Transcription
1. Introduction: dessin avec la lumière et l'ombre est une classe sur l'illustration en monochrome, se concentrant sur des outils, tels que les stylos et les encres. Je vais enseigner un style d'illustration qui combine le dessin à l'encre et la peinture à l'encre. Si vous souhaitez apprendre la technique de création d'illustrations attrayantes en niveaux de gris, vous souhaitez affiner vos compétences traditionnelles, ou tout simplement vous équiper pour le prochain défi Inktober, c'est une classe pour vous. Bien sûr, vous avez toujours la possibilité d'appliquer ces connaissances sur votre support préféré, qu'il soit traditionnel ou numérique. Les principes que je vais partager sont les mêmes. Salut. Je m'appelle Barbara Bernat, je suis illustratrice et graphiste de Budapest, Hongrie. Mes amis universitaires et moi avons fondé un studio de graphisme appelé Halisten, où nous travaillons en tant que groupe de pigistes. En ce qui concerne les projets individuels, j'ai travaillé avec plusieurs éditeurs sur des livres pour enfants et des couvertures pour les nouveaux arrivants. J' aime essayer différentes techniques chaque fois que je commence un nouveau livre ou une série de livres, pour que je puisse garder mon travail frais et explorateur. C' est ainsi que j'ai trouvé et perfectionné le style que je vais expliquer au cours de ces leçons. Ensemble, nous allons regarder à travers les étapes de création d'une nouvelle pièce à partir de zéro, commençant par les outils les plus couramment utilisés, comment esquisser la composition et comment concevoir l'éclairage d'une illustration. La progression de l'œuvre finale, du croquis aux détails de
polissage, sera traitée dans des leçons distinctes. En fin de compte, vous allez avoir une merveilleuse œuvre d'art à vous. Vous trouverez la liste des articles que j'ai utilisés dans la description. Bienvenue dans ce cours. J' espère que vous l'apprécierez.
2. Inspiration: Mais d'où vient cette illustration en niveaux de gris ? Je vais parler un peu de mes influences dans l'art noir et blanc. Je vais en cours d'art depuis l'école primaire. Ainsi, l'art graphique traditionnel, comme le dessin au crayon, dessin à l'
encre, le charbon de bois, le knockout et la gravure étaient toujours proches de moi. Ces techniques reposent davantage sur la ligne ou le ton que sur la couleur. Vous devez examiner ce que vous voyez d'un point de vue différent. Vous devez transcrire les éléments en formes incolores. Les études de votre environnement peuvent avoir beaucoup comprendre comment la lumière et l'ombre façonnent notre monde, et ces connaissances académiques peuvent être construites dans votre langage visuel personnel. Avoir l'art classique de ce point de vue est également très utile. Le deuxième impact majeur peut être le moment où j'ai commencé à lire des mangas et des bandes dessinées. Je suis entré dans ce monde à un âge très réceptif quand j'avais 13-14 ans. C' était une nouvelle chose, vraiment différente des autres formes de divertissement que je connaissais alors. Bien sûr, le genre lui-même était vraiment excitant, et en plus de cela, contenait des solutions visuelles fascinantes pour les dessins en niveaux de gris. mangas sont traditionnellement noirs et blancs parce qu'il est moins cher de les produire, et les publications hebdomadaires sont tellement programmées que l'artiste ne pouvait pas suivre s'il devait travailler avec la couleur. Cette limitation technique a donné lieu, je pense, à de nouvelles façons créatives pour que les créateurs s'expriment en utilisant uniquement la lumière et l'ombre. En conclusion, étudier les œuvres traditionnelles et consommer beaucoup de bandes dessinées étaient les deux choses qui ont le plus façonné mon style dans les œuvres monochromes. On pourrait dire que l'encre noire est une limitation, mais comme je le vois,
c' est plutôt un défi passionnant.
