Créer des marques dynamiques / Dessiner avec expression et créativité

1. Bande-annonce de création de marques dynamiques: Un dessin est composé de centaines, voire de milliers, de marques et de lignes individuelles. Chaque ligne individuelle, c'est l'occasion de communiquer quelque chose au spectateur. Tout comme la langue parlée, comment vous dites quelque chose est tout aussi important que ce que vous dites. Dans les dessins de maître, nous constatons que même hors contexte, les lignes individuelles et les marques se dressent à elles seules comme de belles formes d'expression. Ce n'est que lorsque nous retirons que les lignes commencent à travailler ensemble pour créer l'illusion d'une forme reconnaissable. Il y a un moment où ces marques abstraites se fondent dans les cheveux, les tissus et la peau. En faisant varier la qualité de ses lignes, nous pouvons exprimer un large éventail d'émotions et d'idées. Vous voyez que chaque ligne a un minimum de deux fonctions. Le premier est de communiquer une sorte de forme reconnaissable. La seconde est de communiquer une idée ou une émotion. Chaque ligne est l'occasion d'exprimer une opinion, croyance, une philosophie ou un sentiment sur votre sujet. Examinons de plus près ce que les élèves vont apprendre dans la création de marques dynamiques. Le premier jour, nous explorerons la gamme infinie de lignes et de marques expressives que peut faire le crayon. Au deuxième jour, nous examinerons comment les lignes et les marques peuvent exprimer et communiquer des émotions spécifiques à un spectateur. Au troisième jour, vous apprendrez à utiliser ces lignes et repères dans vos dessins afin d'exprimer quelque chose qui va au-delà de ce que vous dessinez. Au quatrième jour, vous apprendrez à faire des dessins qui communiquent des sensations tactiles à un spectateur. Faire paraître des objets durs et des objets souples. Enfin, le cinquième jour, vous apprendrez à utiliser la perspective atmosphérique pour communiquer l'espace profond avec vos dessins. 2. Bienvenue dans la création de marques dynamiques: Bienvenue au cours Dynamic Mark Making dans la série art et science du dessin. Je suis votre instructeur, Brent Eviston. Il y a quelques choses que j'aimerais partager avec vous avant de commencer la première leçon. La première chose est que j'adore travailler avec les étudiants. Enseigner, dessiner est une joie et un privilège que je prends très au sérieux. Avant de créer l'art et la science de la série de dessin. J' ai enseigné le dessin pendant 20 ans dans des studios, des écoles, des musées et des universités. En travaillant avec des étudiants, je me demandais constamment quels sont les outils et les techniques d'enseignement qui communiquent vraiment avec les étudiants ? Quels outils et techniques montrent le plus d'amélioration dans leurs compétences de dessin ? Comment puis-je enseigner ces techniques d'une manière qui accélère vraiment le développement de leurs compétences ? Ce cours est la réponse à ces questions. Les cours et l'art et la science de la série de dessins contiennent quelques-uns des outils et des techniques d'enseignement les plus puissants, qui sont prouvés pour enseigner aux élèves comment dessiner. Voici donc comment fonctionne le cours ; chaque jour, vous allez regarder une leçon vidéo et ensuite recevoir un projet à faire. Une fois que vous avez terminé le projet de ce jour-là, vous êtes prêt à commencer la prochaine leçon vidéo. Maintenant, ce cours a été conçu, sorte que vous pouvez regarder une leçon vidéo chaque jour et faire un projet chaque jour. Mais vous pouvez vous adapter à la structure du cours en fonction de votre horaire. Si vous ne pouvez accéder qu'à une leçon vidéo dans le projet par semaine, c'est bon. N' hésitez pas à faire de ce cours, travailler pour vous. Maintenant, il s'agit d'un cours basé sur un projet, qui signifie que chaque leçon sera accompagnée d'un projet spécifique, qui est conçu pour que vous puissiez tirer le meilleur parti des compétences que vous venez d'apprendre. La pratique que ces projets fournissent, est absolument essentielle à votre apprentissage à dessiner. Si vous ne pratiquez pas, si vous ne faites pas ces projets, vous ne vous améliorerez pas. Avoir une compréhension intellectuelle de ces idées est grande, mais la pratique est nécessaire pour vraiment devenir bon au dessin. Maintenant, l'une de mes grandes joies en tant que professeur, est de voir les élèves évoluer et grandir au fil du temps. Je vous encourage donc à partager votre travail. Vous pouvez le partager avec votre famille et vos amis. Vous pouvez le partager sur les réseaux sociaux, et bien sûr, vous pouvez le partager ici sur le partage de compétences. Lorsque vous partagez votre travail sur les réseaux sociaux, je vous encourage à inclure le hashtag, faire évoluer votre art. Construire une communauté lorsque vous apprenez à dessiner, est un excellent moyen d'être inspiré à la pratique et d'obtenir des commentaires sur votre travail. Maintenant, ce cours est l'un des sept dans l'art et la science de la série de dessins. Chaque cours de la série met l'accent sur une compétence de dessin essentielle différente. Maintenant, si vous êtes un étudiant débutant, je vous recommande fortement de passer par cette série dans l'ordre. Mais si vous avez de l'expérience dans le dessin, n'hésitez pas à mélanger les cours en fonction de vos besoins et de vos intérêts. Maintenant, pendant que vous suivez le cours, je vous recommande de le regarder sur un écran plus grand. Vous pouvez suivre le cours sur votre téléphone si c'est ce que vous avez à votre disposition. Mais en le regardant sur un écran plus grand, vous aurez une expérience plus riche. Vous pourrez voir plus de détails dans les dessins. Si vous souhaitez d'autres informations sur d'autres cours dans l'art et la science des séries de dessins, des ressources de dessin, ou une description détaillée du type de matériel à utiliser, je vous encourage à visiter le site Web, evolveyourart.com. C' est un endroit idéal pour trouver d'autres ressources. Eh bien, merci beaucoup d'avoir rejoint moi. C' est un honneur et un privilège de vous avoir comme étudiant. Commençons par notre première leçon. 