Créer profondeur et texture : tutoriel paysage de lavande à l'aquarelle

1. Bienvenue: Bonjour et bienvenue dans mon cours de peinture à l'aquarelle. Aujourd'hui, je vais vous guider dans le processus de peinture d' un magnifique paysage avec un champ de lavande. Nous adopterons une approche lente étape par étape pour aborder cette peinture complexe, concentrant sur la création de différentes textures en cours de route. La patience sera essentielle à chaque étape. Le didacticiel est soigneusement divisé en segments courts et faciles à gérer Dans chaque partie, nous nous concentrerons sur un aspect spécifique de la peinture, assemblant progressivement comme un puzzle Nous allons commencer par peindre le ciel et les montagnes au fur et à mesure qu'ils forment le plan le plus éloigné Ensuite, nous passerons au juste milieu, qui comprend des arbres, des bâtiments et un petit champ de lavande. Enfin, nous terminerons au premier plan avec notre principal champ de lavande La photo de référence que nous allons utiliser n'est pas une photographie réelle pour donner vie à la scène, j'ai utilisé une combinaison de quelques photos. J'ai appliqué certaines de mes compétences en Photoshop. J'ai également utilisé l'aide de l'intelligence artificielle. Cela m'a permis de créer le paysage de manière à capturer l'essence de la scène tout en y apportant ma propre interprétation artistique Bien qu'il ne soit pas parfait, il nous fournit suffisamment de détails pour notre référence. Sans plus tarder, plongeons-nous dans le vif du sujet et commençons. 2. Projet et ressources: Merci d'avoir choisi de participer à ce voyage artistique avec moi. C'est un honneur de t'avoir ici dans ce cours. J'ai préparé des ressources utiles pour votre projet, auxquelles vous pouvez accéder dans la section projets et ressources. Vous y trouverez un fichier PDF contenant une liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture en particulier, une photo de référence et ma peinture terminée pour vous guider. Les dessins au trait sont disponibles en différentes tailles que vous pouvez imprimer et transférer sur votre papier aquarelle, ce qui vous permet de choisir le format qui correspond à vos préférences Je l'ai peint au format 12 x 9. De plus, il existe des photos de l' avancement des travaux qui vous aideront à suivre le processus et à vous concentrer sur des domaines spécifiques. N'hésitez pas à explorer ces ressources et à les utiliser pour créer votre peinture unique et magnifique. Ce serait formidable de voir vos résultats. N'hésitez pas à partager vos photos de progression et la peinture finale avec la classe dans la section des projets et des ressources. Je vous recommande également vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets étudiants. C'est toujours une source d'inspiration de voir les autres travailler et est extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous aidera à mieux comprendre à quoi vous attendre dans chaque partie du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous en serais très reconnaissant. Si vous pouviez laisser un commentaire honnête, vos commentaires m'aideront à créer un meilleur contenu et aideront les autres étudiants à décider suivre ou non ce cours. Merci d'avance. 3. Mes fournitures d'art: Dans cette vidéo, j' aimerais partager avec vous un aperçu général de mes fournitures artistiques que j'utilise régulièrement. Je pense que je dois d' abord mentionner que je ne suis pas le genre de personne qui achète constamment de nouvelles fournitures artistiques et qui expérimente avec elles. J'utilise les mêmes fournitures tout le temps. Ils fonctionnent bien pour moi et j'ai appris à en tirer le meilleur parti, ce qui m'aide également à économiser de l'argent. Au lieu d'acheter cinq nouvelles couleurs que je n' utiliserais qu'une seule fois pour créer un échantillon de couleurs, je préfère investir dans des livres, par exemple Ne vous méprenez pas, l' expérimentation nouvelles fournitures artistiques et achat régulier de nouveaux matériaux peuvent offrir de nombreux avantages aux artistes Examinons les avantages et les inconvénients de l'essai de nouveaux matériaux artistiques. Cela peut susciter de nouvelles idées et de l'inspiration. Différents supports, couleurs et textures peuvent donner lieu à des expressions artistiques uniques et aider à surmonter les blocages créatifs exploration de nouvelles fournitures artistiques implique souvent l'apprentissage de nouvelles techniques et approches. Ce processus d'apprentissage continu contribue au développement des compétences artistiques et élargit la boîte à outils des artistes disposer d'une gamme variée de fournitures artistiques permet une plus grande polyvalence dans l'expression artistique. Les artistes peuvent alterner entre différents supports et outils en fonction des exigences spécifiques d'un projet, œuvres d'art plus dynamiques et plus variées L'expérimentation de nouveaux matériaux peut pousser un artiste hors de sa zone de confort La volonté d' explorer et de prendre des risques favorise le développement personnel et encourage le développement artistique Le monde de l'art est en constante évolution avec les nouvelles technologies et les nouveaux matériaux. Se tenir au courant des dernières nouveautés en matière d'art permet un artiste de pertinent sur la scène artistique contemporaine. Essayer de nouvelles fournitures artistiques implique souvent de résoudre des problèmes. Les artistes peuvent avoir besoin de comprendre comment manipuler un nouveau médium ou d' adapter leurs techniques, afin d'améliorer leurs compétences en résolution de problèmes et leur pensée créative. L'enthousiasme suscité par l'utilisation d'un nouveau matériel artistique ou la découverte d'une nouvelle technique peut raviver la motivation et la passion pour la création artistique Cet enthousiasme est essentiel au maintien d' une pratique artistique cohérente et épanouissante. À mesure que la technologie progresse, la qualité et les capacités des fournitures artistiques augmentent également. L'essai de nouveaux produits permet aux artistes d'explorer des formulations améliorées, ce qui peut mener à de meilleurs résultats dans leur travail. Différentes fournitures artistiques offrent des moyens uniques de transmettre des émotions et des messages. En expérimentant avec une variété de matériaux, les artistes peuvent trouver ceux qui conviennent le mieux leur style personnel et leur permettent de s'exprimer de manière plus authentique Et c'est le moins qu'on puisse dire. D'un autre côté, voici quelques raisons potentielles. Certains diront que ce n'est pas toujours bon. Les fournitures artistiques peuvent être coûteuses, et l'achat constant de nouveaux matériaux sans plan ni objectif peut grever votre budget. Il est bon de faire attention à vos dépenses, surtout si vous n'utilisez pas toutes les fournitures que vous avez accumulées. s'appuyer sur des fournitures artistiques nouvelles et variées peut détourner l'attention du développement des compétences artistiques fondamentales Un artiste compétent peut créer des œuvres impressionnantes avec des outils de base L'accent doit être mis sur la maîtrise des techniques plutôt que sur le recours à des fournitures spécifiques L'accumulation d'une vaste gamme de fournitures artistiques peut entraîner des cliquetis et des problèmes de stockage Trop de fournitures peut vous empêcher de trouver constamment ce dont vous avez besoin. L'achat de nouvelles fournitures artistiques contribue au gaspillage, surtout si les matériaux ne sont pas pleinement utilisés. Il est essentiel de tenir compte de l'impact environnemental de vos pratiques artistiques et d'essayer de minimiser la consommation inutile. Certains artistes soutiennent que travailler avec des limites, telles qu'un ensemble restreint de matériaux, peut en fait améliorer la créativité. Les contraintes peuvent vous obliger à sortir sentiers battus et à trouver des solutions innovantes dans le cadre de votre boîte à outils existante. Mettre trop l'accent sur l'essai de nouvelles fournitures peut détourner l'attention de l'essentiel de l'expression artistique Le concept ou le message que vous souhaitez transmettre à travers votre art. Il est essentiel de se concentrer sur le sens de votre travail, quels que soient les matériaux utilisés. recherche et l'achat constants de nouvelles fournitures peuvent favoriser une mentalité de consommation dans laquelle le plaisir provient de l' acquisition de nouveaux articles plutôt que du processus de création lui-même. Cela peut mener à un cycle de recherche du prochain matériau tendance, plutôt que d'affiner votre Peut également créer des attentes irréalistes quant au pouvoir transformateur des matériaux Bien que des fournitures de qualité puissent améliorer votre travail, la clé du succès artistique réside dans vos compétences, techniques et votre vision créative. Si vous vous fiez trop à la conviction que de nouvelles fournitures amélioreront considérablement votre art risquez de vous retrouver déçus et frustrés. exploration et l'adaptation constantes de nouvelles fournitures artistiques peuvent entraîner une évolution involontaire vers les tendances populaires plutôt que développement d'un style personnel unique Comme vous pouvez le constater, de nombreux éléments méritent selon moi d'être pris en compte. Et en fin de compte, c'est un choix personnel. Avant, je voulais acheter toutes les fournitures artistiques que je pouvais me permettre. Cependant, en me rendant compte que je n'en avais pas besoin de tous, et après avoir trouvé des fournitures qui me satisfaisaient vraiment, j'ai arrêté d'acheter des articles inutiles. Au lieu de cela, je me suis concentré sur ceux que j'ai et que j'utilise réellement. Maintenant, regardons ce que j'ai. Commençons par le papier. Parmi les pinceaux, les peintures et le papier, je considère le papier comme le matériau artistique le plus crucial. La qualité du papier influence de manière significative votre expérience de peinture et vos résultats. Utilise des arches. Le papier , composé à 100 % de coton est souvent considéré comme le premier choix des artistes. Il présente une capacité d'absorption, une résistance et une durabilité excellentes , ce qui le rend adapté à diverses techniques d'aquarelle Il donne les meilleurs