Créer des portraits de personnages originaux au format numérique à partir de photos de référence

1. Introduction: Vous avez toujours voulu créer des illustrations de personnages uniques et donner vie à des personnages de fiction ? Bonjour, je suis Gabriele Shell, et aujourd'hui je vais vous apprendre à peindre votre propre portrait de personnage. Depuis mon plus jeune âge, j'adore créer des personnages différents et leur donner vie. J'ai eu la chance de faire cette passion ma carrière et je travaille comme illustrateur professionnel depuis 2014. Depuis, j'ai travaillé sur divers projets dans le domaine des jeux vidéo, créé des illustrations de personnages pour des jeux tels que Star Trek, et j'ai travaillé avec de nombreux auteurs sur la couverture de leurs livres. illustrations. Je suis très passionnée par la création de magnifiques illustrations fantastiques avec des personnages expressifs. Je trouve beaucoup d' inspiration en lisant différents livres et en voyageant dans de nouveaux pays. Depuis 2020, je vis un style de vie indépendant du lieu, ce qui me permet de trouver l'inspiration lors de mes voyages, que je peux appliquer à mon art. Dans ce cours, je vais vous guider tout au long du processus de création de votre propre portrait de personnage du début à la fin. Vous apprendrez quelques principes de base en matière de conception de personnages et apprendrez à planifier votre illustration, que vous pourrez appliquer à différentes techniques d' illustration. Vous apprendrez également où trouver de bonnes photos de référence et comment créer un tableau de référence. Cela contribuera à rendre le processus d'illustration plus organisé et plus facile à réaliser. Je vais vous guider dans mon processus d'illustration, que j'ai divisé en étapes faciles à suivre, que vous pourrez ensuite appliquer à votre propre personnage pour le projet de classe. Enfin, je vais vous montrer quelques conseils et astuces pour apporter touche finale à illustration de votre personnage et pour faire ressortir l'image finale. Je suis très heureuse de donner ce cours aujourd'hui car donner vie à des personnages est très amusant et je suis très heureuse de partager mes connaissances avec vous. J'ai hâte de voir toutes tes magnifiques illustrations de personnages dans le projet de classe. Quand tu seras prêt, commençons. 2. Orientation du cours: [MUSIQUE] Lorsque vous peignez une illustration de personnage, il y a souvent beaucoup de choses à prendre en compte en même temps. Dans ce cours, je vais vous aider à le décomposer en quelques étapes très claires qui vous aideront à l'appliquer à votre propre peinture de personnage. Pour le projet de classe, nous allons créer une illustration de portrait de personnage. Les portraits sont très amusants à peindre, et le fait de pouvoir créer son propre personnage à partir de imagination ouvre la voie à une variété d'utilisations. telles peintures de personnages sont souvent utilisées dans les jeux vidéo, dans l'édition, dans des magazines ou comme couvertures de livres. Peindre un portrait nous donne une façon unique d'exprimer qui est ce personnage sans avoir à créer une illustration complète du corps ou à ajouter une complexité inutile. En même temps, comme nous n'avons que le haut de la poitrine pour visualiser un personnage, nous devons être beaucoup plus précis dans les éléments que nous incluons dans le tableau pour exprimer qui est ce personnage. Pour le projet de classe, je vous encourage à choisir un personnage fictif à illustrer, tel qu' un célèbre personnage de conte de fées tiré de vieilles histoires. Tout le monde connaît probablement des personnages de contes de fées spécifiques, car ils ont été représentés d'innombrables fois et possèdent des traits visuels très caractéristiques. Nous associons la peau blanche, les cheveux foncés et les pommes rouges à Blanche-Neige, un capuchon rouge à la forêt ou les environnements chauds au Chaperon rouge, etc. Les personnages de contes de fées sont un bon choix pour commencer, si c'est la première fois que vous créez une illustration de personnage. Dans le même temps, choisir un personnage d'un conte de fées peut être plus facile que de choisir un personnage d' un film existant car un personnage n'est pas lié à un acteur en particulier. Cela nous donne beaucoup plus de flexibilité et de liberté lorsque nous créons. De cette façon, nous pouvons rendre notre personnage aussi jeune, vieux, bon ou mauvais que nous le souhaitons. J'aime beaucoup jouer avec ça car cela donne une nouvelle perspective à des personnages connus. Parmi les personnages de contes de fées que je vous suggère d' illustrer, citons le Chaperon rouge, souvent associé à un chapeau rouge ou environnements forestiers froids, à des loups, des chapeaux et à des paniers ; Peter Pan avec des vêtements verts, oreilles d' égoïste, des cheveux roux et des éléments magiques ; Blanche-Neige avec une peau très claire, lèvres rouges, des cheveux noirs et des pommes rouges. Vous pouvez également choisir votre propre personnage ou un personnage d'un livre ou d'une bande dessinée que vous aimez. Je recommande de choisir des personnages traits visuels très spécifiques car cela facilitera la visualisation dans un portrait. Pour la démo, je vais peindre Red Riding Hood. J'ai décidé d'adopter une nouvelle approche du célèbre personnage et , au lieu de recréer la jeune fille innocente apportant un panier à sa grand-mère, créer une femme fatale forte avec du célèbre personnage et, au lieu de recréer la jeune fille innocente apportant un panier à sa grand-mère, de créer une femme fatale forte avec symbolisme que nous associons habituellement au Chaperon rouge. Préparez votre tablette et votre logiciel de peinture numérique, Gravity, et examinons quelques principes fondamentaux de la conception des personnages. [MUSIQUE] 3. Intro de conception de personnages: [MUSIQUE] Avant de nous lancer dans la peinture, prenons le temps de réfléchir à ce qui compte réellement lors de la création de nos personnages. Avant de poursuivre la recherche de références, il est important de vous poser quelques questions sur le personnage que vous illustrez. En tant qu'artistes, en particulier lorsqu'il s'agit de créer des portraits de personnages, nous n'avons qu'une seule image pour décrire ce personnage. Par conséquent, nous devons utiliser autant de repères visuels que possible pour décrire le personnage au spectateur. Pour cela, nous devons définir qui est notre personnage. Est-il bon ou mauvais ? Ou peut-être que c'est un personnage moralement gris. Quels sont les traits les plus