3. La psychologie de la ligne: Regarder un dessin de près, c'est comme regarder un morceau d'art expressionniste abstrait. Un dessin est composé de centaines, voire de milliers, de marques et de lignes individuelles. Lorsque nous sommes à ce point près de la surface du dessin, il est difficile de dire quels sont les sujets et les formes que ces marques et ces lignes décriront. Ici, la marque prend une vie propre, racontant une histoire qui va bien au-delà de la représentation. Chaque ligne individuelle est l'occasion de communiquer quelque chose au spectateur. Tout comme la langue parlée, façon dont vous dites quelque chose est tout aussi importante que ce que vous dites. Les maîtres ont profité de toutes les occasions qu'ils pouvaient pour varier les types de lignes qu'ils faisaient, ils ont constamment exploré et expérimenté. Dans les dessins de maître, nous constatons que même hors contexte, les lignes individuelles et les marques se dressent à elles seules comme de belles formes d'expression. Ce n'est que lorsque nous nous retirons, les lignes commencent à travailler ensemble pour créer l'illusion d'une forme reconnaissable. Il y a un moment où ces marques abstraites se fondent dans les cheveux, les tissus et la peau. En faisant varier la qualité de nos lignes, nous pouvons exprimer un large éventail d'émotions et d'idées. Vous voyez chaque ligne a un minimum de deux fonctions, la première, est de communiquer une forme reconnaissable, la seconde, est de communiquer une idée ou une émotion. Chaque ligne est l'occasion d'exprimer une opinion, croyance, une philosophie ou un sentiment sur votre sujet. Un bon dessin ne nous dit pas seulement à quoi ressemble quelque chose, il nous donne une idée de ce que quelque chose ressent. Ce sentiment pourrait être tactile, comme la fourrure ou la chair, ou il pourrait être quelque chose de plus émotionnel. Une bonne marque peut nous dire quelque chose sur l'expérience humaine. Il peut commencer à transmettre la complexité tourbillonnante des pensées et émotions qui se produisent pendant certains des moments les plus chargés de la vie. Je pense à chaque ligne individuelle, comme une lettre. Tout comme dans le langage, lettres se réunissent pour former des mots, mots se rassemblent pour former des phrases, phrases forment des paragraphes, jusqu'à ce que finalement, nous ayons une idée de ce qu'est l'histoire entière. La ligne est la plus petite unité d'un dessin, et en fait, un dessin est composé de centaines, voire de milliers, de marques et de lignes individuelles. Comme je l'ai mentionné dans l'introduction, chaque ligne que vous allez poser servira au moins deux objectifs. Le premier, c'est que la ligne doit décrire le formulaire que vous dessinez, quel que soit le sujet, elle doit vous donner une idée de ce que le formulaire est réellement. Mais la deuxième chose, c' est qu'il doit exprimer quelque chose sur le sujet que vous dessinez. C' est l'occasion pour vous de donner une opinion, une idée, une croyance ou une émotion sur le sujet que vous dessinez. Ce que la plupart des gens ne réalisent pas, c'est que la façon dont vous faites vos lignes, dit plus sur vous en tant qu'artiste que sur ce que vous dessinez, et la plupart des gens ne réfléchissent pas beaucoup à ce que leurs lignes disent sur eux. N' oubliez pas que vos lignes communiquent vos pensées et vos émotions sur votre sujet, que vous les ayez l'intention ou non. Donc, ce que nous allons faire cette semaine, c'est vraiment vous donner une idée de la façon de communiquer avec votre spectateur d'une manière qui exprime vraiment vos pensées et vos sentiments sur le sujet. Donc, je vais commencer par vous donner une définition très simple de ce qu'est une ligne. J' aime définir une ligne comme n'importe quelle voie que l'œil peut suivre. Ce que j'aime dans cette définition, c' est qu'elle laisse ouverte un large éventail de possibilités et interprétations de ce qu'est une ligne et de ce qu'elle peut faire. Cette définition de ligne est importante parce qu'elle nous permet d'indiquer des lignes qui sont continues, mais elle nous permet aussi d'impliquer des lignes et pouvoir tirer l'œil du spectateur autour de la page. Voici un exemple de ligne continue, qui se courbe d'un côté de la page à l'autre. Cela nous donne une voie évidente pour l'œil à suivre. Examinons deux autres façons de fournir ce chemin sans ligne continue. Maintenant, en bas de l'écran, vous verrez environ quelques dizaines de lignes verticales, chaque ligne verticale est à une hauteur différente. La façon dont les lignes verticales sont espacées nous permet d'ignorer facilement les lignes individuelles et de se concentrer sur la même trajectoire qui sont des lignes continues. C' est ce qu'on appelle une ligne implicite, elle donne à nos yeux la même voie à suivre sans que la ligne continue réelle soit présente. Voici une variation de plus sur la même ligne implicite. Chacune de ces trois variations offre à nos yeux la même voie à suivre. Maintenant que nous avons une définition de ce qu'est une ligne, nous devons ensuite parler de la façon dont les gens se rapportent aux lignes et les interprètent. Maintenant, parce que chaque dessin est composé de centaines, voire de milliers, de lignes individuelles, la première chose que je veux faire est juste de simplifier cela pour voir comment nous réagissons à une seule ligne, à cette seule unité que nous sommes aller trouver encore et encore et encore dans nos dessins. Lorsque nous, en tant qu'humains, voyons une ligne, nous l'acceptons, nous avons tendance à l'anthropomorpher, ce qui signifie que nous projetons nos pensées et nos émotions dessus et que nous la traitons presque comme si c'était une chose vivante. Donc, comment une ligne est faite, comment elle a été faite, la qualité qu'elle a, tous ont tendance à nous donner une idée et un sentiment d'émotion à propos de cette ligne. Les états émotionnels que nous ressentons et que nous exprimons à travers notre travail en ligne peuvent être repris par un spectateur, et il est important de se rappeler que vous ne pouvez pas s'empêcher d'exprimer quelque chose à travers votre travail en ligne. Encore une fois, ce que nous voulons faire aujourd'hui, c'est avoir un certain contrôle sur cela, être conscient de ce que nous diffusons à un téléspectateur et voir si nous pouvons utiliser des lignes pour exprimer les idées et les émotions que nous voulons. Une excellente façon d'avoir une idée de la façon dont nous, humains, interprétons les lignes, est de vous demander quand vous voyez une ligne, si cette ligne était une personne, que ferait-il ? N' y pense pas trop. Si cette ligne était une personne, la personne sera debout. Les lignes verticales ont tendance à avoir une qualité droite et affirmée, elles sont stables, mais elles sont fortes. Si une ligne horizontale était une personne, cette personne serait en train de poser. Nous avons tendance à nous sentir plus stables et calmes en regardant les lignes horizontales, elles sont équilibrées et elles semblent plus sûres et moins conflictuelles que les lignes verticales. Les angles obliques sont là où les choses deviennent intéressantes. Rappelez-vous, un angle oblique est tout angle qui n'est pas horizontal ou vertical. Dans le studio, quand on demande aux étudiants ce que cette ligne oblique ferait s'ils étaient une personne, ils ont tendance à donner des réponses très différentes. Pour certains spectateurs, les angles obliques sont passionnants, dynamiques et engageants. Leur changement bienvenu dans la qualité rigide et sûre des horizontales et verticales. Ces élèves ont tendance à donner des