Dessiner les principes de base : les bases de l'ombrage pour l'illustration et l'art

1. Bande-annonce du cours: La plupart des gens connaissent la façon traditionnelle de dessiner, où un crayon sombre est utilisé pour faire des marques sur un morceau de papier blanc. Ici, le crayon est utilisé pour créer les ombres et le papier est utilisé pour représenter les faits saillants. Mais, il existe une autre méthode d'ombrage en utilisant du papier couleur tonique, où un crayon blanc est utilisé pour créer les faits saillants. Le papier tonique est ma méthode préférée de dessin parce qu'il vous permet d'ombrager plus rapidement et avec moins de travail tout en obtenant le même niveau de réalisme que le papier blanc ordinaire. Il en résulte également des dessins dynamiques très contrastés. Dans cette partie de la série Drawing Fundamentals Made Simple, vous allez apprendre les différentes façons d'utiliser papier tonique pour rendre vos œuvres d'art plus excitantes. Nous commencerons par examiner les matériaux dont vous avez besoin, ainsi que quelques exercices d'ombrage de base pour vous mettre à l'aise avec ce médium. Vous apprendrez à créer une échelle de valeur de tonalité et à ombrir un formulaire 3D de base. Ensuite, nous progresserons vers le dessin d'une variété de natures mortes et de sujets organiques. Nous allons commencer par une simple figure en bois, puis passer à une théière en porcelaine, puis un œil humain. Vous pourrez voir l'ensemble du processus, étape par étape, de la mise en place initiale à l'application de toutes les ombres et des reflets. Vous apprendrez des choses comme comment appliquer perspective atmosphérique pour ajouter de la profondeur à votre dessin, comment utiliser les hachures croisées pour rendre votre ombrage plus excitant, comment concevoir des arrière-plans qui feront sauter votre sujet de la page, et comment utiliser les points forts stratégiques pour donner un aspect brillant à un objet. Une fois que vous serez à l'aise avec l'ombrage sur du papier gris, je vais vous présenter au dessin sur du papier noir. Ici, nous n'utiliserons que le crayon blanc pour créer les reflets et permettre au noir du papier de se tenir dans les ombres. Ce style de dessin peut créer un contraste très élevé et des dessins passionnants, encore plus que le papier tonique ordinaire. En apprenant à ombrager sur du papier noir, vous aurez une meilleure compréhension des principes du rendu. Encore une fois, nous apprendrons à travers une série d'exercices faciles à suivre étape par étape. Nous allons commencer par un simple dessin d'une bougie, puis passer à une tasse en verre, et enfin, nous finirons par ce dessin d'un oiseau. Vous apprendrez des choses comme comment créer un effet de flamme éclatante, comment organiser des reflets abstraits pour créer des motifs d'éclairage complexes, comment créer une texture de lumière des cheveux et des plumes sur un animal, et bien plus encore. À la fin de ce cours, vous saurez comment utiliser du papier tonique pour créer des œuvres d'art impressionnantes et être sur le point de devenir un artiste bien équilibré et compétent. J' espère que vous avez trouvé cette vidéo utile. Je te verrai à l'intérieur. 2. Matériaux papier tonné: Si vous avez passé du temps à regarder des œuvres d'art, vous avez probablement remarqué qu'il existe deux types de dessins. Le premier est l'endroit où le dessin est fait sur du papier blanc. Un seul crayon est utilisé pour créer les ombres et le blanc du papier est utilisé pour les reflets. C' est la méthode standard d'ombrage, et nous couvrons comment le faire sur la partie précédente de la série fondamentale de dessin sur le rendu de base. La seconde est l'endroit où le dessin est fait sur un morceau de papier tonique. Un crayon de valeur sombre est utilisé pour créer les ombres. Un crayon blanc est ensuite utilisé pour créer les faits saillants. Le ton du papier est utilisé comme la transition entre la lumière et l'ombre. Il y a de nombreux avantages à dessiner sur du papier tonique. Pour commencer, il vous permet d'ombrager le dessin beaucoup plus rapidement que l'approche du papier blanc. Être capable d'utiliser un crayon blanc pour créer les faits saillants signifie que vous pouvez créer des points forts plus frappants avec beaucoup moins de travail. De plus, le contraste élevé entre le crayon noir et blanc donne également à vos dessins une apparence plus excitante et réaliste. C' est aussi un médium très diversifié. Vous avez beaucoup de choix de couleurs de papier et d'outils de dessin, ce qui vous permet d'explorer différents styles et designs. Enfin, dessiner sur du papier tonique vous préparera mieux à la peinture. C' est parce que les deux processus sont très similaires. En peignant, vous créez également vos points forts en mettant peinture blanche plutôt que d'utiliser le blanc de la toile. Donc, les compétences que vous allez développer en travaillant sur papier tonique vont très bien se transférer dans la peinture. Inutile de dire que c'est certainement l'une de mes méthodes préférées de dessin. Dans cette partie de la série, vous allez apprendre à utiliser du papier tonique pour créer des dessins impressionnants. Commençons par examiner les matériaux dont nous aurons besoin. Pour ce cours, j'utiliserai ce papier tonique Strathmore 400. Il est disponible en deux options de couleur, gris et tan. Mais on va rester avec le gris pour l'instant. Ce papier a une surface relativement lisse, ce qui le rend bien fonctionner avec une large gamme de supports. Il est également disponible dans une variété de tailles, allant de neuf carnets et demi à 18 affiches sur 24. Plus tard dans le cours, nous allons également dessiner au crayon blanc sur papier noir. Pour ça, j'utiliserai le papier noir charbon Strathmore Artagain. Bien sûr, il y a beaucoup d'autres marques de papier là-bas et j' essaie constamment différentes pour voir comment elles interagissent avec différents crayons. À mesure que vous aurez plus d'expérience avec ce type de dessin, vous voudrez probablement faire de même. Si c'est le cas, voici quelques bonnes marques pour commencer. Ces papiers ont une surface plus texturée, ce qui peut m'aider à obtenir une valeur plus sombre. Ils sont également disponibles dans une large gamme de couleurs. Mais encore une fois, ce n'est pas nécessaire. Si vous commencez juste, restez avec les papiers de Strathmore. Il nous faut un crayon noir pour créer les ombres. Dans ce cours, je vais utiliser le crayon de couleur Polychromos. J' aime cette action car elle me permet d'expérimenter avec différentes couleurs, ce qui crée beaucoup de possibilités fraîches lorsqu'il est combiné avec le papier tonique. Cependant, un crayon graphite ou charbon de bois fonctionnera également très bien. Pour le crayon léger, j'utiliserai le charbon blanc du Général. Il y a beaucoup d'options pour les crayons blancs là-bas, mais j'ai trouvé que ce crayon me donne le pigment blanc le plus brillant. Maintenant, si vous êtes un artiste numérique, dessiner sur du papier tonique est super facile. Il vous suffit de créer un calque d'arrière-plan, puis de choisir l'outil de compartiment et de sélectionner la couleur souhaitée. Allons-y avec celui-là. Remplissez le calque avec cette couleur, et comme ça, vous avez du papier tonique instantané. Maintenant, il vous suffit de sélectionner votre pinceau préféré, choisir la couleur de votre choix, créer un nouveau calque et de commencer à dessiner. Lorsque vous êtes prêt à le mettre en surbrillance, il suffit de changer la couleur du pinceau en blanc et d'aller travailler. La chose géniale à propos du numérique est que si vous avez envie de changer la couleur du papier, vous pouvez le faire en quelques clics seulement. Il suffit de sélectionner la couleur d'arrière-plan et d'utiliser l'outil de compartiment pour la changer en une autre. C' est tout pour les matériaux. Commençons maintenant avec les exercices de dessin. 3. Exercice de valeur toned: Maintenant, nous allons créer une échelle de valeur en utilisant du papier ton pour voir comment cela fonctionne. Commencez par dessiner cette barre de cinq carrés, puis remplissez le carré numéro 5 avec la valeur la plus sombre possible. Pour le carré numéro un, nous allons passer au charbon blanc et le remplir avec la valeur la plus légère possible. Nous laisserons le numéro 3 carré vide et utiliserons le gris du papier comme ton du milieu. Ensuite, nous allons remplir le carré numéro 4 avec une valeur sombre qui se situe entre trois et cinq. Encore une fois, en cas de doute, erreur du côté de rendre ce carré plus léger, nous pouvons toujours réévaluer et assombrir plus tard. Ensuite, retournez au charbon blanc et remplissez légèrement le carré numéro 2. Maintenant, reculez et regardez l'échelle de vos valeurs, et faites les ajustements nécessaires. Ensuite, nous allons créer une barre de gradation sous cette échelle de valeur. Je vais commencer par faire correspondre la valeur du carré numéro 5 et 4. Remplissez maintenant l'écart pour créer une transition en douceur entre les deux carrés. Maintenant, nous allons laisser la partie médiane de la barre vide et utiliser le ton du papier comme la transition entre les valeurs d'obscurité et de lumière. Je vais juste laisser la valeur sombre s'estomper progressivement jusqu'à ce qu'elle se fond doucement dans le gris du papier. Maintenant, nous allons répéter le même processus en utilisant le crayon à charbon blanc. Correspond à la valeur du carré numéro 1 et du numéro 2. Ensuite, créez une transition en douceur entre eux. Encore une fois, nous allons laisser le charbon blanc s'estomper progressivement dans le gris du papier. Ensuite, évaluez et faites les ajustements nécessaires. On est tous finis. En comparant cette échelle de valeur avec une version papier blanc, nous pouvons voir qu'en utilisant le charbon blanc pour créer la valeur de la lumière, nous pouvons obtenir un contraste très élevé entre la lumière et l'obscurité. C' est l'un des avantages du dessin sur papier ton. Cela nous permet de travailler avec une gamme de valeurs beaucoup plus large, ce qui donne un dessin beaucoup plus dramatique et passionnant. Essayez cet exercice par vous-même afin que vous puissiez vous habituer à cette méthode de rendu, et je vous verrai dans la leçon suivante. 