver à beaucoup de mes étudiants que ce n'est pas une chose basée sur le talent. C' est un dévouement et une chose basée sur la passion. Si vous avez la passion, si vous avez le dévouement, vous, vous pouvez certainement exceller et être classé ici faire le rendu matériel de l'or et de l'or particulier. Et qu'il s'agisse d'un haut soyeux d'or ou d'or réel, vous voulez déjà avoir un très bon contraste entre les reflets, le lat et dans l'ombre. Parce que ce contraste fort est ce qui le fait ressembler à un matériau doré. Si le, si le contraste est trop subtil, il semble un peu jaune ou mon étude, il n'a pas l'air correct. Vous pouvez voir comment scintiller les points forts sur ces sections d'or. Déplacer c'est un gants et vous pouvez voir, en particulier en regardant la peinture corail sur la droite. Pas vraiment différent de Photoshop. En fait, comme je l'ai déjà dit, la plupart des logiciels d'art, les bons logiciels d'art sont assez similaires. Vous avez des calques, des modes de couche et des activités que vous pouvez effectuer sur les calques. Vous avez un sélecteur de couleurs, Jour du panneau Couleur avec teinte, saturation et valeur. Et puis vous avez la petite fenêtre du navigateur. Tous les éléments bien sûr, avec appelez-moi aussi, Elle a été aplatie, donc elle a des éléments séparés parce que si elle allait être vraiment plus peint moi et probablement j' aurais fait un dessin moins raffiné d'abord parce qu'elle n'avait pas besoin d'être aussi illustrative si elle allait devenir une peinture. Mais aussi un aurait probablement travaillé sur une seule couche et il n'y a pas de problème à faire cela. Assurez-vous simplement que vous appliquez dans votre esprit, vous appliquez chacun des éléments du principe complet à cette section. Et donc juste travailler sur des zones colorées similaires, le bouton, les ceintures et l'écharpe. Et puis passer à la spécularité de la brillance, sorte de potions et quel lourd ajout de gradients, ajoutant beaucoup d'ombres à eux. En fait, ils sont transparents. Le, il n'y a vraiment rien. Je ne peins pas le brillant d'une couleur particulière. Je mets juste les faits saillants sur la forme prête et laisse les faits saillants faire lire le formulaire. Et ajouter la zone de lumière réfléchie aux gants. Et encore une fois, je vais souligner que vous voulez vraiment comprendre les avions. Réfléchissez bien à la façon dont l'objet 3D tourne. Et cela vous aide à décider, eh bien, si elles sont une lumière réfléchie ici laisserait effectivement frapper cette zone ou non. Et c'est, vous savez, une part, je veux dire que c'est tout ce qu'il y a dans un sens, parce qu'une fois que vous connaissez le principe de l'exploitation minière complète, alors vous venez de déterminer où tous ces éléments du principe de ligne complète va frapper sur le formulaire. Et bien sûr, quand vous comprenez le contrôle des bords, ce que je suis sûr que vous le faites maintenant. Et tu ne veux pas avoir des choses qui ressemblent à des coups de pinceau. Vous voulez que les choses se dégradent et ils peuvent ressembler un coup de cartes sur spicules sont des zones qui ont besoin d'âges chauds. Si vous voulez garder les choses lisses et pas très nettes, numérique a tendance à être bien, bien trop pointu. Et c'est l'une des premières choses que j'ai appris sur le numérique, c'est de ne pas être pris dans, dans la netteté du numérique. La peinture réelle est beaucoup plus douce et il est beaucoup plus facile pour les spectateurs de se déplacer autour de la pièce comme de vraies peintures. Et voilà que je suis de retour dans Photoshop. Maintenant, je fais ma post-production et Photoshop est excellent pour la post-production ou la production. Il est également excellent pour la post-production. Je ne pouvais pas faire le niveau de finition que je fais sans Photoshop. Vous pouvez voir que je fais quelques ajustements réels sur la conception à l'aide des outils de déformation et des outils de sélection de déformation. Ils et c'est moi qui vérifie différents modèles. Nous décidons en équipe qu'il y avait un peu trop de surface visible pour la zone effacée, donc ce n'était pas un problème. Il suffit de mettre un système d'exploitation croisé, puis il a effectivement aménagé cela assez bien et bien fonctionné. Et c'est la fin des lèvres de la langue. Et j'espère que c'était utile, jetez un oeil à la démo complète et je vous verrai dans la prochaine démo. 60. M506 ChronoViper 8 Commentaire M506 ChronoViper 8: Bienvenue au coronavirus pour le time-lapse. Et nous reprenons vraiment juste après que les inondations ont été terminées. Et je suis allé de l'avant et j'ai commencé à travailler sur la couche de peau et à ajouter quelques ombres douces et un peu de dispersion sous la surface. Et cette pièce est un look très comique de style de bande dessinée. Les illustrations sont très de style de bande dessinée. Et donc je veux garder les choses assez simples, assez simples. Et beaucoup de toms avec le travail de style de bande dessinée, les faits saillants et les ombres, comme nous l'avons vu dans la section des styles de coloriage, sont généralement moqués. Et je pense que la plupart du temps, la couleur est Tez liberté limitée, en particulier dans un flux de travail de bande dessinée. Ils ont une liberté de passage