3. Analyser des œuvres: Je vais montrer quelques illustrations en noir et blanc qui m'
inspirent et expliquent ce que je trouve attrayant en eux. Je pense qu'il est très important d'avoir votre propre source d' inspiration, donc je vous encourage à
rechercher quelques œuvres monochromes que vous aimez et
à essayer de les examiner d'une manière différente qu'auparavant. Qu' est-ce qui attire votre attention ? Quelle est la profondeur de la pensée ? C' est riche ? Fiable ? Y a-t-il plus ou moins de contraste ? La première inspiration que je voudrais vous montrer est cet aquatinte du peintre espagnol Francisco Goya, dont le travail en gravure est également remarquable. Vous pouvez voir que son approche ressemble plus à celle d'un peintre. Il s'appuie fortement sur la lumière et l'ombre pour s'exprimer. Linework est la base, superposée avec quelques tons cohérents. Cette sombre pour l'arrière-plan, et une autre plus légère pour les éléments de premier plan. La seule chose qui est mise en évidence est cette figure et le hibou à l'avant, qui attire immédiatement notre attention sur le personnage principal. Malgré le nombre réduit de tons qu'il utilise, il peut créer une dimension captivante dans son œuvre. Voici une de mes œuvres que je voudrais montrer en parallèle à cette image. Vous pouvez voir qu'il n'y a pas grand-chose en commun entre ces deux-là, sauf l'éclairage de l'image. Tout est coupé avec un ton gris foncé ou clair, exception de la figure centrale. Le seul élément qui est mis en évidence avec du blanc. C' est une astuce simple pour faire sortir votre silhouette de l'arrière-plan. Ma prochaine œuvre préférée est This One Summer, un roman graphique vraiment captivant. Son récit repose largement sur l'illustration. Par conséquent, il a la tâche d'incarner l'atmosphère des nuits d'été dont nous nous souvenons tous. Chaque panneau peut fonctionner comme une peinture autonome. La pose de la lumière est essentielle dans cette bande dessinée. Tous les milieux sont expressifs. Mes favoris sont les petites taches de lumière à travers les arbres. C' est un bel exemple d'éclairage d'une pièce avec un caractère dedans. La source lumineuse, dans ce cas, est une fenêtre qui illumine le mur opposé et le côté de la figure. Vous n'avez pas à avoir peur d'utiliser de grandes ombres cohérentes. Comme vous pouvez le voir ici, ce petit point fort est complètement suffisant pour séparer le personnage de son environnement sombre. L' ombre sombre sur son côté gauche crée un bel éclairage interrupteur avec le mur blanc derrière elle. Le troisième exemple est un manga préféré, Fullmetal Alchemist. Cette page particulière a vraiment coincé dans mon esprit parce qu'elle montre très bien comment jouer avec les lumières peut améliorer la monumentalité d'un environnement. Les faisceaux de lumière impliquent une plus grande force, soulignant le sommet de cet ancien monument. L' image est petite en contraste et le cadre est dans un désert, donc tout est gris clair ou blanc, qui rend toute l'atmosphère éthérée. Le personnage lui-même est également blanc, sauf pour la partie inférieure, qui est noir pur. Cela ancre notre vision en le repérant, mais aussi en ne ruinant pas l'aspect blanc entier de cette image. L' autre panneau que je voulais montrer de ce manga est une scène nocturne, où le protagoniste a écouté sur une conversation. C' est mon illustration où ces deux personnages se cachent. Il utilise un éclairage similaire. Les figures sont sombres, cachées par les ombres. La source de lumière est l'endroit où l'action réelle se produit. Les personnages sont légèrement éclairés à partir de cette source, montrant leur lien avec les événements, qui implique qu'ils y participent passivement. C' est un exemple de la façon dont l'éclairage peut faire partie du récit. Maintenant, n'hésitez pas à chercher quelques œuvres vous-même et à analyser un peu l'éclairage. Ces observations vous aideront à déterminer ce qui vous plaît dans une image et à apprendre des façons d'obtenir un effet similaire dans votre travail. Il est toujours essentiel de s'inspirer pour plus d'une source, sorte que vous pouvez éviter de copier le style distinctif de quelqu'un. Si vous êtes prêt, nous pouvons passer de l'inspiration à la mise en place de nos outils d'action.
