Débloquer la magie de la peinture à l'aquarelle : un ange dans le jardin

1. Bienvenue: Il y a quelque chose de magique dans la peinture à l'aquarelle. Il ne s'agit pas uniquement de hasard et de surprises. Avec les aquarelles, nous pouvons peindre des scènes qui semblent réelles en utilisant soigneusement le pinceau et les couches Les couleurs se mélangent d'une manière unique, créant des images douces et réalistes qui évoquent un sentiment de paix Mais il ne s'agit pas simplement de copier ce que nous voyons. L'aquarelle me permet d'apporter ma touche personnelle. Tout en recherchant le réalisme, j'ai également la liberté de le personnaliser et de le rendre unique. C'est comme une méditation apaisante, car je mélange les couleurs et le processus devient un moyen de me détendre et de m'exprimer. Bonjour, je suis Chris et bienvenue dans mon cours de compétences, où je vous emmènerai dans un voyage de peinture d'une statue d' ange dans le jardin Tout au long de ce cours, je vous montrerai comment interpréter la photo de référence à travers votre regard artistique. Comment simplifier les formes et les couleurs et créer votre propre version de la réalité. Nous explorerons différentes techniques pour capturer ce merveilleux sujet et recréer la fantastique lumière du soleil sur la statue Si vous êtes débutant, considérez ce tutoriel comme une opportunité de développer vos compétences artistiques. Le didacticiel est soigneusement divisé en segments courts et faciles à gérer, segments courts et faciles à gérer, garantissant une expérience d'apprentissage fluide et agréable. Je vous guiderai étape par étape tout au long du processus afin que vous puissiez créer votre propre belle interprétation de cette peinture Je vais vous fournir des ressources qui vous aideront dans le processus de peinture. Rejoignez-moi dans ce voyage créatif et commençons. 2. Projet et ressources: Merci d'avoir choisi de participer à ce voyage artistique avec moi. C'est un honneur de t'avoir ici dans ce cours. J'ai préparé des ressources utiles pour votre projet, auxquelles vous pouvez accéder dans la section projets et ressources. Vous y trouverez un fichier PDF contenant une liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture en particulier, une photo de référence et ma peinture terminée pour vous guider. Les dessins au trait sont disponibles en différentes tailles que vous pouvez imprimer et transférer sur votre papier aquarelle, ce qui vous permet de choisir le format qui correspond à vos préférences Je l'ai peint au format 12 x 9. De plus, il existe des photos de l' avancement des travaux qui vous aideront à suivre le processus et à vous concentrer sur des domaines spécifiques. N'hésitez pas à explorer ces ressources et à les utiliser pour créer votre peinture unique et magnifique. Ce serait formidable de voir vos résultats. N'hésitez pas à partager vos photos de progression et la peinture finale avec la classe dans la section des projets et des ressources. Je vous recommande également vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets étudiants. C'est toujours une source d'inspiration de voir les autres travailler. C'est très réconfortant d'obtenir le soutien de vos camarades N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous aidera à mieux comprendre à quoi vous attendre dans chaque partie du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous en serais très reconnaissant. Si vous pouviez laisser un commentaire honnête. Vos commentaires m'aideront à créer un meilleur contenu et à aider les autres étudiants à décider de suivre ou non ce cours. Merci d'avance. 3. Mes fournitures d'art: Dans cette vidéo, j' aimerais partager avec vous un aperçu général de mes fournitures artistiques que j'utilise régulièrement. Je pense que je dois d' abord mentionner que je ne suis pas le genre de personne qui achète constamment de nouvelles fournitures artistiques et qui expérimente avec elles. J'utilise toujours les mêmes fournitures. Ils fonctionnent bien pour moi et j'ai appris à en tirer le meilleur parti, ce qui m'aide également à économiser de l'argent. Au lieu d'acheter cinq nouvelles couleurs que je n' utiliserais qu'une seule fois pour créer un échantillon de couleurs, je préfère investir dans des livres, par exemple Ne vous méprenez pas, l' expérimentation nouvelles fournitures artistiques et achat régulier de nouveaux matériaux peuvent offrir de nombreux avantages aux artistes Examinons les avantages et les inconvénients de l'essai de nouveaux matériaux artistiques. Cela peut susciter de nouvelles idées et de l'inspiration. Différents supports, couleurs et textures peuvent donner lieu à des expressions artistiques uniques et aider à surmonter les blocages créatifs exploration de nouvelles fournitures artistiques implique souvent l'apprentissage de nouvelles techniques et approches. Ce processus d'apprentissage continu contribue au développement des compétences artistiques et élargit la boîte à outils de l'artiste disposer d'une gamme variée de fournitures artistiques permet une plus grande polyvalence dans l'expression artistique. Les artistes peuvent alterner entre différents supports et outils en fonction des exigences spécifiques d'un projet, œuvres d'art plus dynamiques et plus variées L'expérimentation de nouveaux matériaux peut pousser un artiste hors de sa zone de confort La volonté d'explorer et de prendre des risques favorise développement personnel et encourage le développement artistique Le monde de l'art est en constante évolution avec les nouvelles technologies et les nouveaux matériaux. Se tenir au courant des dernières nouveautés en matière d'art permet un artiste de pertinent sur la scène artistique contemporaine. Essayer de nouvelles fournitures artistiques implique souvent de résoudre des problèmes. Les artistes peuvent avoir besoin de comprendre comment manipuler un nouveau médium ou d' adapter leurs techniques, afin d'améliorer leurs compétences en résolution de problèmes et leur pensée créative. L'enthousiasme suscité par l'utilisation d'un nouveau matériel artistique ou la découverte d'une nouvelle technique peut raviver la motivation et la passion pour la création artistique Cet enthousiasme est essentiel au maintien d' une pratique artistique cohérente et épanouissante. À mesure que la technologie progresse, la qualité et les capacités des fournitures artistiques augmentent également. L'essai de nouveaux produits permet aux artistes d'explorer des formulations améliorées, ce qui peut mener à de meilleurs résultats dans leur travail. Différentes fournitures artistiques offrent des moyens uniques de transmettre des émotions et des messages. expérimentation d'une variété de matériaux permet aux artistes de trouver ceux qui correspondent le mieux leur style personnel et leur permettent de s'exprimer de manière plus authentique Et c'est le moins qu'on puisse dire. D'un autre côté, voici quelques raisons potentielles. Certains diront que ce n'est pas toujours bon. Les fournitures artistiques peuvent être coûteuses, et l'achat constant de nouveaux matériaux sans plan ni objectif peut grever votre budget. Il est bon de faire attention à vos dépenses, surtout si vous n'utilisez pas toutes les fournitures que vous avez accumulées. s'appuyer sur des fournitures artistiques nouvelles et variées peut détourner l'attention du développement des compétences artistiques fondamentales Un artiste compétent peut créer des œuvres impressionnantes avec des outils de base L'accent doit être mis sur la maîtrise des techniques plutôt que sur le recours à des fournitures spécifiques L'accumulation d'une vaste gamme de fournitures artistiques peut entraîner des cliquetis et des problèmes de stockage Trop de fournitures peut vous empêcher de trouver constamment ce dont vous avez besoin. L'achat de nouvelles fournitures artistiques contribue au gaspillage, surtout si les matériaux ne sont pas pleinement utilisés. Il est essentiel de tenir compte de l'impact environnemental de vos pratiques artistiques et d'essayer de minimiser la consommation inutile. Certains artistes soutiennent que le fait de travailler avec des limites, telles qu'un ensemble de matériaux, peut réellement améliorer la créativité. Les contraintes peuvent vous obliger à sortir des sentiers battus et à trouver des solutions innovantes dans le et à trouver des solutions innovantes cadre de votre boîte à outils existante. Mettre trop l'accent sur l'essai de nouvelles fournitures peut détourner l'attention de l'essentiel de l'expression artistique Le concept ou le message que vous souhaitez transmettre à travers votre art. Il est essentiel de se concentrer sur le sens de votre travail, quels que soient les matériaux utilisés. recherche et l'achat constants de nouvelles fournitures peuvent favoriser une mentalité de consommation dans laquelle le plaisir provient de l' acquisition de nouveaux articles plutôt que du processus de création lui-même. Cela peut mener à un cycle de recherche du prochain matériau tendance, plutôt que d'affiner votre Cela peut également créer des attentes irréalistes quant au pouvoir transformateur des matériaux Bien que des fournitures de qualité puissent améliorer votre travail, la clé du succès artistique réside dans vos compétences, techniques et votre vision créative. Si vous vous fiez trop à la conviction que de nouvelles fournitures amélioreront considérablement votre art risquez de vous retrouver déçus et frustrés. exploration et l'adaptation constantes de nouvelles fournitures artistiques peuvent entraîner une évolution involontaire vers les tendances populaires plutôt que développement d'un style personnel unique Comme vous pouvez le constater, de nombreux éléments méritent selon moi d'être pris en compte. En fin de compte, c'est un choix personnel. Avant, je voulais acheter toutes les fournitures artistiques que je pouvais me permettre. Cependant, en me rendant compte que je n'en avais pas besoin de tous, et après avoir trouvé des fournitures qui me satisfaisaient vraiment, j'ai arrêté d'acheter des articles inutiles. Au lieu de cela, je me suis concentré sur ceux que j'ai et que j'utilise réellement. Voyons maintenant ce que j'ai. Commençons par le papier. Parmi les pinceaux, les peintures et le papier, je considère le papier comme le matériau artistique le plus crucial. La qualité du papier influence de manière significative votre expérience de peinture et vos résultats. J'utilise du papier Arches , composé à 100 % de coton. Le papier coton est souvent considéré comme le premier choix des artistes. Il présente une capacité d'absorption, une résistance et une durabilité excellentes , ce qui le rend adapté à diverses techniques d'aquarelle Il donne les meilleurs résultats car la peinture s'y comporte bien mieux que sur des papiers cellulosiques moins chers Le papier de haute qualité est également plus indulgent, ce qui facilite la correction des erreurs Pour ce qui est des peintures, j'utilise des peintures de qualité professionnelle Windsor et Newton. Les peintures de qualité professionnelle, quelle que soit la marque que vous utilisez, offrent une excellente qualité. Elles ont plus de pigments, couleurs plus riches et une durée de vie plus longue que les peintures destinées aux étudiants. Bien que les peintures de qualité professionnelle soient plus chères que celles destinées aux étudiants, elles en valent vraiment la peine. Il m'a fallu du temps pour rassembler toutes les couleurs dont j'avais besoin. J'ai progressivement acheté un ou deux tubes à fois jusqu'à obtenir un ensemble complet. Maintenant, j'ai rarement besoin d'acheter de nouveaux tubes. Ils durent longtemps. J'achète une ou deux couleurs, peut-être une ou deux fois par an. Actuellement, j'ai 17 couleurs dans ma palette, même si certaines sont destinées à des fins de test. Dans le matériel pédagogique, vous trouverez des fichiers PDF