remarquables de ce personnage ? Peut-être s'agit-il d'un style vestimentaire ou d'un accessoire spécifique, ou peut-être d'un animal ou des couleurs qu'il porte. Qu'en est-il du post ? Même si nous allons nous concentrer principalement sur le portrait, il existe une grande quantité d'informations que vous pouvez transmettre en modifiant légèrement le poteau ou la position de la tête. Votre personnage peut être représenté avec les épaules droites, regardant fixement dans le cadre, ou peut-être qu'il est debout dans une position 10 prête à se défendre avec une arme à la main. L'expression du visage joue également un rôle important pour donner vie à votre personnage. Le portrait d'un personnage peut être un moment figé dans la vie d'un personnage. Par conséquent, le moment que vous choisissez de représenter en dira long sur l'identité de ce personnage. Pensez à l'époque dans laquelle vit le personnage. est quel genre de monde ? Peignez-vous un personnage fantastique se déroulant dans une ville médiévale ? Ou votre personnage est-il citoyen d' une mégapole sur une autre planète ? Quels sont son parcours et ses motivations ? Vous n'êtes pas obligé de planifier une histoire en détail, mais une compréhension approximative de ces questions vous aidera à créer une illustration de personnage crédible. Essayez également de garder à l'esprit l'ambiance générale de l'illustration, que vous souhaitiez colorée et lumineuse ou un dégradé mystique. établissant ces éléments à l'avance, vous gagnerez du temps lors de la recherche de photos de référence. Vous pouvez également ajouter des éléments narratifs supplémentaires en ajoutant des taupes, des cicatrices, des salissures, des marques traditionnelles et petites imperfections à votre personnage. De petits détails comme ça rendent souvent un personnage plus crédible. Lorsque vous choisissez la tenue vestimentaire de votre personnage, tenez compte du milieu social, la profession, puis de la situation financière et de la tradition qui pourrait entrer en jeu. Un personnage riche utilisera probablement des matériaux différents de ceux d'un personnage pauvre et portera une armure et des vêtements plus richement décorés, ou utilisera des couleurs différentes. Pensez également aux éléments culturels. Un personnage vivant dans une grande ville s' habillera différemment d'un personnage vivant dans une petite communauté dans une forêt magique, par exemple. Le design général et la coupe des vêtements peuvent également en dire long sur le personnage. Un sorcier vêtu d'une coupe haute et d'une robe ornée créera une impression très différente de celle d'une sorcière habillée et en lambeaux portée à l'occasion. Réfléchissez à l'histoire que le personnage doit raconter. Avant de passer au chapitre suivant du cours, prenez le temps de bien réfléchir au personnage que vous voulez incarner et à ce qui le rend spécial. Choisissez plusieurs traits fondamentaux que vous souhaitez donner à votre personnage avant de commencer chercher des références, car cela vous permettra de gagner beaucoup de temps par la suite. Dans la section des ressources, vous trouverez un document contenant quelques points de base de cette section de cours. Avant de continuer à sélectionner matériel de référence dans les prochaines leçons, prenez quelques instants pour choisir votre personnage et notez même quelques points à son sujet . Rendez-vous dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 4. Travailler avec des références: [MUSIQUE] Dans cette section, nous examinerons de plus près les références. Les références jouent un rôle important pour tous les artistes qui cherchent à obtenir un look réaliste ou semi-réaliste. semble toujours y avoir une idée fausse selon laquelle l'utilisation de références est une forme de triche, mais cela ne pourrait pas être plus éloigné de la vérité. Dans un environnement professionnel, par exemple dans le développement de jeux vidéo ou dans l'industrie cinématographique, les artistes doivent collecter et utiliser des références en permanence. Il est fondamental de disposer d'une bonne collection de photos de référence détaillées et bien éclairées à utiliser lors de la création de votre personnage. Passer du temps à rechercher le personnage que vous souhaitez créer peut vous aider à gagner du temps plus tard dans le processus d'illustration. La meilleure chose à faire est de créer votre propre base de données de photos de référence. Vous pouvez visiter des musées, des expositions naturelles ou simplement vous promener à l'extérieur avec votre téléphone. Le monde regorge de choses et d'objets qui peuvent servir de photos de référence pour votre prochaine illustration. Demander à vos amis de poser pour vous est un autre excellent moyen de créer des illustrations uniques adaptées à vos besoins. Vous pouvez même créer vous-même des photos de référence à l'aide d'un trépied et d'un retardateur. Si vous envisagez de vendre l'œuvre ou de l'utiliser à des fins commerciales, veillez à n'utiliser que des photos de référence destinées à un usage commercial. En dehors de cela, il existe de nombreux sites Web sur lesquels vous pouvez acheter des photos de référence spécialement conçues pour les artistes. Certains de ces sites Web sont Gumroad, ArtStation et DeviantArt. Voici un exemple de superbe photo de référence tirée de Gumroad par Howardlyon, spécialement conçue pour les artistes de personnages. Vous pouvez également utiliser des sites Web photo sans licence, tels que Unsplash, Pixabay ou Pexels pour retrouver vos photos. Toutes les photos de ces sites Web sont totalement exemptes de licence et peuvent être utilisées dans le cadre de projets commerciaux, mais de nombreux photographes demandent à être crédités en cas de vente ou de publication de l'œuvre. En outre, vous pouvez utiliser Pinterest pour rechercher des sujets intéressants et créer des mood boards qui vous inspireront pour votre illustration. N'oubliez pas que les photos de Pinterest ne sont souvent pas autorisées à être utilisées à des fins commerciales Veillez donc à ne pas en faire une copie exacte. Cependant, il est souvent possible de trouver de l'inspiration, surtout si vous utilisez Pinterest pour rechercher quelque chose de spécifique ou l' apparence d'un détail. Cela étant dit, si vous avez besoin de trouver des photos de référence pour un type de vêtement spécifique, assurez-vous de trouver plusieurs photos de ceux-ci. Ainsi, vous ne copiez pas le design pour le faire correspondre et le design reste unique. Je recommande de trouver une photo principale pour la pose et le visage de votre personnage qui servira de base à votre illustration. J'utilise Unsplash pour trouver la photo principale de la pose et du visage. J'ai choisi celui-ci en particulier pour son visage, car j'aime beaucoup l' expression et la lumière. En plus de la référence du personnage principal, je cherchais une photo de son manteau et de son chapeau. Toutes les photos que vous choisissez pour votre tableau de référence doivent toutes avoir un éclairage similaire. Sinon, vous risquez d'avoir des situations d'éclairage très différentes dans votre illustration, ce qui peut sembler étrange. Assurez-vous que les photos sont bien éclairées et qu'elles présentent une résolution suffisamment élevée. Ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas toutes les références nécessaires dès le début, vous pouvez toujours les rechercher pendant le processus si vous avez une idée de choses supplémentaires à ajouter. Enfin, n'oubliez pas de prendre en compte l'ambiance générale de l'illustration. Souvent, lorsque je sais que je veux que mon personnage se trouve dans un environnement naturel sombre, je cherche des photos de clairières maussades et télécharge ou je les capture d' écran pour les placer sur mon tableau de référence. De cette façon, je peux garder à l'esprit toute l'ambiance lorsque je cherche des références de personnages spécifiques. Maintenant que vous savez où trouver de bonnes photos de référence, prenez le temps de parcourir les sites Web mentionnés et de trouver de bonnes photos de référence pour votre personnage. Vous pouvez télécharger vos photos de référence, les enregistrer sur Pinterest ou même simplement les capturer. J'utilise un petit logiciel appelé VizRef sur mon iPad pour avoir toutes mes photos au même endroit. Mais vous pouvez créer un petit tableau photo dans le logiciel numérique de votre choix. Dans la section suivante, je vais vous montrer comment créer un tableau de référence. N'hésitez pas à partager vos photos de référence dans le projet de classe. [MUSIQUE] 5. Creationg un tableau de référence: [MUSIQUE] Maintenant que vous avez déjà quelques photos de référence, je vais vous montrer ma pratique préférée pour travailler confortablement avec les références que nous avons trouvées. Dans cette section, je vais vous montrer comment créer un tableau de référence photo lorsque je n'utilise pas cette référence. Pour cela, j'ouvre un nouveau fichier dans le logiciel de peinture numérique que j'utilise actuellement, en l'occurrence Artstudio Pro. En général, un format de 2 500 à 3 000 pixels est un bon format, mais vous pouvez toujours le modifier ultérieurement, s'il est trop petit. Le DPI n'a pas d'importance car nous n'imprimerons rien. Après avoir ouvert le fichier, commencez soit à extraire de nouvelles photos que vous avez précédemment enregistrées sur votre bureau, soit à les rechercher via l' option de saisie de photos de votre logiciel. Si vous avez de nombreuses photos de référence, vous pouvez également créer une toile plus grande. J'aime organiser mes références manière à m' organiser, mais comme je ne travaille pas avec trop de références ici, je vais rester simple. Une fois que vous avez fini d'ajouter toutes vos photos de référence, importez simplement votre fichier au format JPEG. La plupart des logiciels de peinture numérique ont aujourd'hui la fonction de panneau de référence. Dans Artstudio Pro, vous pouvez accéder à l'onglet du panneau de référence et saisir simplement la photo du tableau de référence récemment enregistrée dans cette fenêtre. Ainsi, votre référence flottera toujours à côté de votre tableau et vous votre référence flottera toujours à côté de votre pourrez zoomer et dézoomer chaque fois que vous en aurez besoin. Enregistrez vos références et créez le tableau. Dans la prochaine section de cours, nous allons configurer notre canevas. N'oubliez pas de partager vos références dans la section du cours. [MUSIQUE] 6. Mettre en place le canevas: [MUSIQUE] Maintenant que vous avez votre tableau de référence, il est temps de configurer le Canvas pour la peinture. La taille de la toile dépend généralement des besoins de l'illustration. Pour les jeux vidéo mobiles, je travaille généralement avec une résolution de 2 500 à 3 000 pixels avec un DPI de 72 pour les fichiers de petite taille. Pour l'impression, je recommande de choisir tailles d'impression standard et un DPI de 300. Le DPI est important pour l'impression. Si vous ne savez pas si vous souhaitez imprimer votre illustration, je vous recommande de choisir un DPI de 300. Vous pouvez également simplement utiliser un format de papier standard. Pour ce cours, je travaillerai en mode RGB de 2 500 à 3 000 pixels et 300 DPI. Je crée une nouvelle toile avec ces dimensions et je fais attention à avoir deux ensembles de couches, l'un pour la couche d'arrière-plan et l'autre pour la couche d'esquisse, car vous n'avez vraiment pas envie de peindre illustration complète uniquement sur la couche d'arrière-plan. Allez-y, configurez le Canvas afin que nous puissions nous plonger directement dans le processus d'esquisse lors du prochain cours. [MUSIQUE] 7. Ébaucher sommairement: [MUSIQUE] Dans cette partie, nous commençons par la première esquisse de notre personnage. L'esquisse est une étape très importante du processus d'illustration car elle vous permet d'établir rapidement l'ensemble de la composition et de l' essayer facilement. Nous avons déjà notre configuration Canvas et notre référence est prête. Mes références flottent dans la fenêtre de référence à côté du canevas. C'est très pratique car nous pouvons tout voir en un coup d'œil et travailler plus efficacement. Il est important d' avoir un calque vide au-dessus du calque d'arrière-plan afin de ne pas dessiner directement sur l'arrière-plan. Je choisis un ton rouge plus foncé pour la couleur. Vous le savez peut-être grâce à la peinture traditionnelle où la sous-couche est réalisée avec un ton rougeâtre. J'utilise mon pinceau préféré, qui est essentiellement un pinceau à craie. Il a un peu de texture et me permet également de dessiner très doucement sans appliquer trop de couleur. Je commence par dessiner le visage et le torse de mon personnage. Je commence très grossièrement en indiquant la tête par un ovale et en marquant le centre du visage par deux lignes, ainsi que la position des yeux. Je dessine la clavicule, ses épaules, la poitrine et la rotation du torse. Vous pouvez déplacer la figurine plus tard et mieux la mettre sur la photo si vous le souhaitez. Je veux lui donner de belles boucles et dessiner le contour des cheveux. En haut, je laisse de la