Comment peindre les anémones en aquarelle

1. Skillshare: Bonjour à tous. Dans ce tutoriel, je vais vous montrer comment peindre ces nominés de manière amusante et souple et comment ajouter des effets spéciaux. Nous allons commencer par dessiner et masquer les fleurs principales. Ensuite, je vais vous montrer comment peindre un joli fond doux et humide avec de belles transitions de couleurs. Je vais également expérimenter un peu et ajouter des effets spéciaux à l'arrière-plan. Après cela, nous utiliserons quelques techniques de base pour peindre les fleurs. Vous allez voir comment obtenir des dégradés doux, des ombres intéressantes. Enfin, nous allons ajouter une touche supplémentaire, créer des fleurs fantômes, comme je les appelle en arrière-plan. Ils compléteront bien l'ensemble de la composition et ajouteront également une touche intéressante et unique à la peinture. 2. Ébauche: Bonjour et merci de m' avoir rejoint. Dans ce tutoriel. Je vais vous montrer comment peindre ces anémones. J'espère que vous aurez autant de plaisir à les peindre que moi. C'est une peinture vraiment amusante, sans détails. Vraiment. N'hésitez pas à faire preuve de créativité et à utiliser votre imagination car vous pouvez vraiment personnaliser cette peinture exactement comme vous le souhaitez. Mon processus pour cette peinture a commencé à partir de croquis très grossiers dans mon carnet de croquis. J'avais une photo de référence. Je savais que je voulais peindre ces nominés, mais je ne voulais pas les peindre très réaliste cette fois-ci. Je voulais plutôt m' amuser et explorer des combinaisons de couleurs et des effets spéciaux. Vous pouvez donc voir ici que j'ai fait deux croquis. J'essayais de trouver une bonne composition. cela, j'ai utilisé des crayons de couleur ordinaires à l'école. Mais ce qui est bien avec eux, c'est qu'ils ont une gomme. Je peux les effacer si je fais une erreur. C'est très utile. J'aime beaucoup dessiner avec des crayons de couleur plutôt qu'avec un crayon gris. J'aime bien la composition de la deuxième esquisse parce qu'elle comportait davantage fleurs ouvertes tournées vers le spectateur et que la composition était plus complète. Mais j'aime aussi la composition en couleurs bleu-vert de la première esquisse. Donc, comme vous le savez d'après ma peinture finale, j'utilise la deuxième composition, mais la palette de couleurs provient de la première esquisse avec un petit changement. Alors maintenant que j'ai eu une idée de la façon dont je voulais placer mes fleurs sur le papier, j'ai commencé à les dessiner directement sur le papier. Ce n'est pas quelque chose que je fais habituellement. D'habitude, je trace simplement la photo pour obtenir des formes parfaites. Mais cette fois, j'ai vraiment ressenti le besoin de suivre le courant pour m'amuser. Je ne me souciais pas de faire des erreurs. Proportions parfaites, esquisse parfaite , dépassement des limites, etc. C'était le pur plaisir d'expérimenter. Une expérience très relaxante, sans aucun stress. Je fais donc un dessin sur mon papier aquarelle. Il est déjà fixé au panneau Gator. Je n'ai pas mouillé le papier. C'est juste un morceau de papier pressé à froid. Mais je l'ai agrafée sur mon alligator board parce qu'ils savaient que lorsque j'appliquais beaucoup d'eau, elle commencerait à se déformer et le ruban lui-même ne suffirait pas. Donc, juste au cas où j'utiliserais également des agrafes pour m'assurer que les papiers restent en place. Et la cassette. J'utilise toujours le ruban adhésif parce que j'aime ces belles bordures blanches propres entourent la peinture finie. Et bien sûr, le ruban adhésif aide également à maintenir le papier. Comme vous pouvez le constater, mon dessin est très lâche et j'utilise mon crayon de couleur bleu. Je devrais peut-être investir dans des crayons à aquarelle. Mais honnêtement, j'ai même aimé l'aspect des traits de crayon dans le tableau fini. Cela donne des intérêts supplémentaires, une texture supplémentaire. Je ne sais pas, c'est peut-être parce que récemment je m'intéresse davantage aux illustrations de livres pour enfants où il y a beaucoup de textures et d'imperfections. Peut-être ai-je également été inspiré par ces illustrations. En ce qui concerne le dessin lui-même, je savais déjà quelle devait être ma composition. Je suis donc partie du côté gauche, puis je me suis déplacée vers la droite pour m'assurer que mes fleurs ne soient ni trop petites ni trop grandes. J'ai commencé par des cercles très clairs pour indiquer où je devais dessiner les fleurs et leur taille. Quand j'ai su plus ou moins où les placer, j'ai commencé à dessiner les formes des pétales en exerçant une très légère pression jusqu'à ce que j'obtienne la bonne forme. Et puis avec une pression plus forte pour mieux définir les pétales . Lorsque j'ai dessiné quatre fleurs principales, je me suis rendu compte que ce n'était pas la composition parfaite car elle était divisée en deux moitiés. Deux fleurs à gauche, deux fleurs à droite. Il manquait quelque chose. Je savais que je devais ajouter quelque chose au milieu et peut-être sur le côté pour rendre les choses plus excitantes. À ce stade, je n'avais pas de plan sur la façon de procéder car je savais que je voulais masquer uniquement ces quatre fleurs principales. J'ai donc dû le découvrir plus tard. 3. Le masquage: À ce moment-là, j'ai réalisé que je devais utiliser du liquide de masquage et lorsque je l'utilise, j'ai toujours un beau dessin propre et je sais exactement où appliquer le masquage. Cette esquisse n'est pas parfaite, mais au moins j'avais les formes principales. En ce qui concerne