Diriger le spectacle - Comment parler aux acteurs

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Sebastimttiaz Weisbach et bienvenue dans Directing Performance, how to talk to Actors Sebastimttiaz Weisbach et je vous souhaite la bienvenue dans Directing Performance, how to talk to Actors. Je suis acteur et réalisateur de Bowl en Allemagne. Et dans ce cours, je vais être votre professeur alors que nous apprendrons à diriger des performances, est-à-dire à parler aux acteurs. J'ai récemment terminé mon premier long métrage indépendant, Stutter, et j'enseigne le jeu de caméra au Catalyst Institute for Creative Arts and Technology J'ai donc non seulement travaillé avec des acteurs chevronnés, mais aussi avec de jeunes étudiants qui n'ont pas encore eu la chance d' acquérir autant d'expérience. Réaliser des performances est l'un des aspects les plus délicats du métier de cinéaste, car il n'est pas aussi simple d' ajuster la façon dont un acteur se distingue et de donner un acteur se distingue et de donner un feedback significatif que régler la température de couleur d'un luminaire LED Non seulement les nouveaux venus, mais aussi les cinéastes chevronnés, comprennent souvent l'élément crucial qu'est le fait d'être direct ou faux, ce qui se fait d'être direct ou faux, traduit par des performances médiocres Et voilà, quelques techniciens présents sur Youtube pourront peut-être vous dire que vous êtes sous-exposé d'un seul coup et qu' ils introduisent du bruit dans vos vidéos, mais tout le monde peut immédiatement se rendre compte mais tout le monde peut immédiatement la performance sur pilotis Alors, comment faire les choses correctement ? Comment communiquez-vous efficacement avec les acteurs ? Et comment faites-vous pour que votre film soit le fruit d'un effort collaboratif afin d'obtenir les meilleurs résultats ? Dans ce cours, je vais vous enseigner les mêmes techniques que celles utilisées par les acteurs dans les cours, les études et les ateliers. Nous travaillons avec des techniques de certains des plus grands acteurs , tels que Constantine Stanislavski, Stella Adler Et comme il s'agit d'un cours en ligne et non d'une secte, nous n'adhérons strictement à aucun pratiquant. Il suffit de mélanger et d'assortir et de voir ce qui fonctionne. Grâce à ces techniques, nous comprendrons mieux le parcours de l' acteur et nous serons en mesure de fournir un meilleur feedback et des résultats dynamiques. Vous apprendrez à parler le même langage que les acteurs, car la mise en scène est avant tout une question de communication. Comme toute autre profession, les acteurs utilisent un langage très spécifique. Et après ce cours, travailler avec des acteurs qualifiés sera un jeu d'enfant, car en tant que cinéaste, vous parlerez la même langue. Vous parlerez couramment, acteur pour ainsi dire. Et si vous travaillez avec des acteurs moins expérimentés, vous serez en mesure de les aider à grandir tout au long des leçons de ce cours. Et bien que les réalisateurs hollywoodiens proposent d'excellentes ressources sur la façon de réaliser, je trouve que la plupart de ces cours ne sont vraiment applicables que si vous réalisez un film hollywoodien à petit budget. Les techniques que vous apprendrez dans ce cours seront applicables à tous les niveaux, que ce soit sur les plateaux de tournage, productions théâtrales, les coachings, les cours de théâtre, ou même si vous souhaitez améliorer votre propre interprétation des keynotes Diriger des acteurs n'est pas simplement l'un des aspects les plus amusants et les plus gratifiants du travail d'un cinéaste et d'un réalisateur. C'est aussi la conception de production gratuite, les configurations d'éclairage et même la meilleure restauration. Toutes ces choses coûtent très cher. Mais si vous pouvez vraiment tirer parti du temps passé avec les acteurs, ce soit pendant les répétitions ou sur le plateau, vous pouvez créer davantage. Avec moins. À la fin de ce cours, vous êtes chargé de produire l'un des deux scripts. L'une convient à une personne et l'autre à une scène de dialogue pour deux. Si vous lisez ces scènes maintenant telles qu'elles figurent sur la page, vous serez peut-être enclin à dire qu' y en a vraiment pas tant que ça. C'est un peu simple et c'est exactement à cela que ces scènes sans texte peuvent osciller dans les deux sens. Ils sont conçus pour être un terrain de jeu pour votre créativité et pour celle de l'acteur. Ouvre-le, ouvre-le. C'est ouvert. Ils sont là pour paraphraser la grande Stella Adler, le simple squelette C'est le travail de l' acteur et du réalisateur de muscler ces os Pour ce projet, vous pouvez garder la configuration assez simple. Moins vous pensez à la technologie, mieux vous voulez faire la scène en une seule fois. Prenez une excellente solution simple à installer sur un trépied. Parfait. Ce cours ne vise pas encore à mélanger les aspects techniques et visuels de la réalisation de films ou du travail avec l'acteur Il est vraiment axé sur la communication avec les acteurs, fourniture de meilleures orientations et l'offre de conseils plus clairs. Bien entendu, ce cours en ligne n' est pas seulement utile pour les réalisateurs, mais également pour les acteurs, les instructeurs d'ateliers , les tuteurs et les entraîneurs. Si vous êtes acteur, filmez simplement le projet comme vous le feriez, enregistrez vous-même et utilisez les techniques de ce cours pour apprendre à mieux vous diriger de ce cours pour apprendre à mieux vous diriger et à améliorer votre travail dès le moment où vous avez mis la main sur le scénario. Nous allons donc vous aider à devenir un maître de la communication et un réalisateur chevronné Action. Je ne sais pas Je dois donc vraiment m' arrêter avant de dire action par action, pas d'action. 2. L'objectif - Motivation de personnages pour les acteurs: Chapitre deux, l'objectif. C'est l'un des plus grands clichés théâtre et il remonte aux débuts de ce que nous considérons aujourd'hui comme la théorie moderne du jeu d'acteur Un acteur me demande quelle est ma motivation ? Ou en d'autres termes, pourquoi est-ce que je fais ce que je fais au sens le plus large du Et pour reprendre les termes de Konstantin Amizlavski, c'est ce que nous appelons Chaque personnage a un objectif dans chaque scène et un super objectif pour l' ensemble du jeu ou du scénario. Parfois, ils sont également appelés objectif de scène et objectif global, mais leur signification reste cohérente. Voici un exemple tiré de la culture pop. Dans Empire Strikes Back, Luke veut vaincre les vestiges de l'empire galactique C'est le super objectif du personnage. Et ce super objectif influence à son tour tous les autres objectifs. Parce que Luke sait qu'il a besoin d'une formation de Jedi. Dès qu'il s'écrase sur Dagoba, son objectif est de retrouver Yoda, le Maître Jedi Mais que signifie exactement objectif ? Qu'est-ce que je veux, en tant que personnage ? Toutes les actions d' une scène sont motivées par cette motivation. Et le simple fait de changer cet objectif peut avoir un impact considérable sur façon dont un acteur aborde la scène et conduit à une performance organique Organique, dans ce