Démystifier la photographie alimentaire - Techniques pour trouver votre style dans un paysage de réseaux sociaux

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Isabelle, et je suis photographe culinaire autodidacte. Comme nous avons vu Instagram gagner en popularité au cours des dernières années, le monde de la photographie alimentaire a vraiment explosé. Ce qui était autrefois un monde quelque peu insaisissable et secret de travail éditorial, est maintenant quelque peu démocratisé, ouvert la voie à toute une nouvelle génération de conteurs très divers et talentueux. Alors que nous pouvons tous et à peu près faire, prendre une photo rapide de notre nourriture sur notre iPhone, il faut poser la question, ce qui rend une bonne photo et ces facteurs peuvent-ils être décomposés en un ensemble clair et digeste de leçons ? Dans ce cours Skillshare, démystifiant la photographie alimentaire, conseils et des techniques pour trouver votre style dans un paysage de médias sociaux en évolution, j'espère donner aux individus les moyens de se sentir plus confiants derrière la caméra. Nous allons y parvenir en couvrant des sujets liés aux bases de l'appareil photo, à l' éclairage, au style et à la composition. Bien que des connaissances ou une expérience avec la photographie alimentaire soient recommandées, ce cours est adapté à tous les niveaux de compétence, tout ce dont vous avez besoin est un amour de la nourriture et un amour de la photographie. Alors commençons. 2. Projet final: Pour votre projet final, vous photographierez un plat ou un repas signature de votre choix en utilisant deux ou trois concepts de classe sur votre photo. La première étape du processus consistera compléter le cours et à réfléchir au contenu. Ce qui vous a le plus distingué de ce qui a été décrit. Essayez de pratiquer certains concepts avec des objets simples comme des fruits ou des fleurs. Testez différents angles, l'éclairage, les paramètres de la caméra et les invites. Ensuite, choisissez une signature d'un plat, d'un repas ou d'un aliment préféré à photographier. Cela peut aller du gâteau, de la soupe, des pâtes, des salades, des sandwichs, etc. N' ayez pas peur d'utiliser votre imagination. Ensuite, développez une planche d'humeur sur Pinterest ou Instagram de votre inspiration. Votre style a-t-il tendance à être clair et aéré ou sombre et sombre ? Est-ce que vous gravitez vers beaucoup de prompts ou un style plus minimaliste. Considérez si le choix stylistique fonctionne ou non avec votre plat. Une fois que vous avez créé votre tableau d'humeur, esquissez grossièrement votre scène. De quel angle voulez-vous photographier ? Quelles invites souhaitez-vous utiliser ? Enfin, photographiez votre scène et modifiez éventuellement à votre goût dans le logiciel de votre choix. Deux exemples sont Adobe Photoshop ou Adobe Lightroom. Publiez votre travail dans la galerie de cours en format paysage ou portrait. Une fois que vous avez terminé votre projet, assurez-vous de collaborer avec d'autres créateurs. Si vous êtes prêt, commençons ce cours. 3. Les bases de la caméra: Bienvenue à votre prochaine leçon où nous discuterons des bases de la caméra. Nous allons discuter de sujets tels que le mode manuel ou automatique, point manuelle ou automatique, ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO. Parlons d'abord du mode automatique par rapport au mode manuel. Sur un appareil photo reflex numérique, il y a plusieurs modes de prise de vue, dont deux sont automatiques et manuels. mode automatique détermine pour vous ce que seront l'ouverture, la vitesse d'obturation , l' ISO et la balance des blancs, qui sont des sujets que nous allons discuter plus tard. Pensez-y presque comme les roues d'entraînement sur un vélo. Comme dans, il fait la plupart du travail pour vous. Bien que cela soit pratique, vous avez en fin de compte moins de contrôle sur le résultat de vos images, ce qui peut entraîner un manque de cohérence. Alors que le mode manuel est certainement plus de travail, vous aurez finalement plus de contrôle créatif, il nécessite juste un peu plus