4. Outils: Dans cette leçon, nous allons parcourir tous les outils dont vous aurez besoin pour le dessin et la peinture à l'encre. Je vais parler de différents outils d'encrage tels que les stylos à dessin, les stylos tremper et les stylos à pinceau. Je vais également vous montrer mes encres préférées et le papier pour illustrer. Cette technique ne nécessite pas d'outils très spéciaux ou coûteux. Bien sûr, tout le monde a ses préférences. Je vous encourage à essayer différentes marques et à utiliser celle qui est le plus approprié pour votre propre style unique. Toutes les encres et stylos que j'utilise ici sont à base d'eau et résistantes à l'eau après séchage. Je préfère les utiliser parce que de cette façon, l'art au trait ne se tache pas. Il est plus facile de superposer l'encre si nécessaire et à la fin, le résultat est plus permanent. Si vous préférez les encres à base d'eau et non étanches, vous pouvez bien sûr travailler avec elles car elles peuvent produire des résultats similaires. Commençons par le journal. Le papier pour la peinture à l'encre devrait être plus épais. Il doit être capable d'absorber l'humidité sans devenir trop ondulé. Pour cela, l'épaisseur dont vous aurez besoin devrait être d'au moins 200 grammes. J' utilise du papier Fabriano Accademia. C' est un papier fin conçu pour le dessin, mais il convient également pour le dessin à l'encre et la peinture à l'encre. Il a une texture naturelle légère, mais dans l'ensemble, c'est un papier lisse. Si vous aimez ajouter de la texture à votre illustration, il existe de nombreuses options de papier avec une surface plus grossière à expérimenter. La plupart des papiers aquarelle sont parfaitement adaptés à cet effet. Pour le travail en ligne, vous avez beaucoup d'options différentes. D' abord, je vais parler de dessiner des stylos. Ce sont des stylos très précis, résistants à
l'eau, disponibles dans de nombreuses épaisseurs différentes. J' aime vraiment les stylos Sakura Micron parce qu'ils sont riches en pigments même après avoir effacé un peu sur eux. Vous pouvez créer un travail de ligne vraiment précis et détaillé avec ceux-ci, mais vous aurez probablement besoin de plus d'une taille. L' encrage avec des stylos en utilisant des noms différents est la plus ancienne des techniques. C' est peut-être aussi le plus complexe. Vous n'avez pas seulement à utiliser la bonne quantité d'encre ou la bonne quantité de pression et l'angle droit. Ce n'est pas si difficile que cela puisse paraître, mais cela nécessite plus de pratique que les autres techniques. Ce que j'aime dans l'encrage avec une plume, c'est la nature plus rustique du travail en ligne. Il a de légères imperfections mais les lignes peuvent être très dynamiques en même temps. Ma préférence pour les plumes est la plume dite corbeau plume. Il est vraiment flexible, parfait pour dessiner dans un style comique. Il peut produire à la fois des lignes épaisses et minces. L' outil que j'ai fait pour moi-même avec cette plume est en fait un pinceau. Je l'ai appliqué à l'extrémité de la poignée, donc je n'ai à le retourner que si je veux passer rapidement de l'encrage à la peinture. De nos jours, les outils les plus confortables pour moi sont les stylos à pinceau. Ils sont faciles à manipuler, la ligne devient variable avec juste réglage de la pression. Ils ne tordent pas et vous n'avez pas à attendre que la ligne sèche. Ma marque préférée est le stylo pinceau Tombow Fudenosuke. Il est livré dans un lot de deux avec des pointes dures et souples. J' utilise la pointe souple pour la plupart du travail et la dure pour les détails plus fins. Quant à l'encre, je vais montrer la technique pour l'encre d'Inde. Il forme une couche imperméable à l'eau sur votre papier après séchage et il ne peut pas être mélangé par la suite. J' ai essayé beaucoup d'encres différentes au fil des ans, mon favori actuel est deleter encre noire numéro 4. Il est étanche comme je l'ai mentionné et noir extra foncé. Il est facile de créer de la dimension avec ses épines trempées. Ce que nous allons également avoir besoin pour la partie peinture, ce sont des pinceaux de différentes formes et épaisseurs. Je préfère les pinceaux naturels plus doux pour cette technique, mais si vous avez un goût différent, vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau avec lequel vous êtes à l'aise. N' oubliez pas que les encres imperméables peuvent sécher dans votre brosse, alors utilisez-en une que vous n'utilisez pas pour autre chose ou lavez rapidement après chaque phase. Pour esquisser, je vais utiliser un simple crayon mécanique avec 2B fait. C' est tout à fait à toi aussi. La seule astuce pour cette partie que je peux donner est qu'il est préférable
d'utiliser un crayon plus doux pour que le croquis puisse facilement être retiré et ne laisse pas de marque permanente sur le papier. Ou si vous utilisez une pression plus légère avec votre crayon, c'est aussi très bien. L' effacement peut être délicat. Vous avez besoin d'une gomme qui ne tachera pas ou ne tachera pas les parties propres du papier lorsqu'elle est utilisée. Pour moi, ce qui fonctionne le mieux, c'est la gomme en caoutchouc franche plasticité. Il ne laisse pas de miettes de caoutchouc lorsque vous l'utilisez,
il prend le graphite, vous devez le nettoyer un peu après l'utilisation afin qu'il devienne homogène et ne tache pas votre papier. Les seules autres choses nécessaires sont les suivantes : un grand verre d'eau pour laver et rendre votre ton plus léger, un mouchoir ou un tapis pour nettoyer les pinceaux et les plumes de stylo, un plateau en plastique ou en métal pour différents mélanges de tons de votre encre, et une feuille de papier pour tester avant d'entrer. Le ruban de masquage et une planche de bois peuvent également être utiles, mais ils ne sont pas nécessaires sur le plan ethnique. Maintenant, nous avons tout ce dont nous avons besoin pour ce voyage. Essayons les outils.