place pour le chapeau que je veux qu'elle porte. Une fois que j'ai les grandes lignes, je commence à dessiner sur son visage. Petit conseil, les yeux se situent à peu près à mi-hauteur du visage et le nez à mi-chemin entre les yeux et la bouche. J'ai utilisé des photos de référence pour obtenir des indices sur la lumière, les ombres et les différents tons sans peindre directement à partir de l'image. Quand je suis content de mon visage, je dessine dans la fourrure. Pour moi, le premier était censé représenter le loup des contes de fées. Je dessine grossièrement dans le sens de croissance des premiers poils. La fourrure a généralement une ligne centrale comme le sommet de la tête, où les poils tombent dans différentes directions. Elle a besoin de quelque chose pour tenir la fourrure sur son épaule. Pour cela, je dessine la ceinture qui maintient le tout en place. Je dessine dans la robe en indiquant la direction des plis du tissu. Au milieu, je voudrais lui dessiner une petite broche. Juste pour ajouter quelques petits détails. J'ai décidé de le réduire un peu pour que tu puisses voir plus d'elle. Comme vous pouvez le constater, le croquis reste assez approximatif et simple pour que l'on puisse voir si elle s'intègre bien sur la photo. Je vais maintenant lui donner la casquette, pour cela je regarde à nouveau mes photos de référence. Il est important ici que les sources lumineuses correspondent toutes. Sinon, cela peut rapidement sembler amusant si la lumière des différents éléments est différente. N'ayez pas peur d' essayer de nouvelles choses. L'avantage de la peinture numérique, c'est que nous pouvons facilement essayer des choses et les supprimer à nouveau Si quelque chose ne convient pas, j'ajoute quelques mèches de cheveux supplémentaires et les laisse tomber doucement sur le pelage. Une chose que j'aime faire est de donner un ton différent à l'arrière-plan. Cela nous permet de nous mettre dans l'ambiance de la peinture dès le départ. De plus, c'est souvent plus agréable pour les yeux si vous ne dessinez pas sur fond blanc. Pour ce faire, je sélectionne le ton gris bleuté à l'aide de l'outil bucket et je colore la couche d'arrière-plan. Nous devons maintenant faire une figure grossièrement esquissée à ce stade. Vous pouvez voir la position du torse, les traits rugueux du visage, quelques détails, et à l'étape suivante, nous passerons au nettoyage du croquis. Commencez par esquisser grossièrement les contours de votre personnage, en redéfinissant son anatomie, la position de la tête et des bras de votre personnage , ainsi que tous les éléments supplémentaires qu'il pourrait avoir. Dans la section suivante, nous allons continuer à définir l'esquisse. [MUSIQUE] 8. Esquisse détaillée: [MUSIQUE] Maintenant que j'ai mon esquisse avec la forme générale et la forme de la figure en position, il est temps de le nettoyer un peu et d'ajouter plus de détails. Cette partie est assez courte, mais je pense qu'elle est tout aussi importante. Au deuxième tour, je duplique d'abord le croquis par mesure de précaution afin de pouvoir toujours revenir à ma première idée si je veux recommencer. Je dessine souvent juste au-dessus de mon croquis d'origine, mais aujourd'hui, je vais ajouter une nouvelle couche pour un croquis plus net. Je vais mettre un croquis sous couche mère de mes nutriments et réduire la transparence afin mieux voir ce que je dessine. Je commence par redéfinir les traits du visage et les dessiner un peu plus proprement. Je dessine à nouveau les yeux, le nez, les lèvres , les sourcils et je définis le cou, en particulier les muscles du cou. J'ai un peu stylisé son cou et je l' ai dessiné un peu plus long que sur la photo. C'est à vous de décider dans quelle mesure vous voulez déformer la réalité et dans quelle mesure vous souhaitez travailler de manière stylisée. Je dessine son chapeau et je commence à mieux définir ses points forts . J'aime particulièrement cette mèche sur son visage, donc je vais l'affiner un peu mieux. De plus, je vais y ajouter quelques éléments supplémentaires. Une bonne façon de dessiner ici est de le considérer comme un ruban soyeux. Une partie réfléchit la lumière vers vos yeux tandis qu'une autre partie se trouve dans l'ombre. De plus, j'ajoute quelques mèches de cheveux plus lâches pour rendre le tout plus réaliste. [MUSIQUE] J'ai de nouveau défini son décolleté et j'ai dessiné quelques plis en tissu à ce moment-là. Je redéfinis son visage et je lui donne une petite tache de naissance. Petit à petit, j'ai réduit la taille de mon pinceau pour obtenir des lignes plus fines. En bas, j' indique grossièrement son bras. Le plus gros détail que j'ai l'habitude faire, c'est quand j'entre avec une couleur, mais le dessin m' aidera plus tard à voir où je dois placer les ombres. Je garde les deux esquisses et je fusionne les deux couches. C'est à vous de décider si vous voulez garder une esquisse nette ou utiliser les deux esquisses comme base. J'aime effacer les endroits qui déterminent, par exemple, les lignes pour la perspective, traits cochés, les endroits qui se chevauchent, et j'essaie généralement de laisser le plus de place possible. Le but de l' esquisse est de nous donner un guide pour la couleur ultérieure. Donc, à ce stade, peu m'importe si le croquis fonctionne tout seul ou s'il est joli. À ce stade, je suis satisfait du croquis et je suis prêt à passer à la couleur de la partie suivante. Une esquisse plus nette peut faciliter l'ensemble du processus d'illustration par la suite, mais en fin de compte, cela dépend vos préférences quant à la propreté que vous souhaitez obtenir. Personnellement, j'aime travailler avec des esquisses plus approximatives et je préfère passer rapidement à la phase colorimétrique, où je détaille et définis les éléments. En fin de compte, c'est à vous de décider comment vous voulez le faire. Une fois que vous êtes satisfait de votre croquis, nous pouvons passer à l' étape suivante. Blocage dans la couleur. 