Devenir un meilleur artiste : Les bases du dessin

1. Commençons donc: Les gens me demandent souvent  : « Avez-vous toujours été bon pour dessiner ? » La réponse est non. Je ne connais personne qui est sorti de l'utérus doué à quoi que ce soit. Même les maîtres devaient commencer quelque part en ramassant un crayon ou un pinceau et en faisant leur première marque. Dans mon cas, j'ai fait ma première note, puis j'en ai fait une autre et une autre. Avec chaque marque, je suis sûr que je suis devenu de plus en plus à l'aise avec l'outil dans ma main, assez confortable pour essayer de nouvelles choses et voir quels types de marques je pouvais en faire. J' ai tellement apprécié ce processus que je l'ai fait encore et encore sans même me rendre compte que je devenais mieux jusqu'à ce que mes parents, mes tantes et oncles, mes professeurs et mes amis commencent à me dire que j'étais talentueux. Finalement, les gens ont commencé à demander  : « Avez-vous toujours été bon pour dessiner ? » Tout le monde commence par sa première note. Les artistes qui progressent sont ceux qui continuent de progresser. Mon but dans cette classe est de vous aider à continuer à faire des pas de bébé art un peu chaque jour parce que la pratique fait mieux. Ce n'est pas seulement une croyance personnelle, c'est un fait scientifique. Je vous inviterai avec des exercices scientifiques qui vous aideront à améliorer vos capacités artistiques avec des éléments essentiels de dessin, les bases mêmes, qui sont à la base de tant d'autres compétences dans les arts visuels. Que vous souhaitiez explorer le lettrage, le portrait, la conception de personnages, les motifs de surface, l'illustration ou le design graphique, il est essentiel de pouvoir dessiner. Dans ce cours, vous apprendrez à mieux faire les marques que vous dessinez sur papier correspondent à la vision que vous avez dans votre esprit. Je terminerai par une démonstration dans laquelle je partage tous les choix que je fais pendant que je dessine la nature morte afin que vous puissiez entendre comment je prends les décisions qui sont de seconde nature pour moi maintenant d'avoir fait tant de choses encore et encore, et bientôt Ce sera une seconde nature pour toi aussi. Nous allons examiner des choses comme les crayons à utiliser pour obtenir le type de marques que nous voulons, comment définir visuellement chaque objet dans un dessin, comment établir la structure d'un dessin avec des plages de valeurs, et comment créer de la profondeur et du volume avec la lumière et l'ombre. Nous utiliserons toutes ces techniques pour dessiner la nature morte ensemble afin que vous puissiez appliquer ces principes à tout ce que vous voulez dessiner. Mais surtout, je veux que tu aimes le dessin. J' ai décomposé les leçons en vidéos. Tu n'apprendras pas seulement la théorie, mais tu apprendras en faisant. Les chercheurs du cerveau disent, est la meilleure façon d'apprendre quoi que ce soit. Alors allons-y. 2. Apprenez à connaître vos outils: Comme je l'ai couvert dans mon cours de magie de carnet de croquis, vous pouvez faire des marques avec n'importe quoi. Mais pour ce cours, nous allons nous concentrer sur le crayon. Le crayon est accessible et abordable. Vous serez en mesure d'apprendre tellement simplement en travaillant avec un jeu de démarrage à prix raisonnable et un tampon de papier à dessin bon marché. En parlant de papier, un tapis de croquis de dessin est génial avec une surface lisse moyenne. Mais si vous n'avez pas ça, ne laissez pas ça vous arrêter. Je fais beaucoup de dessin sur du vieux papier d'imprimante ordinaire. Vous avez également besoin d'une gomme. Il y a plusieurs types que j'ai ici. Gommes gommes sont les plus douces. Ils sont presque comme du fromage feta. Ils s'effondrent quand vous effacez avec eux et les miettes ramassent le pigment. Les gommes pétries sont également assez douces et elles soulèvent pigment du papier parce qu'elles sont légèrement collantes. Ce qui est bien, c'est que vous pouvez également les pétrir ou les façonner pour s'adapter à ces petites zones. effaceurs en vinyle sont les plus propres, mais c'est parce qu'ils sont durs, sorte qu'ils peuvent déchirer votre papier lorsque vous les utilisez. Tu dois être un peu plus prudent avec eux. Essayez-les, voyez lequel vous aimez le plus. Vous pouvez trouver que vous aimez un genre plutôt qu'un autre ou que cela dépendra du projet sur lequel vous travaillez. Enfin, des crayons. Il y a deux systèmes de classement différents, le numérique et le système HB, qui est ce que vous trouverez dans les magasins de fournitures d'art que nous allons probablement utiliser. L' ensemble que j'ai aujourd'hui est livré avec six crayons. Parce que le noyau de graphite est classé de 2H à 6B, 2H étant le plus dur et le 6B étant le plus doux. B signifie noir. Plus le nombre est élevé, le plomb est doux, sorte que plus la marque est sombre ou noire. 6B est assez doux. H signifie dureté. HB est censé être comme le milieu de la planche, l'équivalent d'un crayon numéro 2 aux États-Unis. Ensuite, plus le nombre qui accompagne le H est élevé, le plomb est dur, sorte que plus la marque est légère. 