résultats car la peinture s'y comporte bien mieux que sur des papiers cellulosiques moins chers Le papier de haute qualité est également plus indulgent, ce qui facilite la correction des erreurs Pour ce qui est des peintures, j'utilise des peintures de qualité professionnelle Windsor et Newton. Les peintures de qualité professionnelle, quelle que soit la marque que vous utilisez, offrent une excellente qualité. Elles ont plus de pigments, couleurs plus riches et une durée de vie plus longue que les peintures destinées aux étudiants. Bien que les peintures de qualité professionnelle soient plus chères que celles destinées aux étudiants, elles en valent vraiment la peine. Il m'a fallu un certain temps pour rassembler toutes les couleurs dont j'avais besoin. J'ai progressivement acheté un ou deux tubes à fois jusqu'à obtenir un ensemble complet. Maintenant, j'ai rarement besoin d'acheter de nouveaux tubes. Ils durent longtemps. J'achète une ou deux couleurs, peut-être une ou deux fois par an. Actuellement, j'ai 17 couleurs dans ma palette, même si certaines sont destinées à des fins de test. Dans le matériel pédagogique, vous trouverez des fichiers PDF contenant des informations supplémentaires sur mes couleurs, raisons pour lesquelles je les ai sélectionnées et la façon dont je les ai disposées dans ma palette. Il existe également un tableau de conversion utile si vous souhaitez des couleurs similaires de différentes marques. Permettez-moi de vous expliquer très brièvement comment je choisis les couleurs de ma palette. Je le fais en quatre étapes principales. Mon point de départ pour choisir les couleurs est toujours une palette primaire divisée. Un ver et un jaune froid. Un ver et un rouge froid. Et un ver et un bleu froid. Ici, je pense que c'est le bon moment pour mentionner que le bleu outremer que j' utilise est la teinte verte Ce n'est pas un ultramarin français. Il existe quatre différences principales entre le bleu outremer, le vert et le bleu outremer français Cependant, ils sont vraiment petits d'un bleu outremer. La teinte verte a une nuance plus verte. Il est plus frais en apparence. Il crée des nuances plus froides de violet et de gris et il granule moins. Les deux peintures partagent la même couche pigmentaire B 29. Utilisez le bleu outremer, la teinte verte principalement par habitude, car c'est ce que j'ai toujours utilisé et auquel je me suis habitué De plus, je le trouve moins granuleux que l'ultramarin français, une qualité que Cependant, encore une fois, les différences entre les deux sont vraiment subtiles. Dans un deuxième temps, je recherche des couleurs de la même famille de couleurs la même famille des propriétés spécifiques, comme fait d'être fabriquées avec un seul pigment, d' avoir une bonne résistance à la lumière et de ne pas granuler À quelques exceptions près, je préfère utiliser peintures non granulantes et être transparentes ou semi-transparentes J'utilise principalement peintures à pigment unique, à une exception près, savoir que les couleurs grises ce groupe doivent sensiblement différer de celles du premier S'ils sont trop similaires, je les élimine. Je ne vois aucune bonne raison de conserver, disons, sept jaunes très similaires dans la palette Je choisis celles qui sont les plus uniques et je peux mélanger d'autres teintes. La troisième étape consiste à ajouter des couleurs que j'aime ou que je sais que je vais utiliser. Sienna Frequently Burnt est un incontournable de ma palette, car c'est un brun basique et polyvalent Il crée de magnifiques tons neutres avec du bleu, atténue certains verts et crée différentes nuances C'est une couleur très polyvalente. De plus, comme le vert est ma couleur préférée, j'aime en avoir deux prêtes à l' qui constituent une bonne base pour mélanger d'autres nuances. La quatrième étape est facultative. Il reste trois zones de ma palette qui sont réservées aux nouvelles couleurs ou aux couleurs que je suis en train de tester qui peuvent changer au fil du temps. En plus de la peinture à l'aquarelle, j'ai aussi un tube de guash blanc Je l'utilise souvent pour les petits détails ou les points forts. Je conserve mes peintures dans une palette de porcelaine avec 17 puits et deux grandes zones de mélange. Les palettes en porcelaine sont excellentes car elles sont faciles à nettoyer et ne tachent pas comme les palettes en plastique. Avant d'utiliser cette palette, j'ai longtemps utilisé une palette en plastique à 33 puits. J'ai changé quand j'ai réalisé que je n'utilisais pas la moitié de ces couleurs. Je remplis toujours tout le puits de peinture et je le remplis quand je n'ai plus de couleur spécifique J'achète généralement des tubes de 5 millilitres parce que je peux presser le tube entier dans le Passons aux pinceaux. Mes pinceaux principaux sont en velours noir argenté rond différentes tailles. Je trouve qu'ils fonctionnent exceptionnellement bien pour la technique humide sur humide, que j'utilise souvent. Ils arrivent également à un point parfait. Un pinceau que j'ai toujours sous la main, que j'appelle affectueusement mon arme secrète est le pinceau Galleria taille 4 de Windsor and Newton C'est mon pinceau à récurer et je l'utilise dans presque tous les tableaux J'ai également un petit pinceau Princeton Snap Shader, taille 4, que j'utilise pour enlever très petits détails tels que les petites veines des feuilles J'ai également des pinceaux d'observation de Rosemary and Co, en particulier de la série 37 Ils sont petits, ils ne retiennent pas beaucoup d'eau, ils ne sont donc pas bons pour la peinture humide sur peinture humide. Mais ils sont excellents pour peindre de petites zones humides ou sèches et pour ajouter de petits détails. Je les utilise toujours pour créer des textures visuelles. Pour ce qui est de la technique du pointillage, j'utilise parfois des pinceaux de designer, des pinceaux réglage ou des pinceaux de script Ils portent des noms différents et sont très similaires. Ces pinceaux ont des poils fins et longs et sont utiles pour peindre des lignes longues fines ou des lignes plus naturelles comme des branches d'arbres Enfin, j'ai un gros pinceau plat pour appliquer de l'eau sur de grandes surfaces, ou parfois même pour peindre de grandes surfaces. Je dois également mentionner deux pinceaux supplémentaires. L'un d'eux est un vieux pinceau bon marché que j'utilise uniquement pour appliquer du liquide de masquage L'application d'un liquide de masquage avec un pinceau peut endommager vos pinceaux, évitez donc d'utiliser vos bons pinceaux à cette fin L'autre est un pinceau plat bon marché, que j'utilise pour préparer les couleurs de ma palette. Si je dois préparer de plus grandes quantités de peinture. Ce pinceau est idéal pour cela car il permet transférer de plus grandes quantités de peinture du puits vers la zone de mélange. L'inconvénient de celui-ci en particulier est qu'il perd des poils Il va falloir que j'achète quelque chose d'un peu meilleur pour Gator Board. J'attache toujours mon papier aquarelle à un alligator à l'aide d' agrafes et Cette planche est légère, imperméable et me permet de déplacer et d' incliner mon tableau selon mes besoins. C'est crucial pour moi, surtout lorsque je peins des fonds lisses avec la technique humide sur humide. J'utilise toujours une agrafeuse de bureau pour fixer mon papier à l'alligator Après l'agrafage, j'ai fixé le papier sur les quatre côtés avec du ruban adhésif pour créer une bordure nette autour de la peinture terminée Je préfère utiliser du scotch lavande conçu pour les surfaces délicates. J'ai remarqué qu'il adhère bien pendant la peinture, et s'il se détache un jour, c'est probablement à cause de mon utilisation excessive d'un sèche-cheveux Ce ruban n'a pas endommagé mon papier. J'aime bien sa surface, elle est légèrement lisse, ce qui est très pratique pour nettoyer facilement les gouttes de peinture Mon seul souhait est qu' il soit en blanc. Voici d'autres fournitures que j' utilise plus ou moins fréquemment. Coussin léger, je l'utilise en fait pour chaque peinture. C'est le moins cher que j'ai trouvé sur Amazon. Je l'utilise pour transférer une image sur mon liquide de masquage pour papier aquarelle de Windsor Newton C'est un support essentiel pour nombre de mes peintures. Des outils pour appliquer du liquide de masquage, tels qu'un vieux pinceau, stylo à lisser, des outils de gaufrage et un stylo profond Ces outils peuvent être indépendants de cela. Un vieux pinceau peut également être utilisé pour appliquer de la peinture et créer des effets spécifiques. Un morceau de savon et une vieille tasse contenant un vieux liquide de masquage. Lorsque j'utilise un liquide de masquage, je trempe l'eau de brossage, frotte sur une barre de savon créer une couche protectrice sur les poils Puis je le plonge dans le liquide de masquage. Cela empêche le masquage de coller les poils ensemble Versez toujours un peu de masquage dans un vieux gobelet et fermez rapidement le flacon pour éviter la formation de grumeaux secs dans Outil de collecte de masquage en caoutchouc pour éliminer le liquide de masquage, un outil très pratique Sèche-cheveux, utile pour accélérer le temps de séchage. Flacon pulvérisateur avec de l'eau propre, pour mouiller doucement le papier ou pour faire couler la peinture Je vaporise également de la peinture dans ma palette avant de commencer à peindre une gomme à crayons HB ordinaire Et j'utilise un crayon HB ordinaire pour mon croquis et j'utilise souvent une gomme à effacer pour enlever l'excès de graphite et tracer les lignes au crayon réservoir d'eau plus léger doit être utilisé pendant la peinture, j'en ai souvent 21 pour l'eau potable et un pour l'eau sale. Du papier essuie-tout, c'est toujours bon de l'avoir. Enfin, une serviette blanche qui n'est plus si blanche que ça. En parlant de serviettes, une grande serviette est étalée sur mon bureau, sous ma planche Gator Je fais cela pour empêcher la planche Gator de glisser, de bouger ou de tourner Lorsque je peins, cela garantit non seulement la stabilité, mais protège également mon bureau et ajoute un champ agréable à mon espace de travail. La deuxième plus petite serviette est toujours placée à côté de ma palette et de mon réservoir d'eau, servant d'espace dédié au nettoyage de mes pinceaux. J'ai laissé mes pinceaux reposer sur cette serviette. Dans le passé, lorsque je posais mes pinceaux sur mon bureau, la magie semblait opérer. Ils se sont transformés en êtres vivants qui se cachaient de moi, sautaient du bureau et se déplaçaient au point que je ne pouvais pas les trouver. Maintenant, je les place toujours sur la serviette et ils restent en place, toujours là avec moi. Voici donc mes fournitures artistiques actuelles. Bien qu'il puisse y avoir des changements dans le futur, c'est ce que j'utilise pour le moment. 