Dessiner un portrait expressif au fusain

1. Introduction à Drawing de portrait de portraits de de: Bonjour, là. Je m'appelle Siobhan. Je suis artiste et professionnel de l'animation. Aujourd'hui, je vais vous apprendre à dessiner un portrait saisissant et expressif au charbon de bois. [MUSIQUE] Dans ce cours, je vais vous guider étape par étape dans le processus de dessin d'un portrait expressif du début à la fin. Vous travaillerez avec moi en utilisant la référence photo que j'utilise et ensemble nous développerons ce portrait, passant d'un tas de marques désordonnées à une œuvre d'art finie et polie, ou vous pouvez simplement regarder le processus et appliquez cette technique ou cette approche au dessin à votre propre travail en utilisant votre propre référence photo. Il s'agit d'un cours court et axé sur le dessin de portraits expressifs. Je veux vous donner une bonne compréhension de cette façon de dessiner et la confiance nécessaire pour que vous puissiez adopter cette approche et dessiner n'importe quoi. Non seulement vous amuserez à dessiner un portrait de manière intuitive et expressive, mais grâce à ce processus, je pense que vous apprendrez que la façon dont vous utilisez vos marques et votre crayon peut réellement débloquez un langage de dessin qui est le vôtre. Si vous êtes prêt à me rejoindre aujourd'hui dans ce cours, je vais vous emmener la création d'un dessin et expliquer mon processus étape par étape du début à la fin. Je vous verrai en classe. [MUSIQUE] 2. Matériaux de ce cours: L'un des aspects clés pour exprimer un dessin de quelque nature est le matériel que vous utilisez pour réaliser votre dessin. types de matériaux de dessin ou d'outils de dessin que vous utilisez affecteront réellement les types de marques que vous pouvez créer. Dans ce cours, je travaille avec du charbon de bois sur papier journal. Mais je voulais souligner qu'il existe en fait quelques types de charbon de bois différents. J'ai quelques bâtons de charbon de bois différents ici et j'ai juste pensé que je prendrais quelques minutes pour expliquer la différence entre chacun d'eux. Ce charbon de bois vient de Conte a Paris, et il s'appelle le charbon de saule ou parfois appelé charbon de Vine. charbon de saule se présente généralement en bâtonnets très longs comme celui-ci. C'est un merveilleux outil de dessin pour faire des marques très délicates et fines, et vous pouvez également obtenir tons sombres assez profonds. Le problème avec le charbon de bois Willow ou charbon de Vine, c'est que , comme il est si léger, vous pouvez le déplacer beaucoup sur la page et c'est génial de travailler avec des détails. L'autre côté du spectre est appelé charbon de bois comprimé. charbon de bois comprimé est très différent de Willow. Il est beaucoup plus dense, il est plus lourd, il laisse instantanément du charbon de bois sur vos mains chaque fois que vous le manipulez, et il fait une marque beaucoup plus foncée sur la page. Même en appuyant légèrement, vous pouvez créer un ton très sombre. Le troisième type de charbon de bois que j'ai ici est un crayon à charbon de bois. Je pense que c'est probablement composé de quelque chose comme du charbon de bois comprimé, mais il est sous forme de crayon. Si vous avez l'habitude de dessiner avec des crayons graphite, peut-être travailler avec le crayon à charbon de bois vous conviendra. La dernière chose que je voulais souligner, c'est que je vais travailler avec une gomme malaxée. Maintenant, une gomme malaxée est facile à combiner. C'est probablement la meilleure chose à utiliser car vous pouvez le façonner et le transformer en un véritable outil de dessin si vous le souhaitez. Il fonctionne très bien avec le charbon de bois Vine ou Willow. Il peut l'effacer assez facilement. Je dirai qu'il est un peu plus difficile d'effacer le charbon de bois comprimé. Parfois, il a tendance à le salir si charbon de bois comprimé est superposé sur une couche assez épaisse, mais vous pouvez toujours effacer très bien les zones plus claires. J'aime généralement travailler sur du papier journal, qui est un papier lisse très doux et qui fonctionne très bien avec du charbon de bois. C'est ma configuration pour ce cours. Je vais regarder l'image de référence sur l' écran de mon ordinateur portable. Je vais enregistrer le dessin d'en haut. Je voulais juste mentionner que je préfère souvent dessiner debout et que vous pourriez trouver une meilleure façon de dessiner aussi. Lorsque je me lève, j'ai l'impression d' avoir une meilleure vision de mon travail et que j'ai également un