Dessinez avec style ! Styliser votre art et trouvez votre style créatif dans le dessin

1. Bande-annonce: Le style peut sembler insaisissable ou spécial dans le monde de l'art. Il peut sembler que seuls quelques élus l'ont et le reste d'entre nous est coincé à être ennuyeux et perdus. C' est juste une conversation stupide. Tout le monde, y compris vous, peut facilement styliser ce qu'ils dessinent et trouver leur propre voix unique. En fait, vous le ferez naturellement avec le temps et la pratique, mais il y a un raccourci, et c'est pourquoi j'ai fait cette classe. Je veux démystifier le dessin avec style pour toi. Je veux vous montrer à quel point il peut être facile de styliser n'importe quelle référence dans n'importe quel style que vous pouvez imaginer. Je l'ai décomposé pour vous en trois étapes simples que vous pouvez facilement faire même si vous êtes un débutant. Ce cours est bourré d'informations, de conseils et d'astuces. Après l'avoir regardé, vous devriez non seulement savoir dans quelle direction étape prochaine quand il s'agit votre style personnel, mais vous aurez également la possibilité de styliser les références dans ce que vous voulez qu'il soit. Je vais même vous montrer un exemple en direct de moi en utilisant les trois étapes simples pour faire une scène entière. Qu' est-ce que tu attends ? Plongons dans le style. 2. Qu'est-ce que le style ?: Qu' est-ce que le style ? Vous connaissez peut-être le mot dans des styles d'art, comme abstrait, impressionniste, pop art ou surréaliste. Il y a beaucoup de styles d'art que vous pouvez trouver dans nos livres d'histoire. Pensez à cela comme des catégories dans lesquelles votre art peut entrer. Ce cours se concentre principalement sur les styles contemporains, ce qui est juste le truc moderne que font les illustrateurs de nos jours. Mais les frontières sont repoussées par des artistes talentueux tous les jours. Je ne crois pas à catégoriser l'art. Même lorsque vous regardez des artistes qui avaient leur art dans une certaine catégorie de style, vous pouvez distinguer leur travail par quelque chose qui le rend spécial. Par exemple, ces peintures sont de Leonid Afremov. Maintenant que vous le savez, dès que vous verrez un art de lui dans le monde réel, vous le reconnaîtrez facilement comme sa peinture. Son œuvre est si unique, elle est aussi impressionniste, mais vous ne le confondez pas avec quelque chose de Claude Monet, qui est aussi impressionniste. Ils ont chacun une voix ou un style unique. C' est ce sur quoi nous allons nous concentrer en classe. En tant qu'artistes, nous interprétons le monde d'une manière unique. Il y a un nombre infini de styles possibles là-bas, mais vous avez juste besoin et en avez un. C' est un style Monet quand il change ou évolue au fil du temps, mais il se sentira toujours comme vous. Nous allons parler plus sur la façon de trouver votre leader de style, mais c'est essentiellement trouver votre véritable voix authentique qui se sent juste. C' est une façon de faire de l'art que vous pouvez faire toute la journée et ne pas en avoir marre. Vous interprétez le monde à travers une lentille spécifique. Cela se fait très bien à la télévision. Remarquez comment presque tous les dessins animés ont leur propre façon d'être dessinés. Par exemple, j'ai fait cet exercice dans le mien, vous pouvez dessiner n'importe quoi classe pour vous montrer que vous pouvez prendre une photo et le dessiner dans de nombreux styles différents, mais peaufiner de petites choses. C' est juste une fille normale, mais parce que j'exagère les formes et les caractéristiques, elle semble bande dessinée et étrange dans chacun d'eux, et ils ont tous leur propre style unique. Mais je peux aller plus loin et faire la même chose avec les styles de différents dessins animés, par exemple, temps d' aventure, qui est extrêmement simple, lignes arrondies et ensuite dessine une foi avec seulement deux points et une ligne pour tous ses personnages. Remarquez que sans que je vous dise quel style c'est, vous trouvez cela reconnaissable. C' est vrai. Les filles Powerpuff. Celui-ci est les Simpson ou que diriez-vous de parents assez bizarres ? Ou même le super reconnaissable Disney. Aussi Anime a un look complètement unique à elle avec cet énorme yeux étant comme caractéristique la plus reconnaissable, mais si vous le dessinez dans ce style, même si vous pourriez toujours penser Anime, si vous savez ce que la lune marin est, ce serait votre première pensée à la place. Vous pouvez voir un tas d'exemples du même sujet en cours dessin et différents styles de défi de style Google. Pour moi, c'est l'exemple le plus évident avec le style est, vous pouvez appliquer le style à tout ce que vous dessinez, mais essentiellement, ce sont juste quelques règles qui font que tout tiré semble chanceux appartient à ce style particulier. Par exemple, tous les Simpson sont jaunes et les Schtroumpfs bleus. Ce n'est qu'un bleu dans leurs mondes, mais quand vous en avez beaucoup, ils se combinent pour former un style unique. Regardons quelques artistes très inspirants avec des styles distincts pour un peu d'inspiration. Ellie utilise la forme et la couleur mélangées avec des personnages mignons ou des animaux. La plupart de son travail se compose de cuties qui suivent les règles d'être arrondies et simplifiées avec des motifs, y compris beaucoup d'entre eux. Pattern est un excellent outil à ajouter à vous-même. Peut être, non seulement amusant à utiliser, mais intéressant à regarder et unique, même si ne va pas l'utiliser beaucoup, même un petit peu de motif peut faire une différence. Elle fait aussi parfois de l'art plus réaliste des animaux et vous pouvez toujours voir son style dedans avec ses choix de couleurs et comment elle utilise la forme et le motif. Aussi remarqué, elle aime utiliser l'ombrage subtil et cela donne à son travail beaucoup de dimension. Je vais décrire son style comme doux, amusant, mignon, et lié aux rêves ou aux rêves. Elle aime aussi raconter des histoires et ses pièces. Notez que même si son portefeuille est varié, tout se sent comme elle si vous voyiez son travail dans un magasin ou comme sur un cahier, vous le reconnaîtrez vraiment comme le sien. C' est comme ça que tu sais, tu as un style fort. Skye Ali a un style complètement différent. Elle utilise de la peinture et des crayons de couleur pour ajouter de la texture et des détails. Remarquez comment ses couleurs sont plus muettes et pourtant elles se sentent toujours colorées et brillantes parce qu'elle utilise des touches de couleur dans son travail. Son art est plat parce qu'elle n'ombrage pas et elle parfois vous juste découpes de papier. outre, ses formes sont folles sur le but et tout ce contraste bien, parce qu'elle aime utiliser des perspectives amusantes comme d'en haut dans beaucoup de son travail, son style est certainement unique en son genre, un facilement reconnaissable. Elle suit parfaitement les règles dans chaque illustration. Je vais décrire son travail comme enfantin, mais d'une manière amusante parce que c'est correct lorsque vous dessinez avec des crayons. Une autre artiste avec un style très distinct est Katie Daisy, elle est aussi l'une de mes préférées et l'une de mes premières inspirations. Elle travaille principalement dans le lavage acrylique de coloration à l'eau. Son travail se concentre sur la nature ou les fleurs et les citations positives. Elle a une façon unique d'utiliser des couleurs vives et une façon spéciale de peindre. En fait, même si son art simplifie un peu les fleurs, c' dans la façon dont elle peint et qu'ils se sentent complètement uniques et fantastiques. Tout son travail a sa voix édifiante dedans. Tracy Lewis est plus réaliste que les autres artistes que j'ai montrés, mais elle a toujours un style très évident. Elle utilise l'aquarelle et une palette de couleurs spécifique dans presque toutes ses pièces. Remarquez, comment même si c'est réaliste, elle peint en faible contraste et le thème récurrent est les fleurs et les filles. Une autre caractéristique que vous faites vraiment attention est les yeux parce qu'elle le rend si léger que vous pouvez le voir, peindre les mêmes choses dans la même couleur peut également faire partie de votre style, mais seulement si vous le trouvez pas limitant. Aussi, remarquez que même si son travail est de vraies choses, la façon dont elle peint qui lui fait sentir magique ou fantaisie comme. Pour moi, ils ressemblent à des fées. Mat Miller est aussi un artiste qui garde un niveau de réalisme dans son travail, mais la façon dont il utilise l'encre ajoute des éléments fantastiques, mais la façon dont il utilise l'encre ajoute des éléments fantastiques, insuffle une nouvelle vie à son travail et contribue à sa voix super unique. Il ne se contente pas de copier des références, mais ajoute beaucoup de texture et de motifs détaillés avec de l'encre. Non seulement tous les éléments fantastiques leur ajoutent de la magie, mais les couleurs dues aux griffons surréalistes qu'il dessine sur ses pièces sont une grande partie de son style et sont dans chaque œuvre d'art, il a une énorme imagination, et vous pouvez dire qu'il aime vraiment gribouiller. Tess Smith-Roberts, quant à elle, a presque aucun réalisme dans son travail, mais utilise la forme, la couleur et la symbologie pour faire de l'art puissant et pourtant simple. Son travail semble également influencé par les années 90 et elle aime jouer avec différents médiums, gardant son style tout au long. Pour moi, son travail est amusant et ludique. Les derniers artistes que je vais vous montrer sont Kelsey Buzzel. Elle a une façon spécifique de sécher les personnages, en particulier leurs visages et surtout les yeux, c'est très simple, mais elle utilise le look de manière cohérente. Remarquez comment elle utilise même les yeux et les corbeaux, les souris et même un mois. Elle utilise également le motif et la forme d'une manière amusante et les couleurs avec parcimonie dans ses pièces. Chacun est très évidemment elle. Ceci est similaire à la façon dont les dessins animés construisent un monde avec certaines règles. Pour moi, son travail est plus effrayant et intéressant. Comme vous pouvez le voir, le style peut aller dans n'importe quelle direction que vous désirez. Ce n'est pas limité en aucune façon. Vous pouvez être plus ou moins réaliste, complexe, ou simple, ou quelque part entre les deux, coloré ou noir et blanc. Il y a tellement d'options, ne vous inquiétez pas si vous n'avez aucune idée de votre style. Mon espoir est que d'ici la fin de la classe, vous aurez non seulement une meilleure idée de la direction que vous allez, mais aussi comprendre comment vous pouvez styliser n'importe quoi à partir d'une référence. Entrons dans le minutieux de styliser ton travail. 