4. Ciel: Mon croquis est déjà prêt. Le papier est solidement fixé à mon alligator à l'aide d'agrafes et ruban adhésif sur les quatre côtés pour créer une Le papier est sec, je ne l'ai pas mouillé. Nous allons peindre étape par étape, partant des plans éloignés, passant par le plan central avec la maison, et enfin jusqu'au premier plan avec le champ de lavande Notre première étape sera de peindre le ciel. Pour cela, j' utiliserai un pinceau taille 12. Je vaporise mes peintures avec de l'eau propre en ajoutant rapidement un peu pour les activer. Cela facilitera leur déplacement et leur transfert vers la zone de mélange. Ma couleur principale pour le ciel sera le bleu pavé. Je prépare également une touche de teinte bleu-vert Windsor, un mélange léger très aqueux Cette couleur est très intense, une petite quantité suffit. Le bleu cobalt est un joli bleu neutre, idéal pour le ciel, sauf qu'il est un peu granuleux, mais que sa teinte est parfaite Alors que le bleu Windsor a une teinte plus verdâtre. Je vais l'utiliser dans la partie inférieure du ciel et partiellement en montagne. Je vais commencer par mouiller toute la zone du ciel, y compris les montagnes. L'idée est d'appliquer également une couleur de ciel clair sur les montagnes. y aura pas d'écart entre le ciel et le bord des montagnes lorsque nous les peindrons plus tard, les montagnes auront un ton plus foncé, mais elles auront les mêmes couleurs. Je vais également leur appliquer de la peinture. Je ferai attention autour des arbres et du bâtiment, en veillant à ce que toute la zone soit uniformément humide. Maintenant, je vais prendre du bleu cobalt et commencer à l'appliquer depuis le haut du ciel Je vais m'efforcer de créer une transition en douceur entre un ton plus foncé en haut et un ton plus clair et plus verdâtre en bas J'ajouterai une plus grande partie de notre bleu verdâtre en bas en utilisant du bleu Windsor, tout en augmentant progressivement la quantité de bleu cobalt vers le haut jusqu'à obtenir la valeur tonale souhaitée. Bien sûr, je simplifie considérablement la zone du ciel. Je ne vais pas peindre tous les nuages à partir des photos de référence. Cela prendrait beaucoup de temps. Ce serait en fait un tutoriel distinct, étant donné la petite taille de la peinture, nous voulons simplifier les choses. concentrons donc pour l'instant sur l'application de cette belle couleur bleue au ciel. Une fois que nous avons appliqué suffisamment de peinture, inclinez le tableau pour permettre à la peinture de se déplacer et de s'étaler uniformément sur le papier. Cela garantira un ciel lisse sans aucune trace de pinceau. Si de la peinture s'est répandue dans les arbres ou dans le bâtiment, essayez de l'enlever avec un pinceau propre Maintenant, avec un pinceau propre, enlevez un peu de peinture pour créer des formes d'arc plus claires représentant des nuages. Je ne veux pas exagérer, mais je voudrais introduire des formes plus légères ici Si vous préférez, vous pouvez laisser le ciel clair et bleu. Mais je veux créer des formes troubles après chaque fois que je soulève la peinture, rince et que je fais couler du sang sur le pinceau pour qu' il soit propre pour la prochaine utilisation. Sinon, vous allez simplement transférer la peinture d' un endroit à un autre, nettoyer le ruban adhésif de toute peinture et laisser le tout sécher. Après quelques minutes de séchage naturel, vous pouvez utiliser un sèche-cheveux pour tout sécher complètement. J'utiliserai un sèche-cheveux à de très nombreuses reprises dans ce didacticiel pour sécher rapidement les zones. Lorsque vous séchez le ciel, attendez quelques minutes que le papier retrouve sa température naturelle avant de peindre les montagnes. 5. Montagnes: Assurez-vous que le ciel est complètement sec. Avant de continuer, nous allons peindre les montagnes. Je vais passer à une brosse plus petite. Je vais peut-être utiliser une taille 8 pour les montagnes. Nous utiliserons les mêmes couleurs que le ciel, mais dans des proportions différentes. Nous allons commencer par le bleu cobalt. Choisissez un ton très aqueux de cette couleur et commencez à peindre en utilisant la technique humide sur sec. Commençons par le côté gauche, là où les montagnes se trouvent derrière les arbres. Nous devons peindre entre les arbres, but de créer le bord irrégulier des arbres tout en formant les montagnes en arrière-plan. Les montagnes n'étant pas le sujet principal de notre peinture, nous pouvons également les simplifier. Vous remarquerez que je n' ajouterai aucun détail complexe. Je vais plutôt peindre les silhouettes des montagnes avec quelques variations de tons Dans cette couche initiale, j'appliquerai le bleu pour dessiner la forme des montagnes. Il s'agit d'une valeur tonale claire, mais plus foncée que le ciel, qui fait clairement la distinction entre le ciel et les montagnes Lorsque je peins les montagnes, j'utilise le bleu en raison de la perspective aérienne. Les objets éloignés apparaissent bleutés sous l'effet des particules d'air J'utilise le bleu cobalt et le bleu Windsor, une teinte de bleu plus verdâtre, pour suggérer la possibilité que des arbres poussent sur ces montagnes J'ajouterai même une touche d' or vert pour conserver un ton verdâtre. Dans l'ensemble, je peins simplement en appliquant les couleurs humides et sèches, et en les mélangeant doucement sur le papier Ma peinture a une consistance aqueuse, ce qui me laisse le temps de l'appliquer et de la mélanger Sur le côté droit, il y a des champs en arrière-plan. Je ne les reproduirai pas exactement comme dans la référence, mais nous suggérerons des zones d'arbres verts et des zones de champs plus jaunâtres ou brunâtres. J'utiliserai d' abord plus de vert , puis je passerai à un mélange très léger de jaune Windsor, foncée et de sienne brûlée pour combler les espaces entre les verts C'est la première couche initiale. Maintenant, nous allons le sécher complètement. Une fois sec, nous ajouterons une autre couche. Prenez à nouveau le bleu cobalt et appliquez une légère couche. Cette fois-ci. Puisque nous superposons la peinture, la couleur sera naturellement d'un ton, même si nous utilisons le même ton qu'auparavant Mon idée ici est d' appliquer la couleur au sommet de chaque montagne et de la mélanger vers le bas. Nous créons ainsi l'effet d'une montagne cachée derrière une autre. Sur le côté droit, j'ajouterai quelques touches vertes supplémentaires au bas de chaque forme verte pour améliorer dimensionnalité et la texture sans trop entrer dans les détails Nous ne voulons pas que le contexte attire trop l'attention. Enfin, j'ajouterai un ton un peu plus foncé pour suggérer un côté de la montagne et introduire une certaine variété dans la zone bleue. Je ne veux pas en faire trop. Je vais donc m'arrêter là et nos montagnes seront prêtes. Pas trop difficile, non ? Nous construisons lentement la peinture couche par couche. Maintenant, nous allons tout sécher complètement, et dans la prochaine étape, nous allons appliquer une première couche sur les arbres. 6. Arbres - Couche initiale: Dans cette partie, nous allons appliquer une première couche aux arbres. Pour cela, nous aurons besoin d'un mix vert. Normalement, je créerais un vert éclatant. Mais cette fois, je vise un vert plus doux. Je vais commencer par l'or vert, puis ajouter une touche de Sienne brûlée et plus de bleu cobalt. Le mélange principal est l'or vert, bleu cobalt donnant une gamme de nuances allant du vert jaunâtre au Tandis que la touche de Sienne brûlée le fait légèrement virer vers le vert olive Le vert supérieur est plus doux, penchant vers une teinte bleutée, tandis que le bas est plus doré pour un ton plus chaud À l'aide d'un pinceau taille 8, je vais commencer par le vert plus chaud. L'objectif à ce stade est de recouvrir les arbres d'une couleur verte de base, qui est la couleur la plus claire visible dans la référence. Plus tard, au fur et à mesure que nous ajouterons d'autres couches, cette couleur initiale apparaîtra. J'appliquerai le vert plus chaud principalement dans les zones où les arbres sont exposés à la lumière directe. Dans les zones ombragées, je vais me tourner davantage vers le vert bleuté. Avec du bleu pavé, je vais peindre autour des branches brunes pour éviter de trop les mélanger avec la sienne brûlée que j'ajouterai plus tard Nous pouvons répéter l'étape sur le côté droit en recouvrant tous les arbres de vert La précision n'est pas cruciale à ce stade. Rappelez-vous simplement que le soleil est sur le côté gauche, donc tout ce qui se trouve sur la gauche sera plus chaud, tandis que le côté droit aura plus d'ombres et des couleurs plus froides. Nous pouvons même utiliser le même vert chaud partout, car nous ajusterons le côté droit dans les prochaines étapes en ajoutant un vert plus bleuté Pour l'instant, nous nous efforçons de tout recouvrir de différentes nuances de vert. Une fois la première couche appliquée, nous sècherons le tout avec le sèche-cheveux après quelques minutes pour laisser le tout refroidir. Nous passerons à l'étape suivante, qui impliquera un travail plus méticuleux 7. Arbres à gauche - Détails: Cette partie entamera ce que je considère comme l'étape la plus méticuleuse. Pour moi, c'était très relaxant. Avant de commencer, je tiens à souligner que vous êtes libre de peindre dans un style différent. J'ai choisi d'utiliser la technique du pointillage pour créer la texture des arbres parce que je voulais vous montrer la technique du pointillage et voir à quoi ressembleraient les arbres J'ai pensé que ce serait une bonne façon d' approcher les arbres, mais n'hésitez pas à les peindre méthode qui vous convient le mieux, ou vous pouvez me suivre si vous le souhaitez. Nous aurons besoin de quelques nuances de vert. Préparons-les donc d'abord. Notre vert neutre et frais principal sera un mélange de bleu cobalt