5. Tester des outils: Maintenant, je vais montrer comment les outils fonctionnent
réellement en cours d'utilisation en les testant séparément, et je dessine également un petit dessin de test. Il s'agit d'un stylo à pointe 0,2 ou d'un stylo à pointe épingle. Vous pouvez voir qu'il laisse une très belle marque. 0.3 et 4 conseils sont un peu plus lourds, mais pas trop. Ce sont les plus confortables pour moi. Comme vous pouvez le voir, le travail de ligne est vraiment bien, même, et ne change pas beaucoup sur la pression. La plume de corbeau est mon préféré absolu. Il peut contenir beaucoup d'encre et est très flexible, donc, ludique avec l'épaisseur. En fonction de l'angle que vous utilisez,
il peut produire différentes textures. Les lignes les plus légères sont presque aussi fines que le stylo à dessin sur la gauche. L' autre plume que j'ai utilisée ici est appelée plume courte. Tout à fait similaire dans le résultat, mais alors il est beaucoup plus rigide. C' est mieux pour les ridules. Le dessin au trait avec le stylo pinceau Tombow ressemble assez à celui des stylos profonds. Il peut presque reproduire l'effet. L' encre ne peut jamais être aussi épaisse que la marque profonde du stylo, mais la texture et la nature des lignes sont assez similaires. Peut-être un peu plus lisse, mais aussi beaucoup plus facile à manipuler si vous commencez à écrire. La pointe dure a également une belle flexibilité à elle. Je l'aime tellement que je l'utilise aussi pour écrire dans ma vie quotidienne. Peindre à l'encre nous donnera l'aspect final de l'œuvre. Le ton peut dériver du noir le plus riche à la plus légère des nuances, en fonction de la quantité que vous le diluez. Avec cette touche rapide, je vais vous montrer les outils que j'ai choisis pour mon œuvre finale. Vous pouvez choisir tout ce qui est confortable pour vous. Je vais utiliser un stylo à pinceau pour l'art au trait. J' aime l'utiliser d'une manière lâche sans fermer toutes les lacunes dans les lignes. Les tons seront peints à l'encre. J' aime mélanger mes tons sur un morceau de papier. Il est facile d'ajouter de l'eau à une nuance préalablement mélangée ou simplement tremper dans un peu plus d'encre si vous avez besoin de quelque chose de plus sombre. Vous pouvez le tester directement avant d'entrer sur votre dessin. Pour les cheveux, j'ai choisi une nuance de gris moyen. Les ombres faciales vont être un peu plus légères pour un effet plus doux. En fin de compte, j'ai ajouté des rayures plus foncées pour créer un peu de contraste. Allez-y et essayez vos outils. Voyez comment ils travaillent ensemble. Vous pouvez faire n'importe quel type de petit croquis. Le but est de voir comment les matériaux se comporteront sur votre papier.