2H est déjà assez léger, mais j'ai utilisé jusqu'à un crayon 9H avant. Comme il n'y a vraiment pas de norme de l'industrie quant l' obscurité ou à la douceur entre les marques, il est important de connaître les outils spécifiques que vous allez utiliser, ce qui nous amène à notre toute première mission. L' objectif de cet exercice est de vous faire connaître la gamme de vos outils. J' ai deux jeux de six carrés parce que j'ai six crayons gradués, vous pouvez avoir plus ou moins. Nous allons créer un tableau de valeurs, sorte que non seulement nous connaîtrons nos crayons, mais nous pourrons également y faire référence plus tard lorsque nous ferons notre vie morte. C' est un exercice très simple mais très important. En tant qu'artiste, je l'appelle incarnation. Les scientifiques appellent ça la myélination. myélinisation est ce qui se passe dans notre cerveau lorsque nous faisons quelque chose intensément et régulièrement. C' est un processus physique qui a été documenté par les chercheurs. Quand on fait quelque chose, la structure de notre cerveau change. Voici ce qui se passe dans votre cerveau quand vous agissez. Un signal électrique est créé par cette action et certaines cellules cérébrales sentent le signal et saisissent une fibre nerveuse et commencent à l'envelopper avec de la myéline, qui est une substance qui isole la cellule de sorte que les signaux peuvent voyager plus rapidement et plus efficacement que sur une cellule qui n'est pas isolée. Cela rend ce neurone meilleur, plus efficace pour faire ce qu'il a fait, donc vous obtenez mieux à cette action particulière. J' avais l'habitude de parler de l'incarnation parce que j'avais l'impression que c'était comme si mon corps apprenait. J' ai aussi senti que ce type d'apprentissage semble coller plus que simplement tenir quelque chose dans mon esprit. Il s'avère que c'est vrai. Peu importe ce que vous appelez, ce que cela signifie en fait, c'est d'apprendre à faire quelque chose, vous devez le faire. Tu ne peux pas juste regarder la vidéo. Sinon, votre cerveau s'améliore à regarder des vidéos, pas à dessiner. Dans son livre The Talent Code, Daniel Coyle explique que les plus grands athlètes, musiciens, artistes vocaux, compositeurs, auteurs, partagent tous quelque chose en commun. Ce n'était pas du talent, comme nous l'avons déjà compris. Ils ne sont pas nés comme ça. Au lieu de cela, leur talent a été développé grâce à la pratique régulière. C' est le secret de devenir meilleur à quelque chose. Ce n'est pas autant de talent que de construire une compétence. Mais le verbe actif ici est, faire. La mise à feu du circuit est primordiale. Myelin n'est pas conçu pour répondre à de bons souhaits ou des idées vagues ou des informations qui se lavent sur nous comme un bain chaud. Le mécanisme est conçu pour répondre aux actions : les impulsions électriques littérales descendant les fibres nerveuses. Il répond à une répétition urgente. Faisons-le déjà. Ombrage dans chaque zone similaire à la façon dont je fais avec une pression moyenne sur votre crayon. Ne le supporte pas avec force, quelle que soit votre pression d'écriture naturelle. Je travaille habituellement de droite à gauche parce que je suis gaucher et cela minimise les taches. Je vais travailler à partir de mon crayon 2H et ensuite utiliser la même pression pour chaque grade. Ce n'est pas exactement le résultat que je voulais, mais cela démontre quelque chose d'important dans le processus. En fait, c'est assez incroyable. Plus vous foirez, mieux c'est. Quoi ? Coyle dit : « La lutte n'est pas facultative. Il est neurologiquement nécessaire : pour que votre circuit de compétence tire de manière optimale, vous devez par définition tirer le circuit de manière suboptimale ; vous devez faire des erreurs et faire attention à ces erreurs ; vous devez lentement enseigner votre circuit . » C' est ce qu'on appelle la pratique profonde. Faire quelque chose d'imparfaitement est en fait une bonne chose parce que c'est le seul moyen d'aller mieux. En regardant les images, je vois que c'est parce que j'essaie de rester dans les limites du rectangle, donc essayer de me conformer à la forme a changé la façon dont je bougeais le crayon. Pour cette raison, je vais faire une deuxième rangée sous la première. Je fais de minuscules corrections à ma technique. Cette fois, pas de rectangles. Je vais juste faire de l'ombre dans une zone avec chaque crayon avec cette même pression que je peux. Cela semble bien plus naturel que la première fois. Dans la deuxième rangée de six boîtes, nous allons créer des dégradés. En utilisant à nouveau mon crayon 2H, je vais faire la marque la plus sombre possible que je puisse avec ce crayon le long du bord droit. Ensuite, je vais faire la marque la plus légère possible le long du bord gauche et je vais les mélanger. Encore une fois, je fais de minuscules corrections pendant que je vais tout long de ce processus afin que ces gradients deviennent de mieux en mieux. Je vais répéter ça pour chacun des crayons de mon set. Ton tour. Descendez de votre ordinateur ou de votre téléphone et faites cet exercice à la place. C' est du temps bien dépensé parce que pendant que vous le faites, vous allez mieux et ne préféreriez-vous pas être meilleur à dessiner que de mieux faire défiler Facebook ? La dernière chose dont nous aurons besoin pour notre projet, c'est de l'inspiration. Nous allons faire est la nature morte, donc j'ai mis en place quelques compositions différentes spécifiquement pour ce cours. Je vais partager l'image d'inspiration que j'ai utilisée pour la démonstration en classe, afin que vous puissiez dessiner avec moi. Dans la dernière vidéo, je vais également partager d'autres images de nature morte à partir desquelles vous pouvez travailler. 