4. Exercice tonne: Dans ce rapide exercice, nous allons créer ces nuances de gradation sur du papier ton. Commencez par utiliser le crayon noir pour créer une gradation qui s'estompe en douceur dans le gris du papier. Ensuite, utilisez le crayon blanc et créez une autre gradation venant de l'autre extrémité. Assurez-vous de laisser un espace au milieu afin que les pigments noirs et blancs ne se mélangent pas. Lorsque vous travaillez avec du papier ton, nous voulons éviter de laisser les deux crayons se mélanger car cela donnera une couleur grisâtre qui ne sera pas très belle. C' est ça. Si cela est fait correctement, cela devrait ressembler à une gradation lisse allant de la lumière à l'obscurité. Maintenant, il suffit de répéter ce processus et de créer plus d'échantillons allant dans des directions différentes. Cet exercice vous aidera à vous sentir à l'aise avec la combinaison des deux crayons. Alors amusez-vous et je vous verrai dans la prochaine leçon. 5. Dessin de sphère tonne: Dans cette leçon, nous allons dessiner la sphère. Cela nous donnera l'occasion de pratiquer le processus de dessin du papier ton sur un objet simple. Il nous permettra également de comparer cette sphère avec la version du livre blanc pour voir les similitudes et les différences entre les deux processus. Encore une fois, nous commencerons par tracer la ligne. Ensuite, nous séparerons la lumière de l'ombre. Ensuite, nous allons remplir le côté ombre. Après cela, nous allons assombrir l'ombre d'occlusion et ajouter l'ombre de base. Jusqu' à présent, l'ensemble du processus est le même que si nous nous basions sur un livre blanc. La vraie différence se produit lorsque nous commençons à travailler du côté lumière de la sphère. Plutôt que de créer le demi-ton avec notre crayon, nous allons simplement utiliser le gris du papier pour le représenter. Pour créer la zone d'axe, nous utiliserons le crayon de charbon blanc. Je vais déplacer le crayon blanc dans un mouvement de cercle pour créer la zone médiane, et je vais progressivement le laisser disparaître à mesure qu'il approche de la zone demi-tonalité. Rappelez-vous, nous voulons toujours maintenir une transition en douceur entre les éléments d'ombrage. Ensuite, j'augmenterai la pression sur le crayon pour créer un point lumineux pour le point culminant. Ajouter les zones claires est la partie vraiment amusante du dessin sur papier ton comme lorsque le dessin se réunit vraiment et vous verrez la forme du sujet juste sauter à vous. Cependant, si vous avez de la difficulté à voir l'effet du crayon blanc, c'est une bonne idée de reculer du dessin et de le regarder de loin. Cela vous aidera à évaluer si l'ombrage fonctionne jusqu'à présent et à déterminer ce qu'il faut faire ensuite. C' est tous les éléments que nous devons ajouter. Maintenant, comme vous le savez, nous avons juste besoin d'assombrir et d'affiner l'ombrage. Nous pouvons élever ce bord le long du côté lumineux de la sphère pour créer un bord de perte. Nous allons assombrir l'occlusion et jeter de l'ombre. Augmentez l'ombre du noyau, lissez la transition entre la lumière et l'ombre, adoucissez le bord de l'ombre coulée, et continuez à affiner le ton jusqu'à ce que vous atteigniez un ombrage lisse et uniforme. Parfois, selon le type de papier que vous utilisez, il peut être difficile de remplir la texture du papier et de créer un ombrage lisse. Dans ces cas, j'aime parfois utiliser mon doigt pour estomper le ton. C' est un moyen rapide et facile de déplacer les pigments dans les espaces vides et de tout lisser. Bien que, vous voulez être prudent avec cette technique. Si vos mains sont particulièrement grasses, cela peut causer des taches dans l'ombrage et les rendre plus difficiles à effacer. Si vous voulez être en sécurité, il est préférable d'utiliser une souche de mélange, Q-tip ou une serviette en papier pour mélanger votre ton. J' aime juste utiliser mon doigt parce que c'est si pratique et ça me donne un meilleur contrôle sur la pression. Comment je passe souvent par de nombreux tours d'ajout de pigment avec mon crayon, mélangeant le ton avec mon doigt ou un outil de mélange, puis, en ajoutant plus de pigment. Je vais continuer à répéter ce processus jusqu'à ce que j'atteigne l'obscurité et la douceur désirées . C'est ça. On est tous finis. En comparant ce dessin avec la version papier blanc, nous pouvons voir beaucoup des avantages du dessin sur papier ton. Pour commencer, créer la lumière centrale et la mise en évidence est beaucoup plus facile car nous pouvons simplement les attirer plutôt que d'avoir à assombrir tout le reste. Cela permet également au point culminant d'être beaucoup plus lumineux, ce qui nous aide à accentuer la qualité brillante de la sphère. Le fait que nous puissions simplement utiliser le gris du papier pour tenir le demi-ton signifie que nous devons faire moins de travail et le processus d'ombrage va un peu plus vite. Allez-y et essayez cet exercice par vous-même, et je vous verrai dans la leçon suivante. 6. Techniques de conception: Avant d'entrer dans les projets de dessin, j'aimerais vous présenter quelques techniques de conception que nous allons utiliser dans les prochains exercices. mesure que nous devenons plus avancés en tant qu'artistes, nous voulons commencer à réfléchir non seulement à la façon de rendre nos œuvres plus réalistes, mais aussi à la façon de les rendre plus intéressantes et plus belles. Ces techniques de conception nous aideront à le faire. Perspective atmosphérique. La perspective atmosphérique parfois aussi connue sous le nom de perspective aérienne est quand un objet apparaît plus léger et moins vif au fur et à mesure qu'il s'éloigne du spectateur. Dans cet exemple, la colline la plus proche de la caméra commence relativement sombre et vive. À mesure que nous nous éloignons de plus en plus, les collines semblent plus légères et plus floues. C' est parce qu'il y a de minuscules particules dans l'air, comme la poussière, vapeur d' eau et la pollution, qui peuvent entraver notre vision. Plus un objet est éloigné, plus une particule existe entre le spectateur et l'objet, ce qui la rend moins vivante. En plus de la distance, la qualité de l'air joue également un rôle. Par jour clair comme celui-ci, l'effet de la perspective atmosphérique ne devient pas évident tant que nous n' arriverons pas à ces collines vraiment lointaines. Mais dans cette scène, le brouillard est assez épais pour que même sur une courte distance, le fond soit considérablement plus bruyant que le premier plan. En tant qu'artistes, nous pouvons utiliser la perspective atmosphérique pour communiquer la profondeur ou créer une ambiance dans notre travail. Remarquez comment les éléments de fond qui s'estompent progressivement dans ces tableaux aident à transmettre l'immensité de la scène. Nous pouvons également appliquer la perspective atmosphérique à des sujets plus petits comme cette figure. Ici, la jambe la plus éloignée du spectateur est représentée très légèrement et avec moins de détails. La jambe qui est plus proche du spectateur est légèrement plus sombre, et la tête, qui est la plus proche du spectateur est la partie la plus sombre et la plus vive du dessin. Voici un exemple plus subtil de perspective atmosphérique. Même si ce bras latéral est plus sombre que le reste du dessin parce qu'il est dans l'ombre, l'artiste le dépeint avec très peu de détails. Il fusionne le doigt, la main et le bras en une grande forme, et ce manque de détails pousse le bras dans l'arrière-plan. Chaque fois que votre dessin a un objet qui est plus proche du spectateur qu'un autre, c'est une excellente occasion d'injecter une perspective atmosphérique dans votre travail. Nous allons voir exactement comment faire cela dans les exercices ultérieurs. Vignette. Une vignette est quand vous laissez un dessin s'estomper progressivement plutôt que de s'arrêter brusquement, ce qui peut être choquant. Une vignette assouplit les yeux du spectateur sur un dessin. Cela rend la composition plus attrayante et permet au spectateur d'être plus concentré sur le sujet principal plutôt que d'être distrait par les bords extérieurs. Il existe plusieurs façons de concevoir une vignette. Ici, l'artiste brouille les bords du dessin avec des lignes verticales pour créer une bordure plus douce. Ici, l'artiste indique légèrement le reste de la figure à l'aide lignes, mais choisit seulement de rendre la phase et une partie du torse, qui est le point focal de la pièce. vignettage fonctionnera également pour les dessins d' architecture et de paysage. Conception de fond. Il est très courant pour les artistes d'ajouter un arrière-plan à leur travail. Un fond bien conçu peut aider à accentuer le sujet principal ainsi qu'à créer une belle vignette. Ici, les artistes utilisent un fond abstrait pour encadrer la phase et créer une composition intéressante en forme de V. Ici, le fond sombre aide à faire apparaître le portrait et à ajouter une énergie cinétique au dessin. En plus d'être abstraits, arrière-plans peuvent également avoir une forme définie. Ici, l'artiste utilise un fond rectangulaire pour encadrer la figure , mais il permet également au bas de la figure de s'estomper progressivement et de s'effacer. Un avantage vraiment cool de dessiner sur du papier ton est que vous pouvez utiliser le crayon blanc pour créer rapidement des dessins de fond très frappants. Ici, le crayon blanc est utilisé pour vraiment attirer l'attention sur le point focal et le faire ressortir du reste du dessin. Il existe de nombreuses façons de concevoir un arrière-plan, et dans ce cours, nous allons explorer certaines de ces options. 