contexte, signifie une performance naturelle et logique dans les limites du scénario et du genre C'est un meilleur terme à utiliser qu' homme-araignée naturaliste ou réaliste tire sur un homme-araignée en toile ou que Sebastian et moi chantons une chanson dans Lala Land ne sont pas des actions réalistes, Ils prennent tout leur sens dans le contexte des films et des univers qui ont été créés. Comment un objectif transforme-t-il une performance ? Prenons une scène où un personnage s'assoit devant un piano pour jouer une chanson pour un autre personnage. C'est une action assez claire et directe, mais pourquoi exactement notre personnage entre en scène et commence-t-il notre personnage entre en scène à jouer du piano ? Supposons que notre pianiste veuille séduire l'autre personnage pour qu'il joue sa chanson et qu'il puisse facilement saisir les touches, peut-être en gardant un contact visuel ludique pendant qu'il le fait Ou disons qu'ils veulent impressionner l'autre personnage parce qu'ils ont pris des leçons de piano en secret et qu'ils veulent maintenant se montrer. Lorsque vous imaginez les deux scènes l'une après l'autre, pouvez-vous voir à quel point le langage corporel des personnages serait différent même si vous ne changiez rien d'autre que l'objectif ? Ou imaginez ceci. Notre pianiste sait que leur épouse a été assassinée dans un club de jazz alors qu' une chanson en particulier était jouée. Et maintenant, ils veulent incriminer le meurtrier en leur rejouant cette chanson Piège à souris parfait. Voici quelques conseils utiles en ce qui concerne les objectifs. La première personne est encouragée. Lorsque les acteurs parlent de leurs objectifs, ils doivent parler à la première personne. Je veux ceci, je veux cela en utilisant le personnage comme barrière linguistique. Mon personnage veut manger un biscuit, cela ne fait que créer une distance inutile. En tant que personnage, je veux un bon objectif et un biscuit. Des contributions spécifiques mènent à des résultats spécifiques. Un bon objectif doit être clair et précis. Essayez d'être précis. Lorsque vous parlez d'objectifs à vos acteurs, je veux vous montrer à quel point vous me blessez est un objectif clair. Je tiens à vous dire qu'il s' agit d'un objectif vague qui conviendrait à presque tous les personnages de toutes les scènes. Rendez-le viscéral, dans la mesure du possible. Agir n'est pas qu'un processus intellectuel. C'est émouvant. Il s'agit d' instincts et de réactions instinctives. Si vous créez des objectifs viscéraux, vous êtes plus susceptible de provoquer réactions émotionnelles et des pulsions spontanées chez vos acteurs mesure dans laquelle un acteur penchera sur l' objectif dans les limites d'un personnage et scène dépendra de divers facteurs Mais pensez-y, quel objectif vous semble le plus intéressant ? Je veux sortir de la pièce le plus rapidement possible, ou je veux m'évader. Je veux être méchant avec toi ou je veux te détruire. Même si je veux détruire, vous pouvez avoir une apparence très différente selon que cette destruction est livrée ou non par JK Simmons et coup de fouet, ou sous forme de brûlure par Alicia Silverstone L'objectif étant l'un des aspects fondamentaux de l'analyse scénique, il sera l'un des points de départ d'une analyse de script. Habituellement, la première chose qu' un acteur expérimenté planifie, c'est sûr, un peu plus. Les acteurs expérimentés n'inscriront pas leurs objectifs sur papier, ils se contenteront de suivre la scène, mais ils le sauront tout de même, même s'ils savent instinctivement plutôt Le cœur d'un conflit dramatique réside généralement dans l'incompatibilité des objectifs de deux personnages. Un flic veut respecter la loi, l'autre croit au conflit de vengeance dès le départ. n'est pas si intéressant que ces deux personnages qui ont été projetés dans une scène aient des objectifs, qu'ils empruntent des chemins différents et incompatibles qu'ils empruntent des chemins différents et En conclusion, l'objectif est la carte de structure qui décrit la scène sans trop de détails. Sans ce tracé initial du cours, le travail sur les détails n' aura pas trop d'importance. Si un avion ne peut pas décoller, vous n'avez pas à vous soucier trop du menu de bord Les réalisateurs et les acteurs doivent tous deux connaître les objectifs et les super objectifs des personnages. Ensuite, vous pouvez à la fois déterminer ceux qui conviennent le mieux l'intrigue et créer le conflit le plus dramatique et le plus captivant. 3. Actions - Verbes, rythmes et tactiques exploitables: Détecteur 3, actions. Bon, maintenant nous savons ce que nous voulons, mais comment l'obtenir ? Pour devenir de meilleurs acteurs, les acteurs devront apprendre de meilleurs verbes. Parce que chaque nouveau verbe permettra à un acteur de penser l'action d'une manière unique et créative. Et il en va de même pour vous en tant que réalisateur. Examinons cette idée pendant une minute et ses implications. Souvent, les cinéastes débutants comme les acteurs débutants pensent en adjectifs, refont la scène, mais ils sont en colère et maintenant heureux, et maintenant tristes La perfection, mais en agissant comme un acte de processus, agissez comme nos acteurs, et non comme des émotions. Ce n'est pas une question d'émotions. C'est une question d'actions. Si elles sont bien faites, les émotions apparaissent comme un simple effet secondaire des actions et des interactions avec les autres artistes. Pour vraiment créer une performance organique, vous devriez rechercher des verbes transitifs et actionnables Mais ce n'est pas un cours de grammaire. Qu'est-ce que cela signifie exactement ? Eh bien, un verbe transitif est un verbe qui passe d'une personne à une autre J'ai quelque chose de toi. Les exemples courants sont : je vous enseigne , je vous menace, je vous séduit etc. Ils sont réalisables car ils peuvent être transformés en actions significatives Ils créent une action claire à exécuter par un acteur et quelque chose qu'il peut faire dans la scène à son partenaire. Les émotions et les réactions ne sont qu' un effet secondaire bienvenu des actions. C'est à travers les actions que nous créons une scène dynamique et intéressante. Ces actions, en particulier dans le cadre d'un dialogue, ajoutent également un élément d' imprévisibilité à la performance Tout ne peut pas être décrit dans les moindres détails. Ainsi, la performance prend vraiment vie , l'objectif étant d'atteindre ce que vous voulez atteindre en tant que personnage Les actions ou les tactiques tracent la trajectoire que vous souhaitez suivre pour y parvenir. Le processus qui consiste à décomposer un objectif en différentes actions est également appelé action. Discuter avec vos acteurs et agir vous aidera à les guider plus précisément dans le parcours de leur personnage, tout en préservant un certain élément de surprise. Mais que sont les verbes exploitables ? Pratiquement tous les verbes peuvent être actionnables. Quelques ressources intéressantes sont disponibles, comme les actions, le thésaurus des actes Mais pour commencer, voici quelques exemples pour défier, questionner, consoler, tenter, avouer, intimider, etc. Je