Design et illustration : un guide pour améliorer vos compétences en dessin

1. Introduction: L' illustration est une chose étonnante. Il peut éclairer une idée, transmettre une pensée complexe et nous donner les sensations tout en même temps. Mais qu'est-ce qui fait fonctionner l'illustration ? C' est une excellente question. Je m'appelle Ira Marcks. Je suis illustrateur et dessinateur, et je me demande la même chose chaque fois que je vais chercher mon crayon. L' illustration est ma forme de communication que j'essaie de faire passer un message avec un seul dessin, ou de raconter une histoire à travers les panneaux d'une bande dessinée. Un illustrateur poursuit constamment deux objectifs créatifs pour communiquer avec clarté et sens, et pour évoquer une forte réponse émotionnelle. Mais devenir bon en dessin n'est qu'une partie de celui-ci, illustration est un état d'esprit. Les illustrateurs ont besoin de voir les formes et les formes de leur monde est des symboles avec sens. Maintenant, vous pourriez être genre, « Ira, ça ressemble à un sujet pour un cours de graphisme. » Oui, c'est le cas. C' est pourquoi j'appelle cette classe Illustration by Design, et c'est de cela qu' penser comme un designer à dessiner comme un illustrateur. Les concepteurs pensent dans un langage graphique et je vais vous montrer comment pensée du design peut vous aider à améliorer vos compétences en illustration et à communiquer à un niveau supérieur. Ce cours n'est pas seulement destiné aux illustrateurs ou aux designers, c'est pour les typographes, les développeurs d'applications, les développeurs web, les communicateurs, les gens du marketing, les amateurs de chiens, les amateurs de chats, tous ceux qui veulent entrer en contact avec le monde lors d'un rythme plus rapide et à un niveau plus profond. Nous pouvons tous utiliser un peu de pensée de design dans nos vies. J' espère vous voir en classe. 2. Qu'est-ce que penser design ?: Qu' est-ce que le design pense ? La pensée conceptuelle peut être définie comme la recherche de solutions simples et accessibles à des idées ou des problèmes complexes. Le processus peut être trouvé dans les premiers moments de la civilisation humaine et il a joué un rôle essentiel dans le développement d'une civilisation active voici comment. La pensée du design est née de la nécessité de communiquer. Bien avant le langage écrit et la communication parlée, nos premiers ancêtres ont marqué des formes dans la pierre et argile pour définir le périmètre de leurs frontières tribales. La pensée du design évolua plus tard grâce à la puissance de son langage symbolique. La fonction de ces formes précoces est devenue plus complexe au fil du temps. Les gens ont commencé à marquer, non seulement leurs terres, mais leurs êtres intérieurs avec une iconographie visuelle. Conception pensée est la racine de la métaphore visuelle et du symbolisme, hiéroglyphes, symboles religieux, même les conceptions de drapeau sont toutes de bonnes solutions de conception, qui unissent les gens de toutes sortes de façons différentes. pensée moderne du design invite des connexions intimes et immédiates. En utilisant les éléments du design visuel, artistes ont créé une nouvelle grammaire évocatrice de formes émotionnelles et expressives qui pourrait être utilisée non seulement par les artistes universitaires, mais aussi par tous ceux qui ramassaient un crayon ou un pinceau. Toute cette histoire a créé une place dans la société pour que l'illustrateur moderne existe. Ensuite, je vais partager l'histoire du mouvement culturel qui m'a fait tomber amoureux de l'illustration. 3. Connecter l'illustration et le design: Relier l'illustration et le design. Mon appréciation et mon amour de l'illustration viennent d'un lien avec le style. Ça a probablement commencé pour nous tous avec quelques livres d'images. Puis, pour moi, il est passé dans des films d'animation, puis des visites de musées, et commence à remarquer l'art de rue. J' ai beaucoup de souvenirs positifs avec illustration, merci bien sûr à mes parents qui m'ont exposé à toutes sortes de choses. Mais pendant que j'apprenais à apprécier l'illustration, je trouvais d'autres sources d'inspiration créative dans des endroits peu probables. Quand on allait à un restaurant, j'adorais regarder les menus, étudier les petites photos et taper dessus. J' ai adoré les cartes des touristes quand on visitait une petite ville. J' ai même adoré les graphiques et les graphiques des livres d'histoire du collège, et les vieux journaux, et les magazines Life que je trouvais à la bibliothèque. Il s'est avéré que j'aimais le design autant que j'aimais l'illustration. Au début, l'illustration et le design ressemblaient à deux mondes très différents. Ce n'est que lorsque j'ai découvert le mouvement Art Nouveau que j'ai réalisé comment tout cela pouvait s'intégrer. Peut-être que vous pouvez voir l'influence de l'Art Nouveau dans mon propre travail juste en le regardant. C' est un mouvement artistique qui parle à l'illustrateur, conteur et au concepteur en moi tous en même temps. j'ai grandi et commencé à regarder plus profondément dans l'Art Nouveau, il est devenu si clair que la chose avec laquelle je me connectais allait bien au-delà de toutes les jolies lignes, formes et schémas de couleurs de l'Art Nouveau. C' était l'idée et le sentiment derrière toute la révolution créative. 4. Art nouveau : le style du peuple: Art Nouveau, le style du peuple. C' est le tournant du XXe siècle en Europe, et la relation du pays avec le monde change. La révolution industrielle est cette nouvelle chose cool. capitalisme est littéralement partout, et la classe moyenne s'intensifie et s'éduque. Ils gagnent plus d'argent, et ils sont un peu plus frivoles et indulgents dans leurs intérêts. Cela signifie lire plus et voyager dans le monde et aussi aller à l'école d'art. C' est le tournant du XXe siècle en Europe, et la relation du pays à l'art change. jeunes artistes ne sont pas aussi intéressés par le monde rêveur et frénétique de l'impressionnisme, et ils sont encore plus fatigués de l'idée que la Renaissance est le tout fin de l'esthétique. Les jeunes artistes ne s'intéressaient pas aux rendus hyper réalistes de monuments historiques ou aux techniques picturales utilisées depuis les âges sombres. Ils voulaient montrer au monde qu' une vision artistique n'était pas la propriété exclusive des riches et des puissants, et ce n'était pas la vision étroite des riches. Ils voulaient concevoir leur propre vision créative, et ils cherchaient de l'inspiration dans tous les endroits. Ils l'ont trouvé dans les artistes et les scribes sans nom qui ont consacré leur vie à des manuscrits enluminés et des textes évangéliques des temps anciens. Les gens et les artistes qui étaient inconnus et sous-appréciés dans l'histoire. Ils se sont inspirés des sciences plus particulièrement de l'œuvre d'Ernst Haeckel, qui a dessiné des représentations saisissantes de plantes et d'animaux exotiques qui n'avaient jamais été vus auparavant par l'œil humain. Ils ont été inspirés par ces visions fantastiques du monde