Du cœur à la page : Interpréter trois émotions à travers l’illustration

1. Introduction: Les émotions sont au cœur de la nature humaine. Vous ne pouvez pas raconter une bonne histoire sans ajouter un peu de joie, de peur ou de tristesse, même lorsque votre histoire est racontée en images. Je suis Amandine Thomas. Quand j'avais quatre ans, j'ai annoncé à toute ma famille que j' allais devenir illustratrice de livres pour enfants. Eh bien, quelques années plus tard, rien n'a vraiment changé. Je suis une auteure et illustratrice de livres pour enfants primée . Ce que j'aime le plus dans mon travail, c'est raconter des histoires qui sont bonnes pour la planète et ses habitants. Pour raconter une bonne histoire, il y a, selon moi, un ingrédient essentiel, et c'est la palette des émotions. De la colère à la joie en passant par la mélancolie, les émotions peuvent influencer nos actions, nos relations, nos croyances. Ils peuvent nous réconcilier ou nous diviser, nous inspirer ou nous décourager. C'est pourquoi vous pouvez les retrouver dans toutes nos histoires, de la mythologie grecque aux films Disney. Dans ce cours, je partagerai avec vous tous mes trucs et astuces pour maîtriser la palette des émotions et explorer son incroyable potentiel dans vos illustrations. Au cours de chaque leçon, vous apprendrez à exploiter le pouvoir émotionnel des couleurs, à composer une image pour susciter des émotions et à utiliser une métaphore visuelle bien choisie pour vous raconter une histoire. Nous expliquerons également comment utiliser les émotions comme puissant outil de connexion ce soit dans des livres pour enfants, des magazines ou des illustrations commerciales. À la fin du cours, vous serez en mesure appliquer toutes ces connaissances à votre travail que vous soyez illustrateur en herbe ou professionnel chevronné. Grâce à des démonstrations détaillées mais non prescriptives et à une méthode claire et facile à suivre, vous disposerez de tous les outils nécessaires pour mener à bien votre projet et créer une illustration originale qui capturez l'émotion de votre choix dans votre propre style. Pour commencer , il vous suffit rassembler vos outils préférés, qu'il s'agisse de votre iPad, vos crayons de couleur ou de votre gouache. Ne vous inquiétez pas, même si les compétences en dessin sont toujours utiles, les concepts que nous aborderons dans ce cours sont accessibles à tous. Cela étant dit, si vous voulez trouver de l'inspiration et renforcer votre confiance en vous avant de commencer, n'hésitez pas à consulter mes autres cours. En attendant, passons à la leçon suivante où nous aborderons le projet plus en détail. voit là-bas. 2. Projet: Êtes-vous prêt à en savoir plus sur le projet ? Dans ce cours, je vais vous aider à choisir, interpréter et illustrer l'émotion de votre choix. Vous apprendrez à utiliser les couleurs, la composition et les symboles pour mieux communiquer les émotions dans vos illustrations, mais aussi comment raconter des histoires et transmettre des messages convaincants pour susciter et des images percutantes car les émotions suscitent des réactions. Par exemple, il existe de nombreuses histoires qui auraient beaucoup moins d'impact sans les émotions fortes qui font avancer l'intrigue. Je fais partie de la génération qui a été un peu traumatisée par la mort de Mufasa dans Le Roi Lion. C'est une scène qui, bien sûr, suscite de la colère et de la tristesse, mais qui nous rapproche également de Simba. Dans Roméo et Juliette, c'est le contraire. Le jeune amour joyeux au début de la pièce ne fait qu'accentuer la tragédie de la fin. C'est grâce à ces émotions fortes que nous pouvons nous lancer dans de nombreuses aventures et voyager aux côtés de leurs personnages. Bien sûr, il y a de nombreuses émotions à explorer, mais dans ce cours en particulier, nous allons nous concentrer sur trois émotions fondamentales : la joie et ces variations comme l'optimisme, la gaieté et l'euphorie. La peur et ses nuances allant de la timidité à la terreur, et la tristesse avec ses subtilités telles que la mélancolie ou le chagrin. Chacune de ces émotions sera explorée en profondeur à l' aide de démonstrations en mosaïque 3D. Des théories des couleurs aux bases de la composition, vous disposerez de tous les outils nécessaires pour créer une illustration originale et significative dans votre propre style. De quoi avons-nous besoin pour commencer ? Personnellement, je vais utiliser mes outils préférés : des aquarelles, des pinceaux, une simple plume de Sergent Major sur du papier Bristol. Pour mes croquis, j'ai également un crayon mécanique de base, une gomme à effacer et mon carnet de croquis. Bien entendu, n'hésitez pas à utiliser vos propres outils préférés, car la méthode et les principes de ce cours peuvent être adaptés à n'importe quel style d'illustration. Une fois que vous aurez appliqué les compétences enseignées dans ce cours à votre projet, vous pourrez utiliser ma méthode pour traduire toute une gamme d'émotions dans vos illustrations, qu'il s'agisse de livres pour enfants, dans magazine, ou pour un client avec une vision spécifique. Enfin, dans la section Ressources du cours, vous aurez accès à des feuilles de travail qui récapituleront tous les points clés du cours : choix de votre palette de couleurs, composition de votre image, en ajoutant des éléments clés pour mieux raconter votre histoire, tous les éléments essentiels pour créer votre illustration. Bien entendu, une fois votre projet terminé, n'hésitez pas à le partager dans la galerie de projets. J'ai hâte de voir ce que vous allez créer mais pour l'instant, examinons les principaux outils de votre boîte à outils, les couleurs, la composition et les symboles. 