3. Présentation du style: Commençons par un aperçu rapide et des exemples de la façon dont on s'occupe de styliser leur art. Ensuite, nous allons entrer dans les détails pour chaque étape simple. Essentiellement, le processus est similaire à ce que je vous ai montré dans mon joug et dessiner des animaux mignons classe. Nous avons d'abord observé notre sujet et la meilleure façon de le faire est de le dessiner. Lorsque vous esquissez votre sujet, vous remarquez toutes les caractéristiques les plus importantes qui le rendent facilement reconnaissable et les formes de base qui le composent. La deuxième étape était d'exagérer et de simplifier, mais en fonction du style pour le rendre plus complexe à la place. Mais essentiellement, l'étape 2 consiste à prendre les informations que nous avons recueillies à l'étape 1 et y mettre nos propres rebondissements et ce que nous allons faire dans cette étape dépend du style que nous voulons. Puisque dans cette classe, je dessinais mignon, j'ai joué avec mon sujet mais parce que j'ai gardé certaines des principales caractéristiques qui l'ont rendu unique, c' encore reconnaissable même si c'est un plus long, réaliste et en fait, suprêmement simplifié. La troisième étape consiste à affiner ce qui signifie juste finir dans votre médium préféré et d'une manière qui fait partie de votre style. Cette étape peut également changer radicalement l'humeur de votre pièce à travers la couleur et la texture ou l'absence de celle-ci et je vais vous montrer combien cela peut faire une différence dans une future leçon. Voici un autre exemple. J' ai cité les formes qui composent le corps du raton laveur et les caractéristiques qui le rendent reconnaissable sur le [inaudible] plier à la queue streptococcique, puis je joue avec les formes du corps et les exagère. La forme est super amusant à jouer avec et vous pouvez faire ce que vous voulez dans votre style. Par exemple, peut-être que certains d'entre eux lisent plus de renard que de ratons laveurs ou plus de chat et de raton laveur. Mais en ajoutant simplement dans les queues de rayures, les yeux pliés, le tout soudain se sent comme des ratons laveurs. Votre cerveau est incroyable et il peut facilement étiqueter tout ce qu'il voit comme quelque chose qu'il sait même si c'est très loin d'être réaliste et faire tous mes chatons, j'utilise le même style exact qui est simplifié et mignon. Mais la vérité est qu'il y a un nombre infini de façons d'interpréter n'importe quel objet ou sujet et vous aurez votre propre manière unique. Peut-être que votre style est presque réaliste avec des éléments fantastiques ajoutés dans le magnifique travail de Mat Miller. Mais ces étapes sont similaires à dessiner les cuties, il s'agit d'abord d'observer et d'étudier quelque chose, puis de l'interpréter à votre manière, quelle que soit la façon dont c'est. En fait, vous pouvez même le faire avec une forme de base comme un cercle. Je garde l'essence d'être ronde en se déformant et en jouant avec. C' est aussi simple que ça. Votre pièce finie peut être aussi éloignée de la réalité que vous le souhaitez. Vous pouvez simplement utiliser la réalité comme inspiration. Je vais vous montrer d'autres exemples à mesure que nous plongons plus profondément dans chaque étape des deux prochaines leçons. Une autre chose que je veux que tu gardes à l'esprit, c'est que ces étapes ne mettent pas la pierre. Peut-être que votre cellule est complexe, vous avez 10 étapes ou peut-être si simple. Tu as juste besoin d'un ou deux. C' est à vous de décider. Aussi pour obtenir le plus d'avantages de cette classe, assurez-vous de faire les trois étapes et invité à. Cela vous aidera à mettre ce que vous apprenez à pratiquer et il est toujours important d'apprendre en faisant parce que si vous ne le faites pas, vous ne digérerez pas l'information et ne mémoriserez pas comment le faire. Vous l'oublierez dès que vous partirez. Si vous avez besoin de regarder la classe la deuxième fois pour le faire, c'est bien aussi. Assurez-vous juste de faire les étapes au moins une fois. Maintenant, plongons plus profondément dans l'étape 1. 4. Étape 1: La première étape consiste à observer ou à étudier votre sujet. C' est aussi simple que cela puisse paraître. Nous cherchons juste les détails les plus importants. Personnellement, je fais la première étape dans ma tête, mais je vous suggère de mettre un crayon sur papier pour avoir l'habitude de vraiment voir. La façon la plus simple d'observer est d'abord de remarquer une forme simple qui compose votre sujet en les esquissant. Je parle plus à ce sujet dans mon, vous pouvez essayer quelque chose de classe et si le dessin est difficile pour vous, je vous encourage à vérifier avant de continuer. Mais essentiellement, nous ne faisons que décomposer ce que nous voyons en formes et lignes simples. Si c'est difficile pour vous de le voir, prenez un magazine et dessinez avec un sharpie sur les photos. Cela devrait être facile et non compliqué. Tout peut être décomposé. Tout ce que vous voyez, peu importe la complexité peut être décomposé en formes simples. Une fois que nous avons la forme faite, nous pouvons remarquer tous les détails et les mettre aussi en bas en affinant les formes et en les ajoutant. Cela ne doit pas être réaliste, en fait, cela prendrait beaucoup trop de temps. Il s'agit plutôt de remarquer tous les détails que vous pourriez avoir négligés à première vue. C' est juste un croquis. Par exemple, ici nous avons une photo d'un perroquet que je veux styliser. Je vais d'abord le décomposer en formes basiques en l'observant. n'y a pas besoin d'être super précis. Je dessine juste les formes et les lignes qui le composent. Comme j'ai beaucoup de pratique, c'est facile pour moi de les voir. Mais si c'est plus difficile pour vous, continuez jusqu'à ce qu'il devienne une seconde nature. Une fois que j'ai fait les formes de base, je peux entrer et ajouter tous les détails sur mon croquis. Ce n'est pas que je le dessine de façon réaliste au mieux de mes capacités. C' est en fait un très rapide. C' est plutôt comme si je remarquais toutes les choses qui font du perroquet un perroquet. C' est le moment de penser à quelles sont les caractéristiques les plus importantes. Par exemple, son bec est probablement le plus grand cadeau qu'il est un perroquet, car il est plus grand que la plupart des oiseaux et a une forme particulière. Il a une peau blanche autour de son œil, ce qui n'est pas aussi important, mais je peux choisir d'inclure ce détail si je veux. C' est aussi très coloré et je note les couleurs exactes. Vous n'avez pas à utiliser les mêmes. En fait, vous pouvez faire n'importe quelle couleur que vous voulez, mais si vous stylisez à l'extrême, vous pouvez toujours utiliser les couleurs originales pour vous assurer qu'il est reconnaissable. Je m'assure également de faire attention aux formes qui font qu'il se sent comme un perroquet, en particulier la forme de la tête incurvée. Le reste des caractéristiques sont communes à la plupart des oiseaux, ils ne sont pas aussi importants à moins que vous ne dessiniez jamais nos oiseaux et que vous y prêtiez une attention particulière. Comme par exemple, à quoi ressemblent les pieds d'oiseau et à quoi font leurs plumes, quel genre de motif font-ils ? Une fois que j'ai étudié et que j'ai essentiellement disséqué mon sujet, je peux commencer à styliser et je vais vous montrer comment le faire à l'étape suivante. Mais comme vous pouvez le voir, l'observation est assez simple. Maintenant, vous pouvez le prendre à un niveau plus élevé et pourrait avoir besoin, surtout si vous voulez être en mesure de tirer de votre imagination pour la création d'un personnage de bande dessinée ou d'un personnage pour un livre pour enfants ou quelque chose comme ça. Tirer de l'imagination n'est pas une compétence avec laquelle seuls quelques sélectionneurs naissent, il est né de la répétition et de l'étude intense d'un sujet. années et des années d'études, nombreuses centaines de milliers d'heures d'études. Plus vous étudiez ce sujet, mieux vous serez un dessin de l'imagination. Mais même une heure peut faire une énorme différence. Par exemple, ici je fais des tonnes de dessins de toute pratique. Avec chaque dessin, j'ai compris le sujet de mieux en mieux. J' ai remarqué de plus en plus de détails et j'ai eu un sentiment sur la façon dont il se déplace et comment il regarde différents angles et son sentiment général et les expressions du visage. Je l'ai fait seulement pendant environ une heure et maintenant j'ai une bonne idée, comment maintenant Alpaca ressemble. Je pourrais en dessiner un sans référence, mais ce n'est ni exact ni réaliste. Je n'ai pas tous les détails mémoriser ou son anatomie. Je suis maintenant au point où je peux le dessiner sous n'importe quel angle ou pose, mais vous avez l'idée. Il faut beaucoup plus de temps que notre étude pour arriver à endroit où vous pouvez facilement laisser tomber l'imagination dans n'importe quelle pose que vous voulez, mais en faisant même une heure, vous comprendrez votre sujet beaucoup plus. Je recommande fortement de le faire si vous prévoyez de dessiner le même sujet tout le temps. Par exemple, j'ai fait des études d'oiseaux à plusieurs reprises et de fleurs. Vous comprendrez votre sujet beaucoup plus et vous serez tellement plus facile de l'illustrer et d'y ajouter votre propre touche. Comme cette pièce amusante de Deidre Wicks. Je doute que les artistes ont eu un casque sur un Lama a cliqué une photo puis l'a peint. Je pense que ce qui s'est passé c'est qu'elle a fait de nombreuses études sur les lamas, leurs oreilles et leurs expressions de visage et leur fourrure, puis l'a peint en utilisant des références, mais en faisant sienne avec son imagination. En fait, vous pouvez voir qu'elle l'a fait encore, et encore, et encore avec des portraits encore plus amusants et stupides. Plus vous utilisez de références, plus vous pouvez faire quelque chose à vous, mais vous n'avez pas à le faire. D' habitude, je n'en utilise qu'un. En le faisant dans mon style et en peaufinant les détails, vous ne pouvez pas dire quelle est la référence. Comme dans cet exemple ou celui-ci. Copier des références peut vous causer des problèmes, si vous faites des pièces réalistes et copiez tout exactement. Mais si tu es stylisé, tu iras bien tant que tu en fais la vôtre. En ce qui concerne le réalisme, vous pouvez toujours utiliser des références, mais vous devrez soit prendre vos propres photos, trouver des photos en stock libre, ou les acheter. Pour résumer, la première étape consiste à étudier et à observer votre sujet. Vous le faites en faisant un ou plusieurs croquis. Cela ne signifie pas ombragé ou le rendre fantaisie, mais il suffit de remarquer toutes les caractéristiques de votre sujet. En commençant par des formes, puis en ajoutant des détails. Vous êtes juste en train de comprendre ce qui rend ce que vous regardez reconnaissable et quelles sont ses caractéristiques les plus importantes. Maintenant, choisissez un sujet. Il peut être tout ce que vous voulez, d'un animal à un fruit, à une plante , à une personne, et trouver une image que vous aimez vraiment. Ensuite, faites l'étape 1, il suffit de l'esquisser en utilisant des formes de base, puis ajoutez des détails, simples. Les croquis ne doivent pas être gros non plus, je fais généralement le mien assez petit. Une fois que vous avez l'impression de savoir ce que vous choisissez, le ramasser et quels détails sont les plus importants pour le rendre reconnaissable, nous pouvons passer à la deuxième étape. 