limitée. Ils peuvent placer beaucoup. Une grande partie de la direction artistique à cet égard est faite par l'artiste de la bande dessinée. Bien sûr, cela dépend du titre, cela dépend de l'honnête. Mais la plupart du temps, ils stipulent où la lumière doit être, où l'ombre doit être. Parce qu'ils décident comment former doit lire dans les crayons. Et donc l'incur doit aussi suivre la direction de la broche SLA, qui est fondamentalement le plus étrange primaire et un livre de code. Et donc ici, ce flux de travail que je vais passer est vraiment rien que vous n'avez jamais vu auparavant. Nous travaillons sur les couches plates individuelles. Et en ajoutant dans la grande scène d'ombre générale, vous pourriez dire, re garder les choses simples et aussi faire en sorte que les choses lues ici sur la main, par exemple, le costume est vraiment cette couleur grise. Cette arme est aussi un gris foncé. Ils peuvent être beaucoup de confusion pour le spectateur s'ils ne peuvent pas différencier les différentes formes. Et donc ce que j'ai fait là sur la main, c'est qu'un latin, les valeurs des ombres. Et vraiment cela est fait uniquement pour la compréhension du spectateur. Ce n'est pas vraiment même nécessairement la théorie lat. Il s'agit plutôt de manipuler cette composition pour que l'image communique encore clairement. Et là, je me mets à faire les pleins plats de toutes les zones éclairées. Maintenant a poursuivi comme probablement une sorte de nylon brillant ou une sorte de matériau de base en plastique. Et il a donc très chaud vieilli faits saillants. Quelque chose à garder à l'esprit avec le genre de pièces est que lorsque vous allez pour le style de bande dessinée, si vous voulez que les lignes de faire le discours. Et donc tu ne veux pas. Vous coloriez votre éclairage, votre peinture pour gâcher tout l'investissement de temps que vous avez donné aux lignes ou aux lignes trop dures. Et j'ai trouvé assez souvent que lorsque vous essayez de faire un flux de travail de peinture très haut de gamme, peut-être que vous allez pour le réalisme ou vous allez pour très gros peint ces étoiles que lorsque vous faites cela sur des lignes qui ont beaucoup de travail mis en eux. Quelque chose va perdre. Soit les styles de peinture vont bien fonctionner , bien lire, soit vous allez devoir surpeindre beaucoup de lignes. Et donc vraiment si vous voulez plus de peinture, vous avez tendance à garder beaucoup de lignes plus minces, beaucoup moins de détails dans les zones parce que vous allez être trop peindre ce détail de ligne. Mais lorsque vous optez pour une illustration plus basée sur la ligne, vous voulez garder les choses plus simples. Gardez la coloration légèrement plus simplifiée, et faites lire vos lignes. Donc ici, en utilisant des reflets durs, les élevant pour vraiment juste obtenir ce genre de regard du milieu. En fait, finissent par jouer avec ça un peu plus. Sur la zone de la lame du pistolet. On essayait de savoir quelle couche était cette lame au bout d'une queue de cheval. Et je l'ai finalement trouvé. Je ne sais pas ce que Lera a mis. Il montrait une couche avec quelque chose et je me suis complètement perdu. Maintenant, je fais ces sections rouges, leur donnant de l'ombre. Et je vais faire un point de vente en surbrillance ainsi, beaucoup avant slash Matlab pause. Gardez également à l'esprit, n'ajoutez pas de spicules à des choses qui ne sont tout simplement pas des matériaux spéculaires. Et évidemment, cela va changer la façon dont la vue va interpréter ce haut matériel. Ce que je faisais là-bas, c'est utiliser une brosse douce pour créer un effet d' éclairage indu sur les pads de téléportation. Faites-le ici sur le pistolet aussi, donnez-lui un peu d'un point culminant. Et je vais juste au-dessus de la base du pistolet de couche, lui donner une légère lueur. Donc, il semble qu'il y ait un peu de diffusion de la lumière qui se passe. Et puis j'ai réalisé assez tard dans le jeu que l'ombre à lèvres supérieure devait être un peu plus sombre que la lèvre inférieure. Cette chose particulière fait vraiment lire les lèvres que la lèvre supérieure est plus sombre que la lèvre inférieure est purement à cause des avions. Non pas que nous voulions appliquer à la théorie de l'éclairage hardcore, mais à cause des plans, le plan des lèvres supérieures fait face vers le bas, donc c'est généralement beaucoup plus ombragé et il ramènera de la lumière réfléchie du sol. Et les lèvres inférieures planent les excréments OBC vers le haut. Donc c'est généralement beaucoup plus éclairé. C' est en fait un tour rapide, même lorsque vous utilisez simplement crayons pour obtenir des lèvres vraiment belles, mais en vous assurant que la lèvre supérieure est canard et la lèvre inférieure est un peu la vie. Maintenant c'est, il est très probable que vous avez déjà fait école d'art de personnage, dessin complet de personnage. Mais si vous ne l'avez pas fait, vous pouvez suivre ce cours et y jeter un oeil. Comment réaliser plusieurs styles de dessin. Parce que bien sûr, le dessin lui-même a plusieurs styles tout le chemin du réalisme jusqu'aux dessins animés simplifiés. Ici, je vais dans la couche de superposition et puis je le duplique juste. Et je fais quelques ajustements. Et je vais faire un peu plus de justice parce que je sais qu'elle était un peu ancrée sur le fond blanc. Il est également plus facile d'éclaircir les documents qu'il est trop sombre et lumineux. Il est donc préférable de travailler un peu plus sombre et d'élever la lumière plutôt que de travailler à la lumière, et alors vous avez un peu d'ennuis avec les ombres. Et c'est à peu près la fin de cet arbre commun de workflow. À la fin, il y avait juste l'application d'un effet Photoshop appelé frappé, qui donnait une ligne de bordure grise à tout. C' est vraiment juste un, juste une petite sorte de solution. Un effet additif ne va pas avec. À la fin de la journée, je l'ai essayé, je n'y suis pas vraiment allé. Et je vous verrai dans le commentaire suivant. 