3. Couleurs, composition et symboles: Avant de commencer, vous vous demandez peut-être quelle est la palette des émotions ? Eh bien, dans les années 70, chercheur américain Paul Ekman a identifié six émotions universelles censées être reconnues même par les populations les plus isolées. Ces six émotions sont la joie, la tristesse, le dégoût, la colère, la peur et la surprise. Depuis lors, la théorie a été revue et développée par de nombreux autres chercheurs qui ont ensuite créé leur propre version de la théorie. Certains l'adaptent pour inclure davantage de neurones aux émotions. Mais tout le monde a tendance à convenir qu' il existe au moins cinq émotions fondamentales : la joie, la peur, la tristesse, le dégoût et la colère , chacune avec ses propres variations, ce qui est d'ailleurs la base du film de fond en comble et ces émotions clés sont essentielles pour raconter une bonne histoire. Non seulement font-ils avancer l'intrigue en donnant du sens au personnage plutôt qu'à leur parcours ? Mais ils encouragent également l'empathie en permettant au lecteur de s'identifier au personnage et à ses expériences. Enfin, l'aide transmet des messages forts et percutants. Pensez à des histoires morales, comme Le garçon qui criait au loup, par exemple Maintenant que nous avons établi l'importance de la palette d'émotions pour raconter une bonne histoire, nous allons explorer différentes manières de l'illustrer ça. D'abord avec les couleurs, puis la composition et les symboles. Bien sûr, il existe d'autres outils plus ou moins efficaces, mais la maîtrise de ces trois outils sera un très bon début, faites-moi confiance. Passons aux couleurs, une véritable mine d'or lorsqu'il s'agit de communiquer des émotions. Vous l'avez probablement déjà vu dans la roue chromatique, qui est un graphique montrant les relations entre les couleurs sans trop entrer dans les détails, les couleurs sur la droite de la roue sont appelées couleurs chaudes et ils suscitent la passion, l'énergie, l'excitation, mais aussi la colère ou l'hostilité. Les couleurs sur la gauche de la roue sont appelées couleurs froides, et elles sont souvent décrites comme calmes et sereines. Bien qu'ils puissent également susciter des sentiments de tristesse ou d'indifférence. Ces couleurs chaudes et froides ont en fait un effet physiologique sur nous puisqu'elles peuvent augmenter ou ralentir le rythme cardiaque. Il n'est donc pas étonnant qu' ils soient si utiles pour évoquer toute une gamme d'émotions. En fait, ils sont même entrés dans notre vocabulaire. Vous pouvez être vert d'envie, vous pouvez voir le rouge de colère. Tu peux avoir le blues. Cela étant dit, aucune couleur n'est positive ou négative à 100 %. Par exemple, le bleu peut représenter à la fois la tranquillité et le chagrin. Le rouge peut évoquer l'amour et la colère. orange peut être synonyme d'énergie, mais aussi de danger, etc. Différentes combinaisons de couleurs peuvent également communiquer différentes émotions, par exemple, le contraste entre les couleurs froides et chaudes évoque une activité, l'agitation, la marque de feu, les couleurs primaires communiqueront du plaisir, de l'excitation et de l'énergie. Les couleurs pastel évoquent la douceur, tandis que les couleurs ternes peuvent être ennuyeuses ou déprimantes. Bien entendu, nous n' avons pas à nous en tenir à ses codes établis, comme nous le verrons dans les démonstrations ultérieures. Mais ces associations sont tellement ancrées dans notre esprit qu'elles ont un réel impact émotionnel. Après la couleur, la composition en photographie est un autre outil très efficace pour communiquer des émotions. Par exemple, il est bien connu que la façon dont nous construisons nos images leur structure peuvent avoir un impact énorme sur ce qu'ils communiquent. Eh bien, c'est la même illustration. La composition en perspective influencera la façon dont nous réagissons à une image et définira son rythme ou son atmosphère. Par exemple, en tant qu'humains, nous sommes naturellement attirés par la symétrie. Une composition symétrique évoquera l'harmonie, l' équilibre, le plaisir, tandis qu'une composition asymétrique, surchargée ou déséquilibrée produira une sensation de chaos ou de désordre. Nous pouvons également utiliser les lignes directrices d' une image pour transmettre un sentiment d'ouverture, de légèreté ou au contraire de confinement et d'oppression. On peut également varier le cadrage pour évoquer les libertés, espace, ou plutôt l' emprisonnement ou l'anxiété. Bien entendu, nous pouvons utiliser les relations entre les différents éléments d'une image. Proche ou distant, petit ou grand, égal ou non. Cela aidera le lecteur à se positionner dans l'image et à faire appel à sa capacité d'empathie, ce qui est bien sûr très important lorsqu'il s'agit de raconter une histoire. Le troisième outil dont nous allons parler dans ce cours est celui des symboles, ou ce que j'aime appeler des métaphores visuelles. Qu'est-ce que cela signifie ? Dans n'importe quelle image, un ou plusieurs éléments peuvent être utilisés pour représenter une idée abstraite. Ces éléments deviennent une métaphore visuelle de cette idée particulière. La signification symbolique peut être