De photographe à cinéaste : Tout ce que vous devez savoir en 16 minutes

1. Introduction du cours: Vous êtes un photographe qui veut entrer dans le cinéma. En tant que personne qui a été là, je sais combien il est facile de se sentir intimidé par tous les services d' équipement et beaucoup de plans de planification que vous voyez dans les équipes de cinéma. Eh bien, j'ai de bonnes nouvelles pour toi. En tant que personne connaissant bien la prise d'images, vous connaissez déjà la plupart des éléments essentiels pour aller faire des films. Il n'y a que quelques autres choses que vous aurez besoin d'apprendre pour passer de l'image à l'image et vous pouvez apprendre tout cela en moins d'une heure. Contrairement à d'autres cours de réalisation cinématographique, qui commencent à partir du sol zéro avec les bases de la caméra, ce cours est conçu pour les photographes qui savent déjà composer et utiliser l'exposition manuelle. Je vais vous apprendre étape par étape toutes les choses dont vous aurez besoin en cinématographie, audio, montage et planification de tournage pour faire la transition entre photographe et cinéaste. Ces leçons découlent de mes années de travail en tant que cinéaste professionnel dans l'industrie et toutes les leçons sont conçues pour être applicables et aller directement au point. À la fin de ce cours, vous aurez toutes les connaissances dont vous aurez besoin pour aller faire des films. Croyez-moi, faire cette transition est beaucoup plus facile que vous ne le pensez. Commençons. 2. Les trois différences principales en caméra: Plongons directement dans le département de la caméra, où nous examinerons trois grands domaines de différence entre la photographie et la réalisation cinématographique. Il s'agit de l'exposition, de la stabilisation d'image et du mouvement de la caméra. Pour exposer manuellement une image dans le cinéma, les principes sont les mêmes que dans la photographie. Vous disposez de trois éléments comprenant le triangle d'exposition : ouverture, vitesse d'obturation et ISO. En ce qui concerne le cinéma, il y a deux différences importantes à garder à l'esprit. Cependant, la première différence est la fréquence d'images. Maintenant, cela se trouve dans la photographie, mais c'est un élément crucial dans la réalisation de films, parce qu'un film est essentiellement une série de photographies jouées sur une courte période de temps. La fréquence d'images est essentiellement le nombre d'images ou de photos prises par votre appareil photo par seconde. Vous définissez la fréquence d'images avant de définir les autres éléments du triangle d'exposition. Plus la fréquence d'images est élevée, plus votre film sera agité. Certains films, tels que Saving Private Ryan, utilisent de manière créative une fréquence d'images plus élevée pour rendre le film bégaiement. Cependant, pour les films, la fréquence d'images standard est de 23,97 ou 24 images par seconde. Cela vous donnera un flou de mouvement organique naturel que vous trouverez dans le cinéma. 3. La vitesse d'obturation: La prochaine différence importante est la vitesse d'obturation. Dans le cinéma, la vitesse d'obturation est fixée à deux fois la fréquence d'images. Si vous tournez 24 images par seconde, vous définissez votre vitesse d'obturation à 148e de seconde. Comme vous ne pouvez pas changer votre vitesse d'obturation lorsque vous filmez, cela fait des filtres ND un outil incroyablement utile car vous ne pouvez pas augmenter la vitesse d'obturation trop sombre dans votre image. Si vous voulez garder votre faible profondeur de champ, vous devez mettre un filtre ND sur. Donc, dans le tournage, pour définir l'exposition, vous devez d'abord définir la fréquence d'images, puis la vitesse d'obturation, qui resterait constante, puis régler l'ouverture et l'ISO en conséquence, en gardant à l'esprit que caméras vidéo ont généralement un ISO natif ou ISO optimale déterminée par le fabricant de la caméra afin de préserver le maximum de plage dynamique. 4. Stabilisation d'image: Maintenant, avec l'exposition en échec, parlons de la deuxième différence majeure entre la photographie et la réalisation de films, qui est la stabilisation de l'image. Parce que vous créez une continuité d'images en faisant une image d'émotion, garder vos photos stables et stables est incroyablement important, sauf si vous allez intentionnellement pour le look de poche. Pour ce faire, assurez-vous de garder votre appareil photo sur un trépied et de le niveler. Pour les prises de vue qui déplacent ou suivent un sujet, utilisez un curseur ou un cardan, qui compense électroniquement toute secousse que subit votre appareil photo. 5. Focus: La dernière différence entre la photographie et cinéma dans le domaine cinématographique est le focus. C' est probablement l'une des parties les plus difficiles du processus cinématographique et c'est pourquoi les héros méconnus du cinéma, appelés « focus extrlers », sont spécifiquement embauchés pour ce travail. Surtout, si vous utilisez des lentilles avec des focales plus élevées et par conséquent, plans plus fins sont focalisés. particulièrement difficile de garder vos sujets, surtout pendant qu'ils se concentrent. Voici quelques conseils : Un, savoir dans quelle direction vous focalisez l'anneau tourne pour garder la mise au point plus près ou plus loin. Deux, s'entraîner à définir la mise au point quelques fois avant de commencer à rouler. Troisièmement, il y a aussi une fonction, ou la plupart des caméras de nos jours appelée mise au point, qui indique quelle zone de votre cadre est mise au point. Il suffit de l'allumer et cela vous aidera à vous guider. 