61. M504 Votre commenté de l'appel 18: Jetons maintenant un coup d'oeil à ce labo de Tom pour la pièce, votre appel. Et c'est plus une pièce de style manga. Un peu plus d'une pièce de style manga, juste dans le style de dessin et, aussi dans le style de peinture. Et vous voyez un aller ici et je fais une fuite grise pleine de tout. Et ce n'est vraiment pas nécessaire. Il finit par ne pas être nécessaire du tout parce que lorsque vous remplissez à plat toutes les zones séparées, vous aurez vraiment cette zone remplie. Parfois, je fais cela parce que je veux m' assurer que peu importe le nombre d'effets que je fais, tout reste dans ces limites initiales. Mais pour être honnête avec toi, je ne fais plus ça. C' est vraiment comme une perte de temps pour moi ce que je préférerais faire maintenant si je voulais cela pendant que je vais sélectionner toutes les zones remplies de liquide, les fusionner sur une couche, et juste le rendre gris. Et puis je peux avoir ça comme mon, ma sélection de formes de ma sélection de silhouette. Si je veux déplacer tous les éléments en un seul bien. Pensez-y comme une sorte de rester dans les lignes type d'outil. Mais de toute façon, nous faisons le plat gris plein et ensuite nous allons faire tous nos plis plats normaux. Et ce que je fais ici, c'est en utilisant l'ordre des couches. Et tant que je garde les calques d'arrière-plan derrière et les calques de premier plan devant, je n'ai pas besoin d'être super précis avec faux. Cela dit, il est probablement préférable d'être plus précis avec les imbéciles Juste en termes de faire plus facilement certains types d'ombres sur les bords comme les ombres d'occlusion ambiantes et quelques ombres d'occlusion. Et cette pièce était un peu une pression de temps P. Donc je prenais quelques raccourcis. Et honnêtement, je ne recommande pas de raccourcis. Je veux dire, les outils d'efficacité sont une chose, les raccourcis en sont une autre. Mais rien d'inhabituel que vous n'avez pas déjà vu en termes de flux de travail. Juste aller de l'avant et remplissage à plat. Gardez à l'esprit que les éléments que vous dessinez, plus vous dessinez d'éléments individuels, plus vous dessinez de détails, la morphologie va devoir faire. Donc, parfois, il peut être préférable de sorte de Tempe ou d'enthousiasme d'ajouter des millions d'accessoires et de choses. Parce que, bien sûr, tous ces éléments, s'ils sont des couleurs différentes ou des valeurs différentes, ils vont nécessiter des fichiers plats séparés. Et là, je jouais légèrement avec l'opacité de l'objectif juste pour voir si je pouvais adoucir, adoucir les lignes un peu. Je crois que je vais de l'avant et je colore les lignes comme nous l'avons fait. Et vous pouvez voir que j'ai aussi ajouté ces détails aux cartes. Et donc ils vont avoir besoin de leurs propres poulains aussi. Je n'aime vraiment pas laisser remplir. En fait, je suis sûr que comme vous l'avez fait, que vous travaillez vos pièces, vous commencez à réaliser que le remplissage de laisser prend beaucoup de temps et ce n'est pas une activité très complexe, donc vous vous ennuyez de le faire. J' écoute habituellement un film pendant que je le fais, ou j'écoute de la musique et même de la musique et je suis répétitif. Donc je recommanderais. Mettre des rayons bleus ou DVD ou ce que vous avez en streaming à partir de Netflix ou ce que vous avez et juste le faire. Je sais que c'est un peu pénible, mais ça rend le reste du flux de travail ridiculement rapide. Je veux dire, pour que tu puisses aller peindre une chose à la fois. Tu peux totalement le faire. Mais si vous faites tous vos pleins au début, c'est vraiment comme un gain de temps. Et donc ici, j'utilise les outils numériques pour m'aider à comprendre le schéma de couleurs. Je n'y ai pas pensé à l'avance. Donc, j'utilise juste l'ajustement de saturation de la teinte pour voir ce qui fonctionne. Voyez quelles couleurs je me sens bien ensemble. Et sur cette note, la couleur a vraiment tendance à être assez subjective. dire qu'ils sont génial et des groupements de couleurs majeurs qui ont généralement l'air bien ensemble. Mais pour la plupart, c'est assez subjectif et pensez que vous pouvez facilement le faire sur instinct et pas foiré tant que votre dessin fondamental est bon. Et vous avez une compréhension très solide de la couleur et de la lumière, que vous savez, j'espère que vous devriez avoir maintenant. Et donc nous y allons pour la scène de l'ombre et certains vont pour un look doux et ombragé. Mais vous verrez que j'essaie de simplifier beaucoup de flux de travail. Je ne fais pas d'ombres