le liquide de masquage. J'utilise du liquide de masquage Winsor et Newton teinté de jaune. Je l'aime parce que cette teinte jaune clair n' est pas trop gênante. Mais je peux voir exactement où j'ai appliqué le masquage avec du liquide de masquage incolore. Il est toujours difficile de voir où il se trouve sur le papier car il est transparent. Je préfère donc cette couleur. Je verse du liquide de masquage dans une vieille tasse et pour l'appliquer, j'utiliserai un vieux pinceau, que je n'utilise que pour appliquer le masquage. Je ne l'utilise pas pour peindre. Nous aurons également besoin d'un morceau de savon. Voici le savon dans ce petit contenant. Je trempe le pinceau dans l'eau et je l'enveloppe plusieurs fois avec des poils mouillés. Le savon créera une couche protectrice sur les poils et le liquide de masquage les collera pas ensemble. Maintenant, appliquez le liquide de masquage sur les bords. Et encore une fois, je ne suis pas très précis ici. C'est difficile d'avoir un croquis aussi approximatif, mais cela ne me dérange pas vraiment qu'il ne soit pas nécessaire qu'il soit parfait. Mais j'essaie de rester dans les limites. Comme vous pouvez le constater, je n'applique pas le masque comme un fou. Je ne couvre pas non plus les fleurs entières, juste les bords. Ainsi, la peinture de fond n' atteint pas les fleurs. C'est comme un mur protecteur. Maintenant, vous pouvez voir que j'ai accidentellement laissé tomber une goutte de masquage sur le papier. Si cela vous arrive, ne paniquez pas. Il suffit de le laisser là où il est et de le laisser sécher. Quand il est sec, vous pouvez le retirer si vous essayez de le retirer. Maintenant, quand il fera encore humide, je te garantis que tu échoueras. Crois-moi. Je le sais par expérience. Alors ne le faites tout simplement pas. Je recouvre également les tiges avec du liquide de masquage. Je voulais également souligner une dernière chose. Soyez généreux lorsque vous appliquez le masque. Si vous en avez une belle couche épaisse, cela protégera mieux vos formes. Et cela se détachera également plus facilement plus tard. N'oubliez pas de régner et de frotter votre pinceau sur un morceau de savon de temps en temps. Lorsque vous avez terminé, laissez-le sécher complètement. N'utilisez pas de sèche-cheveux. Laissez-le sécher naturellement pendant environ 30 minutes. 4. Arrière-plan: Quand le masquage sera sec, je pourrai effacer cet heureux accident. Et maintenant, nous sommes prêts à peindre le fond. Tout d'abord, mouillez tout le fond avec de l'eau propre. J'utilise un pinceau taille 10. J'ai commencé avec un pinceau de taille 12, mais il était sale, alors je suis passé au numéro 10. Vous pouvez appliquer beaucoup d'eau à ce stade très précoce. Il faut du temps pour couvrir l'ensemble du contexte. Avant d'atteindre la partie inférieure, la partie supérieure commencera à se dessécher. C'est pourquoi j'aime ajouter beaucoup d'eau à ce stade pour m'assurer que tout le fond est complètement humide. Et puis, si je décide que c'est trop humide, je peux soit attendre un peu, soit retirer l'excès d'eau. Il vaut mieux avoir plus d' eau maintenant que pas assez. D'ailleurs, d'habitude, je prépare d'abord mes couleurs, mais cette fois, je me suis mise directement à porter le fond. Je ne sais pas pourquoi. Donc, si j'ai plus d'eau maintenant, j'aurai alors le temps de préparer mes couleurs. Lorsque vous mouillez l'arrière-plan, préparez vos couleurs. Je vais utiliser principalement la teinte bleu Windsor et verte. Ce sera mon bleu principal. Je prépare également une teinte verte et jaune Winsor. Ce vert donnera une jolie turquoise en le mélangeant avec le bleu. Et puis bien sûr, le vert, l'or, qui est probablement l'une de mes couleurs préférées. Je crois l'avoir remarqué, je l'utilise beaucoup. Cela rend tous les légumes verts beaucoup plus éclatants. Et lorsque nous le mélangeons avec du bleu, cela crée de magnifiques légumes verts juteux. Commencez maintenant à appliquer bleu Windsor dans le coin supérieur gauche. Remarquez à quel point ma peinture est aqueuse. C'est vraiment bien dilué. La consistance est très liquide. Je n'ai pas de plan particulier en ce qui concerne les couleurs. Je veux quelque chose de bleu et de vert, mais je ne sais pas exactement où les appliquer. Je ne fais que réagir à ce qui se passe dans le journal. Maintenant, j'en suis arrivée au point où je pense que c'est trop bleu et que ce serait bien de changer de couleur. Je commence donc à mélanger un peu de mon vert pour obtenir cette jolie turquoise. Remarquez à nouveau à quel point ma peinture est humide sur le papier. Il bat le long des bords du liquide de masquage. Ici, j'ai laissé un large espace. Je pense que cette astuce simple peut aider à créer plus d'espace ouvert en arrière-plan et à ajouter de l'air. J'ajoute le gris de Payne à mon bleu parce que je veux assombrir la partie au-dessus de la fleur. J'aimerais attirer votre attention sur une chose. Lorsque nous peignons des fleurs avec des tiges comme celles-ci, les tiges divisent l' arrière-plan en plusieurs parties. Cependant, lorsque vous peignez l'arrière-plan, assurez-vous qu'il n'est pas réellement divisé par la tige. Ce que je veux dire par là, c'est que nous devrions essayer de peindre le fond en continu comme s'il n'y avait pas de tige. J'ai essayé d'éviter de peindre le fond, par exemple sur le côté droit de la tige. Et puis au bout d'un moment, vous revenez en arrière et vous peignez le fond sur le côté gauche de la tige. Maintenant, ne faites pas cela, car sur le côté droit et sur le côté gauche, vous aurez probablement couleur