contenant des informations supplémentaires sur mes couleurs, raisons pour lesquelles je les ai sélectionnées et la façon dont je les ai disposées dans ma palette. Il existe également un tableau de conversion utile si vous souhaitez des couleurs similaires de différentes marques. Permettez-moi de vous expliquer très brièvement comment je choisis les couleurs de ma palette. Je le fais en quatre étapes principales. Mon point de départ pour choisir les couleurs est toujours une palette primaire divisée. Un ver et un jaune froid. Un ver et un rouge froid. Et un ver et un bleu froid. Ici, je pense que c'est le bon moment pour mentionner que le bleu outremer que j' utilise est la teinte verte Ce n'est pas un ultramarin français. Il existe quatre différences principales entre le bleu outremer, le vert et le bleu outremer français Cependant, ils sont vraiment petits d'un bleu outremer. La teinte verte a une nuance plus verte. Il est plus frais en apparence. Il crée des nuances plus froides de violet et de gris, et il est moins granuleux. Les deux peintures ont la même couche pigmentaire. Pb 29, j'utilise le bleu outremer, la teinte verte, principalement par habitude Parce que c'est ce que j'ai toujours utilisé et auquel je me suis habitué. De plus, je le trouve moins granuleux que l'ultramarin français, une qualité que Cependant, encore une fois, les différences entre les deux sont vraiment subtiles. Dans un deuxième temps, je recherche des couleurs de la même famille de couleurs la même famille des propriétés spécifiques, comme fait d'être fabriquées avec un seul pigment, d' avoir une bonne résistance à la lumière et de ne pas granuler À quelques exceptions près, je préfère utiliser peintures non granulantes et être transparentes ou semi-transparentes J'utilise principalement des peintures à pigment unique, une exception près, savoir que les couleurs grises de ce groupe doivent sensiblement différer de celles du premier S'ils sont trop similaires, je les élimine. Je ne vois aucune bonne raison de conserver, disons, sept jaunes très similaires dans la palette Je choisis celles qui sont les plus uniques et je peux mélanger d'autres teintes. Dans la troisième étape, j'ajoute des couleurs que j'aime ou que je sais que je vais utiliser. Sienna, qui brûle fréquemment, est un incontournable ma palette, car c'est un brun basique polyvalent qui crée de magnifiques tons neutres Lorsque le bleu s'atténue certains verts créent différentes nuances de jaune C'est une couleur très polyvalente. De plus, comme le vert est ma couleur préférée, j'aime en avoir deux prêtes à l' qui constituent une bonne base pour mélanger d'autres nuances. La quatrième étape est facultative. Il reste trois zones de ma palette qui sont réservées aux nouvelles couleurs ou aux couleurs que je suis en train de tester qui peuvent changer au fil du temps. En plus de la peinture à l'aquarelle, j'ai aussi un tube de guash blanc Je l'utilise souvent pour les petits détails ou les points forts. Je conserve mes peintures dans une palette de porcelaine avec 17 puits et deux grandes zones de mélange. Les palettes en porcelaine sont excellentes car elles sont faciles à nettoyer. Ne tachent pas comme ceux en plastique. Avant d'utiliser cette palette, j'ai longtemps utilisé une palette en plastique à 33 puits. J'ai changé quand j'ai réalisé que je n'utilisais pas la moitié de ces couleurs. Je remplis toujours tout le puits de peinture. Je le recharge lorsque je n'ai plus de couleur spécifique. J'achète généralement des tubes de 5 millilitres car je peux presser le tube entier dans le puits Passons aux pinceaux. Mes pinceaux principaux sont ronds, argentés, en velours noir de différentes tailles. J'ai trouvé qu'ils fonctionnent exceptionnellement bien pour la technique humide sur mouillé, que j'utilise souvent. Ils arrivent également à un point parfait. Un pinceau que j'ai toujours sous la main, que j'appelle affectueusement mon arme secrète est le pinceau Galleria taille 4 de Windsor and Newton C'est mon pinceau à récurer et je l'utilise dans presque tous les tableaux J'ai également un petit pinceau Princeton Snap Shader, taille 4, que j'utilise pour enlever très petits détails tels que les petites veines des feuilles J'ai également des pinceaux d'observation de Rosemary and Co, en particulier de la série 37 Ils sont petits, ils ne retiennent pas beaucoup d'eau, ils ne sont donc pas bons pour la peinture humide sur peinture humide. Mais ils sont excellents pour peindre petites zones humides ou sèches et pour ajouter de petits détails. Je les utilise toujours pour créer une texture visuelle à l'aide de la technique du pointillage J'utilise parfois des pinceaux de designer, des pinceaux réglage ou des pinceaux de script Ils portent des noms différents et sont très similaires. Ces pinceaux ont des poils fins et longs et sont utiles pour peindre des lignes longues fines ou des lignes plus naturelles comme des branches d'arbres Enfin, j'ai un gros pinceau plat pour appliquer de l'eau sur de grandes surfaces, ou parfois même pour peindre de grandes surfaces. Je dois également mentionner deux pinceaux supplémentaires. L'un d'eux est un vieux pinceau bon marché que j'utilise uniquement pour appliquer du liquide de masquage L'application d'un liquide de masquage avec un pinceau peut endommager vos pinceaux, évitez d'utiliser vos bons pinceaux à cette fin L'autre est un pinceau plat bon marché, que j'utilise pour préparer les couleurs de ma palette. Si je dois préparer de plus grandes quantités de peinture. Ce pinceau est idéal pour cela car il permet transférer de plus grandes quantités de peinture du puits vers la zone de mélange. L'inconvénient de celui-ci en particulier est qu'il perd des poils Je vais devoir acheter une planche Gator un peu meilleure. J'attache toujours mon papier aquarelle à un alligator à l'aide d' agrafes et Cette planche est légère, imperméable et me permet de déplacer et d' incliner mon tableau selon mes besoins. C'est crucial pour moi, surtout lorsque je peins des fonds lisses avec la technique humide sur humide. J'utilise toujours une agrafeuse de bureau pour fixer mon papier à l'alligator Après l'agrafage, j'ai fixé le papier sur les quatre côtés avec du ruban adhésif pour créer une bordure nette autour de la peinture terminée Je préfère utiliser du scotch lavande conçu pour les surfaces délicates. J'ai remarqué qu'il adhère bien pendant la peinture, et s'il se détache un jour, c'est probablement à cause de mon utilisation excessive d'un sèche-cheveux Ce ruban n'a pas endommagé mon papier. Et j'aime bien sa surface. Il est légèrement lisse, ce qui est très pratique pour nettoyer facilement les gouttes de peinture Mon seul souhait est qu' il soit en blanc. Voici d'autres fournitures que j' utilise plus ou moins fréquemment. Coussin léger, je l'utilise en fait pour chaque peinture. C'est le moins cher que j'ai trouvé sur Amazon. Je l'utilise pour transférer une image sur mon liquide de masquage pour papier aquarelle de Windsor Newton C'est un support essentiel pour nombre de mes peintures. Des outils pour appliquer du liquide de masquage, tels qu'un vieux pinceau, un stylo à lisser, des outils de gaufrage Et ces outils peuvent être indépendants de cela. Un vieux pinceau peut également être utilisé pour appliquer de la peinture et créer des effets spécifiques. Un morceau de savon et une vieille tasse contenant un vieux liquide de masquage. Lorsque j'utilise un liquide de masquage, je plonge le pinceau dans de l'eau, le frotte sur une barre de savon créer une couche protectrice sur les poils Puis je le plonge dans le liquide de masquage. Cela empêche le masquage de coller les poils ensemble Versez toujours un peu de masquage dans un vieux gobelet et fermez rapidement le flacon pour éviter la formation de grumeaux secs dans Outil de collecte de masquage en caoutchouc pour éliminer le liquide de masquage. Un outil très pratique, sèche-cheveux, utile pour accélérer le temps de séchage. Flacon pulvérisateur avec de l'eau propre, pour mouiller doucement le papier ou pour faire couler la peinture Je vaporise également de la peinture dans ma palette avant de commencer à peindre une gomme à crayons HB ordinaire Et nécessaire, car j'utilise un crayon HB ordinaire pour mon croquis et j' utilise souvent un rasoir pour enlever l'excès de graphite et tracer les lignes au Un réservoir d'eau plus léger doit avoir. Lorsque je peins, j'en ai souvent 21 pour l'eau potable et une pour l'eau sale. Du papier essuie-tout, c'est toujours bon de l'avoir. Enfin, une serviette blanche qui n'est plus si blanche. En parlant de serviettes, une grande serviette est étalée sur mon bureau, sous ma planche Gator Je fais cela pour empêcher la planche Gator de glisser, de bouger ou de tourner Lorsque je peins, cela garantit non seulement la stabilité, mais protège également mon bureau et ajoute un champ agréable à mon espace de travail. La deuxième plus petite serviette est toujours placée à côté de ma palette et de mon réservoir d'eau, servant d'espace dédié au nettoyage de mes pinceaux. J'ai laissé mes pinceaux reposer sur cette serviette. Dans le passé, lorsque je posais mes pinceaux sur mon bureau, la magie semblait opérer. Ils se sont transformés en êtres vivants qui se cachaient de moi, sautaient du bureau et se déplaçaient sans que je puisse les trouver. Maintenant, je les place toujours sur la serviette et ils restent en place, toujours là avec moi. Voici donc mes fournitures artistiques actuelles. Bien qu'il puisse y avoir des changements dans le futur, c'est ce que j'utilise pour le moment. 4. Introduction: Permettez-moi de partager avec vous quelques mots à propos de ce tableau. Tout d'abord, je tiens à attirer votre attention sur quelques points essentiels. Nous utiliserons cette photo de référence. J'essaie toujours de sélectionner des images dont les sujets sont bien éclairés par la lumière du soleil. Des reflets distincts créent des ombres bien définies. Ce jeu de lumière et d'obscurité ajoute toujours une touche fantastique aux aquarelles Notez que les couleurs de ma peinture sont différentes de celles de la photo. En général, ils optent pour des tons plus chauds et les tons foncés ne sont pas aussi profonds Bien que l'arrière-plan de ma peinture ne soit pas aussi sombre que sur la photo, je pense qu'il est suffisamment sombre pour créer un contraste élevé avec les parties les plus claires de ma peinture. J'ai choisi de simplifier plusieurs domaines. Par exemple, lorsque nous comparons le côté droit de l'arrière-plan, vous remarquerez moins de détails par rapport à la photo d'origine. En général, j'ai tout simplifié autour de la statue. J'ai pris cette décision pour vous concentrer sur la statue, qui est notre sujet principal ici. Tout le reste sert de toile de fond. Prenez les fleurs, par exemple. Si nous zoomions, nous ne reconnaîtrions peut-être pas facilement ces formes comme des fleurs, n'est-ce pas ? Cependant, dans le contexte de l'ensemble du tableau, ces formes abstraites évoquent l'impression de fleurs Cela illustre les capacités remarquables de notre cerveau en tant qu'artiste. Nous pouvons en tirer parti en manipulant les perceptions des spectateurs et en simplifiant notre travail Bien que nous puissions peindre méticuleusement chaque pétale et utiliser des photos de référence détaillées pour ces roses, c'est vraiment nécessaire Mon approche de la peinture est ancrée dans l'amour du réalisme, mais je veux aussi que mes peintures ressemblent à des peintures, et non à des photographies. J'apprécie de laisser de la place aux interprétations de la réalité. comporte de nombreuses subtilités Cette peinture comporte de nombreuses subtilités et nuances qui, à mon avis, méritent d'être mentionnées, à observer de près Par exemple, prenez note de la façon dont la couleur verte de l'arrière-plan se reflète dans la statue. Cela ajoute non seulement plus