et d'or vert Cela crée un vert d'aspect très naturel que nous pouvons ajuster vers une teinte bleutée, plus froide ou une teinte jaunâtre plus chaude selon les proportions De plus, j'ajouterai une petite touche de Sienne brûlée pour neutraliser davantage le vert lui donner une teinte olive si vous préférez Dans le deuxième espace de mixage, je prépare un vert foncé. Il s'agit d'un mélange d'or vert, bleu cobalt et de peinture grise Je garde également plus d'or vert en bas pour accéder rapidement à la teinte verte. Maintenant, je vais commencer par le vert le plus foncé car il est plus facile à identifier Il se trouve principalement entre les branches brunes Je me suis vite rendu compte que le pinceau que j'avais initialement choisi était trop grand, alors je suis passé à une taille 6. Remarquez comment j' applique la peinture. Cette technique s' appelle le pointillage. pointillage est une technique utilisée dans la peinture à l'aquarelle, mais également dans d'autres médiums où de petits points ou traits de couleur distincts sont appliqués pour créer une image ou une texture Cette technique consiste à utiliser un pinceau rempli de peinture, puis à l'appliquer sur le papier en une série de petits points contrôlés ou de courts coups de pinceau. Comme vous pouvez le constater, ce processus prend un certain temps car nous peignons beaucoup de petits points. Cependant, cette approche méticuleuse nous permet de créer une texture ressemblant à un Je commence par le vert le plus foncé et passerai lentement au vert plus clair Bien que cela puisse également être fait dans l'autre sens. Le pinceau que j'ai initialement utilisé, le velours noir argenté, a une pointe très pointue. Ce pinceau n'est pas le meilleur pour cette technique, car le bout de ce pinceau est tout simplement trop pointu. J'ai décidé de passer à une taille de pinceau d'observation. Le pinceau To a des poils courts et une pointe moins pointue, ce rend idéal pour Et en utilisant la technique humide sur sec sur de petites surfaces, il ne retient pas beaucoup d'eau. Il ne convient pas à la peinture humide sur de grandes surfaces, mais il est parfait pour la technique du pointillage Au lieu d'un pinceau repérateur, nous pouvons également utiliser un pinceau rond ordinaire, dont le bout n' est pas très pointu À l'avenir, j' utiliserai le pinceau d'observation. Comme vous pouvez le constater, nous avons déjà une base verte provenant de la couche précédente. Maintenant que nous appliquons un grand nombre de ces points, le vert de la couche précédente devient visible entre eux. La peinture, cette technique, sèche assez rapidement. Puisque nous peignons humide et sec et que nous n'utilisons pas beaucoup de peinture ou d'eau. Cela nous permet de revisiter certaines zones et réappliquer la peinture pour approfondir le vert et lui donner plus de dimension Je façonne lentement la forme des arbres. En gardant à l'esprit qu'il existe des branches couvertes de feuilles, chacune de forme arrondie Ces branches réfléchissent la lumière, la source lumineuse venant de la gauche. Sur le côté gauche, je crée des points plus clairs, tandis que sur le côté droit et en bas, dans les zones ombragées, j'utilise du vert plus foncé L'idée est d'imaginer le feuillage des branches forme des grappes de feuilles, chaque grappe ressemblant à une boule texturée qui réfléchit la lumière sur la gauche et projette une ombre sur Une autre approche serait de recouvrir l'ensemble de l'arbre avec les points de valeur claire ou moyenne, puis ajouter progressivement des points plus foncés dans les zones d'ombre. Ce processus prend certes du temps, mais il crée finalement un effet agréable. Bien entendu, nous pourrions le peindre d'une manière différente, plus souple ou plus rapide Il ne s'agit là que d'une approche parmi d'autres. Dans cette peinture, nous explorerons différentes textures, et voici l'une d'entre elles, la texture du feuillage. À ce stade, il est peut-être assez difficile de l' évaluer sans contexte. Mais cette couleur verte est assez pâle, elle n'est pas très saturée. Mon objectif est d'éviter d'utiliser des couleurs trop vives. Pour l'instant, j'ajouterai peut-être plus de légumes verts saturés ici et là à certains endroits, mais dans l'ensemble, je m'efforce d' utiliser des légumes verts assez naturels. Une fois que vous aurez fini d'appliquer les points, séchez le tout avec un sèche-cheveux, séchez le tout avec un sèche-cheveux, puis nous compléterons les arbres en ajoutant du brun sur les branches et le tronc Utilisons maintenant Burn Sienna et appliquons-le sur les branches et le tronc Si j'ai besoin d'une couleur plus foncée, je vais simplement choisir un vert plus foncé et le mélanger avec le brun. Je vais rester dans la même palette de couleurs longtemps possible, en évitant l'introduction de nouvelles couleurs. Après avoir peint les parties brunes, j'ai pensé à appliquer un vernis unificateur sur le feuillage Je vais prendre un mélange vert très aqueux et l'appliquer sur les plus grandes surfaces des arbres Ce vernis unificateur aide à harmoniser les formes et modifie subtilement les couleurs. En ajoutant du bleu, je peux créer une illusion d'ombres plus froides. Et c'est ainsi que s'achève cette partie. Dans la partie suivante, nous allons passer aux arbres sur le côté droit, un. 8. Arbres sur la droite - Détails: Dans cette partie, nous allons répéter le processus d'ajout de détails aux arbres, en nous concentrant sur le côté droit. Ici, nous avons un arbre qui se démarque, il est plus grand et a une structure différente. Pour peindre cet arbre, nous utiliserons la même technique qui consiste à appliquer de nombreux coups de pinceau courts, mais cette fois, ils ressembleront davantage à des lignes très courtes qu'à des points Ces lignes nous aideront à créer la structure allongée de l'arbre. Encore une fois, je vais commencer par le vert le plus foncé. Comme il est assez facile d' identifier où placer ce vert, je dois garder à l'esprit que ces formes allongées et la source de lumière se trouvent sur le côté gauche. J'utilise un pinceau taille 6. Maintenant, J'utilise un pinceau taille 6. Maintenant je ressens également plus de douleurs dans les tons les plus foncés à certains endroits Ensuite, je choisis le ton du milieu, le vert. Et en comblant les espaces entre le vert le plus clair de la couche précédente et les tons les plus foncés que je viens d'appliquer Je ne veux pas couvrir toutes ces zones claires, en particulier sur le côté gauche là où la lumière du soleil atteint l'arbre Ces zones doivent rester claires. Le vert s'assombrit davantage vers la droite, du côté ombragé de l'arbre Maintenant, je suis revenu à un pinceau anti-éclaboussures de taille 2. Je vais répéter exactement le même processus que sur les arbres de la partie précédente. Ces arbres à feuilles caduques sont plus arrondis. J'utilise un pinceau avec une pointe plus arrondie et j'applique beaucoup de points Le grand arbre ressemble à un conifère, il a des aiguilles et une forme plus allongée Pour celui-ci, j'utilise une pointe plus pointue et j' applique de nombreuses lignes courtes au lieu de points Encore une fois, le vert n'est pas très saturé ici. Vous verrez le vert dans un instant. Je vais peindre un petit champ sur la droite qui sera plus saturé, d'un vert clair. Mais pour les arbres, je veux utiliser des versions moins saturées du vert qui se trouve derrière cet arbre. J'utilise plus de bleu pavé pour suggérer une certaine distance De plus, parce que nous peignons la nature, vert se décline en de nombreuses nuances différentes. D'une part, il n'est pas nécessaire de faire correspondre exactement les couleurs car toutes les nuances de vert sont possibles. D'un autre côté, nous pouvons jouer avec les verts, peut-être tester de nouveaux mélanges de couleurs, et tout sera beau au final. Quoi qu'il en soit, nous approchons de la fin de cette partie. Encore quelques points ici et là, et je voudrais terminer en peignant le tronc brun et les branches de cet arbre. 9. Maison - Couche initiale: Maintenant que les arbres sont terminés, nous pouvons commencer à peindre le bâtiment. Je vais diviser la peinture du bâtiment en parties très courtes afin que nous puissions y travailler sereinement. Étape par étape, j' utiliserai un pinceau taille 6. abord, je vais diviser ma peinture et nettoyer mon espace de mixage car nous allons utiliser différentes couleurs et je veux qu'elles restent propres. Nous aurons certainement besoin de Sienne brûlée, qui sera notre brun de base. J'ajouterai même du jaune Windsor profond pour le rendre un peu plus chaud. Dans le deuxième espace de mixage, je vais mélanger le même jaune profond de Sienne et de Windsor brûlé. Mais maintenant, je vais neutraliser cette couleur en ajoutant du cobalt Bloom, que nous avons utilisé de nombreuses fois jusqu'à présent Cela créera un brun beaucoup plus neutre. Commençons par une version très édulcorée et très pâle du brun neutre et appliquons cette couleur à l'ensemble du bâtiment. Acceptez peut-être les endroits où l'on peut voir de la verdure pousser sur les murs. Sur les murs, je vais passer à notre version marron plus chaud, mais aussi très, très pâle. Nous devons vraiment conserver cette couleur claire. Nous ne voulons pas laisser les murs blancs, mais nous ne pouvons pas non plus faire trop sombre. Ils devraient juste avoir un soupçon de brun. Le côté droit du bâtiment est dans l'ombre, donc je vais aussi choisir un peu plus de bleu cobalt et utiliser le brun plus bleuté sur le côté droit Je vais continuer avec cette interaction de bleu et de brun sur le cabanon et également sur le mur du côté droit C'est tout pour cette partie. Nous avons les bases, nous pouvons maintenant tout sécher et quand ce sera sec, nous passerons à ajouter quelques détails. 