différente. L' arrière-plan sera divisé. D'un côté. Ce sera différent. l'autre côté de la tige, ce sera différent. Nous voulons obtenir cette uniformité en arrière-plan. Ainsi, lorsque vous arrivez à la tige, peignez immédiatement les deux côtés. À ce stade, je pensais que cette palette de couleurs vert bleuté était trop ennuyeuse et qu'elle nécessitait une touche supplémentaire. Maintenant, faisons une pause d'une seconde. Lorsque je veux mettre en valeur certaines couleurs, ma première idée est toujours d' utiliser une couleur complémentaire. Une couleur complémentaire est une couleur située de l' autre côté de la roue chromatique. La couleur complémentaire du rouge est le vert. Une couleur complémentaire à l' orange est le bleu, et ainsi de suite. Lorsque nous plaçons des couleurs complémentaires les unes à côté des autres, elles ont tendance à créer un effet contrasté, vif et énergisant. Cependant, attention si nous peignons quelque chose avec uniquement des couleurs vives et complémentaires, ce sera beaucoup trop, nos yeux se brûleront à force ce sera beaucoup trop, de le regarder. Pour éviter cet effet agressif, nous pouvons utiliser deux astuces. La première consiste à utiliser une couleur complémentaire avec parcimonie, juste comme accent ici et là, afin que les deux couleurs ne se fassent pas concurrence. Et la deuxième méthode consiste à utiliser l'une des couleurs complémentaires sous une forme modérée et moins saturée. Ici, dans notre cas, nous utilisons le bleu et le vert comme couleurs principales. Notre couleur principale est donc le bleu-vert, ou le bleu-vert se trouve sur le côté droit, et juste en face du bleu-vert, nous avons le rouge orange. Nous pourrions donc utiliser le rouge et l' orange en arrière-plan en guise de compliment. Il peut également être orange ou rouge. couleurs analogues parce que, vous savez, c'est de l'art, pas des mathématiques. Nous pouvons donc l'obtenir de manière très précise. Mais tu comprends l'idée. Donc, si nous utilisions le rouge orange à pleine puissance, nous devrions l' utiliser avec parcimonie. Sinon, nous obtiendrions un contraste très élevé. Ce serait difficile à regarder. Cependant, la deuxième option consiste à utiliser une forme moins saturée de la couleur complémentaire. Et la forme la moins saturée du rouge, orange, est brune, précisément. Sienne brûlée. Sienne brûlée est une version atténuée de l'orange rouge. C'est un brun rougeâtre, donc il a une teinte rougeâtre, mais c'est brun. Et le brun est une version moins saturée de l'orange. Nous y voilà donc. Une belle couleur que nous pouvons ajouter à notre peinture. Revenons donc à la peinture et préparons de la Sienne brûlée et nous verrons ce que nous obtiendrons. En fait, j'ajoute également une touche de jaune transparent à la terre de Sienne brûlée pour la rendre plus dorée à quelques endroits. Je sais que le jaune transparent fait de beaux verts avec le bleu Winsor. Je pense donc que cela pourrait fonctionner. Cependant, je dois faire attention car c'est une couleur très forte. Notre objectif est d'utiliser davantage de Sienne brûlée. Remarquez à quel point le brun doré se mélange magnifiquement au bleu sur le papier. Cela crée une nouvelle gamme de verts, ce qui est tout à fait normal car ici, nous utilisions généralement une palette de couleurs analogue. Nous utilisons donc des tours bleus et verts, qui se trouvent d'un côté de la roue chromatique, et nous les complétons avec de la terre de Sienne brûlée. Maintenant, laissez-vous emporter par les couleurs. Appliquez-les où vous le souhaitez. Je les lance simplement d'une manière qui, je pense, sera agréable à regarder. J'éclabousse quelques gouttes d'eau. Ajoutez simplement quelques centres d'intérêt, car à ce stade, je ne savais pas encore que j'utiliserais du sel. Ce n'était pas mon plan. J'ai donc voulu ajouter des taches plus claires en y versant de l'eau propre. J'aime bien cet effet en arrière-plan. Nous pouvons mélanger la Sienne brûlée avec du bleu Winsor et nous obtiendrons un magnifique vert foncé. Comme tu peux le voir. J' incline également mon tableau tout le temps. Cela est également crucial. Nous voulons faire bouger cette peinture. Les couleurs se marieront bien. Seulement si la peinture est en mouvement. Si vous le laissez plat, vous n'obtiendrez pas de transitions de couleurs fluides. Et peut-être aurez-vous aussi des fleurs. Vous devez incliner votre peinture tant que la peinture bouge sur le papier. arrêtez que lorsque vous constatez que la peinture s'est calmée. Vous voyez, je ne mélange pas les couleurs avec mon pinceau. Je viens de livrer les couleurs. Je les ai appliqués sur le papier et je laisse la gravité faire le reste du travail. Enlevez l'excédent de peinture sur les bords. Si vous le vivez, vous risquez d'avoir des fleurs indésirables plus tard. À ce moment-là, une idée m'est venue à l'esprit. Et si j'utilisais du sel pour ajouter des effets spéciaux ? J'aime vraiment ça. Fond légèrement flou. Mais cette fois, j'ai voulu expérimenter. Ce n'est donc que du sel de table ordinaire de ma cuisine. Les cristaux de sel sont vraiment très petits. Mon article n'essaie pas de la même manière. Dans certaines parties. Il a déjà perdu son éclat et commence donc à se dessécher. Et dans d'autres régions, il fait encore très humide. Je vais ajouter du sel dans les deux zones et nous verrons quel effet nous obtiendrons. Ici. Le papier n'est pas encore si mouillé, il est encore humide, mais la surface n' est plus aussi brillante. Dans le coin supérieur droit, c'est beaucoup plus humide. Et ici, dans le coin inférieur gauche, il fait