naturel, et ils ont puisé leur inspiration dans la puissance et le potentiel de la technologie d'impression. Ils ont simplifié leurs styles de conception et ont intégré leurs images pour créer des impressions audacieuses et frappantes et, à travers l'art commercial, ils ont pu diffuser leur message plus loin. Avec ce mélange d'influences, les jeunes artistes du mouvement Art Nouveau ont créé leur propre langage illustratif rempli de courbes du coup de fouet et [inaudibles] comme des lignes érotiques, formes organiques étranges mais familières. Le mouvement Art Nouveau était évocateur et érotique. C' était mystérieux et hypnotisant, et ses formes bizarres se développaient sur tout le continent. C' est le tournant du XXe siècle en Europe et l'Art Nouveau est partout. Et c'était tout le problème. Le mouvement ne devait pas être le domaine de quelques artistes sélectionnés. C' était pour tous les créatifs. Tous ceux qui voulaient embrasser l'esthétique pouvaient appliquer ces formes et formes simples où ils le voulaient. Ce n'était pas seulement dans les arts graphiques dans l'illustration. Art Nouveau était sur des vases, des chaises et du papier peint dans l'architecture. Plus les styles se répandent, plus ils brouillent la frontière entre le monde de l'art et les gens qui l'ont fait. 5. L'esprit du mouvement: L' Esprit du Mouvement. Vienne, capitale de l'Autriche, 1897. peintre Gustav Klimt, l'architecte Joseph Maria Olbrich et le designer Josef Hoffman étaient un petit groupe passionné d' artistes anti-académiques et anti-historicistes. Ils ont regardé à travers leur métropole européenne animée de Vienne et se sont retrouvés sans inspiration. La ligne d'horizon pour eux puançait du passé, rangées de bâtiments municipaux sans âme imprégnés de néoclassicisme, ce style de conception fatigué et astucieux lié à l'histoire de l'Empire romain. Ces trois artistes regardaient la pierre grise décorée piliers gouvernementaux et de portes surmontées clés de voûte que l'on appelait des figures de mythes obscurs, et ils voyaient tout. Le mouvement Art Nouveau s'opposait à la ville de Vienne. Leur maison était bloquée dans le passé en rendant hommage à une culture dans le temps si loin de leur propre expérience, ils ne pouvaient pas se connecter. Klimt, Olbritch et Hoffman voulaient apporter une nouvelle forme à l'horizon, un bâtiment inspiré par les arts et l'artisanat du peuple, quelque chose de démocratique, quelque chose de spirituel. Ainsi, ensemble, ils ont conçu et construit un nouvel espace d'exposition avec un design inspiré des plans croisés grecs ressemblant à une église. Ils ont construit une structure en fer et en brique. Ils ont couvert les murs de plâtre lisse et les ont blanchis à la chaux à une lueur frappante. Ils ont décoré les murs avec des formes plates stylisées du mouvement Art Nouveau. Sur le toit, ils ont construit quatre pylônes pour contenir une couronne dorée. Au milieu d'une ville de greystone, leur bâtiment devint un phare pour les jeunes artistes de Vienne de se rassembler. C' était un espace beau et unique, mais aussi imparfait et totalement irrationnel. C' est devenu le foyer de la Sécession de Vienne. Au-dessus de la porte en lettres dorées ressemblant à des vers, ils mettent une inscription simple qui se traduit par  : « À chaque âge son art. Chaque art est sa liberté. » Maintenant, pour moi, la Sécession de Vienne et les artistes qui passent par ses portes représentent plus que le regard du mouvement artistique parce que la vérité soit dite, il n'y a pas de look définitif et tout Art Nouveau. La Sécession représentait l'esprit du mouvement, et les artistes qui y participaient parlaient aussi. Comme le dit l'architecte Joseph Maria Olbrich : « Une vérité métaphysique supérieure dérivée de l'inspiration artistique subjective ». En d'autres termes, le mouvement portait sur la créativité qui cherchait à s'élever au-delà des restrictions du monde physique. 6. Une utopie pour les illustrateurs: Une utopie pour les illustrateurs. La sécession de Vienne a été un lieu d'inspiration pour les illustrateurs, dont beaucoup ont contribué au magazine d'art officiel de la sécession, Ver Sacrum. En regardant les pages de la publication, qui a maintenant plus de 100 ans, nous pouvons encore dire que les éditeurs à la sécession ont poussé les formes de graphisme, de typographie et d'illustration à de nouveaux niveaux. C' était même la première publication à adopter ce format carré Super-Hip. Tout comme la construction de la sécession elle-même, Ver Sacrum a rendu hommage à la libération créative de formes géométriques simples et à l'abstraction totale. Ver Sacrum, se considérait comme une publication novatrice figurative. Le premier numéro de juin 1897, fit ce message tout à fait clair avec l'illustrateur Alford Roller Blossoming Tree, qui sortit des restrictions de son conteneur. Le magazine a continué à pousser cette idée pendant des années. Présentant l'idée que les artistes de l'époque s'étaient enfin libérés du passé, et ouvraient une nouvelle utopie créative. Avec sa déclaration audacieuse et son design grandiose, Ver Sacrum a contribué à définir les rôles de l'illustrateur moderne. 7. Rôles pour illustrateurs: Rôles pour un Illustrator. Dans le Ver Sacrum, il y avait trois rôles distincts pour une illustration. Un, l'illustration comme narration. Le magazine aime publier des illustrateurs qui utilisent leur style intime pour faire des déclarations grandioses et mythiques. Alors que j'ai mentionné plus tôt que les artistes du Mouvement Art Nouveau ont rejeté la référence historique et l'iconographie mythique, le Ver Sacrum et ses artistes utilisent l'art classique et ses techniques de narration comme inspiration pour concevoir de nouveaux Des mondes vibrants. Beauté et agonie vivaient côte à côte. La métaphore mythique des côtés clairs et sombres de l'humanité était en jeu dans ces dessins et les illustrateurs utilisaient souvent les tropes du voyage du héros et la légende arthurienne dans leurs mises en page et compositions. Beaucoup d'illustrateurs travaillant dans l'Art Nouveau ont intégré la narration classique dans leur ADN et vous pouvez le voir dans les pages du magazine. Deux, illustration comme art décoratif. Des illustrateurs décoratifs ont également trouvé une maison à Vera Sacrum. Comme le texte et l'image étaient respectés sur la page, le style Art Nouveau était parfait pour le magazine. Ses vibrations métaphysiques complètent parfaitement la poésie publiée par le magazine. Des éléments décoratifs ont traversé les conventions de la grille d'édition et ont coulé dans et autour du texte. Parfois, il a même infecté les mots avec son étrange érotisme. Illustration décorative tombe dans et hors de la mode de temps en temps. Mais, ce magazine montre sa puissance et son potentiel. Trois, illustration comme message. Une de mes citations préférées sur la culture et la communication vient d'une de ces personnalités célèbres du discours médiatique, Marshall McLuhan. Il a déclaré que le médium est le message. Autrement dit, la forme de communication a une relation