exactes. Un peu de sous-sol ils et la peau. Et beaucoup d'utilisation de brosse douce, gardant les choses douces. Rappelez-vous qu'un âge doux dit vraiment, Hé, ne me regarde pas, je suis doux, plat, peut-être m'interpréter d'une manière bizarre. Alors qu'un bord dur ombrage une déclaration audacieuse, le bord souple est plus ambigu. Donc, lorsque vous commencez à utiliser beaucoup plus de bords souples, les choses deviennent beaucoup plus implicites. Vous avez beaucoup plus en détail que le détail déclaré et impliquer le détail peut être très utile pour évisser l'œil du spectateur sur les zones qui sont indiquées détail. Donc surtout dans une pièce de personnage, les yeux, le visage, généralement ce sont vos points focaux. Donc, vous pouvez garder partout un peu plus doux et ensuite durcir sur le visage là-bas. Et c'était juste changer quelques pinceaux, faire un nouveau pinceau. Ils modifient quelques séances, mettent des ombres de base ici pour l'ici. Donc ces ombres à bords durs. Un autre conseil que je recommande est de laisser les détails de l'œil réel pour durer lorsque vous détaillez les États-Unis. Et même dans le dessin, même dans la peinture. Quand il s'agit de peindre les yeux, si vous les peignez tôt, la pièce peut se sentir terminée avant que vous n'ayez fini. Parce que c'est à quel point ils sont forts d'un point focal dans la nature humaine sac à vouloir engager les gens en regardant leurs yeux. Alors essayez de laisser les défauts américains que vous pouvez voir je ne les ai pas vraiment touchés à part donner la couleur de l'Orissa et le globe oculaire. C' est une sorte de base de la valeur gris clair là-bas. Mais ouais, laisse-le pour la dernière fois. Même ici, je suis, je fais la technique de peinture, mais une version très, très rapide de celui-ci, une version plus simplifiée, pas trop détaillée dans les cheveux. Mais chaque section reçoit vraiment son traitement des lumières d'ombre. Je ne pense pas avoir encore fait des faits saillants sur la scène. Et c'est là que je commence à faire des choix stylistiques parce que dans cette pièce, ce ne sera pas un style ombragé de service avec beaucoup de principe de formatage. Nous allons, nous allons simplifier en quelque sorte les reflets et simplifier les lumières réfléchies avec une couleur épaisse et vieillie juste chaud. Donc, vous verrez que ça se produira bientôt. Maintenant, rappelez-vous toujours que si vous avez un bon dessin qui est mal peint, c'est toujours un bon dessin. Si vous avez un mauvais dessin qui aussi bien peint, c'est toujours un mauvais dessin. Donc, vous voulez vraiment vous assurer que votre dessin est 100% aussi bon que humainement possible, aussi bon que possible que vous soyez complètement satisfait du dessin avant même de toucher la couleur. La couleur et la peinture sont vraiment juste un autre niveau au-dessus de cette structure. Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas inverser les virgules dessiner avec de la peinture de Sydney. Tu peux, tu peux peindre tout de suite. Vous n'avez pas besoin d'un dessin, mais vous vous demandez qu'ils veulent s'assurer que votre structure fondamentale est solide. Et si vous allez simplement utiliser de la peinture, alors ce que vous allez vouloir faire est créer les formes avec la lumière et l'ombre, se concentrant principalement sur les ombres et en construisant la structure comme ça. Et puis seulement plus tard en détail vous ajoutez dans tous les éléments du flux de travail de mise en forme. Et donc ici vous pouvez voir que je commence à passer aux lattes et aux reflets. Le ici va devenir assez léger. Encore une fois sur l'ici, vous voulez choisir vraiment une zone, peut-être deux, mais généralement une zone où il y aura les lumières les plus légères et juste laisser beaucoup sur cette zone. Et ici, vous verrez un faire ces faits saillants particuliers juste sur une sorte de section. Et je garde mon pourcentage du principe de doublure de forme. Donc, si vous y réfléchissez, quel pourcentage serait-il la spéculaire ou le point culminant du principe des 90 ? C' est un très faible pourcentage, non ? C' est apprivoisé, sain d'esprit, peut-être même 5% de la forme entière de cette sphère de formatage. Vous voulez penser à votre utilisation des faits saillants de cette façon. Donc ici dans la hiérarchie, mais très, très minime. Quand vous commencez à en faire trop, vous perdez les effets. Vous devez faire preuve de retenue avec les faits saillants. Et donc oui, je suis, je joue avec différents styles en termes de ce que je fais avec l'éclairage est certains de ses agents doux, certains d'entre eux chauds, vieillis. Sachez ce que sont toutes ces pierres. Ils James de l'opaque avec un transparent. Et vous pouvez voir qu'ils sont assez durs. Sans voix, toujours pas toucher les yeux. Et je fais une stylisation lat au milieu. Et puis nous passons à faire le lats et le DIU. Vous pouvez voir immédiatement à la minute où vous faites cela, soudainement la pièce semble terminée et vous savez, sans doute vous pourriez le laisser à cela. Mais je sais que j'ai encore du travail à faire. J' ai des zones qui ont besoin de durer. Et vous pouvez voir que j'ai pris une approche très dure là-bas avec la barre oblique avant réfléchie pourrait être Lance secondaire. Et cela va juste