incarnée par un objet, une personne, une action, voire un lieu. Bien entendu, si vous souhaitez susciter une forte émotion pour les images, vous pouvez utiliser les symboles courants qui y sont déjà associés. Par exemple, un cœur pour l'amour, un arc-en-ciel pour le bonheur, la pluie pour la tristesse. Ce sont des symboles émotionnels presque universels que nous partageons tous consciemment. Mais nous pourrions aussi choisir des métaphores visuelles moins évidentes , par exemple, la joie peut être représentée par cette sensation de légèreté lorsqu'on prend l'avion. Dessiner des montgolfières, confettis ou des oiseaux peut également évoquer cette émotion de manière plus subtile et moins clichée. Bien entendu, nous pouvons utiliser nos propres métaphores fonction de nos expériences et des associations que nous nous sommes forgées. Cela nous permettra d'évoquer l'émotion sans être trop littéral et de créer une illustration plus significative et originale. Bien entendu, nous allons aborder tous ces outils plus en détail dans les prochaines leçons avec des démonstrations approfondies pour chaque émotion. Avant de commencer, vous vous demandez peut-être quelle émotion choisir pour votre illustration. Dans ce cours, j'utiliserai la joie, la peur et la tristesse pour mes démonstrations. Vous pouvez choisir d'illustrer l'une de ces émotions libres, ou vous pouvez appliquer ma méthode à l'émotion de votre choix. Si vous préférez la colère, la mélancolie ou la terreur, allez-y. Si vous n'arrivez tout simplement pas à vous décider, vous pouvez vous poser les questions suivantes : Quel est le message que vous souhaitez transmettre avec votre image ? Y a-t-il une histoire que tu aimerais raconter ? affirmative, quelle est l'émotion dominante se cache derrière ce message ou cette histoire ? Par exemple, si vous souhaitez illustrer pour les enfants, vous pouvez essayer de réfléchir à des moments récurrents dans de nombreuses histoires pour enfants. Par exemple, voulez-vous illustrer qu'ils ont vécu heureux pour toujours ? Ou préférez-vous vous concentrer sur le grand méchant loup ? Personnellement, j'ai choisi d'illustrer la joie par une scène un peu chaotique, pleine d' énergie, d'excitation et d'euphorie. Par peur, j'ai choisi un classique, Une nuit en forêt, juste ce qu'il fallait de peur et de mystère. Par tristesse, j'ai choisi de représenter une scène solitaire avec une touche de tourmente et de mélancolie. Mais je vous en dirai plus dans la prochaine leçon où nous commencerons à travailler sur la joie. bientôt. 4. Démonstration : Joie: C'est bon. Dans les prochaines leçons gratuites, je parlerai de ma méthode de création d'une illustration en général et de la façon dont je m'y prends pour création d'une illustration en général traduire les émotions en images par le biais de couleurs, compositions et de symboles. Même si vous ne voulez illustrer qu'une seule émotion dans ce cours, je vous encourage tout de même à regarder toutes les démonstrations, uniquement parce que je partage différents trucs et astuces dans chaque vidéo. Je vais commencer par la joie, une émotion qui est au cœur de nombreux livres pour enfants, généralement au début d'une histoire avant le drame ou à la fin une fois l'aventure terminée. Pour cette illustration particulière, je souhaite illustrer la scène que l'on peut trouver au début d'une histoire avant de partir à l'aventure. Tout le monde est content, il y a de l'excitation, de la couleur, du mouvement. Je veux capturer une joie enfantine exubérante. Maintenant, quelle que soit l'émotion que vous choisissez de représenter, je vous encourage vraiment à commencer par définir votre intention. Pour cela, vous pouvez vous poser les questions suivantes. Qui ressent cette émotion ? Dans mon cas, il s'agit d'un groupe d'enfants. Pourquoi le ressentent-ils ? Ici, ils sont totalement libres de faire ce qu'ils veulent sans adultes. Où est-ce qu'ils le ressentent ? Dans mon cas, ce sera lors de cette fanfare haute en couleur. Pour ces démos, j'utiliserai des aquarelles au pinceau, mais aussi avec ma plume de sergent-major. C'est ma technique préférée, et c'est d'ailleurs celle que j'utilise dans presque toutes mes illustrations. Cependant, je vous encourage à choisir la technique qui vous convient. Les principes de cette classe peuvent être appliqués avec n'importe quel outil ou technique. N'optez pas pour l'aquarelle si ce n'est tout simplement pas votre truc. Quelle que soit la technique que vous choisissez, nous commencerons par créer une palette de couleurs. Bien sûr, pour la joie, on pense tout de suite au jaune, mais aussi à d'autres couleurs chaudes comme l'orange ou le doré. Ce sont des couleurs chaudes, vives et dynamiques qui évoquent la prise de soleil. Mais n' ayez pas l'impression de devoir suivre des codes préétablis. J'aime utiliser des couleurs vives comme le rose, bleu électrique ou le vert vif. Avec ces couleurs, je peux créer une sensation de joie débridée qui peut être exploitée pour évoquer la joie. Voici les couleurs que je prévois d'utiliser. Le rouge, le jaune et l'orange comme couleurs dominantes et des touches de rose, bleu et de vert vif comme couleurs secondaires. C'est une palette fraîche et pleine d'énergie, image de la scène que j' essaie de représenter. Une fois que j'ai mes couleurs, je commence toujours par créer un mini-croquis, très rapide, très simple, qui me permet de peaufiner ma composition. Ici, je veux vraiment me