symbiotique avec le message qu'elle est destinée à transmettre. Alors, demandez-vous si le Ver Sacrum est-il emblématique pour son contenu ou emblématique pour sa forme ? Le magazine lui-même est une œuvre d'art indéniable et certains des artistes qu'il met en évidence sont indéniablement célèbres. Mais aujourd'hui, d'un point de vue historique, la publication elle-même est une icône de la culture créatrice issue du mouvement Art Nouveau. Je pense que beaucoup d'illustrateurs de l'époque savaient que le magazine était en soi plus important que n'importe quel artiste représenté dans ses pages. Comment je le sais ? Eh bien, vous pouvez le voir dans la façon dont les illustrateurs ont constamment permis à leurs conceptions de s'écouler dans le moule des mises en page innovantes du magazine. Le travail publié de beaucoup de ces illustrateurs ne pouvait pas vraiment se tenir seul. Il est éternellement lié à la page sur laquelle il a été imprimé. Beaucoup de ces illustrations sont les marques de beauté et les imperfections de la personnalité du magazine. Même aujourd'hui, environ 120 ans plus tard, le Mouvement Art Nouveau, la Sécession de Vienne et le Ver Sacrum sont autant d'influences majeures sur la manière dont nous percevons la relation entre le design et l'illustration. 8. Projet de cours : planifier une composition: Avant de commencer notre projet de classe, je vais vous montrer comment j'applique la pensée du design à mon propre travail d'illustration. Ceci est une couverture pour un guide de brasserie, c'était un numéro spécial d'un journal culturel régional appelé The ALT dans le nord de l'État de New York où je vis. L' idée était de célébrer la culture de la bière artisanale dans tout nord de l'État de New York dans un numéro spécial avec des articles et des articles sur les brasseries de la région. L' image que je créais devait servir quelques fonctions. Tout d'abord, il fallait qu'il s'agisse d'une couverture d'un magazine imprimé ou d'un journal. C' est sur papier journal, mais c'est un format magazine. Je pense que le format est d'environ 9 x 12 pouces. Il fallait qu'il s'agisse d'une couverture de magazine, qu'il s'agisse d'une image pour leurs médias sociaux et leur site Web. Ils avaient également une demande spéciale, savoir que les personnages et les éléments de l'image pouvaient être découpés pour être des illustrations ponctuelles placées dans tout le magazine. Voici l'ours, et vous pouvez voir le reste des petits personnages. Donc, ils devaient se démarquer de leur propre chef. Je ne voulais pas qu'ils soient simplement découpés d'une seule illustration, je voulais qu'ils soient découpés afin qu'ils aient été conçus pour être de petites images. Examinons la pensée de conception et examinons les objectifs du processus de conception. Je vais le diviser en trois points principaux à nouveau, comme je l'ai fait dans le chapitre précédent. Un, pour résoudre une idée. Dans ce projet, l'idée était de représenter la culture de la brasserie dans le nord de l'État de New York. Donc, pas seulement une seule brasserie, mais toute la culture qui l'entoure, toutes les étapes du processus, gens qui la boivent, les endroits qui la vendent, et même certaines des lois qui l'entourer. Le deuxième objectif de conception serait de créer une illustration fonctionnelle ou iconique et/ou symbolique. S' il y avait un logo associé à cela, nous le verrions probablement présent ici parce que ce serait un élément illustratif emblématique ou symbolique. Mais dans ce cas, je devais simplement capturer l'ambiance de l'Upstate New York-ness, ce que j'ai fait à travers les choix des animaux et le type d'arbre que nous voyons présent et juste les symboles de base de la culture de la brasserie, c'est-à-dire les machines utilisées dans le et la mécanique de boire, les langues, les robinets. La troisième étape, et probablement pour moi, la plus intéressante, et la façon dont je peux vraiment apporter mon style au projet est évoquer une réponse à travers le design. Cela signifie qu'après avoir examiné ces deux premiers objectifs, comment puis-je apporter une énergie humaine et émotive à la conception ? Parlons donc des aspects pratiques de la mission. La couverture du magazine était comme je l'ai dit environ 9 sur 12, alors quand j'ai tracé mon croquis, j'ai dessiné ce rectangle. J' ai décidé que je voulais que l'image occupe la majeure partie de l'espace, et ressemble presque à une carte. Donc, j'ai commencé à établir un maillage où chaque point d'intérêt tomberait sur la page. Donc, c'est presque comme fonctionner comme une bande dessinée ou un genre d' art séquentiel où la grille suit un récit. Donc, j'ai numéroté les boîtes et cela vous emmène à travers le processus de la brasserie, dans la salle des robinets, jusqu'aux gens qui boivent la bière, et les résultats de la consommation de bière. Puis, le milieu gauche là, où j'ai mis l'étoile, c'est la politique et les lois qui entourent tout ce processus. Donc, il n'a pas un seul point dans le temps, c'est juste regarder l'ensemble, c' est pourquoi j'ai choisi un L. Maintenant, je commence à décomposer la grille en formes plus organiques. Je savais que je voulais un arbre parce que pour moi les arbres sont, les érables, en particulier, sont un symbole de l'État de New York. Donc, j'ai trouvé où j'allais placer tous mes éléments principaux. Je savais que je voulais quelques étapes du processus de la brasserie, les fûts, que je représente avec des barils, un robinet, et les buveurs et je leur donne leurs propres petites régions à occuper sur la page. Donc, maintenant je peux dessiner avec confiance des éléments visuels dans les espaces que je me suis fournis. Donc, en ce moment, je suis en train de décrire les formes de base que j'aime utiliser. Vous pouvez voir les personnages ont tous des formes de haricot squishy. Les machines ont des bases plates pour lui donner un champ mécanique, mais elles sont arrondies et amicales sur le dessus, et même le texte occupe de l'espace organique. Donc, comme vous vous en souvenez depuis le début, j'avais besoin de briser ces éléments visuels. Donc, à ce stade, ils sont tous assis dans leur propre espace. J' utilise l'arbre pour guider l'œil travers le dessin et pour unir tous les éléments visuels. Donc, pour moi, l'arbre représente ce troisième objectif du processus de conception, qui évoque et la réponse émotive. C' est de là que vient vraiment l'énergie naturelle dans le flux du dessin. Si je zoome ici sur l'illustration, vous pouvez voir cette ambiance Art Nouveau se déplaçant à travers l'écorce de l'arbre. Donc, il y a des lignes horizontales groovy, et j'utilise aussi des lignes pointillées au milieu pour représenter les routes qui traversent les Adirondack dans les montagnes Catskill. Donc, c'est presque comme une carte de contour et une énergie en même temps. C' est donc subtil, encore une fois, troisième étape du processus de conception. Parce que pour résoudre une idée, cela peut être fait à travers juste un croquis de base. Nous pouvons résoudre une idée avec une mise en page, une carte, ou un bref résumé d'un projet. Ainsi, vous pouvez avoir une équipe ou une attention individuelle sur ce seul objectif. L' élément emblématique et symbolique, c'est un processus de conception qui peut être utilisé avec un logo ou un élément d'illustration. Mais le vrai art, encore une fois, arrive quand on essaie d'évoquer une réponse, et on peut y arrive quand on essaie d'évoquer une réponse, mettre autant ou aussi peu d'énergie. Vous accomplissez encore beaucoup de vos objectifs dans les deux premières étapes du processus, mais la troisième étape est vraiment l'endroit où votre personnalité en tant qu'illustrateur peut sortir. 