10. Maison - Détails sombres: Bien, avant d'ajouter quelques détails au bâtiment, remplissons rapidement la zone blanche derrière les arbres. Commencez par appliquer du bleu cobalt sur la gauche , puis passez à des nuances de vert sur la droite. Le vert est un mélange de vert, or et de bleu pavé Une fois que cette couche est sèche, reprenez le bleu de cobalt. Mais cette fois, un ton légèrement plus foncé mélangé peut être une touche de peinture brune et verte. Quelques ombres sur ces tapis appliquent ce ton bleu plus foncé et estompent à l'aide d'un pinceau propre dans la zone verte. Ajoutez également des points aléatoires pour créer la texture visuelle des plantes en arrière-plan. Nous n'avons pas besoin d'être très précis ici car il ne s'agit que d'une petite section à l'arrière. Nous voulons juste créer une belle texture. Maintenant, mélangeons la Sienne brûlée avec le bleu chauve. Nous utiliserons cette couleur marron foncé pour ajouter quelques détails au toit. Commencez par une longue ligne horizontale au bas du toit. Nous allons quitter le toit pour le moment et passer aux fenêtres. Utilisez le même brun foncé pour peindre les rectangles foncés des fenêtres Ils sont noirs, nous pouvons donc ajouter des peintures grises à notre mélange. Il s'agit de la première couche. La couleur ne sera pas aussi profonde qu'elle devrait l' être à ce stade, mais nous appliquerons une couche supplémentaire pour assombrir ces fenêtres ultérieurement Puisque nous peignons les fenêtres, appliquons également notre mélange brun chaud sur les fenêtres, les volets et les portes Il ne s'agit que de la couche de base. Plus tard, nous ajouterons quelques détails plus sombres. Revenons maintenant à notre brun foncé, à notre noir brunâtre, et utilisons cette couleur pour peindre les détails du toit Il y a en fait deux toits. Commençons par ajouter la ligne horizontale sous le toit inférieur et plus petit. Comme nous l'avons fait avec le toit supérieur, juste une ligne horizontale. Il n'est pas nécessaire que ce soit direct. Je pense qu'une ligne légèrement bancale lui donnera un aspect plus naturel Ajoutons également de nombreux points irréguliers juste au-dessus de cette ligne. Maintenant, avec une couleur brun foncé, peignons ces lignes caractéristiques. Je pense qu'il y a des tuiles sur le toit. Et bien sûr, nous n'allons pas peindre des carreaux individuels. Notre tâche consiste à réfléchir à la manière dont nous pouvons en créer une impression, à la manière dont nous pouvons créer la texture visuelle qu'il crée. J'espère que vous avez marqué des points ou des lignes sur le toit qui vous aideront à vous orienter. Appliquez de nombreux points et lignes courtes pour créer ce motif caractéristique. Je suis passé ici à un pinceau plus petit de taille quatre pour me faciliter la tâche. Je répète le même processus sur le toit inférieur. Je viens de me rendre compte que j' avais complètement oublié les fenêtres du mur droit, alors maintenant j'utilise le brun pour appliquer cette première couche. Et ce serait tout pour cette partie. Séchons le tout maintenant et nous pouvons passer à la partie suivante. 11. Maison - Ombres: Pour cette partie, j' utiliserai un pinceau de taille 8. Nous avons besoin d'un pinceau légèrement plus grand pour ne pas trop nous attarder sur les détails. Choisissons un mélange très aqueux de notre brun chaud. Il peut également s'agir simplement de pure sienne brûlée. Si vous utilisez de la sienne brûlée de Daniel Smith, vous pouvez y ajouter un peu plus de jaune Je pense que ma sienne brûlée , de la marque Windsor Newton, est plus chaude, plus brillante et plus rougeâtre que la version de Daniel Smith Maintenant, peignons les ombres sur les murs. Commencez sous le toit. L'ombre a une couleur assez neutre, mais on peut distinguer quelque chose brunâtre et de grisâtre ou de bleuâtre C'est pourquoi je commence par ce brun chaud et je passerai dans une seconde au bleu cobalt Cette combinaison de sienne brûlée et bleu cobalt crée un effet d'ombre vraiment agréable Notez que je ne mélange pas entièrement ces deux couleurs en une seule couleur grise dans l'ombre, nous pouvons clairement voir le brun et le gris ou le bleu. Ces deux couleurs sont très importantes. L'interaction entre eux dans les zones d'ombre créera un effet magnifique Si vous vous souvenez ou connaissez ma peinture avec une statue d'un ange dans le jardin. L'ensemble de la statue a été peint avec de la Sienne brûlée et du bleu cobalt C'est une combinaison vraiment agréable et efficace pour de telles choses. Peindre. En outre, l'ombre sous le toit inférieur. Mon ombre sous le toit supérieur a un bord assez foncé, ce que je n'aime pas vraiment. Plus tard, quand tout sera sec, je l'adoucirai avec mon autolaveur pinceau sur le mur à droite, j'applique plus de bleu cobalt en bas et plus de brun en haut. Je peins également autour des plantes qui poussent sur le mur. Nous voulons également assombrir le cabanon. Assurez-vous de laisser un endroit plus clair sur le toit pour indiquer qu' il capte la lumière du soleil. Ajoutez un peu plus d'ombre sur le petit mur de briques. En guise de touche finale , utilisons un mélange brunâtre aqueux Et appliquez-le sur l'ensemble du toit, mais en laissant le bord supérieur non peint pour qu' il soit plus clair. Appliquez une teinte claire similaire sur le toit inférieur. Ici, je vais ajouter un peu plus de bleu cobalt derrière l'arbre. Je vais terminer cette partie en ajoutant de la couleur verte entre les arbres, puis je vais tout sécher avec un sèche-cheveux. J'ai mentionné tout à l'heure que j' aimerais adoucir le bord de l'ombre ici. Maintenant, quand tout sera sec, je vais utiliser mon épurateur humide Brossez légèrement le bord de l'ombre et retirez la peinture activée avec un essuie-tout. Cela rendra le bord net, ce qui améliorera également l'impression de lumière sur le mur. 12. Maison - Fenêtres, portes, fissures: Dans cette partie, nous nous occuperons des détails. Je vais donc utiliser un petit pinceau pour commencer par ajouter une couleur marron neutre aux parties blanches des fenêtres. Maintenant avec une peinture brune plus foncée. ce qui concerne les volets, il y a trois panneaux principaux qui forment une lettre Z. Deux horizontaux en haut et en bas, et un en diagonale les reliant Nous pouvons également ajouter notre couleur noire aux parties les plus sombres de la fenêtre Cette couleur contient principalement des peintures grises avec un peu de sienne brûlée La peinture n'a pas encore séché et j'ai opté trop vite pour le noir. Je veux donc sécher rapidement cette zone , puis appliquer à nouveau la peinture pour qu'elle ne s'étale pas Appliquez également la couleur noire sur toutes les autres fenêtres, avec un brun foncé, un mélange de sienne brûlée et de peinture grise Ajoutez les détails aux volets restants, ajoutez quelques lignes brunes simples aux portes pour créer une impression de bois Ajoutez des ombres à la fenêtre avant, puis passez au mur droit du bâtiment. Ici, je veux juste ajouter du bleu pavé aux zones blanches des fenêtres Enfin, le dernier détail que je voudrais ajouter concerne quelques fissures sur le mur. Prenons un ton brun clair et, avec le bout du pinceau, ajoutons quelques lignes près des fenêtres. Ce ne sont que de simples indications de fissures dans le mur. 13. Maison - Verdure: Dans cette partie, nous nous occuperons des plantes autour de la maison. Commençons par un vert moyen neutre. Un mélange d'or vert et de bleu cobalt, à utiliser pour peindre la première couche sur les plantes En général, nous répétons le même processus que pour peindre les arbres. Nous allons commencer par cette couche initiale, puis nous utiliserons la technique du pointillage pour créer une texture visuelle Le mur de droite est dans l'ombre, les couleurs y sont généralement plus froides et plus foncées. Ici, j'utilise un peu plus de bleu pavé. La plante qui pousse sur le mur, peut-être un lierre ou quelque chose de similaire, a beaucoup de petites feuilles à certains endroits Je suggère déjà la texture en appliquant de nombreux petits points irréguliers. À certains endroits, la peinture a déjà commencé à sécher. Je vais recommencer avec le vert et ajouter d'autres taches, mais je vois que la peinture s'étale un peu, ce qui me dit qu'elle n'est pas encore complètement sèche. C'est très bien J'aurai plus de variété dans les formes. Certains bords seront plus flous, tandis que d'autres seront nets pour obtenir un vert plus foncé J'ajoute de la peinture grise à mon mix. J'ajoute également une touche de jaune Windsor profond pour apporter de la variété aux légumes verts Je l'utilise dans un endroit où la lumière frappe les feuilles dans le coin du bâtiment. C'est un processus très méticuleux, et il faut du temps pour peindre tous ces points, mais je pense qu'au final, cela crée un très bel effet Maintenant, je veux tout sécher avec un sèche-cheveux. Et après l'avoir bien séché, j'ajouterai d'autres points pour créer une texture encore plus définie. Il y a également des plantes sur le sol autour de la maison. Ici. Encore une fois, je vais répéter exactement le même processus, commençant par appliquer la première couche d'abord devant la maison, en utilisant un vert chaud juste au coin de la rue. Je vais passer à un vert plus froid, plus bleuté, avec un bleu plus pavé Le mur du cabanon, je vais revenir à un vert plus chaud. Maintenant, j'ai remarqué que nous pouvions également peindre une ombre subtile sous les fenêtres en utilisant du brun J'ai également pensé que nous pourrions ajouter quelques indications de briques dans le mur. Je ne veux pas peindre chaque brique, mais je veux juste créer cette indication simple et agréable qu'il y a des briques. De cette façon, le mur semble encore plus intéressant. La couche verte doit être sèche. Maintenant, nous pouvons nous assurer qu'il est complètement sec en utilisant un sèche-cheveux. Ajoutons maintenant plus de texture à nos légumes verts. Rien de nouveau ici. Juste des centaines de petits points avec différentes nuances de vert. Alors, lorsque vous aurez terminé ce jeu super excitant et plein de rebondissements inattendus, passons à la suivante, où nous nous concentrerons sur le cabanon et le petit mur de briques 14. Mur de hangar et de briques: Pour les détails du cabanon, nous aurons besoin d'une couleur très foncée. Mélangeons donc Burn Sienna avec des peintures grises. Cela nous donnera un noir brunâtre. Commencez par peindre les éléments qui sont les plus importants pour vous. Pour moi, ce sont les limites entre les rochers et l' ombre sous le toit. Il y a également des lignes plus sombres sur le toit lui-même. Je vais aussi les peindre. Remarquez que je peins une ligne droite juste en dessous du sommet du toit. Ensuite, je peins des lignes diagonales qui relient l'ombre sous le toit