7. Hachure croisée: Jusqu' à présent, nous avons adopté une approche tonale de notre ombrage en remplissant les ombres d'un ton plat. Mais il existe aussi une approche linéaire pour créer de la valeur appelée hachure. Avec les hachures, nous dessinons simplement un tas de lignes parallèles les unes à côté des autres pour créer un patch de ton. Si nous voulons rendre la valeur plus foncée, nous allons changer l'angle et appliquer une autre couche de lignes hachurées au-dessus de la première. Parce que les lignes se croisent les unes sur les autres, cette technique est appelée hachures croisées. Nous pouvons continuer à superposer des lignes hachurées comme celle-ci pour continuer à augmenter la valeur. éclosion et l'éclosion transversale sont fondamentalement la même technique. Vous m'entendez peut-être utiliser les deux termes de façon interchangeable. Les lignes de trappe peuvent donner à un dessin un look vraiment cool et stylisé, et permettre à l'artiste d'être vraiment créatif avec son ombrage. hachures croisées peuvent aller de motifs simples à des conceptions vraiment complexes. Nous explorerons les subtilités des techniques d'éclosion dans les futurs cours. Pour l'instant, je veux vous présenter l'idée d' éclosion et comment l'incorporer dans votre ombrage tonal. Reprenons quelques exercices de base. Commencez par faire des lignes de hachures parallèles avec votre crayon comme ça. Essayez de garder la longueur, la valeur et la distance entre les lignes cohérentes. Il s'agit d'un exercice assez simple, mais il faut un peu de coordination. Les erreurs les plus courantes sont de faire varier la longueur et l'angle des lignes, rendre certaines lignes plus foncées ou plus claires et de rendre l'espacement des lignes incohérent. Essayez également d'éclosion dans des directions différentes. Vous trouverez probablement que vous avez un angle préféré. C' est tout à fait naturel. Pour moi, va en diagonale comme ça. Une fois que vous êtes à l'aise avec cela, essayez d'ajouter une petite courbe aux lignes de trappe. Rendre également la ligne légèrement plus courte à mesure que vous progressez. Cela aide à rendre la hachure plus intéressante, et je trouve que j'utilise beaucoup ce motif dans mes dessins. Vous pouvez expérimenter avec rendre les lignes plus courbes et les déplacer dans des motifs intéressants. Pour ce style d'éclosion, il aide vraiment à dessiner avec votre épaule plutôt que simplement votre poignet. Une fois que vous êtes à l'aise avec l'éclosion, nous pouvons pratiquer l'éclosion transversale. Commencez par les lignes de hachure. Ensuite, je vais changer légèrement l'angle et créer une autre couche de lignes de hachure. Encore une fois, je fais les lignes légèrement incurvées et stupéfiantes la longueur. Nous pouvons ajouter autant de couches que nous le voulons pour créer une valeur plus foncée. Vous pouvez vous entraîner à créer différentes formes et motifs lorsque vous croisez des hachures. Une astuce à garder à l'esprit est que lorsque vous faites des hachures croisées, j'essaie d'éviter que les lignes se croisent à un angle perpendiculaire. Cela tend à donner un aspect rigide au dessin. Il peut y avoir des moments où j'utiliserais ce modèle, disons quand j'essaie de créer une texture. Mais en général, j'ai tendance à l'éviter. Au lieu de cela, je préfère dessiner le deuxième ensemble de lignes à un léger angle par rapport à la première. Je trouve que cela crée une apparence plus agréable. Mais bien sûr, à mesure que vous ajoutez de plus en plus de couches , vous ne pouvez pas vous empêcher de traverser les lignes à un angle de 90 degrés. Mais d'ici là, il ne sera pas très perceptible. D' accord. Continuez et pratiquez ces exercices, et dans les leçons ultérieures, nous apprendrons comment appliquer les hachures ainsi que les autres techniques de conception à nos dessins. 8. Papier gris : figure en bois: Dans cette leçon, nous allons dessiner cette figure en bois. Ça peut sembler compliqué, mais ne vous inquiétez pas. Ce mannequin est vraiment composé de toutes les formes de base, et en le dessinant, nous allons apprendre à traiter avec l'ombrage des formes simples sur papier tonique. La première chose que je vais faire est de créer un croquis très léger et rugueux de toute la figure. Je vais simplifier la figure en forme d'ovales et de cylindres. Je vais m'efforcer de saisir la proportion et l'emplacement du sujet, mais comme ce n'est qu'une ébauche, je m'attends à apporter des modifications à ces estimations plus tard. Ce croquis rugueux nous aide à établir la taille du sujet et à s'assurer que tout ira confortablement sur la page. Quand il s'agit de sujets complexes, en particulier la figure humaine, il y a tellement de pièces mobiles qu'il peut être difficile savoir la taille dont vous avez besoin pour fabriquer chaque pièce. Les débutants rendent souvent le sujet trop petit ou trop grand et finissent par recadrer un bras ou une jambe. Ici, je fais une première estimation de la taille de la tête, puis, en basant les proportions du torse et des bras sur la taille de cette tête. Cela me permet de voir à quel point la figure finira par être et si elle tiendra confortablement sur la page. Parfois, en faisant cela, je découvre que ma taille initiale de tête donnerait un chiffre trop grand ou trop petit. Dans ce cas, je réajusterais la taille de la tête et répéterais le processus d'ébauche de la figure. Encore une fois, c'est pourquoi il est important de garder vos marques très légères afin que vous puissiez faire des ajustements facilement. Une fois que je suis satisfait des proportions et de l'emplacement de base, je vais revenir sur le croquis grossier avec des marques plus sombres et faire ressortir les détails. Remarquez comment sur la deuxième passe, mes lignes s'écartent un peu de l'esquisse initiale. J' utilise le croquis rugueux pour affiner mes suppositions et rapprocher le dessin d'une vraie précision. À la fin de la journée, c'est tout le dessin, deviner. Souvent, les élèves sont gelés par une page blanche parce qu'ils ont l'impression qu'ils ont besoin de tout faire correctement la première fois. Eh bien, ce n'est pas du tout le cas. Vous faites des suppositions grossières au début. Ensuite, vous évaluez ces suppositions et faites des ajustements pour vous rapprocher de la vérité. Vous continuez à répéter ce processus jusqu'à ce que vous soyez satisfait du résultat. En outre, lorsque vous dessinez ce chiffre, assurez-vous de faire attention aux formulaires qui se chevauchent. Par exemple, l'articulation de l'épaule est une sphère. On ne peut pas voir toute la sphère. Il est partiellement chevauché et recouvert par le cylindre du bras supérieur. En même temps, l'épaule chevauche la forme du torse. Ces chevauchements indiquent au spectateur que l'épaule est devant le torse et que le haut du bras est devant l'épaule. Les recoupements subtils sont partout sur cette figurine en bois et ils sont extrêmement importants à montrer dans les formes 3D, alors assurez-vous de les capturer. Maintenant, on peut examiner le dessin pour voir s'il y a quelque chose à réparer. Je vois que cette tête doit être légèrement décalée vers la gauche, donc je vais aller de l'avant et faire cette correction. On peut voir un peu du plan inférieur de la tête. Nous l'indiquerons avec une ellipse très fine. Ensuite, je vais faire un passage de plus sur le dessin pour ajouter les très petits détails comme les sous-plans des parties du corps. Je vais également apporter de petits changements aux lignes partout où je le jugerai bon. Si je suis confiant qu'une zone est exacte, je vais aller de l'avant et assombrir ces lignes. En regardant la référence, nous pouvons voir que tout n'est pas clairement mis au point. Le bras qui est plus éloigné du spectateur, ainsi que sa jambe arrière, est floue et déplacé. Cela crée un effet atmosphérique qui fait reculer ces éléments d'arrière-plan et permet d'attirer l'attention du spectateur sur les parties de la mise au point. Nous allons intégrer cela, en fait, dans notre dessin en gardant les lignes et l'ombrage sur le bras et la jambe latéraux très légers et flous. Ensuite, nous utiliserons la même procédure d'ombrage que nous utilisons toujours. Commencez par séparer le côté lumineux du côté ombre. Le corps de ce mannequin en bois est très arrondi, donc je vais utiliser le côté de mon crayon pour créer des bords souples pour le terminateur. Même si les ombres de cette référence sont assez évidentes, il y a encore une certaine créativité dans la conception des formes d'ombre. Votre cartographie des ombres n'est peut-être pas exactement la même que la mienne, mais c'est bon. Tant que vous prenez une décision ferme sur l'endroit où le terminateur doit aller, le dessin aura l'air tridimensionnel. Nous allons également cartographier dans l'ombre du bras latéral, mais n'oubliez pas de garder les marques ici plus légères que le reste du dessin. Ensuite, nous pouvons remplir le côté de l'ombre avec un ton plat. Pour le bras latéral éloigné, j'utiliserai des lignes de hachures parallèles pour garder la valeur dans cette zone plus subtile. Ensuite, nous ajouterons les ombres d'occlusion plus foncées. Ce sont les crevasses des articulations de la figure où moins de lumière est capable d'entrer. Nous ajouterons également quelques petites ombres lancées créées par le corps de la figure. Je trouve que l'ajout de ces ombres plus sombres aide vraiment à transmettre la profondeur des crevasses et donne au dessin beaucoup plus de volume. Même si vous ne le voyez peut-être pas dans la vidéo, j'affûte fréquemment mon crayon pour maintenir une pointe pointue. Un crayon pointu est crucial pour créer ces petits détails. Maintenant, nous pouvons ajouter dans les ombres de base et les lumières réfléchies. En fait, nous ne voyons pas beaucoup d'ombre ou de lumière réfléchie dans cette référence. C' est parce que le mannequin n'est pas debout à côté d' une surface qui pourrait rebondir la lumière dans les zones d'ombre. Mais parce que