à nouveau à une sorte de simplification. Nous commençons à simplifier certains éléments du flux de travail d'apprentissage du formulaire. Ensuite, vous obtenez votre plus de coloration. Top des styles, énumère les styles de peinture et le style vraiment peintre ces jours-ci. Historiquement, c'est parce qu'ils utilisaient peinture et des pinceaux que les choses ressemblaient à un coup de pinceau dans la peinture. Mais alors que nous avons commencé à entrer dans une sorte de 19e siècle et qu'il a commencé à avoir de l'aérographe. Et tous ces autres regards. Et le style pictural est devenu une chose où c'était un style. Ce n'était pas seulement, eh bien, c'est comme ça que les peintures ressemblent à cause des coups de pinceau sont devenus un style. C' est donc vraiment une question de voir ces âges et d'avoir gradients qui ne sont pas des gradients lisses mais qui sont dégradés caressés où vous pouvez voir ces changements de pinceau. Et donc ici, approche de la fin du flux de travail, ajoutant dans un jour de relat malade, juste très chaud vieilli. Et il lui donne un look particulier de style de bande dessinée, presque l'air plus avancé dans la bande dessinée, mais lui donne ce genre de look. Il semble que je suis allé à l'encontre de mon idée, ou le bleu l'a sauté en blanc. Je pense que je pourrais ramener du bleu à nouveau, je ne suis pas sûr. Dégustation beaucoup là-bas sur les vêtements. Ici. Nous ajoutons juste un éclairage plus doux dans un visage. Et c'est assez dur. Il peut être assez difficile de trouver un équilibre lorsque vous essayez d' atteindre un style simpliste particulier. Parce que lorsque vous ajoutez ces couches avec le principe de l'argent plein, alors vous augmentez les attentes de réalisme de la pièce. Les cartes soudaines avaient besoin de plus de texture. Donc j'ai juste ajouté ces lignes pour lui donner un peu plus d'une pose acridienne imprimée. Et j'ai décidé que je voulais aller avec ce thème. Le jeu de cartes thème. C' est un effet assez subtil. Et le reste était vraiment juste mise en page. La pièce a été à peu près faite à partir d'ici, j'ai fait quelques autres changements sont tournés sur la page appliquée à la composition de la page. Rien de majeur, rien de formé de laisser l'apprentissage des principes 3D liés. Il suffit de retourner l'image pour s'assurer qu'elle a l'air bien des deux côtés. Et c'est dans le menu de l'image. Image, Rotation d'image, Inverser Horizontal. Et il y a notre couche de superposition pour équilibrer les couleurs. Donc vraiment juste ajustements finaux et faire un peu plus de peinture. Jouer avec le design. Je ne sais jamais où je dois mettre ma signature. Si je pouvais, je laisse tomber pour être honnête avec toi. La plupart des gens ne savent même pas ce qu'est ce symbole. Donc je l'ai mis en quelque sorte pour des raisons de copyright pour juste dire, Hey, c'est ma signature. Mais je détestais que c'est une composition, pas moi. J' aime que les morceaux parlent vraiment d'eux-mêmes. Utilisation de l'outil Liquify juste pour faire quelques ajustements de forme de boue. Et vous pouvez voir, je veux dire, c'est juste dans votre phase de post-production en essayant d'obtenir cette finale bruyante. À quoi ressemblerait si vous l'imprimiez ? Où dois-je mettre le logo ou la signature, si vous voulez, genre de graphismes pourrais-je faire pour améliorer la pièce ? Et pour être juste, je pense en fait que les sous-titres des choses nuisent vraiment au travail. Et je passe beaucoup trop de temps à jouer avec ces choses où je devrais probablement faire une autre œuvre d'art pour être honnête avec toi. Mais effectivement c'est à ce sujet pour ce commentaire, Il y a juste une retouche féodale que je fais, mais nous avons traversé la majeure partie du flux de travail et je pense que vous avez l'idée générale de la façon dont vous pouvez vraiment manipuler le principe de mise en forme pour obtenir des degrés divers, des degrés d'échelle variables d'apparence dans votre travail. Et donc vous voulez commencer par le plus complexe. Vous voulez apprendre le plus complexe, qui est le flux d'apprentissage complet que nous avons traversé et la compréhension de tous ces principes de la lumière en couleur. Et quand vous connaissez les règles folles hardcore, alors vous pouvez passer à l'échelle vers le haut ou vers le bas comme vous le souhaitez. On dirait que j'ai décidé qu'il y avait des retouches supplémentaires à faire. Particulièrement avec les faits saillants sur les vêtements peut juste montrer effectue un peu plus. Ce que je fais c'est que je fais en fait la technique secrète que je peins dans ces lats. Et puis je suis doux en les effaçant. Donnez-leur un joli look subtil. Et les lignes, vous pouvez voir certaines lignes ont un peu de brun sur elles juste pour adoucir ce look de ligne. C' est assez étrange en fait. Je suis tout à fait convaincu que c'était fait tout à l'heure, mais clairement je ne le suis pas. Cela m'arrive. Parfois, je vais probablement poser le morceau pendant quelques jours. l'ai encore regardé et j'ai dit : Hey, il y a des trucs que je veux changer. Laisse-moi dire que tu n'as pas à tout faire en une seule fois, tu es prêt, non. En ajoutant dans quelques ombres et le collège là-bas et en faisant un peu de peinture sur les lèvres. Je dois dire, cependant, je n'ai pas l'impression que ce picking supplémentaire fait trop de différence. Globalement. C'est, c'est l'un des problèmes des âges. Quand une pièce est-elle finie ? Qui sait ? C' est fini quand tu décides qu'il est prêt ? Et c'était plus de jouer avec une histoire. Peut-être qu'elle cachait des cartes. Tu sais, elle triche au match ou quelque chose comme ça. Et ça devrait être à peu près la fin de la pièce. Jetons un coup d'oeil au flux Tom ici, peu près la fin. Donc je vous verrai dans le prochain pays de temps écoulé jeter un oeil à l'ensemble du flux de travail, montrez. Vous y trouverez quelques nuances. Et je vous verrai la prochaine fois. Arbre commun lapse. 