également très humide. Vous pouvez toujours voir l'excédent de peinture qui s'est accumulé le long des bords de la peinture bleue. Il a déjà commencé à fonctionner. Vous pouvez voir ces petites taches blanches. Lorsque nous saupoudrons du sel sur une peinture humide ou mouillée, le sel se dissout dans le liquide et repousse le pigment. C'est pourquoi, autour de chaque grain de sel, nous pouvons voir un point plus clair. Ces taches sont souvent appelées modèles Starburst ou étincelles. Lorsque vous saupoudrez le sel, laissez la peinture sécher naturellement. Dans une seconde, nous verrons la magie. Ici. C'est de la vraie magie, non ? C'est vraiment fascinant de voir ce que le sel peut faire. Remarquez maintenant qu'ici, où le papier était de l'air sec. En conséquence, nous avons obtenu des formes plus distinctes avec des arêtes légèrement plus nettes. Alors que je me trouvais ici en bas, dans le coin inférieur gauche, la peinture était encore humide lorsque j'ai saupoudré ce sel. Et comme vous pouvez le constater, l' effet est beaucoup plus doux. En fait, je le préfère beaucoup parce qu'il n'est pas si dur. Cela me rappelle de petits commentaires. L'effet est donc totalement imprévisible. Tout dépend du degré d' humidité de la surface, la taille des cristaux de sel et du sel que nous utilisons. Comme vous le savez, il existe de nombreuses sortes de sel. N'oubliez pas d'utiliser du sel à très gros grains. Et je n'ai pas du tout aimé cet effet. Lorsque les cristaux sont petits, comme ici, ils se dissolvent presque entièrement dans l'eau. Mais lorsque les cristaux sont gros, ils ne se dissolvent pas complètement. Ils colleront au papier et une bordure sombre se formera autour de chaque grain. Les cristaux seront également difficiles à retirer du papier. C'est pourquoi je préfère utiliser du sel contenant de très petits cristaux. Cette étape de l' arrière-plan est terminée. Nous pouvons maintenant retirer le liquide de masquage. J'utilise ici un outil de masquage en caoutchouc. C'est un outil formidable et très utile pour cela. Je le recommande, comme vous pouvez le constater, car je n'étais pas gourmande et j'ai appliqué une épaisse couche de masquage. Maintenant, il se détache presque en un seul morceau. Il suffit de le tirer et il se détache très facilement. Assurez-vous également qu'il ne reste aucun grain de sel. Nous pouvons maintenant passer à l'étape suivante, qui consiste à peindre les fleurs. 5. Fleurs - Couche initiale: Nous allons commencer à peindre les fleurs à partir de celle en bas à gauche. Et je pense que nous allons commencer par les centres. Je vais utiliser un pinceau taille 8. Utilisez du jaune transparent et appliquez-le sur la zone contenant les déclarations. Peignez autour de cette forme ovale au milieu. Je ne sais pas comment ça s'appelle. Appliquez également une version bêta de cette peinture jaune sur les pétales. Les pétales sont blancs, ils reprennent donc certaines couleurs de l'environnement. C'est pourquoi nous pouvons leur ajouter du jaune. Nous pouvons même ajouter des bruns, des bleus et des verts, qui sont les couleurs de l'arrière-plan. Appliquez la peinture, humide sur sec. Maintenant, sonne et éponge ton pinceau. Et avec ce pinceau légèrement humide, essayez d'adoucir les bords de cette peinture jaune. Cette technique d'adoucissement est très importante et nous allons l'utiliser et la pratiquer dans cette peinture. Beaucoup. Mouillez votre pinceau avec du sang sur une serviette en papier ou une serviette ordinaire, comme je l'utilise pour éliminer l'excès d'eau, puis adoucir la peinture. Parfois, un seul coup suffit. D'autres fois, vous devez revenir plusieurs fois. À chaque fois, mouillez le pinceau et éliminez l'excès d'humidité. Il est important que votre brosse ne soit ni trop humide ni trop sèche. Il doit avoir une humidité similaire à celle de la peinture sur le papier. S'il est trop sec, vous n'aurez qu'à faire glisser la peinture et le bord restera net. S'il fait trop humide, l'excès d'eau s'écoulera dans ce jaune et créera une floraison. Cela vient vraiment avec de la pratique. Et si vous le faites plusieurs fois, vous sentirez à quel point votre pinceau doit être mouillé. Il est également essentiel de rincer le pinceau après chaque passage pour éliminer la peinture des poils. Sinon, vous allez simplement transférer la peinture d'un endroit à un autre. Et ce n'est pas ce que nous voulons. La fleur en bas à droite est dans l'ombre. Ses couleurs sont généralement plus foncées. Commençons par appliquer quelques légumes verts. Je suis en train de choisir mon mélange bleu-vert avec une touche d'or vert. Je pense que c'est un peu trop cool. Donc, pour le réchauffer, j'ajoute de l'or vert. Je peins le centre de la fleur et j'utilise une technique humide sur sec. Après avoir appliqué de la peinture sur ce centre, j' adoucis immédiatement les bords. Si nous voulons adoucir ces bords, nous ne pouvons pas attendre trop longtemps car la peinture deviendra trop sèche. Adoucissez donc les bords dès que vous appliquez la peinture. Ici, je veux continuer à appliquer la peinture. Je regarde les ombres sur la fleur. J'ajoute plus de bleu dans les zones plus sombres. En fait, les couleurs ne sont pas si importantes. Nous pouvons regarder la photo de référence en noir et blanc et choisir les couleurs de notre choix. Les valeurs tonales sont plus importantes car elles créent la forme des pétales. Assurez-vous donc que les zones sombres sont suffisamment sombres et que vous laisserez des reflets dans les zones plus claires. Peignez soigneusement le contour de la pédale recourbée pour