l'ombre et la lumière réfléchie sont si utiles pour montrer la forme d'un objet, nous allons les effacer de quelque façon que ce soit. Pour ce faire, je vais suivre le terminateur et créer une ombre de noyau plus sombre. Cela créera à son tour la zone de lumière réfléchie plus légère. Remarquez comment la figure semble beaucoup plus tridimensionnelle après avoir ajouté dans l'ombre du cœur. C' est pourquoi j'aime tellement exagérer les ombres du cœur. Maintenant, la transition entre la lumière et l'ombre est encore un peu abrupte, surtout pour la forme arrondie comme cette figure. Je vais revenir sur le terminateur et ramollir le bord pour créer une transition plus douce. Cela aidera la figure à paraître plus arrondie. Nous voulons également nous assurer que les jambes disparaissent progressivement plutôt que de se terminer brusquement. Les choses ont l'air plutôt bien. Encore une fois, notez que jusqu'à présent le processus d'ombrage est exactement le même que si nous dessinions sur du papier blanc. Ensuite, nous allons utiliser le crayon blanc pour ajouter dans les zones claires. Mais avant, je vais utiliser une gomme pour nettoyer les taches où j'ai l'intention d'appliquer le charbon blanc. Souvent, vos mains tache le pigment sombre légèrement les faisant entrer dans le côté clair. En effaçant le papier d'abord, assurera une application propre. Maintenant, nous pouvons entrer avec le crayon à charbon blanc et établir les zones claires. Il peut être très facile d'exagérer le charbon blanc, donc je vous recommande de commencer légèrement et de faire une pause pour évaluer à quoi il ressemble. On peut toujours ajouter plus de pigments blancs plus tard. Assurez-vous de laisser un peu d'espace entre les tons sombres et le ton blanc afin que la qualité du papier puisse agir comme une transition entre les deux. Je vais également appliquer le crayon blanc sur le bras latéral éloigné. Mais encore une fois, j'utiliserai des lignes de hachures parallèles pour garder la valeur plus subtile. Ce sont tous les éléments d'ombrage que nous devons ajouter. Maintenant, nous avons juste besoin de passer sur le dessin et augmenter le contraste en assombrissant les ombres. Pendant que je fais cela, je suis à la recherche d'occasions d'ajouter des arêtes perdues au dessin. Par exemple, à l'articulation de l'épaule, j'assombrit ce contour afin de souligner le chevauchement entre l'épaule et le torse. Mais alors je laisse la ligne s'estomper progressivement dans l'ombre du torse créant un subtil bord perdu. Il y a un certain nombre de bords perdus ici dans le bas du corps où les lignes apparaissent et disparaissent dans l'ombre. Bien sûr, il y a un tas de bords perdus dans le bras latéral éloigné où les lignes s'estompent dans le gris du papier. Je vais assombrir certaines lignes sur ce bras, mais ensuite les laisser s'éclaircir graduellement au fur et à mesure que nous avançons plus loin. La figure est complète, mais elle semble un peu ennuyeuse, juste debout là tout seul, donc nous allons ajouter un arrière-plan pour le rendre plus intéressant. Pour celui-ci, allons-y avec un motif de cercle. Trouver tout objet autour de la maison qui peut être utilisé comme modèle de cercle. Je vais utiliser ce couvercle de bocal. Si votre objet a une taille différente du mien, ne vous inquiétez pas, c'est parfaitement bien. Testez où vous voulez placer un cercle et dessinez-le avec le charbon de bois blanc. Ce fond fera vraiment sortir la figure. Je vais le mettre au point où je veux que le spectateur regarde. Assurez-vous de ne pas dessiner sur la figure elle-même. Maintenant, nous pouvons épaissir la ligne et créer une bordure intérieure le long du contour de la figure. Déjà le dessin semble beaucoup plus intéressant. Ensuite, je vais aller de l'avant et utiliser des hachures pour remplir le cercle. Notez que je ne superpose pas ces lignes de trappe sur celles de l'autre. Au lieu de cela, je mets chaque groupe de lignes l'un à côté de l'autre pour créer un motif aléatoire. La clé est de mélanger la direction de chaque groupe afin qu'ils ne deviennent pas trop répétitifs. C' est en fait plus dur que ça n'en a l'air, alors prenez votre temps avec celui-ci. Bien sûr, c'est juste une façon de remplir le cercle. Vous pouvez également le remplir avec un ton plat ou utiliser des lignes parallèles allant dans la même direction. N' hésitez pas à explorer les différentes possibilités. Bien joué. Allez-y et essayez cet exercice par vous-même. Amuse-toi bien, et je te verrai dans la prochaine leçon. 9. Papier gris : Teapot: Dans cette leçon, nous allons dessiner cette théière en utilisant une combinaison de dessin d'observation et de dessin construit. Cet exercice nous aidera à apprendre à ombrager les surfaces brillantes. Nous commencerons par dessiner un ovale pour le corps de la théière. Cet ovale sera plus large que sa queue. Ensuite, nous allons dessiner une ellipse pour l'ouverture supérieure de la théière. La ligne centrale nous aidera à garder les choses symétriques. Dessinez une ellipse plus petite dans la première pour indiquer l'épaisseur de la jante qui s'ouvre. Ensuite, dessinez sur les côtés pour indiquer la hauteur. Ensuite, nous allons dessiner dans la poignée ronde du couvercle. Dessinez dans la fixation de la poignée sur le couvercle. Cet attachement est très subtil dans la référence, mais je vais l'exagérer dans le dessin. Maintenant que nous avons dessiné dans l'ouverture et le couvercle, je peux voir que le corps de la théière est un peu trop petit, donc je vais l'agrandir un peu. Maintenant, on peut mettre la poignée. Il y a un coin ici où la poignée change de direction. Voici la surface extérieure de la poignée. Ce bord intérieur établira l'épaisseur de la poignée. Il y a la fixation de la poignée à la théière elle-même. Laisse-moi juste assombrir et nettoyer ces lignes. Ensuite, nous allons dessiner dans la base de la théière qui regarde à peine. Enfin, nous allons mettre dans le bec. Il y a le corps du bec et il y a l'ouverture. Ces lignes d'angle, même si elles sont très subtiles sur la référence, aideront à établir la structure du bec. Maintenant, nous voulons regarder sur cette couche et nous assurer qu'il n'y a pas d'erreurs que nous devons corriger. En supposant que tout soit précis, nous pouvons passer à la phase d'ombrage. Je vais commencer par cartographier dans l'ombre coulée. Ensuite, séparez le côté lumineux du côté ombre sur le corps de la théière. Cette zone de l'ouverture et du couvercle peut devenir un peu déroutante, alors laissez-moi clarifier un peu. Voici l'ombre moulée créée par la jante qui s'ouvre sur le couvercle. J' exagère un peu les ombres par rapport à ce qui est réellement dans la référence. De ce côté, il y a l'ombre coulée créée par le couvercle sur l'ouverture. Ensuite, nous allons remplir l'ombre avec un ton plat. Avant d'aller plus loin, parlons de la façon dont nous voulons concevoir une perspective atmosphérique dans ce dessin. Nous pouvons voir qu'il y a un peu de profondeur dans cette image. La poignée est la plus proche du spectateur, suivie du corps, et le bec est le plus éloigné. Chaque fois qu'il y a un objet plus proche et un autre plus éloigné, nous pouvons transmettre cette profondeur au spectateur en rendant l'objet Far Side moins vivant. Alors que nous poursuivons le processus d'ombrage, je vais rendre la valeur dans le bec très légère et floue par rapport au reste du dessin. Je vais rendre les détails sur la poignée très nette et définie. Contrairement à l'exercice mannequin en bois où la perspective atmosphérique nous est donnée par la référence. Ici, nous l'injectons nous-mêmes dans le dessin. Maintenant que nous avons le côté de l'ombre rempli, nous pouvons ajouter les ombres d'occlusion plus sombres. Je vais commencer à la base de la théière où moins de lumière sera en mesure d'entrer. Cette référence ne montre pas beaucoup d'ombre d'inclusion, donc je prends quelques libertés ici. Il y a une ombre d'inclusion ici à la fixation de la poignée. Celui-ci est un peu plus évident dans la référence. Je vais ajouter une mince ombre ici pour séparer la base de la théière du corps. Je vais assombrir ce côté de la poignée pour souligner qu'il est détourné de la lumière. La main du couvercle jette une ombre sur la théière. Il devrait y avoir une ombre d'occlusion près de la base de la poignée. Notre sombre dans cet évidement ici où le couvercle et la jante d'ouverture font contact, pas beaucoup de lumière sera en mesure d'y entrer non plus. Ensuite, nous ajoutons dans les ombres de base. À partir de cette poignée de couvercle sphérique, nous pouvons certainement voir une distinction entre l'ombre centrale et la zone de lumière réfléchie en dessous. Il y a une lumière réfléchie très forte le long du corps du couvercle parce qu'il est assis juste à côté de ce bord d'ouverture, qui rebondit la lumière dedans. Comme nous le savons, une forte lumière réfléchie créera une ombre de noyau forte. Ensuite, nous pouvons voir dans la zone de la lumière réfléchie au fond du corps de la théière. Ce qui veut dire que cette zone sera l'ombre centrale. Pour une grande ombre comme celle-ci, nous devons faire un effort pour créer une transition en douceur entre l'ombre centrale et la lumière réfléchie. Ne les faites pas sauter brusquement de l'un à l'autre. En revenant à la jante d'ouverture, il y a une ombre de noyau définie le long ce bord où la forme de la jante change de direction. Encore une fois, cela est dû à la forte zone de lumière réfléchie créée par les lumières rebondies qui sortent du corps du couvercle. Enfin, il y a des ombres fondamentales qui courent le long de ce bord de la poignée. Maintenant, nous sommes prêts à ajouter le crayon blanc. Encore une fois, j'utilise ma gomme pour nettoyer la surface d'abord. Pour ce dessin, je veux vraiment capturer la qualité réfléchissante de cette théière en porcelaine, donc je vais faire quelque chose d'un peu différent. Je vais utiliser le charbon de bois blanc