6. Idées de miniatures: Maintenant, nous sommes techniquement prêts à commencer notre illustration. Mais comment commencer ? Si vous avez une idée spécifique à l'esprit sur ce que vous voulez dessiner pendant cette classe, c'est vraiment génial. Tu peux totalement y aller. Si vous n'êtes pas sûr, je vais vous donner quelques idées. Je vous suggère de choisir un thème avec au moins un caractère et l'environnement minimum. Placer votre personnage dans son contexte aide beaucoup à concevoir l'éclairage. Si c'est trop pour la première fois, vous pouvez dessiner une seule figure ou un objet pour essayer cette technique et passer à une pièce plus grande plus tard. Voici quelques idées. Marcher dans les bois avec un chien, écouter de la musique à une gare routière la nuit, planter des tulipes dans le jardin, dessiner à votre bureau, un chat à vélo. Je vais choisir le dessin à votre bureau. C' est un sujet facile et voici pourquoi. Vous n'avez pas à trop insister sur l'environnement ou le personnage, vous pouvez travailler avec du matériel que vous connaissez. Votre espace de travail est rempli d'objets aléatoires et d'éléments d'arrière-plan, vous n'avez
donc pas besoin d'effectuer des recherches supplémentaires. Si vous basez un personnage sur vous-même ou un personnage que vous dessinez régulièrement, cela peut également être une facilitation. De cette façon, vous pouvez concentrer la majeure partie de votre énergie sur les détails techniques. C' est ma première composition dans une miniature. Les vignettes sont bonnes car vous pouvez dessiner des formes rugueuses. Vous n'avez pas besoin de vous perdre dans les détails. Il se concentre sur les idées elles-mêmes plutôt que de les rendre jolies. après mon expérience, je dessine instinctivement de meilleures proportions dans cette petite taille, peut-être parce que je vois tout à fait l'art. J' aime aussi se coucher pour le noir apparaîtra dans mon dessin à ce stade. Commençons une nouvelle fois d'un point de vue différent cette fois. Dans cet espace, laissez tomber tout ce qui est dans votre esprit. N' ayez pas peur de dessiner un nouveau croquis encore
et encore jusqu'à ce que vous ayez l'impression que vous l'avez bien fait. N' efface rien. Si vous n'aimez pas quelque chose, allez le voir avec votre crayon ou commencez un nouveau. Je pense que je vais inclure la lampe et le faisceau de lumière. Donc je l'ai marqué dans mon croquis. J' aime beaucoup mieux ce point de vue. Il y a quelques objets que je pense inclure, donc je les ai rapidement dessinés à côté de ma miniature. J' ai décidé de continuer avec cette composition, mais je veux en changer les proportions. Je veux rendre le personnage plus petit, donc il y a un plus grand espace au-dessus de sa tête pour l'environnement. L' idée devient claire la deuxième fois. Maintenant, j'ai trouvé ma dernière pièce. Comme une note ou un rappel pour moi, j'ai esquissé quelques autres éléments de fond que je veux utiliser plus en détail cette fois. J' inclurai ma lampe à coup sûr, quelques plantes, et des images sur mon mur. C' est juste assez pour que je commence. Si vous êtes prêt, vous pouvez continuer à esquisser votre idée un à un sur le papier choisi dans la prochaine leçon.
7. Esquisse: Voici mon document préparé pour l'illustration. J' ai marqué les bords du dessin dans un cadre, mais vous n'avez pas à faire la même chose si vous préférez dessiner librement. Je vais copier ma miniature dans l'écran, en la regardant de temps en temps. Si vous n'êtes pas encore confiant, ou si vous souhaitez simplement recréer votre vignette aussi précisément que possible,
vous pouvez la numériser, l'agrandir et l'imprimer pour le tracer à l'aide d'une boîte lumineuse ou à la vitre de votre fenêtre. Il est important de mentionner à ce stade que je vais passer ce
croquis particulier avec mon encrage final plus tard. Je commence par les parties les plus distinctives de ma composition, qui dans ce cas est la ligne horizontale du bureau. Placez la figure est la suivante. Puis, le faisceau de lumière de la lampe, créant un triangle qui définit la tension de l'image. Une fois vos principaux éléments en place, vous pouvez continuer à esquisser plus de détails. Je préfère commencer par mon personnage et son environnement le plus proche. Vous pouvez voir que j'utilise plus de lignes pour rechercher ma forme finale. J' aimerais voir mes meilleures options avant de finaliser le travail en ligne. Il est préférable d'utiliser des lignes douces afin qu'elles ne soient pas tranchées dans votre papier plus tard. Je n'étais pas content de la façon dont cette chaise s'est avérée, alors je l'ai complètement effacée et en ai dessiné une nouvelle. Je n'efface que les taches que je veux redessiner. Je travaille toujours sur mes sujets principaux au début, pour voir si je suis confiant avec mon croquis ou si je devrais recommencer. Je suis content de la façon dont cela s'est passé, donc je passe à l'arrière-plan. Le café est très important, bien sûr. Certains éléments de fond plus importants devraient être placés maintenant. L' étagère, le moniteur et le cadre sur le mur. Vous pouvez entrer dans les détails autant que vous le souhaitez. J' aime rester avec le croquis rugueux plus, parce que je vais techniquement reconstruire mon art au trait à partir de lui. L' art au trait peut être plus lâche et libre si les lignes proviennent de la mémoire musculaire, pas directement du tracé d'une marque pré-dessinée. Vous devez faire confiance à vos mains sur celui-ci. Si vous avez trouvé la courbe parfaite sur votre croquis, vous la trouverez également avec votre stylo. J' édite quelques derniers détails à mon croquis. Il est temps de passer à l'art au trait.