faire ressortir sa forme. Un peu de peinture négative ici. J'ajoute du vert et même du jaune et du bleu. Et j'adoucis les bords. Je joue avec les couleurs. Je m'inspire de la photo, mais je ne la suis pas exactement. Je vais revenir aux deux premiers pétales pour ajouter les ombres projetées. La première fleur étant déjà sèche, nous pouvons maintenant ajouter plus de couleurs aux pétales. Commencez par celui qui se trouve sur le côté gauche. Peindre humide sur sec. Nous y avons projeté des ombres aux contours nets. Nous utilisons donc la technique humide sur sec. Et encore une fois, je joue avec les couleurs. J'ajouterai du bleu, vert ou du jaune en cours de route. Plus près du centre, j'ai décidé d'ajouter même une touche de terre de Sienne brûlée pour refléter les couleurs de l'arrière-plan. Il ajoute également plus de variété dans les tons verts. La source de lumière se trouve quelque part dans le coin supérieur droit. Nous pouvons donc voir ici quelques ombres allongées des déclarations. Lorsque vous peignez une ombre, essayez de varier les couleurs. Nous avons ici un excellent exemple. Notez que je ne fais pas que varier les couleurs, mais aussi les tons. De cette façon, les ombres sont plus intéressantes. Vous pouvez voir que sur ce pétale où j'ai ajouté du jaune et de la terre de Sienne brûlée, on dirait que si l' ombre brillait Ce n'est pas une ombre plate , ennuyeuse et sans vie. Elle a de la vie et elle est intéressante à cause de toutes ces variations de couleurs et de tons. Vous pouvez voir ici que j'utilise une grande partie de cette technique d'adoucissement. J'applique la peinture et je plonge rapidement le pinceau dans l'eau éliminer l'excès d'humidité et adoucir les bords. Lorsque je passe cette peinture sur la pédale, elle crée de magnifiques dégradés doux allant du vert au papier presque blanc. Les ombres projetées ont généralement des arêtes vives, comme celle située sur le dessus de cette pédale. Les ombres de base ou les ombres de forme sont généralement douces. Ils ont des bords souples. Mais nous avons également une combinaison d'arêtes douces et tranchantes. Dans ce cas, après avoir appliqué la peinture, adoucissez uniquement la partie que vous souhaitez adoucir et laissez le bord dur tel quel. Cette combinaison de bords doux et durs dans la peinture à l'aquarelle est unique rend la peinture plus intéressante. Passons maintenant à la fleur en haut à gauche. Je commence ici par une belle ligne verte juteuse qui traverse le milieu du pétale. C'est principalement de l'or vert avec un peu de vert Winsor. J'ajoute les bords des deux côtés pour définir cette forme de pétale. J'ajoute plus de bleu et plus de vert. Ensuite, alors que la peinture est encore humide, j'adoucis rapidement ces bords en tirant la peinture vers le bout du pétale. Vous pouvez voir à quel point ces dégradés sont magnifiques. La clé ici est d'utiliser cette brosse propre et humide qui n'est ni trop humide ni trop sèche. Vous pouvez également voir qu'à l'extrémité du pétale, ligne verte au milieu est toujours nette. C'est parce qu'il a déjà séché. Et je l'ai aussi laissé intacte exprès. Je voulais le laisser comme ça parce que je le trouve joli. Maintenant, peignez les autres pétales de la même manière. Appliquez du bleu ou du vert, vert bleuté, puis adoucissez ces bords. Sur le côté droit, j'utilise davantage d'or vert. Je veux que ce pétale soit légèrement plus chaud puisque la source de lumière se trouve de ce côté. C'est tout pour le moment. En ce qui concerne ce pétale, il s' agit d'une première couche et nous vous verrons plus tard si nous voulons assombrir certaines zones ou non. Enfin, pour la dernière fleur dans le coin supérieur droit, commencez par une teinte claire de ce mélange bleu-vert, près de la partie centrale de la fleur, avec un peu de bleu Windsor et de Sienne brûlée. Je trouve qu'il y a une touche de jaune transparent dans ma Sienne brûlée. J'ai beaucoup aimé ce vert foncé qui provient d'un mélange de vert Winsor et de terre de Sienne brûlée. Ça a l'air vraiment génial. Comme vous pouvez le voir dans les zones plus sombres. J'ajoute simplement toutes les couleurs que j'ai utilisées jusqu'à présent. Il y a du vert, du bleu, de la terre de Sienne brûlée et du jaune transparent, selon ce qui se passe sur le papier et la couleur que j'obtiens. Je peux ajouter plus de bleu, de brun ou plus de vert. Cela dépend juste de ce que j'aime en moment et de ce qui, selon moi, serait beau. Ici, j'ajoute quelques lignes. Tout d'abord, ces lignes indiquent petites indentations dans la pédale. Et maintenant, lorsque j'adoucis les bords de ces lignes, je peux avoir l'effet d'une forme légèrement ondulée de la pédale. Les endroits les plus clairs sont de petites collines et les plus sombres sont de petites vallées. J'ajoute également une touche d' or vert sur le dessus, assortie à la fleur précédente. Et aussi pour ajouter une touche plus chaleureuse. La pédale du côté droit présente également des couleurs plus chaudes. J'ai même ajouté quelques tendances. Et jaune, encore une fois pour suggérer que la source de lumière chaude provient du bon endroit. Il reste également une pédale ici. Je ne l'ai pas peint plus tôt parce que si j'ajoutais de la peinture ici, elle se fondrait dans les verts et les bleus et je n' aurais pas autant d' avantage sur la pédale. Maintenant, quand tout est sec, je peux ajouter quelques couleurs à cette petite pédale. Je commence par du jaune. Alors je préfère le bleu Windsor au lieu de la Sienne brûlée. Et enfin du vert, du doré, de nombreuses couleurs car je cherchais les bonnes couleurs pour cette pédale. Notez également que j'ai laissé des zones blanches pour suggérer des surlignements. Bien, maintenant, laissez tout sécher. Et dans la partie suivante, nous allons ajouter quelques détails et assombrir certaines zones. 