juste pour les faits saillants. Je vais utiliser le ton gris du papier pour représenter les zones lumineuses centrales. Cela permettra aux points forts de se démarquer parmi tous les autres pigments plus foncés et de paraître beaucoup plus lumineux. Comme vous le savez, plus les reflets apparaissent, plus la surface sera brillante. Comme vous pouvez le voir, juste en ajoutant ces minuscules reflets, le dessin devient instantanément beaucoup plus tridimensionnel et nous pouvons vraiment sentir la surface brillante de la théière. Ensuite, j'utiliserai le crayon de couleur pour assombrir légèrement le demi-ton pour créer une transition en douceur entre les ombres et les zones lumineuses centrales. Maintenant, nous avons juste besoin de revenir sur le dessin et d' affûter certaines lignes et d'assombrir les ombres. L' assombrissement de la valeur devrait rendre le surlignement encore lumineux et donner au dessin beaucoup plus d'impact. Je suis surtout juste assombrir les ombres du noyau, du casting et de l'occlusion et adoucir le demi-ton. On a complètement ignoré cette partie, alors accordons-lui un peu d'attention. Je vais assombrir un peu les ombres ici, mais nous allons faire attention à ne pas en faire trop. Nous voulons toujours qu'il s'estompe en arrière-plan. Je vais aiguiser cette ligne pour souligner le chevauchement et montrer que le corps de la théière est en face du bec. Mais je vais m'assurer de le laisser s'estomper graduellement en un bord de perte. Je vais ajouter une ligne avec des variations tout au long du dessin pour le rendre plus intéressant. Ensuite, permet d'alléger ces deux zones du côté de la lumière pour créer des bords de perte. C' est tout pour la théière. Maintenant, nous avons juste besoin de créer un arrière-plan pour le dessin. Je vais commencer par utiliser le crayon blanc pour créer un contour autour du contour de la théière. Je garderai le contour du côté lumière du dessin comme c'est là que se trouve notre point focal. Ensuite, j'utiliserai le même motif de hachures que nous l'avons fait dans le dessin mannequin en bois pour créer l'arrière-plan. Si vous en avez besoin, utilisez un morceau de papier pour poser votre main afin de ne pas tacher le dessin. Comme nous sortons plus loin de la théière, je vais progressivement diminuer la pression des lignes de trappe afin qu'elles deviennent plus légères et plus légères jusqu'à ce qu'elles se fondent dans le gris du papier. Cela créera une vignette qui facilitera les yeux du spectateur hors du dessin sans être trop brusque. Bien sûr, ce n'est qu'une façon de concevoir l'arrière-plan. Si vous voulez, je vous encourage à essayer votre propre design. Au fur et à mesure que vous devenez plus expérimenté, vous serez en mesure d'obtenir beaucoup plus de créativité avec les arrière-plans. C' est ça, on a tous fini. Amusez-vous avec ce dessin et je vous verrai dans la prochaine leçon. 10. Paper : Grey Eye: Dans cette leçon, nous allons dessiner cet œil qui nous aidera à nous apprendre à ombrager des formes organiques complexes en utilisant du papier tonique. Je vais commencer par dessiner en forme de sourcil. Remarquez comment je simplifie les courbes du sourcil en segments en ligne droite. Plutôt que de s'enliser avec toutes les subtiles ondulations, la forme entière peut être distillée avec seulement une poignée de segments de ligne. Cela rend non seulement les choses plus faciles à dessiner, mais cela donnera également à votre dessin plus de structure et le rendra meilleur look. J' indiquerai légèrement le pont du nez. Ensuite, nous allons esquisser dans le pli de la paupière. Encore une fois, notez que nous sommes en train de diviser cette courbe en segments à trois lignes. Il y a un rythme de courbe qui relie la fin du pli avec le sourcil, ce qui aide à attacher les éléments ensemble. Ensuite, dessinons dans l'ouverture de l'œil. Cette partie est un peu plus sinueuse mais vous pouvez toujours voir qu'elle a une structure directionnelle à elle. La ligne s'angle vers le haut, puis se croise, puis les angles vers le bas. La partie inférieure s'oriente vers le bas, puis vers le haut, puis vers le bas. Capturer ces changements directionnels vous aide à éviter l'erreur très courante de dessiner des yeux en forme d'amande où tout est courbé de la même manière. Maintenant, nous allons dessiner dans la forme de l'iris. La forme est un cercle, mais la partie supérieure sera couverte par la paupière supérieure. Lorsque je dessine l'iris, je trouve très utile de regarder l'espace négatif dans le blanc de l'œil pour m'aider à juger le placement et la taille de l'iris. Ensuite, nous allons dessiner dans l'épaisseur des paupières. Les paupières ne sont pas seulement des morceaux plats de peau, elles ont une épaisseur définie. La plus grande partie de l'épaisseur de la paupière supérieure est couverte par les cils, bien que vous pouvez encore voir un peu de celui-ci fouiller dans le coin. Nous pouvons voir clairement l'épaisseur de la paupière inférieure. L' une des erreurs les plus courantes lors du dessin des yeux est d' oublier d'ajouter cette épaisseur aux paupières. Ensuite, il y a un renflement subtil sous l'œil créé par le volume sphérique du globe oculaire. Donc, nous allons l'indiquer avec un bord doux comme ça. Maintenant, évaluons le dessin pour voir s'il y a quelque chose que nous devons corriger. On dirait que le sourcil est un peu trop long, donc je vais le raccourcir et le rapprocher de l'œil. Enfin, je vais dessiner dans l'élève, ainsi que la forme du point culminant. Il y a en fait un autre point culminant plus subtil à gauche de l'élève, mais je pense que cela va faire paraître le dessin un peu trop occupé, donc nous allons juste l'oublier. Maintenant, nous sommes prêts pour que l'ombrage commence par mapper dans les ombres pour séparer le côté lumineux du côté ombre. Les bords de l'ombre sur cet œil sont très doux et diffus, ce qui peut rendre vraiment difficile de savoir où placer le terminateur. Donc, plutôt que d'essayer de copier la référence, prenez simplement une décision sur la façon dont vous voulez que les formes d'ombre soient apparentes. Utilisez la photo pour vous inspirer, mais injectez une partie de votre propre design. Si vous n'êtes pas sûr, copiez ce que j'ai pour le moment. À mesure que vous devenez plus expérimenté, vous aurez une meilleure idée de ce qui rend un motif d'ombre attrayant. C' est l'ombre à ce coin de l'œil où moins de lumière est capable d'atteindre. Je vais tailler une place pour ce petit point culminant sur la peau. Ensuite, nous pouvons remplir le côté ombre pour voir à quoi ressemble le dessin. Il y a aussi une ombre claire jetée sur le globe oculaire par la paupière supérieure. C' est un détail très subtil, mais ça peut vraiment aider à montrer l'épaisseur de la paupière supérieure. Juste en séparant la lumière et l'ombre, nous sommes déjà en mesure d'obtenir une lecture assez réaliste. Maintenant, nous pouvons faire le rendu plus détaillé. Commençons par les zones les plus sombres et les plus évidentes comme l'iris. Il y a beaucoup de détails complexes dans cet iris, donc nous allons essayer d'en faire une copie carbone. Au lieu de cela, nous allons le simplifier en un motif de rayons de soleil comme ça. Commencez par assombrir le bord extérieur de l'iris, puis dessinez des lignes minces qui commencent le bord et pointent vers la pupille au centre. Le détail clé à garder à l'esprit ici est de faire pivoter progressivement les lignes au fur et à mesure qu'elles pointent toutes vers le centre de l'élève. Assurez-vous également de faire varier la longueur, l'obscurité et la concentration des lignes afin que le motif ne devienne pas trop répétitif, certaines lignes soient plus courtes ou plus longues, plus foncées ou plus claires, et qu'elles mettent plus de lumière dans certaines zones que d'autres. Si cela aide, vous pouvez penser à la pupille comme le soleil et ces lignes sont comme les rayons du soleil qui en émanent. Je vais épaissir le bord extérieur de l'iris un peu plus. En revenant à la référence, si nous regardons de près le point culminant, nous pouvons effectivement voir de minuscules reflets des cils. Donc, je vais aussi les indiquer dans le dessin. Vous n'avez pas à les copier exactement, juste quelques lignes ici et là fera l'affaire. Maintenant, nous sommes prêts à dessiner dans les cils supérieurs. Les cils s'enroulent et sortent du bord du couvercle supérieur, et nous pouvons voir ce curling très clairement le long de cette extrémité de l'œil. Encore une fois, essayez de varier la longueur des cils individuels. En outre, les cils se croisent les uns sur les autres, alors ne les dessinez pas comme des lignes parallèles. Le long de cette extrémité de l'œil, les cils ne seront pas aussi visibles, c'est parce que sous cet angle, les cils pointent directement vers le spectateur et apparaissent donc pour raccourcir, bien que nous puissions encore voir certains des cils curling vers le bas . Ensuite, nous allons ombrager dans le sourcil. La clé pour dessiner un sourcil réaliste est de prêter attention à la direction de la croissance des cheveux. La première couche de cheveux ira dans une direction diagonale le long du sourcil. Chaque coup que je dessine commence au bas du sourcil et va vers le haut. Lorsque j'atteins la fin de la course, je vais alléger la pression sur le crayon de sorte que la fin de la ligne soit plus mince que le début. Cela aidera à imiter la structure des cheveux où la pointe est plus mince que la base. Comme toujours, est très important de varier légèrement la longueur, l' angle et l'obscurité de chaque cheveu. La deuxième couche de cheveux commencera à partir du haut du sourcil, et ils s'inclineront légèrement vers le bas. Il n'y a pas autant de ces poils, mais ils aident à remplir le sourcil par le haut. Les poils deviennent plus légers et plus courts à mesure qu'ils atteignent la fin du sourcil. Une fois que nous avons le motif général dans les cheveux esquissés, nous