d'intérêt, mais crée également un trou cohérent Observez également les couleurs vives dans les ombres. Bien que nous n'utilisions pas une palette étendue, notez que, par exemple, les ombres dans les cheveux ne sont pas peintes d'une seule couleur unie. Il s'y passe beaucoup de choses, ce qui rend cette région vraiment intéressante à regarder. De plus, j'aimerais attirer votre attention reflets lumineux très subtils sur la ligne de la mâchoire, sur le cou et sous le bras. Ce sont des zones plus claires et délicates, mais elles revêtent une importance significative dans la composition globale. Tout au long du processus de peinture, nous rencontrerons de nombreux domaines intrigants que nous aborderons Nous verrons comment nous pouvons simplifier certains aspects et les différentes approches que nous pouvons adopter avec une peinture quelque peu complexe. Je vous recommande vivement de regarder chaque partie du didacticiel avant de vous plonger dans le tableau Nous vous fournirons ainsi une idée de ce à quoi vous attendre, du processus impliqué et de l'objectif de chaque segment. Une fois que vous vous serez familiarisé avec le contenu, vous pourrez revisionner la vidéo et me suivre Prenez votre temps avec ce projet. Il n'y a pas besoin de se précipiter. Je vous encourage à peindre lentement et avec soin. Il est essentiel que vous compreniez ce que nous allons faire et pourquoi nous abordons certains domaines de manière spécifique. Avant de commencer votre peinture, il de comprendre le raisonnement qui sous-tend est essentiel de comprendre le raisonnement qui sous-tend chaque étape. Particulièrement dans le cadre de projets complexes. Tu ne pourras pas suivre mes coups de pinceau reproduire exactement chaque mouvement Concentrez-vous plutôt sur la compréhension des idées qui sous-tendent mes coups de pinceau et mon processus de réflexion Cette compréhension vous permettra d'imiter le processus en toute confiance Savoir pourquoi vous faites certains choix. Bien que la peinture soit vitale, il ne suffit pas de copier des coups de pinceau. Il s'agit de les comprendre. Cette compréhension rendra non seulement votre peinture actuelle plus confortable, mais vous sera également bénéfique dans vos futurs projets artistiques J'ai également une clause de non-responsabilité à partager. J'étais incroyablement enthousiasmé par ce projet et j'avais pour objectif de créer des vidéos de haute qualité. Cependant, en raison de l'utilisation d' un nouvel appareil photo et de mon processus d'apprentissage continu avec celui-ci, une erreur s'est produite dans le réglage de l'appareil photo. Cette fois, j'ai fait une erreur. Par conséquent, vous remarquerez que la qualité vidéo n'est pas aussi bonne que celle de certains de mes autres contenus. Malgré cela, j'ai déployé des efforts supplémentaires lors de la post-édition pour améliorer les visuels. Il peut y avoir un effet de bruit perceptible qui peut être un peu gênant, mais j'espère que cela n'affectera pas trop le message principal des vidéos Voici mon croquis. Les dimensions de peinture sont de 129, car j'ai choisi de créer des tutoriels dans cette taille, car c'est la taille préférée de beaucoup d'entre vous qui peignent avec moi. Cependant, si je l' entreprenais dans le cadre de mon projet personnel, j' opterais sans aucun doute pour une taille plus grande. N'hésitez pas à le peindre au format 16 x 12, ou même plus grand, si vous préférez. Je crois que ça aurait l'air fantastique. Et cela faciliterait certainement le processus de peinture des cheveux et du visage, le processus de peinture des cheveux et du visage, qui est relativement petit dans ma peinture. J'ai agrafé le papier sur mon guêtre et je ne l'ai pas mouillé Il est complètement sec à l'aide d'un tampon léger. J'ai transféré la photo de référence et j'ajoute maintenant du ruban adhésif autour de celle-ci pour créer une bordure nette pour la peinture finale tandis que l'esquisse est bien visible pour les didacticiels, ce qui vous permet de voir clairement les lignes. Si je peignais ce dessin uniquement pour moi dans le cadre de mon projet personnel, j'utiliserais une gomme nécessaire pour éliminer l'excès de graphite, ce qui rendrait le croquis beaucoup plus léger Maintenant, en supposant que votre espace de peinture soit prêt, vos outils soient prêts et que votre croquis soit préparé, nous pouvons passer à l'étape suivante, qui consiste à appliquer le liquide de masquage 5. Masquage: Pour ce tableau, j'ai choisi d'utiliser liquide de masquage car il nous aidera à peindre facilement le fond J'utiliserai le liquide de masquage Windsor and Newton et nous aurons besoin d'un petit récipient pour le masquage, d'un savon, d'un pinceau pour appliquer le masquage et, bien sûr, d'eau Je verse une partie du liquide de masquage dans un vieux gobelet et je ferme rapidement le flacon minimiser son contact avec l'oxygène Maintenant, comme vous pouvez le voir, je n'ai pas fait assez attention et il y a une goutte de masque sur le tableau Cependant, c'est une bonne occasion de mentionner que si cela vous arrive , ne paniquez pas. Évitez d'essayer de le retirer immédiatement car cela ne fonctionnera pas. Il suffit de le laisser tel quel et de le laisser sécher. Une fois sec, vous pouvez facilement le retirer. Maintenant, prenez un pinceau que vous utilisez uniquement pour appliquer du liquide de masquage N'utilisez jamais vos bons pinceaux à cette fin. Trempez le pinceau dans l'eau et frottez-le contre un morceau de savon pour créer une couche protectrice sur les poils, les empêchant ainsi de coller ensemble. Maintenant, avec du savon sur les poils, enfoncez le pinceau dans du liquide de masquage et commencez à l' appliquer sur votre peinture Je masquerai les feuilles sur la gauche, les fleurs et les bords de la statue, ainsi quelques points blancs sur le côté droit en arrière-plan Bien que cela puisse être difficile à voir dans la vidéo, vous pouvez vous référer au matériel pédagogique pour un dessin au trait où j'ai marqué exactement l'endroit où j'ai appliqué le liquide de masquage Je pense qu'il vous sera beaucoup plus facile de suivre cette illustration lors de l' application du masquage Faites une pause de temps en temps et nettoyez votre brosse. Trempez-le dans l'eau, rincez-le, épongez-le sur une serviette en papier Et répétez le processus, plongez-le dans l'eau, frottez-le sur le savon et continuez à appliquer le masquage Nettoyer régulièrement votre brosse aidera à la maintenir en bon état plus longtemps. Si vous n'utilisez pas de savon , assurez-vous que votre brosse sera inutile après une seule utilisation. En fait, j'ai encore vieux pinceaux dont les poils sont masqués à sec car ils peuvent parfois être utiles pour créer des formes plus organiques et aléatoires lors Lorsque vous utilisez une arête plus longue, exemple en balançant pour obtenir une ligne lisse, il est préférable de maintenir le pinceau incliné et de le faire passer parallèlement au bord. appliquez un peu plus de pression sur le pinceau tout en le maintenant incliné, vous obtiendrez un bord beaucoup plus lisse. Lorsque vous peignez avec du masquage, n'oubliez pas que les formes que vous créez maintenant formeront la forme de votre sujet. Ne vous précipitez pas. Prends ton temps. Personne ne vous regarde et il n'est pas nécessaire de terminer ça aujourd'hui. Travaillez lentement, étape par étape, allumez soigneusement votre musique préférée et profitez simplement du processus. Ce n'est pas une course. Je comprends le désir de le terminer tout de suite, mais plus vous êtes impatient, ma vie devient triste et je veux être heureuse Alors, s'il te plaît, ralentis. Une fois que vous avez fini d'appliquer le masquage, nettoyez votre pinceau et laissez le tout sécher complètement 6. Arrière-plan: Le liquide de masquage est maintenant complètement sec et la couleur est devenue jaune plus foncé Nous pouvons maintenant procéder à la peinture de fond. Par arrière-plan, j'entends toutes les zones vertes, tout ce qui entoure la statue, y compris les zones vertes situées devant elle. Nous allons maintenant appliquer la première couche principale, puis nous ajouterons plus de détails au premier plan Commencez, nous devons préparer quelques nuances de vert. Commençons par mélanger le vert frais le plus clair avec le vert doré et la teinte jaune vert Windsor. De plus, j'ai remarqué plus de vert olive sur la photo de référence, une teinte moins saturée. Nous pouvons facilement créer cette couleur en utilisant les mêmes verts que dans le premier mélange de vert doré et de jaune vert Windsor. Ajouter de la Sienne brûlée au mélange. sienne brûlée donnera au vert un aspect plus naturel et moins saturé Son ton est également légèrement plus foncé. Marron, orange ou même rouge. L'ajout au vert neutralise toujours un peu le vert. Cela le rend moins saturé et le transforme davantage en vert olive. Nous avons également besoin d'un vert naturel très foncé. Pour cela, on peut mélanger le vert, le doré, vert Windsor, le jaune et sienna brûlé dans les mêmes couleurs que dans le second mix Mais cette fois pour assombrir ce mix, nous ajouterons du gris Pains Enfin, nous avons besoin d'un vert bleuté. Et pour cela, mélangeons la bleu-vert Windsor avec la teinte jaune vert Windsor. Cela créera une jolie turquoise foncée on pourra encore assombrir en ajoutant du gris pâle Nous avons maintenant quatre nuances de vert et il est temps de changer l'eau car nous aurons besoin d'eau potable. Pour la prochaine étape, nous allons peindre dans le sens des aiguilles d'une montre de gauche à droite à l'aide d'un pinceau de taille 12 pour peindre le fond Nous utiliserons la méthode d' amorçage. La méthode d'apprêt est similaire à la technique humide sur humide, mais avec une étape supplémentaire, une couche d'eau supplémentaire au début Permettez-moi de vous l'illustrer. Imaginons qu'il s'agisse d'une vue latérale du papier sous un microscope. Lorsque nous appliquons la première couche d'eau, vous observerez un éclat brillant sur la surface du papier Cette couche initiale commencera lentement à pénétrer dans le papier. La surface brillante deviendra progressivement mate. À ce stade, les parties intérieures du papier seront toujours humides car il y a de l'eau qui ne s'est pas encore évaporée. Nous pouvons maintenant appliquer la deuxième couche d'eau. La deuxième couche d'eau n' aura pas assez d'espace à l'intérieur du papier pour s'imprégner complètement étant donné la présence d'eau provenant de la première couche. La deuxième couche s' imprègnera partiellement et restera partiellement sur la surface du papier. C'est précisément ce dont nous avons besoin. La surface et les parties intérieures du papier étant très humides, le papier ne sèche pas rapidement, ce qui nous laisse suffisamment de temps pour appliquer la peinture. Cette méthode est particulièrement utile dans les climats chauds ou pendant l'été. Lorsqu'elle est mouillée sur du papier mouillé, la peinture peut être difficile en raison du séchage rapide du papier. La première couche d'eau supplémentaire permet de garder le papier humide pendant une période prolongée. Revenons à notre peinture. Appliquons la première couche d'eau sur la zone que nous allons peindre. J'applique cette couche sur les roses qui ne sont pas masquées, mais j'évite les zones des statues C'est crucial. Nous ne voulons pas que du vert pénètre dans la statue à ce stade, sauf pour ce qui est des cheveux, car il s'agit d'une zone très foncée et nous allons ajouter du vert dans cette zone. Quoi qu'il en soit, cette première couche d'eau d' apprêt a un objectif précis Il doit pénétrer dans le papier et mouiller la partie intérieure du papier. Lorsque l'intérieur du papier reste humide, nous appliquons une autre couche d' eau qui restera humide plus longtemps, nous laissera plus de temps pour peindre. Maintenant, au premier stade, la première couche