réponses comme courir, voler, sauter, bouger et glisser. Pour d'autres, la nature déséquilibrée des obliques est instable, troublante, troublante et même dangereuse. Ces élèves ont tendance à donner des réponses comme tomber , s' enfoncer, trébucher et tomber. Alors que les verticales et les horizontales suggèrent l'ordre, équilibre et la prévisibilité, les obliques ajoutent un élément d'imprévisibilité, de chaos. Mais c'est cette imprévisibilité, ils peuvent ajouter de l'excitation et du dynamisme à un dessin. N' oubliez pas qu'il n'y a pas de bonne façon d'interpréter l'une de ces lignes, mais nous voulons avoir une idée de la façon dont les spectateurs peuvent y réagir dans nos dessins. Maintenant que vous avez une définition de la ligne, et une idée de la façon dont les téléspectateurs vont les interpréter, nous allons nous entraîner à faire différents types de lignes. Les matériaux que vous allez me voir utiliser aujourd'hui sont très simples, vous me verrez toujours travailler avec du papier 18 sur 24 pouces, et un crayon noir. Mais rappelez-vous, je n'encourage aucun média particulier, vous pouvez utiliser un stylo à bille, vous pouvez utiliser un stylo et de l'encre, vous pouvez utiliser du charbon de bois ou Conte Crayon. Rappelez-vous, le type de média que vous utilisez n'est pas aussi important que la façon dont vous l'utilisez, ce les techniques et les concepts que vous apportez à la planche à dessin qui vont vraiment montrer ce que vous êtes en tant qu'artiste. La ligne en constante évolution qui va faire partie de votre projet aujourd'hui, vous donnera l'occasion d'explorer plusieurs lignes différentes. Les directions sont simples. Vous allez dessiner une ligne continue qui change tous les quelques centimètres. Cette ligne peut enrouler autour de la page comme vous le souhaitez. Dans cette démonstration, vous me verrez principalement en utilisant la poignée au dessus de la main. Rappelez-vous, la prise en main, que nous avons introduite dans la semaine 1, nous permet d'engager non seulement la pointe, mais aussi ce côté du crayon. Contrairement à la poignée du trépied, la poignée Overhand nous permet de faire des marques douces et brumeuses avec un côté plein du crayon, mais nous permet également de passer immédiatement à des lignes pointues de rasoir en utilisant la pointe. Au cours de ce projet, vous devriez essayer de pousser votre crayon à ses limites. Voyez à quel point il peut aller sombre. Obtenez une idée de ce que c'est d'utiliser tout le côté du crayon, puis voyez à quoi ressemble l'utilisation d'une partie du côté. Poussez vous à découvrir autant de nouvelles marques que vous pouvez. Expérimentez avec la pression, comme vous êtes dur de pousser sur le crayon. Expérimentez avec différentes façons de bouger votre main et votre bras. Même si je vous ai demandé de tracer une ligne continue, n'oubliez pas comment nous définissons la ligne. Toute voie que l'œil peut suivre. Cela signifie que vous pouvez avoir des marques individuelles tant que l'œil peut les suivre le long du chemin. Ici, tu me verras rouler le crayon entre mes doigts. Ensuite, vous me verrez broyer la pointe du crayon dans le papier avant de le soulever doucement. Notez que mon crayon est constamment en train de changer de direction. Rappelez-vous, il n'y a pas de mauvaise façon de faire ce projet. Vous pouvez copier certaines des techniques que vous me voyez faire ici, mais je vous encourage à expérimenter. J' ai fait ce projet des dizaines, voire des centaines de fois et chaque fois que je me mets au défi de trouver une nouvelle forme de marque. Certaines des façons que j'ai expérimenté comprennent jeter le crayon sur la page à partir d'un bon 10-15 mètres de distance, utiliser ma main non dominante pour faire des marques et avec un crayon dans chaque main, jouer le morceau de papier comme s'il s'agissait d'un jeu de batterie, tapant et frappant les crayons sur la page. Tout ce que vous essayez ne va pas faire une ligne ou une marque intéressante. Cette expérimentation est essentielle pour pouvoir voir ce que le crayon peut réellement faire. Même si je vous encourage à utiliser la poignée pour la plupart du processus de dessin. La poignée du trépied ou toute autre poignée à laquelle vous pouvez penser n'est certainement pas hors limites lorsqu'on expérimente avec la qualité de la ligne. Même si la poignée du trépied, ne nous permet pas d'engager le côté du crayon, ce qui rend difficile de faire des lignes douces. Nous pouvons toujours modifier la pression avec laquelle nous poussons vers le bas, la vitesse à laquelle nous faisons nos lignes, ainsi que les mouvements des mains et des bras. Si jamais vous avez besoin de supporter la pointe du crayon pour vraiment le pousser à ses limites les plus sombres, rien ne vaut la poignée du trépied. Lorsque vous dessinez sombre, vous êtes beaucoup moins susceptible de casser la pointe du crayon tout en utilisant la poignée du trépied que la poignée au dessus de la main. Cela dit, une chose que je dis souvent aux étudiants en studio est que si vous ne cassez pas votre crayon au moins une fois pendant ce projet, vous ne poussez pas le crayon assez fort. L' une des meilleures façons de tester n'importe quel support est de le pousser au-delà de ses limites. Vous pouvez également essayer d'utiliser la poignée trépied plus loin de la pointe des crayons. Cela rend plus facile d'obtenir une ligne plus légère. Au cours de ce projet, essayez de ne pas vous inquiéter de ce que ces lignes pourraient être utilisées pour un dessin représentatif. heure actuelle, l'objectif est de générer autant de lignes différentes que possible. Pour commencer, pensez à ce que ces lignes peuvent communiquer à un spectateur. Essayez de commencer à vous sensibiliser à la façon dont un spectateur peut interpréter ces choses émotionnellement. Est-ce qu'une ligne particulière semble plus confiante qu'une autre ? Trouvez-vous une ligne particulière pour être plus belle qu'une autre ? Y a-t-il des choses que vous n'aimez tout simplement pas ? Chaque ligne est ouverte à l'interprétation. Bien que nous ne serons jamais en mesure de contrôler complètement la réponse des téléspectateurs à une ligne, nous, tant qu'artistes, avons beaucoup plus de contrôle sur nos téléspectateurs réponse émotionnelle à nos dessins que nous réalisons. L' une de mes métaphores préférées pour la qualité de la ligne est le ton de la voix. Encore une fois, la façon dont nous disons quelque chose est souvent plus importante que ce que nous voyons. Demandez-vous, quels adjectifs liés au ton de la voix pourraient être utilisés pour décrire ces lignes ? Est-ce que certaines lignes semblent crier tandis que d'autres semblent chuchoter ? Certaines lignes semblent-elles plus douces alors que d'autres semblent plus agressives ? Le but de ce projet est de commencer à explorer la gamme infinie de marques que votre crayon peut faire, et de réaliser