5. Deuxième étape: étape 2 est de jouer avec les informations que nous avons et de les faire nôtres. De mon style, cela signifie exagérer et simplifier. Mais selon votre style, cela peut signifier rendre plus complexe, ajouter quelque chose, utiliser des motifs, des textures, ou des éléments fantastiques, et ainsi de suite. Les possibilités sont illimitées et cette étape est différente pour tout le monde. Mais essentiellement, nous stylisons les informations que nous avons recueillies à l'étape 1. Cela peut être fait d'un nombre infini de façons. Par exemple, je recueille des tonnes d'informations sur les alpagas et de vous regarder savoir probablement déjà à quoi ils ressemblent. J' ai fait un dossier sans peinture qui a la collection de tous les types d'art de l'alpaga. Peu importe à quel point les styles sont différents, ils se lisent tous comme de l'alpaga. Quelles caractéristiques que cette jolie œuvre d'art ont, qui vous fait penser alpaga ? Le plus évident, c'est qu'il est moelleux et que le cou est long. Aussi le visage étant entouré de fourrures mais étant à la fois à l'intérieur le donne loin et la forme des oreilles. La dernière chose est la façon dont ils ont dessiné le nez et la bouche. Même si c'est très simplifié, ils capturent parfaitement l'essence. Mais par exemple, cette œuvre d'art, même si très mignonne, ne lit pas automatiquement le ventre de l'alpaga. Il ressemble plus à un chat à cause de la façon dont ils ont fait la bouche, les oreilles et le visage. Peut-être que si le cou était plus long et si le visage était séparé du loin, il aurait pu lire plus comme de l'alpaga, mais parce que ce n'est pas le cas, tout ce que je peux penser est chat. Mais peut-être que c'était intentionnel et l'artiste voulait faire un chat en alpaga, ce qui est une idée super mignonne. Le fait est que les choses que vous incluez ou omettez ou modifiez vraiment la façon dont votre sujet est perçu, à vous les détails que vous allez inclure. Mais assurez-vous de faire vos choix intentionnellement pour obtenir le look que vous voulez obtenir un look non accidentel. Remarquez comment tout l'alpaga est réaliste, mais il se lit toujours comme styliser en raison de l'utilisation de la couleur et du motif, et de la façon dont il a été peint. Si vous faites ce travail qui est plus réaliste ou proche de la référence, vous pouvez même ignorer l'étape 2 ou simplement faire un croquis super rapide en notant ce que vous allez faire. Votre solide peut être plus réaliste ou plat, mignon, effrayant, simple ou complexe. Les options sont à vous seules, et je vais vous montrer comment trouver vos préférences dans une future leçon. Pour l'instant, il suffit de remarquer comment chaque artiste a pris l'information de ce à quoi ressemble un vrai alpaga, et l'a fait leur propre en jouant avec des choses comme la ligne, forme, la couleur et la texture. C' est tout ce que c'est styliser. Je joue juste avec des informations. Styliser est quelque chose que vous faites depuis que vous êtes enfant. Lorsque vous interprétez ce que vous voyez comme autre chose que réaliste, vous stylisez. Par exemple, deux lignes dans une forme de nuage ressemblent à un arbre, et les figures de bâton ressemblent à des gens. Ce sont des styles. Notre cerveau est incroyable et interprète ce que nous voyons en quelque chose dont nous nous souvenons. Ne vous laissez pas intimider par l'idée de styliser. Tu l'as déjà fait avant, peut-être pas exprès, mais tu l'as toujours fait. Maintenant, voyons un exemple en direct en stylisant notre perroquet. J' ai commencé avec une grosse tête et un petit corps, quatre proportions cubes. Ensuite, nous affinons les formes et ajoutons des détails. Rappelez-vous que c'est à vous de décider combien vous voulez coller à la vraie photo. Vous pouvez jouer avec vos formes autant que vous le souhaitez, tant que vous la gardez reconnaissable en gardant quelques caractéristiques clés. S' il est difficile pour vous de juger si quelque chose est reconnaissable parce que vous l'avez regardé trop longtemps, vous pouvez toujours partir et revenir plus tard ou faire quelques croquis et demander à quelqu'un d'autre ce qu'il pense que vous êtes dessin. Mais si vous devez demander, n'est généralement pas assez reconnaissable. Mais rendre le bec encore plus grand, il a le champ de perroquet. Remarquez également comment j'ai oublié comment il est libre et dans tel que ajouté un petit détail sur le dessus de sa tête, à la fin de son aile et la queue. Remarquez à quel point la queue sur l'aile est différente de la référence, mais elle a toujours la même essence. Parce qu'ils utilisent des formes similaires, je viens de le faire mien et d'utiliser la répétition et le motif. J' ai également ajouté le contour autour de son œil pour le rendre plus reconnaissable. Maintenant, gardez à l'esprit votre phase d'esquisse immobile lorsque vous commencez à styliser. Vous pouvez faire autant de prises que vous voulez. J' ai fait un nouveau calque et je peaufinais encore plus mon croquis initial. J' ai surtout tweeté sa forme de corps en donnant plus de caractère. Si vous regardez les dessins animés Silhouette Femme, ils ont des courses très fortes en raison de leurs corps formes étant si uniques. La forme est extrêmement puissante. Si vous voulez illustrer dans un style de dessin animé, je vous encourage à étudier autant de dessins animés célèbres que vous pouvez parce qu'ils utilisent les principes de conception et les règles vraiment bien. Maintenant, quand vous le regardez à cause du grand bec et l'alignement autour de ses yeux, vous pouvez déjà penser perroquet, mais si vous voulez le rendre plus évident, vous pouvez utiliser une marque de couleurs appariées. C' est à vous de décider comment vous les utilisez. Je ne les utilise pas de la même façon qu'ils apparaissent dans la référence, mais vous pensez toujours automatiquement perroquet parce que les couleurs sont associées à l'animal et vous n'avez pas mémorisé comment ils ressemblent sur la référence. Je joue juste avec les informations pour faire mon propre minou. Rappelez-vous également qu'il y a plus d'une façon de dessiner quoi que ce soit dans n'importe quel style. Comme ici est une autre façon de dessiner mignon. Caractère complètement différent mais style similaire et tout aussi mignon. Même dans le même style, vous avez des options infinies. Si vous ne comprenez pas comment j'ai fait cela et aimeriez dessiner dans ce style, j'ai plus d'exemples de miens. Vous pouvez dessiner des animaux mignons classe, et ils en ont un pour les gens et les aliments. Mais cela vient vraiment de simplifier et d'exagérer mes observations. La seule façon d'apprendre à le faire est de l'essayer par vous-même. Nous sommes juste traîner à la limite de reconnaissable et styliser en jouant avec le détail et notre imagination. Essayons à nouveau. Mais cette fois, je veux que le personnage soit ludique et magique au lieu de mignon. Je commence en esquissant la forme du corps. Remarquez comment j'ai changé et lissé les lignes qui composent son corps. Ensuite, j'ajoute des détails. N' ayez pas peur de changer les choses, les supprimer ou d'ajouter autre chose. Vous pouvez ajouter un chapeau de sorciers si vous le souhaitez. Cette fois, le bec est plus petit et je lui ai donné de grands yeux. perroquets n'ont pas d'yeux dans la forme, mais vous pouvez vous en sortir en rendant vos yeux aussi uniques que vous le souhaitez. Dans le fait que beaucoup d'artistes utilisent des yeux étranges pour rendre les styles personnels complètement uniques. J' ai décidé qu'elle était assise dans la boule de cristal cette fois. Remarquez comment tout ce qu'il fallait faire était de changer l'angle du pied pour le rendre crédible. Ce n'est rien de fantaisie, juste l'utilisation de mon imagination et de jouer avec les informations visuelles que j'ai déjà. Je continue à peaufiner et puis je fais le croquis final sur le dessus à nouveau. Remarquez comment j'essaie de la faire sentir mystique en utilisant principalement des lignes de courbe. Par exemple, la façon dont j'ai fait la queue, est amusant et il se sent comme il coule comme un sorcier cordes. C' est mon point de vue sur un perroquet magique et ludique. Voyons maintenant comment nous pouvons utiliser les stéréotypes à notre avantage. En donnant ce petit perroquet et un patch pour les yeux, je l'identifie automatiquement comme perroquet. Qu' est-ce que les perroquets ont toujours avec eux ? perroquets. Même si les seules autres caractéristiques que je lui ai donné de notre perroquet est le bec, vous pensez automatiquement perroquet avant même que le dessin soit fait. Je pourrais lui faire n'importe quelle couleur et ajouter encore plus de détails fous et il ressemble toujours à un perroquet. Mais en lui donnant un crochet, on a non seulement cimenté qu'il est un perroquet, mais aussi qu'il ne se sentait pas sinistre et plus comme un personnage. N' ayez pas peur d'ajouter des invites à vos personnages. Mon but est d'être conscient des stéréotypes et de les utiliser à votre avantage. Par exemple, si j'allais mettre un patch oculaire sur un Robin et que je devais faire très attention pour ne pas les faire ressembler à un perroquet. Maintenant que faites-vous si votre style est plus réaliste ? Facile, la même chose exacte. Mais au lieu de travailler à partir de votre esquisse de l'étape 1, que je vous recommande toujours de faire pour mieux comprendre votre sujet, je travaillerais directement à partir de la référence. étape 2 est l'endroit où vous décidez quelle sera votre illustration finale. Est l'endroit où vous pouvez prendre votre temps et jouer avec votre illustration. Ici, je suis plus réaliste, mais en même temps je prends les formes et je les fais miennes. Remarquez comment j'ajoute du style simplement en utilisant un œil différent, en ajoutant des motifs et en jouant avec les formes. Je suis en train de peaufiner les