62. M508 Cacher quelques commentaires simples de commentaires 18: Bienvenue à la démo de quelque chose de caché. Et nous allons chercher dans les appartements et aller aux variations de couleurs. Et c'est évidemment un morceau que vous devriez probablement être très familier avec. Ce personnage particulier a été créé spécifiquement pour ce cours. Je voulais avoir un flux de travail très clair pour vous les gars. Et donc vous connaissez probablement déjà toute la phase du flux de travail, mais je voulais inclure cette démo comme une belle longue sorte de vue d'ensemble de ce que vous avez appris en termes d'application du principe de doublure complète, ayant tous les étapes du principe de formatage appliqué dans une pièce. Nous avons donc fait des variations de couleur. On a déménagé à la peau là-bas. Et je vais de l'avant et j'ajoute dans l'ombre. Et nous savons que nous voulons d'abord faire nos grandes ombres générales. Il y a des ombres d'occlusion ambiantes, ombres de forme, ce que je fais ici. Et là où nous pouvons où vous vous sentez nécessaire d'ajouter ces ombres de base et les ombres d'occlusion. Je sais maintenant que vous êtes probablement fatigué de m'entendre dire cela, mais un vraiment me répéter juste pour souligner l'importance de certaines choses. Et les ombres radio tout. Tu veux vraiment trop investir dans l'ombre. Cette pièce entière est une peinture totale. Tom était quelque part entre 5 et 6 heures. Vous verrez que le temps s'est écoulé. La démo complète est un peu plus courte. Je pense que c'est quelque part de 2,5 à trois. Et beaucoup de cela, Tom est la phase d'observation, essayant de s'assurer que les ombres sont placées correctement. Me demander, est-ce que l'ancienne lecture ? Eh bien, est-ce que cela semble logique dans l'espace 3D où je place les ombres et je vérifie aussi de façon. Ai-je besoin d'un moyen de coût pour avoir besoin d'occlusion. Nous n'avons pas besoin d'occlusion ambiante est un agent devrait lire était l'occlusion ambiante est de lacto pour accoster. Et l'âge des coups de pinceau pour hanter certains endroits ou trop mou ? Nul doute que vous avez connu tout au long du cours à quel point la théorie elle-même est complexe, appliquant vraiment les workflows assez simples et assez simples une fois que vous comprenez la théorie et que vous avez un workflow logique à suivre, l'appliquer car ce n'est pas vraiment difficile, suffit de suivre les étapes. Juste pensé voir à quel point le lot est complexe et même combien plus loin vous pourriez prendre l'éclairage dans quelque chose. Déplacement des sources de lumière autour de la pièce. Et compte tenu également des différents types de matériaux. Et là, je continue à travailler les ombres. Et je veux vraiment réfléchir à l'endroit où je place ces choses. Son estomac. Vous pouvez remarquer que l'ombre ressemble plus vers termes de réalisme de la façon dont le Londres a tiré et se déplacer sur la zone musculaire. Et c'est vraiment moi en regardant des images de référence et en regardant et en abstraction prêt, la lumière et les zones ombragées de la région de l'estomac. Et puis je vais juste rincer et répéter les mêmes formes que j'avais apprises il y a quelques années. Et vraiment parler du sujet de référence aussi. Utilisez-le quand vous en avez besoin. Utilisez-le vraiment quand vous en avez besoin. Évidemment, ne vole pas. Mais vous voulez prendre les principes de base de la référence, puis les réappliquer dans votre travail. Une autre chose à noter est vraiment que la référence de la vie réelle, en particulier lorsque vous faites référence sera peinture, vous regardez la lumière et l'ombre est sensiblement différente de la référence photographique. Les caméras ne sont pas aussi précises que nos yeux, en général, mais surtout en ce qui concerne la façon dont nos yeux gèrent le contraste. Les caméras n'ont pas ce genre de capacité de contraste dynamique que les autres ont. Et donc, dans la mesure du possible, observez vraiment le monde qui vous entoure et regardez comment la lumière fonctionne sur certaines surfaces, différents types de peau, différentes conditions météorologiques, différentes conditions d'éclairage. Commencez à essayer de mémoriser à quoi cela pourrait ressembler, quel genre de pinceau vous pourriez avoir besoin pour obtenir cet effet tous les types de saturation de teinte ou de couleurs et de valeurs d'éclairage affligées que vous pourriez avoir besoin de choisir. Et donc je passe à travers le PCI étape par étape. Je vais augmenter la vitesse juste un peu pour nous faire passer un peu plus vite. Et vous pouvez