9. Couleur de base: [MUSIQUE] Maintenant que votre sketch est prêt, passons à la phase suivante. À l'étape suivante, nous allons commencer à peindre dans les couleurs de base de l'illustration. Cette partie est idéale pour essayer les couleurs et couleurs et décider rapidement de ce qui fonctionne et de ce qui ne fonctionne pas. J'ai souvent une palette de couleurs spécifique en tête au début, mais je me rends compte au cours du processus de création que d'autres teintes et couleurs peuvent également fonctionner. Ne vous inquiétez pas si ce n'est pas parfait dès le départ. Comme nous travaillons numériquement, nous pouvons toujours changer les couleurs. Plus tard également, lorsque vous aurez terminé l'illustration, je vous montrerai comment ajuster facilement les couleurs de votre image. Lorsque vous choisissez des couleurs, vous devez également tenir compte des éléments d'arrière-plan de votre illustration. Même si nous concevrons l'arrière-plan plus tard, je vous recommande tout de même d'avoir une idée approximative de ce que vous avez en tête car cela peut affecter la palette de couleurs globale de l' illustration de votre personnage. Si vous n'êtes pas sûr de l'arrière-plan, vous pouvez vous faire quelques idées dans la leçon 11 avant de commencer avec cette palette de couleurs de votre silhouette. Avant de commencer à bloquer les couleurs, je vais créer un calque vide et déplacer sous le calque d'esquisse. De cette façon, nous pouvons commencer à peindre pendant que notre croquis est dessus. Vous pouvez également réduire légèrement l'opacité de la couche d'esquisse afin de mieux voir la couche de couleur. Pour la sous-peinture en couleur, je choisis toujours le ton moyen le plus foncé de tous les éléments. Je commence par sa peau et je commence à peindre sur le ton. Comme vous pouvez le constater, je commence toujours par le corps, car les cheveux et les vêtements passent toujours par-dessus. [MUSIQUE] Je crée des couches supplémentaires pour les vêtements et je répète le processus en peignant les vêtements avec un ton rouge moyen. Cette étape de sous-peinture des couleurs est importante car elle nous permet de vérifier rapidement si une palette de couleurs particulière fonctionne. Si j'aime les couleurs plates que nous avons choisies pour cette figurine, et si quelque chose doit être changé. Bien que cela soit tentant, n' ajoutez aucune variation de couleur pour l' instant , car cela facilitera considérablement le processus d'illustration par la suite. Vous vouliez vraiment vous concentrer sur les couleurs de base ici. [MUSIQUE] Je répète la même chose avec le manteau de fourrure qu'elle porte et ses cheveux. Je choisis un ton gris bleuâtre pour la fourrure. [MUSIQUE] Il est très utile de séparer toutes les couches de couleurs au début. De cette façon, vous pouvez facilement ajouter des masques à découper par la suite et ainsi essayer choses sans craindre de peindre par-dessus d'autres éléments de l'illustration. [MUSIQUE] Parfois, je peins tout sur une seule couche lorsque je choisis un procédé de peinture. Cependant, je ne le recommande que pour le travail personnel et non pour les commissions clients, car si vous devez apporter des modifications, cela peut devenir assez compliqué. Pour les cheveux, je choisis une nuance de brun qui tend vers rougeâtre et je l'utilise pour peindre la couche située sous le croquis des cheveux. [MUSIQUE] Ensuite, je peins le chapeau, qui se trouve au-dessus de toutes les couches. Commencez à appliquer la couleur plate. Examinez attentivement vos photos de référence et choisissez le ton moyen le plus foncé que vous utiliserez comme base pour l'image. Vous pouvez le faire sur la même couche ou sur des couches distinctes. Comme je l'ai mentionné plus tôt, je préfère le faire séparément car il est beaucoup plus facile d'apporter des modifications si nécessaire de cette façon. Voici la ceinture pour laquelle j'ai choisi une teinte brune plus froide avec beaucoup de gris. Si vous ne l'avez pas encore fait, vous pouvez toujours essayer différentes options de couleur pour la couche d'arrière-plan. Si je ne suis pas sûre de la couleur que je souhaite utiliser pour l'arrière-plan, j'utilise souvent un ton grisâtre, clair ou foncé, selon l'ambiance que je souhaite obtenir. Si tu es prêt, nous pouvons passer à la partie amusante, du moins pour moi, et déterminer les variations de couleurs et voir notre personnage prendre vie. Je te verrai dans la section suivante. [MUSIQUE] 10. Rendu la couleur: [MUSIQUE] Nous avons enfin atteint le point où nous commençons à appliquer plus de couleurs en plus de notre couleur de base. Il est très important de rester grossier au début, car nous avons souvent tendance à travailler sur un élément en particulier, à négliger complètement les autres et à nous perdre dans les détails. Je travaille sur l'ensemble de l' illustration en même temps sans terminer une partie en particulier avant l'autre. Ainsi, nous évitons de surcharger les pièces alors que d'autres ne sont pas encore finies. Cela nous permet également de détecter les erreurs plus tôt. Pour commencer, vous pouvez créer un masque de découpage sur chaque couche de couleur plate. Les masques de découpage vous permettent de créer un nouveau calque sur un calque spécifique dans lequel vous ne pouvez peindre que dans la zone de cette couche située en dessous. Ainsi, vous ne peignez pas accidentellement d'autres zones et vous pouvez travailler de manière propre et précise. Pour ce qui est de la couleur et de la peinture, je vais commencer par la peau. Pour cela, je vais sélectionner la couche de masque de découpage nouvellement créée. Nous allons commencer par ajouter des tons plus foncés pour les ombres et des tons plus clairs pour les zones où le vol est faux. Je choisis un brun foncé pour les zones d'ombre et base rose pour les zones claires de la peau. Un moyen simple de sélectionner les nuances consiste à utiliser à nouveau le sélecteur de couleurs pour sélectionner la teinte de base. Je déplace ensuite le point sur la fenêtre de couleur un peu plus bas vers les tons plus sombres et saturés. J'opte pour un ton d'ombre plus chaud car je veux rendre la source lumineuse un peu plus froide. Ce contraste n'est pas indispensable, mais c'est un petit conseil si vous choisissez une palette de couleurs. Si les ombres sont chaudes, il est généralement préférable de choisir des tons plus froids pour les zones claires. Je commence par peindre dans l'ombre pour définir le volume de la figure. Allez, ce sont les contours du visage sous le visage, sur le cou, entre la poitrine et à côté des vêtements qui projettent des ombres occlusives. Pour dessiner dans des zones plus claires, je sélectionne à nouveau la tonalité de base et déplace le point vers la gauche pour obtenir un ton beige plus clair. Je dessine grossièrement tous les endroits où la lumière tombe. Le front, le nez, le menton et les joues sont ceux qui captent le plus de lumière. Je base la localisation sur ma photo de référence et je l' utilise comme guide pour déterminer la situation d'éclairage dans mon illustration. Personnellement, je préfère commencer par la peau et le visage, mais c'est à vous de décider de ce que vous avez