d'attention, aux différents composants de votre appareil photo. Ensuite, parlons de mise au point manuelle ou automatique sur une caméra. Vers l'avant de la caméra près de l'objectif, il devrait y avoir un interrupteur, qui indique la mise au point automatique par rapport à la mise au point manuelle, généralement notée par M contre AF. point automatique est juste l'objectif focal de l'appareil photo pour vous, ce qui est pratique pour les prises de vue d'action ou de nature. La mise en garde de ce fait est qu'il ne se concentrera pas nécessairement sur les parties d'une image que vous voulez. En revanche, la mise au point manuelle consiste à tourner la lentille focale de l'appareil photo jusqu'à ce que différents points de l'image soient mis au point. Encore une fois, cela nécessite un peu plus d'efforts, mais finalement vous donne plus de contrôle créatif. Le prochain composant de caméra dont nous allons parler est l'ouverture. L' ouverture est la quantité de lumière qu'une caméra laisse entrer physiquement. Vous pouvez en quelque sorte le considérer comme la pupille de l'œil de la caméra. dilate lorsqu'il est exposé à des réglages plus légers et s'agrandit lorsqu'il est exposé à des réglages plus sombres. L' ouverture est mesurée dans des réglages d'arrêt f, allant de f-1.4 à f-22. Plus le nombre de fstop est élevé, moins la caméra émettra de lumière. En revanche, plus le nombre de f-stop est faible, plus la quantité de lumière qu'une caméra va laisser entrer. En plus de la lumière, l' ouverture a également un impact sur la profondeur du champ. Les paramètres de f-stop inférieurs correspondent à un champ de mise au point peu profond, ce qui signifie que moins d'image sera claire. Par exemple, si nous regardons cette image ici, il n'y a qu'un petit point qui est clair. En revanche, un réglage f stop plus élevé entraînera un champ de mise au point plus profond, ce qui signifie que plus d'une image sera claire. À des fins de photographie complète, le point idéal pour l'ouverture, se situe entre f-4 et f-8, avec des plages plus élevées recommandées pour les prises aériennes. Il y aura des variations quant à la façon dont vous réglez l'ouverture, en fonction du modèle de votre appareil photo, alors assurez-vous de regarder le manuel de votre appareil photo individuel. Le prochain sujet que nous allons aborder est la vitesse d'obturation. La vitesse d'obturation, comme l'ouverture, correspond également à la quantité de lumière qu'un appareil photo laisse entrer, mais correspond à la durée pendant laquelle l'obturateur est ouvert avant que l'appareil photo ne prenne une photo. Selon le modèle de votre appareil photo, vitesse d'obturation peut varier d'un huitième de seconde à un cinqcentièmes de seconde. Mais une bonne gamme pour la photographie alimentaire, se situe entre une seconde et deux centièmes de seconde, selon la luminosité de votre source lumineuse. Pour les prises d'action, une vitesse d'obturation plus élevée est recommandée, car vous obtiendrez finalement une image claire et plus nette. Si vous voulez utiliser une vitesse d'obturation inférieure, je vous recommande d'utiliser un trépied, car cela aidera à atténuer une partie de ce flou de mouvement que vous pourriez obtenir si vous deviez tirer main libre. Le dernier sujet que nous allons discuter qui concerne les bases de l'appareil photo est l'ISO. L' ISO est un réglage de la caméra qui s'adapte à la sensibilité d'une caméra à la lumière. En d'autres termes, il peut éclaircir ou assombrir une image. Plus l'ISO est en nombre, plus l'image sera brillante. Des gammes élevées d'ISO peuvent être utilisées pour des images nocturnes, par exemple, si vous deviez photographier un paysage urbain ou quelque chose comme ça. Mais plus l'ISO est élevée, plus une image aura de grain. Avec la photographie, l'ISO devrait se situer entre 160 et 400. Encore une fois, consultez le manuel de votre appareil photo pour déterminer comment ajuster votre ISO. Pour passer en revue, discutons rapidement de certains des sujets relatifs aux bases de la caméra. Nous avons d'abord parlé du mode manuel par rapport au mode automatique, et de la façon dont le mode manuel permet une plus grande flexibilité créative. Nous avons ensuite discuté de la mise au point manuelle ou automatique et du ciblage des parties de l'image sur lesquelles vous souhaitez vous concentrer. Ensuite, nous avons discuté de l'ouverture, et de son impact sur le champ inductif de la lumière. Nous avons également discuté de la vitesse d'obturation et de son impact sur la lumière prise par une caméra. Enfin, nous avons discuté de l'ISO et de son impact sur les réglages de lumière d'une caméra. 