d'eau, je l'ai appliquée sur la gauche jusqu'à ce que je rencontre l'aile. L'aile divise le tableau en deux parties, ce qui est pratique car nous n' avons pas à tout travailler en même temps. D'ailleurs, j'ai oublié de le mentionner tout à l'heure, mais vous avez peut-être déjà remarqué que je n'ai pas dessiné la deuxième aile. Je l'ai inclus dans le dessin au trait. Si vous le souhaitez, vous pouvez l'ajouter, mais je pensais que ce n'était pas crucial. Après avoir appliqué la première couche d'eau, laissez-la tremper quelques minutes. En fait, vous devriez voir une haute brillance sur le papier. Attends que ce tibia ait disparu. J'ai attendu environ 10 minutes. Maintenant, après 10 minutes, appliquez la deuxième couche d'eau. agit de la couche d'eau appropriée que nous appliquons toujours en premier la technique humide sur humide la surface du papier. Maintenant que la surface du papier est vraiment humide, il n'est pas nécessaire de se précipiter pour peindre. Commencez par le vert le plus clair sur le devant de la statue. La lumière atteint cette zone, créant le ver vert. À ce stade, nous ne nous concentrons pas sur les détails. Notre objectif est d'appliquer les couleurs de base partout. Regardez la photo de référence comme si elle était floue. Nous ne pouvons pas voir de formes spécifiques. Nous ne pouvons voir que des zones de couleurs. C'est ce que nous voulons atteindre, notre base sur laquelle nous construirons d'autres formes plus tard. Nous n'avons pas non plus à suivre exactement la photo de référence. C'est notre source d'inspiration. Bien que cela nous aide à organiser les couleurs, ce n'est pas de la science. C'est de l'art. Et nous n'avons pas à suivre exactement la référence, utiliser les mêmes couleurs et à peindre exactement les mêmes formes. Ici, j'ai intentionnellement laissé un espace où j'ai appliqué une teinte bleu-vert Windsor pur. C'est un de ces petits détails qui peuvent sembler mineurs mais qui ajoutent un effet vraiment sympa. En fin de compte, je prévois peindre une tige de rose plus foncée dans cette zone plus tard. Je ne veux pas qu'il fasse trop sombre. Cette touche de bleu créera un joli jeu de lumière en arrière-plan. Maintenant, en arrière-plan, je commence par appliquer le bleu Windsor. Je souhaite que cette zone ait un ton vert plus bleuté, mais je dois la garder assez foncée Il est important de noter que lorsque les peintures sèchent, elles ont tendance à devenir plus pâles alors qu'elles paraissent magnifiquement profondes et foncées Lorsqu'ils sont mouillés, cela change au fur et à mesure qu'ils sèchent. Par conséquent, je veux appliquer une quantité importante de peinture ici, de la peinture foncée, en sachant qu'elle sèchera plus pâle. De plus, je prévois de peindre le fond en une seule couche En une seule fois, je dois appliquer une quantité importante de pigment. Maintenant, utiliser beaucoup de pigment ne signifie pas que j'utilise de la peinture épaisse, bien au contraire. La consistance de la peinture est laiteuse et je peux facilement la déplacer sur ma palette. Je ne ressens aucune résistance sous mon pinceau. Je ramasse de plus en plus de peinture et je la dépose sur le fond. Il convient également de noter que si vous tamponnez simplement le pinceau sur le papier Au lieu de faire un long coup de pinceau, vous libérerez beaucoup plus de peinture et donc de pigment du pinceau. C'est pourquoi vous pouvez me voir tamponner mon pinceau libérer de la peinture plus concentrée sur le papier Notez également que je ne me précipite pas, puisque nous utilisons la méthode d'apprêt, le papier est encore humide et il n'y a pas lieu de se dépêcher J'ai tout le temps d' appliquer toutes les couleurs. Soyez prudent lorsque vous appliquez une telle peinture foncée. Parfois, vous pouvez effleurer involontairement les poils du pinceau et faire éclabousser la statue de peinture Nous utilisons beaucoup d'eau et de peinture. Maintenant, tu dois faire très attention. C'est aussi pour cela que vous devez travailler calmement et lentement. Il n'est pas nécessaire de précipiter les choses tant que la peinture est encore humide. Nous pouvons ajouter plus de pigment lorsque vous appliquez la peinture. C'est un moment crucial : déplacez-vous autour du tableau et inclinez-le dans différentes directions. Je ne soulignerai jamais assez à quel point c'est important. Avec beaucoup de peinture humide sur le papier, il commence à se déformer En le laissant ainsi, le pigment s'accumulerait dans les vallées, ce qui créerait des zones plus sombres ou de grandes fleurs. Nous voulons que toutes les couleurs se fondent parfaitement sur le papier, créer des transitions fluides et d' incliner le papier sur de larges zones de couleurs régulières. Tant que la peinture bouge, ne vous arrêtez pas avant qu'elle ne se soit stabilisée. Ce n'est que lorsque vous voyez que la peinture a cessé bouger et qu'il n'y a plus de pédales que vous pouvez vous arrêter Faites attention à la peinture qui entoure le liquide de masquage. Vous ne voulez pas que la peinture coule par-dessus cette barrière de masquage pour pénétrer dans la statue L'étape d'inclinaison peut prendre quelques minutes, mais elle est essentielle pour obtenir un effet fluide sur des arrière-plans lisses Comme si elles n'étaient pas créées uniquement avec le pinceau. Le pinceau est un moyen de transférer la peinture de la palette sur le papier. Le reste est accompli à l' aide de la gravité, carrelant le tableau pour guider le flux de peinture dans une direction précise Une fois que la peinture s'est installée, nettoyez le ruban adhésif et passez sur le côté droit de l'arrière-plan. Encore une fois, utilisez la méthode d'amorçage. Appliquez la première couche d'eau et laissez agir quelques minutes. Ici, j'ai raté une petite section que j'aurais dû masquer. Je dois peindre soigneusement autour de cette zone. Appliquez maintenant la deuxième couche d'eau et commencez à ajouter vos couleurs. Je recommence à partir du vert le plus clair. Il y a une feuille verte chaude en arrière-plan. J'applique ce vert dans ces zones. Je n'ai pas besoin de peindre exactement cette feuille, mais je veux recréer la distribution des couleurs plus ou moins dans la partie supérieure Il est essentiel d'utiliser une couleur identique ou du moins similaire à celle du côté gauche de l'aile. L'arrière-plan derrière l' aile est une grande zone, nous voulons donc utiliser la même couleur des deux côtés pour maintenir la continuité des couleurs dans la partie inférieure, nous avons beaucoup d'espace pour l' interprétation. Toute cette zone est très floue et les formes sont au point. Il n'est pas nécessaire d'être trop prudent ou détaillé ici. J'applique juste les couleurs. En commençant par le vert clair et en ajoutant progressivement des verts plus foncés. Il y a même quelques traces de Sienne brûlée et une légère zone non peinte en bas C'est ce que nous visons à atteindre à ce stade. Laissez-le sécher complètement. Cela peut prendre un certain temps car nous avons appliqué beaucoup d'eau, mais n'oubliez pas que ce n'est pas une course. Vous pouvez même le laisser sécher. Faites preuve de patience pendant la nuit. Une fois qu'elle sera sèche, revenez à cette peinture avec un regard neuf et nous passerons à l'étape suivante où nous retirerons le ruban adhésif et utiliserons une brosse à récurer. Tout doit être sec avant l'étape suivante. 7. Utiliser une brosse à épuration: Assurez-vous que tout est complètement sec. Nous allons utiliser une brosse à récurer. Maintenant, je vais utiliser le pinceau Calia taille 4 de Windsor et Newton en arrière-plan Vous remarquerez peut-être ces points plus clairs et nous pouvons les créer à l'aide d'un épurateur Brossez profondément, votre pinceau dans l'eau, retirez les X sur une serviette en papier, enroulez la surface en effectuant des mouvements circulaires et tamponnez cette zone avec un essuie-tout pour retirer la peinture activée Je n'ai pas besoin du même pinceau que moi pour cela. Tout pinceau légèrement plus rigide que les pinceaux à aquarelle, de préférence ceux utilisés pour la peinture acrylique, fonctionnera Vous pouvez même essayer avec vos pinceaux à aquarelle Vous en avez peut-être un plat, mais cela peut prendre un peu plus de temps, car ils sont un peu plus doux Notez que nous pouvons contrôler la quantité de peinture qui s'enlèvera. Si nous appuyons plus fort sur le pinceau, il activera plus de peinture et en retirera davantage. Si nous appuyons très doucement, nous enlèverons moins de peinture Sachant cela, nous pouvons contrôler les bords de nos spots. Elles peuvent être très molles. Si nous appuyons légèrement le pinceau au centre de ces cercles, j'appuie fort, et sur les bords, je suis très délicat. Je retire également la peinture des endroits situés derrière les tiges pour créer une plus grande impression de lumière dans ces zones. Nous avons maintenant des taches de liquide masquant. Vous vous demandez peut-être pourquoi j'aborde cette question maintenant et non après avoir retiré le masquage Il y a une raison à cela. Cet endroit n'est pas très grand. Si je retirais le masquage puis que je commençais à adoucir les bords, il y a de fortes chances que je fasse pénétrer de la peinture verte sur ces endroits masqués et qu'ils ne restent pas aussi blancs au final C'est pourquoi j'adoucis la zone autour de ces points maintenant, car le liquide de masquage protège toujours ces zones blanches Lorsque je finirai par retirer le masque, il y aura beaucoup moins de pigment autour de celui-ci et le risque de faire pénétrer la peinture dans ces points blancs sera réduit J'espère que cela a du sens. Nous pouvons, bien entendu, souligner quelques points plus clairs ici et là pour introduire plus de variété et des formes plus abstraites dans cette zone. Nous pouvons maintenant supprimer le masquage. J'ai ce bel outil de collecte de masques. Il est en caoutchouc, je trouve, ce qui est vraiment sympa et je le recommande vivement. Bien sûr, vous pouvez utiliser vos doigts, mais cet outil vous facilite la tâche. Si le masquage est bien appliqué et frais, il se détachera en un seul gros morceau, ce qui est toujours très satisfaisant Maintenant, nous pouvons facilement supprimer cette erreur et ce masquage de tous les autres endroits En fin de compte, j'aime passer le dos de mon doigt partout pour m' assurer que j'ai retiré tout le masquage Maintenant que les bords sont très tranchants, nous pouvons utiliser une brosse à récurer pour adoucir ou lisser certains d'entre eux. Par exemple, ici, je veux adoucir ces bords. Je souhaite également adoucir certains bords des roses pour créer un aspect plus doux et plus flou sur la droite. Nous pouvons désormais également adoucir ces bords. Notez qu'ici nous avons retiré la peinture plus tôt. Maintenant, nous n'avons plus beaucoup de pigments ici. Nous voulons simplement adoucir un peu plus ces bords , car il y a déjà moins de pigments. Nous ne mettons pas le vert dans cette zone blanche. C'est pourquoi nous avons retiré la peinture plus tôt alors que ces zones étaient encore masquées. Il y a aussi ce que l' on appelle les bords perdus et trouvés, qui est l'un de ces petits secrets de la peinture à l' aquarelle qui rend les peintures plus intéressantes L'idée sous-jacente est très simple. Visualisez-le dans la fleur sur la gauche. Actuellement, toutes les arêtes sont tranchantes. Je vais maintenant adoucir les bords du bas. L'idée ici est que les arêtes vives suggèrent que l'objet est focalisé. C'est clairement visible. Ce sont les arêtes trouvées. Les bords perdus sont ceux du bas qui se fondent dans l'arrière-plan C'est comme si l'objet sortait de l'arrière-plan. Je souhaite également adoucir légèrement le bord sur le dessus de la tête où se trouve la lumière. Je crois fermement qu' adoucissant les endroits les plus éclairés, nous leur donnerons un aspect plus naturel et l'effet de