que chacune de ces lignes et marques a son propre caractère qui communique quelque chose au spectateur. Plus vous avez de vocabulaire de différentes lignes dans les marques, plus vous aurez de possibilités d'expression dans vos dessins. Votre projet aujourd'hui est simple, en utilisant du papier 18 sur 24 pouces, je veux que vous fassiez trois pages de ligne différentes, en constante évolution. Rappelez-vous, vous pouvez explorer la ligne de différentes façons que vous pouvez penser. Ne vous limitez pas, jouez vraiment, et vous pouvez également changer de média. J' utilise un crayon noir, mais vous pouvez utiliser tout ce que vous avez autour pour faire une marque. Une fois que vous avez fait vos lignes en constante évolution, ce que j'aimerais que vous fassiez est de sélectionner entre trois et six des lignes que vous aimez et vous pouvez les aimer pour n'importe quelle raison du tout. J' aimerais que vous vous entraîniez à les répliquer sur une page. Comment vous me voyez faire ceci est que j'ai pris une page, j'ai légèrement dessiné quelques lignes droites qui vont fournir le chemin pour l'œil à suivre, et puis plus que j'ai mis sur la ligne plus sombre, pratiquant l'être capable de reproduire une ligne que je trouve intéressante. Merci beaucoup de vous joindre à moi pour le premier jour de marque dynamique et j'ai hâte de vous revoir le jour 2. 4. La ligne émotionnelle: Bienvenue au Jour 2 de la création de marques dynamiques. Lors de la session précédente, nous avons appris que chaque ligne et chaque marque que vous faites serviront deux objectifs. La première est d'aider à représenter l'objet que vous dessinez, mais la seconde est de communiquer une idée ou une émotion sur votre sujet ou ce que vous ressentez à l'époque, et j'ai aussi parlé de l'idée que nous ne pouvons pas nous empêcher de le faire . Quelle que soit votre pensée ou ce que vous ressentez propos de votre sujet ou ce que vous ressentez en général, d'une certaine façon va passer et vous êtes de qualité de ligne. Aujourd'hui, ce que nous allons faire est d'explorer comment prendre le contrôle de cela et comment essayer de communiquer des idées et des émotions spécifiques à travers le travail en ligne. Maintenant, il est important de se rappeler que les lignes et les marques que nous allons tracer aujourd'hui seront abstraites et non représentatives. Ce que ça veut dire, c'est que si je te demandais de dessiner une émotion particulière comme la colère, je ne veux pas que tu dessines des yeux en colère ou un visage en colère parce que ce serait représentatif. C' est un dessin qui tente de représenter un objet ou une image spécifique. Mais nous voulons tracer des lignes abstraites. Lignes qui semblent avoir des caractéristiques qui sont en colère, heureux ou triste sans essayer de dessiner une image particulière. Je vais entrer dans une démonstration aujourd'hui d'essayer de communiquer une émotion spécifique à travers une ligne. Pour le projet d'aujourd'hui, nous allons garder les matériaux très, très simples. Tu me verras utiliser une feuille de papier 8,5 sur 11 et un crayon de plaque. Mais vraiment n'importe quel papier ou tout matériel de dessin fonctionnera. D' abord, nous devons sélectionner une émotion. Pour cette démonstration, utilisons le sentiment de nervosité. Avant de commencer à dessiner, je vais me poser une série de questions. Ces questions m'aideront à traduire cette émotion en ligne. Rappelez-vous, les gens ont tendance à empathiser avec un anthropomorphize lignes. Que se passe-t-il dans votre corps quand vous vous sentez nerveux ? Nous avons également appris que la qualité d'une ligne peut être similaire à celle de la voix. Qu' arrive-t-il à votre voix quand vous vous sentez nerveux ? Quels adjectifs utiliseriez-vous pour décrire le sentiment de nervosité ? Maintenant, demandez-vous comment vous pouvez prendre les réponses à toutes ces questions et les traduire en ligne. Votre ligne nerveuse serait-elle grande sur la page ou petite ? Serait-ce fait de lignes claires ou sombres ? Votre ligne nerveuse serait-elle faite d'une ligne dure ou peut-être d'une ligne plus douce et plus brumeuse ? Il est important de se rappeler qu'il n'y a pas de bonne réponse à ces questions. Tout le monde éprouve ces émotions un peu différemment, et nous devrions nous attendre à ce que tout le monde les dessine différemment. Il est également important de se rappeler que la solution vous trouvez ne doit pas nécessairement être une seule ligne. Il peut s'agir d'une collection entière de lignes et de marques. Après m'être posé une série de questions et avoir réfléchi, je suis maintenant prêt à essayer ma ligne nerveuse. Quand je suis nerveuse, je ne me sens pas confiante ou audacieuse, je me sens petite. Par conséquent, ma ligne devrait être petite. Selon la façon dont je suis nerveux, ma voix et mon corps peuvent commencer à trembler. Souvent, quand je suis nerveux, je me sens un peu confus. Je ne suis pas sûr de ce que je devrais faire ou dire ou où je devrais aller. J' ai essayé de mettre toutes ces caractéristiques en une seule ligne. Bien sûr, vous pouvez éprouver la nervosité différemment que moi. Mais cette ligne commence à refléter ce que je ressens quand je suis nerveuse. Pour la première partie de votre projet aujourd'hui, vous allez laisser la vidéo en cours pendant que je vous guide dans un exercice. Tout comme vous m'avez vu démontrer, vous allez m'entendre vous donner une émotion et vous aurez un peu plus d'une minute pour essayer de dessiner ce mouvement de façon abstraite à travers les lignes et les marques. Je vais vous demander de ne dessiner qu'une émotion par page, et de cette façon, vous pouvez vraiment explorer l'émotion et aussi vous pouvez envisager le placement sur la page. Aussi, je veux que tu te rappelles que tu n'as pas à te limiter à une seule ligne. Vous pouvez avoir toute une collection de lignes et de marques. n'y a vraiment pas de mauvaises façons de faire ce projet et je veux vraiment que vous vous sentiez à l'aise pour explorer et expérimenter. D' abord, je vais vous demander de faire une ligne en colère. Avant de dessiner. Essayez de vous poser la même série de questions que je me posais avant de faire ma ligne nerveuse. À quoi ressemble la colère dans le corps ? À quoi ressemble la colère dans votre voix ? Votre ligne en colère sera-t-elle grande sur la page ou petite ? Sera-t-il dur ou plus doux ? Est-ce qu'il aura une légèreté ou sera-t-il plus lourd et sombre ? Quels autres adjectifs utiliseriez-vous pour décrire le sentiment de colère ? Après avoir réfléchi, faites votre marque chaque fois que vous êtes prêt. Rappelez-vous, il ne doit pas seulement être une seule ligne, Il peut être une collection de lignes et de marques si vous voulez. Il n'y a pas une seule solution correcte. n'y a pas de mauvaise façon de faire ce projet. Je veux simplement que vous exploriez comment une seule ligne peut tenter de