informations à mon goût en ajoutant, en rendant plus complexe, en simplifiant ou en supprimant. Depuis que je suis l'artiste, chaque petit détail dépend de moi et contribue grandement à mon style. Comme vous pouvez le voir réaliste ou non, c'est le même processus de lecture avec l'information. Si vous travaillez en numérique, c'est également le moment idéal pour utiliser un outil liquéfié pour jouer avec les proportions et le placement des entités, ou vous pouvez numériser dans votre esquisse pour le faire, ou esquisser quelques pour choisir un favori. Vous pouvez également expérimenter des jeux de couleurs pour voir ceux que vous obtiendrez sur l'illustration finale. Tout ce que tu veux faire. Vous pouvez jouer avec toutes vos idées. Si vous avez un style plus réaliste comme celui-ci, vous allez à l'étape 2 pour expérimenter et planifier votre composition. esquisse de vignettes fonctionne très bien pour cela. Je vais vous montrer comment je l'utilise dans une future leçon. J' espère aussi que ces exemples vous montrent que vous pouvez vous éloigner de votre référence, tout en conservant l'essence de votre sujet. Rappelez-vous, c'est à vous de décider ce que vous voulez rendre plus simple ou plus compliqué, ou si vous voulez ajouter des choses ou des choses à emporter. Tout est votre choix en tant qu'artistes et vous stylisez dès que chaque changement n'importe quelle petite chose. Styliser, c'est juste changer ce que vous voyez en autre chose sur le papier. Ce que vous aimeriez faire le plus contribuera grandement à votre style. Il suffit d'expérimenter et de voir ce qui colle. Vous n'avez pas non plus à faire les étapes 2 et 3 séparément. En fait, je les fais habituellement ensemble quand j'aquarelle des fleurs en vrac, et ainsi de suite. Comme je l'ai déjà dit, les marches ne sont pas gravées dans la pierre. Rappelez-vous juste que vous aurez votre propre façon de faire les étapes et que vous n'êtes pas limité à mes techniques. Mais pour l'instant, respectez les trois étapes juste pour en avoir une idée. C' est à ton tour de l'essayer par toi-même. Continuez avec le sujet que nous avons commencé dans la leçon précédente en le stylisant. Il est peut-être plus facile d'écrire les attributs qui le rendent reconnaissable, et de choisir ceux que vous utiliserez. Vous pouvez également vous poser quelques questions comme quelle humeur vous êtes vous-même d'être ? Qu' est-ce que l'art aime ? Vous aimez l'art heureux, ou l'art triste, ou l'art effrayant ? Vous pouvez également penser à la distance du réalisme que vous voulez que votre personnel soit. Ou voulez-vous être extrêmement cartoony ou aussi simple que les logos ? Ou voulez-vous juste faire de l'art vraiment beau et complexe, ou des gribouillons super complexes ? Tout ce que tu veux. Le fait est que vous pouvez faire ce que vous voulez pour cette étape. Nous allons en apprendre davantage sur la façon de trouver votre style plus tard, alors ne vous inquiétez pas à ce sujet. Pour l'instant, faites-le comme vous voulez et amusez-vous avec elle. Vous pouvez simplement faire une bande dessinée pour le rendre plus facile pour vous, mais il suffit de jouer avec les informations et de faire cette étape. Amuse-toi bien avec ça. Si vous êtes assez doué pour attirer des gens pour un défi supplémentaire, essayez de faire le défi de style vous-même. Juste défi de style Google et vous verrez un tas d'entre eux qui ont été faites par des artistes super talentueux et vous pouvez voir quels thèmes ils utilisent, et copier ceux-ci et les faire vous-même. Si vous voulez partager ce que vous faites, placez-le dans une galerie de projets. C' est trop difficile pour vous, vous pourriez vous défier en faisant quelques styles différents pour votre sujet choisi. Une fois que vous avez terminé l' esquisse, finissons avec l'étape 3. 6. Troisième étape: étape 3 est d'affiner et d'ajouter des détails et de la couleur, seulement si vous voulez, bien sûr, c'est essentiellement la finition de votre pièce, mais si vous l'aimez grossier et désordonné et que c'est le style que vous allez chercher, c'est bien aussi. Le médium que vous choisissez d'utiliser et la façon dont vous l'utilisez peuvent avoir un effet énorme sur la sensation de votre style. Par exemple, mon médium préféré est l'aquarelle et l'encre, parce que je dessine à l'encre, il fait sentir plus de bande dessinée, et la façon dont j'utilise l'aquarelle est lâche et coloré, ce qui lui donne un sentiment heureux et rêveur. Juste en changeant un peu les médiums, j'aurai une sensation légèrement différente, comme même si cela est toujours fait dans mon style, le crayon au lieu de l'encre lui donne une texture amusante et rugueuse qui est contrastée par les aquarelles lisses, mais que diriez-vous de ces pièces qui sont complètement numériques, même si vous pouvez toujours voir mon style en eux ils ont un sentiment différent de mes morceaux d'aquarelle parce que les médiums sont différents, mais vous pourriez faux aquarelle en pièces numériques. Personnellement, j'aime expérimenter sur beaucoup de médiums différents, et je me garde toujours tout au long en utilisant des techniques similaires comme le garder lâche et coloré. Le support est important, mais il n'est pas aussi important que la façon dont vous l'utilisez, vous pouvez utiliser n'importe quel support et garder un style cohérent si vous utilisez simplement des techniques cohérentes. Mon point est quel que soit votre style, il devrait être bien d'utiliser n'importe quel support que vous voulez avec elle et il sera toujours lisible comme votre style. Par exemple, Heather Martin utilise de la gouache, mais son style n'est pas trouvé dans cet effet, c'est dans la façon dont elle l'utilise. Vous pouvez voir la cohérence du rendu et tout ce qu'elle peint, du senior aux fleurs en passant par les crânes, et si elle allait faire quelque chose de numérique, il aurait le même style. Elle a une façon unique de faire l'étape 2 en simplifiant ce qu'elle voit, mais plus important encore, l'étape 3, mais comment est-elle superposée, utilise la couleur et les coups de pinceau donne à son travail une sensation magnifique et vivante. Un autre artiste, à l'étape 3 unique est Taryn Knight, elle donne à son travail une sensation de croquis et de plaisir avec un crayon et de la peinture pour des touches de couleur, mais remarquez comment ses schémas de couleurs sont muettes partout, la texture et le motif qu'elle obtient par en utilisant ses crayons et d'une certaine manière fait partie de son style de marque. Un autre artiste étonnant qui peut garder son style à travers n'importe quel médium est Bao Pham, il utilisait seulement la gouache et l'aquarelle pour donner vie à ses magnifiques peintures, mais récemment il a commencé à expérimenter avec un crayon de couleur arc-en-ciel et tout son travail se lit encore comme lui, même si le médium est radicalement différent, il a également fait de magnifiques pièces avec juste de l'encre pour Inkober, et même s'ils manquent ses couleurs vives, ils ont toujours le même sentiment pour eux comme son autre travail, le fait est qu'il a une façon spéciale de faire de l'art qui lui est unique, c'est une partie de son style, donc peu importe le médium qu'il utilise, vous reconnaîtrez toujours son travail. J' espère que cela vous a montré que même si le médium que vous utilisez n'a aucun effet dans la sensation de votre travail, il s'agit de la façon dont vous utilisez ce médium et non du médium qu'il s'agit. Le médium est toujours important, il est important de trouver ce que vous aimez utiliser le plus, puis maîtriser les compétences techniques de votre support choisi. Si vous avez déjà un favori et que vous savez comment l'utiliser, c' est génial, si vous ne le faites pas, c'est bon. Je voudrais personnellement apprendre autant de médiums que vous pouvez mettre la main sur et voir ce que vous préférez le plus, peut-être que vous voulez juste travailler numérique, ou avec des aquarelles, ou avec un stylo et de l'encre, ou vous voulez mélanger toutes sortes de , utilisez ce que vous voulez, mais assurez-vous de le maîtriser et d'expérimenter autant que vous le pouvez, vous êtes déjà sur la meilleure plateforme d'apprentissage pour cela, alors ne vous inquiétez pas trop et apprenez et pratiquez simplement. Apprenez tout sur les différentes façons d'utiliser le support choisi et toutes les différentes techniques que vous pourriez faire et étudiez toutes les différentes techniques que vous pourriez faire et l'art des autres pour voir ce qu'ils font, par exemple, il y a tous les fournitures de stylo et d'encre là-bas et ils peuvent tous donner des effets différents. Si vous peignez avec de l'encre, il est complètement différent de l'utilisation de hachures croisées ou pointillées, ou vous pourriez même faire juste des contours simples, mais même alors fermez-vous complètement la ligne ou faites-vous simplement allusion à elle, et utilisez-vous la variation de ligne ou gardez-vous juste mince et ainsi de suite, il y a beaucoup d'options. J' ai un cours sur l'illustration à la plume et à l'encre si vous êtes intéressé à apprendre cela, mais le fait est qu'il y a beaucoup de façons d'utiliser vos fournitures et vous pouvez également découvrir vos propres façons impressionnantes de le faire, par exemple, l'artiste Limzy utilise fleurs et feuilles mélangées avec des illustrations de couleur d'eau normale pour des pièces magnifiques. Peut-être que vous ferez de l'art avec de la ficelle, je ne sais pas quel moyen vous choisirez, mon point est, vous pouvez devenir super créatif à l'étape 3 et peut-être découvrir quelque chose personne d'autre ne fait si vous expérimentez et gardez l'esprit ouvert, mais vous n'avez pas à faire quelque chose de différent, c'est à vous de décider, j'ai essayé beaucoup de médiums, mon préféré reste l'aquarelle à ce jour parce que j'adore l'utiliser tellement. suffit de trouver quel moyen vous aimez utiliser le plus et de le maîtriser, puis de l'incorporer dans votre style. Voici un exercice amusant que vous voudrez peut-être essayer pour vous montrer à quel point l'étape 3 peut être importante et variée, si vous ne voulez pas essayer, c'est bien, regardez ce que je fais. J' ai esquissé la même forme de fraise plusieurs fois, nous pouvons tous convenir que la forme et les tiges sont dessinées dans le même style, et maintenant nous allons voir comment en coloriant simplement les fraises en utilisant différents moyens et techniques, nous pouvons avoir des sentiments complètement différents. Ce premier se sent comme un enfant coloré avec un crayon et j'ai utilisé de l'encre pour contour lâche et ajouté le visage mignon, remarquez comment je coloriais en dehors des lignes. Le second est fait avec les mêmes