3. BONUS : La physique pour les artistes: Je veux faire une démonstration rapide pour vous qui montre comment les différentes nuances de crayon affectent la surface du papier, et quel effet cela a sur votre dessin, particulier sur la douceur. Si nous zoomons sur la section transversale de la surface du papier, il a un grain à elle. Il a ces crêtes microscopiques constituées par les fibres de papier. Donc, un crayon doux comme un 6 ou 4B sera sombre, mais le plomb n'est pas assez dur pour indenter la surface. Il sera donc assis, juste sur les sommets des crêtes, le résultat étant que les vallées resteront légères. Un plomb plus dur va effectivement indenter le papier, sorte que le crayon va aplatir les crêtes. Le résultat est que toute la zone, pas seulement les crêtes, sera remplie. Ainsi, avec le plomb plus doux, les vallées restent légères créant un contraste. Donc, vous voyez réellement le grain du papier, et avec le plomb plus dur, il sera globalement plus léger, mais plus lisse. Voyons donc à quoi ça ressemble d'une vue d'oiseau. C' est un 6B, et vous pouvez voir les faits saillants là-bas à moins que je ne supporte vraiment pour me débarrasser d'eux. Ce que je fais, c'est de revenir sur les zones que je veux vraiment sombre et lisse avec une laisse plus dure, comme dans ce cas, le crayon HB, qui va remplir encore plus et se débarrasser de ces taches blanches. Donc, l'effet ultime est vraiment sombre. Voyons voir ça encore. Je fais une plus grande zone sombre ici, donc je peux démontrer cette technique que les gens utilisent, pour faire des zones vraiment sombres et lisses. Commencez par une laisse souple, puis repassez à nouveau avec une avance plus dure, et recommencez-la encore avec une avance encore plus difficile. Mais quelques choses qui se sont également produites, c'est un réel engagement. Vous apportez des modifications physiques à votre papier. Donc, même si vous sortez tout le pigment avec une gomme, vous ne pourrez jamais vous débarrasser complètement de cette zone ombragée. En outre, vous voudrez travailler de doux à dur, pas l'inverse, et vous pouvez tester cela vous-même. Voyez ce qui se passe si vous ombragez dans une zone avec votre 2H, puis essayez de passer dessus avec le 6B. Quoi qu'il en soit, vous me verrez faire ça dans ma démo [inaudible] plus tard. Je vais utiliser cette technique beaucoup, pour mélanger les zones sombres et claires ensemble, parce que quelle que soit la valeur, quelle que soit la lumière ou l'obscurité de la zone, je veux une douceur constante pour eux, sorte que ils ont l'air de faire partie de la même surface, ce qui signifie que, éventuellement, même les zones les plus sombres que j'ombrage avec le crayon le plus doux, devront être remodelés, avec les crayons les plus durs pour correspondre aux zones les plus légères de ces mêmes surfaces. 4. Créez vos repères: Notre prochaine mission est encore plus simple que la dernière, si c'est possible. Faites des marques avec vos différents crayons. Voyez combien d'effets différents vous pouvez faire avec le même crayon. Comme la lumière, l'obscurité, ce qui se passe lorsque vous frottez, ombragez, croisez la trappe, changez de mains lorsque vous vous levez et utilisez de gros coups, ou maintenez votre pointe près et faites de minuscules coups. Lâche, légère pression, étouffement sur le crayon, dessin avec la pointe. Voyez ce qui se passe si vous utilisez les mêmes coups physiques avec vos différents crayons. Portez une attention particulière à la corrélation entre la façon dont vous tenez votre crayon et le type de marque que vous faites. Prenez les marques que vous aimez et faites-les à nouveau plusieurs fois juste pour que vos muscles s'habituent à ce qui est nécessaire pour les faire. C' est là que la magie se produit, quand le processus devient incarné. En fait, c'est la science, non ? La myélination, mais ça ressemble à de la magie. Si vous êtes geeky comme moi, vous imaginerez tous ces neurones qui tirent là-haut et les petites saucisses de myéline enveloppant les axones. Le processus de faire quelque chose de prendre des mesures, les signaux dans votre cerveau vont plus vite. La pratique fait vraiment mieux. Nous l'avons déjà fait, mais pour le reste de cette classe, je vais vous montrer quelles mesures prendre pour former votre cerveau à voir et à dessiner. Regardez les vidéos à la vitesse qui vous convient. Mais ce que je veux vraiment que vous fassiez, c'est sortir une feuille de papier et faire quelques marques pendant environ une minute. Juste un, c'est tout. Réglez votre minuterie, faites un tas de marques, et partagez ça avec nous dans la salle de classe. Bien sûr, vous pouvez continuer à faire des marques pendant plus d'une minute pour le lendemain ou environ. Faites une pause à chaque fois que vous le faites, éloignez-vous de l'ordinateur et réglez votre minuterie pendant une minute, ou deux, ou trois, ou quatre, mais pas plus de cinq. Pourquoi ? Parce qu'à ce stade, cela ne devrait pas être travaillé. Ça ne devrait pas être une corvée, ça devrait être amusant. Une pause réparatrice de cette feuille de calcul qui vous donne envie de vous défoncer les yeux. Cela devrait être quelque chose que vous pouvez attendre entre vos listes de tâches. Encore une fois, pourquoi ? Parce que l'autre composant pour devenir un meilleur artiste est appelé allumage. C' est le terme fantaisiste utilisé par les chercheurs pour s'amuser. Lorsque vous avez une page pleine de notes, partagez-les avec nous dans la salle de classe pour encourager vos camarades de classe. Tout va mieux ensemble. Prenez une photo de vos repères aléatoires, téléchargez vos photos dans la salle de classe à partir de votre ordinateur, et nous vous verrons dans la prochaine vidéo. 