commencé. Je peins dans le blanc des yeux en choisissant un blanc grisâtre car le blanc des yeux n' est jamais entièrement blanc. Je continue avec les vêtements en choisissant une teinte de rouge plus foncée et je commence à dessiner dans les ombres de la robe. Les endroits couverts par d'autres vêtements ou cheveux seront beaucoup plus sombres que les endroits comme la poitrine où la lumière tombe le plus. Pour le ton plus clair, je choisis un rouge rosé. Si une couleur ne vous convient pas, vous pouvez toujours la changer. [MUSIQUE] Essayez simplement différentes couleurs et voyez à quoi cela ressemble. Vous pouvez également utiliser des couches distinctes pour les tons foncés et les tons clairs si vous préférez cette méthode. Ensuite, il y a la ceinture. Je dessine ici un ton plus grisâtre dans les zones claires et je laisse la tonalité de base sous forme d'ombre. À ce stade, je continue avec le sapin. Ici, j'utilise un pinceau rond normal et je dessine les ombres dans le sens de la fourrure. Pour le ton plus clair, je choisis un ton bleuté et gris clair. Vous n'êtes pas obligé de choisir le ton le plus clair car au final, nous ajouterons plus de tons et de reflets afin qu'il soit plus logique de travailler du foncé au clair. Passant aux cheveux, je choisis un ton plus foncé et commence à dessiner dans les zones les plus sombres. Les parties les plus foncées des cheveux longs se trouvent souvent juste à côté du chapeau. Je tire parti des points forts en plaçant les coups de pinceau dans la direction des cheveux et en définissant mèches individuelles et les espaces entre les mèches. Pour sélectionner un ton plus clair, je procède de la même manière que pour les autres parties. Je commence par le ton moyen et je passe aux parties les plus claires, où je veux lui donner un ton gaffé et donc aller un peu vers le jaunâtre. Comme les cheveux ont beaucoup de volume, les parties exposées à la lumière seront les plus claires. Je les dessine avec de courts coups de pinceau dans le sens des cheveux. Vous définissez de nouveaux points forts en même temps et cela semble plus réaliste. Continuons avec la casquette. Ici, je veux choisir une teinte de rouge légèrement différente pour faire la différence avec la robe. Pour le ton plus clair, je choisis un rouge plus grisâtre, car je souhaite placer mon personnage dans un environnement sombre plus tard. Je désactive parfois la couche d'esquisse pour voir à quoi ressemblerait l'image sans lignes. Comme vous pouvez le constater, nous devons mieux définir les contours du visage. J'ai fusionné les masques de découpage avec les couches sous-jacentes pour que les couleurs soient toutes sur des couches individuelles. Bien que je commence à mélanger légèrement le ton maintenant, j'essaie toujours de tout laisser le plus brut possible. J'essaie de ne pas trop me concentrer sur une partie de l'illustration, mais de passer rapidement à d'autres parties, comme vos vêtements et vos cheveux. À ce stade, j'aimerais ajouter plus de variation de couleur. N'oubliez pas que la peau ne se limite pas à deux facettes. Nous avons une incroyable variété de couleurs dans nos tons de peau et l'ajout beiges, de roses, de jaunes et même de bleus et de verts peut vous aider créez des portraits plus éclatants. Un moyen facile d'ajouter plusieurs tons est d'utiliser un pinceau doux et, sur une nouvelle couche, de peindre simplement des tons rougeâtres sur les joues, par exemple. J'ai légèrement réduit la visibilité de l'esquisse parce que je souhaite me concentrer sur les couleurs à ce stade. Je commence par définir son visage. Les visages sont ma partie préférée de l'illustration et c'est aussi la partie sur laquelle j'ai passé le plus de temps. Je vise un mélange d'éléments réalistes et stylisés. Dans quelle mesure tu veux être réaliste ou non ? Souvent, il suffit de déterminer certains éléments les plus visibles pour donner à l'image un aspect complètement terminé. Je commence à ajouter des reflets plus petits sur le visage. Cela donne immédiatement au visage un aspect plus réaliste. [MUSIQUE] À ce stade, je remplace souvent mon pinceau à craie par un pinceau rond humide que je peux utiliser pour mélanger délicatement les couleurs lorsque je peins dessus, comme un pinceau à huile numérique. Vous pouvez également superposer les couleurs les unes sur autres et sélectionner la teinte intermédiaire obtenue à l'aide du sélecteur de couleurs, puis peindre à nouveau dessus, ce qui est très courant lorsque vous travaillez dans Photoshop. Surtout si vous travaillez sur un PC et utilisez un clavier, cette technique est très pratique. Une autre option est l'outil de maculage, mais utilisez-le avec prudence car l'image peut rapidement devenir boueuse et sans texture. J'ai peint en dessinant grossièrement les ombres du pelage du fruit avec un pinceau à texture. Pour cela, j'utilise un gris bleuâtre et en plus de cela, je superpose des mèches de fourrure gris clair. La couche d'esquisse est toujours visible à ce stade. Mais je réduis l'opacité de la couche pour qu'elle n' interfère pas avec ma peinture. Après avoir ajouté tous les éléments d' ombre et de lumière, je réduis généralement davantage l'opacité de la couche d'esquisse et je commence à définir plus de détails. Lorsque vous êtes satisfait du résultat, vous pouvez fusionner le calque avec le calque principal sur lequel vous peignez. Continuez à superposer les couleurs, même si elles ne semblent pas encore mélangées. Vous pouvez toujours mixer plus tard, mais il est beaucoup plus difficile de retrouver la surpeinture et les coups de pinceau. Personnellement, je pense aussi que certaines textures sont plus belles que des illustrations trop polies et trop travaillées. Quand je suis satisfaite des couleurs principales, je commence à travailler sur les petites parties exemple en définissant plus clairement ses yeux, son nez et ses lèvres. La partie détaillée de l' illustration est généralement la plus longue et le niveau de détail dépend de chaque personne. À un moment donné, je désactive complètement la couche d' esquisse afin que nous ne voyions que la couche de couleur de l'illustration. Même si c'est très tentant, essayez de ne pas entrer dans les moindres détails trop tôt et essayez de garder la taille du pinceau plus grande. À ce stade, je vais continuer avec les détails. L'ensemble du processus de détail m' a pris plusieurs heures, c'est pourquoi j'ai augmenté la vitesse de la vidéo. [MUSIQUE] Je continue à travailler sur l'illustration générale en même temps, en abordant lentement les détails. Si je sais que quelque chose