à une ligne horizontale au-dessus. Le bord supérieur du toit n'est pas peint. Ajoutez plus de crevasses entre les rochers. Ne soyez pas trop précis ici et ne peignez pas des rochers de taille égale. Laissez les choses paraître un peu plus naturelles en regardant des points ou des lignes aléatoires ici et là. Rendez les lignes naturelles. Il n'est pas nécessaire qu'ils soient droits de la même couleur, mais cette fois en variant la valeur tonale Peignez les crevasses entre les rochers du mur de briques. Encore une fois, ne le faites pas paraître trop parfait. Il existe des pierres ou des briques de formes et de tailles aléatoires. Nous voulons donc faire comprendre que certaines parties de ce mur sont dans l'ombre, utilisez un ton plus foncé. Dans les zones plus claires, utilisez un ton brun clair. Sur le côté droit, derrière le mur, il y a cette jolie colline verdoyante à peindre. Il utilise un mélange d' or vert et de teinte jaune vert Windsor. Remarquez à quel point ce vert est différent de ceux que nous avons utilisés pour les arbres. Celui-ci est beaucoup plus vivant, beaucoup plus saturé. Il apporte une touche agréable et vivante à la peinture. C'est une très petite surface, elle ne domine donc pas le tableau, mais c'est une touche agréable qui est très belle. Associée au petit champ de lavande devant le mur, il y a des zones blanches sur cette colline. Peut-être que certaines pierres blanches laissent des espaces entre les zones vertes, ce qui suggère que j'ai pensé appliquer une autre couche marron clair sur les portes. Et avec cela, nous avons presque terminé le juste milieu. Dans la partie suivante, nous allons peindre le petit champ de lavande devant le mur. 15. Petit champ de lavande: Je vais utiliser un pinceau taille 4 maintenant. Tout d'abord, je voudrais faire de la place au violet. Je vais nettoyer mon espace de mélange pour notre lavande. Je vais utiliser un mélange de bleu de cobalt et de magenta de quinacridone Dans ce mélange, il y a principalement du bleu cobalt et du magenta. Transforme simplement ce bleu en une teinte lavande. C'est un très beau violet lavande pâle. Mais nous pouvons bien sûr le déplacer davantage vers le bleu ou le magenta si nous le souhaitons. Nous pouvons créer un violet assez foncé si nécessaire en utilisant un mélange plus fort. Commençons par appliquer une version très pâle et très diluée de ce mélange sur tous les arbustes de lavande situés dans la zone d'ombre. Utilisez un peu plus de bleu cobalt. La couleur claire est la couleur la plus claire que je puisse voir dans la référence , il faut maintenant la sécher avec un sèche-cheveux. Mélangez maintenant l'or vert avec le bleu cobalt et avec ce mélange vert, peignez l'herbe devant le champ de lavande. Nous allons également le peindre dans cette partie. De cette façon, nous terminerons tout le juste milieu et il ne restera que le grand champ de lavande en face. Lorsque vous appliquez ce vert, variez les nuances, vous n'avez pas à suivre exactement la photo de référence. Il suffit d'utiliser plus ou moins de fleurs d'or vert ou de cobalt. Laissez cette zone avoir une certaine variété de légumes verts. Encore une fois, utilisez un sèche-cheveux pour le sécher complètement. Nous allons maintenant nous concentrer davantage sur les détails. Je vais mélanger une teinte plus forte et plus foncée de notre couleur lavande. Pourtant, en ce qui concerne les proportions, il y a plus de bleu cobalt que de quad Si vous n'avez pas de quinacridone magenta, vous pouvez utiliser des rangées permanentes si Si vous n'avez aucune de ces couleurs, vous pouvez simplement utiliser du violet prêt à l'emploi que vous avez. Par exemple, Windsor Violet. Nous voulons maintenant peindre chaque rangée de lavande. Je commence par appliquer de nombreux petits points autour de la partie surlignée à l'avant. Ensuite, j'appliquerai la couleur sur toute la ligne à l'arrière. Ces points nous aideront à créer la texture de ces arbustes de lavande. Maintenant, pour colorer le bleu, ajoutez une touche de peinture grise pour le rendre plus foncé et ajoutez ce bleu foncé à quelques endroits dans la zone d'ombre L'idée ici est donner l'impression que les rangées sont côte à côte et qu'elles projettent une ombre derrière chaque rangée, il y a une ombre sur la rangée suivante. J'espère que cela a du sens avec une peinture de couleur lavande très pâle. Ajoutez également plus de points dans la zone éclairée par le soleil pour ajouter plus de texture. OK. Maintenant, pour être prudent, parce que la première rangée est encore humide, gardons une rangée et peignons la troisième. Répétez le même processus. Nous pouvons utiliser un sèche-cheveux pour sécher les rangées que nous venons de peindre et peindre celles qui se trouvent entre les deux. Répétez l'opération sur toutes les autres lignes. Sur les rangées de droite. J'utilise davantage de technique de pointillage pour déjà suggérer plus de texture J'ai l'impression que les zones d'ombre ne sont pas assez sombres avec la couleur plus foncée. Je passe à nouveau en revue les ombres et, à l'aide de la technique du stipling, je les assombrit maintenant avec la consistance aqueuse du Je peins une ombre projetée sur les quatre rangées de gauche. J'assombrit également les ombres sur les autres rangées. Je peins beaucoup de petits points et j'utilise des couleurs brunâtres-verdâtres ici. Parce que la lavande n'est pas que des fleurs, contient également des éléments verts. Nous pouvons également ajouter un peu de vert, mais celui-ci est très doux Maintenant, avec notre mélange vert, doré et bleu cobalt, peignons le gazon Mon idée ici est d' ajouter des taches vertes plus foncées ici et là. Mais je veux surtout peindre de nombreux petits coups de pinceau verticaux avec le bout de mon pinceau afin de créer une texture d'herbe. C'est une indication de la présence de brins d'herbe. Je change la teinte du vert du chaud au vert froid, du clair au foncé pour introduire de la variété, mais je ne suis pas du tout la référence. Ce tableau est trop petit pour prendre soin de chaque détail. Tout ce que je peux, je simplifie. Je pense que si nous peignons cette texture d'herbe ici avec de courts coups de pinceau, cela suffira totalement. Et voilà, cette partie est terminée. Dans la partie suivante, nous appliquerons une première couche sur le grand champ de lavande. 16. Champ de lavande - Couche initiale: Tout d'abord, j'ai besoin de plus d'espace pour la couleur verte. Pour cette partie, nous aurons besoin de notre lavande et de notre vert. Notre couleur lavande est un mélange de bleu cobalt et de magenta de quinacridone Pour le vert, nous utiliserons or vert mélangé au vert Windsor, teinte jaune et au bleu cobalt. Il nous faut un plus gros pinceau. Maintenant, je vais utiliser une taille 10. J'ai ajouté une petite touche de magenta Quinacrodon à mon vert ici, et plus de bleu cobalt Parce que j'ai remarqué que je devais commencer par une autre teinte de vert. Celui-ci est exactement magenta, atténue le vert et le fait passer au vert olive, tout comme la Sienne brûlée Utilisez un ton clair et commencez à peindre du côté gauche du champ. Notez que la peinture est vraiment très aqueuse et j' utilise un gros pinceau Cela me permet de peindre humide et sec sur grandes surfaces et de mélanger les couleurs en douceur. Quand le vert rencontrera la lavande, je changerai de couleur pour adopter mon mélange de violet. Peindre le champ de lavande est en fait assez délicat. Et bien sûr, nous devons simplifier certaines choses, car il ne serait pas possible de peindre chaque épi de lavande. Il existe de nombreuses façons de le peindre. Il m'a fallu beaucoup de temps pour décider lequel choisir, et finalement, je n'ai pas choisi le plus simple. Mais uniquement parce que je veux vous montrer comment nous pouvons utiliser le liquide de masquage ultérieurement Nous pourrions le peindre sans liquide masquant, et vous pouvez le faire si vous le souhaitez Mais j'ai pensé que c'était une bonne occasion de vous montrer quelques outils. À ce stade, mon idée est d' appliquer les couleurs les plus claires. Je peux voir le violet clair et le vert clair. Plus tard, nous assombrirons ces couleurs, mais nous avons besoin d'une base Maintenant, en gardant à l'esprit les structures que forment ces plantes, j'applique du violet et du vert dans des zones spécifiques. Chaque fleur de lavande pousse sur une longue tige verte. Ensemble, ils forment de longs épis, et bon nombre de ces épis forment ensemble un arbuste Les arbustes poussent les uns à côté des autres, créant des rangées. gardant toutes ces informations à l'esprit, j'essaie de créer une base pour plus de détails pour l'avenir. Tout d'abord, je garde à l'esprit que je peins ces rangées. Chaque rangée est composée de nombreux arbustes. Je tiens à indiquer que chaque arbuste est plus vert en bas et violet en haut. J'essaie de peindre chaque arbuste individuellement, essayant d'ajouter un peu de vert, mais j'applique principalement la couleur lavande. Je ne veux pas que le green attire trop d'attention. Après tout, l' accent est mis sur la lavande. Dans cette zone située entre les lignes. Les hautes herbes poussent ici. J'applique juste du vert en bas. Il y a deux endroits avec des rochers. À ce moment-là, je me suis dit que je ne voulais pas peindre ces rochers parce qu' il y en a déjà trop dans ce tableau. Je voulais les recouvrir de vert et y ajouter de l'herbe. Si tu veux, tu peux le faire. Mais j'ai finalement décidé d'appliquer du brun clair sur le tas de pierres de droite, du bleu pavé sur celui de gauche, juste au cas où je voudrais les peindre plus tard, ce que j'ai finalement fait Mais tu n'y es pas obligée. Bien sûr. Sur la rangée de droite, je suggère déjà la distribution de la lumière. Le côté droit de la ligne est plus sombre, tandis que le côté gauche est plus clair car la source lumineuse se trouve sur la gauche. Devant, j' ajoute des légumes verts. Comme vous pouvez le constater, je peins tout en une seule fois. Mais si vous le souhaitez, vous pouvez, par exemple, arrêter après avoir appliqué le vert sec, appliquer le rang de lavande, le sécher, puis appliquer un autre rang d'herbe, etc. Si vous craignez que le vert ne se mélange trop à la couleur lavande sur le papier, il est plus prudent de peindre une couleur à la fois. S'ils se mélangent trop, vous risquez d'obtenir des couleurs floues D'accord, voici à quoi ça ressemble après avoir appliqué cette première couche. Maintenant, laissez-le sécher complètement. Cette couche est assez humide. Je vais le laisser sécher naturellement pendant environ 15 minutes. Ensuite, j'utiliserai un produit sec pour bien le sécher. 