5. Trouvez vos bords: Voici le truc, si vous regardez autour de vous, regardez vraiment, vous commencerez à remarquer que les choses ne sont pas exactement ce que nous pensons voir. C' est normal, ce n'est pas notre cerveau qui essaie de nous tromper. En fait, c'est notre cerveau qui essaie d'être efficace parce que nous ne pouvons pas traiter toutes les informations visuelles qui arrivent. C' est éditorialiser et nous amener à prêter attention à ce qu'il pense être important, comme ce tigre à dents de sabre, ou quoi que ce soit. Par exemple, voici un citron et voici une pomme, ce sont deux objets sur une table. En général, nous ne pensons pas à l'endroit où se termine le citron et où commence la pomme, où les molécules de l'une se rencontrent l'autre, bla , on voit juste deux objets distincts. Notre cerveau traite ces données et nous dit qu'il s'agit d'un objet et d'un autre. Mais pourquoi ? Il n'y a pas de ligne dure qui sépare les deux. Qu' est-ce qu'on voit vraiment ? Quel stimulus les cellules de vos yeux recevent-elles et envoient vers les cellules de votre cerveau qui vous font voir deux choses différentes ? Si vous prenez simplement les données brutes, ce que vous voyez, vous voyez un objet distinct de l'autre car il y a une différence de valeur. Si je zoome sur les pixels de cette image, vous pouvez voir de quoi je parle. n'y a pas de ligne ici, mais nous le reconnaissons comme un bord. C' est pourquoi mon dessin au trait est totalement différent parce qu'en réalité, il n'y a pas de lignes dans le monde réel, juste des valeurs. Les arêtes sont créées par ces différences. Nous devons donc apprendre à recréer les valeurs qui définissent les objets de notre composition. Dieu merci, nous savons déjà utiliser nos crayons pour créer toute une gamme de valeurs. Je vais faire un petit croquis d'échauffement maintenant pour démontrer comment nous pouvons utiliser les valeurs pour définir nos bords, et dans le processus de cette démo, je m'entraîne en profondeur et en myélinant. Je fais attention, je me concentre sur les différences subtiles même dans cette petite zone que j'ai choisi de rendre. Puis-je saisir les différences de valeur dans la pomme ? Puis-je recréer le reflet du citron ? Je vais laisser cette image à la fin de la vidéo pour que vous puissiez vous entraîner avec elle aussi. 6. Élaborez vos formes: Parlons formes, plus précisément, formes basiques ; cercle, rectangle, triangle, super simple, non ? rien pour eux. Il peut être vraiment intimidant de regarder une vignette ou une scène et de se dire  : « Je vais dessiner ça. » Eh bien, devine quoi ? Tout est fait de formes élémentaires. Donc, si vous regardez attentivement et identifiez ces formes élémentaires, ce n'est pas si écrasant. Jetons un coup d'oeil autour de nous et regardons les formes et toutes les choses qui nous entourent. Je vais prendre quelques photos autour de ma maison super désordonnée, puis regarder de près et voir quelles formes je peux trouver en eux. Allez la tête, regardez autour de vous, prenez quelques photos avec votre téléphone et voyez si vous pouvez les décomposer dans leurs composants. Parce qu'en fin de compte, si vous pouvez dessiner des cercles, des rectangles et des triangles, vous pouvez dessiner n'importe quoi. Mais encore une fois, ces formes ne sont pas faites de lignes, elles ne ressemblent pas à cela évidemment. Évaluons ce qui se passe ici. Quel apport a été senti par nos yeux et envoyé à notre cerveau qui rend cela plus réel que cela ? Ils ont du volume. Qu' est-ce que cela signifie pour notre œil fixe ? Comment créer l'illusion de volume sur une page plate ? Ce mes amis, est créé par des reflets et des ombres. La chose cool est que vous savez déjà comment créer l'illusion de la lumière et de l'ombre, parce qu'ils ne sont rien de plus que des valeurs différentes, qui est ce que nous avons fait dans les deux premiers exercices. Nous allons continuer à faire plus d'exercices parce que la pratique fait, eh bien, la pratique fait de la myéline. Je me demande d'où vient la source lumineuse ? C' est là que sera le point le plus léger. contraire est la partie la plus sombre, la partie qui est dans l'ombre. Dans mes premiers cours d'art en studio, mes professeurs ont mis en place des scènes semblables à celle-ci avec de fortes sources de lumière dans des pièces faiblement éclairées, pour isoler très clairement ce concept. Je vais vous demander de faire la même chose, voir Si vous ne pouvez pas mettre en place une simple lumière fixe avec une lampe forte, peut-être juste coller avec quelque chose de simple comme une boule, ou un morceau de fruit. Jouez avec la position de la lumière pour que la différence entre la lumière et l'ombre soit très dramatique. Ou vous n'avez pas vraiment besoin d'une pièce sombre. Dans cette configuration, j'ai une lumière naturelle vive qui vient de la fenêtre, et j'organise le tissu de sorte qu'il crée des ombres dramatiques dans les Pommes. Cette