meilleur accès à mon énergie, qui est un élément important du dessin dynamique et expressif mon énergie, qui est un élément important du dessin dynamique et expressif. essayez de mettre votre propre énergie dans le travail que vous faites. Expérimentez-vous à la maison si vous trouvez plus facile de dessiner assis, c'est tout à fait très bien. Mais sachez que si vous rédigez debout, vous pourriez obtenir des marques plus expressives. Avant d'entrer dans le processus de dessin, ce que je veux que vous fassiez en tant qu' exercice d'échauffement, c'est de prendre un bout de papier et de voir si vous pouvez vous entraîner dessiner des tons avec importe quel outil de dessin que vous utilisez, et déterminez ce qui vous convient le mieux en termes d'obtention d'une gamme dynamique de notes. Essayez de pratiquer différents types de marques de balayage. Évitez les articulations, fermez, serrés et petits et essayez de bouger tout votre bras lorsque vous dessinez presque comme si vous le déplacez de votre épaule plutôt que de simplement déplacer votre crayon de votre poignet. Veuillez déposer le commentaire dans l'onglet discussion et faites-moi savoir quel matériel de dessin vous utilisez. Est-ce un crayon ou est-ce que c'est du charbon de bois ? Ensuite, lorsque vous serez prêt, joignez-vous à moi dans la prochaine leçon et je vais parcourir les points de repère du visage que nous devons regarder lorsque nous dessinons un portrait. 3. Points de repères de Landmarks importants: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais passer en revue les proportions générales de la tête afin que vous sachiez ce qu'il faut surveiller lorsque vous approchez dessiner un portrait de quelque nature que ce soit, mais plus particulièrement dessiner l'image de référence dans cette classe. Puisque ce cours est sur le dessin expressif et dynamique, il est essentiel que nous comprenions que nous n'essayons pas d'obtenir une image exacte ou une qualité photo dans notre dessin. Nous voulons vraiment être en mesure d'interpréter presque notre référence ou notre sujet. Je ne veux pas que vous soyez attaché à lignes de mesure rigoureuses ou de construction en béton. Au lieu de cela, je veux que vous puissiez dessiner avec plus d'accès à votre propre sentiment et à votre intuition et attirer réellement votre réponse à ce que vous voyez. En d'autres termes, je ne veux pas que vous vous conformiez à rejoindre un modèle prédéterminé. Cependant, cela étant dit, il y a un autre côté au dessin expressif, et c'est ainsi que vous observez ou comment vous regardez votre sujet. C'est très bien de parler de marques dynamiques expressives. Mais en réalité, vous devez pouvoir utiliser ces marques au service de ce que vous observez. Nous devons accorder une attention particulière à notre sujet et à ce que nous examinons. Pour moi, une bonne connaissance ou une bonne compréhension de la structure de la forme humaine est très importante lorsque je dessine. Mais je trouve souvent que les tiroirs débutants sont coincés dans l'anatomie bien trop tôt lorsqu'ils apprennent à dessiner. Cela peut en fait les empêcher de développer leur façon de dessiner. On peut en dire autant pour apprendre à dessiner des cubes et des ovales. Il est très utile du point de vue de la conception. Ce n'est pas très utile lorsque vous tirez de l'observation, car cela a tendance à rendre les choses génériques et à ne pas laisser beaucoup de place à l'expression ou à l'unicité. La façon dont je vais aborder le dessin dans cette classe consiste à rechercher les entités ou les points de repère sur l'image de référence ou le sujet, puis à comprendre où les placer sur ma page. C'est vraiment important. Il s'agit d'une distinction subtile entre dessiner un modèle et comprendre ce qu'il faut surveiller. Par exemple, si on vous a dit, disons, que le visage peut être divisé en trois tiers égaux, cela ne s'applique pas réellement à tous les visages et vous devriez vraiment avoir cette règle à l'esprit, mais testez-le toujours sur le sujet que vous regardez. Un autre exemple est celui de notre image de référence ici. Vous pouvez voir si vous le regardez directement là-dessus, l'oreille est en fait très, très basse dans la forme générale de la tête. Normalement, on peut penser que l'oreille doit s'aligner avec le bas du nez. Mais il faut faire attention car dans ce cas, tête de notre modèle est en fait inclinée et c'est pourquoi l'oreille semble beaucoup plus basse. Ce sont des indices et des points de repère que je veux surveiller afin de rendre mon dessin