lumière sera plus intense Nous le ferons également avec les ombres sur la statue ultérieurement. Maintenant que l'arrière-plan est terminé, le masquage est supprimé. Et nous avons adouci certains bords. Nous pouvons passer à l'ajout de quelques détails au premier plan. 8. Fleurs - Détails: Le fond est complètement sec. Nous pouvons maintenant commencer à donner plus de définition aux formes au premier plan. J'utiliserai un formulaire de la taille d'un pinceau. Commençons par appliquer les couleurs principales aux feuilles de gauche. De plus, nous allons utiliser un beau vert chaud, qui est dans mon cas, de l'or vert. Il peut également avoir une touche de jaune vert Windsor, mais c'est principalement de l'or vert. Appliquons cette couleur à l'ensemble de la feuille. Il suffit de le laver à plat, humide et sec. Maintenant, ajoutez un peu de teinte jaune vert Windsor et appliquez la couleur sur l'autre feuille sur le côté droit, ajoutez de l'or vert juste pour apporter de la variété à ces légumes verts. C'est tout Maintenant, laissez ces deux feuilles sur la photo de référence, il y a aussi la troisième feuille ci-dessous, mais j'ai décidé de ne pas la peindre. Passons maintenant à la première fleur. Outre nos verts, nous aurons également besoin d'une couleur neutre, que nous utiliserons pour peindre la statue. Mélangeons la Sienne brûlée avec le bleu chauve. Ce mélange nous donnera un beau gris chaud et neutre que nous pourrons faire passer au bleu, au brun ou même au vert si nécessaire en ajustant le mélange de couleurs. Maintenant, comme toutes ces formes sont très petites, je peins humide et sec. Je commence par appliquer le gris dans les endroits les plus sombres. Ensuite, j'ajouterai différentes nuances de vert et brun pour obtenir différents tons pour les ombres. À ce stade, il est assez difficile de décrire exactement ce que je fais car toutes ces formes sont très abstraites. En général, mon idée est d' appliquer des couleurs principales visibles, en laissant les reflets blancs non peints Je commence par un ton clair , puis je passe aux tons plus foncés, dans les zones ombragées. Comme vous pouvez le constater, il est difficile de dire que c'est réaliste, ce n' est vraiment pas le cas. Je dirais qu'il s'agit simplement d'une tentative de créer l'impression d'une rose. Au lieu de peindre une rose, je me préoccupe davantage des valeurs et des couleurs que de créer quelque chose de réaliste. À ce stade, remarquez comment j'essaie de mélanger le brun avec le vert en bas. Je veux créer l'illusion d' une fleur émergeant de l' arrière-plan, d'un bord perdu. C'est pourquoi il était très utile d'adoucir ce bord en bas Si nous avions une longueur d'avance, nous ne pourrions pas réaliser cette transition harmonieuse des couleurs. J'utilise des tons plus foncés ici et là dans les endroits les plus sombres, essayant de trouver les bons tons tout de suite Dans la fleur suivante, je pars du vert le plus clair en bas, et j'ajouterai des tons plus foncés recréer ces formes très abstraites En général, c'est un endroit parfait où l' on peut appliquer la règle, peindre ce que l'on voit. Cela n'a peut-être aucun sens pour vous. Et ces formes, surtout lorsqu'on les regarde sans contexte, peuvent ne ressembler à rien. Mais ne t'inquiète pas pour ça. Essayez simplement de peindre plus ou moins ce que vous voyez sur la photo. Au final, toutes ces couleurs et formes se réuniront pour créer une belle image cohérente Voici, je crois, la seule fleur qui ressemble vraiment à une rose. Il est dans l'ombre. Je commence par appliquer quelques couleurs de base. Je vais d'abord le laisser sécher et j'ajouterai des tons plus foncés. Mon objectif sera simplement de faire la distinction entre les deux roses ici. Je veux aussi créer cette impression de pétale enroulé. Plus tard. Pour vraiment avoir l'impression d'une rose, je vais ajouter des sépales en bas Maintenant, j'ajoute juste les couleurs principales, du vert, des gris neutres, et aussi le vert foncé en bas Plus tard, quand tout sera sec, je reviendrai sur cette fleur et j'ajouterai quelques détails. Notez que j'utilise les mêmes couleurs tout le temps. Burn Siena with cobalt blue est mon gris neutre. Que je déplace davantage vers le vert, le marron ou le bleu selon les besoins. Je pense qu'il est également important d' utiliser des couleurs légèrement moins saturées ici. C'est pourquoi je crée les couleurs avec ce gris. La raison en est que si nous utilisons des couleurs plus neutres autour de la statue, les couleurs chaudes de la statue et la lumière de celle-ci seront plus prononcées car les couleurs de celle-ci ne rivaliseront pas trop avec le fond. Ceux d'entre vous qui me connaissent savent que j'aime les couleurs vives et généralement les couleurs chaudes. C'est pourquoi ma peinture est plus vibrante et plus chaleureuse que la photo. Mais c'est exactement comme ça que j'aime peindre. Si vous le souhaitez, vous pouvez toujours utiliser des couleurs plus fidèles à la référence. Pour moi, la référence n'est toujours qu'une source d'inspiration et information sur les valeurs tonales Les couleurs sont toujours moins importantes. Je n'essaie pas de recréer parfaitement les couleurs parce que ce n'est pas de la science, c'est de l'art Nous pouvons faire ce que nous voulons. Ici, sur les roses à droite, j'applique ces couleurs beiges neutres. Je laisse également des espaces non peints sur les bords des fleurs, qui souligneront la partie inférieure des pétales J'ajoute un vert plus foncé Revenons maintenant aux feuilles de gauche et ajoutons des nervures. La première couche est maintenant sèche, nous pouvons donc ajouter de très fines lignes veinées avec un ton vert plus foncé. Nous voulons que cela reste très simple. Après avoir ajouté les nervures, nous pouvons ajouter des taches plus foncées sur les feuilles. Mais nous ne voulons pas trop exagérer et bidouiller ici. Il y a aussi une tige plus foncée, nous voulons donc la peindre également. La tige sera plus foncée que le fond et nous allons maintenant obtenir ce bel effet avec le même vert plus foncé. Ajoutons la tige d' une rose et les sceaux, les formes des sépales nous aideront à créer l' impression d'une rose Je pense que c'est un trait très caractéristique de cette fleur. Et après les avoir ajoutées, je pense qu'on peut déjà dire que c'est une rose blanche car les pétales sont déjà secs. Nous pouvons également ajouter quelques ombres, un peu d'ombre sur la rose dans le dos pour bien distinguer les deux fleurs. Nous pouvons également ajouter une ombre subtile sous le pétale enroulé, dans la rose devant Après avoir appliqué la couleur, rincez et épongez votre pinceau et estompez rapidement le bord de la peinture 9. Tons sombres de premier plan: Je pense que le moment est venu de mélanger plus de vert foncé. Utilisons des peintures grises mélangées l'or vert pour obtenir un vert foncé très profond. Ajoutons-y de la Sienne brûlée pour le rendre plus vert olive foncé Utilisons cette couleur foncée pour créer des espaces négatifs dans la référence. Je peux voir une rose derrière et quelques feuilles. Appliquons le vert entre ces formes pour leur donner vie. Nous utilisons donc la technique négative. Ici, nous peignons l' arrière-plan des objets. Essayez de faire disparaître ce vert. Nous pouvons également ajouter des couleurs pour suggérer des pétales sur la rose. Maintenant, je vais utiliser ce vert pour assombrir toute la zone située entre les fleurs Au départ, je voulais créer davantage de formes négatives et être plus prudente, mais je pensais que cette zone n' était que l'arrière-plan et que nous n'avions pas vraiment à nous concentrer sur les détails ici. Vous me verrez jouer avec les différents tons sombres des verts et remplir l' espace de ces couleurs. Je pense que nous pouvons simplement créer un sentiment de hasard ici. Au lieu de définir exactement les formes, cette zone ressemble à un grand casse-tête. Ce que je fais maintenant est vraiment très aléatoire. J'essaie de recréer plus ou moins ces formes et ces couleurs Encore une fois, tout ce domaine est très abstrait. Comme vous pouvez le constater, il est même très difficile de décrire exactement ce que je fais. J'essaie d'éviter de créer des tutoriels comme celui-ci et de peindre de telles choses parce que ce n'est pas un processus très organisé et structuré. C'est vraiment difficile à décrire, ce qui peut être agaçant, je le sais. Mais vous savez, parfois des zones comme celle-ci apparaissent dans nos peintures et nous devons simplement y faire face. J'ai pensé ajouter une touche de Windsor Yellow Deep pour renforcer la sensation de chaleur ici. Passons maintenant au côté droit du tableau. Ici encore, vous me verrez ajouter des formes très aléatoires, mais mon objectif principal ici est de peindre la tige et les sceaux de la rose. Je pense qu'il est très important que nous le fassions. Parce que cette rose, ainsi celle sur le côté gauche du tableau qui a également des sépales, sont deux roses qui influencent la façon dont nous percevons toutes ces fleurs Je pense qu'en ajoutant ces sépales uniquement dans ces deux roses, le spectateur du tableau pourra percevoir toutes ces fleurs comme des roses Même si nous ne les avons pas peintes en détail. J'ajoute également des lignes aléatoires ici, pensant aux hautes herbes. Juste quelque chose qui ajoutera plus de hasard ici et donnera l' impression d'un petit chaos dans le jardin ou simplement de la beauté du monde naturel Je pense que nous pouvons terminer ici avant de passer à autre chose Je voudrais également utiliser une brosse à récurer et adoucir certains bords près des reflets, juste pour apporter plus Avec cela, je pense que nous pouvons terminer et passer à la peinture de la statue. 10. Les cheveux - Couche initiale: Je suis très excitée maintenant parce que je n'ai jamais peint une telle statue auparavant. C'est une nouvelle aventure passionnante. Mais j'ai un plan. Ne vous inquiétez pas, nous pouvons le faire. Tout d'abord, nous avons besoin de quelques couleurs. Mélangeons Burn Siena et Cobled Blue. Ce sera le mix principal que nous allons utiliser sur l'ensemble de la statue. bleu pavé est le bleu le plus délicat et le plus doux, qui crée un joli gris chaud et neutre avec de la sienne brûlée La Sienne brûlée est d'un beau brun chaud. Je pense qu'ils travaillent très bien ensemble, surtout dans ce but. Sur l'autre moitié de la palette, je prépare également du rose permanent, du jaune Windsor, profond, un mélange d'or vert avec une teinte jaune vert Windsor peintures grises et même un peu de Sienne brûlée C'est un vert olive foncé profond. Nous utiliserons principalement le gris et ses nuances dans la partie gauche de la palette. Cependant, je pense que la rose permanente et le jaune Windsor profond peuvent s'avérer utiles dans les endroits les plus chauds des cheveux À un moment donné, nous utiliserons également du vert au bas des cheveux aux endroits où les cheveux rencontrent les roses. De plus, dans d'autres endroits où seul le vert des plantes se reflète sur la statue, votre eau est probablement devenue verte. Maintenant, tout comme la mienne, je vous recommande vivement de changer l'eau pour que nous utilisions des couleurs propres. Maintenant, je vais utiliser une taille de pinceau pour, prenons un peu de ce gris neutre et commençons par celui-ci. Nous allons peindre mouillé sur sec. Gardez la peinture très liquide. N'oubliez pas que vous pouvez toujours ajouter plus de pigment si nécessaire. Commencez par un ton clair pour définir la forme, puis ajoutez de la couleur pour l'assombrir Je commence par le haut de la tête et je peins les cheveux sur le côté gauche. Permettez-moi maintenant de vous expliquer quel est mon plan et comment je souhaite aborder ce sujet. L'idée est assez simple. En fait, faisons une pause pendant une seconde afin que je puisse vous décrire calmement mon processus de