communiquer une émotion spécifique. Juste un peu plus longtemps. Si vous avez besoin de plus de temps, n'hésitez pas à mettre cette vidéo en pause et à reprendre chaque fois que vous avez terminé. Ensuite, tracez une ligne ou une collection de lignes qui semblent calmes. Rappelez-vous, je vous donne un peu plus d'une minute, mais n'hésitez pas à mettre la vidéo en pause. Si vous sentez que vous avez besoin de plus de temps. Dessinez chaque fois que vous êtes prêt. Suivant. Dessinez une ligne triste. Mes élèves rapportent qu'il peut être utile d'essayer de ressentir ces émotions avant de tracer une ligne. Enfin, faites une ligne excitée. Une ligne qui semble joyeuse et extatique. Comment se sent l'excitation dans votre corps ? Comment cela se traduit-il en ligne ? Juste un peu plus longtemps. Dans chaque cours de dessin débutant que j'enseigne, je guide les élèves à travers ce même exercice exactement après leur avoir donné les mêmes instructions que celles que vous avez données dans cette vidéo. Je suis surpris de constater que même si tout le monde éprouve ces émotions un peu différemment, et que tout le monde les dépeint différemment sur la page, combien de similitudes il y a entre les élèves représentation de ces émotions ? Maintenant, je vais vous montrer une série de ces lignes émotionnelles que les élèves ont faites dans mes autres cours. J' aimerais que vous accordiez une attention particulière aux similitudes et aux différences entre la façon dont les gens dépeignent ces émotions. J' aimerais aussi que vous compariez vos propres solutions à ces émotions pour voir comment les vôtres se rapportent et comment elles sont différentes. Évidemment, je ne suis pas là avec vous et je ne vois pas ce que vous avez dessiné, mais j'ai imaginé que vous seriez plutôt surpris par certaines similitudes entre votre travail que vous venez de produire et les images que je vais vous montrer. Les lignes qui dépeignent la colère ont tendance à être sombres, agressives et dures. Tout en dessinant des lignes en colère, il n'est pas rare que les élèves cassent le matériel de dessin qu'ils utilisent parce qu'ils pressent si fort. Les lignes en colère semblent souvent déchiquetées et dangereuses. Ces lignes étaient souvent grandes sur la page. Si les élèves choisissent d'utiliser la couleur, ils choisissent souvent le noir ou le rouge. Bien que chacune de ces lignes en colère soit unique, elles partagent des similitudes frappantes les unes avec les autres. En tant que téléspectateurs, nous pouvons souvent sentir la rage qui sort de la page. Lorsqu' on leur demande de tracer des lignes calmes, les élèves ont tendance à adopter une approche très différente. Ils dessinent souvent des lignes douces et subtilement courbées qui se déplacent d'un côté à l'autre de la page. Beaucoup de téléspectateurs peuvent sentir que ces lignes calmes ont été tracées plus lentement et plus délicatement. L' un des éléments les plus communs que nous voyons dans les lignes tristes est la ligne qui descend et se dissipe à mesure qu'elle tombe. Encore une fois, chacune de ces lignes est unique, mais il y a quelques similitudes surprenantes entre elles. Ces similitudes illustrent que même si nous ne pouvons jamais contrôler ou prédire complètement comment le spectateur interprétera une ligne, nous avons beaucoup plus de contrôle que nous ne le réalisons souvent. Les lignes excitées sont souvent dessinées avec un éclat d'énergie. Notez que la page peut difficilement les contenir. Ils ont une vitesse et une spontanéité qui est excitante à l'œil. Après avoir passé cet exercice, les élèves seront souvent convaincus que les émotions peuvent être communiquées en ligne, mais ils ont exprimé le doute que les artistes les utilisent réellement à cette fin. Mais comparez ces lignes excitées abstraites montrées ici aux lignes de Rembrandt dans ce fort. Ils démontrent une similitude remarquable qui met en évidence l'amour absolu de Rembrandt pour le dessin, ainsi que sa joie et sa passion pour le sujet. Maintenant, revoyons cet exemple étudiant d' une ligne en colère et comparons-la avec ce dessin de maître de Tintoretto, dont le travail de ligne expressif donne une tension agressive à cette figure florissante. Pour le projet d'aujourd'hui, j'aimerais que vous continuiez à explorer ce que signifie d'essayer de traduire une émotion en ligne. Maintenant, il y a plusieurs façons de le faire. Vous pouvez faire le même exercice que je vous ai conduit aujourd'hui. Je vous encourage même à essayer d'amener la famille ou les amis dans ce projet pour voir les similitudes et les différences avec la façon dont ils vivent ces émotions. Une des idées importantes dans l'art est de continuer à pousser une idée de plus en plus loin. C' est une excellente occasion de le faire. Ce que je veux dire, c'est que vous pouvez essayer cet exercice à nouveau, mais voir si vous pouvez rendre votre ligne en colère encore plus, votre ligne excitée à paraître encore plus excitée. Vous pouvez essayer de les montrer à la famille et aux amis pour voir comment ils réagissent à ceux-ci. Voyez s'ils peuvent faire la différence entre votre ligne en colère et vous êtes excité ligne, là entre votre ligne triste et vous êtes calme ligne. Eh bien, amusez-vous avec ce projet aujourd'hui. Rappelez-vous que c'est le côté créatif expressif du dessin. n'y a vraiment pas de mauvaises façons de le faire. Je veux que tu te sentes à l'aise d'être créatif avec façon dont tu explores ces lignes et ces émotions. Amuse-toi bien avec ce projet, et je te reverrai pour le troisième jour. 5. Donner vie à la forme: Aujourd'hui, nous allons vraiment entrer dans cette idée, que chaque ligne et marque que vous faites dans un dessin va servir un minimum de deux buts. Encore une fois, le premier but est qu'il va communiquer quelque chose sur la forme que vous dessinez, mais le second but est de communiquer une sorte d' idée ou d'émotion sur le sujet que vous dessinez. Maintenant, il est important de se rappeler que la base lumineuse initiale des formes de base n'est jamais destinée à être vue par un spectateur. Il peut y avoir quelques restes dans votre dessin fini, mais nous voulons dessiner les fondations des formes basiques assez légèrement pour que lorsque nous mettons notre marque dynamique sur elle, cette fondation disparaisse presque entièrement. Si, pour une raison quelconque, vous n'avez pas passé la semaine des compétences de base de ce programme, ou si vous avez juste besoin de quelques rappels, je vais passer par et vous donner un résumé de base de certaines des idées que nous avons apprises qui vous aideront avec projet. Maintenant, le sujet avec lequel nous allons travailler aujourd'hui est une tasse à thé. Ou comme j'espère que vous en tant que dessinateurs l'avez compris, c'est un grand cercle et sept ovales de différentes tailles, différents niveaux d'ouverture dans divers axes. N' oubliez pas que nous voulons