crayons de couleur, mais cette fois je les ai utilisés pour le tracer à la place, et j'ai fait quelques fois pour rendre la ligne plus épaisse. Il est toujours lâche mais il a une sensation amusante. Les quatre suivants sont faits avec de l'aquarelle, remarquez comment, même si j'utilise les mêmes couleurs, ils sont tous un peu différents parce que j'utilise des techniques différentes, même de légers changements dans la façon dont vous illustrez feront une grande différence, celui-ci a une sensation croquante au contour et j'utilise un marqueur pour le colorer et l'esquisser aussi, sur le but bien sûr, remarquez comment cela se sent complètement différent des précédents, mais c'est toujours mignon, je n'aime pas comment celui-ci s'est avéré que c'est si loin de mon style, mais il est bon d'essayer différentes choses, et vous avez la possibilité de faire de l'art noir et blanc à contraste élevé, et remarquez comment même si la même forme de fraise, il s'est arrêté être mignon et devenu plus, peut-être, effrayant ou dramatique, lorsque vous faites cet exercice, n'ayez pas peur de revenir dans les fraises précédentes et ajouter d'autres médiums ou couches, pensez à cela comme une page de plaisir sans règles, alors faites tout ce que vous vouloir. Notez que l'aquarelle n'était pas encore complètement sèche ici, donc cela peut sembler fines lames avec l'encre. Maintenant, la prochaine est faite à la gouache, et le plus amusant à ce sujet est que vous pouvez la superposer autant de fois que vous voulez, donc si vous êtes le genre à faire beaucoup d'erreurs ou d'ajustements, un médium comme la gouache peut être parfait pour vous, vous pouvez également le faire avec de l'huile acrylique ou de la peinture numérique. Ce suivant est aussi de la gouache, mais je l'ai utilisé lâchement, comme je le fais mes aquarelles. Celui-ci est un contour de crayon, mais parce que j'ai rendu les lignes plus fines et les points à l'intérieur en lignes avec de minuscules points marqueurs, il semble différent de notre deuxième exemple. Celui-ci est juste des motifs puis avec des pointes fines, cela pourrait être super amusant à faire si vous aimez complexe ou faire l'art, et ce n'est qu'un exemple. Celui-ci est fait avec des marqueurs Crayola simples, donc c'est aussi mignon et doodley, et remarquez comment je ne l'ai pas colorié parfaitement à nouveau, et ce suivant je l'ai esquissé très messily et ensuite peint avec beaucoup de eau et peu de peinture pour le lavage léger, le Entwistle blanc, donc j'ai eu le même effet que précédemment montré, mais inversement, c'est en fait mieux parce que je ne vais pas ruiner mes stylos microns. Remarquez comment j'ai peint en dehors des lignes exprès pour une sensation plus amusante, et j'aime vraiment comment celui-ci s'est avéré. Le suivant était dans le moulage rapide à l'encre en utilisant variation de ligne amusante dans des lignes légèrement tremblantes. Celui-ci a été fait avec de la gouache comme si c' aquarelle et ajouté encore plus d'eau pour une texture, et ce suivant a été fait avec des marqueurs Copic, je ne suis pas expert en eux, mais vous pouvez obtenir des gradients très lisses et un peint sans peinture, ils sont particulièrement parfaits pour ajouter de la dimension à votre travail ou un ombrage lisse, ombrage est aussi quelque chose que vous devez considérer pour l'étape 3, allez-vous l'inclure, ou vous allez rendre votre travail plus plat ? Ce dernier a été fait avec de l'aquarelle et puis je suis retourné et jouer avec l'autre façon. J' ai fini et ce sont les morceaux finis, comme vous pouvez le voir, beaucoup d'entre eux ont mon style pour eux, même si j'essayais d'être très, parce que naturellement je vais faire ce qui est ma façon préférée de faire les choses, et vous pouvez certainement dire que l'encre et l'aquarelle sont mes médiums préférés, même si j'ai essayé d'en utiliser d'autres, je suis toujours revenu à eux, mais je remarque quand même comment ils sont tous différents, même si notre croquis original était le même, c' est une puissance de l'étape 3, sont mes favoris de tous ces, et si jamais je les trouve encore plus, ce sont mes favoris absolus. Si vous faites cet exercice, faites la même chose, choisissez ceux que vous aimez le plus, prenez une idée de quel médium serait votre préféré à utiliser de quelle manière, utilisez autant de médium que vous voulez et faites cela autant de fois que vous le souhaitez. Si vous manquez d'inspiration regarder l'art des autres, regardez l'art de vos artistes préférés et voir quels médias ils utilisent comment ils les utilisent, cela ne vous donnera pas seulement plus d'idées sur la façon dont l'étape 3 peut être fait, mais aussi il vous fera pensez à ce que vous aimez le plus visuellement. La chose importante à réaliser est qu'il y a beaucoup de façons de finir votre pièce, même dans les mêmes médias. Nous en parlerons plus dans une future leçon, mais si vous ne savez vraiment pas quel moyen utiliser, regardez vos artistes préférés et ce qu'ils utilisent, mes favoris absolus utilisent l'aquarelle ou la gouache et j'ai essayé les deux, mais les aquarelles semblent être plus amusantes pour moi, mais honnêtement, j'ai déjà essayé tous les supports sous le soleil et l'aquarelle est celle que je reviens toujours, aquarelle est mon support préféré à utiliser, mais je ne saurais pas que si j'ai essayé autant de médiums, alors essayez autant que vous le pouvez, et les pratiques peuvent techniques que vous ne pouvez pas pour voir ce qui fonctionne le mieux pour vous. Maintenant, il est temps de terminer ce que vous avez commencé dans les deux leçons précédentes avec l'étape 3, ne vous inquiétez pas tant que ça se passe bien, c'était juste un exercice, alors n'ayez pas peur de jouer avec la façon dont vous finissez votre pièce. Si vous avez fait l'exercice avec les fraises vous-même, utilisez votre façon préférée, sinon, utilisez simplement votre médium préféré et jouez avec. Finissez simplement dans n'importe quel milieu vous semble naturel et n'importe quelle façon vous semble naturel et amusez-vous avec elle. Si votre croquis de l'étape 2 est très désordonné, suffit d'obtenir une boîte lumineuse et de tracer dessus avec un nouveau morceau de papier, puis de terminer votre pièce. Une fois que tu as fini, tapote-toi sur le dos, tu as juste stylisé quelque chose de complètement, quel point c'est cool ? Vous voulez partager ce que vous avez fait avec moi et les autres étudiants, le télécharger dans la galerie du projet. Maintenant, mettons les trois étapes ensemble avec un exemple en temps réel de la façon dont je les utilise dans mon propre art. 7. Illustrons une scène entière !: Maintenant que vous savez comment styliser à partir d'une référence, regardons comment je vais faire pour une œuvre d'art complète d'une scène entière. Je ne dis pas que tu pourras faire ce que je te montre tout de suite. Prenez des pas de bébé, bien sûr, mais aussi vous défier de ne pas simplement copier une référence et de la faire vôtre. C' est juste une compétence que vous devez pratiquer. Par exemple, je prends cette référence d'une fille avec son nounours et je l'ai fait mienne en rendant le nounours très grand, et la fille comme un jouet. Tout ce que j'ai fait, c'était jouer avec les proportions et le placement. C' est toujours les trois étapes simples à sa base. Jouer avec ce que vous voyez et faire le vôtre, est juste une compétence qui prend de la pratique tout comme styliser. En fait, c'est une compétence très similaire et vous vous améliorerez avec la pratique. Je te promets que c'est plus facile que ça en a l'air, alors essaye-le chaque fois que tu t'assois pour dessiner. La première chose que je fais habituellement lorsque je fais un morceau avec beaucoup d'éléments est un croquis miniature. J' ai un cours rapide sur le sujet, mais c'est essentiellement un petit dessin dans lequel je peux planifier ma composition. Comme vous pouvez le voir, c'est super salissant et esquisse. Je planifie juste si je vais mettre des choses, et si vous avez une autre chose précise que vous voulez inclure, c'est le bon moment de le noter. Comme si je ne savais pas à quoi ressemblera le visage de la fille et à quel angle ça va être. C' est juste une petite fée assise sur un gros rocher avec deux allèles de la vallée fleurs autour d'elle. Remarquez comment j'ai fait les fleurs sur le côté droit plus grand que le côté gauche, trouvera que plus dans le deuxième croquis. Vous pouvez en faire autant que vous le souhaitez pour explorer l'idée plus loin. Mais j'étais content de cela, et regardez comme c'est simple. Maintenant, je suis prêt à rassembler mes références. Comme il sera complètement stylisé, je peux utiliser n'importe quelle image que je trouve, donc j'utilise des images Google. La première chose que je Google est une fille assise pour que je puisse trouver une bonne pose pour la fille. Je vous recommande également Google pose pour n'importe quel personnage que vous faites, ce soit un animal ou un fruit. Si vous envisagez de l'humaniser et de le garder crédible, vous devez copier des poses humaines. Par exemple, dans mon vous pouvez faire glisser la classe de gens mignons, je vous ai montré comment le faire facilement en utilisant quelques techniques, et vous pouvez utiliser la même technique dans n'importe quel personnage. Ce n'est que l'observation et la simplification. Si vous voulez piéger les tuyaux de votre tête, vous devrez passer d'innombrables heures à dessiner des poses différentes ou à dessiner des gestes, et étudier l'anatomie humaine. Mais cela peut certainement être fait, cela prendra juste beaucoup de temps. J' ai aimé deux photos de poses et de les sauver. Ensuite, je regarde la fleur que je veux utiliser et j'enregistre aussi quelques photos de celle-ci afin que je puisse avoir une bonne idée de comment elle ressemble à différents angles. Je garde aussi une photo d'une forêt avec des rochers mousseux pour l'inspiration, et la dernière chose était un costume de fée. Je trouve celui-ci vraiment mignon, et je vais faire une tenue inspirée par elle, mais ce ne sera pas une copie de celui-ci. J' ai toutes ces images enregistrées sur mon iPad et je suis prêt à les écraser ensemble en utilisant l'observation et l'imagination. J' ai mon iPad devant moi sur un simple support que je puisse facilement voir mes références et passer de l'un à l'autre. Une autre alternative est simplement d'utiliser votre téléphone et le placer juste à côté de vous ou d'avoir un écran d'ordinateur devant vous, ou vous pouvez également imprimer vos photos. C'est à vous de décider. Je suis prêt à dessiner mon dessin, et je le fais en feuilletant les images et en stylisant chacune directement sur la page. Maintenant, on dirait que j'ai sauté