expressif mais aussi de correspondre à la référence. Voici les principales choses que je fais attention lorsque je dessine. La première chose que je cherche, c'est la taille du front, sourcils aux cheveux. L'emplacement des yeux juste en dessous. Ensuite, je cherche la direction du nez et la direction des yeux. Habituellement, il s'agit d'une forme de T dans ce cas, parce que le modèle tourne et incline légèrement sa tête, on obtient une forme de T comme celle-ci. Une fois que vous avez identifié cet angle, vous pouvez déterminer la distance entre le nez et la joue externe et entre le nez et la joue intérieure, ou cette joue là où se trouve la racine des cheveux ici. Ensuite, je vais chercher l'emplacement de l'oreille, ce qui est toujours très important, comme je viens de le dire. Comme l'oreille est assez basse sur la forme générale ici, c'est un très bon indicateur de l'inclinaison de la tête. Enfin, je cherche la distance entre le menton avec le bas du visage et le nez, et je localise la bouche à peu près à mi-chemin. Sans dessiner de détails ou sans essayer de dessiner des angles et de mesurer, j'utilise une très grande ligne perdue pour cartographier ces points de repère que j'ai identifiés. [MUSIQUE] Vous pouvez certainement utiliser cette carte si vous le souhaitez comme guide pour votre propre dessin. Mais je vous encourage vraiment à essayer de trouver intuitivement ces points de repère ou ces caractéristiques du visage grâce à votre propre marque et à travers votre observation. Cela ira beaucoup plus loin pour vous si vous pouvez essayer de vous détendre et de travailler de cette façon, au lieu d'essayer de vous fier à un guide d'ensemble ou à un modèle de jeu. Dans la leçon suivante, nous allons commencer le processus et je vais vous montrer exactement comment aborder ce dessin étape par étape. 4. Blocage de phase 1: [MUSIQUE] Dans cette leçon nous allons commencer le dessin, alors prenez votre crayon ou votre charbon de bois, remontez la référence de la photo, et nous commencerons. [MUSIQUE] Les premières marques que je vais faire sur la page vont simplement se rapprocher d'une forme générale. J'ai tendance à utiliser ces mouvements circulaires très ronds. Il permet d'avoir une idée du volume global. Ce que je fais, c'est que je regarde l'image de référence et je déplace simplement le charbon de bois pour essayer de correspondre aux mouvements de mes yeux. J'essaie de trouver où se trouvent le haut, le bas et les côtés de la tête. Maintenant très légèrement. Je vais indiquer où se trouve l'ombre de ce côté et la grande masse ou la grande forme du cheveu, qui sera finalement la zone la plus sombre. Maintenant, à ce stade, j'ai presque une forme lisible. Maintenant, je vais juste marquer légèrement certaines zones d'ombre où se trouvent les yeux. Ils n'ont pas besoin d'être exacts. Je ne fais que bloquer certaines formes et ensuite je vais bloquer ou dessiner le nez, surtout autour de l'endroit où je pense que le fond du nez sera et même, un peu d'ombre pour marquer certaines zones autour des lèvres. Il est important de noter que je ne dessine pas de détails précis sur aucune de ces fonctionnalités. Je bloque simplement des sections d'ombre. Au lieu de dessiner la forme réelle de la bouche, je vais simplement marquer là où je vois les zones les plus sombres. Il s'agit généralement de l'ombre sous la lèvre supérieure et de l'ombre sous la lèvre inférieure. Maintenant, je vais retravailler un peu plus dans le nez et jouer certaines des zones sombres autour du nez pour lui donner un peu plus de définition, mais j'essaie toujours d'être moins précis, plus concentré sur juste les formes d'ombres. Vous n'avez vraiment pas à vous soucier de les dessiner comme quelque chose de spécifique pour le moment. il est tout à fait correct d'utiliser des marques désordonnées Pour cette phase du dessin, il est tout à fait correct d'utiliser des marques désordonnées. Pour moi de toute façon, cette approche fonctionne. J'aime me concentrer sur les ombres d'une forme plutôt que sur la forme elle-même. Assurez-vous maintenant de faire ce travail extrêmement légèrement au stade. Le charbon de bois comprimé devient très sombre très rapidement et vous ne voulez pas commencer si sombre que le dessin devient alors irréalisable plus tard. Essayez autant que possible de fabriquer votre charbon de bois ou n'importe quel outil de dessin avec lequel vous travaillez, essayez de le rendre aussi volumineux que possible dans cette phase initiale. Il y a beaucoup de temps plus tard pour aller dans