réussir à traduire toutes les formes en formes dessinées de base. Pour le projet d'aujourd'hui, je vais m'en tenir à mon papier de 18 x 24 pouces, un crayon noir, et vous me verrez utiliser un crayon bleu pour le dessin initial de la fondation. Mais je veux que vous vous souviez de la taille du papier que vous avez sous la main, quel que soit le matériel de dessin que vous avez sous la main fonctionnera. Je suis plus intéressé par la façon dont vous utilisez les matériaux plutôt que par les matériaux que vous utilisez. Dans la section Compétences de base de la série art et science du dessin, je vous ai présenté cinq questions que vous allez répéter encore et encore jusqu'à ce que les fondements légers des formes de base soient dessinés. Voici les cinq questions. Quelle est la plus grande forme ? Quel est son axe ? Quelle taille devrait-il être ? Où devrait-il aller sur la page ? Après avoir répondu à ces quatre questions, vous allez faire votre première tentative de lumière sur la forme. Enfin, vous allez vous demander, quels changements puis-je apporter ? Malgré votre meilleure première tentative, il est peu probable que vous ayez obtenu exactement le bon résultat. Peut-être que la forme doit être déplacée ou qu'elle doit être agrandie ou plus petite. Une fois que vous serez satisfait, vous allez répéter cette série de cinq questions à nouveau avec un petit changement à la première question. Quelle est la prochaine plus grande forme ? Vous répéterez cette série de cinq questions encore et encore jusqu'à ce que les bases de base de votre dessin soient posées. Lors de la démonstration d'aujourd'hui, vous me verrez utiliser les deux ovales qui composent le manche de la tasse à thé comme base d'improvisation. Plus tard dans cette série, nous vous donnerons des stratégies plus spécifiques pour dessiner des formes composées complexes, comme celle-ci. Dans cette première démonstration, j'ai dessiné les fondements des formes de base au crayon bleu. Il est important de noter que j'ai dessiné ces formes fondatrices de lumière plus sombres que je ne le ferais normalement. Ce n'est qu'à des fins pédagogiques, donc vous pouvez voir comment les formes fondatrices de la lumière se rapportent aux lignes plus sombres que je mettrai plus tard. Maintenant, vous allez me voir passer à un crayon noir pour mes expériences de création de marques dynamiques. Le moyen le plus simple d'ajouter rapidement du dynamisme à vos dessins est d'augmenter la vitesse de dessin. lignes qui ont été dessinées rapidement et en toute confiance, semblent simplement différentes des lignes qui ont été tracées lentement ou timidement. Dans cette démonstration, je ne suis pas vraiment inquiet de la précision. Je laisse mes lignes de crayon voler au-delà des contours et grue hors de contrôle sur les courbes. Rappelez-vous, nous n'essayons pas de faire de bons dessins de dessins finis aujourd'hui, nous cherchons juste un travail de ligne intéressant. Nous aurons beaucoup de temps plus tard pour explorer le rendu, l'ombrage dans les détails. Dans au moins une de vos expériences aujourd'hui, essayez de dessiner beaucoup plus vite que vous n'êtes à l'aise avec. Les spectateurs ont tendance à être plus indulgents d'un dessin qui les excite qui n'est pas tout à fait précis qu'ils ne le sont d'un dessin précis avec un travail au trait qui les ennuie. Nous essayons d'éviter de faire des dessins avec des lignes non inspirées ou prévisibles. Augmenter la vitesse de fabrication de vos marques est l'un des moyens les plus rapides et les plus simples de le faire. Vous remarquerez également que ces lignes fluides rapides sont dessinées plutôt sombres. Trop souvent, les élèves débutants sont terrifiés de faire des lignes sombres. Bien qu'ils soient plus permanents, ils sont audacieux, la qualité affirmée compense généralement les inexactitudes. Pour ma deuxième expérience de qualité, j'ai choisi de travailler avec une ligne griffonneuse et chaotique. Je lève mon crayon le plus peu de fois possible et je vais en arrière sur les zones sur lesquelles j'ai déjà dessiné. Le dessin résultant ressemble presque à un enchevêtrement de fil ou de ficelle. Au lieu de simplement tracer mes fondations légères de formes. Je ne l'utilise que comme un guide lâche. Mes lignes plus sombres serpentent autour d'elle tout en ignorant parfois tout ensemble. Même si la qualité de la ligne reste constante, vous remarquerez que j'assombrit ou éclaircit la pression que j'utilise. Cela me permet de donner l'illusion de la lumière et de l' ombre dans certaines zones de la tasse à thé. La densité des lignes dans une zone donnée aide également à l'illusion de valeur. Plus l'enchevêtrement de ligne est dense, plus la zone apparaît sombre. Bien que le style de fabrication de lignes semble salissant, je suis capable de capturer une énorme quantité de détails et d'informations sur la tasse à thé. J' aimerais aussi que vous remarquiez que cet enchevêtrement imprévisible et chaotique de lignes nous fournit plus qu' assez d'informations visuelles pour percevoir confortablement la tasse à thé. Vous n'aimez peut-être pas l'apparence de ce dessin, et vous pouvez ne pas aimer la façon dont certaines de vos expériences ont l'air aujourd'hui non plus. Rappelez-vous, notre seul objectif aujourd'hui est de faire quelque chose d'intéressant. Pour briser la monotonie du travail de ligne ennuyeuse. Plus vous expérimentez avec différentes qualités de ligne et de marque, plus vous avez de chances de trouver une façon dynamique de dessin que vous aimez. Tout en expérimentant avec la ligne, il est important de vous demander, que pensez-vous de ces marques dans les lignes ? Qu' est-ce qu'ils vous rappellent ? Est-ce qu'ils te font sentir quelque chose ? Est-ce qu'ils vous font penser à quelque chose en particulier ? Les lignes et la marque suggèrent des idées ou des concepts ? n'y a pas d'interprétations correctes ou erronées. Mais je veux suggérer que voir un dessin comme celui-ci est une expérience très différente de celle d'un dessin qui est simplement rendu pour être réaliste. Pour ma dernière expérience de qualité de ligne, je vais essayer de communiquer un ensemble spécifique d'idées. J' ai encore un souvenir vif d'avoir 14 ans, et apprendre pour la première fois que notre expérience humaine de la matière est solide n'est rien de plus qu'une illusion créée par le bourdonnement constant des atomes et des particules. J' ai aussi eu une fascination de longue date l'immensité de l'univers et le concept du temps profond. Que nos vies humaines moyennes sont infiniment petites sur une ligne temporelle cosmique. Je voulais expérimenter et voir si je pouvais créer un dessin, dont les lignes commençaient à suggérer certains de ces concepts, pour voir si je pouvais communiquer un sentiment de l'impermanence des objets. Suggérer l'énergie contenue dans les atomes qui composent chaque objet qui nous entoure. allusion