la première étape, mais c'est parce que j'ai eu de nombreuses années de pratique pour définir des images, et cela a atteint le point où je peux voir toutes les choses importantes dans les formes dans ma tête. Vous arriverez à ce point si vous n'êtes pas déjà là. C' est juste le temps et la pratique. Une fois que vous êtes vraiment bon à observer, vous n'avez pas besoin de faire un croquis de votre sujet avant de styliser, mais l'étape 1 sera toujours faite dans votre tête. Dans la deuxième étape, je peux jouer avec ce que je veux faire. Comme vous pouvez le voir, je passe par les références, puis retourne à la page et j'esquisse ma scène. Il est transparent, et les références ne sont qu'un outil. Ils sont là pour que je fasse mon art basé sur eux, basé sur la réalité. Mais je les simplifie beaucoup et les fais dans mon style simple mais mignon afin qu'ils ne soient plus reconnaissables à partir des références, mais c'est toujours crédible parce qu'ils sont basés sur la réalité. Je peux jouer avec les lignes, les formes et les choses comme ça, mais je garde l'anatomie générale de choses comme les fleurs et la fille pour les rendre crédible. En outre, le croquis lors de l'étape 2 n'a pas besoin d'être super détaillé. C'est une autre chose que j'ai obtenu très bon au fil des ans. Je peux le rendre extrêmement désordonné et juste marquer ce que sont les formes, et quand j'encris ou aquarelle, j'ajoute le détail dans les bons endroits. J' utilise juste une phase d'esquisse pour marquer où les choses sont dans les proportions qui sont correctes. Mais c'est peut-être différent pour toi. Peut-être que vous sautez complètement l'esquisse ou peut-être que vous voulez esquisser super précisément et que votre illustration entière soit planifiée en premier. Peut-être que vous faites quelques croquis et tracez chacun jusqu'à ce que vous l'affiniez davantage. C' est ce que tu veux. Votre processus artistique sera différent du mien et de celui de tout le monde, faites simplement votre propre chose et voyez ce qui fonctionne le mieux pour vous. Gardez à l'esprit que cette étape consiste à effacer, refaire les choses, et à s'assurer que tout est là où vous voulez qu'il soit et qu'il soit correct. Vous jouez vraiment avec le concept dans une taille plus grande que votre croquis miniature. Une fois que j'ai fini de dessiner et que je me sens satisfait de l'endroit où se trouvent les choses, je suis prêt à l'encre. Dans cette illustration particulière, étapes deux et trois sont mélangées parce que je suis déjà en train de peaufiner, mais je suis toujours à la phase de stylisation. Comme je l'ai déjà dit, ces étapes sont écrites dans la pierre et vous les ferez de votre manière unique. Par exemple, mon cours de fleurs d'aquarelle, je vous montrais comment vous pouvez regarder une référence et la peindre brillante sur la page dans votre propre style tout de suite. Cela a sauté les trois étapes et est allé directement à la stylisation. Mais les trois étapes sont supposées rendre les choses plus simples quand vous êtes un débutant. Alors utilisez-les d'abord si vous n'êtes pas à l'aise avec cela. Je m'encris, et les références sont toujours aussi importantes qu'elles l'étaient avant. Je regarde le détail d'eux maintenant au lieu des formes générales. Mais je peux aussi jouer avec d'autres choses et ne pas utiliser références parce que je les ai dessinées avant et me rappeler comment le faire. Ou je peux m'en sortir avec ce que je veux être cohérent dans mon style. Par exemple, sa coiffure est complètement composée de ma tête, même chose avec le bas de sa robe, les rochers et les feuilles ajoutées en haut. Mais je dessine rarement des gens, donc j'ai vraiment besoin de références. Même chose avec les fleurs. Je les ai dessinés peut-être une ou deux fois avant de ne pas mémoriser à quoi ils ressemblent, donc j'ai encore besoin d'utiliser des références. Mais si vous dessinez la même chose encore et encore comme un oiseau, par exemple, si vous aimez simplement dessiner des oiseaux et que c'est tout ce que vous dessinez, vous obtiendrez si bon que vous pouvez faire votre propre espèce. Remarquez comment les fleurs sont faites très lâchement. Je ne m'inquiétais pas trop de les rendre super précis puisque c'est stylisé. En fait, j'ai juste étudié à quoi ils ressemblent dans les références et ensuite j'ai fait ma propre chose. Une fois que vous comprenez les formes et comment elles regardent les différents angles et comment les fleurs se connectent à la tige, vous pouvez très rapidement le dessiner, et il sera toujours crédible même si vous n'avez pas copié et juste mettez-les où vous vouliez. Comme je l'ai dit, toute cette classe est d'observer et de faire votre propre truc. J' ai aussi décidé d'ajouter des ailes, et j'ai cherché une autre référence pour cela. Vous pouvez toujours obtenir plus de références si nécessaire lors du dessin. Maintenant que j'ai fini l'encrage, je peux retourner avec mon médium préféré et peindre dans la scène. Maintenant, j'en ai complètement fini avec l'étape 2, et je suis entièrement à l'étape 3. Si vous voulez apprendre à colorer l'eau, j'ai un cours que vous pouvez vérifier. Mais comme je l'ai déjà dit, la médiane que vous utilisez n'a pas autant d'importance que la façon dont vous l'utilisez. Je n'ai pas regardé mes références du tout en peignant parce que mon style est super coloré et ne correspond pas à la réalité. Je peux faire ce que je veux dans ma phase de coloration. A moins que vous ne soyez pour le réalisme, vous ne devriez pas avoir à regarder vos références non plus. Mais soyez prudent et n'essayez pas de rassembler un tas d'images avec éclairage différent dans une scène, puis de les ombrer de façon réaliste en copiant chacune d'elles. Si vous voulez le faire, vous devez apprendre les bases de l'ajout d'une source lumineuse à votre scène, puis suivre ces règles. Vos références ne sont utiles que pour vous dire à quoi ressemblent les sujets en 3D. Mais vous ne pouvez pas placer plusieurs objets avec éclairage différent dans une scène et les ombrer de la même manière. Ça aura juste l'air vraiment mauvais. Mais si vous copiez un paysage, par exemple, d'une seule photo, vous pouvez copier complètement l'éclairage et il restera crédible, et c'est aussi une excellente façon d'étudier la lumière. Habituellement, je n'ajoute aucune source de lumière à mes scènes, mais pour celle-ci, j'ai fait un léger ombrage comme si la lumière venait de haut à gauche puisque les fleurs semblent mieux avec la légère ombre. Remarquez que je n'ai pas ombragé sa peau, les feuilles sont ses ailes. Je n'ai que légèrement ombragé sa robe et les rochers. Je suis l'artiste, donc c'est à moi si je veux inclure quelque chose, et je n'ai pas à suivre toutes les lois de la physique parfaitement si cela n'aide pas ma composition, autant plus que mon style est lâche. J' ai fini la pièce avec des crayons de couleur et stylo gel blanc et regardez comment elle est adorable. J' utilise de nombreuses références de façon transparente, et j'ai utilisé mon imagination mélange avec eux. C' était un outil qui m'a aidé à mettre en place la scène que j'imaginais dans ma tête. Les références aident à garder votre travail crédible et réaliste même s'il peut être stylisé comme vous le souhaitez. Essentiellement, j'ai pris un tas d'informations et ai donné vie à mon idée en jouant avec elle. C' est tout ce que c'est styliser. J' applique juste les mêmes règles ou méthodes exactes de mon style à chaque chose dans la composition pour le garder cohérent. De cette façon, si vous gardez tout ce que vous rendez cohérent, vous avez un style définissant. J' espère que cette leçon vous aidera à voir comment vous pouvez faire un morceau de travail fini dans votre style en utilisant des références. Maintenant, apprenons quelque chose que vous attendiez pour toute cette classe. Allons voir comment trouver votre style. 8. Trouver votre style: Maintenant que vous savez comment fonctionne le processus de stylisation, entrons dans la recherche de votre style. Je vais vous donner une idée incroyable de la façon d'y arriver. Je sais que cela a fonctionné pour moi et pour d'innombrables autres. Mais si vous avez votre propre chemin, restez fidèle à cela et faites votre truc. La vérité simple est que votre style sera étroitement lié à l'art que vous aimez le plus, et sera probablement un mélange des styles qui vous inspirent le plus. Essentiellement, il aura des similitudes avec vos styles d'artiste préférés. Ça a le grand secret pas si secret. Mon conseil est de commencer à collecter tout l'art qui vous inspire le plus, le meilleur endroit pour faire qui sont Pinterest ou Instagram, puisque vous pouvez enregistrer des choses en groupes, mais tout ce que vous aimez fera. Vous pouvez même garder un dossier sur votre ordinateur en cherchant ce que vous aimez, non seulement en exposant votre cerveau à plus d'inspiration, mais aussi en indiquant pourquoi vous aimez cet art. C' est là que l'étape 1 entre à nouveau. Nous devons observer et étudier ces œuvres d'art pour comprendre ce qui les fait cocher. Copier l'art en le dessinant sous forme de croquis rapides ou détaillés ou même en le copiant parfaitement avec le médium deux, sera le meilleur outil d'apprentissage absolu. Non seulement vous apprendrez à mieux dessiner, mais nous verrons aussi si vous aimez dessiner de cette façon, et nous déconstruirons le travail afin qu'il soit plus facile comprendre pourquoi et ce que vous aimez exactement. Il ramènera également des tonnes de techniques que les artistes les plus expérimentés utilisent. Nous comprendrons les règles de leur style plus intimement. Il est tout à fait correct de copier d'autres artistes art des fins d' étude tant que vous n'avez jamais partagé comme le vôtre. En fait, je recommande de ne pas le partager du tout. Pour cela utilise un carnet de croquis secret ou du papier que vous alliez recycler de toute façon. Je le fais jusqu'à ce jour pour comprendre la façon dont les autres artistes utilisent la ligne, forme, le design et la couleur. Une fois une déconstruire une tonne de pièces, vous aurez une meilleure idée de la façon dont ils ont été créés et ce que vous avez aimé le plus à leur sujet, vous comprendrez quelles techniques et règles le style se compose. L' important est de copier beaucoup d'artistes différents, pas seulement un ou deux. Je vais répéter ça parce que c'est très important. Copiez beaucoup d'artistes différents, pas seulement un ou deux, mais peut-être 10, 20 ou même 100. C' est important parce que vous ne voulez pas que votre style soit fortement influencé par un artiste particulier. Si cela se produit, vous risquez d'avoir un style trop proche du leur ou une copie du leur, ce qui est