ne va pas, j'utilise souvent l'outil Lasso pour déplacer rapidement la partie du visage en place. [MUSIQUE] Comme vous pouvez le voir, j'ai tendance à retourner l'image de temps en temps. C'est très utile pour repérer les erreurs que vous avez peut-être manquées. Plus vous le faites souvent, mieux c'est. Je choisis un brun foncé pour les ombres de la robe et chapeau et du rouge clair pour les parties plus claires. [MUSIQUE] Maintenant que je suis satisfaite de la silhouette dans son ensemble, [MUSIQUE] Je commence à ajouter quelques ombres supplémentaires sur le sol et à définir ses mèches de cheveux avec plus de précision. C'est la partie du processus d' illustration qui prend généralement le plus de temps. J'aime laisser les choses purement picturales pour que les différents coups de pinceau soient toujours visibles. Je définis les différents points forts de la fourrure et ajoute quelques points forts de temps en temps, puis je définis le bracelet en cuir qui maintient la fourrure ensemble et je commence à définir les plis de la robe. Un moyen simple et efficace d'avoir plus de variations de couleur la peau est de prendre un pinceau doux avec une très faible opacité dans le ton rose et de le peindre sur ses joues, ses lèvres et son nez. J'aime le faire sur une couche séparée. À ce stade, j' ajoute également quelques ombres cool. Pour ce faire, je choisis des tons bleus et les peins dans les zones d' ombre de sa peau. Vous pouvez immédiatement voir à quel point cela rend l'illustration plus réelle. J'ajoute quelques reflets sur le visage, peins les reflets lumineux sur le nez, ombre sous ses paupières et de la lumière sur ses lèvres. À un moment donné, dans l'illustration, je pourrais même fusionner toutes les couches de dessin et ne séparer que la couche d'arrière-plan. C'est pourquoi vous avez le personnage sur une couche et l'arrière-plan séparément sur une autre. Cela dépend de vous. Si vous voulez jouer prudemment et changer les choses plus tard, vous pouvez laisser tous les éléments sur des couches distinctes jusqu'à la fin. J'ajoute également de la lumière ambiante sur sa cabane, ses cheveux et sa fourrure. Plus tard, je souhaite créer une source de lumière plus brillante derrière son dos en arrière-plan, qui met en valeur et souligne joliment sa silhouette afin qu'elle se démarque. Chaque fois que j'ai besoin de références supplémentaires pour voir comment la lumière tombe sur un objet spécifique, j'utilise les sites Web de référence que j'ai mentionnés et souvent Pinterest. À ce stade, il s'agit principalement d'un travail de détail. Mais si c'est bien fait, cela peut vraiment faire passer l'œuvre d'art à un autre niveau. Commencez par ajouter plus de couleurs à votre illustration et peaufinez votre personnage. N'oubliez pas de partager votre processus dans la section projet. [MUSIQUE] À l'étape suivante, nous examinerons quelques options d'arrière-plan. 11. Arrière-plan: [MUSIQUE] Maintenant que vous avez presque terminé l'illustration de votre personnage, examinons quelques options d' arrière-plan dont nous disposons. Vous avez probablement déjà une idée des éléments que vous souhaitez inclure dans votre arrière-plan. Dans ce cours, je vais vous montrer quelques exemples d'autres artistes et les moyens simples créer des arrière-plans d' apparence professionnelle pour l'illustration du portrait de votre personnage. Selon le type d'illustration que je fais, il se peut que j'aie une idée très précise du fond que je souhaite pour ma peinture avant même de commencer à dessiner. Ou je pourrais développer une meilleure idée au cours du processus lui-même. Comme nous nous concentrons sur le portrait lui-même dans ce cours, je recommande de garder l' arrière-plan assez simple. En fonction de ce que vous voulez faire avec l'illustration, vous pouvez ajouter des éléments pour faire ressortir le personnage ou donner des indices supplémentaires à son sujet. Certains arrière-plans simples que vous pouvez réaliser et qui sont toujours beaux sont des dégradés de couleurs simples, des dégradés de plusieurs couleurs et des textures simples. Vous pouvez également aller plus loin et ajouter des contours, par exemple des arbres, des feuilles ou même des éléments architecturaux. Comme nous voulons rester concentrés sur le protagoniste, je ne créerais pas un arrière-plan trop compliqué avec trop d'éléments. Cela dit, si vous souhaitez ajouter d'autres éléments à votre arrière-plan, vous pouvez opter pour un arrière-plan plus détaillé avec des arbres, des maisons, des montagnes ou même d'autres personnages et animaux entièrement reproduits. Un autre bon moyen de créer de la profondeur et de raconter une histoire consiste à utiliser des éléments naturels. Le feu, la pluie, la neige et même les étincelles ont une belle apparence et créent un intérêt visuel. Tenez compte de la direction de la lumière et de la situation lumineuse générale lorsque vous choisissez un arrière-plan, car ils doivent correspondre au ton général de votre personnage. À partir de mon personnage de Red Riding Hood, j'ai décidé de créer un environnement forestier, peignant des arbres simples et rugueux rétroéclairage pour illuminer le contour du personnage. Pour cela, j'ai examiné des arbres morts ou des arbres que l'on peut trouver en hiver sans feuilles. Après les avoir peints et remplis d'une couleur gris foncé, je les ai transformés pour qu'ils correspondent à la perspective de l'illustration et pour créer une meilleure clairière au milieu. [MUSIQUE] J'ai ajouté plusieurs couleurs pour la zone claire autour de sa tête afin de créer un contraste avec ses cheveux et j'ai assombri le haut de l'illustration tout en surlignant la partie inférieure. Cela vous permettra de vous démarquer encore plus. Vous pouvez le faire en utilisant un pinceau doux sur une couche différente, en peignant dans des tons différents. Dans le prochain cours, je continuerai à travailler sur certains détails des personnages. [MUSIQUE] 12. LES DÉTAILS: [MUSIQUE] À cette étape, notre illustration est presque terminée. Maintenant, il est temps d'ajouter quelques petits détails et de corriger les choses qui nous dérangent pour rendre l'illustration encore plus belle. Je vais accélérer la vidéo de manière significative à ce stade. [MUSIQUE] À ce stade, j'apporte une fois de plus de force à la lumière de jante qui marque les mèches individuelles de la fourrure. Je crée également une nouvelle couche de couleur assez claire, je peins des mèches de cheveux séparées pour qu'elles ressortent devant ses cheveux. J'ajoute également quelques détails de finition, corrige ce qui me dérange toujours et j'ajoute quelques reflets aux yeux et à tout ce qui est nécessaire. [MUSIQUE] J'en profite pour corriger tout ce qui me dérange encore. En outre, j'ajoute quelques derniers détails. Cette étape est facultative, mais je vois souvent certains points à améliorer une fois que j'ai presque terminé l'illustration. Dans la section suivante, nous examinerons quelques options intéressantes qui sont disponibles pour bien ranger nos œuvres d'art afin de les mettre en valeur. 