4. Éclairage: Bienvenue à vos prochaines leçons. Nous discuterons de l'éclairage. Pour ce cours, nous ne discuterons que des sources de lumière naturelle. Si vous photographiez actuellement en utilisant des sources de lumière artificielle ou si vous cherchez une classe à ce sujet, gardez cela à l'esprit aller de l'avant. Ces prochaines leçons nous expliquerons pourquoi utiliser lumière du soleil comme source de lumière principale dans la photographie alimentaire, sources de lumière directe ou indirecte, configurations d'éclairage latéral et les configurations de rétroéclairage. Vous vous demandez peut-être pourquoi utiliser la lumière du soleil comme source de lumière principale dans photographie alimentaire par rapport à un éclairage aérien régulier dans votre maison. Une partie de cela a trait à l'intensité relative de la puissance de la lumière du soleil par rapport à une ampoule domestique standard. Alors que l'ampoule délivre environ 800 lumens de lumière, en moyenne, le soleil délivre 9 800 lumens de lumière par mètre carré sur une surface perpendiculaire. Par conséquent, la lumière du soleil délivre beaucoup plus de lumière, ce qui aboutira finalement à une image plus éclairée. En plus de ce fait, la plupart des ampoules ont tendance à donner une teinte jaune ou bleue surtout lorsqu'elles sont photographiées. La lumière du soleil a tendance à paraître plus neutre et à avoir une balance des blancs plus naturelle. Notre prochain sujet abordera les sources de lumière directe ou indirecte et leur but dans la photographie alimentaire. Les sources de lumière directe sont celles qui font briller leurs rayons directement sur la scène ou l'objet ou qui se trouvent dans le chemin direct de l'objet ou de la scène que vous photographiez ou observez. Pour la photographie, cela se traduit par des ombres et des reflets sévères, des couleurs vibrantes et un bon sens du contraste. Cela peut certainement être un choix beau et efficace pour des choses telles que les boissons, mais peut parfois submerger une image juste en termes de la rigueur des reflets et des ombres. En revanche, l'éclairage diffus implique la dispersion de la lumière de sorte qu'une scène est éclairée indirectement. Cela peut se produire dans la nature, par exemple jour nuageux ou par l'utilisation d'un diffuseur photographique par temps lumineux et ensoleillé. Pour la photographie alimentaire, un certain niveau de diffusion est généralement utilisé car il a tendance à éclairer les objets de façon claire et propre. Mais gardez à l'esprit les deux méthodes d'éclairage peuvent certainement être utilisées, cela dépend juste de l'effet stylistique que vous allez pour. Notre prochain sujet portera sur l'éclairage latéral et le rétroéclairage. Side Side consiste à mettre en place une scène photographique parallèle à une fenêtre afin que la lumière s'écoule sur le côté de la nourriture, ce qui crée une sensation dynamique de lumières et d'ombres. Une autre configuration d'éclairage est le rétroéclairage. rétroéclairage est plutôt une technique d'éclairage avancée qui consiste à placer votre scène photographique devant votre fenêtre ou votre source lumineuse, ce qui crée un effet dramatique et de mauvaise humeur. rétro-éclairage est souvent utilisé pour les prises de verre spectaculaires, mais encore une fois, faites attention lorsque vous utilisez cette technique, car elle peut parfois dominer la scène en fonction de l'obscurité des ombres. Conditions pour déterminer les moments de la journée sont les meilleurs à photographier, je recommande de photographier un objet simple comme une pomme à différents moments de la journée et d'observer les différences. Examinons. Nous avons d'abord parlé de la raison d'utiliser la lumière du soleil dans la photographie alimentaire, nous avons parlé des différences entre les sources de lumière directe et indirecte, et enfin, nous avons parlé deux configurations d'éclairage différentes, y compris le côté et le rétroéclairage. 