avons juste besoin de répéter le même processus pour rendre le sourcil plus sombre et plus complet. N' oublions pas les cils inférieurs des yeux. Encore une fois, ces cils vont pousser à partir du bord du couvercle inférieur et ramper vers le bas, mais ils seront beaucoup plus courts et moins que les cils en haut. Ensuite, je vais mettre une ombre de noyau léger le long du pont de ce nez pour aider à montrer que son saillie vers l'avant. Je vais également ajouter un peu de ton au bord du conduit lacrymal pour montrer qu'il a aussi une certaine profondeur. C' est tout pour le côté de l'ombre. Maintenant, nous sommes prêts à aborder le côté de la lumière. Comme d'habitude, je nettoierai les zones où le pigment blanc va aller. Je commencerai par remplir ce point culminant dans les yeux. Nous voulons que le point culminant soit aussi brillant que possible, alors faites attention à ne pas mélanger le charbon de bois blanc avec les pigments sombres. Ensuite, nous allons faire le reste de l'iris, qui juste remplir l'espace vide qui a été découvert avec le crayon de couleur rouge. Ensuite, nous allons passer au blanc de l'œil. On n'appliquera pas le charbon blanc à toute cette zone. Au lieu de cela, nous ne l'utiliserons que pour indiquer les zones du globe oculaire qui dépassent le plus et qui captent donc le plus de lumière. Je veux que le pigment soit le plus brillant près du bord de l'iris et s'éclaircit graduellement à mesure qu'il se déplace vers les deux zones d'ombre dans les coins. Rappelez-vous, le globe oculaire est fondamentalement une forme sphérique. Il présenterait donc le même motif d'éclairage qu' une sphère que nous avons partagée au début de ce cours. Cette zone que nous dessinons correspondrait à la zone lumineuse centrale de la sphère. Ensuite, nous ajouterons ces faits saillants dans les zones des conduits lacrymaux. Cela aidera à montrer la forme de ces zones charnues roses qui sont dans le conduit lacrymal, et il transmettra également que l'œil est humide et brillant. Ensuite, nous ajouterons le pigment blanc à ce plan supérieur de la paupière inférieure. Ce plan de couvercle est à la ligne vers l'extérieur et reçoit donc plus de lumière. Cette zone de peau sous le conduit lacrymal cache également un peu de lumière. Je vais également ajouter ces reflets très fins le long du fond du globe oculaire. Parfois, l'humidité de l'œil peut s'y accumuler et refléter un peu de lumière. L' ajout de ces faits saillants peut donc indiquer que le globe oculaire est humide et brillant. Passant à la paupière supérieure, j'ajouterai du blanc à cette partie de la peau. Encore une fois, c'est la zone qui déborde le plus et qui attrape donc le plus de lumière. Il y a aussi cette tache de peau qui est assez brillante aussi. Cet œil fait partie d'un visage, mais évidemment on ne va pas tout dessiner. Alors que je vais plus loin, je commence à réfléchir à la façon dont je veux concevoir la vignette que le dessin puisse s'estomper progressivement de manière interactive. Ici, j'utilise des lignes de hachures pour indiquer soudainement le point culminant dans cette zone. Les lignes de hachures aident à garder cette zone plus subtile, et elles ajoutent également un aspect stylisé au sec. Nous allons également appliquer une éclosion transversale à cette zone du front qui est plus brillante parce qu'elle sort plus. Je vais voir les lignes aller dans cette direction et si vous voulez que la valeur soit plus intense, suffit de changer légèrement l'angle et d'appliquer un autre calque dessus. Encore une fois, ces lignes de hachures nous aident à appliquer un ton uniforme sur cette zone tout en la gardant relativement subtile. Ensuite, nous ajoutons des lignes d'éclosion très légères sur ce pont de nez. Cela nous aide à montrer la forme saillante du pont de nez et nous aide également à créer la vignette. Maintenant, nous avons juste besoin de revenir sur le dessin pour augmenter le contraste. Je vais assombrir les sourcils et certaines zones d'ombre. Ici, je assombrit la zone le long du pli de la paupière. Au fur et à mesure que la peau se replie dans le pli, elle devient de moins en moins légère et apparaît donc plus foncée. En assombrissant cette zone, nous aidons à dire au spectateur que la forme est arrondie, inscrivant dans le pli. Je trouve que c'est en fait un détail très important pour aider à rendre l'œil réaliste. La clé ici est de laisser le ton être le plus sombre le long du centre du pli et de s'éclaircir progressivement à mesure qu'il se déplace vers l'extérieur. Sur le côté de l'œil, j'utilise des lignes de hachurage de courbe pour assombrir cette zone. Je laisse également les lignes d'éclosion s' éclaircir graduellement à mesure que nous nous éloignons de l'œil. Cela aide à créer la vignette que nous recherchons. Ici, je assombrit le coin du globe oculaire et essaie créer une gradation lisse entre l'ombre et la lumière. Cela aidera à souligner davantage la forme arrondie du globe oculaire. Afoncez la zone subtile de l'ombre pour indiquer le renflement sous l'œil. Je vais également ajouter une certaine valeur à ce coin de l'œil pour aider à séparer le conduit lacrymal du reste du globe oculaire, et aussi pour montrer le volume arrondi des tissus charnus dans le conduit lacrymal. Ici, je laisse le ton sur le pont du nez pour se transformer progressivement en lignes d'éclosion , puis la ligne devient lentement plus légère et plus espacée et finalement disparaître. Je ferai la même chose pour cette zone sous les yeux. C'est ça et on a tous fini. Comme vous pouvez le voir en utilisant le papier ton et le crayon blanc, nous sommes en mesure de créer un effet très frappant avec cet œil. Amuse-toi bien avec cet exercice et je te verrai dans la prochaine leçon. 11. Introduction au papier noir: Maintenant que vous comprenez comment ombrager sur du papier tonique, j'aimerais vous présenter une méthode légèrement différente d' ombrage en utilisant un crayon blanc sur du papier noir. Ici, au lieu de créer les ombres à l'aide d'un crayon noir, le papier lui-même le ferait pour nous. Nous dessinions simplement dans la lumière à l'aide du crayon blanc. C' est à peu près le dessin à l'envers. Ne vous inquiétez pas, ça a l'air compliqué, mais c'est plus facile que vous ne le pensez. Voici les matériaux que je vais utiliser en dessinant sur du papier noir. Pour revenir à l'exemple de l'échelle de valeur, nous commencerions par remplir le carré numéro 1 avec la valeur la plus brillante que nous pouvons. Nous laisserons le carré 5 blanc et utiliserons le noir du papier pour obtenir la valeur la plus sombre. Ensuite, nous remplissons le numéro 3 carré avec une valeur qui se trouve entre le numéro 1 et le noir du papier. Ensuite, comme vous le savez, nous remplissons le carré numéro 2 avec une valeur comprise entre 1 et 3. Enfin, nous remplissons le carré 4 avec une légère couche de ton pour passer entre 3 et 5. Pour créer la barre de gradation, il suffit d'appliquer le pigment blanc à l'extrémité brillante et de l'estomper progressivement jusqu'à ce que nous atteignions le carré numéro 5. En comparant les trois types d'échelles de valeur, nous pouvons voir qu'ils utilisent tous les mêmes principes d'ombrage. C' est juste qu'ils utilisent une méthode légèrement différente pour créer la valeur et donnent donc un aspect légèrement différent. Le dessin en papier noir peut nous donner un look très cool à contraste élevé, encore plus que le papier tonique ordinaire. C' est donc une grande compétence à ajouter à votre arsenal. En outre, en pratiquant cette méthode unique d'ombrage, vous obtenez une compréhension plus approfondie de la façon de manipuler lumière dans l'ombre pour créer une illusion réaliste. Enfin, je dois souligner que même si vous n'avez pas de papier noir, vous pouvez toujours suivre les exercices. Quelle que soit la couleur du papier tonique, tant qu'il n'est pas complètement blanc, il peut tenir compte de l'ombre. Le papier noir a tendance à fonctionner le mieux en raison du contraste élevé. Mais vous pouvez utiliser n'importe quel papier de couleur que vous avez. Cela dit, entrons dans les projets de dessin. 12. Papier noir : Candles: Dans cette leçon, nous allons faire un simple dessin de cette bougie en utilisant du charbon de bois blanc sur du papier noir. Ce dessin illustrera comment vous pouvez utiliser le contraste du papier noir pour créer un effet lumineux cool. Commencez par simplifier le corps de la bougie en un cylindre. Ensuite, nous ajouterons les bosses et les ondulations dans le corps. agréable à dessiner des sujets comme cette bougie c'est que nous n'avons pas à nous soucier autant de la précision, que si nous dessinions un portrait. Au lieu de cela, nous pouvons utiliser la référence comme inspiration, mais nous permettre d'être un peu plus libre avec les détails. Assurez-vous de laisser un espace au milieu pour la mèche de bougie. Ensuite, dessinons dans la partie supérieure de la mèche, et aussi la flamme. Ensuite, nous allons remplir la zone de flamme. Nous savons que nous voulons que cette zone soit la plus brillante du dessin. J' appliquerai une bonne quantité de pression avec mon crayon. Maintenant, il y a de minuscules taches lumineuses dans le bout de la mèche, donc on va les mettre avec un crayon blanc. Vous aurez besoin d'une astuce fine pour cela, alors assurez-vous d'aiguiser votre crayon. J' essaie d'utiliser des bords tranchants pour séparer la mèche du reste de la flamme de la bougie, et lui donner plus de définition. Ensuite, nous allons mettre un léger glaçage sur cette moitié supérieure de la mèche pour montrer qu'elle est engloutie dans la flamme. Ensuite, remplissez le corps de la bougie. Assurez-vous de laisser un espace où se trouve la mèche. Ici, j'ombrage le corps de la bougie en utilisant des traits verticaux pour donner au dessin une certaine énergie directionnelle. En outre, il est plus facile d'avoir les chocs disparaissent progressivement vers le bas de la bougie. Ensuite, je