configuration est génial parce que regardez toutes les formes intéressantes, essayez de former votre cerveau pour oublier ce que vous savez qu'il est, Pommes, et juste plonger dans toutes les formes abstraites qui composent la composition. Je vais inclure ces images à la fin de la dernière vidéo aussi, afin que vous puissiez travailler à partir d'elles si vous le souhaitez. Faites quelques croquis de cinq minutes de vos vignettes. Gardez la partie la plus légère de votre papier de composition blanche afin de ne pas dessiner du tout dans cette zone. Trouvez la partie la plus sombre de votre composition et utilisez votre crayon le plus doux, dans mon cas c'est 6B, pour établir que cette zone est la plus sombre de l'obscurité. C' est ce que disait mon instructeur de dessin 101 « Établissez votre lumière la plus claire et la plus sombre sombre, puis esquissez dans les différents tons entre les deux ». Je vais en faire un autre juste pour m'amuser. Parfois, j'annote le dessin d'une flèche qui indique d'où viennent les sources lumineuses. C' est particulièrement important si je suis en train d'illustrer une histoire, disons dans chaque cadre doit avoir une source de lumière cohérente. Vous pouvez voir comment simplement ajouter des valeurs tonales change tout, les objets ne sont plus plats. Je veux dire, ils sont plats parce que c'est vraiment du graphite sur papier. Mais nous avons piégé nos yeux et notre cerveau pour qu'ils aient l'air d'avoir du volume. Vous pouvez aussi voir comment mon deuxième croquis est un peu meilleur que moi le premier. 7. Et maintenant, dessinez ! (DÉMO): Ok, les gars, nous avons appris à dessiner des fournitures, comment faire des marques avec eux, comment faire toute une gamme de valeurs, et ensuite comment utiliser ces valeurs pour définir nos objets, qui sont en fait des formes abstraites simples, et comment nous pouvons également utiliser ces valeurs pour donner de la dimension à ces objets. Vous avez maintenant tous les blocs de construction pour dessiner une nature morte, alors faisons-le. Je vais montrer comment synthétiser tous ces concepts avec ma nature morte. Rappelez-vous, je partage mon image d'inspiration dans la salle de classe afin que vous puissiez suivre avec moi. Alors n'hésitez pas à appuyer sur Pause ici et aller télécharger l'image maintenant. Si vous aimez ce cours, veuillez laisser un avis. Cela aide vraiment les autres élèves à décider s'il s'agit d'une classe qu'ils veulent suivre. Pour votre commodité. J' ajoute plusieurs autres images de nature morte à la fin de la dernière leçon, de sorte que vous pouvez simplement arrêter la vidéo sur ces images pour travailler à partir d'elles, ou si vous êtes à l'aise de configurer votre propre composition, je vous encourage à le faire aussi, parce que c'est amusant. Alors que je prépare ma nature morte, les choses auxquelles je pense sont, quelle humeur je veux créer. Je veux que ce soit lumineux et joyeux. Je veux aussi que ce dessin soit quelque chose que je peux compléter dans un certain laps de temps, donc 1-3 éléments aideront à contenir la complexité de la composition. Je veux que l'arrière-plan soit assez simple, mais pour avoir un peu d'intérêt visuel, donc j'utilise un drapé pour bloquer l'agitation devant ma fenêtre. J' aime ça, même si cela est allumé naturellement, il y a de grandes taches lumineuses et des ombres. La première chose que je fais est rude où les objets sont sur la page, et oui, même si mes mains ne le montrent pas, je ressens une certaine appréhension à ce stade dans chaque projet. Ce sentiment est normal, et je me rappelle que je ne suis pas classé. C' est censé être amusant, donc je prends une profonde respiration et je continue à dessiner. Rappelez-vous aussi que les erreurs sont bonnes, que l'appréhension que je ressens signifie que je fléchis mes muscles dessinants, je m'étire au-delà de ma zone de confort, ce qui signifie également que la myélination se produit réellement. Je vais déjà mieux. Je ne m'engage toujours pas en ce moment. J' utilise mon crayon HB pour esquisser la position de chaque élément aussi légèrement que possible, donc il va être difficile de voir mes marques dans la vidéo jusqu'à ce que je m'engage. La clé ici est que je ne fais pas de marques qui changeront définitivement la surface du papier encore, au cas où je veux le changer. À ce stade, je vérifie les différentes formes les unes par rapport aux autres. Quelle est la proximité de la pomme de la poignée du pichet ? L' espace négatif entre les trois objets est-il de la bonne taille et de la forme ? Le citron me semble un peu loin, donc je vais le pousser légèrement vers la droite. Mais encore une fois, comme mes marques sont si légères, je ne vais même pas m'embêter à effacer et risquer d'endommager ma surface de papier. Au lieu de cela, ces lignes droites seront dissimulées plus tard. Lorsque je dessine la forme du lanceur, c'est important, je bascule mentalement de voir l'ensemble et les composants. Tu te souviens de l'idée de la pratique profonde de Coil ? C'est comme ça. Ce n'est pas un mouvement continu ici, je m'arrête et je commence, et je fais des ajustements. abord, je forme mes yeux à zoomer et ne vois que les formes abstraites plus petites, puis je zoome et regarde les objets entiers. Je sens presque sa forme. J' essaie de sentir ce que ressentirait ce lanceur si je le tenais entre mes mains. À quoi ressembleraient