l'obscurité. Maintenant, je vais me concentrer sur les sombres autour des yeux. Maintenant, cela peut ressembler à des détails, mais ce que je veux faire est simplement de noter ou de marquer où se trouvent ces zones sombres. Encore une fois, j'évite de dessiner l'œil dans son ensemble ou une forme conçue parce que je sais que si je fais cela, ça va vraiment paraître. Au lieu de cela, je ne fais que marquer là où se trouvent généralement ces taches très sombres, comme la pupille de l'œil ou de l'iris, et les coins. Comme vous pouvez le constater, ce blocage antérieur des ombres autour du contour des yeux n'est pas aussi important que ce que vous pourriez penser en premier. Ce premier blocage n'est qu'un guide pour savoir où placer les yeux. Ensuite, quand vous commencez à dessiner sur le dessus , il est en fait assez renversé. N'ayez pas peur d'utiliser votre charbon de bois pour ajouter des zones d'ombrage comme guide. Maintenant, je vais commencer à aller un peu sombre avec un peu plus de confiance. Je sens maintenant que je sais où se trouvent les éléments et qu'ils semblent être au bon endroit, donc je peux commencer à m'y engager maintenant. Ajoutez lentement quelques autres sombres là où ils doivent être autour des yeux, encore une fois sans dessiner les yeux, il suffit de mettre en scène et de redémarrer ces petites zones de ton sombre [ARRIÈRE-PLAN]. Toute la phase ou l'ensemble du parcours n' a duré que quelques minutes. C'est la phase la plus importante. Ces quelques minutes ont en fait placé tout ce qu'ils doivent être et il semble déjà qu'il s'agisse d'un dessin. Pour résumer, votre première passe dessine le plus légèrement possible, bloquez la forme générale, trouvez d'abord le haut, le bas et les côtés. Ensuite, travaillez sur l'ajout de zones ombragées et sombres entre les entités. Évitez d'essayer de dessiner des entités et non d'elles-mêmes. Dans la prochaine leçon, nous allons passer à la deuxième étape et nous commencerons à ajouter ces détails. 5. Phase 2 Blocking dans les cheveux: [MUSIQUE] Dans la leçon précédente, nous avons simplement bloqué la forme générale de la tête, ainsi que les caractéristiques des yeux, du nez et de la bouche. Je fais juste quelques autres ajustements aux zones sombres ici. Maintenant, ce que je veux faire dans cette leçon c'est simplement bloquer le reste de la forme des cheveux autour du visage du mannequin. Ce sera très important pour notre image de référence car les cheveux seront la partie la plus sombre du dessin. Il couvre une partie assez importante de la composition, et je pense que pour ce dessin, c'est une bonne idée de baisser le ton sombre et de l'identifier. Il indique la zone la plus sombre, et nous pourrons y faire référence pour le reste des valeurs. Chaque fois que vous faites un dessin comme celui-ci depuis l'observation, vous devez toujours penser à votre image dans son ensemble, et cela s'applique vraiment aux valeurs de votre dessin. Par valeurs, je veux dire vos tons sombres, vos tons moyens et vos tons clairs. Avoir un ton sombre spécifique que vous savez sera la valeur la plus sombre, qui vous aidera vraiment à relier tous les autres tons moyens et clairs à ce ton sombre tout au long de votre dessin. J'appuie très fort avec le charbon de bois et je vais vraiment chercher un peu plus sombre que possible, sachant que je vais comparer mes tons pour le reste du dessin. La forme des cheveux ne doit pas nécessairement être complètement exacte, c'est juste au stade qui se bloque encore. Mais essayez d'être attentif à ce stade, ce que je fais toujours attention, c'est l' espace de l'arrière de la tête. La distance entre l'oreille l'arrière de la forme des cheveux. C'est un marqueur important ou une distance importante que je cherche toujours. [MUSIQUE] Si vous regardez le dessin à ce stade, vous pouvez voir qu'il fonctionne en termes de composition et qu'il fonctionne en termes de répartition et que tous les éléments sont là. Il s'agit simplement d'affiner ce qui a été posé comme fondement. Ma stratégie ou la façon dont je vais opérer à partir de maintenant est très simple. Je vais juste revenir sur les zones que j'ai identifiées comme étant des zones sombres, redéfinir mes sombres, puis, dans la leçon suivante, j'essaierai de sortir certaines lumières ou les points forts. Nous allons juste finir la forme des cheveux. Vous remarquerez que je laisse certaines zones des cheveux pour lire comme points forts. Vous n'avez pas à être trop pris dans dessin des détails des cheveux. Vous pouvez bloquer uniquement les zones