9. Projet de cours : lignes, formes, espace: Chapitre 10, lignes, formes et espace. Pour notre projet de classe, nous allons concevoir notre propre couverture du magazine Ver Sacrum. Voici l'exemple que nous avons vu plus tôt dans l'un des chapitres. Je ne pense pas que ce soit un excellent exemple de l' esthétique globale qui devait émerger à travers leur sacrum. Donc, j'ai réuni une petite collection de couvertures qui capturent vraiment le ton esthétique du magazine et bien sûr la relation générale avec le mouvement Art Nouveau. Examinons certains des éléments reconnaissables du Ver Sacrum. La grande qui surgit tout de suite parce qu'elle traverse toute l'ère de Art Nouveau est la ligne émouvante sinueuse, ce genre de forme de coup de fouet serpentin qui, selon la façon dont l'artiste l'utilise, peut signifier un certain nombre de des choses. Dans ce cas, il y a un flux comme un tourbillon ou un courant de vent, quelque chose avec une forte énergie. Il pourrait aussi être juste un bel élément décoratif ou il pourrait même être violent si vous changez la direction d' une tranquillité horizontale plane à une poussée verticale comme ce genre de flamme geyser comme le flux. Donc, il y a beaucoup de mouvement qui vient à travers les courbes émotives, c'est une danse pour elle. Vous avez probablement aussi remarqué que beaucoup de l'illustration du travail de cette époque dans ce magazine est très plat. Il échappe à cette troisième dimension même lorsque le contenu de la couverture peut suggérer qu'il y a une troisième dimension comme même ces figures et leurs poses dansantes n'ont pas cette illusion de profondeur, elles sont plates. Vous ne pouvez pas vous promener autour de ces personnages. n'y a pas de sens d'un espace où ils sont. Ils sont plus emblématiques et graphiques, ce qui est idéal pour la technologie d'impression de l'époque, mais aussi pour créer des images mémorables. Il y a moins de complexité à la conception, donc vous n'avez pas à regarder aussi profondément dans l'histoire. Il parle simplement et clairement avec beaucoup de contraste et des approches bidimensionnelles de conception se prête également à des éléments décoratifs dans des formes plus symboliques comme vous pouvez voir ce bras suspendu et couper la petite ligne pour laisser tomber la lame. C' est quelque chose qui serait moins métaphorique si vous ajoutez une troisième dimension. Vous devez expliquer à quoi ce bras est connecté et où nous sommes en relation avec ces personnages. Deux dimensions rendent les choses plus symboliques. Avec cette grande restriction de travailler en deux dimensions, vous avez beaucoup d'artistes qui jouent avec l'espace positif et négatif. Il y a un mystère et une ambiguïté qui vient d'inverser les attentes des yeux et de forcer le spectateur à tourner son cerveau pour trouver le sens du message dans l'image. Au fur et à mesure que nous commençons à construire notre conception, nous allons garder ces trois éléments à l'esprit. 10. Projet de cours : faire un moodboard: Chapitre 11, faire une planche d'humeur. C' est un tableau Pinterest pour un projet sur lequel je travaillais. Il est devenu une bannière YouTube pour un musicien qui a commencé à forger une série sur la nourriture dans la forêt, faire un repas, chanter des chansons à ce sujet. Le tableau d'ambiance que j'ai créé a guidé le projet. Donc, un tableau d'ambiance est un outil pour un illustrateur, un concepteur ou tout autre type de création à utiliser pour encadrer ce que le projet va ressembler et ressentir avant même de créer un croquis ou toute autre note visuelle. Ainsi, un tableau d'ambiance est une collection d'images qui parlent de thèmes que vous aimeriez aborder dans votre travail, composition ou vos éléments statiques que vous pourriez vouloir voler ou emprunter pour votre propre processus créatif. Je vais vous montrer une collection rapide d'images que j'ai rassemblées dans les chapitres précédents de ce projet pour inspirer mon design de couverture Ver Sacrum. J' ai d'abord attrapé cette image juste parce que j'ai aimé l'apparence et la sensation de celle-ci, pas d'autre raison que ça. J' aime sa simplicité. Une fois que j'ai choisi cette première image, j'ai été un peu plus concentré et j'ai décidé d'un directeur que j'aimerais traiter de cette symétrie dans ma conception quelque chose qui a une base et une base et un peu d'équilibre et de confort à elle. J' ai aimé le flux de cette image, j'ai aimé les grands espaces négatifs et les éléments détaillés vraiment compressés, et j'ai aussi aimé le vague sens de la nature dans ce design. J' aime la palette de couleurs de ceci et les noirs vraiment lourds et les formes abstraites au premier plan qui sont tulipes fleuris mais aussi extraterrestres et bizarres, donc j'aime les éléments sombres de cette image. J' ai saisi que c'est une référence typographique. Ce cours n'est vraiment pas sur le type, donc je ne vais pas trop en parler. Je vais penser au type comme juste un autre élément visuel et je vais utiliser Ver Sacrum comme texte sur la couverture et c'est à peu près tout. Ce n'est pas un artiste qui travaillait pour le Ver Sacrum en fait, il était probablement décédé au moment où le magazine a repris, mais il a été une influence Art nouveau précoce. Il s'appelle Aubrey Beardsley. Il a travaillé un peu avec Oscar Wilde et Gustav Klemp a été clairement influencé par ce gars. J' aime cette pièce spécifiquement parce que cette ouverture dans la robe où tout le matériel organique sort, j'aime ça comme un symbole de la révélation d'une idée créative ou des choses qui sont gardées en nous et les complexités et croissance que nous cachons sous nous. Donc, peut-être que c'est une métaphore visuelle avec laquelle je veux travailler dans ma conception de couverture. J' ai adoré le sens du motif avec cette conception et les formes négatives des petits ovales au milieu. Si vous connaissez l'artiste de la bande dessinée Jack Kirby, cela ressemble beaucoup aux types de formes qu'il utilise dans son imagerie cosmique dans ses bandes dessinées Marvel. En fait, j'ai attrapé la photo que j'ai utilisée plus tôt du bâtiment de la Sécession de Vienne. J' ai aimé la structure simple, j'aime la façon dont l'élément le plus visuellement détaillé est tellement hors de portée que vous devez plisser pour regarder, vous ne pouvez jamais vraiment obtenir une vue complète de cette couronne et les murs qui sont juste dans votre visage est plus vide. Ainsi, cette idée du détail caché et de la complexité du monde fonctionnant plus des frontières de la conception, presque un inverse de la composition traditionnelle. C' est mon tableau d'humeur. Je vais commencer à construire mon design à partir de ces inspirations. 