6. Fleurs - Détails et tons foncés: Avant de commencer à appliquer une autre couche, assurez-vous que tout est complètement sec. Je vais maintenant utiliser un pinceau plus petit et il sera d'une taille adaptée à l'usage, jaune transparent mélangé à un peu de vert et d'or pour peindre les anthères. Aucun détail. J'essaie juste de peindre des formes plus ou moins ovales. Ce qui importe ici, c'est leur orientation. Il faut imaginer qu' ils viennent du centre. Toutes ces formes ovales font donc face à cette grande structure ovale au milieu. Maintenant, nous avons besoin d'un vert foncé. Je mélange du bleu Windsor avec de la Sienne brûlée. Utilisez cette couleur foncée pour peindre l'ombre sur cette structure. Après avoir appliqué la peinture, ramollissez-la rapidement. Le côté droit doit être plus clair car c'est la partie exposée à la lumière. Utilisez ce vert foncé pour peindre les espaces entre les anthères sur le côté gauche, qui se trouve dans l'ombre. Je sais que les réponses sont déjà claires, donc je peux les décrire. Si le vôtre est encore mouillé, attendez une minute ou deux. Tu ne veux pas t'embrouiller ici. Vous ne voulez pas mélanger les couleurs. Utilisez également ce vert foncé sur la pédale pour peindre l'ombre foncée. Utilisez la même technique. Appliquez la peinture et adoucissez rapidement le bord humide. Le pétale suivant, je veux juste approfondir l'ombre. Je pense qu'il ne fait pas assez sombre. Je suis donc en train d'appliquer une couche de couleur supplémentaire. Je commence par de l' or vert, puis je change de couleur pour devenir de la terre de Sienne brûlée. Vous pouvez voir dans la peinture finale qu' elle donne cette belle lueur. Et puis je continue avec le vert. Je peins davantage d'espaces entre les anthères, mais cette fois avec un ton de vert plus clair. Ajoutez maintenant plus d'anthères et de fins filaments. Nous voulons donner l'impression qu' il y a beaucoup d'anthères. Certaines d'entre elles sont plus claires à l'arrière, d' autres à l'avant ou plus foncées. Ils se chevauchent et créent un beau résultat. Ajoutez également des points aléatoires à cette forme d'œuf au milieu, juste pour y ajouter de la texture. Passez maintenant à un pinceau plus gros et approfondissez les ombres sur les pétales. J'utilise à nouveau mon bleu et vert et la même technique d'adoucissement qu'auparavant. J'ajoute également des lignes aux pétales pour ajouter de la texture. Maintenant, je suis cette fleur, je peux voir les lignes, donc je vais devoir improviser un peu. Si vous n'êtes pas assez à l'aise pour peindre tout de suite et que vous pouvez voir les lignes. N'hésitez pas à les dessiner d'abord pour vous assurer de savoir où effectuer vos coups de pinceau. J'utilise mon pinceau comme un crayon maintenant. J'indique simplement en quelques lignes où se trouve cette forme d'œuf au milieu. Et puis je peins tout de suite. J'utilise un mélange vert chaud d' or vert et de bleu Windsor. Ce sont mes micros préférés. Quand j'ai besoin d'un vert frais juteux, il ressemble à du vert sève ou à du vert Hooker. C'est pourquoi je n'ai pas ces couleurs sur ma palette, car je peux les mélanger très facilement avec le bleu et l'or vert de Winsor. Et ils sont encore plus intenses et plus transparents que le vert sève original ou le vert Hookers. Je prépare de plus grandes flaques de peinture sur ma palette. Je pense qu'il me faudra plus de peinture pour cette fleur. J'ai ici de la Sienne brûlée, transparente, jaune, et du bleu Winsor, une teinte verte. Je trouve un mélange de bleu Windsor et de Sienne brûlée. Et je peins cette ombre noire sur le pétale gauche. Peignez autour des anthères pour faire ressortir leurs formes. J'ajoute également de l'or vert, bien sûr, pour varier les couleurs ici. Et encore une fois, alors que la peinture est encore humide, j'adoucis rapidement les bords. À ce stade, notre objectif est donc d'assombrir les ombres et les utiliser pour distinguer clairement chaque pétale. Maintenant, en utilisant un vert très foncé et mélange de bleu Windsor et de terre de Sienne brûlée, ajoutez une ombre à cette structure ovale au milieu. Assombrir la peinture sur la gauche et adoucir la peinture vers la droite avec le surlignage. Une touche de vert, d' or ou de jaune transparent a été ajoutée sur la droite pour suggérer une lumière chaude. Avec la même peinture vert foncé, les espaces négatifs entre les Ampères font ressortir leurs formes. Ensuite, ajoutez plus d' ampères avec des filaments de la même manière que nous l'avons fait avec la fleur précédente. On dirait que cette fleur a vraiment besoin de plus de contraste. C'est assez pâle. Nous ne pouvons pas vraiment voir les pétales individuels. Et la partie inférieure doit absolument être assombrie. Utilisez du vert foncé. Encore une fois, un mélange de bleu Windsor et de Sienne brûlée. Et commencez par le bas de la fleur. Appliquez-y cette couleur foncée et adoucissez-la vers la tige. Ajoutez maintenant une ombre à l'extrémité droite. Adoucissez rapidement les bords. Ajoutez également une ombre sur le côté gauche. Ici, j'utilise plus d'or vert et un peu plus de Sienne brûlée pour apporter une plus grande variété de couleurs. Du surf et tout va bien. Nous voulons voir ces dégradés de couleurs et de tons doux et magnifiques appliqués sur ce vert neutre et un mélange de bleu Windsor et de terre de Sienne brûlée avec