concentrer sur l'abondance, qui est très souvent associée à la joie. Nous célébrons les moments heureux avec une multitude d'amis, de membres de la famille, de nourriture, de cadeaux Je vais donc avoir plein de petits éléments partout pour donner de l'énergie et du mouvement à ma composition. La joie est également souvent associée à une sensation de légèreté, comme nous l'avons vu dans la leçon précédente. Je vais privilégier une composition ouverte et époustouflante avec des éléments qui vont prendre leur envol pour nous mener vers le haut. Pour la même raison, je veillerai également à garder un peu de blanc sur la page pour éviter d'alourdir mon image et pour qu'elle reste claire. Une fois que j'ai mon petit croquis, j'aime créer une vignette en couleur, qui orientera l'ambiance générale de mon image. C'est quelque chose que je fais avec tous mes livres, cela fait vraiment partie de mon processus et cela m'aide à trouver un peu mieux l'atmosphère de chaque illustration, ce qui est particulièrement important lorsque vous voulez susciter de l'émotion. Encore une fois, je n'entre pas trop dans les détails, la vignette est juste un moyen rapide de tester ma palette avant de commencer. Cela me permet de vérifier comment mes couleurs interagissent, si je souhaite utiliser des lavages à l' aquarelle plutôt que du dessin au trait. Ici, je pense que le dessin au trait représente mieux la joie et l'exubérance. C'est juste un peu plus vivant et dynamique. Une fois que j'aurai mon mini-croquis et ma vignette, je suis prête à passer à illustration finale avec des intentions claires. J'aime commencer mon illustration en traçant au crayon les différents éléments de très légèrement au crayon les différents éléments de ma composition. L'idée est de structurer un peu la page avant de commencer. Parfois, je dessine même des formes pour délaminer un peu l'espace, mais c'est tout. Maintenant, je saute dedans avec ma plume. Comme nous l'avons vu dans la vignette, je souhaite utiliser la couleur de manière dynamique sans perdre toutes les nuances apportées par l'aquarelle. La pointe est l'outil parfait. De plus, cela me permet de travailler sur de nombreux petits détails très fins avec des traits animés animés. Dans la leçon précédente, nous avons beaucoup parlé de symbolisme. Je pense que beaucoup d'entre nous ont de bons souvenirs d'enfance associés à la foire ou au carnaval d'été. On mange de la glace, on fait du vélo, les couleurs changent. Je vais utiliser cette association positive dans mon illustration pour renforcer le message que j' essaie de transmettre. Bien sûr, quel meilleur moyen de suggérer la joie qu'en utilisant les expressions et le langage corporel de mes personnages ? Beaucoup de sourires, de sauts, applaudissements de mains qui courent partout. Encore une fois, je voulais capter ici une énergie exubérante légèrement débridée. Je vais également utiliser l' association que nous avons mentionnée précédemment entre l'euphorie et le fait de voler ou de flotter, avec des métaphores visuelles plus ou moins évidentes. Ici, nous avons un canon à confettis qui explose avec beaucoup de couleurs, nous avons également une grande roue qui nous permet de mieux voir l'ensemble de la scène, et puis bien sûr, les montgolfières non seulement pour tirer la composition vers le haut, mais aussi pour permettre aux personnages de s'envoler littéralement, comme si leurs pieds ne touchaient même plus le sol. En bref, une autre chose que j'aime faire dans mes illustrations est de créer de nombreuses scènes dans la scène principale. Derrière chacun de mes personnages, il y a une petite histoire qui enrichira le message j'essaie de faire passer. Ici, vous pouvez voir que les enfants ont fait exploser le canon à confettis et qu'ils s' amusent. Vous avez peut-être remarqué que grâce à la plume, mon style a un impact visuel un peu plus important que celui d'un lavage doux ou d'une ligne métallique. Par contre, si je voulais représenter une joie plus tendre et délicate, je pourrais diluer mes couleurs ou opter pour des pastels. Mais pour cette scène pleine d'énergie, j'ai envie d'utiliser des couleurs pures directement dans la plume. Si vous utilisez d'autres outils, le même principe s'applique également. Vous pouvez varier la pression lorsque vous dessinez pour obtenir un trait plus doux ou plus dur, vous pouvez avoir des mouvements affirmés ou fluides, vos textures peuvent être plus ou moins graphiques, le tout aura un impact sur les couleurs et sur les émotions qu'elles vont transmettre. Pour terminer avec cette illustration, j'ajoute un tas de ballons qui porteront l'un de mes personnages vers le haut d'une certaine manière, ce qui permettra de faire un petit clin d'œil à la joie, qui peut parfois nous donner des ailes. Ces petits détails donneront également l'image une touche de fantaisie, un peu de magie, ce qui fonctionne très bien dans le contexte de la littérature pour enfants, où presque tout est possible, même en volant avec un tas de ballons. Un autre avantage d' avoir ma vignette et mon croquis préparés à l'avance est que je sais quand mon illustration est terminée. Parce que sinon, l'un des risques est de continuer à ajouter des détails, des couleurs, des textures, etc. Cela pourrait non seulement modéliser votre histoire, mais aussi donner à l' image un aspect lourd et parfois même simple ruine-le. Je vais m'arrêter ici avant d'aller trop loin et terminer en effaçant mon croquis. Parce que si tu me connais, tu sais que je pourrais continuer à embellir pendant des heures. Voici ma dernière illustration pour la joie. Si vous décidez également d' illustrer la joie, qu'il s'agisse du doux et tendre bonheur d'étreindre un bébé ou du simple plaisir de boire une bonne tasse de thé, j'ai hâte de voir ce que vous trouvez dans la galerie de projets. Si vous préférez illustrer la peur, je vous verrai dans la prochaine leçon. 