5. La composition: Bienvenue à vos prochaines leçons, qui porteront sur la composition, ou la mise en page générale ou l'agencement de votre scène. Parmi les sujets dont nous discuterons, mentionnons les différents angles de caméra, tels que la prise de vue aérienne, la prise d'angle de 45 degrés et la prise de vue directe, ainsi que certaines règles de composition, telles que la règle des tiers, et la règle du triangle d'or. Discutons d'abord du plan aérien. Les prises aériennes impliquent des prises de vue directement sur votre scène. Cela peut être réalisé en tirant à main libre ou en utilisant un trépied ou un porte-clés. Comme mentionné précédemment, avant de minimiser une partie du flou de mouvement et de capturer adéquatement les détails de votre scène, est généralement recommandé d' augmenter la vitesse d'obturation et l'ouverture. Les coups généraux ont tendance à fonctionner pour des objets quelque peu plats. Quelque chose comme une salade, contre des objets avec de la hauteur comme un sandwich. Comme les photos aériennes peuvent parfois lire à plat, texture et le mouvement peuvent être introduits en superposant des invites et en introduisant des courbes, qui sont quelques-uns des sujets que nous discuterons un peu plus tard. Le prochain angle de caméra dont nous parlerons est le tir d'angle de 45 degrés. Ainsi, les tirs à angle de 45 degrés sont pris à un angle entre les prises de vue aériennes et les prises de vue droites. En conséquence, ils permettent plus de dimension dans une image. Ainsi, les prises d'angle de 45 degrés sont couramment utilisées pour photographier des boissons, comme vous pouvez le voir, la fois le profil et la surface de l'objet, ce qui permet un contraste visuel agréable. Le prochain angle de caméra dont nous parlerons est la prise de vue directe. La prise de vue directe implique une prise de vue à un angle de 90 degrés ou parallèle au profil de l'objet. Cela fonctionne mieux pour les objets plus grands comme les sandwiches ou les hamburgers, car il peut vraiment mettre en valeur la hauteur verticale des aliments. Cela pourrait également fonctionner pour des choses telles que les brownies ou les poffies. Maintenant que nous avons parlé des angles de caméra, discutons rapidement de deux règles importantes de composition, la règle des tiers et la règle du triangle d'or. La règle des tiers est une ligne directrice classique de composition, qui consiste à visualiser deux lignes horizontales et deux verticales, qui forment une grille, qui divisent une image en tiers, l'idée étant que les points de pour une image, doivent se produire aux points d'intersection de la ligne. La prochaine règle de composition dont nous allons parler est la règle du triangle d'or. La règle du triangle d'or fonctionne de la même idée que la règle des tiers. Fondamentalement, que les points d'intérêt d'une image, devraient se produire aux points d'intersection des lignes. Au lieu d'une grille, cependant, la règle implique quatre triangles placés sur une diagonale. Bien que les deux règles soient utiles en termes de création d'une image équilibrée sur le plan de la composition, vous n'avez en aucun cas à imprimer une grille, chaque fois que vous voulez prendre une photo. Ils sont cependant utiles pour visualiser un thème, surtout lorsque vous esquissez vos idées pour la première fois. Examinons rapidement certains des sujets dont nous avons parlé concernant la composition. Nous avons d'abord parlé de certains des différents angles de caméra, et de quelques règles générales pour savoir quand utiliser lequel, puis nous avons discuté de la règle des tiers et façon dont elle fonctionne pour créer une image bien composée, et enfin, nous avons discuté de la règle du triangle d'or et de certaines similitudes avec la règle des tiers. Je te verrai dans la prochaine... 