de ton de base, mais essayez d' être sensible ou conscient des formes des tons. Identifiez la forme des reflets, identifiez la forme des sombres. Maintenant, je commence vraiment à essayer de faire fonctionner mon charbon de bois pour moi, je suis vraiment comme presser aussi fort que possible, le charbon se brise même souvent par endroits. Je ne veux pas effacer le charbon de bois de la page, alors j'essaie juste de le faire sauter. Ensuite, à ce stade, je vais utiliser la gomme malaxée pour dessiner certains points forts. Ce que je vais faire maintenant, c'est juste ranger ce bord avec soin et vous pouvez façonner la gomme, comme je l'ai déjà dit, je vais juste renverser une partie de l'ombre sur cette joue gauche ici, sur la joue gauche comme nous nous regardons. Croyez-le ou non, ce dessin est presque terminé. En ajoutant cette forme de cheveux, nous avons terminé une passe de base sur le dessin. C'est très proche d'être fini. Il y a beaucoup de petits points de finesse mineurs que nous pouvons faire pour qu'il soit totalement poli et complet. [MUSIQUE] Je commence à être un peu détaillé maintenant, je commence à composer les détails du dessin. J'utilise la gomme à effacer. Dans la prochaine leçon, je vais en fait entrer et rendre certains points forts un peu plus prononcés. Lorsque vous serez prêt, joignez-vous à moi dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 6. Phase 3 Ajouter des hauts de faits: [MUSIQUE] La façon dont j'ajoute des points forts à mon dessin à ce stade consiste simplement à utiliser la gomme pour renverser certaines marques de charbon de bois et permettre à certains reflets de se manifester. Pour ce faire, la gomme malaxée est vraiment, je l'utilise moins comme gomme, plutôt comme outil de dessin lui-même. Cela signifie que je peux simplement dessiner les points forts, la forme réelle des points forts en enlevant une partie du charbon de bois. Il suffit de le façonner presque comme un outil de dessin avec un petit point en un outil de dessin avec un petit point haut et d'essuyer soigneusement ou de tamponner le charbon de bois là où vous voulez que les zones les plus claires soient. Vous n'êtes pas obligé d'aller lourdement avec ça. Il suffit généralement d'appuyer simplement sur la page. Parfois, avec du charbon de bois comprimé, il est beaucoup plus épais et plus lourd que quelque chose comme charbon de saule et il faut un peu plus de travail avec la gomme à effacer. Mais en général, il n'est pas nécessaire d'en faire trop. Ce côté du visage du modèle est en fait allumé. C'est un peu délicat. Il y a une subtile chute d'ombres, ou je devrais dire une chute hors de la lumière. Il y a un léger ombrage qui définit la joue. Il va falloir un peu de finesse de ma part. Cette zone au-dessus de la lèvre supérieure et du bord même de la joue. Ce n'est pas simple. J'essaie de travailler avec soin dans ce domaine. Vous me verrez aussi utiliser mon doigt pour déplacer le charbon de bois. Je ne suis pas fan, disons de mélanger du charbon de bois. Je n'aime pas particulièrement ce look ou ce style. Je vais passer sur mon charbon de bois avec mes doigts juste un petit pinceau ici et là. Tout ce que je peux dire, c'est que si vous en êtes à ce stade, allez lentement à ce stade et attentivement, n'essayez pas de vous précipiter. Les premières phases du dessin sont un peu plus énergiques et un peu plus sauvages, qui fait baisser les marques. Mais pour l'instant, il suffit d'être aussi prudent que possible et de ne pas travailler lentement. Il s'agit maintenant de ralentir le processus et de progresser par petites incréments. Vous pouvez toujours ajouter de nouveau si vous en avez pris beaucoup trop , puis retravailler la zone et continuer jusqu'à ce que vous estimiez que c'est juste. C'est ce qui est génial avec le charbon de bois et une gomme malaxée. Rappelez-vous que nous ne cherchons pas vraiment à ressembler à une photo ici. Il est important de faire correspondre les formes et les entités que vous voyez. Mais le dessin expressif signifie que vous pouvez être un peu plus lâche et un peu plus d'intuition. En fin de compte, ces marques intuitives lâches apporteront cet élément de vie et une qualité dynamique que vous n'obtiendrez peut-être pas nécessairement si vous essayez de dessiner une qualité photo stricte, type de photoréalisme. de dessin. Je vois que mon dessin ressemble à la photo. Mais je travaille aussi autant que possible avec mes marques. Laissez vos marques vous guider et vous guider. Pour moi, ce processus consiste vraiment à laisser émerger