11. Projet de cours : formes symboliques: Au moment où le Ver Sacrum est arrivé, le langage de l'Art Nouveau a évolué au point où un groupe émergeait de ce mouvement initial qui s'appelait les Symbolistes. Gustav Klimt se considérerait comme l'un de ceux-ci. Ce sont les artistes qui ont utilisé l'esthétique de l'Art Nouveau pour explorer la relation entre l'illustration et la réponse émotionnelle. Donc, je vais esquisser huit vignettes différentes, leurs formes de base qui évoquent toutes une réponse émotionnelle et à partir de celles-ci, je vais commencer à concevoir ma couverture de magazine. Comme la théorie des couleurs, la théorie des formes et réponses émotionnelles est une sorte de définition élastique. Ce ne sont que des endroits familiers où explorer et développer une idée. Donc, pour utiliser des formes horizontales, vous relayez un sentiment émotionnel de calme, de calme et de tranquillité. Les formes verticales sont structurales et si nous pointons vers ces formes en utilisant formes agitées triangulaires, nous pouvons créer un sentiment de concentration ou l'idée de dévotion d'une idole ou même une énergie rayonnante pour donner quelque chose de particulier. Les formes verticales comme les tours, les choses qui représentent en quelque sorte les structures urbaines, ont un sentiment de stabilité. Ils évoquent la crainte et ils se sentent puissants. triangles sont structuraux et ils se sentent en sécurité dans leurs formes. Ils ont un sentiment de permanence et un poids pour eux. systèmes de sécurité et les banques utilisent souvent des triangles dans la conception de leur logo. Si nous utilisons la page comme un horizon et que nous faisons un demi-cercle avec des lignes rayonnantes autour d'elle, nous évoquons un lever de soleil ou un coucher de soleil. L' émergence de quelque chose de nouveau, nous pouvons offrir un sentiment d'espoir ou même d'illumination. Les lignes en spirale se sentent excitantes. Ils ont un sens du mouvement qui évoque une puissance comme un tourbillon ou de l'eau qui coule dans un drain. Ils peuvent aussi avoir l'impression de simuler une illusion. Un ovale placé au centre de la page peut évoquer un sentiment d'équilibre et de confiance. Et puis, si on rompt un peu cet espace, on peut l'utiliser pour évoquer les deux côtés d'une idée le jour et la nuit. Si nous laissons des cercles flotter autour de l'espace, nous pouvons créer l'idée d'immensité. Nous pouvons également parler de l'espace négatif autour des formes et créer un sentiment d'immensité. J' ai écrit une petite déclaration que je veux traduire à travers mon illustration. Je suppose que j'ai un peu une philosophie sur le rôle de l'art dans la société et c'est quelque chose que je veux me mettre au défi de dire avec mon illustration. Donc, il y a quelques points principaux dans cette phrase et je peux utiliser une combinaison de ces croquis miniatures pour communiquer cette idée. Donc, pour l'idée de l'art, je vais évoquer un sentiment d'espoir, un sentiment de nouveauté. Je vais utiliser l'idée d'un vaste espace pour représenter les influences environnantes et tout au long de cela je ne veux pas qu'il se sente agité ou angoisse. Je veux évoquer un sentiment de calme et de tranquillité. Donc, je vais apporter une partie de cette ambiance calme horizontale à la composition. Maintenant que j'ai quelques formes symboliques en tête, je peux commencer à construire mon croquis final. 12. Projet de cours : ébaucher une idée: D' accord. Il est enfin temps d'esquisser notre idée. J' ai mis en place ma page ici dans un modèle carré parce que c'est le format des différents Sicher Magazine. Sur la gauche, j'ai ma phrase thématique et mes trois références symboliques. Je sais que je veux faire de la place pour le texte sur la page et je vais le placer en bas. Donc, c'est à ça que sert cette petite directive. Je vais tirer ma première image de référence, et m'inspirer de cette forme de fleur organique, la forme rouge à la base de ce dessin. Je vais commencer à esquisser ta métaphore visuelle pour l'art, une étrange fleur en herbe extraterrestre. Il y a une symétrie, mais je vais compenser cette symétrie avec quelques petits bourgeons et ensuite, à la base du dessin, je vais mettre les vignes, mais elles vont se sentir plus comme un petit nid de vipère. Ce qui m'a toujours plu dans l'Art Nouveau, c'est le côté le plus dangereux de la nature qu'il apporte. Donc, je peux rendre ces vignes dangereuses. Je vais changer un peu le design, puis je vais changer mon image de référence à cette forme de fumée sinueuse. Ainsi, cela représente l'influence qui entoure l'œuvre au fur et à mesure qu'elle émerge. Ce sont juste des directives de mise en page de base. Je représente juste un sentiment. Je ne veux pas qu'ils soient trop verticaux. Je ne veux pas de mouvement ascendant. Je veux plus d'une tranquillité tourbillonnante. Mais je ne veux pas surcharger l'espace. Je vais prendre des petits morceaux, laisser de plus grands espaces. Les formes de l'Art Nouveau peuvent être un grand exercice pour déplacer votre esprit de l'espace positif vers l'espace négatif, parce que les formes sont si abstraites lorsque vous créez vos lignes directrices, qui est pour dire quelle est la forme positive. Quelle est la forme négative ? Je vais sauter loin d'une métaphore visuelle, et bloquer mon texte. Je sais qu'il faut dire Ver Sacrum. Je vais espacer les petits rectangles qui représentent l'immobilier de chaque lettre. Je vais créer quelques guides qui sont une référence donc, je sais quelle lettre est où, je sais quelle lettre est où, parce que je suis très bon côté du cerveau, concentré en ce moment et il est très facile pour moi d'épeler des mots mal. Vous pouvez voir l'avantage de bloquer le texte comme celui-ci, parce que vous pouvez l'écraser dans un espace sans compromettre aucun détail, parce que c'est une étape solide ou très rugueuse. Je peux passer en revue et réajuster la largeur des lettres maintenant. Il y a mon texte bloqué. Maintenant que j'ai mes éléments clés, ma forme d'art au centre, les influences ondulées environnantes, et mon bloc de texte, je vais réévaluer l'emplacement sur la page. Je les ai tous faits sur différentes couches. Donc, je vais juste les déplacer. Je vais créer une bordure autour du bord extérieur de la page. Je pourrais mettre un modèle là-dedans. ne sais pas encore comment décoratif je veux obtenir. Je réévalue l'échelle et l'emplacement de la forme centrale. Je pense qu'il doit se rétrécir un peu, ça rend l'espace autour de lui plus grand. Je vais le déplacer un peu plus près, mais pas exactement au centre de ma page. Donc, voici ma mise en page approximative. J' ai une idée de base de l'énergie et du symbolisme de la conception, du placement des formes clés, et je vais passer en haut avec le rouge et définir