la courbe et la pente ? Si je devais faire tomber un marbre sur cette pente, à quelle vitesse serait-il en bas de son bord en fonction du degré de pente ? Ensuite, je fais un zoom avant et je vois comment les courbes et les formes qui composent l'arrière-plan interagissent avec les autres courbes et formes au premier plan, créant des espaces plus petits et des formes abstraites que je peux utiliser comme points de référence. Pour moi, c'est comme monter un puzzle. Je passe d'examiner les onglets et les poches de chaque pièce de puzzle et comment ils s'intègrent, à revenir en arrière pour voir la grande image du puzzle dans son ensemble, puis revenir en arrière. Ce que cela fait est similaire à notre tout premier exercice, où je peux faire de minuscules corrections, des ajustements à ma technique en cours de route. Mon dessin tient dans son ensemble et à l'intérieur de ses composants, je sais que je peux continuer. Puisque j'ai l'impression que mon croquis de la position relative des choses est correct, je m'engage en établissant mes points les plus sombres, les ombres où mes objets rencontrent la table et la tige de la pomme. Alors, comme la pomme est vraiment la zone la plus sombre de ma composition globale, je vais me concentrer sur cela d'abord et me permettre de définir la gamme tonale globale et d'établir la structure du dessin avec elle. J' ai formé mon œil pour identifier les différences subtiles de valeur dans différentes compositions. Donc, dans ce cas, à la surface de la pomme, j'utiliserai mon crayon le plus doux, mon 6B, pour parcourir les zones les plus sombres. Les plus proches du citron sont sombres parce que le citron y jette une ombre, tout comme la zone la plus proche du pichet à cause de l'ombre du pichet. Je vais utiliser la gamme complète du crayon 6B allant du plus sombre au moyen foncé pour remplir les zones plus sombres de la pomme. Ensuite, j'utiliserai le crayon le plus doux suivant, le crayon 4B, pour remplir les zones qui sont juste un peu plus légères que les zones les plus sombres. Mais voici un truc que j'ai appris au fil des ans, c'est que je vais revoir les zones très sombres, celles sur lesquelles j'ai utilisé le crayon 6B, avec le crayon 4B aussi, cela aide à les mélanger ensemble. Autour des bords de la pomme, je veux m'assurer de capturer le masque sombre qui l'entoure, qui ressemble presque à une ligne, mais ce n'est pas le cas. Cela aide à définir la pomme. Je ne suis pas aussi conscient de la façon dont je tiens le crayon autant que de l'effet qu'il a sur mes coups de crayon, et je m'adapte au besoin. Ce que je cherche est une certaine douceur de sorte qu'aucun trait individuel n'est visible, mais tout se fond dans la valeur que je veux. Je vais répéter ce processus à nouveau avec le crayon 2B maintenant, ombrage dans les zones les plus sombres, puis les zones plus claires suivantes, la partie que j'ai déjà mélangée. Vous pouvez voir comment cette technique que j'utilise va prendre un certain temps parce que certaines zones d'un dessin finiront par être couvertes et récupérer trois, quatre, ou cinq fois avec différents crayons. Mais je pense vraiment que cela fait une différence, surtout avec des objets lisses comme cette pomme, parce que les crayons plus durs lissent la surface du papier et rend le dessin de la pomme lisse. Je ferai la même chose avec le citron et le pichet, établissant les parties les plus sombres pour ces objets. Puisque je suis gaucher et que j'ai décidé de travailler sur la pomme d'abord, je dois la protéger maintenant contre les taches, comme je travaille sur le lanceur. Les parties les plus sombres du pichet sont bien, beaucoup plus légères que la pomme, donc encore une fois, je m'entraîne à voir toutes les différences subtiles dans les composants. Pas tant la chose globale que je dessine en ce moment, mais les formes plus petites. Quand j'y pense, je ne vois vraiment même pas l'objet autant que ces zones abstraites, une boule ici, une zone sinueuse ici. Ce n'est pas avant que j'aie presque toutes les pièces de puzzle qui s'adaptent ensemble que j'évalue si ça ressemble à la chose que je dessine. Même alors, je dois vous dire que je trouve utile de laisser aller le résultat et de me concentrer sur le processus. Cela devient méditatif pour moi et je peux me perdre dans les formes. Ils deviennent presque comme leurs propres petits mondes. Je dois aussi dire que même si je travaille à partir d'une image d'inspiration et que je veux qu'elle ressemble à la chose à partir de laquelle je travaille, je n'ai pas l'impression qu'elle doit correspondre exactement. Si vous choisissez de travailler à partir de cette image aussi, je vous encouragerais vraiment à ne pas le juger en fonction de l' apparence de votre projet par rapport à celui de quelqu'un d'autre, comme dans le yoga. Je ne sais pas pourquoi je pense à ça, mais au yoga, ils disent : « Ne regarde pas au-delà de ton propre tapis. » Je pense que c'est important à dire parce qu'en tant qu'artistes, nous avons tendance à faire preuve de jugement sur notre travail et ce n'est pas très gentil avec nous-mêmes en tant qu'artistes. J' ai l'impression que si nous voulions simplement capturer le visuel de ce que nous voyons dans notre image d'inspiration, nous irons simplement avec l'image et finirons là. Mais la chose merveilleuse à propos de l'art est parce que c'est un processus physique, parce que vous