réflexion. Quand je regarde cette zone capillaire, ma première pensée est comment puis-je simplifier tout cela ? Je constate qu'il y a une nette distinction entre les ombres et les reflets. Je vais laisser les reflets peints car la blancheur du papier sera la plus brillante de la C'est ce dont nous avons besoin ici. Je vais devoir me concentrer uniquement sur la peinture des ombres. Quand je regarde ces ombres, je pense à leurs couleurs et à leurs valeurs tonales Je sais tout de suite que je ne pourrai pas le peindre en une seule couche. Pourquoi ? Parce qu'il y a trop de valeurs tonales différentes Si je peux voir de jolies valeurs de lumière et des valeurs assez sombres, je sais que je devrai diviser peinture au moins en ronds. Tout d'abord, j'appliquerai des valeurs plus légères et peut-être des valeurs moyennes. Dans la deuxième couche, je vais créer des valeurs plus sombres. Sachant que je pense maintenant aux couleurs. Je vois que les couleurs vont du brun au gris en passant par le bleu et quelques verts en bas. Ce sont les couleurs que nous avons déjà préparées. Mon idée est que dans un premier temps, nous pouvons appliquer les couleurs initiales, les couleurs principales du sujet sans nous concentrer sur les détails. Lorsque la première couche sera sèche, nous appliquerons plus de détails dans les tons sombres pour définir toutes ces formes ondulées des cheveux Je regarde la référence en termes de grandes formes remplies de couleurs. Mon objectif est simplement d' appliquer les bruns, les gris et les bleus aux bons endroits, plus ou moins Je laisse les reflets blancs non peints et je me concentre uniquement sur ces ombres colorées Notez que le bleu de Sienne brûlé et le bleu cobalt forment une très, très belle combinaison Cela est capable de montrer une merveilleuse lumière réfléchie dans les ombres. J'espère que tu peux le voir. C'est du moins ce que je comprends. Dans les endroits où nous appliquons de la sienne brûlée. Ce brun ressemble à une lumière chaude. Mais parce que nous le combinons avec le bleu, nous avons une sensation de lumière dans l'ombre. Je trouve que cet effet est très, très joli. Cette sienne brûlée nous aide à créer la lumière réfléchie sur la zone ombragée de la statue On dirait presque qu'il y avait une source de lumière supplémentaire qui brillait quelque part depuis le bas. Cette étape de la peinture n'est pas trop difficile, cependant, il faut faire attention aux reflets et éviter de peindre ces zones. Je sais que vous risquez de vous perdre parmi toutes ces lignes. Je le sais parce que j'ai dû réfléchir à l'endroit où placer chaque coup de pinceau. Mais permettez-moi de vous rappeler qu'il ne s'agit pas d'une course. Nous n'avons vraiment pas besoin de nous presser. Prenez votre temps et je vous promets que vous allez créer un tableau époustouflant. Cela vaut vraiment la peine de passer un peu plus de temps et d'appliquer ces couleurs lentement. N'oubliez pas d'utiliser une consistance de peinture très aqueuse pour que les couleurs se mélangent bien sur le papier Dans les zones inférieures, vous pouvez peindre les récompenses en toute confiance Il n'y a pas de surlignage et il suffit de remplir cette zone de couleur. Remarquez que près du cou, j'adoucis ce bord Je veux le mélanger. Plus tard, lorsque nous peindrons le cou, nous définirons la ligne des cheveux dans cette zone avec un ton plus foncé en bas. Utilisez le vert refléter les feuilles de la statue. Pendant que la peinture est encore humide, j'ajoute de la peinture juste pour assombrir un peu la couleur Il fera de toute façon plus sombre. OK, nous avons donc appliqué une première couche sur la gauche, passons maintenant au côté droit et répétons le processus. Ce site a plus de lumière, il a des couleurs plus chaudes. Gardez donc cela à l'esprit. Je vais même ajouter un peu de jaune Windsor profond à mon brun pour le faire. Maintenant, je mélange le jaune Windsor profond avec le rose permanent. Ce mélange nous donne une très belle orange propre et plus chaude que le brun de la Sienne brûlée Je trouve que c'est une très belle couleur à utiliser dans cet endroit où la lumière est très forte. Encore une fois, soyez patient et peignez lentement et soigneusement de ce côté. Nous devons également façonner soigneusement la courbure du visage. Prenez votre temps et faites-le lentement et précisément ici. Près de l' épaule et du cou. Ralentissez encore plus et créez de belles formes lisses. Essayez de mélanger la peinture ici. Nous n'allons pas peindre cette grande ombre maintenant. Nous y reviendrons plus tard. Concentrez-vous uniquement sur les cheveux. Introduisez un brun plus foncé pour suggérer de la profondeur. Ce brun est un mélange plus prononcé de sienne brûlée et de bleu cobalt à ce stade. Voici à quoi cela ressemble dans le matériel pédagogique. Vous trouverez des photos de mon travail en cours. N'hésitez donc pas à ouvrir cette photo et à essayer de la recréer. J'aimerais attirer votre attention la beauté de l'aquarelle. Remarquez comment les propriétés transparentes des aquarelles et l'interaction entre les lumières et les ombres créent cet effet magnifique, presque éphémère Peut-être que lorsque vous verrez le tueur déjà appliqué, vous penserez peut-être que ce n'est pas si difficile Si vous l'avez déjà peint, vous réalisez peut-être maintenant que ce n'était pas si difficile du tout. C'est parce que ce n'était pas vraiment le cas. Nous n'avons rien fait de spécial ici. Il s'agit simplement d'un simple lavage gradué, appliqué humide sur sec. Nous n'avions qu'à ressentir des formes spécifiques étape par étape. Nous allons dans la bonne direction. Cependant, nous devons suivre un ordre précis et prendre notre temps. Même les peintures complexes ne le sont pas si nous les décomposons en parties plus petites et les abordons de manière organisée. Très bien, assez de grondements. Passons maintenant à la partie suivante. 11. Aile - Couche initiale: Cette partie sera beaucoup plus facile que la précédente. Nous allons appliquer une première couche sur l'aile à l'aide d'un pinceau taille huit. Notre objectif est désormais très simple. Il suffit d'appliquer une première couche, humide et sèche. J'ai décidé d' utiliser un pinceau plus gros cette fois parce que la forme est beaucoup plus simple et qu'il n'y a pas beaucoup de reflets complexes à contourner. Utilisez la même combinaison de sienne brûlée et de bleu cobalt. Je vais commencer par le bas et avancer vers le haut. Remarquez qu'il y a une ombre plus profonde à l'intérieur de l'aile et je voudrais y ajouter plus de bleu cobalt. Prêtez attention aux points forts. Il y a un point surligné sur la gauche, sur le pli de l'aile, et des points plus petits sur les plumes du côté droit. Nous pourrions les masquer avec du liquide de masquage, mais je pense que ces formes sont très simples et que nous pouvons simplement peindre autour d'elles. Au bas de l'aile, j'ai pensé ajouter du vert pour refléter la couleur de l'environnement. Juste un petit peu pour susciter un certain intérêt. J'ai également mélangé un mélange plus fort et plus foncé de bleu pavé et de Sienne brûlée Et je l'applique dans les zones les plus sombres. Si vous faites cela et que vous remarquez, comme je l'ai fait, qu'un bord dur se forme quelque part. Cela signifie que la peinture a commencé à sécher. Alors allez-y et appliquez une autre couche de peinture sur toute l'aile. J'ai pensé le faire parce que la peinture sèche plus pâle et que je veux obtenir une valeur tonale similaire à celle des cheveux de gauche Et c'est tout pour cette partie. Nous pouvons maintenant passer à l' application d'une couche similaire sur la robe. 12. Robe - Couche initiale: Pour la robe, je vais passer à un pinceau plus petit taille quatre. Nous allons utiliser exactement les mêmes couleurs qu'avant, mais cette fois je pense que je vais commencer par un mélange de rose permanent et de jaune Windsor, profond. J'utiliserai Burn Sienna de toute façon dans une seconde. Cette fois encore, nous devons être un peu plus prudents car nous devons laisser ces reflets intacts, près des fleurs Utilisez le vert pour refléter cette couleur. Remarquez à quel point ma peinture est aqueuse. Si j'utilisais de la peinture épaisse, elle sècherait très rapidement et créerait des bords durs. Nous voulons créer une grande zone de couleurs magnifiquement mélangées avec des reflets non peints C'est pourquoi nous utilisons peinture très aqueuse, car elle nous permet de mélanger les couleurs Mais cela nous donne également un peu plus de temps pour réfléchir au prochain coup de pinceau. Je dois dire que la robe était pour moi beaucoup plus confuse que les cheveux. Je ne sais pas pourquoi, mais j'étais juste perdu ici. Même s'il n'y a pas beaucoup de points forts, j'en étais encore plus, mais nous y reviendrons. Il y a une distinction entre la robe et le fond. Mais j'ai couvert tout ce domaine maintenant, mon idée est que le fond restera comme ça et la robe sera beaucoup plus foncée dans cette zone. Plus tard, je créerai cette distinction avec une peinture plus foncée. OK, et c'est tout pour cette partie. Regardons de plus près ce que nous avons fait jusqu'à présent. Dans la partie suivante, nous allons appliquer une première couche sur le corps. 13. Corps - Couche initiale: Il y a encore une couche initiale que nous devons appliquer. À savoir, sur le corps de l'ange, j'utiliserai un pinceau taille 4. Et je dois m'excuser pour mon erreur dans cette partie. Après avoir terminé cette section, j'ai réalisé que je n'avais pas cliqué sur le bouton d'enregistrement de mon téléphone. Vous ne verrez pas ma palette dans cette partie, mais j'utiliserai exactement les mêmes couleurs que dans toutes les autres sections. Aucun changement ici. Commençons par la partie supérieure et descendons. Je commence par une couleur de base plus neutre, puis j' ajouterai du bleu de Sienne brûlé ou du bleu pavé Cette couleur est un mélange de sienne brûlée et de bleu cobalt au-dessus de l'œil Je veux créer une sensation de lumière plus forte au lieu d' une sienne brûlée J'utilise ce mélange orange de jaune Windsor, profonde et de rose permanente. Notez également qu'il y a un petit reflet sur la paupière, alors essayez de peindre soigneusement autour d'elle En fait, je combine ici techniques mouillé sur mouillé et mouillé sur sec. Dans certaines zones, j'applique la peinture humide sur sèche. Mais sur de plus grandes surfaces, je mouille d'abord rapidement cette zone, puis j'ajoute des couleurs C'est simplement parce que je veux obtenir des transitions de couleurs fluides. Et cette couche d'eau m'aidera simplement à mieux mélanger les couleurs. J'utilise, bien entendu, une peinture à consistance très aqueuse. Examinez de plus près la distribution des couleurs. Remarquez là où il y a plus de bleu pavé, là où il y a plus de Sienne brûlée, où j'utilise un mélange très léger des deux Il y a ce beau phare qui longe la Joe Line. C'est ce que nous voulons vraiment créer dans ce domaine. J'essaie d'utiliser une couleur très claire dans la deuxième couche, nous allons améliorer cet effet, mais à ce stade, nous pouvons déjà créer un fond de teint et suggérer cette zone, l'ombre devient bleue en bas et neutre sur le côté gauche du cou. Sur le côté gauche du cou. J'utilise également un mélange plus foncé. Ce sera un endroit très sombre. Je voudrais déjà suggérer que nous devons également appliquer une ombre au-dessus de l'œil droit. Il y a également un surlignage sur la paupière, alors assurez-vous de peindre autour de celle-ci. Remarquez également comment j'ai peint l'ombre sous le nez et sur les lèvres. J'ai laissé une petite trace sur les lèvres et je n'ai pas appliqué de peinture sur la joue droite Enfin, il faut appliquer la dernière couche initiale sur le bras. Commençons par un ton plus bleuté , puis passons à une couleur plus brune Ne vous inquiétez pas pour le bord dur de l'ombre maintenant, nous utiliserons plus tard une brosse à récurer pour adoucir certains bords Faites attention aux couleurs et aux valeurs tonales. Notez qu'il y a un surlignage plus clair sur le bras entre le bleu et le brun. Il y a également plus de bleu près de la haute lumière en bas, près des fleurs. Ajoutez également de la couleur verte pour suggérer un reflet du vert dans la statue. Ensuite, nous avons fini d'appliquer la couche initiale sur l'ensemble de la statue. Comme vous pouvez le constater, nous l'avons fait en plusieurs parties. Nous avons divisé l'ensemble de la statue en sections plus faciles à gérer , ce qui n'a pas été trop écrasant, je l'espère Nous l'avons fait étape par étape, et nous avons maintenant une très bonne base sur laquelle nous pouvons créer des tons et des détails plus sombres. Dans la partie suivante, nous finirons de peindre les cheveux. 