6. Du style: Bienvenue à votre prochaine leçon où nous discuterons du style. Parmi les sujets que nous aborderons, mentionnons les courbes S, les courbes C, la superposition des accessoires et, enfin, les conseils et les techniques de placage. Discutons d'abord de la courbe S. Créer des courbes dans la photographie, est un moyen de créer une image transparente. Un exemple de cela inclut la courbe S. Cette technique de coiffage consiste à organiser des accessoires ou des objets dans la forme rugueuse d'un S. S courbes attirent vraiment l'œil dans une image, créant ainsi un sens du mouvement et de la définition. Cela peut très bien fonctionner dans les plans généraux, créant à nouveau ce sens du mouvement, mais il peut également fonctionner très bien dans les plans directs ou à 45 degrés, en termes de jeu avec vos éléments de premier plan et d'arrière-plan. La courbe suivante dont nous discuterons est la courbe C. Encore une fois, les courbes C sont une autre technique de style et sont similaires aux courbes S en termes de création de mouvement. Cependant, les courbes C encadrent davantage une image ou un sujet, et peuvent créer un sentiment de fermeture. Par exemple, les objets disposés en C, encadrent les coins d'une image, et fournissent également un contraste agréable avec l'espace négatif à droite. Passons à notre prochain sujet, les accessoires et la superposition. Les accessoires, alias assiettes, bols, serviettes, etc., peuvent être pensés aux pièces de l'ensemble qui aident vraiment à donner vie à une image. Gardez à l'esprit, cependant, vous n'avez vraiment pas besoin d'un million de pièces coûteuses, pour faire une belle image. Plutôt qu'un seul bol ou assiette soigneusement placé peut créer un impact énorme. En ce qui concerne les accessoires à utiliser, je pense qu'un bon point de départ serait une assiette, un bol, un ensemble d'argenterie , une serviette et éventuellement un verre. Pour créer un sentiment de continuité, de mouvement et de texture, la superposition peut être introduite à vos accessoires. Cela peut être fait en empilant un bol sur une assiette, enveloppant une serviette autour de votre bol, ou en chevauchant divers ingrédients ou éléments. En ce qui concerne les fonds, le ciel est vraiment la limite. Parmi les décors de mon arsenal figurent une toile de fond imprimée finale, quelques décors en plâtre DIY, une toile de fond en bois DIY, et même une nappe en lin. D' autres fonds existent sur le marché, allant de l'option plus vinyle imprimé, au bois en toile de fond, et ils viennent également dans une variété de prix aussi bien. Notre dernier sujet de style portera sur les conseils et les techniques de placage. Gardez à l'esprit l'utilisation de courbes peut également s'appliquer aux techniques de placage, comme le montre cette image ici. Mais une autre technique de placage est l'affinage de légumes ou d'ingrédients sur votre assiette ou bol, comme avec des articles comme des pommes, poires, des avocats, des radis, etc. Cela implique de trancher finement vos fruits ou légumes, et de presser doucement la surface vers le bas pour créer un motif semblable à un ventilateur. L' œil est naturellement attiré par les motifs et la géométrie, ce qui n'est qu'une des raisons pour lesquelles il s'agit d'une technique de placage vraiment efficace. Une autre chose à garder à l'esprit lors du placage est de laisser un peu d'espace blanc dans la plaque ou le bol, plutôt que de remplir le récipient à bord. Cela permet un certain contraste visuel, mais donne également un sens plus naturel de l'équilibre, et aussi de l'échelle. inspirant de ce thème de la géométrie et des motifs, swoops et les tourbillons sont une autre technique de placage pour des choses telles que les sauces ou les glaçons. Cela implique d'ajouter une poupée de l'article sur votre assiette, et de faire glisser doucement ce spin à travers elle pour créer une forme de C subtile. Examinons certains des sujets relatifs au style. Nous avons d'abord parlé de certaines des différentes courbes et de la façon dont elles contribuent à un sentiment de mouvement dans une scène, puis nous avons discuté de la façon de construire une collection d'accessoires, et pourquoi la superposition d'éléments contribue à une image magnifiquement stylée, et nous avons enfin discuté de certaines techniques de placage et de la façon dont elles contribuent à une photo réussie. Je te vois dans la prochaine vidéo. 