à la nature mystérieuse des lois de la physique qui régissent ce monde que nous occupons, et essayer d'évoquer chez le spectateur le sens de la beauté éthérée que je ressens en contemplant même des objets simples. Maintenant, je ne prétends certainement pas que toutes ces idées et informations proviennent de ce dessin. Mais je suggère qu'en commençant par l'intention spécifique et noble de ce que vous voulez communiquer, c'est une merveilleuse façon de stimuler votre imagination et votre créativité. Il vous permettra de créer des dessins qui vont bien au-delà de la représentation. Les lignes et les marques que j'ai utilisées pour faire ce dessin sont entièrement verticales. Ils sont créés en poussant le crayon vers le haut, appliquant une grande pression au début de la ligne, mais en se dissipant au fur et à mesure qu'il monte, ce qui permet à la ligne de se ramollir puis de disparaître au fur et à mesure qu'elle monte. L' ascension des lignes est importante. Notez que vous pouvez dire simplement en regardant que les lignes se déplacent vers le haut et non vers le bas. Si les lignes avaient été tracées en descendant, le dessin aurait l'air de pluie, ou d'une autre substance particulaire qui succomberait à la force de gravité. Cependant, l'ascension des lignes que j'ai dessinées donne au spectateur l'impression de surmonter la gravité, comme si les particules individuelles de l'objet se séparaient et montaient. Maintenant, il est important de noter que, lorsque nous gagnons une expression, nous perdons souvent en détail. Il est difficile de capturer chaque nuance d'ombre ou chaque changement subtil du contour tout en appliquant certaines de ces lignes plus expressives. Cependant, cela peut être un commerce intéressant car cette marque dynamique a le pouvoir transformer un sujet mort-nature autrement banal en un drame cosmique . Je t'ai fourni. Je vais vous demander de dessiner trois tasses différentes. Je vais vous demander de dessiner les tasses à thé ont à peu près la taille de la vie sur la page. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits et s'ils sont un peu plus grands ou plus petits, c'est bon. Mais rappelez-vous, faire un dessin trop petit peut se sentir très claustrophobe, vous n'aurez pas beaucoup de place pour explorer votre marque. l'autre côté, faire un dessin qui est vraiment grand, peut se sentir accablant avec tant de surface de votre page à remplir. Une fois que vous avez vos trois fondations de tasse à thé légèrement dessinées sur votre page, je vais vous demander sur chacun d'eux d'explorer quelques différentes marques dynamiques. Le genre de lignes et de marques que vous mettez sur votre fondation légèrement dessinée peut être expressif émotionnellement comme nous l'avons expérimenté au deuxième jour, ou vous pouvez essayer de trouver une idée ou une philosophie comme vous m'avez vu le démontrer. Maintenant, vous êtes les bienvenus pour explorer l'un des types de marques que j'ai faites, mais je vous encourage aussi à voir si vous pouvez inventer une marque complètement différente. Je voudrais également vous rappeler que le but du projet d'aujourd'hui n'est pas de faire de bons dessins et que ce n'est même pas de faire des dessins finis, sont que des études et des exercices qui vont nous permettre d'explorer des expériences et des marques et lignes dynamiques. C' est une occasion pour vous d'être créatif et expressif sans vous soucier de faire un travail fini. Même si ces exercices ne produisent pas travail que vous pouvez encadrer ou accrocher au réfrigérateur nécessairement. Il y a encore une valeur inestimable votre développement en tant qu'artiste. Ils vous permettront d'explorer le type d'art que vous voulez faire, genre de dessins que vous voulez faire, et vraiment qui vous êtes en tant qu'individu créatif. Souviens-toi, apprendre à dessiner, ce n'est pas tellement je te dise comment tu vas faire les choses. Mon travail est de vous donner une base technique, mais votre travail consiste à prendre cette base technique et à y faire quelque chose de créatif, et c' est exactement ce que nous voyons dans la plupart des dessins de maître. Sur une base gestuelle incroyablement éclairée de lignes pour la figure, nous trouvons une vague de gribouillis qui suggèrent une agitation furieuse, ce qui donne au spectateur un sens distinct du tissu en mouvement. Nous obtenons un sens du temps et du mouvement similaire avec la façon dont le bras du batteur est dessiné, suggérant le battement d'un tambour. Le tambour entier est imprégné d'un sens du mouvement et de l'excitation. Non pas tant à cause des sujets des dessins eux-mêmes, mais à cause de la façon dont ils sont dessinés. Tout en apprenant à faire des marques dynamiques, élèves posent souvent des questions sur les taches ou les frottements de leurs lignes et marques afin d'obtenir l'apparence d'une forme lisse ou d'un sens accru du réalisme. Bien que je ne vais pas vous décourager activement de la bavure, je dirai que la plupart des maîtres utilisent rarement cette technique, un examen de plus près même des dessins qui semblent être méticuleusement mélangés, révélera généralement des centaines sinon des milliers de marques dessinées individuellement, chacune clairement visible sur la page. Vous êtes une anatomie unique, votre expérience de vie. La façon dont vous pensez et ressentez et votre réaction unique aux matériaux de dessin, seront tous dans une certaine mesure transférés dans vos lignes et marques. Sans aucun effort, vous avez déjà une marque qui est unique à vous. Je vous encourage à réfléchir à deux fois avant de l'obscurcir. Merci de passer du temps avec moi dans le studio aujourd'hui, et je vous verrai pour le quatrième jour. 6. La ligne Tactile: Pour commencer la leçon d'aujourd'hui, j'aimerais vous présenter un concept critique, et j'aimerais que vous gardez cette idée à l'esprit pour le reste de votre carrière de dessinateur et certainement pour le reste de ce programme. Le besoin de langage du dessin est la ligne. La ligne est ce que le crayon ou la plupart des matériaux de dessin font le plus facilement, maintenant nous pouvons utiliser cette ligne pour créer de la valeur, pour créer des formes, pour créer toutes sortes de textures en contes. Mais quand nous distillons le dessin jusqu'au bas, nous travaillons avec la ligne. Maintenant j'aimerais que tu jettes un coup d'oeil autour de toi et que tu te poses cette question. Quand votre œil tombe sur un objet, voyez-vous une ligne autour de cet objet ? Pouvez-vous voir une sorte de ligne sombre, comme nous l'avons vu dans un dessin qui contourne les bords de l'objet ? La réponse, bien sûr, est non. Ce que nous voyons sont différentes couleurs et valeurs se croisant les unes contre les autres, mais nous ne voyons pas de ligne réelle autour du bord des objets. Ce que cela signifie, c'est que la ligne, cet outil sur lequel nous en tant que tiroirs et artistes qui