prenez quelque chose avec vos mains et que vous faites quelque chose sur le papier, il y a juste un moyen que le processus vous permet d'apparaître sur la page dans d'une certaine façon, et c'est ce qui explique les différences dans les styles des gens et c'est ce qui rend votre travail unique. Donc, au lieu de dire, « Mais sa pomme ressemble beaucoup plus à cette pomme que ma pomme », il s' agit d'embrasser les qualités uniques de votre propre travail. Il y a aussi quelques choses que je sais d'après des années de dessin et je sais cela d'une manière intellectuelle, que chacun de ces objets ne sont pas très réfléchissants, comme le verre ou le métal, ce qui signifie que les surfaces ont des transitions plus douces. Alors que j'établisse mes valeurs pour chaque domaine et que je regarde de près ces domaines abstraits, je sais qu'il y aura probablement des mélanges mous entre eux. Ces trois objets ont également un élément sphérique, ce qui signifie que la lumière s'enroule autour d'eux dans une courbe graduelle. C' est un autre rappel que tout finira par se fondre doucement. Donc, quand je regarde de près, en faisant un zoom avant, j'ai une attente et je sais que les transitions seront douces. En revanche, le long du haut du lanceur, il y aura des arêtes et pour les rendre, il y aura des changements nets et distincts de valeur le long de ces arêtes pour aider à les définir. Je suivrai la même technique que celle que j'ai utilisée pour la pomme, en utilisant la gamme complète de chacun de mes crayons. Mais parce que le pichet est globalement plus léger, où j'ai utilisé 6B, 4B, 2B et HB sur la pomme, j'utilise principalement, 2B, HB, B et 2H pour le pichet. Le lanceur, et tous les objets, sont vraiment définis par leur relation avec l'arrière-plan. Donc, comme nous l'avons vu dans la vidéo précédente, le bord est en fait, nos deux valeurs différentes se croisent l'une contre l'autre. J' ombrage dans la zone à côté du lanceur, en gardant à l'esprit sa valeur relative. C' est un cas où, encore une fois, je me perds dans le processus. Je ne pense pas au lanceur comme un objet solide ou l'objet de premier plan et un fond de blanc, autant que je regarde les zones plus petites et compare l'obscurité l'une à l'autre, et en utilisant des points de référence visuels à vérifier si je suis au bon endroit. C' est pourquoi il est agréable d'avoir cette draperie en arrière-plan, car cela aide à établir l'espace et la position. La partie délicate de cette composition particulière est que je dois vraiment étendre ma gamme HB et 2H, puisque presque tout le pichet et le tissu blanc sont dans une gamme de valeur très légère similaire. Pourtant, je dois encore créer un contraste subtil dans une gamme beaucoup plus étroite. En changeant de crayons, je passe de nouveau sur la zone précédente, comme je l'ai fait avec la pomme, et il se lisse sur ces crêtes et vallées dans le papier pour faire un dessin plus lisse. Cela peut se sentir fastidieux, mais la chose agréable à propos de cette partie du processus, est qu'il peut être presque méditatif. Encore une fois, vous n'avez pas à faire attention aussi étroitement. Donc je me retrouve à passer ce temps à traiter tout ce qui se passe dans ma vie. Ça peut être vraiment relaxant. Je me rappelle que même si cette composition a un pichet et deux morceaux de fruits, il ne s'agit pas seulement de ces trois objets. Il s'agit vraiment de la façon dont les éléments interagissent les uns avec les autres. C' est ce qui rendra cela réel. J' ai prêté autant d'attention à l'arrière-plan que je le fais au premier plan. Encore une fois, quelle est la différence ? Du moins du point de vue des données visuelles ? C' est notre cerveau dans l'histoire où vous dites que c'est un lanceur sur une couverture qui rend le lanceur différent de la couverture elle-même. Tout cela est une entrée visuelle. L' un n'est pas plus important que l'autre. Donc, si nous voulons que le cerveau d'une autre personne reçoive cette entrée de la même manière, nous devons la traduire en données comparables. Est-ce que ça a du sens ? Rappelez-vous que lorsque nous avons zoomé sur l'image, tout cela était fait de pixels noirs et blancs. C' est seulement quand on prend du recul qu'on voit que c'est une chose réelle. C' est ce que je veux dire en se perdant dans le processus. Imaginez-vous dans ce zoom en vue que vous imaginez chaque zone et ombrage. Cela vous maintient dans le moment dans le processus plutôt que juger si oui ou non votre pichet est trop gras ou trop maigre ou quoi que ce soit, si les parties sont proportionnellement correctes et plus la chose sera grande aussi. Si la proportion est quelque chose sur lequel vous travaillez en ce moment, embrassez cette partie de votre parcours artistique. C' est un enregistrement exact de l'endroit où vous êtes en ce moment. Crois-moi, tu regarderas en arrière. Si vous apportez des modifications ou si vous modifiez la façon dont vous effectuez le rendu des choses à l'avenir, il est agréable de voir cet enregistrement ou une documentation sur la façon dont vous avez grandi en tant qu'artiste. Maintenant, j'ai essentiellement marqué mon citron par la pomme noire dans l'image claire, qui signifie que je sais à peu près en termes de valeur ce que j'ai à faire avec ce citron, afin de reproduire à peu près ce que je vois dans cette image. Je vais probablement travailler dans la gamme 2B, HB. Donc