le dessin par lui-même. Je sais maintenant que cela ne semble pas pratique ou applicable dans un sens rigoureux. Comment laissez-vous émerger un dessin ? Mais si vous suivez votre sentiment pour ce que vous voyez lorsque vous dessinez, vous constaterez que certaines marques peuvent apparaître que vous n'avez pas planifiées ou que vous ne saviez pas nécessairement que vous allez les faire. Ces marques sont ce qui fait que votre dessin prend vie. Le dessin expressif consiste accepter ces erreurs et à les conserver dans votre dessin plutôt que d'essayer de les perfectionner ou de perfectionner votre dessin. Ou pour le faire correspondre votre idée préconçue de ce à quoi devrait ressembler votre dessin. C'est vraiment un processus que vous devez entreprendre et expérimenter. Ensuite, j'espère qu'il cliquera pour vous lorsque vous l'aurez expérimenté. Si vous remarquez, j'ai effacé un peu la ligne dure ou l'ombre que j'ai initialement placées sur le côté gauche du nez du modèle. C'est quelque chose que vous ne pensez peut-être pas au départ important, mais souvent, il y a très peu de distinction entre le nez et la joue. Dans cette image ou cette référence photo, c'est un bon exemple. Il y a une ombrage subtile ou un changement de valeur du nez à la joue gauche lorsque nous regardons l'image. N'oubliez pas que vous n'avez pas besoin de tracer une grande ligne sur le bord du nez pour la définir. Rappelez-vous simplement que souvent l'œil du spectateur remplit les blancs pour vous, de sorte que vous n'avez pas à dessiner absolument tout. Je vous encourage à avoir patience avec cette phase du dessin, c'est très souvent la phase où, parce que les choses ont ralenti, vous pouvez être très pris dans les détails et commencer à choses en surmenage. Je suis certainement en danger de surmenage, destruction à ce stade. Parfois, je vais regarder en arrière et je dirai pourquoi n'ai-je pas arrêté de dessiner 20 minutes avant la fin de la séance , car l'explosion initiale du dessin est souvent bien meilleure. Mais restez avec ça. Je conseille à ce stade avant de passer à la toute dernière étape, c'est de ralentir les choses et d'aller lentement et régulièrement. Dans la leçon suivante, je vais passer un dernier passage sur ce dessin et réitérer mes ténèbres pour la dernière fois, juste pour m'assurer que le contraste fonctionne. Je vous verrai dans la prochaine leçon. 7. Phase 4 Re-Stating the Darks: [MUSIQUE] Pour résumer encore une fois le processus depuis le début, les premières étapes sont simplement d'ombrer légèrement toute la zone de votre dessin, déterminer la composition, placer cette composition sur votre page, et trouver les périmètres comme le haut, le bas et les côtés à travers vos marques. Ensuite, l'étape suivante consiste à construire lentement des zones de valeurs plus foncées, les ombres, les ombres et les tons vraiment foncés comme les cheveux, les ombres sombres autour des yeux, le nez et la bouche. Une fois que vous avez tous les éléments en place, vous pouvez commencer à renverser certaines de vos marques pour révéler les reflets les tons clairs et les zones plus lumineuses. Dans cette leçon, je vais travailler à refaire les ténèbres tout au long de mon dessin. Cela signifie que je vais commencer à être un peu plus précis et un peu plus attaché au dessin en mettant l' accent sur ces ombres vraiment sombres sur le visage. Je cherche des domaines où je peux mettre en scène et souligner le contraste. endroits autour de l'oreille sont généralement bons, ce qui aide à distinguer l'oreille de la racine des cheveux. Sous le menton se trouve une autre zone où il y a généralement une ombre très sombre, et je veux le souligner autant que possible. J'essaie vraiment de pousser le charbon de bois pour obtenir une marque aussi sombre que possible à ce stade. Maintenant, je vais utiliser le bord de coin du charbon de bois et j'ajoute une ligne de contour très simple pour tracer le bord azur de l'épaule, et ce n'est pas plus que cela. C'est tout ce qu'il faut dans cette situation pour donner cette composition ou donner cette pose, c'est une expression complète. Dans ce dessin, j'ai l'impression qu' il y a tellement d'informations et d'ombrages autour des traits du visage. Je sens que c'est une ligne très simple, une ligne légèrement délicate pour expliquer l'angle des épaules et la pose. C'est vraiment tout ce dont vous avez besoin. Cette ligne simple ajoutera également contraste car la ligne subtile contraste avec l'ombrage et le travail tonal dans le reste du dessin. L'ajout de contraste