vais mettre quelques points saillants le long du bord du corps car ce sont les zones qui seraient éclairées par la flamme. Comme vous pouvez le voir, je prends quelques libertés créatives, plutôt que de coller rigidement à la référence photo. Je vais mettre un glaçage léger au fond de la mèche. Ensuite, nous pouvons voir à partir de la référence qu'il y a un effet lumineux autour de la flamme. Je vais donc mettre une valeur de calque légère dans cette zone du dessin. Ensuite, j'utilise mon doigt pour le mélanger légèrement. Cela va adoucir le pigment et faire croire que la flamme de la bougie est vraiment brillante. Maintenant, nous avons juste besoin d'affiner l'ombrage. J' ajouterai plus de pigment blanc à la flamme pour qu'elle se démarque du reste du dessin. Assurez-vous que la flamme s'estompe légèrement, car elle approche du corps de la bougie. Nous éclairerons aussi le corps, en particulier les zones les plus proches de la flamme. Nous voulons faire attention à ne pas rendre le corps de la bougie trop lumineux, au moins il rivalise avec la flamme. Afin de transmettre l'effet lumineux, la flamme doit être l'élément le plus lumineux du dessin. Je vais laisser le pigment blanc se vignetter quand on descend sur le corps de la bougie. Ajoutons plus de valeur au halo autour de la flamme, et laissez-le progressivement s'estomper dans le noir du papier. Mélangez un peu. Maintenant, mon doigt était un peu en sueur, donc j'ai fini par créer des taches dans le halo. C' est l'un des dangers d'utiliser votre doigt pour se fondre. Mais heureusement, celui-ci n'était pas trop mauvais, et je peux tout simplement le renverser avec une gomme. C' est ça, bien joué. Allez-y et essayez ce dessin par vous-même, et je vous verrai dans la leçon suivante. 13. Papier noir : verre: Dans cette leçon, nous allons dessiner cette tasse en verre. Cet exercice nous apprendra à aborder des objets brillants complexes. Nous commencerons par esquisser légèrement dans le corps cylindrique du verre. Mettez dans la base du verre et dessinez dans le bord de la table sur laquelle le verre est assis. L' eau est en pente autour dans le verre, sorte qu'elle forme une forme elliptique légèrement inclinée. Maintenant, nous pouvons commencer le rendu en mettant les lumières les plus brillantes. Il y a quelques points saillants éparpillés sur la jante d'ouverture. La lumière et le motif d'ombre sur ce verre peuvent sembler vraiment compliqués, mais comme vous le verrez, il s'agit vraiment de faire correspondre les formes des reflets tels que vous les voyez dans la référence, et finalement, le illusion du verre va commencer à prendre forme. Ces faits saillants dispersés le long de la jante sont vraiment importants sous la forme du verre. Mais parce qu'ils ne sont pas une ligne continue, ils sont capables de faire allusion à la forme de l'ouverture sans être trop évidente. La surface de l'eau sera l'une des zones les plus brillantes du dessin. Ici, je respecte mes coups de crayon à la forme elliptique de l'eau. Ensuite, nous allons copier les formes abstraites des faits saillants dans la moitié inférieure du verre. Encore une fois, ne vous laissez pas submerger par toutes ces formes complexes. Vous n'avez pas à les copier exactement. Tant que vous capturez la forme générale et le placement, le dessin aura air réel. Lorsque vous dessinez dans ces faits saillants, vous voulez vous assurer qu'ils sont conformes au contour du verre. Parce que nous n'utilisons pas une ligne dure pour tracer la forme du verre, nous nous appuyons sur la forme de ces reflets qui transmettent la silhouette du verre au spectateur. Il y a beaucoup de reflets abstraits dans la base de ce verre qui peut être déroutant. La clé ici est de laisser de petits espaces entre les faits saillants afin qu'ils ne se fondent pas simplement dans une grande forme. D' accord. Maintenant que nous avons les grands points forts mis en place, nous pouvons esquisser dans les reflets les plus subtils. J' ajouterai des stries verticales le long de cette partie du verre. Ces reflets subtils aideront à donner au verre un aspect plus sombre et plus réaliste. Il y a aussi quelques stries carrément de ce côté du verre. Ici, je vais ajouter des patchs abstraits de valeur , puis les adoucir avec mon doigt. Il y a beaucoup de détails subtils dans cette partie inférieure du verre, et je ne vais pas essayer de les représenter tous. Au lieu de cela, je ne fais que dessiner les choses qui me semblent importantes et laisser de côté le reste. Ensuite, nous allons dessiner la lumière réfractée qui frappe la surface de la table. Assurez-vous de distinguer ces lumières du verre lui-même en laissant un petit espace entre eux. Nous voulons que les bords sur ces points lumineux soient très doux, donc je vais les mélanger avec mon doigt. Il y a quelques points lumineux plus subtils dispersés dans toute la table. Nous ajouterons également des pigments blancs au bord de la table, et nous laisserons le blanc s'estomper lentement à mesure qu'il s'éloigne du verre. Encore une fois, j'utiliserai mon doigt pour étaler le pigment autour et couvrir la surface de la table d'une subtile couche de valeur. Maintenant, nous avons juste besoin de revenir sur le dessin et d'affiner l'ombrage. Je vais ajouter quelques pigments à travers les faits saillants pour le rendre aussi lumineux que possible. Cela nous aidera vraiment à obtenir cet effet brillant. L' augmentation de l'intensité des reflets les plus brillants augmente la plage de valeurs du dessin et aide à différencier certains des reflets les plus subtils. Je vais ajouter une touche subtile à cette zone. Ce n'est pas quelque chose que je vois dans la référence, mais je pense que cela rendra le verre plus intéressant. Je vais également ajouter ces deux points forts plus lumineux. Encore une fois, ce sont des embellissements qui ne sont pas réellement dans la référence elle-même. Ensuite, je renforcerai les faits saillants dans ce domaine. J' utiliserai mon doigt pour étaler le pigment et couvrir la moitié inférieure du verre dans une lumière blanche. Cela aidera à donner au verre un aspect trouble. Le dessin est encore un peu sourd par rapport à la référence, donc je vais faire une passe de plus où je pompe vraiment les points forts. Même si nous ajoutons plus de pigment blanc, nous devons faire attention à ne pas couvrir trop le papier noir. Nous avons besoin d'un bon mélange de papier noir montrant à travers pour qu'il puisse contraster avec le crayon blanc. Un peu plus à la table et nous avons tous fini. Comme vous pouvez le voir, en assemblant un tas de formes abstraites ensemble, nous sommes capables de créer l'illusion d'un verre d'eau réaliste. Vas-y et essaye cet exercice par toi-même, et je te verrai dans la leçon suivante. 14. Papier noir : Bird: Dans cette leçon, nous allons appliquer la méthode du papier noir pour dessiner cet oiseau. Cela vous apprendra à créer des textures organiques, ainsi que comment faire face à des motifs d'éclairage plus complexes. Nous commencerons par tracer légèrement une voie rugueuse. Il y a une ligne de fourrure en forme de V qui sépare la tête du corps, et je dessine une forme de cône triangulaire pour le bec. Voici la séparation de l'aile du reste du corps. Il y a la queue qui sort, et je vais esquisser une des jambes debout sur la clôture en bois. Cette voie rugueuse devrait nous aider à capturer les proportions globales. Maintenant, nous pouvons encore l'affiner et ajouter les détails. En commençant par la tête, je vais dessiner un cercle simple pour l'œil et ajouter une tache blanche pour le point culminant. Ce petit point culminant est très important pour montrer la dimension du globe oculaire. Ensuite, nous dessinons dans la tache blanche de cheveux qui entoure la moitié supérieure de l'œil. Ensuite, nous allons dessiner la plus grande tache de cheveux qui se trouve sous l'œil. Alors que je vais le long de la frontière entre les cheveux blancs et noirs, je vais être sûr d'utiliser des traits variés pour simuler la texture ressemblant à la fourrure. Je vais rendre les lignes sur le bec un peu plus fortes et ajouter un peu de cheveux blancs en haut de la tête aussi. Ensuite, nous dessinons dans la grande tache de cheveux blancs sur le corps. Il y a une tache en forme de V de cheveux noirs qui sépare la tête du corps. Remarquez que nous laissons un vide là où se trouverait cette tache de cheveux. Fondamentalement, nous allons utiliser le noir du papier pour tenir debout pour ces cheveux foncés, et nous allons seulement dessiner dans les cheveux blancs sans crayon. Ensuite, nous allons dessiner dans les détails de l'aile. Je vais commencer par un simple contour et grossièrement croquis dans quelques-unes des grandes plumes. Il y a une tache de cheveux blancs sur la partie supérieure de l'aile. La partie centrale de l'aile sera constituée de ces petites plumes bleues avec des pointes noires. Nous dessinerons la forme des plumes et nous remplirons légèrement le corps. Eh bien, nous laisserons la pointe vide pour que le noir du papier puisse le supporter. C' est beaucoup de ces petites plumes et il est facile de perdre une trace de tous les détails, alors n'avez pas l'impression de devoir les copier exactement, faites de votre mieux pour capturer le motif général. Ensuite, nous pouvons voir que l'aile crée une petite ombre coulée sur le corps de l'oiseau. Donc, je vais dessiner sous la forme de l'ombre coulée, et je serai sûr de laisser cette zone vide lors de l'ombrage. Ensuite, nous avons une tache très blanche de plumes sur l'aile, donc je vais remplir cette zone. Pour la partie inférieure de l' aile, les plumes sont dans un motif rayé, donc je vais dessiner ces lignes légèrement incurvées pour les représenter. Il y a une petite tache de cheveux blancs à la fin ici. Maintenant, en ce qui concerne le corps principal, nous pouvons voir que la lumière du soleil vient de la droite, laissant le côté gauche de l'oiseau dans l'ombre. Donc je vais