certaines de ces formes, les rendre un peu moins géométriques, un peu plus organiques et un peu plus spécifique à ce qu'ils représentent. Donc, je commence par la fleur, je me chevauche dans quelques petits objets, et dessine les courbes de serpent de la vigne. Peut-être que je mettrai des épines sur eux. Je vais les déposer pour l'instant. Voici une autre influence de ma part. Les dames symétriques. J' aime vraiment la façon dont ce bras s'étend et c'est presque comme la tige d'une plante. Je vais emprunter ça et peut-être créer des petites formes de tige qui coulent de haut en bas. Je ne peux m'empêcher d'utiliser cette vigne inférieure pour se connecter au S. Donc, c'est probablement plus intelligent qu'il n'en a besoin, mais je vais la garder pour l'instant. Maintenant, les textures de l'influence environnante, je ne suis pas encore installé là-bas. Je vais essayer quelques lignes pointillées et réajuster ces formulaires. Voyez si je peux les faire couler d'une manière intéressante. Je pense que je dois aller un peu plus simple. Je veux qu'ils se sentent ondulés. J' envisage de les connecter au texte d'une manière ou d'une autre. Bloquons une partie de cet espace négatif en arrière-plan. Donc, je suis sûr que j'ai un peu de place pour un cadre, je choisisse de le laisser vide ou d'y mettre un motif, c' est toujours un cadre et je vais resserrer certaines de ces lignes sinueuses en arrière-plan. Une des choses que je travaille toujours pour améliorer en tant qu'illustrateur est laisser beaucoup de place pour le mouvement entre ma scène de croquis et mon travail final de ligne. Je ne veux pas définir tous les détails de mon dessin au stade de l'esquisse, car alors l'œuvre finale est très rigide. Donc, cela peut sembler à un illustrateur novice, un peu trop lâche pour que vous puissiez encrerer en toute confiance sur le dessus, mais pour moi c'est juste assez. Je vais vous montrer comment j'utilise cette liberté dans le travail final. 13. Projet de cours : carte de ton: Je trouve que quand je vais à l'encre de ma composition, je suis hyper concentré sur n'importe quelle région du design sur lequel je travaille et je perds de vue les objectifs plus grands du projet parce que je m'amuse tellement créer des lignes propres ou en se livrant à de petites poches de détail. Donc, ce que j'aime faire est de créer une carte de ton qui est un petit croquis miniature de la relation entre les lumières et les sombres dans le projet final. Il n'inclut pas la couleur. C' est juste du noir, du blanc et des nuances de gris, les valeurs de l'image finale. Donc, voici un exemple de carte tonale. Vous pouvez voir les noirs représentent le cadre. La fleur au centre et l'espace négatif autour du texte et autour de la fleur, j'ai quelques nuances de gris. J' aime la relation entre les gris et les noirs, mais ce n'est pas aussi fort que ça pourrait l'être. Donc, je vais faire un croquis de plus ici et je vais essayer la technique Art nouveau populaire d'inverser les lumières et les sombres. Je veux attirer l'œil sur les pétales de cette fleur. Donc, ma carte de ton est un moyen d'amener les gens à regarder les parties du design. Je veux qu'ils le fassent et me rappeler où je veux attirer l'attention. Je l'aime beaucoup mieux. Le texte apparaîtra. Il est inversé, donc encore une fois, l'espace négatif est noirci, crée un espace négatif dans le flux de la conception autour la fleur, mais la fleur elle-même sera laissée lumière. De cette façon, votre œil est attiré vers ces deux pétales principaux et il crée une belle tension avec cette petite forme juste au centre mort du dessin. Donc, c'est une carte de ton. Je recommande de l'essayer. Il ne vous faudra qu'une minute ou deux pour le comprendre. C' est quelque chose qui est utile de garder à portée de main pendant que vous construisez votre travail final de ligne. 14. Projet de cours : illustration au trait et contraste (partie 1): J' essaie de ne pas profiter des capacités du logiciel lorsque je fais ces leçons parce que je veux que des artistes qui travaillent avec des médiums traditionnels comme un crayon et du papier puissent participer et dessiner et ne pas être laissés à l'écart du processus. Mais dans ce cas, je fais beaucoup de redessiner des lignes et je pense qu'il est important de voir les lignes que je garde et les lignes que je refais. Ce n'est pas parce que j'essaie de les rendre parfaits, j'essaie de parler de la sensation globale du design, la métaphore visuelle vers laquelle je travaille, puis je retravaille espaces parfois parce que cela doit être lié aux formes qui l'entourent. Chaque ligne que je dessine révèle quelque chose de nouveau sur la composition. Donc, je dois constamment réfléchir et réévaluer comment cet espace s'intègre comme si je trouvais les pièces d'un puzzle. Ça arrive juste de la chauve-souris ici au milieu de cette fleur. C' est un excellent exemple de l'espace que votre esprit obtient lorsque vous travaillez dans ce style. Je vois ces lignes former une forme très spécifique au milieu de cette fleur. Je veux qu'elle se sente comme une goutte qui coule dans la fleur autant que je veux qu'elle se sente comme une ouverture à l'intérieur. Il doit se sentir gracieux. Quand je descends à ces vignes, ils ont besoin de se sentir comme un serpent, ils ne peuvent pas se sentir trop géométriques et ronds, je veux qu'ils soient un peu compressés comme s'ils avaient un poids pour eux, presque comme s'ils étaient assis sur une surface. Je vois aussi une opportunité ici de créer une sorte de référence subtile au symbole de l'infini qui est la forme que j' utilisais plus tôt dans les leçons pour représenter la relation entre l'illustration et le design et comment ils s'intègrent ensemble, c'est sorte de donner et de prendre. Au sein de ces vignes, je vais prendre cette influence Aubrey Beardsley, l'idée que dans une forme donnée est un ensemble plus complexe d'émotions et de sentiments et qui est représenté par la biologie ou nature organique comme nous voyons dans la cape de la femme dans cette image de référence. Donc, je crée un enchevêtrement de vignes qui sont cachées sous la forme de cette fleur. Encore une fois, j'essaie constamment d'équilibrer l'espace positif et négatif. J' imagine ce que je vais remplir avec du noir et ce que je vais garder blanc. Donc, je dois obtenir les courbes juste. Ils doivent être espacés uniformément. Selon le type d'artiste que vous êtes, vous pouvez vous connecter ou ne pas vous connecter à cette approche. Je pourrais prendre tout ce croquis et le tracer dans Adobe Illustrator avec un outil de stylo vectoriel, je pourrais zoomer et essayer de faire correspondre les lignes juste à droite, mais pour moi, l'émotion sort quand je joue et explore dans ces endroits avec le mouvement de ma main, créant de grands arcs ou parfois des lignes encore plus compliquées avec un seul flux et le mouvement du poignet. C' est comme une petite danse, non ? Si j'utilise un outil vectoriel, je cherche juste la précision et je peux créer de belles courbes mais je peux explorer ce que ces courbes signifient en un instant et je perds un peu de cette connexion humaine. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon, je ne suis pas ressentie des illustrateurs qui utilisent ces outils et je le fais moi-même parfois, mais vous devez admettre qu'il y a un peu d'occasion perdue quand vous travaillez avec des techniques très précises logiciel. Une fois que j'ai terminé ma vigne, je vais me déplacer dominant dans le texte et je pense à cela car je crée une police unique, pas même une police, juste des formes de lettre qui sont liées à cette fleur dans la vigne aux choses qui J'ai déjà sur la page. Donc, ça va me prendre du temps pour trouver la personnalité de ces lettres. Je suis, bien sûr, enclin à des formes dessinées douces, donc c'est ce que je commence ici et ces premières lettres définiront vraiment le langage de l'ensemble du design. Donc, je vais les travailler jusqu'à ce qu'ils se sentent bien. Les lettres qu'ils sont poussés les uns contre les autres parce que je veux créer des opportunités pour l'espace négatif, mais ils ont aussi besoin d'être lisibles, mais juste à peine. D' accord. Ça me semble trop caricatural. Je vais effacer tout ça et je vais recommencer. Je vais prendre un nouveau point de vue ici, je vais bloquer toute la lettre espacée et ensuite je vais commencer à couper les formulaires. Eh bien, pas vraiment couper les formulaires, pensons-y de cette façon, j'insiste sur les formes de lettre en créant des ténèbres. Donc, je travaille exclusivement dans l'espace négatif. J' ai une référence, mais si vous y pensez vraiment, je n'ai pas dessiné de lettres, je suppose juste des lettres avec mon design. Je suis à la recherche de la sympathie, des formes et des formes intéressantes. L' objectif secondaire ici est de représenter les lettres et les deux mots distincts. Vous pouvez me voir être pris ici à nouveau autour de cette vigne, je devrais probablement la faire comme serpent et lui donner un caractère unique de cette façon il se distingue de la vair parce que je n'ai pas laissé un espace entre ces deux mots. Je ne sais pas pour vous, mais je suis vraiment pris dans un état d'esprit différent quand je travaille comme ça, quand je peins une forme ronde et des formes et vous pouvez le voir sortir comme je décorer cet espace de type. Je transforme certaines lettres en formes et je transforme une partie de l'espace négatif en formes. Donc, l'idée ici est que votre cerveau saute en quelque sorte du littéral et de la représentation, la lettre et de sa signification abstraite et de la forme réelle que j'ai créée. mentionné dans un chapitre précédent. L' Art Nouveau joue avec votre esprit quand vous le regardez et c'est un peu le point. Il ne veut pas représenter des aspects de notre société ou du monde réel. Il veut voir ce que cela signifie d'être une personne et c'est l'idée derrière l'étude métaphysique, non ? Il remonte à Aristote et il y a une bonne citation philosophe Emmanuel Kant du début de 1700, vous savez, environ 100 ans avant que le style Art Nouveau ne devienne vraiment le sien. Emmanuel Kant a déclaré : « L'étude de la métaphysique est un abîme sans fond, un océan sombre sans littoral. » Nous plaisantons de ce que cela signifie d'obtenir des méta sur quelque chose, qui signifie essentiellement enlever toute logique et juste couler avec les sensations et les émotions d'un sujet. Beaucoup de gens avec un esprit plus scientifique diraient que c'est un point de vue faible du monde parce que c'est si introspectif, non ? Tout est à propos de vous, ou c'est tellement conceptuel, ou cela ne peut exister que dans votre esprit, mais nos relations les plus étroites avec les idées et les choses ont un sens métaphysique parce que ça parle de ce que signifie être quelque chose, ce que cela signifie de se rapporter au monde qui vous entoure. Comment est arrivé quelque chose en premier lieu ? Les choses ne viennent pas de rien. Les choses ne sont pas nées d'une définition scientifique, il y a des résultats d'effets environnementaux. C' est ce que des choses comme ces lignes, cette influence, l'influence environnante autour de ma fleur, c'est ce qu'elles représentent. Les choses qui font naître quelque chose. C' est difficile d'évaluer ce que sont ces choses, mais il faut être conscient qu'elles existent, non ? Mais, bien sûr, les courbes doivent également se sentir bien. Ça doit être beau à la fin de la journée. 15. Projet de cours : illustration au trait et contraste (partie 2): - Tout ce travail que nous avons regardé, vous savez que c'est autour de 1905- 1906. Environ cinq ans plus tard, le mouvement de l'art métaphysique est né. Et c'est essentiellement l'idée que les artistes peignent ce qui n'a pas été vu. L' étrangeté du monde invisible, d'autres réalités et choses comme ça. C' est là que ça se base sur la science-fiction, mais je pense que ce genre de travail est un peu plus lié à Edgar Allan Poe et à des histoires comme The Raven. Là où il y a une énergie menaçante ou un sentiment, mais il n'y a pas d'élément antagoniste réel. D'accord. Donc, tu sais que c'est triste que je travaille. Je ne traque pas mon travail. Je pense constamment à la façon dont les lignes que je dessine sont maintenant liées à ce que j'ai dessiné auparavant. C' est peut-être difficile à voir, mais en ce moment je vais faire le tour de tous ces espaces vides autour des fils fumés que j'ai créés et transformer ces espaces autour d'eux en formes propres. C' est presque comme un bois taillé à ce stade. qui était un style qui a certainement inspiré cette ère des arts graphiques. Maintenant, je vais passer par l'espace principal autour de la fleur et créer un visuel plus spécifique de l'influence du monde environnant. Donc, le smokiness est influence, mais c'est aussi comme un élément de cadrage. Je ne veux rien connecter directement à la fleur. Je veux dire, j'ai laissé ces éléments flotter dans l'espace autour d'elle. Il est si facile de remplir l'espace négatif et de surcharger le design, mais je pense que je peux m'en sortir si je garde mes formes vraiment simples. Je veux un sentiment d'immensité. Droit. Comme dans un regard de sensation à gauche là, ma petite image de référence de planètes se déplaçant à travers les profondeurs de l'espace. Donc, je vais utiliser des petits points. Donc, ils semblent plus loin de la fleur, poussez la fleur au premier plan. Sortons le croquis maintenant. Je vois vraiment cet espace négatif. D' accord. Ça regarde, ça a l'air plutôt bien. Je vais passer à la partie intérieure de la fleur et montrer une sorte de côté interne de la fleur, ce qui vient ensuite de lui et ajouter un peu de mystère. J' aime le chevauchement des vignes et ces petits points à l'intérieur laissent entendre que ces choses derrière l'iconographie principale. ne sais pas quoi faire avec ces pétales, je ne veux pas leur donner trop de forme. Je suppose que j'aime ça. Maintenant, je vais passer à travers et blackout autour des vignes qui est la partie amusante. J' avais déjà imaginé cela, c'est juste une question de passer à travers maintenant et de le faire. J' ai dessiné beaucoup