recommande de ne pas hésiter à utiliser des verbes d'action physique très forts, comme bouclier ou agression, car ils peuvent déclencher une première réaction chez votre acteur et créer une physicalité et un processus psychophysique intéressants et Travailler avec des actions présente un avantage supplémentaire. Cela donne vie à une scène, alors qu'une émotion est statique. Piéger quelqu'un est un processus actif. Une tactique qui peut aider un personnage à atteindre son objectif. Et puis, lorsqu'il se heurte à un mur de rupture, il doit être remplacé par une autre tactique pour le détruire. Voici comment parler du personnage à votre acteur et vous assurer que vous êtes sur la même longueur d'onde. Chaque personnage a un super objectif, c'est ce qu'il recherche tout au long du film ou de la pièce de théâtre. Pour chaque scène, un personnage aura un objectif. Il y a quelques exceptions, notamment les scènes autour de la pause. Ainsi, chaque fois que quelque chose de crucial pour l'intrigue se produit, il y a de fortes chances que l'objectif du personnage change au milieu de la scène. Mais normalement, une scène, un objectif. Un objectif nous indique ce que veut un personnage. Une action nous indique comment ils vont l'obtenir. Voici votre mini-exercice pour le projet de classe. Décomposez le script par personnage et identifiez l'objectif et au moins trois actions que le personnage entreprend pour atteindre cet objectif. Interrogez vos acteurs sur leurs objectifs et leurs actions et voyez si vous voulez créer une performance à partir de votre idée, de la leur, ou si vous voulez trouver quelque chose de complètement nouveau dans le processus. Certains praticiens, coachs et acteurs décomposeront leur scénario en une action par bit de dialogue Personnellement, je pense que cela rend un personnage trop changeant et malléable, ce qui se traduit par une performance schizophrène presque prévisible Je préfèrerais de loin qu'une action soit menée à son terme naturel. Mais c'est moi. Découvrez ce qui convient le mieux à votre vision et à votre collaboration. La prochaine chose à savoir, ce sont les rythmes. Un battement signifie un changement Dans les verbes d'action, les acteurs tracent souvent littéralement une ligne verticale milieu du dialogue pour indiquer un Selon la façon dont le script a été écrit, il peut également indiquer les rythmes. Cela signifiera littéralement beat ou caps. Parce que ces rythmes sont des moments cruciaux pour les personnages, il est important de trouver l' endroit et le rythme parfaits pour eux. Les rythmes forts et soudains conviennent parfaitement aux comédies rapides, tandis que les rythmes et les drames ont tendance à être un peu plus doux En conclusion, les verbes ou les tactiques exploitables sont ceux qui sont utilisés pour un personnage atteigne son objectif Une bonne règle à suivre pour créer un voyage captivant pour une scène est la règle des trois. Un objectif doit être décomposé en au moins trois verbes ou tactiques exploitables, car cela crée un début, un milieu et une 4. Plus de texte - Exercices sans dialogue: Chapitre quatre, abandon du texte. Si vous ne retenez rien d'autre de ce cours que le passage suivant, j'aurai quand même fait mon travail. Si une scène fonctionne sans dialogue, elle fonctionne. Si cela ne fonctionne pas sans dialogue, les mots ne vous feront pas grand bien. Prenez n'importe quelle scène géniale de l'histoire du cinéma et regardez-la à nouveau Ça vaut le coup, je te le promets. Ce qui se passe sera tout aussi clair sans le dialogue. Lorsque vous répétez ou bloquez, comment vous assurez-vous d' obtenir une clarté similaire Dans ce chapitre, je proposerai trois méthodes différentes qui aideront vos acteurs à mieux comprendre leurs personnages et à avoir une raison d'être dans tout ce qu'ils font devant la caméra ou sur scène Ces méthodes vous aideront, en tant que réalisateur, à créer également des récits plus captivants La première méthode est particulièrement utile pour les productions scéniques, mais elle peut également fonctionner sur un plateau de tournage. Pour cela, vous devez être plus avancé dans la production. Vos acteurs doivent connaître leurs répliques et leurs actions. Peut-être avez-vous déjà fait une émission. Au lieu d'utiliser le texte, les acteurs s'engageront dans un récit détaillé. Ils se raconteront leurs actions et créeront quelque chose qui ressemble à une version romancée de la pièce Je te charme, pourrait dire un personnage en dansant affectueusement avec son partenaire de scène Je trouve ce genre de course utile à la fin des répétitions d'une pièce ou de quelques représentations, lorsque les acteurs peuvent avoir l'impression avoir perdu les motivations des personnages Cela peut également aider les acteurs à découvrir quelque chose nouveau et à proposer de nouvelles actions surprenantes. La deuxième méthode est une exécution silencieuse. Le dialogue est totalement banni de cette série. Toutes les actions sont jouées en silence. Les acteurs doivent trouver d'autres moyens de communication. Ils peuvent utiliser une apparence, un langage corporel, une distance et une proximité significatifs . Tout ce qui n'est pas verbal est autorisé. Cela demandera beaucoup aux acteurs et ils devront rester attentifs et réactifs aux actions de leur partenaire de scène. Si c'est bien fait, cela peut créer une interaction vraiment unique entre les personnages. Et montrez que la plupart des communications ne sont pas verbales et ne reposent pas sur des mots. Cette technique peut même se retrouver dans le film final, ou dans ce projet de classe, oser le silence. Et osez aussi les acteurs se taire. Le dialogue est toujours une terre sûre. Mais les choses merveilleusement intéressantes se produisent lorsque nous ne sommes pas sûrs de ce que la vie nous réserve C'est celui de ma grand-mère. Cela compte beaucoup pour moi et je veux que tu l'aies. Je veux faire une variante de la course silencieuse. Eh bien, voici un excellent exercice qui vient tout droit de Strasbourg. Et méthode d'action, cet exercice est également très intéressant si vous travaillez avec des enfants ou de jeunes acteurs. C'est ce qu'on appelle l'exercice du charabia. Vos acteurs joueront la scène comme ils le feraient avec le texte, mais au lieu d'utiliser les mots eux-mêmes sur la page, ils créeront simplement un langage sur place, un langage inventé, comme si vos acteurs communiquaient clairement, si leur corps et leur voix parlaient, ce sont si leur corps et leur voix parlaient, ce les mots qui le sont. Mais un exercice de charabia en prime est un échauffement vraiment amusant qui vos acteurs non seulement de savoir ce qu'ils disent, mais aussi de savoir ce qu'il y a derrière tous les mots et comment ils essaient d'atteindre leur partenaire de scène Essaie, refaisons la scène, mais cette fois sans les mots. Voici le défi du projet de cours. Exécutez l'intégralité de votre scène sans aucun dialogue. Concentrez-vous sur le blocage et la communication. Vous verrez que des choses merveilleuses peuvent se produire lorsque nous ne pensons pas trop aux mots En conclusion, le texte n'est