dessiner la séparation entre la lumière et l'ombre sur le corps. Il y a aussi une petite tache de cheveux blancs légèrement incurvés sur le ventre. Encore une fois, assurez-vous d'utiliser des coups de fourrure pour reproduire la texture des cheveux. Ensuite, nous allons dessiner dans une de la jambe. Ici, dans la zone de la queue, il y a une ombre moulée créée par la queue sur le corps, donc je vais être sûr de marquer cette ombre. Il y a la clôture en bois qui recouvre la queue. Finissons le reste de cette jambe, et il y a la partie de la clôture sur laquelle l'oiseau est debout. La moitié supérieure de cette jambe arrière sera dans l'ombre. Nous allons utiliser le noir du papier pour le représenter, mais nous allons toujours dessiner dans le contour extérieur, afin que le spectateur puisse voir qu'il y a une jambe là-bas. On va mettre la dernière partie de la clôture. Je vais prolonger cette queue jusqu'à ce qu'elle soit coupée par la clôture en bois. Enfin, nous allons mettre dans cette séparation entre la lumière et l'ombre dans cette zone sous le bec. Nous en avons assez fini avec la voie, maintenant nous pouvons commencer le processus de rendu. Nous commencerons par remplir les taches blanches de fourrure sur la tête. En remplissant ces zones, je m'assure que mes coups de crayon suivent la direction des cheveux. Il y a des taches blanches sur le dessus de la tête, et il y a une tache blanche à la pointe du bec. Maintenant, on va sauter au-dessus de la zone des cheveux noirs autour du cou et passer au corps. Dans cette zone du corps, les cheveux pointent généralement vers le bas, mais je vais mélanger un peu la direction pour imiter la texture naturelle des cheveux. Inutile de dire que vous voulez vraiment garder vos crayons pointus afin que vous puissiez créer une texture semblable à celle des cheveux. Je vais remplir la tache blanche de fourrure sur le ventre. Puisque cette zone est censée être dans l'ombre, nous allons garder le trait relativement léger. Nous allons également remplir cette zone d'ombre ici. Encore une fois, nous allons garder les traits encore plus légers et espacés afin de laisser plus le papier noir apparaître à travers. Cela aidera à transmettre au spectateur que cette zone est dans l'ombre, et ce côté de la queue sera frappé par la lumière. Ensuite, remplissons les jambes. Nous savons que la lumière vient de la droite. Nous allons donc ajouter du pigment blanc sur le côté droit de la jambe et laisser le côté gauche vide. J' exagère cet effet un peu par rapport à ce qui est dans la référence. Mais cela aidera à transmettre la forme 3D des jambes et des pieds. Nous laisserons la moitié supérieure de la jambe vide. Mais j'ajouterai légèrement ce petit morceau de lumière au bord des cheveux. Maintenant, remplissons la clôture en bois. Il y a beaucoup de texture rugueuse dans le bois. Je vais donc passer en revue le contour de la clôture et ajouter des fissures et des ondulations aléatoires. Ensuite, nous utiliserons le pigment blanc pour remplir les zones touchées par la lumière. J' ajouterai également quelques traits verticaux légers le côté ombre de la clôture pour lui donner une texture subtile. Assurez-vous de faire ces coups un peu aléatoires et chaotiques pour correspondre à la surface rugueuse du bois. Maintenant, nous allons répéter le même processus pour les autres pièces. Ajouter des bosses et des fissures sur le bord du bois. Remplissez le côté clair et ajoutez un peu de texture légère au côté de l'ombre. Pour ce dernier morceau de la clôture, nous allons lui appliquer une perspective atmosphérique en gardant les détails très légers et vagues. Cela aidera à montrer que cette partie de la clôture est plus éloignée du spectateur et permettra au séchage de s'estomper progressivement. Tous les éléments de ce dessin sont essentiellement en place. Maintenant, nous avons juste besoin d'affiner les valeurs pour ajouter plus de contraste et de texture. Je commencerai par rendre les cheveux blancs sur la tête plus brillants. Cette zone de la tête fait face à la lumière, nous devons donc la rendre plus lumineuse afin différencier de l'autre côté qui est dans l'ombre. Nous faisons la même chose que nous avons fait quand nous avons rempli cette zone, sauf que cette fois nous appliquons plus de pression avec le crayon. Au fur et à mesure que je me rapprocherai du côté de l'ombre, je serai sûr d'alléger mes coups. Bien sûr, nous voulons toujours un peu de pigment blanc pour aller de ce côté ombre parce que les cheveux là-bas sont toujours censés être blancs. Nous ajouterons un peu plus de valeur au sommet de la tête. J' ajouterai du blanc à ce côté du bec pour montrer qu'il est frappé par la lumière. Maintenant, pour la bande noire autour du cou de l'oiseau, nous allons la laisser vide, comme vous le savez. Mais si vous regardez attentivement, nous pouvons voir quelques reflets très subtils dans la tache de cheveux noirs. Je vais légèrement mettre quelques petits coups le long de la bande de cheveux. Cela aidera à montrer que les cheveux ont une certaine dimension et empêcher la tête de ressembler à flotter dans l'air. Ensuite, j'ajouterai de la valeur au côté léger du corps. Encore une fois, assurez-vous de mélanger vos coups pour créer la texture des cheveux. J' accorde une attention particulière à la frontière entre le côté de la lumière et de l'ombre. C' est là que l'apparence de la texture est la plus importante. Ici, j'utilise une gomme pour nettoyer l'endroit pour l'ombre coulée créée par l'aile. Cette ombre coulée est vraiment importante pour donner de la profondeur au dessin et montrer que l'aile dépasse du corps. Je veux vraiment mettre l'accent sur l'ombre coulée créée par la queue en renforçant la zone lumineuse. Encore une fois, les ombres projetées sont vraiment parfaites pour montrer la forme du sujet. Ensuite, un peu de lumière réfléchie sur la face inférieure de cette queue. Nous devons faire attention à garder la lumière réfléchie très subtile afin qu'elle ne soit pas en concurrence avec la valeur du côté de la lumière. Maintenant, comme pour la partie supérieure de l'aile, il y a quelques stries de cheveux blancs dispersés partout. Je vais en griffonner quelques ici et là. Cela aide juste à créer un peu de détails subtils pour rendre cette zone plus intéressante. Ensuite, je couvrirai toute la zone avec une légère couche de valeur, et je renforcerai cette tache de cheveux triangulaire pour la distinguer des zones environnantes. Passant à la partie médiane de l'aile, je vais tracer les bords des plumes tout en m'assurant de ne pas ombrager sur les ombres moulées ou les pointes sombres des plumes. Cela aidera les pointes sombres des plumes à se démarquer plus. Je vais aussi augmenter la valeur de cette tache blanche de plumes ici, et enfin pour cette partie inférieure de l'aile, je vais ajouter un peu de blanc à chacune des plumes et renforcer les contours pour mieux séparer chaque individu plumes. Pour être clair, nous n'essayons pas de copier tous les détails qui se trouvent dans cette aile, ce sera trop compliqué. Au lieu de cela, j'essaie juste de capturer assez pour transmettre l'essence de l'oiseau. Ici, j'ajoute plus de blanc sur le côté de la queue qui fait face à la lumière. Ensuite, ajoutons plus de pigment au côté ombre du corps. Même si cette zone est dans l'ombre, elle a toujours une couleur locale blanche et elle devrait donc être plus légère que les cheveux noirs qui sont autour du cou. Maintenant, je vais ajouter encore plus de pigment blanc sur le côté clair du corps pour le contraster du côté ombre. Je tiens le crayon à l'aide de la poignée overhand et de pousser et faire glisser le crayon d'avant en arrière pour créer la texture des cheveux. Cela me permet de créer des lignes plus nettes que si j'utilisais simplement la pointe. Il permet également de varier plus facilement la direction des lignes pour des traits plus dynamiques. En descendant plus loin sur le corps, nous pouvons voir qu'il y a de petites marques blanches sur les pattes de l'oiseau qui les font ressembler presque à des brindilles. Nous ajouterons ça à notre dessin. Nous pouvons utiliser ces lignes presque comme lignes de contour transversal pour aider à décrire la valeur arrondie des jambes. Bien que assurez-vous de les varier un peu pour qu'ils aient l'air plus organique. Assurez-vous également que votre crayon est suffisamment pointu pour créer ces lignes fines. Ensuite, je vais utiliser une gomme pour nettoyer les zones censées être noires, comme les pointes des plumes sur l'aile et les ombres moulées. C' est fondamentalement le contraire de ce que nous ferions en dessinant sur du papier blanc. Au lieu d'utiliser la gomme pour choisir les points forts, nous l'utilisons ici pour choisir les ombres. Je vais également utiliser la gomme pour créer une texture supplémentaire dans les cheveux. Cela me permet d'ajouter quelques stries aléatoires de noir à la fois au côté lumière et à l'ombre du corps. Si nous avons l'impression que nous avons enlevé trop de pigment blanc, nous pouvons toujours appliquer une autre couche de coups de crayon et ensuite je vais faire un autre passage sur le dessin et vraiment augmenter la valeur sur certains des taches. Le corps est particulièrement lumineux vers l'extrémité de la queue, donc je vais appliquer plus de pression dans ce domaine et ajouter un peu plus de blanc à l'aile, ajouter quelques taches lumineuses sur la zone de la queue. J' ajouterai aussi quelques accents blancs à la clôture, et quelques arbustes verticaux légers sur le côté de l'ombre, et c'est tout, nous avons tous fini. J' espère que cela vous a donné une bonne introduction à l'ombrage du papier tonique et certaines des façons dont nous pouvons manipuler la lumière et l'ombre pour créer un effet réaliste. Bien sûr, il y a beaucoup plus à ces idées et nous les explorerons dans les futurs cours. Mais d'ici là, j'espère que vous vous amuserez avec ces exercices et je vous verrai la prochaine fois.