extrêmement mal à faire moralement et de façon créative. Mais si vous étudiez beaucoup d'artistes différents sans se concentrer sur personne spécifique, vous combinerez naturellement ce que vous aimez le plus dans chacun d'eux, et dans le processus crée quelque chose de complètement unique, parce que vous allez naturellement ajouter votre propre torsion à elle sans même essayer. Nous avons tous une façon spéciale de nous exprimer, et vous aussi. Il n'y a rien de mal ou de bizarre dans ce conseil, car qu'ils en soient conscients ou non, 99 % des artistes là-bas, je ne sais pas qui est le 1%, je suis sûr que c'est 100. Mais 99 pour cent des artistes sont influencés par leurs œuvres d'art préférées et les artistes qui leur ont précédé. De plus, vous continuerez à évoluer au fil du temps, et vous ne devriez pas l'empêcher de le faire. La seule raison pour laquelle vous devriez garder un style comme si vous étiez déjà un artiste professionnel, et vous offrez un service qui nécessite un style comme dans l'illustration commerciale ou la bande dessinée. Sinon, laissez votre style faire sa propre chose. Il est vivant, laissez-le respirer, laissez-le grandir. C' est bon et fortement encouragé d'expérimenter et d'essayer de nouveaux styles aussi. Tu ne sais jamais ce que tu aimes plus. Tu n'as pas à t'en tenir à une chose à moins que tu ne le veuilles vraiment. Personnellement, j'aime jouer avec un couple de styles différents qui évoluent toujours. Je crois qu'il ne faut pas être limité dans ton art et ne pas se sentir contraint comme si tu n'étais qu'une seule façon. C' est un concept stupide, vous pouvez avoir autant de styles que vous le souhaitez. Mais si vous voulez juste en avoir un qui est super cohérent, c'est bon aussi. C' est à vous de décider. Le but est de vous donner la liberté de faire ce que vous voulez faire. C' est ton art après tout. Pour résumer, trouvez l'art que vous trouvez inspirant de nombreux artistes différents et étudiez-le ou copiez-le, mais ne le montrez jamais à personne. C' est juste à des fins d'étude. Vous apprendrez naturellement comment vos artistes préférés pensent et créent, et cela ira dans votre subconscient. Au fil du temps, non seulement vous deviendrez un meilleur artiste plus rapidement, mais vous apprendrez de quelle façon vous aimez créer le plus. Heures supplémentaires et complètement naturellement, vous y mettrez votre propre touche et vous serez laissé avec votre propre style unique. Mais cela ne se produit pas du jour au lendemain, il faudra du temps pour arriver au point de savoir ce que vous voulez faire. Faites autant d'études qu'il peut, mais en même temps expérimentez aussi. Essayez de nouvelles choses et mettez les trois étapes utilisées en les faisant sur des sujets que vous trouvez inspirants. Stylisez ce que vous voyez à votre manière en essayant de nombreuses techniques différentes, jusqu'à ce que vous trouviez lesquelles fonctionnent et celles que vous appréciez le plus. Expérimentez et jouez autant que vous le pouvez. Cela vous aidera non seulement à trouver votre voix plus rapidement, mais nous vous rendrons beaucoup plus amusant de trouver votre style, et qui connaît vos techniques sympas que vous découvrirez. Laissez cela arriver et soyez patient, mais continuez aussi à essayer tous les jours. Vous le trouverez plus vite si vous dessinez plus. Pratiquez et étudiez autant que vous le pouvez, profitez du voyage. À mon avis, c'est le moyen le plus rapide de trouver votre style, mais ce n'est pas le seul moyen. Il y a d'innombrables façons de le trouver. En fait, si vous n'avez même pas essayé de faire de l'art tous les jours au fil des années, cela se pencherait sur le côté sans effort conscient. Cela vient toujours naturellement au fil du temps, mais la méthode que j'ai montrée est un moyen d'accélérer le processus. C' est comme un raccourci parce que même si les artistes n'en sont pas conscients, ils sont toujours inspirés par leurs pairs ou ceux qui les ont précédés. Nous étudions inconsciemment chaque œuvre d'art avec laquelle nous entrons en contact, faisant une étude consciente de cette inspiration, vous accélérez le processus de recherche de votre propre style. Il n'y a pas de solution rapide magique pour le trouver, mais vous ne pouvez pas accélérer beaucoup le processus en étudiant autant d'art inspirant que vous pouvez obtenir vos mains. Il suffit de faire au moins 15 minutes par jour d'études et vous commencerez naturellement à mettre en œuvre les techniques et le vocabulaire visuel que vous apprenez. Encore une fois, la chose la plus importante est de ne pas partager ce que vous copiez et de copier beaucoup d'artistes différents, heures supplémentaires vous trouverez votre style. Vous ne remarquerez peut-être même pas tant que quelqu'un ne le signale pas. Mais en attendant, continuez pratiquer et à essayer de faire votre propre art en soi, chaque fois que vous obtenez le temps libre pour faire de l'art. moment, vous avez ce style aussi, est juste la façon dont vous aimez faire l'art le plus. Ne vous inquiétez pas de faire des erreurs ou de faire de l'art laid. Tout le monde fait de l'art laid même votre artiste préféré qui ont des années de pratique. Adoptez vos erreurs et continuez à expérimenter et à essayer de nouvelles choses. On ne sait jamais ce que tu découvriras. Gardez également à l'esprit que même si vous avez l'impression que vous n'avez pas de style, la graine est déjà plantée et un jour vous allez regarder en arrière et réaliser que vous l'avez toujours eu. Ne le forcez pas, et n'ayez pas peur que vous soyez le seul à ne jamais le trouver. C' est déjà avec vous, vous avez juste besoin de le développer plus loin. Soyez patient et profitez de la balade. C' est tellement amusant d'apprendre une nouvelle compétence, et c'est le meilleur sentiment au monde, et honnêtement, le voyage est toujours bien meilleur qu'une destination. C' est mon point de vue pour trouver ton style, et j'espère que ça t'aidera. Maintenant, il est temps de finir le cours. 9. EXERCICE AMUSANT EN PRIME: Voyons maintenant un exercice amusant que vous pouvez faire pour aider votre style à évoluer plus rapidement, apprendre de nouvelles techniques et booster vos compétences de dessin et d'observation. C' est l'un des moyens les plus rapides pour voir les résultats. Pour commencer, choisissez une photo de référence de quelque chose que vous aimez dessiner ou que vous voulez apprendre à dessiner. Comme vous pouvez le voir, j'aime illustrer les lapins, donc c'est ce que j'ai choisi. Si cela aide à l'étudier d'abord en le décomposant en formes simples, puis il est temps de le styliser comme ils le feraient normalement en le dessinant au mieux de vos capacités dans votre style. Maintenant, si votre style est réaliste, c'est bien aussi. Si tu as l'impression que tu n'en as pas, c'est bon. Faites de votre mieux pour le dessiner dans votre style, même si vous avez l'impression que vous n'en avez pas. Cette étape est importante car elle vous aidera à voir les résultats de cet exercice, car vous allez le comparer à votre futur dessin. J' ai fait un croquis rapide du lapin fait dans mon style. Vous pouvez voir que j'ai déjà un style fort, mais cela ne veut pas dire qu'il n'a pas de place pour grandir ou évoluer ou pour que de nouvelles idées apparaissent. Maintenant mettons cela de côté et il est temps de trouver un art inspirant. J' ai utilisé Pinterest pour rechercher l'art de lapin mignon dans tableau compilé de lapins dessinés dans des styles que je trouve inspirant. Vous pouvez collecter autant d'art que vous le souhaitez. En fait, plus vous étudiez d'art, mieux c'est. Assurez-vous de varier vos artistes. Ne vous contentez pas d'en copier un. Une voix unique brillera toujours à travers, mais vous devez faire attention à ne pas vous inspirer trop par une personne parce que les chances sont que cela ressemblera à une copie, ce ne sera pas votre vraie voix unique. Aussi, il est moralement mal de copier complètement d'autres styles d'artistes. Tu dois trouver le vôtre. Maintenant, regardez à travers votre art inspirant et choisissez les pièces que vous aimez le plus, et étudions-les. Je fais cela dans la procréation sur l'iPad et c'est super facile à faire sur n'importe quelle tablette. Si vous le faites traditionnellement, vous pouvez réduire l'opacité de l'illustration dans un logiciel de retouche d'image comme Photoshop, puis l'imprimer. Vous pouvez utiliser un crayon, un stylo, marqueur ou tout ce que vous voulez l'étudier en dessinant sur le dessus comme je le fais. Notre première œuvre d'art est celle de Lauren Faust, qui est aussi la créatrice de la série animée My Little Pony Friendship is Magic. Elle travaille dans l'animation, sorte que vous pouvez dire que son design de personnage est très simple et facile à dessiner sous différents angles. La première chose que j'ai remarqué est la forme simple du corps de haricot et la forme amusante pour la tête. Aussi, j'aime la courbe des oreilles et comment ils font une forme de V. J' aime aussi la façon ludique qu'elle a dessiné la queue en utilisant une ligne dudly. Ça lui donne une sensation floue. La façon dont elle a dessiné l'aliment de pose est si simple et pourtant polyvalente que ses expressions faciales expressives. C' est une pro qui utilise des formes simples et fortes. J' ai aussi aimé la grosse tête à petit rapport corporel. Plus vous étirez cela, le personnage est mignon. En outre, j'ai remarqué que les oreilles sont toujours à un angle sur la tête, même si elles sont presque droites, ce qui lui donne beaucoup de caractère, même si ce n'est pas réaliste. Ce sont les choses que j'ai remarquées quand j'ai regardé ça. Mais gardez à l'esprit que ce qui attire votre attention sera différent. Je suis essentiellement en train d'étudier comment elle illustre et de voir ce que j'aime le plus. N' oubliez pas de garder cela à l'esprit lorsque vous étudiez l'art et faites simplement ce qui vous semble bon. Nous étudions simplement les styles et les techniques d'autres artistes pour voir ce qui jives avec notre style. Maintenant, refaisons-le avec une autre œuvre d'art. Celle-ci a été faite par un artiste nommé Neko, mais je n'ai pas pu trouver leur site web ou leur art sur Internet. Si vous le trouvez, assurez-vous de laisser un commentaire dans le forum de discussion pour que je puisse les créditer. On fait la même chose, qui est juste l'étudier. Cette fois, il est beaucoup plus facile d'étudier les formes parce que c'est si simple. Une fois que je le fais, je décide que ce que j'aime vraiment dans cette pièce est le travail de ligne. Une chose amusante à faire qui est vraiment bénéfique, mais a un mauvais emballage est le traçage. C' est vraiment bon à faire parce qu'il obtient votre