voir immédiatement que vous ajoutez de l'ombre, juste une ombre douce simple à un plat, et soudainement c'est tridimensionnel. Et cela, encore une fois, est un témoignage de la puissance des ombres. Sur cette note, tous les artistes qui ont réellement plat à la valeur de l'ombre, ils ont fui vers la valeur de l'ombre. C' est peut-être juste, ce n'est pas le cas. Rien ne change dans notre théorie selon laquelle ils ont fui vers la valeur de l'ombre. Nous avions été inondés à un ton médian essentiellement, ou une couleur locale de ton moyen. Ils se sont enfuis au lieu de l'ombre et ils ne peignent que dans le lat. Et peut-être, si vous pensez comme ça, je ne connais pas beaucoup de gens qui font pour être honnête, mais si vous faites des choses comme ça, ça n'a rien de mal à ça. Vous avez déjà terminé la scène des ombres et vous devrez alors trop investir dans votre scène d'éclairage. Donc, il est juste inversé. Mais rien ne changera jamais ce genre de règle fondamentale des deux valeurs. Les deux valeurs doivent lire la lumière et l'ombre doivent lire l'obturateur latin doivent construire le plein. Et sans doute si vous avez fait caractère vieille école de dessin de personnage complet et maintenant vous faites école de caractères OT, peinture à colorier complète. Vous pourriez penser, wow, qu'il y a beaucoup de règles. Et c'est du réalisme. Le réalisme a ces règles. Mais les règles dont nous avons besoin pour créer des choses qui semblent réalistes ou qui peuvent au moins sembler crédibles. Dans certains saints, dans l'espace, ils sont à Tom. Il y a Mehta. Ils en ont beaucoup. Et ce que nous faisons, c'est que nous trouvons notre liberté et notre liberté créative dans les règles. Mais nous, et il y a beaucoup de liberté dans les règles. Vous pouvez créer efficacement n'importe quel type de créature. Et il pleurait d'être n'importe quel genre de personne. Et toi, un peu de monde. C'est illimité. Et c'est l'une des choses merveilleuses du réalisme. Il y a une communication vraiment claire qui se passe. C' est cette créature qui vit dans ce monde. C' est cette personne avec cette personnalité, etc. Et donc nous passons à la dernière étape. C' est mon flux de travail complet. Cette étape, on fait très attention de ne pas devenir fous. Mettez-le principalement dans les zones éclairées. Kfc considère la façon, est-ce que le lot appartient ? Encore une fois sur le ici, je l'ai mentionné avant, mentionner à nouveau, sentir segue, se détendre avec des reflets sur les cheveux. Vraiment se détendre avec lui. Gardez-le dans une zone peut-être pour finir, vous aurez la recherche décent. Hey, passer sur la scène de doublure réfléchie encore. Ray, c'est juste choisir ces zones d'atterrissage réfléchies. Ça va accélérer un peu. Penser aux avions, que les avions volent face vers le bas. Et aussi s'assurer que ce gradient d'âge ne l'est pas, ne ressemble pas à une bande. Au moins dans ce flux de travail particulier qui avait des gradients bien dans une couleur Il coule dans. Donc, sous les coquilles, ils ramassent un peu de lumière réfléchie. Et maintenant, nous allons mettre en évidence la première étape nous donne beaucoup de choses à être encore plus tempéré maintenant que nous ne l'étions avec la scène d'éclairage, seules quelques zones vont obtenir ce loquet supplémentaire. Et l'utiliser là aussi. Modèle ici, en tirant vers le haut ces formulaires. Et aller des éléments, des éléments et vraiment juste suivre notre flux de travail. Et ce flux de travail a vraiment beaucoup de puissance. Il y a beaucoup de puissance dans le flux de travail. Et vous avez vu la capacité d'augmenter, réduire l'échelle, dire ce que vous faites une fois que vous connaissez le principe de l'argent plein, n' est pas grand-chose que vous pouvez faire en 3D. Nous passons au stimulus sur les yeux. Et nous allons mettre quelques spicules sur d'autres zones aussi. Vous pouvez me voir prendre certaines lignes à faire les spicules sur le genre de pieuvre là-bas. Elle n'est pas une sirène. Et l'idée était vraiment qu'elle avait beaucoup d'effraction pour elle. Elle a Elf, elle en a assez derrière. Elle a des œufs de poulpe, mais elle est toujours assez jolie. Elle est belle. Et je jouais avec une psychiatrie verte. Peut-être que je devrais avoir à la fin de la journée, mais je veux que les choses se normalisent un peu parce que cela aurait ajouté à l'Irina. Donc le morceau que vous n'êtes pas sûr de pouvoir faire confiance à son rho rien. Et puis une sorte de couleur aurait lié à sa couleur des yeux. Le vert ne semble pas nécessairement bon dans certaines circonstances, en particulier sur l'eau. Dans une forêt, ça va sous l'eau, c'est un peu bizarre, vert éclatant. Nous y ajoutons donc l'apprentissage secondaire. Et on fait vraiment comme un beau coup de pinceau doux d'abord. Et puis on va dans la zone éclairée et on l'a soulevée. Et nous le faisons évidemment, c'était nous voulions garder ce bord agréable et lisse. Compte tenu de toutes les zones que la lumière toucherait, en améliorant si nécessaire. Ajouter peu, s'asseoir et se détendre, parler, écouter les yeux, nous donne un beau champ dynamique. Et ensuite travailler sur les coûts et les occlusions. Je pense que je veux revenir en arrière et changer ce coût. Je n'aime pas vraiment l'angle de