5. Démonstration : peur: [MUSIQUE] Prêt à illustrer la peur ? Dans cette leçon, je vais suivre les mêmes étapes que dans la démo de Joy's. abord, nous allons choisir notre palette de couleurs, puis nous allons travailler sur notre mini-croquis avant de passer à notre vignette couleur , puis évidemment à notre illustration finale. Bien entendu, la peur est une émotion qui place prépondérante dans de nombreuses histoires classiques. C'est la peur qui va rendre une histoire passionnante et sans elle, il ne peut y avoir vraiment d'aventures. Pour cette image, j'ai décidé de m'en tenir aux classiques avec une nuit fraîche en forêt. De toute évidence, la forêt a son propre symbolisme mystérieux , très présent dans la mythologie ou dans les contes de fées. Ensuite, la nuit, qui a toujours été associée au danger et à l'inconnu. En associant la forêt la nuit, nous avons la recette parfaite pour une bonne frayeur. Par exemple, c'est dans la forêt que Blanche-Neige est poursuivie par le chasseur, Hansel et Gretel rencontrent une sorcière, Little Thumbling échappe à un ogre, Petit Chaperon Rouge au loup. Mon intention est de recréer cette atmosphère particulière. En commençant par la palette de couleurs, la peur, on pense immédiatement au noir, la couleur de l'inconnu, l'absence de lumière, la nuit où les monstres pouvaient facilement se cacher. Il y a aussi cette touche de mystère, de danger, d'aventure que l'on retrouve dans de nombreuses histoires. Pour cette illustration, je vais utiliser un vert presque noir. Sachant que dans l'aquarelle, nous n'utilisons traditionnellement ni noir ni blanc pur, vous devez donc créer votre propre noir avec les couleurs à votre disposition. Ici, je mélange un vert de mer avec Jane's Grey et une touche d'orange brûlé, ce qui me donnera une belle couleur noire. Au-delà du noir, on peut inclure d'autres couleurs foncées, un violet très foncé par exemple, qui peut être contrasté avec couleurs plus chaudes comme le jaune ou le rouge. Bien sûr, pour une scène différente, par exemple le laboratoire effrayant d'un savant fou, nous choisirons différentes couleurs, comme un vert fluorescent, un jaune agressif, un gris métallique. Il est important de se rappeler que la palette de couleurs est un élément essentiel de l' histoire que nous essayons de raconter. Pour ce schéma en particulier, j'utiliserai un bleu profond, un peu de violet, ma couleur noire bien sûr et pour contraster le tout, j'ajouterai une touche de jaune et un peu d'orange vif. Une fois que j'ai mon plan, je passe à mon croquis. Ici, contrairement à la composition que j'ai utilisée pour la joie, je vais utiliser des directives oppressantes. Je veux que le lecteur se sente un peu mal à l'aise. Même la lune est lourde et les arbres viennent étouffer l'image. Il y a aussi ces petits yeux maléfiques éparpillés tout autour de la tente, qui regardent de façon effrayante. La composition sera soutenue par l'utilisation de couleurs, comme nous le verrons avec la vignette. Je sais que certains artistes aiment se lancer directement dans l'illustration sans passer par ces phases de recherche. Avant de travailler dans l'édition, je faisais de même. J'ai aimé voir l'illustration émerger d'elle-même d'une certaine manière, mais il est très utile d'avoir des croquis et des vignettes à présenter à un éditeur ou à un client. Cela vous permettra de partager votre vision et de donner à l'autre la possibilité de venir améliorer vos idées originales. J'ai trouvé ce processus collaboratif particulièrement positif lorsque je travaille sur un livre avec mon éditeur, par exemple. Pour cette image, je vais utiliser pleinement les textures qui ont fait la renommée de l' aquarelle. Je souhaite laisser un peu plus de place à l'imagination et donc garder les détails flous, nébuleux, l'exception de certains éléments clés comme la tente par exemple, qui n'est pas complètement engloutie la nuit et ses mystères, et qui servira de phare à l'illustration. D'autre part, je veux que les arbres prennent une forme sombre et mystérieuse. Je vais utiliser mes pinceaux pour évoquer des ombres menaçantes qui ne peuvent pas vraiment être identifiées. Au fait, vous pouvez vraiment voir ici la teinte verte que j'ai donnée à mon noir, parfaite pour les arbres, et qui s'assombrira au fur et à mesure que j'ajouterai des couches de couleur. Au final, les seuls éléments que nous pourrons clairement voir dans la forêt sont les yeux jaunes et oranges qui réfléchissent la lumière de la tente. Le reste est entièrement laissé à l'imagination. Voici ma vignette. Une fois la vignette et le mini-croquis terminés, nous pouvons passer à l'illustration finale, en commençant par placer légèrement nos éléments sur la page avec un crayon. Allons-y. Je vais commencer par la petite tente, cet abri fragile contre la nuit. Cette lumière dans le noir est un autre symbole universel très fort. Il représente l'espoir et la sécurité dans un environnement hostile. Bien entendu, le lecteur aura l'impression de pouvoir communiquer