qu'un outil permettant aux acteurs de communiquer leur intention. Et cela ne devrait pas être l'objectif principal de l'acteur. Supprimer les mots de l'équation peut vraiment aider à créer et à élaborer une performance dédiée, nuancée et convaincante Vous voulez exécuter le projet de classe sans mots ? Montrez-moi ce que vous pouvez faire avec de simples actions dans un monologue dans des circonstances données 5. Circumstances et 9 questions: Chapitre 5, Compte tenu des circonstances. L'idée de circonstances données a été créée par Constantine Stanizlovski, et elle se résume essentiellement à ce qui se passe autour de moi, quelle est passe autour de moi, quelle Pour bien comprendre pourquoi quelque chose qui semble si fondamental revêt une telle importance historique, vous devez comprendre qu' à l'époque de Stanizlovsky, l'un des problèmes du jeu d'acteur était que acteurs montaient simplement sur scène et émotions exaltantes sans comprendre davantage le parcours logique du personnage ou de la pièce C'est comme si les gens imitaient des phrases émotionnelles tirées de films sur Tektok, il invente ce que l'on appelle les circonstances données l'une des premières techniques d'analyse qu'un acteur doit utiliser pour se faire une idée la scène et faire les bons choix logiques. Parfois, ces circonstances sont données et parfois elles doivent être créées. C'est également là que certaines œuvres de style Sherlock Holmes entrent en jeu pour les acteurs ou réalisateurs, leur demandant de déduire ce qui se passe exactement dans la Les acteurs devront souvent le faire pour les auditions car ils ne reçoivent que quelques versions. Mais les administrateurs doivent également faire flexibilité face aux circonstances. Parce que la production latente, le tournage d'une voiture en mouvement, peut se transformer en balade à vélo. Les circonstances actuelles tiennent en partie à ce qui m'entoure. Il est quelle heure ? D'où est-ce que je viens lorsque j' entre en scène ? Où dois-je aller après ? Quel est mon cours ? Gustan az Laski était très attaché à la bourgeoisie russe du début du XXe siècle manière très précise de décomposer L'actrice et praticienne Utter Hagen a créé les neuf questions d'une manière très précise de décomposer les circonstances données actrice et praticienne Utter Hagen a créé les neuf questions d' . Si un acteur ou vous-même, en tant que réalisateur, pouvez répondre à ces neuf questions, alors vous êtes plutôt prêt à partir. Premièrement, qui suis-je ? Cela peut être très simple et superficiel, comme le nom et l'âge, ou décomposé davantage. Traits physiques, cicatrices, éthique , histoire psychologique, etc. Ne surchargez pas vos acteurs avec des histoires de fond. Restez simple. Ce qui compte pour eux, dans la scène, dans la pièce ou dans le film. Numéro deux, quelle heure est-il ? Ces deux-là peuvent partir de l'étranger, dans un futur pas trop lointain. Plus précisément, il est 21 h 15 pour l'arrivée du train Le temps peut également fournir aux acteurs un excellent outil de recherche. Comment se comportaient les gens dans les années 1950 ? Numéro trois, où suis-je ? Cela peut être un bureau, un enfant douillet à la maison, un poste de police, etc. Le pays et la région peuvent également jouer un rôle majeur à cet égard. Numéro quatre, qu'est-ce qui m'entoure ? C'est un exercice parfait pour les acteurs qui se baladent sur le plateau, car il leur permettra de visiter les sites et voir s'il y a quelque chose qu'ils peuvent utiliser ou auquel ils peuvent s'habituer Ce sera également à vous de le remplir sous certaines conditions si vous colmatez l' espace dans le montage. Par exemple, là où vous voyez maintenant l'écran vert pittoresque, nous verrons les magnifiques paysages de l'Arizona Numéro 5, quelle est ma situation ? Cela fait référence au passé, au présent et au futur. Que s'est-il passé juste avant la scène, que se passe-t-il dans cette scène et que se passera-t-il dans la scène suivante ? Il est important que les acteurs comme les réalisateurs tracent et rythment le parcours du personnage. Sixièmement, quelles sont mes relations en surface ? Cela fait référence aux relations que les personnages entretiennent les uns avec les autres. Mais chaque fois qu'un acteur entre dans un espace ou touche un accessoire, une nouvelle relation s'établit Affiner ces relations et faire en sorte que chaque relation aux objets et aux personnages soit aussi significative que possible puisse donner vie à une performance. Numéro sept, qu'est-ce que je veux ? Celui-ci est assez simple, nous en avons parlé. C'est l'objectif. La façon dont les acteurs formulent généralement l'objectif en est une bonne indication. Je veux quelque chose, quelque chose, le numéro huit, qu'est-ce qui me gêne ? Ah, l'obstacle. En d'autres termes, si un personnage veut quelque chose, pourquoi ne l'obtient-il pas ? C'est là qu'intervient l' obstacle. Quelque chose qui force un personnage à utiliser différentes tactiques. Un obstacle peut être externe, quelque chose ou quelqu'un d'autre, ou interne, une peur, une phobie, une hésitation, etc. Vos acteurs doivent connaître les obstacles auxquels ils sont confrontés, et si vous pensez que leur parcours est trop simple, jetez un coup d'œil à leurs œuvres Non, en fait, tu ne peux pas juste avouer parce que si l'autre personnage le découvre, il le dira à ta maman De tels ajustements peuvent facilement créer contraste et des conflits dans une scène numéro neuf. Comment obtenir ce que je veux ? Eh bien, cette question suit une trajectoire claire. Que veut un personnage ? Pourquoi ne peuvent-ils pas simplement l'obtenir ? Alors, comment s'y prennent-ils ? Tout dépend des actions qu'un personnage est prêt à entreprendre pour atteindre son objectif. Pour vous donner un exemple, dans une scène d'interrogatoire, un policier et un suspect sont assis dans une pièce faiblement éclairée Le policier veut résoudre un crime, mais le suspect ne veut pas avouer uniquement à travers l' objectif et l'obstacle Nous avons immédiatement créé un conflit. Allons-y ou pas, d'accord ? Quelles sont les mesures que le policier pourrait prendre ? Ils pourraient menacer le suspect, intimider, négocier avec lui, consoler, le piéger Et tout d'un coup, nous assistons une transition significative entre les actions et à une scène aux rythmes différents. Mais jusqu'à présent, nous n'avons examiné qu'un seul personnage et un seul acteur, disons dans ce scénario imaginaire. Il est évident que le suspect refuse de parler. C'est peut-être parce qu'ils veulent protéger leur sœur, dont ils savent qu'elle a commis le crime. Maintenant, l'obstacle est évident. Ils subiront des conséquences s'ils ne parlent pas. Ils ne peuvent donc pas simplement protéger leur sœur en se protégeant, en évitant le policier, puis en les affrontant. Nous pouvons créer une autre transition significative entre les verbes d' action et, plus important encore, un conflit En conclusion, les circonstances font d' un scénario un roman rempli d'une riche vie intérieure. Seuls le réalisateur et les acteurs ont vraiment besoin de le savoir. Le public ne verra peut-être jamais ce qui se cache sous le lit d'un personnage, mais l'acteur doit le savoir. 