6. Différences en narration visuelle: Maintenant que nous avons abordé l'exposition, regardons un autre domaine, planification des prises de vue et les principales différences entre la photographie et la réalisation de films. Contrairement à la photographie, qui prend des photos gelées dans le temps. Dans le cinéma, vous prenez vraiment une séquence d'images jouées au fil du temps. Vous devez modifier votre mentalité visuelle du conteur pour prendre en compte le rôle du temps. Pensez vraiment à la façon de relier vos plans pour créer continuité afin que nous ne voyions pas votre histoire comme une séquence de plans séparés, mais comme une séquence lisse et continue. Voici deux astuces à garder à l'esprit dans la planification de vos prises de vue qui aident à créer une continuité. Un, gros plan. La plus grande erreur que j'ai vue chez les cinéastes débutants est tourner tous les plans comme des plans larges ou des plans intermédiaires pour obtenir une couverture, mais pas assez de plans rapprochés. Non seulement les gros plans semblent plus cinématographiques et donnent des détails clés sur votre scène ou votre personnage. Ils jouent également une fonction cruciale dans la création d'un sentiment de continuité lorsque vous coupez entre deux coups de feu. Clé à emporter. Assurez-vous d'enregistrer au moins 50 pour cent de tous vos plans en gros plan. Deux, longueur de tir. Une autre erreur que je vois chez les cinéastes débutants est d'appuyer sur le bouton d'enregistrement juste lorsque l'action principale se passe et de s'arrêter juste après l'arrêt de l'action principale. Cependant, cela rend souvent les plans trop courts pour être utilisés pour un montage fluide. Au lieu de cela, gardez les prises de vue au moins 10 secondes pour éditer les poignées. En faisant cela, vous aurez assez de temps dans votre plan pour créer des transitions vraiment cool dans l'édition comme des dissout lentes. Troisièmement, le tournage pour l'édition. Je pense que cet état d'esprit est vraiment ce qui distingue les cinéastes. Bien que l'acquisition de cet état d'esprit prenne du temps, vous pouvez commencer à le développer dès maintenant. Le tournage pour l'édition signifie essentiellement que vous avez à l'esprit comment le tir peut être utilisé lorsque vous le photographiez. Même si vous n'êtes pas sûr de ce qui va se passer, peut-être que vous tournez un canard, au moins gardez l'œil ouvert lorsque vous filmez des photos potentielles qui rendront votre montage beaucoup plus fluide. Réfléchissez de façon critique et ce que j'aime appeler, ressentez de façon critique les coups que vous obtenez. Vérifiez si vous avez au moins un bon coup d'établissement, ce qui donnera aux téléspectateurs un sens du lieu et du temps. Plan de fermeture, plans de transition et plans de gros plan. Croyez-moi, cette compétence devient plus automatique au fur et à mesure que vous la pratiquez. Une autre excellente façon de développer cet état d'esprit est de regarder votre film préféré avec le son éteint. Regardez de manière critique la séquence des coups et la fonction de chaque tir. Voyez comment ils servent l'histoire. Cela vous aidera à avoir intuitivement une idée des types de prises de vue nécessaires pour raconter une histoire convaincante. 7. Introduction à l'audio: La dernière différence majeure entre la photographie et la réalisation de films est donc l'audio. Dans l'industrie, nous avons un dicton qui dit : « L'audio est le roi de la vidéo. » Cela signifie que la qualité perçue de votre film est plus influencée par la qualité de votre audio , que par la qualité de vos visuels. Donc, d'abord, je vais vous apprendre à utiliser vos micros pour enregistrer un son génial. Ensuite, je vais vous apprendre à améliorer votre espace d'enregistrement audio et enfin, je vais montrer deux astuces essentielles dont vous aurez besoin pour lisser votre audio dans le montage. 8. Enregistrer un son de haute qualité: Pour utiliser le micro lav, c'est simple. Cliquez-le autour du sternum, six à huit pouces sous la bouche, et pointez le micro vers le haut. Veillez à ne pas avoir de tissu, de bijoux ou de cheveux autour du micro, car ceux-ci peuvent cogner contre le micro et étouffer le son. Pour enregistrer ce qui est dit de votre micro lav, vous aurez besoin d'un enregistreur externe. Pour utiliser l'enregistreur externe, vérifiez d' abord que vous avez une carte mémoire à l'intérieur. Ensuite, insérez votre micro lav, et définissez le format d'enregistrement à WAV 48 kilohertz, 16 bits, qui est un fichier de meilleure qualité, puis le MP3. Ensuite, remarquez votre sonomètre. Cela enregistre la portée de décibels ou le volume sonore de ce qui est récupéré