de créatures tentaculaires dans mon temps donc, je suis assez bon pour tisser des lignes et des formes dans et hors de l'autre. Je vais essayer de décorer les pétales de cette fleur et je ne suis pas sûr si je l'aime encore. Ils devraient avoir un peu plus de caractère pour eux. C' est trop. Mais je garde à l'esprit que je vais apporter une couleur à ce design et je dois laisser de la place pour cela. Trop de noir dans ce motif de fleur ne va pas marcher. Ok, ces pédales me dérangent. Je vais enlever les petites lignes horizontales que je leur ai mises. Et si je peux avoir une petite courbe dans ce pétale, dans ce pétale de premier plan ici ce serait génial. Est-ce que je le remplit ou pas ? Laissez-le vide. D'accord. Maintenant, j'entre dans ma nouvelle part ici. Donc, c'est toujours un bon endroit pour arrêter car je fais trop d'espace. C' est comme, à quel point mesurez-vous un rivage. Un dernier voyage à la jante extérieure ici, peut-être que je sens cet espace. Non. Je devrais le laisser vide. D' accord. L'équilibre de l'espace positif et négatif de créer des contrastes et des tensions. C' est une lutte constante. C' est pourquoi nous continuons à faire de l'art. 16. Projet de cours : couleur et espace négatif: Ici, nous sommes dans le dernier tronçon du projet de classe. Il ne reste plus qu'à négocier la couleur et l'espace négatif. Regardons quelques exemples et regardons comment d'autres artistes du Ver Sacrum ont traité la couleur. Rappelez-vous que nous avons affaire à technologie d'impression précoce et probablement à de petits budgets pour ces magazines. Donc, la couleur est une marchandise. La plupart des images et des pages n'utilisaient qu'une ou deux couleurs plus un noir. Donc, les artistes seraient vraiment intelligents sur la façon dont ils utilisent l'espace négatif. Dans ce premier exemple à gauche, nous voyons le noir est le contraste entre la nuit. Le travail de ligne du noir crée des textures, puis le bleu est la couleur d'humeur globale du design. Donc, si cette image sur la gauche avait été rouge, elle aurait une sensation totalement différente sans changer d'autres éléments du design. Ainsi, nous pouvons utiliser la couleur pour définir l'ambiance de l'image. Dans l'exemple du milieu ici, nous avons un ton orange plus dynamique et plus énergique. Nous avons le noir comme point central de l'accent. L' ombre en arrière-plan aurait pu aussi être noire, mais elle aurait enlevé cet autre élément visuel. Donc, violet fonctionne comme un beau compliment à l'orange. Il a une belle énergie parce que c'est un contraste élevé, mais il n'enlève pas la forme noire entièrement saturée au milieu. Nous pouvons donc utiliser la couleur pour encadrer un point d'accent aussi. Donc je dois décider mes ombres sont toutes noires ? Comment dois-je traiter d'autres éléments secondaires ? Le troisième est assez intelligent parce qu'il garde l'élément de premier plan noir, forme iconique, et il utilise l'orange dans le dos pour donner le ton à l'ambiance et presque encadrer le visage un peu, mais avec une sorte intelligente de silhouette de coucher de soleil tiré hors de lui. Ainsi, nous pouvons créer des espaces négatifs dans la couleur. Nous pouvons utiliser nos noirs comme points d'accent pour guider l'œil, et nous pouvons également utiliser la couleur pour définir l'humeur et le ton dans notre composition. Je vais travailler en noir, blanc, et je vais choisir une nuance de rouge similaire au tout premier numéro du Ver Sacrum. C' est ma petite référence intérieure pour ce design, et cela va aussi m'aider à garder les choses assez simples. Je vais remplir tout le fond en rouge pour commencer. Je vais remplir toute l'image avec du rouge, et je vais sortir du blanc là où cela semble nécessaire. Le rouge lui donne une belle chaleur, mais il aplatit aussi l'image de beaucoup de façons. Il réduit le contraste car la valeur du rouge est quelques pas plus proche du noir qu'au blanc. Noir et blanc, contraste élevé. C' est beaucoup de tension là-bas parce que c'est un grand saut pour l'œil de regarder de blanc à noir. Mais le rouge se trouve au milieu. Donc, je vais sortir un peu de rouge. Commençons par la fleur au centre. Ces deux pétales principaux dont je continue de parler, et combien j'aime qu'ils soient le point de l'accent. Je vais retirer la couleur de là, les pétales, et les trois boucles principales plus la plus grande partie de la tige. De cette façon, je garde un peu ce symbole de l'infini. Je garde aussi les courbes et les fixations les plus compliquées des vignes poussées à l'intérieur du dessin, plus comme la tige d'orgue. Retirez un peu de blanc sur les orbes environnants pour les connecter à la fleur. Peut-être que ce sont des bourgeons qui n'ont pas germé encore flottant dans l'espace. Maintenant, je veux construire un peu de modèle. Le motif est un élément si fort du mouvement Art Nouveau. Je n'ai pas vraiment abordé cela du tout, mais je peux utiliser les étoiles pour créer un motif très simple. Quelque chose de relaxant et de calme. Juste pour obtenir un peu plus de blanc et mettre en évidence et les tourbillons, je vais passer à travers et retirer une partie du rouge de diverses parties de la fumée. J' envisage de retirer le rouge du texte, mais le magazine n'a jamais fait de son chemin pour afficher son nom. Pas comme, par exemple, un Life Magazine, où le titre est toujours en vue et au premier plan. Le Ver Sacrum était un peu plus subtil et obscur. Donc, cela ne me dérange pas de cacher le texte dans le design et de laisser la fleur être le point principal de l'accent. C' est le genre de chose que vous avez à faire avec un magazine d'art plutôt qu'avec un produit commercial. D'accord. Il y a ma couverture complète de Ver Sacrum. Il y a environ 120 ans après la date limite. Nous sommes allés dans des endroits étranges qui provoquent la réflexion en cours de route. J' espère que vous avez apprécié ces petits détours. Bien sûr, c'est le plaisir et l'excitation du processus créatif, aller des endroits où votre esprit n'a jamais disparu auparavant. Style Star Trek. D' accord. Envelopperons ça. 17. Synthèse: Eh bien, j'espère que vous avez apprécié l'illustration par le design, et j'espère que la classe vous a inspiré à créer votre propre illustration et à la partager dans la section projet de classe. J' aime voir le travail des étudiants. Ça fait partie de ce qui fait de cette communauté, et ça fait partie de ce qui m'inspire à créer une nouvelle classe pour vous les gars. Assurez-vous de suivre mon canal de classe pour les mises à jour sur les nouvelles classes. Je suis sur Instagram, si tu aimes ce genre de choses. Je publie une newsletter de temps en temps avec des concours, des liens sympas, des images de mon art et des événements auxquels je participerai. Si vous aimez cette classe, consultez mes autres classes sur l'art conceptuel, dessin animé, illustration de livre pour enfants, dessin des serpents de mer médiévaux, toutes sortes de choses amusantes pour vous les gars d'occuper votre cerveau créatif avec. D' accord. Je te verrai la prochaine fois.