6. Exercice d'amélioration - Circumstances données: Chapitre six, Compte tenu des circonstances, un exercice. Voici un petit exercice que j' aime faire avec mes élèves. Cela peut également vous être utile lorsque vous travaillez avec un groupe d'acteurs pour vous échauffer, ou si vous travaillez avec de jeunes acteurs ou des enfants Il s'agit d'un exercice dérivé du théâtre d' improvisation qui montre une fois de plus à quel point les mots d'un texte peuvent être flexibles Associez deux acteurs ou plus et donnez-leur leurs répliques. Ils ne peuvent utiliser que ces trois lignes, mais ils peuvent les prononcer dans n'importe quel ordre ou les répéter autant de fois qu'ils le souhaitent. Les files d'attente sont les suivantes : c'était juste là. C'est où ? C'est parti. Donnez-leur maintenant un ensemble de circonstances pour créer une petite scène d'improvisation ludique Voici quelques-uns de mes favoris. Lors d'un dîner au 19e siècle, quelqu' un se rend compte que le collier en diamants a disparu. Deux personnes bloquées sur un canot de secours pendant une semaine au milieu de l'océan aperçoivent un hélicoptère, deux personnes en train de se déplacer dans le métro lorsqu'elles découvrent un rat de la taille d'un chien, quelqu'un prêt à payer une rançon à un kidnappeur dans un parc, mais ils ont perdu Voyez-vous à quel point une scène basée sur le même scénario peut être complètement différente et à quel point merveilleusement imaginatifs lorsque nous nous lançons le défi de tirer des conclusions ? Les lorsque nous nous lançons le défi circonstances données et les neuf questions de Haagen peuvent sembler un peu basiques, mais c' est parce qu'il s'agit Ces principes fondamentaux d'une scène permettront toutefois aux acteurs de livrer une performance plus nuancée et plus organique Et faites des choix fidèles au personnage et au décor. neuf questions d'Uterhagen sont particulièrement utiles car elles fournissent aux acteurs une liste de points à cocher les uns après les Parfois, les acteurs reçoivent une biographie de personnage inutilement longue tirée directement de la Bible d'une série Mais comment peut-on raisonnablement être censé garder toutes ces informations en tête ? De plus, de façon réaliste, qu' importe que tes parents t'aient donné le poney dont tu as toujours rêvé quand tu Si la scène vous montre simplement en train de commander un café, les neuf questions simplifient parfaitement les informations dont les acteurs ont besoin pour donner leur performance avec clarté et dévouement Il s'agit de choisir les choses qui comptent et de trier celles qui ne le sont pas. Le fait de clarifier les circonstances aidera vos acteurs, mais vous aidera également en tant que réalisateur. 7. La magie - L'imagination pour les acteurs: Chapitre sept, La mémoire des émotions et le Magic If. Comment pouvez-vous aider vos acteurs à donner vie aux accessoires et aux circonstances sans être trop intrusifs ? Même au début de la théorie moderne du jeu d'acteur au début du 20e siècle, c'était une question que les praticiens se posaient. Et il y avait deux écoles de pensée. L'une est l'école de l' expérience personnelle qui s'est ramifiée vers la méthode d'action Cela se résume à vous souvenir de ce que vous avez ressenti à ce moment-là. Maintenant, s'il te plaît, peux-tu le ressentir à nouveau ? Cette technique peut être puissante, mais le fait de revivre des expériences traumatisantes peut évidemment être néfaste pour les acteurs En tant que réalisateur, vous ne devriez pas demander aux acteurs de revivre un traumatisme personnel Vous n'avez peut-être même pas le moindre aperçu de leur vie personnelle. Alors, comment le saurais-tu ? Et puis il y a l'évidence. Cela ne fonctionne pas toujours. Cela ne fonctionne pas toujours pour la scène. Et ça ne marche pas toujours carrément. Des ateliers de théâtre qui créent un espace confortable et sûr et donnent aux acteurs le temps de préparer et de mettre en place la scène. D'après mon expérience, travailler avec mémoire efficace ou émotionnelle peut être une véritable révélation et un exercice d'ouverture d'esprit. Mais commencez par les lumières qui entourent les acteurs. La pub tripote la liste des boutiques, se maquille, donne un look final et une perche juste au-dessus de leur De plus, cela peut être assez limitatif, car vous devez vous fier aux expériences personnelles des acteurs avec lesquels vous travaillez. souvenez de ce moment de votre vie où vous avez été poursuivi par un groupe de robots extraterrestres ? Voici donc l'autre école de pensée, à l'imagination dans une certaine mesure, ce qui sera nécessaire aux acteurs de toute façon, simplement parce qu'il y a une équipe sur les stands des projecteurs, il se peut qu'il y ait un écran vert. L'autre acteur ne sera peut-être même pas sur le plateau ce jour-là. Rien de trop bizarre. L'une des techniques de Stanislavsky peut être particulièrement utile pour tirer parti de cette C'est ce qu'on appelle le Magic If. Et la beauté de cette technique réside dans le fait qu'elle respecte les acteurs en tant qu' êtres pensants et qu'elle ne les oblige pas à se bercer d'illusions. La magie peut amener les acteurs à poser des questions intelligentes sur toute interaction et à déclencher un processus unique dans leur tête. Je vais vous donner un exemple. C'est un verre de ce que je tiens, mais et s'il s'agissait d'un whisky cher Et si j'étais un alcoolique invétéré ? Et tout d'un coup, sans trop de travail de fond et sans un processus de préparation dédié, simplement parce que je peux maintenant commencer à parcourir une liste de questions en tête et laisser mon imagination s'émerveiller, nous avons accompli l'action simple, tenir un verre de vie. Et ne vous sentez pas obligé de simplement utiliser des « si » naturalistes. Imaginez si ce verre vous provoquait un choc statique à chaque fois que vous le touchiez. Si ce verre était le Saint Graal, mais tu ne voulais pas que tes amis le sachent Restez amusant et ludique. En conclusion, l' imagination est un puissant outil d' acteur et de mise en scène. Apprendre à utiliser l'imagination de vos acteurs, à les guider, à les inspirer sera inestimable pour votre parcours en tant que réalisateur et en tant que conteur en général La magie, c'est une technique fantastique car elle vous permet, en tant que réalisateur, de donner une simple indication et de voir ensuite où vont vos acteurs avec leur imagination. 