8. Contours: J' ai mon croquis ici prêt à être encré. Ce que je vais faire ensuite peut sembler très extrême, mais ça marche très bien pour moi. Je vais prendre mon caoutchouc de plasticité et effacer la plupart de mon croquis de sorte que seul un marquage léger sera visible sur le papier. Je travaille comme ça depuis longtemps. Cette méthode m'aide à garder mon art au trait frais. Si cela semble trop important et que vous voulez garder votre croquis, vous pouvez prendre un autre papier pour l'encrage à l'aide d'une boîte lumineuse pour le traçage. J' ai commencé à effacer très légèrement et soigneusement. Les marques de crayon ne doivent pas disparaître complètement car elles seront votre aide pour l'art au trait. Ce type de caoutchouc est le meilleur pour un tel effacement doux. Il est facilement nettoyable et absorbant, et ne laisse aucun résidu derrière. Maintenant, ce croquis vraiment léger fané est prêt à être encré. Je commence avec mon stylo à pinceau plus doux parce qu'il a un coup plus audacieux. J' utilise plus de pression sur les lignes,
qui, je sais, seront dans une zone ombragée comme le bas de la table ou la chaise. Avec une touche plus légère, je peux aussi produire des lignes plus fines. Pour le visage, j'ai changé à l'autre pointe pour un résultat plus précis. J' ai déjà mentionné que j'aime travailler sur mes personnages d'abord. C' est vrai ici aussi dans la phase d'encrage. J' aime faire les parties les plus importantes dès
le début pour éliminer la pression rapidement. Si mon personnage a l'air bien, je peux passer à l'environnement, et toujours utiliser le stylo plus épais pour les lignes principales. Parfois, j'ajoute quelques petites ombres au bas
des objets pour rendre mon art au trait plus intéressant. Lorsque tous les éléments essentiels sont faits, je passe à nouveau à un stylo plus fin pour pouvoir ajouter des détails à mon travail de ligne. Je l'utilise pour des choses sur lesquelles je veux moins d'accent comme l'image du cadre sur le mur ou quelques brins dans les cheveux. Lorsque vous travaillez sur l'encrage et que vous utilisez un coup de lumière variable, tout comme moi, il est important de penser aux sources lumineuses dès le début du processus. Les parties où les objets projettent l'ombre peuvent être épaisses et les parties éclairées peuvent être plus légères, ou dans quelques cas, lorsque vous voulez exprimer la force de votre lumière, l'art au trait peut disparaître complètement. C' est ce que je fais ici avec les rayures de son pull puisque je sais que je veux que ma lampe soit la principale source de lumière de cette image. Je ne connecterai pas les lignes avec le bord de la figure, il suffit de les laisser ouvertes pour les pièces légères. Quelques dernières touches de polissage et il est prêt. Mais avant de peindre avec de l'encre, nous allons le tester en premier.