13. Touches de finition: Maintenant que vous avez presque terminé la partie principale de votre personnage consacrée à la peinture, examinons les derniers ajustements que vous pouvez apporter pour améliorer encore l'apparence de votre illustration. Il y a encore quelques petites choses qui me dérangent et dans lesquelles je décide de m'améliorer. Encore une fois, je vais accélérer la vidéo manière significative car ce processus m' a pris beaucoup de temps. J'ai décidé d'ajuster légèrement les arbres. J'ajoute également un peu plus de texture à la ceinture qui maintient son manteau ensemble. L'ajout de quelques petits détails, tels que de petites coupes et des aspérités, peut ajouter à la sensation de réalisme. Je peins aussi une petite cicatrice au-dessus de son sourcil et on trouve des taches de naissance sur son visage. Pour le chapeau, j'utilise un pinceau à texture douce pour le rendre doux et moelleux. Une fois que je suis satisfait de l'illustration, je fusionne tous les calques, en ne laissant que le personnage et l'arrière-plan sur des calques séparés. Lorsque vous travaillez avec des calques, essayez toujours différents profils de calques car ils peuvent améliorer considérablement l'apparence de votre illustration. Dans mon illustration du Chaperon rouge, j'ajoute un léger brouillard derrière et autour d'elle. De cette façon, j'obtiens deux choses. J' adoucit l'arrière-plan et je l'aide à mieux se fondre dans l'environnement. Pour cela, vous pouvez utiliser des pinceaux antibrouillard spécifiques, facilement disponibles au format ABR, ou même utiliser un pinceau doux moins transparent. Une autre chose que j'aime faire est ajouter des particules et des étincelles. Selon la magie de votre illustration, vous pouvez opter pour des étincelles très magiques ou simplement de simples particules de poussière. Pour cela, j'utilise des brosses à poussière et à particules. Beaucoup sont disponibles gratuitement sur différentes plateformes pour le logiciel de votre choix. Maintenant que je suis satisfait de l'illustration, je passe à la partie où j'ajoute quelques filtres. Comme les filtres ne fonctionnent que sur une seule couche, deux options s'offrent à vous. Vous pouvez soit compacter toutes les couches pour créer l'ensemble de la peinture sur une seule couche, soit mon option préférée, exporter l' illustration finale au format PNG et la réimporter directement sur Toile au-dessus de toutes les couches. Deux de mes filtres préférés sont le filtre antibruit et l'aberration chromatique. Le bruit crée une texture douce qui est très agréable à regarder. Cela donne aux taches de couleur très plates un aspect intéressant et texturé. J'utilise entre 2 % et 5 % et je joue entre le ton de gris et la couleur. Vous pouvez trouver le filtre antibruit dans la plupart des logiciels de peinture numérique. Un autre filtre que j'adore utiliser est l'aberration chromatique. Dans Photoshop, RStudio Pro et Procreate, vous pouvez les trouver dans la zone de filtrage du logiciel. Je recommande d'utiliser d'abord le filtre antibruit, car il donnera au filtre d'aberration chromatique plus de texture avec laquelle interagir. L'aberration chromatique est une distorsion des couleurs que l'on retrouve souvent en photographie et au cinéma et qui donne à l'illustration un aspect plus réel. Il existe généralement deux types de filtre de ce type que vous pouvez utiliser : circulaire et linéaire. La circulaire agira comme une lentille et déformera les bords de l'œuvre d'art plus fortement que le milieu, tandis que la ligne séparera les couleurs de manière égale. J'en utilise une très petite quantité juste assez pour donner une sensation de profondeur, mais sans empêcher la reconnaissance des détails du visage. Personnellement, j'utilise d'abord l' aberration chromatique circulaire pour créer un peu de distorsion, puis j' utilise l'aberration linéaire pour ajouter des couleurs supplémentaires au milieu de l'image. La meilleure chose à faire est de l' essayer et de jouer avec jusqu'à ce que vous trouviez l' option qui vous convient le mieux. Une fois que je suis satisfait de l'aspect général de mon illustration, je joue toujours avec les différents réglages de couleur. Dans RStudio Pro et Photoshop, vous pouvez créer des couches de réglage, telles que des courbes, pour améliorer l'aspect général de votre illustration. J'ai tendance à essayer différentes options pour la saturation des teintes, l'équilibre des couleurs et la température. Pour cela, je crée une couche de réglage au-dessus de l'illustration et je joue avec le réglage pour voir ce qui va bien. Eh bien, dans cette partie, je considère que mon illustration est terminée. Je suis très heureuse de voir tes illustrations dans le projet de classe. Alors n'oubliez pas de les partager avec moi et hésitez pas à me poser toutes les questions que vous pourriez avoir. 14. Conclusion: [MUSIQUE] Félicitations pour avoir terminé ce cours. Vous pouvez être très fier de vous car peindre des personnages peut parfois être très difficile. Mais grâce à ces étapes clairement divisées, j'espère vous avoir permis de créer plus facilement votre propre personnage. Nous avons acquis quelques compétences de base en matière de conception de personnages, appris où trouver de bonnes photos de référence et comment diviser le processus d'illustration en étapes simples. Nous avons également appris à utiliser certains détails pour donner vie au personnage et à utiliser des effets et des calques de réglage pour retoucher l'image finale. J'espère que la connaissance de ce cours vous a aidé. Vous pouvez vous attaquer à n'importe quelle illustration de personnage que vous avez choisie et créer un monde plein de magnifiques illustrations de personnages. Mais le plus important est de ne pas oublier de s'amuser. N'oubliez pas de partager votre illustration dans la section des projets de classe. Posez-moi toutes les questions que vous pourriez avoir afin que je puisse vous donner des commentaires. [MUSIQUE] Merci de m'avoir rejoint dans ce voyage. J'espère que tu t'es bien amusée. Bonne peinture.