main pour sentir exactement comment l'artiste crée ses lignes. Cela est extrêmement bénéfique pour votre mémoire de masse et il vous aide à étudier les techniques d'autres artistes plus en détail. Il y a tellement de choses qui peuvent être faites avec la ligne. Un très bon exemple de ceci est que si vous comparez les croquis Van Gogh aux croquis Leonardo Da Vinci, vous voyez une énorme différence. La façon dont ils utilisent la ligne est unique pour eux comme pour chaque artiste là-bas. Les lignes peuvent être très expressives et puissantes. En étudiant comment les autres artistes utilisent la ligne, vous aurez une meilleure idée de ce que vous aimez et de ce que vous n'aimez pas. Non seulement cela augmentera la vitesse à laquelle vous trouvez votre style et votre écriture personnelle, mais il vous permettra également de vous familiariser avec différentes techniques. Vous serez en mesure de combiner ceux que vous aimez le plus , puis de mettre vos propres rebondissements spéciaux juste en étant vous. Ce qui me distingue dans cette pièce, ce sont les lignes lisses et la façon dont ils touchent à peine certaines parties. J' aime aussi vraiment la forme de l'oreille, surtout comment une ligne est droite et l'autre courbe. Cela le rend plus intéressant à regarder. Aussi la forme de la tête a des joues incluses, ce qui est fait avec des cercles simples, mais ajoute beaucoup à la gentillesse. L' expression du visage est simple et pourtant émotive. Avec à peine aucun ombrage dans les lignes, vous pouvez sentir l'émotion. J' ai l'impression d'avoir assez étudié cette pièce. Alors passons à la suivante. Celle-ci est d'Eloise Narrigan, et c'est juste une barre oblique d'étude qui s'échauffe. Mais j'aime vraiment combien ces lapins sont délicats et vivants. La première chose que je remarque est la forme de la tête. Ils arrivent à un point. Aussi le point simple pour les yeux qui montre sur la partie inférieure du visage le rend encore plus mignon. La façon dont elle a utilisé des lignes extrêmement simples et élégantes pour simplifier des poses complexes m'inspire beaucoup. Ils coulent très bien d'une partie du corps à l'autre. Ils se sentent toujours crédible et vivant et comme ils bougent. J' ai fait un zoom avant pour étudier plus en les traçant, comme je l'ai déjà dit, traçage est un excellent moyen d'apprendre comment d'autres artistes utilisent la ligne et peut être super bénéfique pour grandir rapidement. J' aime juste combien ils sont délicats et en les traçant, j'ai aussi eu une bonne idée de la façon dont les lapins bougent et de leur anatomie. Notre prochaine œuvre d'art est de Heather Sketcheroos. Celui-ci est très différent des autres que j'ai trouvé inspirant, mais je l'ai toujours aimé et j'ai pensé qu'il était super adorable. Je veux étudier plus. Si vous trouvez quelque chose qui est très loin de votre style, mais que quelque chose à ce sujet vous attire, assurez-vous de l'étudier car il y a probablement un concept ou un outil ou une idée ou une technique qui est utilisé que vous pouvez apprendre de. J' aime comment le corps est une forme et où le cou relie le corps et c'est une grosse tête. Mais le premier détail réel que je remarque est les yeux énormes et super détaillés. Je fais généralement des lignes simples ou des points pour les yeux, donc c'est très différent de moi-même, mais extrêmement mignon. J' aime aussi comment elle a rendu la bouche et le nez super minuscules et les formes simples qu'elle utilisait pour le visage, les pattes et les oreilles. Un autre trait notable est le flou. J' ai noté ses observations et je décide que j'aime vraiment comment elle a utilisé la ligne, et comment puis-je l'étudier ? En le traçant. Ses lignes sont très différentes des autres artistes que nous avons étudiés jusqu'à présent. C' est parce que tout le monde a une façon très unique de dessiner ou d'écrire à la main spéciale. Vous l'avez aussi, vous n'avez pas encore complètement développé. Plus vous étudiez d'artistes de cette façon, plus vous aurez à choisir parmi les techniques de votre propre écriture spéciale, vous la développerez naturellement en appréciant une certaine façon d'illustrer plus qu'une autre. En traçant beaucoup d'artistes, vous vous donnez plus d'exposition, choses que vous pouvez faire, et il sera plus facile de trouver votre style préféré. Je veux probablement utiliser ce genre de ligne à nouveau dans mon travail. Mais c'était toujours agréable de me donner un bon exercice en essayant le travail de ligne de quelqu'un d'autre. La dernière œuvre d'art inspirante est de Mind Melody. Ce qui me distingue vraiment, c'est comment le corps et tête du lapin sont faits d'une simple forme de paire. J' aime aussi combien la direction des oreilles et des pieds est amusante. Un autre thème répétitif dans mes illustrations préférées est mon amour pour le travail de ligne délicat dans les détails. C' est quelque chose que je veux capturer plus dans mon style. C' est ce à quoi je fais surtout attention. Comme je l'ai déjà dit, ce que vous voulez le plus diffère d'une personne à l'autre. C' est tout pour la partie étude. Nous avons étudié cinq œuvres d'art différentes et maintenant il est temps de voir si j'en ai pris quelque chose de nouveau. Ouvrez à nouveau votre image de référence, puis dessinez-la dans votre style. Mais cette fois-ci, essayez d'y incorporer ce que vous apprenez en y intégrant le travail d'autres personnes sans regarder à nouveau leur travail ou à votre première illustration originale. Faites-le avec un esprit frais. Vous vous souviendrez automatiquement de ce que vous aimez le plus et oublierez ce qui vous a inspiré autant. Maintenant, vous allez mettre vos propres rebondissements sur tout. Il ne devrait vraiment pas y avoir d'effort à faire cela juste essayer à nouveau, amusez-vous avec elle. Assurez-vous d'essayer beaucoup de choses différentes et d'expérimenter dans la phase d'esquisse. La première chose sur laquelle je me suis installée est la forme de la tête dans ce travail d'Eloise. Mais je me suis coincé sur les oreilles et je n'étais pas sûr de quoi faire. J' ai essayé le travail de Sketcheroos mais je ne l'aimais pas et installé sur l'hybride entre le travail de Neko et Lauren. J' essayais de simplifier le corps et de garder les lignes fluides, mais j'ai réalisé que je n'aimais pas vraiment le poste. J' ai utilisé ce que j'ai appris en mettant comment d'autres personnes ont dessiné des lapins pour changer les pattes en position latérale. Je pourrais le faire simplement avec quelques lignes courbes. Remarquez à quel point j'ai fait les pattes et les pieds et la queue est inspirée par la façon dont Lauren dessine les queues. Maintenant, je suis prêt à l'encre. J'ai essayé de garder la ligne de silicate et ils n'ont pas à toucher tout autour. J' aime dessiner mes affaires les yeux de près. Mais si je ne le faisais pas, je pourrais essayer ce que j'ai appris en faisant un gros oeil comme Sketcheroos. Mais ça n'a pas été si génial avec le reste du style. Un point simple pour les yeux, ce qui est plus mignon. Un autre visage ressemble plus au style Neko et avait en fait une expression de visage similaire, si quoi que ce soit, il semble un peu grincheux. Si vous comparez les deux illustrations de finition côte à côte, vous pouvez voir que j'ai pris beaucoup de nouvelles techniques en définissant d'autres styles d'artistes. Est-ce que cela veut dire que je vais tous les utiliser dans mon futur travail ? Probablement pas, mais je vais en utiliser beaucoup et pas consciemment. C' est plutôt comme si j'intégrerais naturellement ce que je trouve le plus inspirant sans y penser. Je vais mettre ma propre torsion dessus. Je vais naturellement en faire la mienne. N' essayez pas trop de vous souvenir de tout ce que vous apprenez, laissez-le aller et étudiez plus d'art. Mais en conjonction avec cet exercice, prenez du temps pour dessiner dans votre propre style. En prenant le temps d'étudier l'art des autres et en faisant votre propre chose, vous allez naturellement faire tourner votre style vers ce que vous aimez attirer le plus avec du temps et de la patience. Mais c'est un raccourci astucieux qui vous aide à apprendre comment vous avez vraiment aimé le dessin et à prendre des conseils et des techniques professionnels. Vous obtiendrez les mêmes résultats en copiant. C' est à vous de décider si vous voulez tracer votre copie. Peu importe, ne jamais prendre le mérite du travail des autres et ne le partager avec personne d'autre. Ceux-ci sont juste à des fins d'étude. Comme je l'ai déjà dit, assurez-vous de le faire avec beaucoup d'artistes différents afin que vous ne deviez pas une copie d'un. Mais même si vous essayez d'être une copie d'un, vous ne pouvez jamais être comme cet artiste parce que nous sommes tous très uniques. J' espère que vous avez apprécié l'exercice et j'ai hâte de voir vos résultats. Assurez-vous de les partager avec la classe en les publiant dans la galerie de projets. Rappelez-vous, vous devez apprendre en le faisant, même si vous ne voulez pas partager, faites-le et amusez-vous avec elle. n'y a pas de mauvaises façons de le faire. Ce n'est qu'un exercice pour aider à augmenter vos compétences. Maintenant, finissons le cours. 10. Au revoir: Excellent travail pour terminer toute la classe. J' espère que vous trouverez tout ce que nous avons appris super utile sur notre stylisme excité et que vous trouverez votre voix unique. Rappelez-vous, que c'est une compétence et cela prend du temps et de la pratique. Alors essayez encore et encore, peut-être que ça viendra naturellement pour vous. qu'il en soit, amusez-vous. Si vous avez encore des questions, laissez-les dans la section de la communauté et je vous répondrai. Si vous avez fait les trois étapes ou l'exercice de l'étape 3 ou votre propre illustration parfaitement finie à l'aide nombreuses références et que vous n'êtes pas trop timide pour la partager, vous pouvez faire un projet dans la galerie pour inspirer d'autres élèves et j'aimerais voir ce que tu as fait. Comme toujours, cela a été un plaisir et j'espère que vous avez apprécié la classe. Si vous voulez continuer à apprendre pour moi, j'ai plus de 20 autres cours pour que vous puissiez vérifier. Je vous recommande fortement de regarder ce que chaque artiste doit savoir en premier. Mais j'ai des cours sur tout, des bases du dessin au gribouillage, à l'aquarelle, à l'encre, à l'illustration, au dessin des gens mignons ou des aliments ou même des cuties de Noël, il y en a toutes sortes. Il y a aussi des milliers de cours étonnants d'autres professeurs génial ici dans Skillshare que je vous encourage à regarder. Assurez-vous de ne jamais arrêter d'apprendre les gars. Reste génial, et je te verrai dans le prochain cours.