avec les personnes dans la tente, même s'il ne les voit pas. Ils voudront peut-être les avertir ou les protéger et c'est là qu'intervient l'empathie dont nous avons parlé plus tôt dans le cours. C'est ainsi que les lecteurs s'investissent dans l'histoire. En s'identifiant aux personnes présentes dans la tente, le lecteur se sentira également observé entouré de créatures inconnues cachées et de leurs yeux brillants. Bien entendu, il est bien plus effrayant de ne révéler que des parties de ce qui se cache dans la forêt, plutôt que d'illustrer un véritable monstre, par exemple. C'est ainsi que nous donnons plus de pouvoir à l'imagination, qui est extrêmement puissante lorsqu'elle est associée à la peur. Cela permet également à la menace d'être légèrement différente pour chaque lecteur. Ensuite, nous avons la pleine lune, qui dans ce contexte est également associée aux loups-garous, à la magie et aux sorcières. C'est à la pleine lune que beaucoup de choses étranges se produisent, comme l'apparition de ces créatures dont nous venons de parler. Juste un petit mot, vous avez peut-être remarqué que j'utilise ici vous avez peut-être remarqué que j'utilise techniques d'aquarelle plus traditionnelles, comme mouillé sur mouillé. Cela créera le type de texture que je recherche dans cette image. Je travaille directement avec un pinceau sur mon papier Bristol, ce qui me donnera un effet très fluide. Ce n'est pas très courant de travailler à l'aquarelle sur du papier Bristol, mais j'aime avoir des lavages lumineux fluides. La façon dont l'eau réagit sur le Bristol me donnera l' effet que je recherche. Pour en revenir aux symboles, nous avons déjà parlé de la forêt et de la nuit, qui ont des associations universelles. Pensez aux contes de fées, au Seigneur des Anneaux, princesse Mononoke, etc. En termes de métaphore visuelle, nous sommes sur un terrain très riche, très fertile désormais dans l'imaginaire collectif. C'est pourquoi je donne ici le rôle principal à la forêt et à la nuit. Comme nous l'avons vu sur le croquis, je veux que les arbres dominent, qu'ils fassent presque exploser la tente. Ils seront également silhouettés dans le ciel, ce qui mettra en valeur les principales directives de fermeture de l'image. Contrairement à l' illustration précédente, je ne laisse aucune marge, aucun blanc pour respirer, juste la lune et la neige qui brillent dans le noir. J'adore revenir à la pointe avant de terminer une image pour y ajouter les derniers détails, comme ici dans les arbres, cela donnera plus de texture à mon illustration et l' affinera un peu. Vous vous souviendrez que puisque j'ai planifié avant de commencer mon illustration, je sais quand m'arrêter avant d'aller trop loin dans l'embellissement de mon flux créatif, mais je suis en train de travailler dessus. Avant de finaliser mon illustration, je souhaite travailler un peu plus sur la couleur, car l'ambiance y est très importante. Pour apporter ces modifications subtiles sans repartir de zéro, Photoshop est un excellent outil. Je ne travaille souvent que sur deux niveaux d'ajustement, les niveaux et la vivacité. D'habitude, avec les niveaux, je ramène simplement le curseur noir et blanc au bord de l'histogramme et je porte la vivacité à 20. Cela suffit et c'est beaucoup plus subtil que la saturation, par exemple, surtout lorsque vous travaillez avec une illustration analogique. Tout cela suffira à donner un peu plus de profondeur et de richesse à mes couleurs. C'est tout pour avoir peur. N'oubliez pas que si vous décidez d'illustrer votre peur, je vous encourage à partager non seulement votre illustration finale , mais aussi le processus qui la sous-tend , les mini-croquis, les vignettes en couleur, etc. En attendant, je vous retrouve dans la prochaine leçon avec la démo finale, Tristesse. On se voit là-bas. 6. 06 Tristesse: Voici la dernière démo ; la tristesse. Encore une fois, nous allons suivre les mêmes étapes, la même méthode. D'abord la palette de couleurs, puis notre mini-croquis, puis notre vignette en couleurs, et enfin l'illustration elle-même. Mais je suis sûr que vous connaissez déjà très bien tout cela Je vais donc avancer un peu plus vite dans cette leçon. Je suis sûr que vous savez que la tristesse est également une émotion très importante dans de nombreuses histoires. Souvent, la narration commence même par un événement triste afin de mieux accentuer la trajectoire positive des héros. Pour cette image, je souhaite me concentrer sur mon personnage lui-même sans ajouter trop de détails en arrière-plan. Je veux créer une image un peu plus introspective et émotive, sans bribes inutiles. Nous aurons ce personnage seul, tourmenté, déprimé sous la pluie, comme tout le monde. Je sais que cela semble cliché, mais parfois les clichés fonctionnent. Pensez simplement au nombre de scènes pluvieuses dans les films. Maintenant que j'ai défini mon intention, je vais prendre mes aquarelles, ma plume et mes pinceaux, et je vais commencer par créer ma palette de couleurs. De toute évidence, il s'agit d'associations très fortes entre les couleurs froides et la tristesse. Le bleu en particulier et toutes ses nuisances évoqueront la solitude, indifférence, mais favoriseront également l'introspection. Cela étant dit, nous pouvons également représenter la tristesse en utilisant des couleurs grisâtres ternes délavées, qui symboliseront la perte, le deuil ou la dépression. Pour cette image, je vais utiliser un schéma presque