8. Texte et sous-texte - Ce qui se trouve sous le texte: Chapitre huit, texte et sous-texte. Ce n'est pas ce que tu as dit, c'est la façon dont tu l'as dit. Parfois, d'après mon expérience en tant qu' acteur mais aussi en tant que réalisateur ou professeur, je trouve acteur mais aussi en tant que réalisateur ou professeur, que le recours aux actions peut être un peu vague. Particulièrement lorsque vous travaillez avec du texte. Vous pouvez immédiatement savoir quand un acteur ne sait pas quoi penser ou n'est pas sûr du sens des mots. Les meilleurs acteurs peuvent parfois se bluffer en quelques lignes de dialogue, mais il ne s'agit pas d'une approche durable d'une scène C'est là que le travail avec le sous-texte entre en jeu. Stanislavski fait une belle distinction entre sous-texte et monologue, mais les termes sont parfois utilisés entre sous-texte et monologue, mais les termes sont parfois terminologie que vous utilisez n'a pas vraiment d'importance , car ce qu'ils signifient est la même chose. Que pense un personnage ? Stanislavski utilise le sous-texte lorsque le personnage est du texte, et dans un monologue lorsque le personnage ne le fait pas, une ligne de dialogue coïncide généralement avec une ligne de Parce qu'il est vraiment difficile de penser à un rythme différent de celui où l'on parle. sous-texte est un outil que je qualifierais presque de raccourci. Lorsque vous avez l'impression que les répliques d'un acteur sonnent mal, vous pouvez toujours lui demander quel est votre sous-texte Ici, je vais vous donner un exemple. Nous utilisons une ligne très simple, peut-être juste un mot. Peut-être que le sous-texte de peut-être pourrait être « non ». Il se peut que ce soit oui. Ou c'est possible, peut-être même, je te déteste, le ciel est la limite. Si vous voulez vraiment que vos acteurs alignent le sous-texte et le texte, demandez-leur d'abord de dire le sous-texte Non, oui, je te déteste absolument. Le sous-texte peut presque être utilisé comme un hack, un moyen rapide pour les acteurs et les réalisateurs de s'assurer qu'ils sont sur la même longueur d'onde en ce qui concerne ce que dit et pense un personnage Dans la pratique, je trouve souvent que le sous-texte est un peu plus précis qu'un verbe actionnable L'action peut être : « Je vous présente mes excuses », mais le sous-texte pourrait être le suivant je sais que je vous ai blessée et que je ne pourrai jamais le rattraper C'est beaucoup plus précis, n'est-ce pas ? Et vous constaterez que lorsqu' un acteur trouve son sous-texte, il décroche également un point bonus Il est très facile d' annoter un sous-texte , car vous ou l'acteur pouvez simplement écrire une ligne de sous-texte juste à côté du texte dans le script C'est une bénédiction que les scripts nous laissent autant d'espace vide à combler. Voici comment cela peut fonctionner et s'entraîner. Demandez à votre acteur le sous-texte ou la première ligne. Vous pouvez leur demander, à bout portant, quel est votre sous-texte ? Ou tu peux sucrer une question. Mais qu'est-ce que tu essaies vraiment de dire ? Les personnages dotés d'une riche vie intérieure auront également un sous-texte riche Ou comme le dit Stanislavski, le public ne va pas au théâtre pour entendre le Ils peuvent lire le texte chez eux. Ils vont au théâtre pour entendre le sous-texte. Et voici votre exercice pour le projet. Demandez à vos acteurs d'écrire une ligne de sous-texte pour chaque ligne de texte Si vous travaillez sur le monologue, demandez à vos acteurs de jouer la scène une fois qu'ils ont terminé, mais ils ne jouent pas avec le texte Au lieu de cela, ils ne nous donnent que le sous-texte. Cela peut sembler direct et bien plus ouvertement honnête que n'importe lequel d'entre nous ne l'est dans la vraie vie Dites-leur donc de s' y intéresser et de s'amuser. C'est l'occasion de tout dévoiler si vous travaillez avec le dialogue. Demandez à vos acteurs de créer le sous-texte en tant qu'exercice en couple Très souvent, les acteurs n' auront personne avec qui travailler et devront se préparer seuls à la maison. Et ce n'est pas l'idéal. Lorsque vous avez deux acteurs dans la pièce, ils doivent préparer le sous-texte ligne par ligne pour leurs personnages respectifs. Parce que dans la vraie vie, nous sommes passés maîtres dans l'art de saisir les sous-textes Si quelqu'un entre dans ma boutique et me dit bonjour avec le sous-texte, je veux déposer une plainte à votre sujet Ma réaction ne serait pas d' accord avec le sous-texte. C'est tellement agréable à voir. Faites-en un exercice de préparation amusant et interactif. Et ensuite, laissez-les s' affronter avec leur sous-texte. Guider le sous-texte peut être un outil extrêmement utile pour vous en tant que réalisateur En conclusion, le texte et le sous-texte ne doivent pas toujours être radicalement différents Mais gardez cela à l'esprit. Le sous-texte vous permet de créer une couche de sens qui ne se trouve pas dans le script, insufflant Ou jouez avec une vie qui n'existait pas auparavant. en est un bon exemple classique culte The Room en est un bon exemple. Quand le vendeur dit à Johnny que tu es mon client préféré, la queue sonne très mal parce qu'il n'y a aucun sous-texte Imaginez si elle lui a vraiment dit de radier, ou si c'est mon dernier jour et que je suis juste en train de me frayer un chemin dans la politique de l'entreprise. Subtext est un outil formidable qui permet d' utiliser l' imagination collective de tous les créatifs présents sur le plateau et d'effectuer ajustements faciles et rapides pendant le tournage ou pendant tournage ou pendant 9. Casting - Le premier choix d'un réalisateur: Le chapitre neuf, Casting, Directing Actors, commence dès que vous commencez à recruter des acteurs. Et ce choix ne dépend peut-être pas toujours entièrement de vous. Pensez-y comme si vous recherchiez des lieux de repérage, votre esprit pourrait voir une chose, mais la réalité de la production vous oblige à vous contenter d'autre chose. Ou vous vous rendez au travail dans un lieu surprise qui dépasse toutes vos attentes. Il en va de même pour le casting des acteurs. Pour cette leçon, nous partons du principe que vous serez en charge, ou du moins partiellement responsable, du casting peut-être vous qui organisez le casting et l'audition. Vous pourriez regarder des bobines et des auto-cassettes. Vous pouvez aussi vous adresser aux cinémas locaux ou demander aux membres votre groupe d'amis si quelqu'un est intéressé à faire du théâtre. Vous pouvez inclure Dame Judy Dench et Gary Oldman dans votre Pitch Deck, mais il est fort probable que vous ne les ferez pas participer à votre film lors de la rédaction du casting Soyez relativement précis, mais pas trop. De toute façon, vous aurez besoin d' une certaine flexibilité Il n'est donc pas nécessaire d' effrayer le casting parfait avec un soin trop descriptif apporté directement au scénario. Ben, 25 ans, est un homme de deux mètres aux cheveux gris avec une cicatrice sur la joue droite Nous cherchons un grand numéro dans les années 20, c'est suffisant. Essayez également d'inclure le genre dans vos appels de casting chaque fois que vous le pouvez. Parfois, un certain rôle exige un certain sexe, mais pas toujours. Si vous avez un plus grand nombre d'acteurs parmi lesquels vous pouvez puiser, cela ne fera qu'augmenter vos chances de faire un meilleur film. Et si vous auditionnez un acteur pour un rôle pour lequel il ne convient peut-être pas, peut-être qu'il convient mieux pour un autre rôle ou que vous travaillerez avec lui dans le futur. Lorsque vous recherchez le casting parfait, soyez ouvert aux changements, changez de personnage, changez simplement le script si nécessaire, n'essayez pas d'imposer à un acteur quelque chose qui ne fonctionne tout simplement pas. Si vous cherchez à recruter