14. Les cheveux - Détails: D'accord, la couche initiale est maintenant complètement sèche et nous pouvons ajouter plus de détails et des tons plus foncés dans cette partie. Nous allons finir les cheveux. J'utiliserai un pinceau de taille 4. de recréer chacun Il ne serait évidemment pas possible de recréer chacun de mes coups de pinceau Mais j'aimerais décrire le processus et ce que je pense du mieux je peux pour que vous compreniez ce que nous allons faire et pourquoi. Dans cette partie, notre objectif est d'ajouter plus de détails aux cheveux et d'assombrir les tons là où c'est nécessaire Dans le cas de la statue, heureusement, nous n'avons pas à peindre des cheveux individuels. Nous pouvons nous concentrer sur la peinture de plus grandes formes ondulées. Bien sûr, j'utilise toujours les mêmes couleurs. Sienne brûlée, bleu cobalt et tout le reste. Nous pouvons nous mélanger à eux. Nous peignons humide et sec parce que nous voulons créer ces bords durs dès maintenant, ce qui nous aidera à créer structure solide de la statue. J'applique d'abord un ton plus clair. Ensuite, si nécessaire, j'ajoute plus de couleur pour assombrir ce ton, ou pour ajuster légèrement la couleur en ajoutant du bleu ou du brun Notez que je laisse des espaces entre ces formes. La couche précédente, couche initiale que nous avions appliquée précédemment, agit désormais comme la valeur intermédiaire. On pourrait même dire que maintenant nous peignons les vraies ombres. Et la couche précédente fonctionne désormais comme couleur de base ou couleur dite locale lorsque nous appliquons la peinture. Maintenant, il se peut que ce soit ou non la dernière couche. Cela dépend, peindre est un acte d'ajustements constants. Peut-être que lorsque nous ajouterons les ombres les plus sombres, il s'avérera que certaines autres parties nécessitent plus d'attention et un assombrissement supplémentaire Nous reviendrons peut-être et ajouterons plus de couleur pour assombrir le ton dans certaines zones C'est pourquoi je n'utilise pas un ton très foncé tout de suite. Je construis les valeurs lentement. Notez que la consistance de ma peinture est la même que dans la couche précédente. Mais comme nous avons maintenant une accumulation de couches, la valeur tonale est plus foncée À chaque couche, le ton sera de plus en plus sombre. Il est préférable de créer le ton foncé de cette façon au lieu de passer tout de suite à une couche épaisse de peinture. Parce que de cette façon, nous ne perdrons pas les belles propriétés transparentes des aquarelles Ces fines couches de peinture créent un look très frais et propre. Je sais que vous risquez de vous perdre dans ces vagues qui vous incitent à ralentir, à observer patiemment la photo et à réfléchir à chaque trait suivant Heureusement, nous peignons ici de petites zones séparées afin de pouvoir réfléchir lentement à chacune d'elles et aux couleurs à utiliser. Il y a cette ombre plus foncée dans la partie inférieure. Et ici, nous pouvons tout de suite utiliser un ton légèrement plus foncé. Cependant, ne faites pas trop sombre. N'utilisez pas de peinture. Notez que même ma peinture la plus foncée est encore assez aqueuse. Nous pouvons toujours assombrir ces endroits ou ajouter des tons plus foncés alors que la peinture est encore humide N'utilisez simplement pas de peinture épaisse en bas. Au départ, je voulais peindre cette zone avec plus de détails, mais j'ai pensé qu'il suffirait assombrir cette zone et de suggérer des formes ondulées. Il y a une ombre profonde et lorsque les objets sont dans l'ombre, ils ne sont pas très détaillés et clairement visibles. Nous n'avons donc pas besoin de peindre les détails ici. Je pense qu'il serait préférable que je le fasse au moins de cette façon. Si vous regardez cette partie en entier, puis ouvrez simplement ma photo de peinture terminée ou en cours de réalisation et essayez recréer en regardant la pièce terminée Nous devons répéter le processus du bon côté, on a presque l'impression coiffeurs maintenant que nous avons appliqué les couleurs de base et que nous devons maintenant façonner la coupe de Pensez aux vagues, aux plis, à la façon dont les vrais cheveux seraient façonnés. Notez qu'il ne faut pas vraiment beaucoup de travail ici pour créer un bel effet. Une simple forme ondulée crée déjà une ombre. Et donne une forme plus tridimensionnelle à notre statue. Si vous peignez le visage par accident, vous pouvez toujours utiliser un pinceau à récurer lorsque la peinture sèche et enlever la peinture inutile Je fais très attention au contour du visage car il a une belle forme lisse et je ne veux pas le déranger. Mais nous devons créer un ton plus sombre ici pour mettre visuellement le visage en avant. OK, donc je pense que les cheveux sont terminés. Et maintenant, passons peut-être à la peinture de la robe parce qu'elle est loin d'ici, donc nous ne toucherons à rien. Et les formes sont également similaires. 15. Robe - Détails: Je pense que ce ne sera pas une surprise si je vous dis que nous allons utiliser les mêmes couleurs. Maintenant, je prépare juste plus de peinture parce que je sais que la robe dans l'ombre aura besoin d'un ton plus foncé. Je garde également le bleu cobalt comme pédale séparée et j'ajoute du jaune Windsor profond à mon mélange de brun pour le rendre plus chaud. Encore une fois, que l' aventure commence. Mon plan est de peindre de gauche à droite, de haut en bas. Il n'y a vraiment rien à découvrir ici. Il suffit de peindre ces ombres pour créer le pli de la robe. Je dois dire que pour moi, la robe était beaucoup plus confuse que les cheveux. Je ne sais pas pourquoi. Je pense que j'essayais vraiment de conserver ces reflets , j'avais peur de les recouvrir de peinture et je ne savais pas vraiment où ils devaient se trouver exactement. J'ai oublié de le mentionner dans la partie précédente, mais je peux vous dire maintenant que, bien sûr, je regarde la photo de référence, mais comme vous pouvez le constater, je ne suis pas en train de recréer chaque pli exactement comme sur la photo Il n'est vraiment pas nécessaire d'être aussi détaillé à moins que vous ne le vouliez vraiment. possible, bien sûr, mais pour moi, l'essentiel est de garder les choses simples et minimalistes, tout en essayant de transmettre le même message Si vous regardez cette section et que vous pouvez dire son adresse, alors mon objectif est atteint. Est-ce que ça ressemble exactement à la photo de référence ? Non Ai-je peint chaque pli ? Non Est-ce que j'ai utilisé exactement les mêmes couleurs ? Mais est-ce que j'ai peint la robe et tu connais son adresse ? Oui Ce que je veux dire par là, c'est que personne ne comparera jamais cela à la référence. Nous pouvons donc vraiment faire ce que nous voulons. Mon objectif est simplement de peindre une robe ou une statue réaliste filtrée à travers le cristallin de mes yeux Je pense que la clé ici est de prendre conscience de ce que nous devons réellement laisser non peint au lieu de ce que nous devons peindre L'objectif est de créer ces plis. Et nous pouvons le faire en ne peignant pas ces formes allongées. Ces formes sont les endroits où la lumière frappe et où nous peignons l'ombre. J'ai peint la robe en deux tours. Maintenant, j'applique la deuxième couche. Quand j'aurai fini celui-ci, j'utiliserai un sèche-cheveux pour sécher rapidement, cela ajoutera une couche supplémentaire. La raison en est que F de toutes les couches de la troisième couche m' aidera à obtenir les tons des lieux. Ensuite, la troisième couche fonctionnera comme la troisième dimension. Cela ajoutera simplement une autre couche de profondeur aux plis. Ici, vous pouvez voir la deuxième couche appliquée, et maintenant je suis en train de sécher cette couche. Je pense qu'il vaut la peine de mentionner que lorsque vous utilisez un sèche-cheveux, cela réchauffe le papier Parfois, le papier devient très chaud. Il est préférable d'attendre quelques minutes jusqu'à ce qu'il refroidisse , sinon le pâté que vous allez appliquer sèchera très rapidement Maintenant, quand tout est sec, j'applique la troisième couche pour créer les ombres les plus sombres sur le tissu en pierre Je pense ici principalement à ces grandes ombres. Maintenant, je peins généralement tout le côté droit de la robe, l'aile et le bras qui y projettent une ombre. Il est important d'assombrir cette zone, pas de conserver certaines zones surlignées. Encore une fois, notez que je n'utilise pas de nouvelles couleurs et que j'utilise toujours une consistance aqueuse Le ton sombre n'est ici que le résultat de trois couches appliquées, l'une sur l'autre. Quelques lignes supplémentaires ici et là, et la robe est terminée. Cela ne semble peut-être pas particulièrement beau en gros plan, mais ce qui compte, c'est l'aspect général de l'ensemble du tableau. C'est pourquoi il est également important de ne pas abandonner lorsque nous sommes dans une phase dite « laide », car en fin de compte, tout finira par s'assembler. 16. Corps - Détails: Maintenant, c'est l'heure de la partie effrayante. Maintenant. Ce n'est pas effrayant. Je plaisante. C'est le cas. Cette partie nécessitera votre concentration, surtout en un seul endroit. Je vous recommande vivement de regarder calmement l'intégralité de cette vidéo d'abord pour mieux comprendre ce que nous allons faire, puis d'essayer de répéter cela dans votre peinture. Commençons calmement par la définition des éléments les plus importants de la phase, les yeux et les lèvres. Commençons par les yeux. Utilisez une couleur marron plus foncé et appliquez-la dans le coin de l'œil. Rincez et épongez votre pinceau et adoucissez le bord de cette peinture pour créer une transition douce entre le foncé et le clair Ajoutez encore plus de brun foncé dans le coin si vous le jugez nécessaire. Je l'ai fait plusieurs fois maintenant. Faites de même dans cette partie, que je ne sais pas comment appeler. Mais vous pouvez voir où, disons que c'est l'autre coin de l'œil, plus près du nez. Si nous y ajoutons une ombre, nous créerons un joli look tridimensionnel. Appliquez la peinture et adoucissez rapidement le bord avec un pinceau propre et stupide Définissons également un peu plus la paupière en traçant une ligne plus foncée ici. Bien sûr, j'ai dû à nouveau assombrir le coin. Comme vous pouvez le constater, j'ajuste différentes zones au fur et à mesure. Je vois juste qu'il doit être plus foncé parce que par rapport aux autres endroits sombres de la peinture, en particulier en ce qui concerne les cheveux, ces endroits doivent simplement être légèrement plus foncés et plus définis. Il ne faut pas oublier le second œil. Nous pouvons également y ajouter des ombres subtiles. Mais ne faites pas trop sombre, car cette partie est éclairée. OK, maintenant peignons les lèvres. Je pense qu'il serait préférable de partir de la partie la plus visible, cette ligne noire qui passe entre les lèvres. Prenez votre temps maintenant, car cette simple phrase vous dira tout sur l'humeur de l'ange. Selon la façon dont vous le peignez, l'ange