monochrome avec des tons de vert, de bleu et de gris, non seulement pour capturer l' ambiance d'un jour de pluie, mais aussi pour évoquer la solitude, la mélancolie et une touche d'humeur orageuse. Pour cela, j'utiliserai un nombre limité de couleurs que je mélangerai pour créer toutes mes teintes. Cela me permettra d' obtenir une palette harmonieuse sans trop m'ennuyer. Ici, je mélange du turquoise, du gris Jane et du bleu outremer pour créer un vert d'eau, un gris coloré et deux nuances de bleu. Un modèle terne et délavé et un autre beaucoup plus riche et plus lumineux pour donner de la profondeur au schéma. Pour mon sketch, je souhaite que la composition soit aussi simple et épurée que possible. Les quelques éléments que j'aurai sur la page seront un peu déséquilibrés, un peu chaotiques, au point de susciter des troubles ou des bouleversements. Une composition simple attirera également vraiment l' attention sur mon personnage et renforcera l'impression de solitude, d'isolement. Je vais également la positionner en bas de page pour créer une sensation de poids, de pression. Une fois de plus, avec ma vignette en couleur, je cherche à soutenir la composition. La sensation d'agitation, de pression sera accentuée par des bleus et des gris sinistres, pour ajouter de l'importance à l'image. La texture de l' aquarelle jouera le même rôle avec une sensation tumultueuse et chaotique, qui reflète bien sûr les pensées intérieures de mon personnage. Pour cette partie, je souhaite privilégier l'abstrait ; laisser les couleurs se mélanger un peu au hasard pour créer un nuage organique plus naturel. D'un autre côté, j' aimerais donner à mon personnage une sensation quelque peu fragile. Elle est seule à la merci des éléments. Je vais donc la dessiner avec ma plume et lui donner une apparence éthérée et frêle qui contrastera avec le nuage. J'utilise également la plume pour la pluie, qui est fine et délicate, mais un peu agressive, presque poignarde mon personnage. J'en ai fini avec ma vignette et mon croquis pouvoir passer à l'illustration finale. Je vais recommencer en plaçant grossièrement mes éléments sur la page avec mon crayon. Ensuite, je vais fouiller tout mon gros nuage noir, qui est bien sûr un symbole très puissant de tristesse. Les nuages annoncent généralement le mauvais temps, les mauvaises nouvelles, et ils changent constamment de forme et de couleur, ce qui contribue à refléter la tourmente intérieure de mon personnage. Son deuil n'est peut-être pas complètement traité, par exemple, après une perte. De plus, le matin est en fait le point de départ de nombreuses histoires. Pensez à tous ces héros souvent célèbres par exemple. Vous remarquerez également que pour ces nuages, j'utilise à nouveau des techniques humides sur mouillées, afin de créer des textures intéressantes. J'utilise également mes couleurs de manière un peu aléatoire et je laisse vraiment l' aquarelle faire son travail sans trop me soucier du résultat. Cette technique se prête très bien à un ciel orageux. Nous nous retrouvons avec un effet émotionnel très délicat et sensible, effet émotionnel très délicat et sensible, qui est bien sûr parfait pour la tristesse. Ensuite, il est temps de se concentrer sur le personnage. Comme dans le cas de la joie, l'expression et la position du personnage joueront un rôle important pour susciter l'émotion. Vous pourriez avoir exactement la même image, mais communiquer une sensation complètement différente simplement en modifiant sa position et son expression. Elle pouvait être déterminée et puissante, bravant les éléments. Elle pourrait être heureuse et pleine de vie en dansant sous la pluie. Mais la voilà penchée, déçue, démoralisée. Je vais essayer de capturer cette sensation avec ma plume en quelques mouvements simples. Je n'ai pas envie d'en faire trop et de tomber dans la caricature J'essaie donc d'être aussi sensible que possible, avec une touche légèrement poétique. Pour moi, le dessin au trait est la technique parfaite pour cet objectif particulier et pour représenter les émotions en général. Même pour le visage, qui sert de toile de fond à nos émotions, je tiens à ce que mes traits restent raffinés et délicats. Inutile d'en faire trop. Je préfère me contenter de faire allusion au nez et aux yeux et me fier à la pluie à la tempête pour exprimer les sentiments du personnage de manière plus démonstrative, cause, bien sûr, du symbolisme derrière la tempête, il y a beaucoup de force. Nous associons la pluie aux larmes et les tempêtes aux troubles intérieurs. Encore une fois, il suffit de penser au nombre de scènes de films hollywoodiens qui se déroulent sous la pluie. Non seulement cela ajoute du drame, mais cela reflète et accentue également les émotions du personnage. Scène funéraire ; pluie, adieu bouleversant ; pluie, révélation choquante, vous l'avez deviné ; pluie. Maintenant, je pouvais continuer à ajouter de la pluie, des flaques d'eau et des nuages, mais mon intention initiale était de garder la composition simple et épurée Je vais donc m'arrêter ici. C'est ça ; mon illustration de la tristesse. J'espère que ces démonstrations gratuites ont été utiles et que vous en ressortirez plein de nouvelles idées sur façon de capturer des émotions dans vos illustrations. Bien entendu, dans la prochaine leçon, je vais récapituler tous les points clés du cours et je vous donnerai quelques conseils et astuces pour faire passer la palette des émotions au niveau supérieur, que ce soit dans des livres pour enfants, des magazines ou des illustrations commerciales. Rendez-vous à la prochaine et dernière leçon. 