par votre micro. Vous voulez que vos niveaux audio rebondissent entre six décibels négatifs et 12 décibels négatifs. Pour définir vos niveaux audio, faites un test avec votre sujet avant la main. Dites-leur que vous allez vérifier les niveaux audio. Demandez-leur comment s'est déroulée leur journée et appuyez sur les boutons de niveau d'entrée haut et bas situés sur le côté de votre enregistreur jusqu'à ce que les niveaux audio rebondissent entre 12 et 6 négatif. En cas de doute, il est plus sûr de garder votre audio sur la plage de décibels inférieure, car il est presque impossible de corriger des sons trop forts. Si vos sons sont trop faibles, cependant, vous entendrez statique. Pour utiliser un micro fusil, c'est simple. Il suffit de brancher le micro dans votre appareil photo et de l'allumer. Si vous filmez à l'extérieur par jour venteux, assurez-vous de couvrir le micro avec un tampon de vent, qui ressemble à une queue de chat. Vous pouvez régler le niveau audio du son de votre fusil de chasse et de votre appareil photo. Assurez-vous simplement qu'il n'atteigne pas les marques rouges de votre appareil audio intégré à la caméra. 9. Optimiser votre espace d'enregistrement sonore: Pour votre environnement d'enregistrement audio, vous souhaitez idéalement choisir un endroit calme. Avant de commencer votre interview, écoutez les sons concurrents. Vous voulez vous assurer qu'il n'y a pas de bruits provenant des fenêtres. Vous voulez fermer les portes, éteindre les appareils électriques, éteindre vos téléphones portables, éteindre le réfrigérateur, horloges et la climatisation, tout ce qui laissera un bourdonnement subtil dans votre audio. Une autre chose à surveiller est l'écho. L' écho provient du son qui rebondit sur des surfaces dures lorsque vous voyagez de votre sujet au microphone. Cela ressemble à ceci : Au début, je pense qu'il est utile d'avoir un aperçu de l'ensemble du processus de production vidéo. Comme vous pouvez le voir, il abaisse votre son. Donc, l'enregistrement dans une pièce de moquette avec des surfaces douces est une excellente idée. Parce que les surfaces douces absorberont l'écho. Si ce n'est pas possible, vous pouvez essayer de couvrir les surfaces dures telles que les tables et les planchers avec des tapis, des oreillers et un tissu épais. 10. Astuces audio essentiels pour un retoucher For: Maintenant, nous allons apprendre deux trucs centraux dans l'enregistrement audio pour rendre vos modifications beaucoup plus fluides sur la route. Numéro un, ton de la chambre. Une pièce vide est-elle complètement silencieuse ? Si vous êtes seul, fermez les yeux et écoutez. Même si la pièce semble silencieuse, vous entendrez qu'il y a toujours un son distinctif dans cette pièce ou cet espace de tournage. Bien que le son soit faible, ce son, ou ce que nous appelons la tonalité de la pièce, sera utile lorsque vous voulez lisser les coupes dans la salle de montage. Par exemple, lorsque vous voulez prendre quelques mots dans une interview, vous voulez sous-définir les suppressions avec la tonalité de la pièce pour le rendre naturel. À emporter, assurez-vous d'enregistrer 30 secondes de tonalité de la pièce avant de commencer votre entrevue ou votre scène et juste après fin de votre scène, car la tonalité de la pièce peut changer avec le temps. Numéro deux, applaudissez au début de votre scène. Vous connaissez ces ardoises emblématiques d'Hollywood. Eh bien, vous savez peut-être qu'ils marquent la scène, ce qui aide les monteurs à garder une trace de tout. Mais ces ardoises servent également une autre fonction cruciale, créant une marque autorisée afin que les éditeurs puissent facilement synchroniser l'audio avec la vidéo et la publication. Clé à emporter, applaudissez au début de votre scène pour une synchronisation audio facile plus tard. 11. Conclusion du cours: Félicitations pour avoir terminé ce cours. J' espère que maintenant vous vous sentez excité d'aller là-bas et faire passer le photographe au cinéaste. Si vous avez des questions restantes, veuillez les envoyer comme je suis ici pour vous soutenir. Si vous souhaitez développer davantage votre cinéma et votre narration, veuillez consulter mes autres cours sur la page de profil de mon enseignant, comme mon très populaire cours de montage vidéo Power, Adobe Premiere Pro en 45 minutes. Ce qui prend le cours traditionnel de trois heures et le condense à ses essentiels dorés pour vous retrouver avec un montage raffiné et raffiné en une fraction du temps. Merci beaucoup d'avoir pris le temps avec moi et je vous souhaite tout le meilleur pour votre voyage de réalisation cinématographique. 12. Des mises à jour réjouissantes: Hé tout le monde, j'ai deux mises à jour passionnantes. Le premier est que j'ai créé une carte de cours qui relie tous mes cours de réalisation et de montage dans l'ordre, vous pouvez avancer en toute confiance en tant que cinéaste. La deuxième mise à jour est que j'ai lancé un bulletin d'information d'une minute qui présente une inspiration et des idées de grande valeur sur le cinéma, la créativité et l'art de vivre authentique. Consultez les deux sur la page de mon instructeur de cours.