je ferais encore la même chose, en établissant d'abord les zones les plus sombres du citron. Maintenant, vous pouvez voir la différence entre mon dessin et l'image d'inspiration, et l'importance de la texture d'arrière-plan pour la composition. Le dessin semble vraiment incomplet sans les plis de tissu autour du fruit. Mais on va arranger ça. Je vais commencer à remplir les valeurs entre les deux zones. Après avoir fait tout cela, vous pouvez voir à quel point il est important de connaître vos outils, et de pouvoir contrôler votre marque afin que vous puissiez faire et ombrager dans une zone relativement uniformément. Vous remarquerez également combien j'ai utilisé avec parcimonie la gomme tout au long de ce processus. C' est parce que je dessine en couches, ce qui facilite la correction des erreurs. Au fur et à mesure que vous allez, vous avez votre propre approche de style naturel de l'ombrage. Vous avez probablement remarqué que j'ai tendance à faire de petits cercles. Certaines personnes traversent la trappe. Tout ce qui se sent à l'aise pour obtenir l'effet que vous voulez est bien. Vous le ferez beaucoup, il donc important qu'il soit physiquement à l'aise. Si vous dessinez à partir du même dessin d'inspiration, et qu'il ne ressemble pas exactement au mien, comme je l'ai déjà dit, je ne m'y attends pas. C' est la beauté du dessin. C' est un processus physique, donc nous ne pouvons pas nous empêcher d'influencer notre travail avec notre physicalité, la façon dont notre corps se déplace. Même mon propre dessin ne correspondra pas exactement à mon image. Vous verrez cela très clairement à la fin de cette vidéo. Mais c'est la magie. Comme je l'ai déjà dit, cela fait partie de ce qui rend notre style unique en tant qu'artistes. C' est quelque chose que j'explore en fait à ma découverte de votre cours de style d'art. Si vous vouliez juste une photo d'une pomme, d'un citron et d'une crème, vous pourriez simplement imprimer cette image et l'encadrer. Mais un dessin capture non seulement les données visuelles, mais aussi l'énergie de l'artiste telle qu'elle l'a faite. C'est plutôt cool. Je reviens sur le citron, avec le crayon 2H, cette fois l'utiliser pour accentuer la texture de la surface du citron. Au lieu de le rendre lisse comme la pomme, j'appuie plus fort sur certaines zones et plus léger sur d'autres. C' est juste un thème subtil. J' utilise aussi mon doigt pour tacher certaines parties du dessin. Essayez cela et voyez quel effet vous pouvez obtenir. Dans ce cas, j'utilise un crayon HB plutôt qu'un 2H, parce que même si ce serait probablement la valeur correcte, ce serait trop dur. Donc, pour compenser la douceur du plomb qui fait des marques plus sombres, je tache pour adoucir les marques de trait sur le papier. Mettre la touche finale à la composition maintenant, voir comment tout se rassemble, ce qui manque, ce que j'ai besoin de remplir encore ? Ensuite, je recule et évalue si j'aime le résultat final. Si elle capture l'ambiance que j'allais avec l'image d'inspiration dans cette configuration. J' aime ça. Au cours de ce cours, nous avons appris à bien connaître notre ensemble de crayons. Nous avons fait des graphiques de valeurs, nous avons fait des marques, nous nous sommes entraînés à définir des arêtes avec des valeurs tonales, nous nous sommes entraînés à créer du volume avec des valeurs tonales. Finalement, après toute cette pratique, nous avons mis en place et dessiné une nature morte. Mais vraiment, la chose la plus puissante qui s'est produite ici, nous avons beaucoup travaillé ensemble. Maintenant, vous savez, le processus scientifique éprouvé pour devenir un meilleur artiste nécessite de faire beaucoup d'art. Une fois que tu auras fini avec ta nature morte, j'adorerais que tu l'affiches dans la salle de classe. Vous avez beaucoup appris en regardant les interprétations des autres. Lorsque vous avez une minute, prenez une photo et téléchargez-la à partir de votre ordinateur. Aussi, n'hésitez pas à poster votre projet sur Instagram et à me tagger @riasharon, afin que je puisse le vérifier. 8. Quoi ensuite ?: Avant de nous séparer pour l'instant, si vous ne vous souvenez qu'd'une chose de cette classe, j'aimerais que vous vous souveniez d'un mot, la myélination. C' est le processus scientifique par lequel nous devenons tous meilleurs à dessiner ou mieux à quoi que ce soit. Jusqu' à récemment, la plupart des gens croyaient que le talent était basé sur la nature ou la culture, ou une combinaison des deux, mais la recherche montre que ce n'est pas le cas en fait. Vous pouvez devenir un meilleur artiste grâce à une pratique profonde régulière. La pratique fait vraiment mieux. Alors continuez à dessiner et à cultiver cette myéline, et si cela vous aide à avoir des invites régulières pour rester concentré. par tous les moyens, continuez à suivre des cours ou à trouver d'autres façons de continuer à faire de l'art et de l'avoir amusant. Merci de vous joindre à moi, et comme promis, les dernières images de cette vidéo comprendront quelques configurations de nature morte supplémentaires afin que vous puissiez continuer à pratiquer. Si vous êtes à la recherche de plus rapide afin que vous puissiez suivre votre myélination régulière, vous pourriez profiter de 10 jours de croquis selfie, faire votre propre page à colorier, ou découvrir votre style d'art. J' espère vous voir dans un autre cours bientôt.