encore plus de sable de Sienne brûlée cette fois-ci. Partie centrale de la pédale, plus dans la partie inférieure et adoucissant les bords. Cette ombre centrale aidera à créer une forme ronde, car les bords sont plus clairs et la transition du clair au foncé crée une forme plus tridimensionnelle. J'ajoute également un mélange plus fort de jaune transparent et d'or vert au milieu. Cela ajoute plus d'intérêt. Maintenant, je pense toujours que la partie inférieure du pétale et toute cette fleur sont encore trop pâles. J'ajoute donc plus de vert foncé. Ici. J'ai ajouté de l'or jaune et vert transparent. Et maintenant, regardez ce qui se passe quand tout est réglé. Sublime. J'adore ces transitions de couleurs. C'est comme un brouillard coloré. Enfin, avec un ton très léger, je veux séparer un autre pétale sur la droite. Je suis juste en train de peindre une ombre claire ici. Cela suffira à faire la distinction entre les deux pétales. Et nous avons encore une fleur à peindre. Si vous le souhaitez, vous pouvez mettre la vidéo en pause et essayer de la peindre sans regarder ce que je suis en train de faire. Je ne fais rien de nouveau ici. Je suis en train de suivre les mêmes étapes. Je commence par les ombres les plus sombres. J'applique des couleurs foncées , puis je les adoucis. Il s'agit simplement d'un processus d'ajustements constants. Lorsque vous faites un coup de pinceau, vous l'adoucissez, vous allez à un autre endroit, vous en faites un autre , vous l'adoucissez. Ensuite, il s'avère que le précédent est trop pâle et qu'il ne fait pas assez sombre, nous allons donc y revenir. Vous faites un autre coup de pinceau, vous l'adoucissez, et ainsi de suite. Il s'agit simplement d' ajuster les tons tout en gardant un œil sur les couleurs, bien sûr. Mais n'oubliez pas que les couleurs sont moins importantes que les tons. Pour ce processus d'ajustement des couleurs et des tons, j'aime utiliser, comme vous pouvez le constater, des couches de peinture très légères. Parce qu'à chaque coup de pinceau, je peux ajuster la couleur ou le ton. Si j'optais tout de suite avec une peinture très foncée ou très épaisse, ce serait très difficile d'en faire quoi que ce soit. Mais si nous utilisons des lignes très fines, les unes au-dessus des autres et les autres, il est simplement plus facile d' ajuster les couleurs et tons de chaque couche au fur et à mesure. Maintenant, pour terminer complètement les fleurs, peignons également les tiges. Ils sont très faciles, vous pouvez donc les peindre rapidement. Tout d'abord, appliquez une couleur de base dans un ton clair. Il peut être brun ou vert, ou quelque chose de plus neutre où vous le souhaitez. Ici, cette tige est plus brunâtre, dans mon cas, recouvrez toute la tige d'une couleur claire. Maintenant, mélangez une couleur foncée. J'utilise du bleu Winsor et de la terre de Sienne brûlée, mais cette fois, assurez-vous qu'il ait une consistance plus épaisse. C'est important. Il ne doit pas être trop liquide. Elle doit être plus épaisse que la peinture nous venons d'appliquer sur la tige. Et avec cette couleur foncée, d'une consistance plus épaisse, passez votre pinceau au milieu de toute la tige. De cette façon, nous créons une forme ronde de cette tige. Les deux bords ou un ton clair. Il y a de la lumière réfléchie sur ces bords. Et lorsque nous passons notre pinceau au milieu avec la peinture foncée, nous créons une ombre. Cette astuce simple crée une belle forme arrondie de formes comme celle-ci. Si vous êtes foncé, la peinture s'étale trop. Ne t'inquiètes pas. Avec une brosse propre et humide. Essayez de retirer la peinture des bords. Utilisez votre pinceau comme une éponge et effeuillez la peinture depuis les bords pour révéler davantage cette lumière. Dans mon cas, la consistance de la peinture foncée était correcte. Et ça s'est bien répandu. Peignons les autres tiges de la même manière. Pour notre couche légère de base, nous pouvons utiliser une couleur unie ou introduire plus de variété. Nous pouvons le rendre plus verdâtre ou jaunâtre dans certaines régions. Pourquoi pas ? Ici, j'ajoute encore plus de ce vert plus foncé juste sous les pétales pour montrer que les tiges sont à l' ombre de la fleur. Maintenant, j'ai décidé d'utiliser plus de vert avec du brun sur ces deux tiges. Enfin, dans cette dernière tige, j'utilise notre barre vert foncé dans un ton plus clair comme base. Et j'ajoute également jaune transparent pour indiquer la présence d'un ver. Et encore une fois, une épaisse peinture vert foncé traverse le milieu. Et nos fleurs sont prêtes. Félicitations. Maintenant, j'aime toujours laisser le tableau un instant, aller ailleurs, prendre un café et revenir au bout d'un moment pour le regarder d'un œil neuf. S'il y a des domaines que je souhaite corriger. C'est le moment de le faire. J'ai donc remarqué que le centre de la fleur n' est pas assez sombre, alors j'ajoute juste une couche de peinture vert foncé supplémentaire ici. Et j'ai aussi pensé que cette tige avait besoin d'un peu plus de définition et qu'elle devait s'assombrir davantage à proximité de la fleur. Et je pense que le reste semble bon. Si je remarque quelque chose de plus, je peux toujours le réparer d'une manière ou d'une autre. Nous pouvons maintenant passer à la dernière étape. Nous allons créer des fleurs fantômes. 