7. Conclusion: Nous sommes arrivés à la fin de nos leçons. Félicitations, j'espère que vous avez beaucoup appris. Mais avant de nous séparer, discutons rapidement de certains des sujets, nous sommes allés dans cette classe. Nous avons d'abord parlé des bases de l'appareil photo et abordé le manuel par rapport au mode automatique sur un appareil photo reflex numérique. Nous avons également parlé de la mise au point manuelle ou automatique, et nous avons abordé l'ouverture, vitesse d' obturation et l'ISO. Se familiariser avec les différents composants de l'appareil photo fait vraiment une grande différence dans la qualité globale, des images que vous allez choisir. Assurez-vous de consulter le manuel de votre appareil photo pour comprendre comment effectuer ces réglages. Nous avons ensuite parlé de l'éclairage, en particulier, pourquoi utiliser la lumière du soleil comme source de lumière principale. Nous avons également parlé des sources de lumière directe ou indirecte, de la différence entre ces deux sources. Enfin, nous avons discuté de deux configurations d'éclairage différentes, éclairage latéral et l'éclairage arrière. Encore une fois, nous vous avons donné quelques exemples de ce à quoi cela ressemble, certaines des différences et certains rôles d'entre eux. Nous avons ensuite discuté de la composition, en particulier des différents angles de caméra, y compris le tir en tête , le tir droit et le tir en angle de 45 degrés. Nous avons également parlé de deux règles de composition différentes, y compris la règle des tiers et la règle du triangle d'or. En comprenant ces théories de composition de base, vous serez vraiment en mesure de réduire certains des travaux d'invités impliqués dans l'organisation de vos scènes, ce qui aidera vraiment à rationaliser votre processus de photographie. Enfin, nous avons discuté du style. Nous avons parlé de quelques conseils et techniques différents, relatifs à l'utilisation des courbes, en particulier, la courbe S et la courbe C, et comment ils aident vraiment à créer le mouvement et la géométrie, dans vos images, quelque chose qui est vraiment attrayant visuellement à l'œil humain. Nous avons également parlé de conseils et de techniques de placage, sélection d'accessoires et de superposition d'accessoires. style aide vraiment à raconter l'histoire du plat, de l'objet, ou même du portrait que vous essayez de photographier, il est donc très utile d'avoir certaines de ces techniques dans votre ceinture à outils pour aller de l'avant. Prochaines étapes, n'oubliez pas de partager votre projet dans la galerie des cours, et laissez-moi tout commentaire que vous avez pour moi. J' ai vraiment hâte de vous entendre. Si vous voulez voir plus de mon travail, vous pouvez me trouver @the_balancedapron sur Instagram, ou vous pouvez me trouver au tablier équilibré sur Pinterest, et enfin, vous pouvez trouver mon site web à www.thebalancedapron.com. Là, je partage des recettes, vous pouvez voir certains de mes billets de blog, ainsi que mon portfolio de travail. En terminant, j'espère vraiment que cette classe vous permettra de vous sentir plus à l'aise derrière la caméra, comprendre ce qui va dans la création d'une belle image alimentaire, et aussi de vous inspirer pour trouver votre style unique. Chaque fois que vous photographiez, c'est l'occasion d'apprendre quelque chose de nouveau, voir ce qui s'est bien passé, voir ce qui ne s'est peut-être pas bien passé, et de l'appliquer à votre travail qui va de l'avant. Vraiment bien joué, et j'ai hâte de voir chaque projet.