quelqu'un au début des années 20 mais que vous ne trouvez pas d'acteur approprié, n'essayez pas de mettre un acteur de 40 ans dans une autre catégorie sans cheveux ni maquillage appropriés Soyez ouvert à l'idée d'apporter des modifications au personnage pour qu'il reflète l'apparence, le type et l'aura générale de l'acteur que vous avez choisi. Le cinéma étant un médium plutôt naturaliste, tout ce qu'un acteur apporte sera visible par le public Il ne faut pas prétendre qu' un acteur athlétique sera autre chose qu' un personnage athlétique, peu importe la fréquence à laquelle les autres personnages le qualifient de nerd. Lors du casting de bégaiement, la plupart des personnages étaient non sexistes, à quelques exceptions près Le rôle d'un thérapeute, tel que je l'imaginais, était celui d'un homme bureaucratique plus distant, affalé Mais lorsque nous avons choisi notre actrice, Viviana, non seulement elle y a apporté une chaleur naturelle, scène a soudainement pris des relents de soins maternels et de comportement très inapproprié Quel genre d' idiot serais-je si je jetais ça au lieu de travailler avec ? Voici comment j'auditionne les acteurs lorsque je cherche à les différencier. Nous nous retrouvons autour d'un café. Tout d'abord, je veux rencontrer les personnes avec qui je travaille. Parce que je ne travaille pas seulement avec l'acteur, mais aussi avec une personne. Faire un film est une expérience personnelle qui repose sur une vision partagée et sur le fait d'être sur la même longueur d'onde en ce qui concerne le processus de réalisation d'un film Je n'ai pas besoin d'être le meilleur ami tous les acteurs avec lesquels je travaille, mais j'ai un certain style. Lorsque je travaille, je suis spontané et je suggère souvent farfelues ou des directives à peine apparentées pour stimuler l' imagination de l'acteur. Ne vous attendez pas à une relation de collaboration parfaite avec tous les acteurs avec lesquels vous avez travaillé. Mais je pense que c'est un facteur important du processus de casting et de réalisation d'un film et qu'il ne faut pas négliger sur le plateau Les acteurs doivent avoir confiance en vous et vice versa. Alors, découvrez-les en tant que premier avantage supplémentaire pour les gens. Cela a tendance à calmer un peu les nerfs . La première lecture sera donc beaucoup plus fluide. À l'étape suivante, je laisse les acteurs interpréter la scène comme ils l'ont préparée. Idéalement, avec un autre acteur qui lit dans les lignes. Idéalement, l'acteur qui a déjà joué le rôle. Cela me donnera généralement un bon aperçu de leur instinct. Comment se prépare un acteur ? Est-ce qu'ils comprennent l' ambiance générale du personnage ? Et apportent-ils à la table quelque chose que je n'avais jamais vu auparavant chez le personnage ? Et pour la dernière étape, je vais leur donner quelques indications, pas nécessairement celles que je veux voir le jour même. Je vais peut-être leur lancer une balle incurvée. La plupart du temps, je vais simplement citer ce que l'acteur m' a présenté et travailler avec ça Rejouer la scène est mon test pour voir comment l'acteur gère les instructions, s'il peut effectuer des ajustements rapides sur place, s'il est flexible et agréable à utiliser. Ce n'est pas une recette magique universelle, mais elle a fonctionné pour moi jusqu'à présent. Alors peut-être que ça marchera pour toi aussi. En conclusion, pour citer un général allemand du 19e siècle, aucun plan ne survit au premier contact avec l'ennemi Il en va de même pour le cinéma. C'est la marque d'un amateur que de s'en tenir à des idées que vous ne pouvez tout simplement pas réaliser le jour même. Maintenir la flexibilité et être ouvert aux solutions que vos collaborateurs vous proposeront ne nuira pas à votre projet. En fait, votre projet bénéficiera croissance au-delà de sa portée initiale. Trouver le casting idéal pour un film, scène ou une pièce de théâtre peut être audacieux quelles que soient les conditions. Mais en travaillant avec un budget nul ou faible, il devient encore plus difficile de trouver de bonnes personnes avec qui vous voulez travailler et d'utiliser leur personnalité unique en votre faveur. C'est un atout. 10. Collaboration créative - L'effort de réalisation: Chapitre dix Collaboration. La beauté du processus de réalisation d'un film réside dans le fait qu'il est et peut être collaboratif Si vous êtes illustrateur, l'intégralité de votre travail dépendra de vous. Vous êtes responsable de l'ensemble processus, du moment où vous créez une image dans votre tête jusqu'au dernier coup de pinceau. Mais en tant que cinéaste ou réalisateur, vous pouvez parfois simplement vous détendre. Vous travaillez avec un gaffeur expérimenté. Génial. Immédiatement, toutes vos images auront un aspect plus professionnel et un ingénieur du son talentueux. Tout ce que vous filmez sonnera bien mieux. Et si vous avez des acteurs talentueux, ils apporteront leurs propres suggestions et orientations pour le personnage. Ensuite, pour élaborer la performance en collaboration, il s'agit de négocier les meilleurs moments pour le personnage et pour l' Tout acteur expérimenté sera ouvert aux directives, car il sait que, entre les mains d'un bon réalisateur, il aura une bien meilleure apparence. Mais en tant que réalisateur, vous devez vous aussi être ouvert aux suggestions. Vous devriez écouter l'acteur et regarder attentivement ses performances. N'essayez pas d'imposer votre vision à l'ensemble du plateau, car vous pensez être destiné à être le prochain Tarantino Peut-être que tu l'es, et si tu es bon avec toi. Mais diriger des performances, c'est aussi découvrir comment d'autres personnes peuvent enrichir votre vision. Parce que, et c'est la raison cruciale pour laquelle le cinéma basé sur l'IA ne produira jamais quelque chose qui vaille la peine d'être regardé Tu ne veux pas vraiment ce que tu veux. Une IA vous donnera exactement ce que vous voulez. Mais ce que vous voulez vraiment, c'est votre film soit le meilleur possible. Et pour que cela fonctionne, vous devez considérer votre vision unique barre la plus basse à franchir. Et cette barre est peut-être assez haute. Mais si quelqu'un vous propose une meilleure suggestion, si un acteur vous propose une touche unique dans l'arc des personnages à laquelle vous n'aviez pas pensé auparavant, alors vous seriez plutôt stupide de dire non à cette offre. C'est comme une valeur de production gratuite, car en fin de compte, c'est ce qui donne à votre film une meilleure apparence et qui a incidence positive sur votre propre travail et sur vous en tant que réalisateur. Parfois encore, les cinéastes, en particulier les jeunes cinéastes qui savent simplement qu'ils sont voués à l'excellence, me demandent comment ils peuvent amener acteurs à faire exactement ce qu'ils veulent, comment ils peuvent tirer toutes les ficelles et faire en sorte que les et faire lignes se lisent, c'est à ce moment qu'un réalisateur montre à l'acteur exactement comment les répliques doivent être interprétées et obéir Des petites marionnettes. Eh bien, c'est simple. Il suffit de leur payer un taux équitable. Et puis vous constaterez