7. Fleurs de fantôme: Après avoir terminé les fleurs, je me suis longtemps demandé si je devais faire quelque chose plus en arrière-plan ou non. D'une part, je savais que dans mon croquis initial, dans ma composition, j'avais dessiné d'autres fleurs en arrière-plan. Je pensais qu'ils étaient vraiment importants et nécessaires ici pour équilibrer la composition, car sans eux, le fond est un peu trop vide. autre côté, cet effet du sel était très fort et je ne savais pas si je devais y remédier. Cela aurait pu très mal se terminer. Finalement, j'ai pensé que, hé, toute cette peinture était une grande expérience. Prenons le risque et ajoutons des fleurs. Et je suis vraiment content de l'avoir fait. Ils ajoutent beaucoup plus d'intérêt à la peinture. Ils complètent la composition d'une manière agréable et douce. Et ils sont vraiment adorables. Des fleurs, des spiritueux. J'aime beaucoup cet effet. Je vais vous montrer comment procéder. J'ai utilisé mon crayon bleu pour tracer des lignes très, très claires pour savoir où je veux voir cette fleur. Plus ou moins. Les fleurs semblent transparentes. C'est un look très agréable et unique. Pour obtenir cet effet, nous devons combiner deux techniques : le lifting et la peinture négative. J'ai commencé par mouiller la peinture avec mon pinceau rond habituel, mais je me suis vite rendu compte qu'elle était beaucoup trop molle. Le bleu Windsor est une couleur tache et elle est difficile à enlever Nous devons donc utiliser une brosse à récurer. Je suis donc passée à mon pinceau Winsor and Newtons Galleria, et j'ai commencé à le frotter assez intensément. J'utilise un pinceau humide. Je frotte la surface du papier RMN, soulève la peinture en la tamponnant avec une serviette en papier. J'essaie de créer des formes de pétales avec mon pinceau. Maintenant, l'essentiel est de retirer la peinture des zones surlignées des pétales. Je n'essaie donc pas de retirer la peinture de toute la forme des pétales, mais uniquement des endroits clairs de ces pétales. La peinture qui se trouve sur le papier crée les ombres de ces pétales. J'espère que c'est logique. Je regarde maintenant la photo de référence pour savoir où se trouvent ces zones claires. Je viens de choisir l'une des fleurs de la photo. Maintenant, lorsque nous retirons la peinture, nous pouvons utiliser la technique de la peinture négative pour définir un peu plus cette fleur. Je cueille une Sienne brûlée et je l'applique sur les zones d'ombre des pétales. Je veux juste définir un peu plus ces ombres. Maintenant, j'utilise la couleur bleue pour peindre l'espace négatif près des pétales afin de faire ressortir la forme de ces pétales. C'est la peinture négative. Pouvez-vous voir comment cela aide à définir la forme de ces pétales ? Je ne peins pas les pétales eux-mêmes, mais l'arrière-plan qui les entoure. Je peins également l'espace négatif en bas avec du brun. Je suis également en train de retirer la peinture pour suggérer une tige. Maintenant, la deuxième fleur, je vais directement la soulever. Je n'ai pas ajouté de traits au crayon, mais si vous le souhaitez, veuillez bien sûr dessiner la forme de la fleur ici. Ce sera plus facile pour toi. J'ai maintenant une idée assez claire de ce à quoi je veux que cela ressemble. J'ai donc commencé à soulever des objets tout de suite. Celui-ci était plus difficile à feuilleter car il y a beaucoup de bleu que de taches bleues. Il a donc fallu plus de frottement et plus d'eau. Si la peinture ne veut pas bouger, utilisez plus d'eau. Ici. J'ai utilisé beaucoup d'eau et j'ai même un peu endommagé le papier. Je frottais si fort. Mais c'est très bien. Ce papier est vraiment indulgent parce que j'ai utilisé beaucoup d'eau ici. La surface est maintenant vide. Donc, dans ce cas, je ne veux pas ajouter de peinture aux ombres et aux espaces négatifs, car j' obtiendrais un effet flou. Je dois attendre que cette zone soit sèche. En attendant, je vais passer à la troisième fleur, et je reviendrai sur celle-ci dans une minute. Le troisième n'est qu'un simple bourgeon de la photo de référence. Comme vous pouvez le constater, il est partiellement dirigé par le soleil et partiellement dans l'ombre. Je vais enlever la peinture de ces zones en commençant par la somme. Bon, maintenant je peux revenir à la deuxième fleur. J'utilise le bleu Winsor pour peindre l'espace négatif autour de la pédale. J'ajoute notre vert foncé dans les ombres pour faire une distinction plus apparente entre les pétales. Beaucoup plus de vert foncé pour suggérer cette jolie ombre centrale et sa forme ronde. Et une autre ombre sur la droite. Maintenant, avec plus de brun, je veux faire ressortir la forme de la tige et avec le bleu Winsor, encore une fois, un espace négatif en haut pour obtenir une belle forme de pédale. Et c'est tout. Nous pouvons maintenant passer à l'œuf. Ici, je peins juste cette jolie forme ronde dans l'ombre. J'utilise d' abord un ton clair pour créer cette forme. Et puis je passe à un ton plus foncé quand je suis sûre d'avoir trouvé la bonne forme. Enfin, j'ajoute un peu de bleu à la tige. Les tiges que nous avons créées en retirant la peinture n' ont pas besoin de rester aussi pâles. Nous pouvons également leur ajouter de la couleur. Et je pense que je peux dire que c'est terminé. Juste un dernier aperçu de l'ensemble du tableau. Je recherche les zones qui se démarquent trop ou qui nécessitent des ajustements supplémentaires. Cette ombre est là. Et s'il n'y a plus de problèmes majeurs, alors c'est fait. Après avoir retiré le ruban, nous avons cette belle bordure propre autour. Voici un aperçu du tableau de plus près. J'espère que vous avez apprécié les vidéos et j'espère que vous allez essayer celle-ci car c' était amusant à peindre. Et je suis vraiment curieux des résultats que vous allez obtenir. Ce sera amusant d'en voir différentes versions. Merci d'avoir regardé et bonne peinture. Au revoir.