dans votre dessin est ce qui va le rendre beaucoup plus réel, car le contraste ajoute de l'intérêt pour un sens visuel, et il aide également le spectateur à lire les trois dimensionnalités de votre forme et le formulaires. Ce que je fais, c'est que je n'essaie pas d' avoir la même tonalité exacte ou la même marque exacte tout au long du dessin. J'essaie d'être conscient d'avoir une marque variée, ainsi qu'une variation des tons allant du clair au foncé. Je trouve souvent que la zone située sous la mâchoire est très importante, et j'essaie d'y accorder un peu d'attention et de assurer que je rentre cette ombre, car cette ombre est cruciale pour aider dans le tête [RIRES]. Se lit comme si c'était sur la tête et cou qui lisent dans un sens plus structurel, aide à lui donner une sensation plus lourde. Maintenant, je vais également souligner les zones sombres des cheveux des mannequins, de ce côté du visage, puis m'assurer qu'il encadre bien les traits et crée un bord moyen à la pommette. Vous pouvez penser à ce processus presque de manière sculpturale, en ajoutant et en soustrayant, en ajoutant des marques sombres ou en ajoutant du charbon de bois, puis en le renversant ou en le sculptant à l'aide de la gomme, c'est donc un processus très intéressant en ce sens. Quand je travaille sur les yeux, je ne fais que taper le charbon de bois, je dirais. Je ne dessine pas nécessairement une forme ou dessine pas une ligne de contour ou un contour quelconque. C'est contre-intuitif, mais je trouve qu'en dehors de la forme de la paupière supérieure, cela m'aide simplement à faire des notes plutôt que de dessiner contours pour ce que je pense la forme de l'œil entier. devrait l'être. Ce dessin est presque entièrement réalisé. La dernière étape est une courte session très simple pour affiner et finaliser tous ces petits détails. Je ne veux vraiment pas trop travailler sur ce dessin, car il y a tellement de choses à ce sujet qui doivent être ouvertes et claires. Le surmenage ou le surdimensionnement pourrait me faire perdre cette belle qualité qui est dans la pose. [MUSIQUE] Dans la dernière phase, je vais vous montrer comment finesse ces petits détails, les dernières touches, ce qui n'est qu'une question d' un ou deux ajouts ou un ou deux. touche ici et là. Lorsque vous serez prêt, joignez-vous à moi dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 8. Pass final de phase 5: J'ai mentionné plus tôt que l'un des défis de ce type de dessin est d'essayer de s'assurer que vous ne surchargez pas trop votre dessin. Une partie de la réalisation d'un dessin expressif ou dynamique consiste à essayer de conserver ces marques très intuitives et gestuelles dans votre dessin. Ce sont les marques qui donnent à votre dessin cette qualité et l'expression de la vie dont vous voulez vous assurer qu' elle est présente dans votre travail. À ce stade, j'essaie de marcher sur cette corde ou de trouver cet équilibre vraiment et de faire quelques derniers détails, puis de m'éloigner. Ce que je peux dire, c'est que ma finesse, dans mon approche finale, est de veiller à ce que les zones qui ont besoin des zones les plus sombres, je sais que je continue de répéter cela tout au long de cette classe, mais ces zones juste pour m'assurer que qu'ils sont définis et que le contraste fonctionne, et qu'il y a de la clarté dans ces zones sombres, et ils ne sont pas lavables. Je parle spécifiquement de choses comme la pupille de l'œil, peut-être certaines zones des cheveux. Cela semble un peu aléatoire ou un peu abstrait, mais la clarification de ces points de contraste sombre rendra le dessin beaucoup plus clair dans l'ensemble. J'essaie vraiment travailler un peu autour de la forme des yeux ici, m' assurant que la forme de la pupille est correcte, assurant qu'elle est assez sombre et qu'elle se lit, puis je travaille juste dans les cheveux. un peu et en dessinant légèrement quelques mèches de cheveux. Normalement, je ne suis pas trop détaillé quand il s'agit de dessiner des cheveux, mais je pense que dans ce cas , traîner dans une ou deux de ces mèches de cheveux donnera un très bel effet au dessin. Encore une fois, je travaille sur mes zones les plus sombres et je m'assure qu'elles sont assez fortes et qu'elles donneront le contraste que je veux. Je vois déjà une grande différence en termes de clarté beaucoup plus claire dans ce dessin maintenant que je viens de définir ces zones en fonction de ce que je considère, ou de ce que je peux dire sont les zones les plus sombres. La dernière chose que je ferai est peut-être