7. 07 Recap: Félicitations, vous avez terminé ce cours. J'espère que cela vous a aidé à mieux comprendre et maîtriser l'incroyable potentiel de la palette d'émotions en illustration. Maintenant, dans cette leçon, nous allons récapituler les points clés du cours et nous allons explorer quelques manières d'appliquer toutes ces connaissances aux livres pour enfants, aux magazines, aux publicités des illustrations et partout où vous souhaitez raconter des histoires. Tout d'abord, nous avons vu quel point les émotions sont importantes : pour faire avancer l'histoire en donnant du sens aux personnages et à leur parcours, favoriser l'empathie en permettant aux lecteurs de s' identifier aux les personnages et leurs expériences, et transmettent des messages forts et percutants. Maintenant, pour mieux exploiter le pouvoir des émotions, nous pouvons utiliser des couleurs tellement liées à notre état d'esprit qu' elles ont un impact sur notre rythme cardiaque. Nous avons vu qu'avec un schéma bien choisi, nous pouvons exploiter le pouvoir émotionnel de manière très efficace. La composition, qui permet définir l' atmosphère d'une image et de favoriser l'empathie en mettant le lecteur à la place du personnage. Grâce à la composition, ils peuvent se sentir piégés ou libérés, forts ou faibles, lourds ou légers. Les symboles sont ce que l' on appelle des métaphores visuelles, qui puisent dans notre imaginaire collectif pour susciter des émotions fortes. Que nous utilisions des clichés ou des métaphores subtiles, symboles peuvent transmettre des messages forts sans avoir à en dire trop. Avec ces nouveaux outils dans votre boîte à outils, comment pouvez-vous faire passer vos illustrations au niveau supérieur et exploiter l'incroyable pouvoir des émotions dans votre travail professionnel ? Nous avons établi que les émotions sont essentielles pour entrer en contact avec votre lecteur, mais cela est également vrai pour un public plus jeune. Cela signifie que si vous voulez illustrer un livre pour enfants, que vous soyez l'auteur de l'histoire ou non, vous devrez traduire les émotions en images. d'un triste début avec un héros orphelin, d'une scène effrayante avec un grand méchant loup ou d'une fin heureuse pour toujours, ces images seront essentielles pour intéresser un lecteur plus jeune. Être capable de créer des illustrations significatives et expressives est un avantage considérable en tant qu'illustrateur. L'inclusion d'une image comme celle nous venons de créer dans votre portfolio montrera à un éditeur que vous pouvez illustrer une histoire de manière sensible, réfléchie et efficace. Bien entendu, c'est exactement la même chose lorsque vous travaillez sur des illustrations éditoriales. Que vous illustriez pour un magazine pour adultes ou pour enfants, votre travail consiste également à raconter une histoire. Elle est peut-être plus courte et vous n'avez peut-être qu' une seule image pour la raconter, mais il s'agit tout de même d'une histoire qui contient souvent un message très fort et puissant. Pour communiquer ce message, vous devrez le plus souvent vous fier aux émotions. C'est ce fort impact émotionnel qui retiendra l'attention du lecteur, mettra au défi ou l'émouvra, et vous permettra finalement d' établir une connexion rapidement. Une fois de plus, inclure dans votre portfolio des illustrations qui montreront que vous pouvez transmettre émotions haut et fort prouvera à un directeur artistique qu'il peut vous faire confiance pour créer du sens, illustrations qui suscitent la réflexion. Enfin, de plus en plus de marques misent aujourd'hui sur le storytelling pour communiquer sur elles-mêmes ou sur leurs valeurs. L'objectif, bien entendu, est d'attirer l'attention du consommateur, et vous l'aurez deviné, les émotions constituent un bon moyen d'y parvenir. L'illustration peut être un outil de communication et de storytelling très efficace pour que ces marques incarnent une émotion particulière. Il peut s'agir d'une joie enfantine débridée, d'un esprit d'inclusion et de collaboration ou d'un sentiment de bien-être. Capter ces émotions dans vos illustrations est un excellent moyen de faire ressortir votre portfolio auprès de ces clients potentiels. En conclusion, je vous encourage vivement à mettre en valeur les émotions dans vos illustrations et à inclure dans votre portfolio des images qui auront un impact émotionnel très fort, peu importe pour qui vous souhaitez travailler ou avec quel média vous travaillez. Cela vous aidera à mieux répondre à un brief, qu'il émane d'une maison d'édition, d'un directeur artistique ou d'un client, à mieux raconter des histoires ou à faire passer des messages, et à créer des images plus percutantes. Avant de vous lancer dans la prospection avec vos nouvelles illustrations, n'oubliez pas de les partager dans la galerie de projets de la classe. J'ai vraiment hâte de voir comment vous avez interprété les émotions dans vos illustrations et le processus qui sous-tend vos choix graphiques. Si vous voulez en savoir plus sur mon travail, n'hésitez pas à me suivre sur les réseaux sociaux et sur Skillshare et à consulter mon site Web. En attendant, merci beaucoup d'avoir suivi ce cours et félicitations encore une fois pour avoir réalisé votre projet. J'espère que cela vous sera utile à l'avenir et je vous verrai bientôt.