sourira ou aura l'air de ne pas être si content. Il est important de bien choisir cette ligne pour créer une ambiance conviviale. État lorsque vous peignez cette ligne, lissez la peinture sur la lèvre supérieure. La lèvre supérieure devrait être plus dans l'ombre. Peignez une ombre subtile sous les lèvres. Et si vous pensez qu'il n'est pas assez foncé, ajoutez un peu plus de couleur dans l'ombre du nez. J'efface le trait au crayon ici parce qu'il modifie la forme du nez Je pense que sans la ligne , ça ira mieux. Je façonne également le nez en ajoutant une ombre orange très subtile derrière celui-ci. Voici maintenant la partie sur laquelle vous devez vous concentrer pleinement. Nous allons appliquer une couche supplémentaire sur l'ensemble de cette ombre et nous allons façonner le corps. Notez qu'il y a trois endroits qui captent la lumière réfléchie. La ligne de la mâchoire, le cou du côté droit, le muscle. Peut-être appelons-le le muscle du cou. Je pense que la ligne de la mâchoire, mais aussi le muscle du cou, sont très importants ici, mais surtout la ligne de la mâchoire, car cette zone plus claire façonnera l'ensemble de la phase. Il est important de bien faire les choses. Utilisons un pinceau plus grand (taille 8), car de cette façon, nous ne nous concentrerons pas trop sur les détails mais sur les formes plus grandes. Cette fois, je pense qu'il faut peindre mouillé sur mouillé. Commencez par appliquer une couche d'eau. Cela nous donnera un peu plus de temps pour peindre. Cela nous aidera également à bien mélanger les couleurs et à réduire le risque d'obtenir des bords durs. Commencez à ajouter les couleurs du cou. Sur la gauche, il y a cette ombre foncée sous les cheveux, qui nécessitera quelques tours pour les rendre suffisamment foncés. Passez maintenant à un brun chaud. Mélangeons Burn Siena avec un peu de jaune Windsor profond, et appliquons cette couleur sous l'oreille. Maintenant, avec un gris neutre, commencez à construire la forme du cou. Commencez par appliquer un ton clair et, si nécessaire, ajoutez des tons plus foncés. Mais commencez doucement en plaçant le gris aux bons endroits. Remarquez que j' essaie déjà de façonner la ligne de la mâchoire. J'ajoute de la couleur sur le côté gauche du muscle du cou. Ainsi, la ligne de la mâchoire et le muscle du cou restent plus clairs que l'ombre. Parce que nous avons appliqué une couche d'eau, la peinture crée des formes floues. Bords flous Après avoir comparé les valeurs tonales à d'autres endroits du tableau, j'ai décidé d'ajouter un ton plus foncé à l'ombre de gauche et un peu plus au cou Je n'utilise plus que le bout de mon pinceau et j'ajoute un peu plus de peinture dans l'ombre pour mieux définir la ligne de la mâchoire. Maintenant, lorsque nous avons une couleur légèrement plus foncée sur le cou, passons aux anneaux et au badigeonnage Et à l'aide d'un pinceau propre et stupide , retirez la peinture des zones claires, du muscle du cou, la ligne de la mâchoire et du côté droit du cou qui capte la lumière Je passe maintenant entre ajout de tons plus foncés et le retrait de la peinture pour trouver un bon équilibre entre l'ombre et la lumière. Après chaque coup de pinceau, après chaque retouche de couleur, nettoyez votre pinceau Nous ne voulons pas transférer la peinture retirée d' un endroit à un autre. J'imagine la ligne allant de l'oreille au menton. Comme vous pouvez le constater, en soulevant la peinture, nous pouvons créer ces formes et cela crée une belle impression de lumière réfléchie. Enfin, il faut ajouter une ombre plus forte dans la partie supérieure, sous les cheveux. Nous devons mieux définir la distinction entre le visage et les cheveux. Cette zone est déjà sèche, donc je peins humide et sèche. Utiliser une peinture plus diluée. Et après avoir appliqué le brun foncé, j'essaie de faire disparaître cette couleur. En guise de touche finale, je suis passé à un pinceau plus petit. Comme j'ai quatre ans, j'ajoute juste de petits détails pour mieux définir certaines formes. Un peu plus de peinture sur les lèvres et les yeux. Une ombre plus définie sur le côté gauche du cou, et des ombres et des détails plus définis sur l'oreille. Maintenant, avec une brosse à récurer, je veux adoucir le bord de l'ombre sur le bras Je mouille le pinceau, place sur une serviette en papier pour éliminer l'excès Et je frotte ce bord pour activer la peinture sèche. Je tamponne ces endroits avec une serviette en papier pour enlever la peinture Maintenant, c'est totalement optionnel. Je ne sais pas à quoi ressemble votre peinture, mais j'ai décidé d' assombrir légèrement l'ombre Ici, j'applique de l'eau et je vais ajouter plus de couleur. Je veux ajouter un peu plus de bleu et de brun. Je pense également qu'il est important de créer un bord plus clair sur la partie inférieure du bras. Ce bord plus clair est une lumière réfléchie. Je pense qu'il est toujours bon de le créer sous toutes ses formes rondes. Le bras est en fait un cylindre, il a une forme ronde. Cette lumière réfléchie aide à montrer que, parce que j'ai appliqué une autre couche de peinture, elle est mouillée. Maintenant, je cours plusieurs fois au même endroit pour enlever la peinture. Si vous n'avez pas appliqué une couche supplémentaire ici, vous pouvez simplement utiliser un pinceau à récurer pour créer cette lumière réfléchie Avec cela, nous pouvons terminer cette partie dans la partie suivante, la dernière partie. Nous terminerons le tableau en peignant l'aile. 17. Aile - Détails: Nous sommes sur le point de terminer ce tableau. Dans cette dernière partie du tutoriel, nous allons ajouter quelques détails à l'aile. Il y a deux idées principales que je garde à l'esprit lorsque je peins l'aile. Maintenant, pendant que je peins l'aile, je ne regarde pas vraiment la photo de référence, je me fais juste une idée générale de la partie de l' aile qui doit être la plus foncée. Maintenant, j'essaie de faire une distinction claire entre chaque plume Pour cela, je peins patiemment une ombre sur chaque plume En général, chaque ombre est très similaire. Jetons un coup d'œil à cette illustration. Disons que ce sont mes plumes. Mon idée pour les peindre est d' appliquer d'abord un ton plus foncé au bas de chaque plume Et je vais le mélanger jusqu'au bout de la plume. De cette façon, si je répète cette opération pour chaque plume, je créerai le bel effet de chevauchement des Pour les plumes plus grosses, je le fais aussi, mais je pense aussi au bord le plus long. Je veux appliquer une ombre sous chacune de ces plumes pour créer cette apparence superposée Ici, nous pouvons vraiment exercer nos compétences pour adoucir les bords Je pense que c'est une compétence très importante, probablement la technique la plus importante juste après le mouillé sur le mouillé et le mouillé sur le sec. Je saute d'une zone à autre parce que je veux garder le contrôle sur la peinture C'est comme si vous peigniez les pétales, essayez souvent de ne pas peindre ceux qui sont côte à côte afin que la peinture ne coule pas de l'un à l'autre. Ici, c'est pareil en fait, lorsque je mélange la peinture, je ne la tire pas jusqu'au bord de la plume Je laisse généralement un petit espace sur le bord, ce qui me permet de peindre immédiatement la plume suivante Bien sûr, j'utilise tout le temps Burn Siena et Cobalt Bloom dans différentes proportions. J'essaie de garder ce mélange neutre avec des quantités égales de ces deux peintures ou avec un peu plus de brun. Mais cela dépend de la région. Je ne veux pas non plus peindre toutes les ombres exactement de la même couleur. Je pense qu'ils ont besoin de variété. Parfois, j'utilise plus de bleu. Cela les rend plus intéressants. Encore une fois, ne vous pressez pas. Prends ton temps. Ce n'est pas difficile, mais vous devez vraiment y consacrer du temps et peindre chaque plume individuellement Il n'y a pas de raccourci ici. Il peut également s'agir de votre première couche juste pour déterminer où chaque ombre doit se trouver. Vous pouvez toujours revoir certaines zones et ajouter un ton plus foncé pour mieux définir ces formes. Les valeurs tonales correctes sont très importantes car elles nous aideront à faire distinction entre chaque plume Il est préférable de définir chaque plume avec variation tonale plutôt que de dessiner un contour clair de chaque Peindre un contour est une façon très courante de définir des formes que je vois chez les débutants. Je pense que ça n'a pas vraiment l'air bien. Il est préférable de définir les formes en utilisant tons clairs et foncés et en utilisant les différences de tons entre les deux plumes. Le seul contour doit être le trait au crayon clair. C'est du moins mon approche. Ajoutons également une ombre sur cette partie de l'aile. Il fait généralement plus clair que la face interne de l'aile Nous ne voulons donc pas faire trop sombre, mais nous devons établir une distinction claire entre l'épaule et l'aile. L'ombre ici est nécessaire. Assurez-vous que la partie intérieure de l'aile est suffisamment foncée. Maintenant, séchez la peinture avec un sèche-cheveux. Nous avons maintenant besoin d'une surface sèche pour ajouter les lignes aux plumes. Ces lignes doivent rester nettes. Le papier doit être complètement sec maintenant, encore une fois, en utilisant un mélange de Sienne brûlée et fleurs de cobalt, dans un ton neutre Ajoutons ces lignes, ces détails très caractéristiques des plumes. Encore une fois, il n'est pas nécessaire de suivre exactement la photo de référence. Nous pouvons imiter les lignes les plus saillantes. Mais l'idée générale ici est d'appliquer une ligne droite au milieu de chaque plume et quelques lignes des deux côtés C'est un peu comme peindre les nervures des feuilles, mais c'est plus facile. N'oublions pas non plus qu'il s'agit d'un état, nous n'avons donc pas besoin d' être très précis. Quelques lignes ici et là suffiront pour créer ce joli look plumeux. Enfin, la dernière étape que vous pouvez prendre, mais ce n'est pas obligatoire, je vous encourage à le faire, est d'adoucir les bords avec un pinceau Sc. Pour ceux d'entre vous qui peignent avec moi depuis un certain temps, vous savez que j'aime adoucir certains bords lorsqu' une ombre nette et nette rencontre un fort accent. J'aime toujours adoucir ce bord de l'ombre parce que je trouve que cela rend les reflets plus brillants et plus réalistes. C'est presque comme si quelqu'un avait allumé une lumière incandescente. L'ombre est belle avec ce bord tranchant, mais je pense que ce petit détail, ce bord adouci fait la différence Nous pouvons également adoucir cette ombre sur la joue, ce qui contribuera à créer une belle forme arrondie et douce Je viens de remarquer que j'ai oublié une petite ombre ici. J'applique du brun et je le ramollis rapidement, et c'est tout Avec cela, je pense que nous pouvons dire que ce tableau est terminé. Vous pouvez maintenant signer votre tableau. C'est ce que je fais toujours. Dans le coin inférieur droit, j'utilise un petit pinceau repérateur, généralement à 0,1 de la couleur que j' utilisais dans la peinture Dans ce cas, le coin est vert. J'utilise un vert plus foncé. Je ne veux pas que la signature soit trop visible. Voilà, une belle peinture représentant une statue d' ange dans le jardin en plein soleil. J'ai beaucoup aimé peindre ça. C'était une nouvelle expérience. Cela m'a donné matière à réflexion, mais cela a également prouvé que les mêmes techniques d'aquarelle que nous utilisons tout le temps dans chaque peinture peuvent être utilisées pour peindre divers sujets , des fleurs aux papillons, aux chiens, aux oiseaux, en passant par les paysages et les natures mortes Nous n'avons besoin que d'un bon plan d'action, approche méthodique et de patience J'espère que vous allez essayer ce tableau et que vous serez satisfait du résultat. Merci beaucoup d'avoir regardé, de vous être joint à moi, et je vous souhaite à tous une bonne peinture.