que les acteurs sont bien plus réceptifs aux directives qu'aux commandes, et non aux suggestions En général, je vous déconseille d'utiliser la lecture au trait dans les deux cas, car vous ne faites que limiter vos possibilités , car vos acteurs se contenteront répéter ce que vous venez de faire. Et vous manquez l' occasion d' obtenir une meilleure offre de leur part et voir leur point de vue unique et leur spontanéité se refléter dans votre travail En conclusion, une bonne orientation est une suggestion. C'est un laissez-passer. Tout le monde sur le plateau fait partie de la même équipe. Tu leur joues une passe. Ils jouent une passe, puis vous finissez par marquer un but. C'est un travail d'équipe. Nous sommes tous concernés, le fait ne pas savoir exactement où va le voyage et comment il est tracé étape par étape fait partie de la beauté du processus de réalisation d'un film 11. Communication - Clarté sur le plateau: Chapitre 11 : communication. Au départ, je ne voulais pas l'inclure, mais je suis récemment allée sur un plateau de tournage et cela fait longtemps que ce qui suit ne m'est pas arrivé. Mais ce n'était pas la première fois. Et je veux t'empêcher de faire la même erreur. J'ai été choisi pour un rôle dans un film et à aucun moment je n'ai vraiment su ce qui se passait dans les scènes Parce que personne ne m'a dit exactement quelle partie de la scène allait être tournée. Et cela n'est pas réservé aux jeunes cinéastes inexpérimentés Même les équipes les plus expérimentées oublient souvent de parler aux acteurs et se perdent dans tous les autres aspects de la réalisation d'un film, des lumières au son, en passant par la conception de production Eh bien, les acteurs se tiennent debout comme des accessoires glorifiés. Oui, les acteurs peuvent lire des listes de plans et devraient en fait le faire. Mais une liste de plans ne vous en dira pas long, et une action décrite dans le script ne survivra souvent pas à la réalité de la production. Souvenez-vous du paysage épique de la page 5, ou si c'est le jardin de quelqu'un dans le jardin de quelqu'un maintenant, et au lieu de courir quelques tours, vous faites quelques sauts facilement. Dites à vos acteurs ce qu'ils doivent savoir pour chaque plan. Dites-leur où commence et où se termine la scène. C'est la grande rupture ou cette cinquième scène n'est tout simplement pas suffisante. Expliquez-leur ce qu'ils doivent faire. cette partie du processus de communication est claire , plus vous travaillerez efficacement avec les acteurs sur le plateau ou sur scène. Il faudra que tu viennes, que tu regardes autour de toi, que tu prennes le verre, que tu prennes une gorgée Et puis vous remarquez votre mère assise dans le fauteuil. Tu la confrontes avec tes yeux jusqu'à ce que je crie, coupe. Maintenant, c'est aussi la partie où les acteurs peuvent poser des questions. Pourquoi est-ce que je viens exactement ? Eh bien, vous voulez récupérer votre baguette magique et vous pensez que votre oncle Frederick l'a. Génial. N'en dis pas plus. Toute information dont les acteurs n'ont pas besoin, comme le choix de l'objectif, le mouvement de la caméra ou la palette de couleurs, etc., ne sera pas C'est formidable de communiquer ces informations dès le départ et de présenter votre film, mais juste avant de commencer, un acteur n'aura pas besoin de savoir qu'il s'agit du seul plan anamorphique Des répétitions correctes sont excellentes, mais la clarté sur le plateau est essentielle Si vos acteurs ne savent pas ce qu'ils font, ils ne feront que nager. Et vous pouvez toujours le savoir et comme vous pouvez toujours le savoir, vous ne pouvez pas vraiment utiliser d'autres séquences. C'est ici que vous commencez, c'est là que vous finissez, c'est ce qui se passe entre les deux. C'est tout ce dont tu as vraiment besoin. Toutes les meilleures techniques d'acteur et les meilleures capacités de coaching ne vous mèneront nulle part. Si vous ne pouvez pas communiquer clairement ce qui se passe dans la scène et ce qui se passe dans le plan. En conclusion, il n'y a rien de tel que la clarté dans la communication. Les acteurs auront besoin de conseils, de blocages et de marques pour offrir les meilleures performances possibles. La mise en place d'un plan prend plus qu'assez de temps pour parler aux acteurs et leur dire ce qui va suivre. Vous pouvez vous asseoir avec eux et les regarder exécuter leurs répliques, donner quelques commentaires ou répéter en profondeur, selon le temps dont vous disposez Cette clarté et cette communication font également partie de la relation de confiance que vous devez entretenir avec vos acteurs afin d'en tirer le meilleur parti. 12. Comment les réalisateurs peuvent apprendre à travailler avec les acteurs: Chapitre 12. En conclusion, cela nous amène à la fin de notre cours. Je prévois de suivre des cours de suivi. Donc, si vous aimez celui-ci, restez à l'affût pour d'autres cours axés sur différents aspects de la mise en scène et du travail avec des acteurs. Dans les cours de suivi, je parlerai un peu plus aspects techniques de la mise en scène de performances pour l'écran et l'aspect physique de la performance ne vous reste plus qu'à terminer le cours avec votre projet de classe. Et permettez-moi de le répéter, ne s'agit pas vraiment du niveau de production ou de l'apparence. Il s'agit de travailler avec les acteurs. Installez une caméra, filmez-la comme vous le feriez pour une audition. Restez très simple si vous en avez ou si vous le souhaitez. Nous avons abordé pas mal de choses dans ce cours. Permettez-moi donc de résumer brièvement que vous avez une mise à niveau pour savoir avec quoi travailler, les actions objectives et les rythmes sous-tendent la magie Si vous utilisez ces techniques pour préparer le scénario en tant que réalisateur, quel est l' objectif de chaque personnage et quelles actions peut-il entreprendre pour atteindre son objectif ? Utilisez les rythmes pour rythmer les actions et faire des choix intéressants. Et créez un sous-texte riche pour chaque ligne de texte si vous avez besoin d'un point de départ J'ai fourni des documents supplémentaires suggérant des circonstances et des objectifs précis avec lesquels travailler. Demandez à vos acteurs de faire de même pendant qu'ils préparent la scène, exécutent la scène, bloquent la scène et optent pour une configuration avec laquelle vous vous sentez à l'aise de travailler. Essayez vraiment de faire en sorte que cet exercice soit entièrement axé sur le travail avec les acteurs. Une fois que vous avez réussi, vous pouvez toujours introduire ou réintroduire tous les autres aspects du cinéma et ajouter différents niveaux de complexité à C'était vraiment amusant de compiler ce cours et j'ai hâte de voir ce que vous, votre imagination et celle de vos acteurs allez faire avec les scènes les plus fades du monde Si vous ajoutez quelque chose d'intéressant à ces deux scènes, vous trouverez certainement des couches uniques dans chaque scène avec laquelle vous allez travailler. Oh, je joue comme ça. Devrais-je d'abord faire une liste, puis dire chat et aussi, cela devrait être une ardoise à queue. Alors merci d'avoir regardé.