ça. Je pense que c'est bon. C'est bon. Cela s'écoule à un niveau raisonnable. C' est juste mon genre de point de vue subjectif que, hé, tu sais quoi, j'aimerais lui donner un peu plus d'une courbe. Le dernier que nous avons fini avec, étant donné juste un peu plus d'une courbe. Je suppose que c'est bon. Et donc ici, je passe à nos premiers ajustements avant de commencer à faire quelques choses de finition. Et je jouais avec peut-être changer une partie de l'utilisation des éléments à la fin du gazonné pour garder tout standardisé, gardons le même chemin dans tous les changements folles. Déplacer la diffusion souterraine, mettre un peu de maquillage et IaaS, également en utilisant cette couche de lumière douce, qui est au-dessus de la couche de la peau et la doublure de la peau que. Et puis on va dans le soi-disant secret, hé, technique de peinture. Je voulais l'appeler la technique de peinture HD secrète écossaise parce que je pense à l'esprit, mais appelons ça la technique de peinture secrète, hé, et vous pouvez l'avoir. Et donc ici, je veux juste souligner le flux que vous devez être. Tu dois vraiment couler avec le, hey, tu ne peux pas avoir ces coups qui sortent sous des angles bizarres ou quelque chose comme ça. Les cheveux coulent, vous devez couler avec les cheveux. Et bien sûr, ça fait de l'ombre. Ils sont donc très importants, beaucoup plus importants que le lat. Et donc nous voulons vraiment investir, surinvestir, surtout ici, en fonction de la fidélité que vous voulez, vous pouvez prendre cela à la bonne technique jusqu'à très haut et réalisme en utilisant une gamme de tailles de course traits épais aux traits minces représentant des Hayes simples. De même dans les lats que vous voulez vraiment réfléchir à ce que vous ajoutez ces éléments, puis bien sûr, en effaçant ces conseils. Et vous obtenez une finition très, très professionnelle. Le look très professionnel. Ici, nous faisons la coloration LAN. Et je suis allé avec juste une sorte de couleur de logo Docker la plupart du temps. Juste un doc, les couleurs locales adoucit un peu l'image, rend un peu moins. Illustration du style de bande dessinée. Vous voulez généralement quitter les yeux est un DACA. Typiquement les compagnies aériennes, les cils veulent le laisser comme une valeur plus sombre. Parce que quand tu commences à rendre les lignes trop légères, je suis, tu perds le contraste. Et en général, il y a beaucoup de contraste dans les yeux, même chez les gens réels, il y a juste beaucoup de contraste. Et ici, je fais un peu plus de peinture, comble les lacunes, efface toutes ces petites zones que je n'avais pas remplies auparavant. Et cela va vraiment témoigner de votre niveau de dévouement et de professionnalisme dans votre travail. Maintenant, certains artistes pourraient laisser ça dans l'Enrique. Vous voulez vous efforcer d'être aussi professionnel que possible et utiliser un jour de fond blanc parce que j'étais tout à fait certain actuellement de sorte que je ne voyais pas le plein dans correctement si rapidement tourné sur un fond blanc, éteint le gris et la montre allumée pour avoir un peu d'oeil. Et vous remarquerez que les bulles ne sont pas des cercles parfaits et ils pourraient l'être, mais ils n'ont pas à l'être, plutôt n'ont pas à l'être. Le fonds qui ne le sont pas nécessairement ne concerne pas la précision dans le réalisme, mais plutôt la précision en théorie. Appliquez-vous des éléments allèles du flux de travail d'apprentissage ? Tout ce que vous utilisez la perspective relativement bien. En ce qui concerne la façon dont vous envisagez d'éclairer les éléments, pensez-vous aux avions ? Donc, ils, nous avons fait la couche de superposition bleue et ensuite nous avons fait l'aberration chromatique, déplaçant les canaux juste d'un pixel, subissant le look et nous donnant une belle finition professionnelle. Et c'est vraiment la fin de ce flux de travail. Donc, j'espère que vous avez aimé passer par cacher quelque chose à nouveau dans un peu d' un time-lapse de la vue d'ensemble des applications Tom que nous avons vu dans le Module 3. Et Daphné nous donne une belle vue solide de chaque pas, une chose à la fois, faire chaque élément, une chose à la fois. Et c'est la fin de cette vidéo de workflow. Merci d'avoir regardé. 63. La conclusion du cours de couleur et de peinture: Félicitations pour avoir atteint la fin du cours. Si c'est votre première fois, n'oubliez pas de suivre le cours à nouveau et maintenant engager les tâches, appliquant toutes les fonctionnalités pratiques de tout ce que vous avez appris pour la deuxième fois, s'il vous plaît assurez-vous de poster votre travail. J' adorerais le voir. Et je ne doute pas que vous avez vu une amélioration rapide des compétences pendant que vous avez traversé ce cours, hésitez pas à être en contact avec moi. Vous pouvez me poser des questions, me laisser des commentaires, et j'aimerais voir votre travail. J' aimerais vous aider et j'ai vraiment marcher côte à côte avec vous pour vous amener au niveau que vous voulez atteindre. Merci encore beaucoup d'avoir acheté le cours. Je l'apprécie vraiment et j'espère que vous avez trouvé une énorme valeur au fur et à mesure que vous pourrez franchir le cap. C' est tout pour moi et je vous verrai quand je vous verrai. Les applaudissements.