17. Utiliser le fluide de masquage: OK, ma première couche est maintenant complètement sèche. Nous avons les couleurs de base. Dans cette partie, nous utiliserons liquide de masquage pour créer de très jolis effets J'utiliserai le liquide de masquage Windsor et Newton comme toujours Pour appliquer le liquide de masquage, nous pouvons utiliser de nombreux outils différents Normalement, j'utilise un vieux pinceau que j'utilise uniquement pour appliquer du liquide de masquage Mais cette fois, nous avons besoin de quelque chose de différent. En fait, vous pouvez utiliser un pinceau pour. Mais je veux vous montrer différents outils pour appliquer du liquide de masquage Nous pouvons utiliser, parmi de nombreux autres outils, un stylo profond comme celui-ci. Nous l'utiliserons plus tard dans la vidéo. Nous pouvons également utiliser un stylo à rouleau avec distance réglable entre les lames. Je vais vous montrer comment vous en servir pour. Nous pouvons également utiliser ces outils de gaufrage, que je crois en anglais, sont également appelés outils de pointillage pour le nail art. Une chose que tous ces outils ont en commun est que le liquide de masquage ne les endommagera pas, comme cela peut se produire très facilement avec les poils de la brosse Ils peuvent être nettoyés très facilement et nous n'avons pas besoin de savon pour les nettoyer . Mais la différence entre eux et le pinceau, c'est qu'un pinceau nous permet d'appliquer du masquage sur de plus grandes surfaces car il retient une plus grande partie Mais la différence entre eux et le pinceau, c'est qu'un pinceau nous permet d'appliquer du masquage de ce liquide, par exemple sur les bords des formes Ces outils permettent une application de masquage plus précise sur des zones plus petites Je verse un peu de liquide de masquage dans un vieux gobelet et je ferme rapidement le flacon Nous n'avons pas besoin d'une bouteille entière de masque. Un tout petit peu suffit. Maintenant, je vais commencer par un outil de gaufrage. Je vais simplement le tremper dans le masque et l'appliquer à l'endroit où je souhaite l'appliquer C'est très simple, non ? Ce que je fais ici, c'est que je veux conserver cette couleur lavande pâle. Je suis en train de créer ces formes de pointes. Je préserve la couleur que nous avons déjà appliquée plus tard Après avoir appliqué d'autres couches de peinture ici, après avoir retiré le masquage, nous verrons les formes que nous créons maintenant que nous aurons la couleur que nous préservons Maintenant, bien sûr, nous pourrons ajouter plus de couleur s'il s'avère que c'est trop pâle. Mais l'idée ici est qu'il serait très difficile de peindre autour de chacune de ces pointes C'est pourquoi je veux les préserver en les masquant. Une autre façon de créer des pointes plus claires par rapport aux pointes plus foncées consiste à utiliser de la peinture guash à la fin Cela pourrait également être un moyen très efficace. J'y réfléchissais aussi, mais je sais que beaucoup d'entre vous n'aiment pas utiliser le guash J'ai également pensé vous montrer quelques outils pour appliquer des fluides de masquage Je viens de suivre cette voie, mais n'hésite pas à tout faire à ta façon. Comme vous pouvez le constater, un outil de gaufrage nous permet d'appliquer du liquide de masquage De cette façon, nous pouvons également appliquer des points ou même des formes simples. Mais cet outil ne possède pas de réservoir qui pourrait contenir plus de masquage Après chaque coup, nous devons à nouveau tremper l'outil dans le masquage. Au bout de ces outils, il y a un petit bol. Chaque outil a une taille différente de ce bol, ce qui vous permet également de créer différentes marques. Notez que j'essaie maintenant d' appliquer du masquage sur le dessus de chaque arbuste, et principalement sur les couleurs violettes, car c'est ce que je veux préserver Prenez également note de la direction de ces marques. Je garde à l'esprit à quoi ressemble chaque arbuste de lavande. J'imagine comment ils grandissent. Au fond, je peux voir des plantes très fines. Nous pouvons également préserver leurs formes. La partie la plus délicate de la peinture à l' aquarelle est toujours de peindre une lumière Dans la peinture à l'huile, par exemple, vous prenez simplement de la peinture claire et vous pouvez peindre sur du noir. Comme les peintures à l'aquarelle sont opaques, c'est beaucoup plus difficile. Nous pouvons choisir l'une des rares manières peindre autour d'une forme plus claire. Nous pouvons le masquer. On peut le peindre à la fin avec une peinture opaque, par exemple avec la courge Tout dépend de la forme, la taille du tableau, la complexité de la forme. Il existe de nombreux facteurs et il est toujours préférable de décider de la manière dont nous allons aborder les formes claires par rapport obscurité avant même de commencer à peindre. maintenant à l'herbe Passons à un stylo réducteur. Un stylo à bille possède deux lames réglables. Pour l'utiliser, il suffit de le tremper dans le masque et le liquide de masquage est maintenu entre ces deux lames Il est toujours bon de vérifier sur une feuille de papier si la largeur du trait est bonne et si le masquage est fluide Si la ligne est trop épaisse ou trop fine, il y a une vis ronde sur le côté qui permet de régler la distance entre les lames et donc la largeur de la ligne. Nous pouvons utiliser cet outil non seulement pour appliquer du liquide de masquage, mais également de la peinture à l'aquarelle Vous pouvez charger de la peinture sur votre pinceau et transférer la peinture des poils jusqu'à la pointe du stylo à bille. C'est également un excellent outil pour peindre des lignes droites, car il permet d'utiliser une règle. Je suis en train de créer de hauts brins d'herbe. Un autre outil que nous pouvons utiliser pour cela est un stylo profond. Nous trempons simplement le stylo dans le masque, nous pouvons tester le flux sur une feuille de papier, puis nous pouvons créer des lignes très fines S'il s'agit d'un flex snap, nous pouvons appuyer plus fort pour obtenir une ligne plus large et relâcher pour obtenir une ligne plus fine, comme avec le stylo directeur. Nous pouvons également utiliser l'aquarelle pour peindre des lignes très précises Ici, je l'utilise pour créer de nombreux brins d'herbe. OK, le liquide de masquage est donc appliqué maintenant, laissez-le sécher complètement. Dans la prochaine étape, nous appliquerons la deuxième couche. 18. Champ de lavande - Deuxième couche: Le liquide de masquage a complètement séché. Désormais, nous n'avons plus à nous soucier de protéger tous ces petits détails et de peindre autour d'eux ici. Nous utiliserons également un pinceau plus grand de dix pour ajouter une autre couche de peinture qui intensifiera les couleurs. Préparez-vous avec d'autres mélanges de peinture afin qu'ils soient facilement accessibles. Je mélange du bleu cobalt et du magenta de quinacrodon. Ce mélange produit une teinte violette, mais je préfère avoir les deux couleurs séparément, deux, ce qui me permet de passer au bleu ou au rose selon les besoins. Sur le côté gauche, j'ai mélangé le vert, le doré, vert Windsor, le jaune et le bleu pavé pour créer un mélange vert Commençons par une version plus légère et diluée du vert et appliquons-la sur le côté gauche. À ce stade, mon objectif est d' introduire une plus grande variété de tons et de couleurs. ne me concentre pas encore sur les détails, nous les aborderons dans la partie suivante. heure actuelle, j'ajuste les tons, assombrit certaines zones et j' enrichis les Avec cette couche, je garde à l'esprit la structure du terrain et de la plante. La colline n'est pas plate, il y a des hauts et des bas. Ses zones sont plus claires, tandis que les parties inférieures sont plus sombres. Cela donne l' impression de collines et vallées et aide à différencier la rose lavande. Au fur et à mesure que je m'approche des zones de lavande, j'ajoute progressivement des coups de pinceau plus nuancés Nous voulons représenter les pointes. J'utilise des coups de pinceau plus courts et je fais attention à leur direction. Il y a quelques éléments à prendre en compte pour rendre cette pièce un peu difficile à peindre. Tout d'abord, nous devons nous souvenir des grandes formes et de la façon dont la lumière et les ombres sont réparties. Chaque rangée de lavande a une ombre sur le côté droit et est éclairée par le soleil sur la gauche. Ensuite, nous devons garder à l'esprit que chaque rangée est composée d'arbustes. Ces arbustes sont verts en bas et lavande en haut. Enfin, chaque arbuste possède épis de lavande qui poussent dans une direction précise. Nous devons transmettre cela en prêtant attention à la direction de nos coups de pinceau et de nos marques. J'applique la couleur lavande, peu près à l'endroit où j'ai appliqué le liquide de masquage, car ces taches représentent des fleurs de lavande Maintenant, je ne fais que leur peindre le fond. Bien entendu, nous devons également ajouter un peu de vert pour suggérer les parties vertes des arbustes. Au fur et à mesure que nous nous éloignons, les lignes deviennent moins détaillées dans ces zones. J'applique simplement la couleur violette pour le moment et j'ajouterai des détails plus tard pour créer de la texture. L'ajout d'un ton plus foncé derrière chaque ligne donne bel effet tridimensionnel et arrondit chaque rangée pour obtenir la plus grande rangée. Le vert devant est très foncé, alors j'ajoute de la peinture grise à mon mélange vert. Maintenant, j'ai un mélange d'or vert, vert Windsor, de jaune, bleu pavé et de gris pâle Je peins tout humide et sec, mais ma peinture est assez diluée, ce qui me permet de mélanger les couleurs sur le papier. Cependant, je dois faire attention à ne pas trop mélanger la lavande avec le vert. Si ces deux couleurs se mélangent trop étroitement, elles créeront des couleurs floues C'est un peu difficile, mais avec de la patience, nous pouvons construire cela. Cette partie est un peu plus créative