9. Test de tons: Que faire si vous n'êtes pas sûr de l'éclairage de votre dessin. Voici un truc utile. Vous pouvez numériser votre image au trait d'arrivée et imprimer plus de petites versions l'une à côté de l'autre. Maintenant, vous avez quelques pages de livre de coloriage que vous pouvez remplir, sans avoir trop peur des conséquences. J' ai une idée assez claire de la façon dont je veux éclairer cette scène, mais je vais en montrer quelques autres pour montrer à quel point le résultat peut être
différent en fonction de l'humeur que vous visez. Le premier va avoir un éclairage plus doux, peut-être quelque chose comme un après-midi pluvieux. La lumière est douce et diffuse. n'y a pas d'énormes ombres lancées. Je souligne ma silhouette en obscurcissant son environnement, comme l'exemple que j'ai montré dans la leçon 3. La seconde va refléter mon idée originale. Je voulais l'éclairage de nuit pour ça. Tout est sombre, et la source de lumière est le faisceau provenant de la lampe. Le devant du personnage est donc illuminé, mais son dos est aussi sombre parce que la lumière ne peut pas atteindre derrière elle. Les parties les plus sombres seront les ombres sous la table et l'étagère. Je vais assombrir ces plantes sur la gauche aussi bien pour équilibrer les ombres lourdes sur le fond. Bien qu'en réalité notre moniteur soit noir, je vais ajouter juste une nuance de lumière à la partie éclairée pour souligner la luminosité provenant de la lampe. Pour la troisième, j'essaie d'allumer sa lumière du matin. La source lumineuse, dans ce cas, est une fenêtre sur la gauche. Tout a une ombre plus sombre et plus caractéristique sur la droite. Mais dans l'ensemble, la pièce est lumineuse. Rien n'est trop sombre, seulement les parties où la lumière ne peut pas atteindre. Maintenant, je suis prêt avec les trois. Comparez les tests pour un peu. Regardez les différences et les choses qu'ils ont en commun. Vous pouvez voir comment les différents effets d'une image peuvent avoir avec quelques légères modifications sur. Ils sont tous des chemins possibles à prendre, mais je vais rester avec celui-ci au milieu. J' aime le contraste et les possibilités qu'il a. Il est également préférable de démontrer plusieurs techniques d'ombrage, alors continuons avec celle-ci. Vous pouvez utiliser cette feuille comme référence pendant que vous travaillez sur la pièce finale. Croyez-moi, cela va beaucoup aider dans nos prochaines étapes.
10. Noir: Pour cette étape, vous aurez besoin de votre bouteille d'encre et de quelques brosses. Nous allons d'abord peindre les parties noires pures du ton, pour voir l'équilibre de l'image. Pensez à ces patchs noirs comme l'extension de votre art au trait. Maintenant, selon mon test de tonalité, les parties noires pour moi seront le fond de la table, l' ombre sous
l'étagère, et les feuilles de plante sur la gauche. Voyons voir. J' ai commencé dans le coin inférieur droit, ce qui n'était pas le meilleur choix. Vous pouvez tacher l'encre humide avec votre main si vous peignez dans les coins supérieurs après cela. Je vous suggère de commencer à travailler dans le coin supérieur gauche si vous êtes droitier, et le contraire si vous êtes gaucher. Pour éviter les taches, je ne peux plus toucher le papier avec ma main de peinture, ce qui est très dur. J' ai également ajouté quelques ombres noires aux cheveux et aux côtés des cadres, en gardant
toujours ma source lumineuse à l'esprit. Vous pouvez peindre des ombres plus petites partout où il se sent bien. Peindre à l'encre nous donnera l'aspect final de l'œuvre.
11. Peindre avec de l'encre: Nous sommes arrivés à l'étape finale et la plus excitante de notre illustration. Nous allons peindre des tons sombres maintenant. Je vais prendre mes vignettes de test de tonalité et les mettre quelque part à l'intérieur afin que je puisse vérifier mon plan si nécessaire. J' ai préparé quelques dilutions différentes d'encre dans ma palette. Ils sont souvent appelés lavages. Ils contiennent tous de moins en moins de quantités de moins en moins de noir. Il est préférable de les tester sur un morceau de papier avant commencer car l'encre sera plus légère après séchage, sorte que vous ne pouvez voir le résultat qu'après avoir été complètement sec. J' aime utiliser une feuille de papier comme une palette, donc je vais utiliser ces petits testicules pour mélanger. Avant de commencer, vous pouvez fixer votre papier sur une planche