de m'assurer que mes lumières ou mes zones les plus légères fonctionnent également. retourne avec ma gomme malaxée et j'ai juste choisi les points forts pour ça. Dans la prochaine leçon, je vais terminer le cours et je vais vous donner mes réflexions ou idées sur ce qui fait un bon dessin parce que je pense que c'est probablement une chose utile discuter à la fin de ce processus. J'espère que vous êtes resté avec moi tout au long du processus de dessin. J'espère que vous avez appris quelque chose de vraiment intéressant ou du moins inspiré pour votre propre pratique du dessin. Dans cette dernière leçon, à venir ensuite, je veux juste expliquer ce que je pense être un bon dessin pour moi et comment cela affecte mon processus et mon approche globalement en termes de dessin. Quand vous serez prêt, retrouvez-moi dans la dernière leçon. 9. Mes pensées sur ce processus: Je sais que ce dessin n'est pas exactement la ressemblance photo de notre image de référence. Mais comme je l'ai dit depuis le début, le but n'est pas de dessiner une photo. En fait, le but ultime de cette classe est que vous ayez exploré votre expression par la création de marques. Vous aurez réalisé un dessin cohérent, un dessin qui fonctionne. L'accent pour moi est de toute façon mis sur le dessin et le processus, et non sur la référence. Maintenant, je sais que beaucoup de gens ont tendance à écrire des dessins pour savoir si le dessin ressemble ou non à une photo. Mais l'une des raisons pour lesquelles je n'ai pas beaucoup inclus la photo pendant les leçons de dessin, c'est parce que je ne pense pas fondamentalement que ressemblance d'une photo soit nécessairement un indicateur absolu d'un bon dessin. Je voulais que vous vous concentiez sur le processus et la marque plutôt que sur la comparaison entre le dessin et la photo. En regardant la photo à côté du dessin, vous voudrez simplement les comparer de cette façon. Dans cette dernière leçon, je veux partager avec vous ce que je pense un critère pour ce que je être un critère pour ce que je considérerais comme un bon dessin. C'est personnel pour moi. C'est mon propre critère, mais cela peut être logique pour vous et me faire savoir si c'est le cas. Tout d'abord, rappelez-vous que le dessin est une forme artistique expressive, ce qui signifie que c'est une façon de dire quelque chose ou de décrire quelque chose à travers des marques. Pour moi, dans ma pratique du dessin, si j'ai l'impression d'être arrivé à un point mon dessin où j'ai dit tout ce que j'ai besoin de dire, alors je sais que j'en ai fini. Si je sais que le dessin est terminé , c'est pour moi un bon dessin. Une fois que je sais qu'il n'y a rien de plus que je puisse ajouter, je suis à l'aise et à l' aise avec le fait que le processus est terminé. Je suis heureux de dire que le dessin est complet. Pour moi, c'est un indicateur beaucoup plus fort d'un bon dessin que n'importe quoi d'autre, car cela signifie que je me suis exprimé dans le processus de Nash. C'est comme ça que j'y pense. Si vous ne vouliez pas parler de bon dessin ou de mauvais dessin, cela ne m'a pas d'importance si quelqu'un d'autre l'aime ou non. Ce qui importe, c'est si je pense cela représente ce que je voulais dire. Je vois totalement la valeur de la compétence nécessaire pour produire une qualité photo ou une ressemblance photo. Mais je voulais simplement partager cette perspective et cette idée avec vous parce que j'ai impression que la compétence qu'il faut pour être expressif, réactif, j'ai l'impression qu'elle est souvent négligée, surtout dans le portrait et le dessin de figures. . Il faut en fait beaucoup pour dessiner de manière lâche et désordonnée. Au début, vous pensez que vous n'avez aucun contrôle. Mais avec la pratique, vous pouvez atteindre un point où vous pouvez contrôler ces marques désordonnées et c'est là que votre expression entre en jeu. Avec cela, votre propre langage de dessin. Un langage basé sur votre apparence et sur la façon dont vous établissez vos propres marques. J'espère vraiment que vous avez trouvé ce cours court utile pour votre propre dessin et que vous avez suscité l'intérêt de développer ou d' explorer davantage le dessin gestuel et le dessin dynamique expressif. plaît, dites-moi ce que vous pensez, j'aimerais beaucoup entendre parler de vous. Si vous faites un dessin aujourd'hui ou n'importe quand après ce cours, j'aimerais bien voir votre travail. Assurez-vous de le poster. Merci encore d'avoir pris ce temps pour être avec moi pendant ce dessin. J'ai hâte de vous voir dans le prochain cours.