car nous ne nous en tenons pas strictement à la photo de référence. Nous cherchons plutôt à créer une impression qui nous donnera un résultat agréable. Peindre chaque épi de lavande individuellement serait trop complexe, c'est pourquoi nous simplifions le processus Continuez à peindre chaque arbuste en faisant attention à la direction de vos coups de pinceau et aux couleurs que vous utilisez. Notez que lorsque j'applique le vert sur l'arbuste suivant, je définis simultanément la forme de l'arbuste devant lui. C'est un peu comme de la peinture en négatif ici. Le côté droit de la ligne est ombré, donc dans les zones ombrées, j' utilise un peu plus de bleu pavé Enfin, je couvre cette section de couleur lavande et j' ajoute un ton plus foncé en bas. Maintenant, je veux tout sécher avant d'appliquer du vert à la section suivante. Je ne veux pas que le vert se mélange trop avec le rang de lavande. Présentons ici une variété de légumes verts. Bien que la référence suggère des légumes verts plus froids et plus pâles, je préfère utiliser des légumes verts un peu plus chauds ici J'aime cette combinaison de vert et de violet. Il est également au premier plan. Les couleurs plus chaudes se marient bien avec les teintes plus froides et lointaines. Attachez plus de Sienne brûlée aux rochers, puis utilisez une teinte vert plus foncé à quelques endroits en quelques endroits dessous Comme nous utilisons déjà le vert, nous pouvons également peindre la plus petite section verte sur la droite. Le vert étant encore humide, j'ajoute du vert foncé sous le rang de lavande pour simuler l'ombre au sol. Maintenant, nous allons tout sécher. Une fois le vert sec, nous pouvons terminer la rose sur la droite. Encore une fois, utilisez un mélange de couleurs entre le bleu chauve et magenta quincardon à Utilisez des coups de pinceau plus courts pour créer une texture pointue. Gardez le côté droit de la route plus sombre car il se trouve dans l'ombre. Ne peignez pas la partie verte qui se trouve devant. Nous allons maintenant ajouter les détails dans la partie suivante. Utilisez un sèche-cheveux pour tout sécher, mais évitez de vous concentrer trop longtemps sur une zone ou garder trop près, car l'air chaud pourrait affecter le liquide de masquage 19. Champ de lavande - Finition: Pour cette dernière partie, je passe à un pinceau plus petit car je cherche à ajouter quelques détails. Tout d'abord, je vais appliquer du bleu pâle sur les rochers de gauche, laissant le bord supérieur blanc pour suggérer un fort surlignage. Ensuite, je vais choisir un ton vert plus foncé et commencer à peindre le gazon. Je vais également ajouter le vert dans la zone d'ombre du rocher. Comme il est entouré d'herbe, il reflète la couleur verte. À l'aide du bout de mon pinceau, je vais peindre des brins de gazon individuels ici et là, pas tous, juste assez pour indiquer qu'il y a de l'herbe au loin. Cela ajoute de la texture à la colline, rendant moins plate et plus intéressante. Bien qu'il existe déjà une variété de greens, ajout de ces brins d'herbe attirera davantage l' attention dans cette région. En descendant, je vais commencer à ajouter plus de détails sur les arbustes Levender J'utiliserai des coups de pinceau courts et légèrement allongés pour créer l'impression des pointes Levender J'utiliserai d'abord de la lavande, puis je passerai au vert. Ces traits aident à forger la forme de chaque arbuste. La direction est cruciale. De plus, je dois garder à l'esprit qu' un côté est dans l'ombre, les couleurs doivent être plus foncées de ce côté jusqu'à la rangée suivante, j'ai besoin de plus de vert. Je mélange donc le vert, le doré, vert Windsor, le bleu pavé, et j'ajoute Pray for a dark shade en ajoutant ces lignes vertes Maintenant, je vais avoir des écarts entre eux. Le vert plus clair de la couche précédente reste visible. Cela crée une variété de valeurs tonales. Je construis chaque rangée et chaque arbuste avec ces coups de pinceau allongés. Cela donne un sens des affaires et crée l' aspect caractéristique de la rose lavande. En arrière-plan. Je suggère simplement chacune d'entre elles en appliquant les lignes en forme d'arc. Cela devrait donner l'impression de la forme ronde du. Ici, vous pouvez clairement voir comment je construis chaque arbuste. C'est un processus plutôt souple si vous êtes habitué à peindre de manière très précise, les lignes du crayon et en créant des formes définies. Cela peut être un peu difficile ici. Nous devons lâcher prise et adopter un flux plus créatif. Il n'existe pas de formes clairement définies. Nous devons nous fier à notre intuition et à notre créativité pour peindre cela. Sortir de sa zone de confort peut parfois être une expérience enrichissante et enrichissante Continuez à peindre. En se concentrant sur chaque arbuste individuellement. Remarquez comment j'utilise un vert plus foncé juste derrière chaque arbuste devant pour créer de la dimension. De plus, le côté droit de chaque arbuste est peinture plus foncée, comme s'il n'y avait pas de liquide de masquage Imaginez que vous peignez chaque épi avec du vert en bas et des fleurs de lavande en haut. En arrière-plan. Les traits doivent être plus courts et plus fins pour indiquer la distance et la perspective. Sous passer de passer sur le côté droit. Commencez par ajouter d'autres lignes lavande, puis passez au vert. Ici, pensez à la peinture en négatif. Nous avons déjà du vert clair sur le papier. Utilisons-le à notre avantage. Les lignes que j'applique maintenant sont en partie des pointes de lavande individuelles, mais aussi des espaces entre les pointes plus claires créées par le vert clair déjà Il s'agit d'une peinture négative. Au lieu de peindre ces pointes vert clair, je peins des espaces entre elles, ce qui aide à faire ressortir leurs formes Cette rangée en particulier était très agréable à peindre, peut-être en raison de sa perspective plus simple. Je l'ai simplement imaginé comme une forme arrondie et y ai intégré tous ces petits camions à brosses. Ici, je suggère des brins d'herbe plus foncés en peignant de longs coups de pinceau irréguliers pour ajouter de la texture à la peinture du gazon. Un pinceau de designer ou un pinceau de précision fonctionnent bien. Ils sont très similaires. Ils ont des poils légèrement allongés qui peuvent créer des lignes fines et longues Cependant, si vous ne les avez pas, n'importe quel pinceau rond fera l'affaire. Je cherche simplement à créer un sens des affaires en appliquant bon nombre de ces longs coups de pinceau. Chaque trait représente un brin d'herbe individuel, et les répéter plusieurs fois finira par créer un effet agréable. Maintenant, je fais une pause pour ajouter des ombres aux rochers. Je peins les bords de ces rochers et quelques ombres ici et là. Je ne veux pas y consacrer trop de temps puisque ce n'est pas l' objectif principal de cette peinture, mais je veux suggérer une texture rocheuse. En continuant avec l'herbe, j'arrive sur le côté gauche où se trouve un autre tas de pierres. J'utilise un bleu plus foncé parce que tout est dans l' ombre et qu'il fait assez sombre. En fait, je vais appliquer une grande partie du bleu foncé et du brun ici pour assombrir ce coin en utilisant un vert très foncé J'ajoute de l'herbe foncée juste sous la route pour suggérer une ombre projetée l'aide d'un pinceau taille 6. J'ajoute la touche finale ici. J'ajoute quelques lignes vertes plus foncées et c'est presque terminé. Maintenant, nous devons tout sécher avec un sèche-cheveux, mais attention à ne pas le maintenir trop longtemps au même endroit car le liquide de masquage risque coller définitivement au papier Une fois que tout sera sec, j'utiliserai un outil de collecte de masquage en caoutchouc pour retirer le liquide de masquage Bien sûr, tu peux utiliser tes doigts. L'élimination du liquide de masquage révèle un ton clair dès la première couche appliquée Cette technique nous permet de créer des éléments clairs sur un fond sombre. Ensuite, je veux mélanger ces formes plus claires avec les autres, car elles semblent un peu trop distinctes. Je vais leur appliquer de la couleur à l'aide d'un pinceau taille 10. J'utiliserai de l'or vert pour appliquer une fine couche de vert sur le gazon, déconnecter le tout et lui donner un aspect plus unifié Les brins d'herbe clairs ne sont plus aussi pâles mais restent plus clairs que le fond. Je vais faire de même avec la lavande. Je vais choisir du rose et du bleu et utiliser le ton léger pour peindre sur certains de ces épis plus clairs afin les intégrer davantage à l'arbuste Bien sûr, cela peut sembler un peu artificiel, mais nous avons créé une impression. Ce n'est pas une peinture hyper réaliste. Nous pouvons utiliser une licence créative ici. Et voilà, le tableau est terminé. Nous pouvons maintenant le signer, retirer le ruban adhésif, puis couper les bords avec les agrafes 20. Résumé: Résumons ce que nous avons abordé dans ce didacticiel. Nous avons appris à utiliser la température de couleur dans les peintures de paysage pour exprimer la distance. Placer des tons plus froids et plus pâles en arrière-plan et des couleurs plus chaudes et plus intenses au premier plan Nous avons exploré diverses techniques pour créer des textures visuelles, allant de la texture lisse du ciel, peinte mouillée ou mouillée, à la technique du pointillage pour les arbres et à la technique humide et sèche pour le gazon Nous avons découvert l'utilité du liquide de masquage et la façon dont il peut aider à créer des objets clairs sur un fond sombre S'il y a une chose que j' espère que vous retiendrez de ce cours, c'est la compréhension que même les peintures complexes peuvent être abordées en les décomposant en sections plus petites et en peignant patiemment étape par étape selon un plan, des patients et des techniques de peinture de base N'importe quelle peinture peut être réalisée. Merci de m'avoir rejoint dans ce voyage créatif. J'apprécie le temps que tu as passé avec moi. Je vous encourage à essayer ce tableau. C'était agréable à peindre et je suis content du résultat. Si vous aimez peindre des paysages, je pense que vous trouverez celui-ci particulièrement gratifiant si vous avez déjà terminé votre peinture. Félicitations. Bravo. J'espère que vous êtes fier de votre résultat. Merci beaucoup d'avoir regardé et bonne peinture par