avec du ruban adhésif si vous voulez que le résultat soit plus droit. Je vais bien avec un peu d'ondulation, donc je vais juste peindre comme ça. Le principe le plus important à garder à l'esprit pendant que vous peignez, la lumière et l'ombre est d'abord, la couleur est secondaire. Pour l'arrière-plan, je vais choisir un pinceau plus épais qui prend plus d'encre. Je vais prendre mon ton gris moyen et entrer avec ce pinceau. C' est humide sur la méthode sèche où le papier est sec et mon encre est humide. De cette façon, les bords de vos coups de pinceau restent nets. Je peins toute la surface avec mon ton choisi rapidement avant que les bords de mon patch ne sèchent. Une fois que votre encre a séché, vous ne pouvez pas créer une surface lisse ou la mélanger en passant dessus. Même si vous utilisez exactement le même ton, l'encre préalablement séchée crétera un petit bord dur. Une fois que toute la surface est peinte, j'assombrit le fond de mon image par une technique de lavage graduée. C' est une méthode humide sur humide cette fois. Je ramasse de l'encre plus foncée avec mon pinceau et vais dans la zone pré-peinte encore humide. L' encre foncée va progressivement s'estomper dans le ton plus clair. La valeur de votre dégradé dépend de la profondeur de tonalité que vous choisissez d'utiliser. J' ajoute un peu plus sombre à quelques endroits. Le suivant, c'est mon personnage. Je vais choisir un ton similaire à l'arrière-plan et peindre toute la figure sauf les bords en surbrillance. N' ayez pas peur d'ombrager le visage, il fait aussi partie du corps. Nous aurons l'air beaucoup plus naturel si vous pensez simplement à cela comme un objet qui reçoit la lumière d'une direction spécifique. Je vais ajouter de l'encre foncée dans la partie inférieure comme avant. Si vous regardez la peinture maintenant, vous pouvez voir que c'est plus ou moins fait, mais il a besoin d'un peu plus de polissage. Maintenant, nous allons entrer dans les petits détails avec un pinceau plus mince. Jusqu' à ce point, la règle principale était de peindre avec de l'ombre. Maintenant, nous pouvons commencer à prêter attention aux couleurs dans les ombres et les reflets plus petits. La plante est vert foncé, donc je peins les feuilles ombragées sombres, et celles de la poutre un peu plus légères. Je fais la même chose avec le moniteur. Techniquement, il devrait être noir, mais les parties éclairées seront grises. Cette image sur le mur, qui est aussi assez sombre, mais comme c'est un des éléments de fond, je vais garder le contraste bas. Une partie intéressante est de peindre les rayures du pull. Je veux ajouter des rayures plus sombres, mais je ne le remplirai que jusqu'à ce qu'il atteigne le bord de notre ombre principale. En faisant cela, j'ai réalisé que je voulais ajouter d'autres ombres sur la jambe et la table, donc j'utilise cette nuance de ma brosse dans ces zones. Maintenant, je veux continuer mes rayures sombres dans le point culminant, alors j'ai choisi un ton très clair pour cela. S' il s'avère trop, comme pour moi maintenant, vous pouvez reprendre de l'encre avec un mouchoir brillant ou une brosse à grille jusqu'à ce que votre brosse soit mouillée. C' est juste assez. J' ai fini les bandes légères partout en conséquence. Toute mon oeuvre est presque sèche. Je peux encore voir quelques parties qui ne sont pas assez sombres, donc je vais juste utiliser un peu plus d'encre là-bas. Maintenant que les rayures ont séché, j'ai réalisé que je voulais plus de contraste là-bas, donc je vais les peindre à nouveau. Beaucoup mieux. Vous pouvez peindre sur votre grille de lavage si vous le souhaitez. Vous aurez des bords durs si la base est complètement sèche et plus douce si elle est encore humide. C' est à votre goût et à l'effet que vous voulez atteindre. Quelques touches finales et c'est fini. N' ayez pas peur si votre travail a l'air différent. L' encre est un support si polyvalent que tout le monde a sa propre façon de l'utiliser. Il faut juste du temps et de l'entraînement pour trouver le vôtre et être incroyable à elle. Attendez que votre œuvre sèche complètement et elle est prête à être numérisée et partagée.
12. Réflexions finales: Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. J' espère que vous l'avez apprécié et que vous l'avez trouvé utile. Si vous avez des pensées ou des questions, j'aimerais en discuter avec vous, alors n'hésitez pas à partager. Je suis vraiment fier de toi d'avoir traversé les marches avec moi. Rappelez-vous, vous pouvez commencer petit. Tu n'as rien à faire d'énorme pour la première fois. Si vous continuez à pratiquer, vous vous améliorerez à chaque fois et je suis sûr que vous allez créer des œuvres d'art incroyables. J' ai hâte de voir ce que tu trouves. Assurez-vous de le partager et de le télécharger dans la galerie. Merci beaucoup de vous être joint. J' espère vous voir la prochaine fois.
Barbara Bernat, Illustrator