comptent si fortement, n'existe pas réellement dans la réalité, moins pas dans la façon dont nous la référons et le dessin. Maintenant, je pense que c'est une révélation passionnante parce qu'elle nous libère pour faire d'autres choses avec notre qualité de ligne. Pendant que tu dessines, je veux que tu gardes ce concept critique à l'esprit. Lorsque nous dessinons, nous ne faisons pas simplement copier ce que nous voyons, nous utilisons notre sujet est un point de référence comme point saut pour communiquer quelque chose à un spectateur. Maintenant, même le dessin le plus représentatif, celui qui est difficilement discernable d'une photographie, est encore constitué de petites lignes, et je vous encourage à utiliser ces lignes et marques comme une occasion d'aller plus loin que simplement représentant à quoi ressemble l'objet. Aujourd'hui, ce que nous allons explorer, c'est comment dessiner des lignes et des marques qui donnent au spectateur une idée tactile de ce qu'un objet peut ressentir au toucher. Maintenant, comme nous l'avons fait plus tôt cette semaine avec des émotions, nous allons nous poser une série de questions qui vont nous aider à traduire l'objet que nous dessinons en marques tactiles. Maintenant, j'ai sélectionné une série d'objets avec lesquels travailler aujourd'hui qui ont chacun une sensation tactile différente, et je vais me poser une série de questions. Que ressentent les sujets quand je les touche ? Mon sujet est-il dur ou mou ? Est-ce lourd ou léger ? Quels autres adjectifs utiliserais-je pour décrire ce sujet et comment puis-je utiliser ces adjectifs pour essayer de communiquer quelque chose à travers la ligne ? Dans chacune des démonstrations d'aujourd'hui, vous allez me voir commencer par simplifier chaque objet dans sa forme la plus grande et la plus basique, dans ce cas, c'est le cercle. Après le dessin et l'axe du ballon, vous me verrez ajouter légèrement sur le reste de la forme pour le ballon. Ensuite, vous me verrez dessiner légèrement dans le petit triangle et l'ovale qui composent l'extrémité attachée du ballon. Remarquez que même si cet ovale est très petit, je fais toujours tout le mouvement de l'ovale, tout comme vous m'avez vu démontrer dans la première semaine. Ensuite, je vais dessiner légèrement l'angle oblique pour la corde. Maintenant que le fondement de ma vie est posé, je peux commencer à dessiner dans les lignes plus sombres que je veux que le spectateur puisse réellement observer. Avec chaque marque que je fais sur ce ballon, je veux communiquer l'idée de légèreté et de levage. Les seules zones que je vais ajouter de l'obscurité ou tension sont dans l'extrémité attachée du ballon, qui n'a pas d'hélium dedans et ne contribue pas au levage, dans la ficelle, qui est toujours tirée par gravité. Ensuite, vous me verrez utiliser un peu d'ombrage pour impliquer la rondeur du ballon. Nous parlerons beaucoup plus de l'ombrage dans les semaines 7 et 8, dans l'art et la science du dessin. Mais d'ici là, rappelez-vous, le but de ce projet n'est pas d'enregistrer avec précision la lumière et l'ombre, c'est de donner au spectateur une idée tactile de ce que cet objet peut ressentir au toucher. Chaque fois que mon crayon se déplace vers une autre partie de l'objet, je me demande comment cette partie de l'objet se sentirait ? Comment se sentirait-il différent du reste de l'objet ? Comment puis-je communiquer cela à travers des lignes et des marques ? À l'exception de la corde et de l'extrémité attachée du ballon, il n'y a vraiment pas de marques sombres dedans. Alors que les marques sombres semblent et se sentent lourdes, les lignes plus légères semblent et se sentent légères, tandis que les lignes plus épaisses et plus volumineuses impliquent de la lourdeur et du poids, lignes plus minces communiquent également légèreté. La majorité de la ligne au contour ou au bord du ballon sont très minces. Bien qu'il y ait des lignes plus épaisses dans l'ombre, elles sont encore utilisées très légèrement, il n'y a pas de lignes sombres et épaisses dans ce dessin. L' une des façons dont j'essaie de communiquer l'élévation du ballon à hélium est de rendre les lignes du contour du ballon plus légères à mesure qu'elles s'approchent du sommet. Bien qu'aucune des lignes du contour du ballon ne soit vraiment sombre, vous pouvez voir que celles du haut sont à peine là. Contrastez cela avec les lignes que j'ai faites pour la chaîne du ballon, qui sont de loin les lignes les plus sombres du dessin. Encore une fois, cela implique que la chaîne du ballon est tirée par gravité pendant que le ballon réel se lève. Presque chaque ligne de ce dessin communique à la hausse, même la plupart des lignes d'ombrage lumineux sont dessinées verticalement, et la majorité de la ligne au contour du ballon, ont été dessinées vers le haut aussi. Dans cette démonstration, j'ai essayé de saisir autant d'occasions que possible pour démontrer une légèreté dans le levage. Encore une fois, vous me verrez commencer par dessiner un cercle lumineux, qui est la forme la plus basique du ballon d'eau. Ensuite, je vais placer la ligne d'axe. Alors que la ligne d'axe des ballons d'hélium était à un angle oblique, ce qui implique qu'elle flottait vers le haut d'une certaine manière, la ligne d'axe du ballon d'eau va aller droit de haut bas parce que la gravité le tire vers le sol. Ensuite, je vais compléter la forme globale du ballon d'eau en ajoutant deux lignes, elles courbent vers le haut à partir du bord du cercle et vont vers l'endroit où le ballon d'eau est suspendu. Notez que ces lignes font un triangle sur le dessus de ce cercle, j'ai dessiné ces deux lignes se déplaçant vers le bas pour aider à impliquer la gravité tirant vers le bas le poids du ballon d'eau. Les premières lignes sombres que vous me verrez ajouter sont aux endroits où je veux communiquer le plus de tension au sommet du ballon, juste en dessous où il est attaché, le poids de l'eau en dessous serait replié vers le bas, tirant la section supérieure du ballon serré et tot. Ensuite, vous me verrez dessiner des lignes plus sombres et plus lourdes en dessous pour commencer à communiquer le poids de l'eau tirant vers le bas et remplissant le ballon. À l'intérieur des bords du ballon, je vais recommencer à dessiner des lignes épaisses et sombres pour aider à communiquer le poids de l'eau qui tire vers le bas. Espérons que si j'ai fait mon travail correctement, ce dessin de ballon d'eau semble déjà plus lourd que le ballon d'hélium, vous venez de voir démontré. Mais j'aimerais continuer à pousser la sensation de lourdeur de l'objet pour vraiment essayer de communiquer le poids de la gravité tirant vers le bas. Avec chaque ligne épaisse sombre que je dessine, le ballon semble devenir plus lourd et plus lourd. Les seules lignes minces que je dessine sont près du sommet du ballon, où encore une fois la tension tire la membrane du ballon serré ainsi que la marée hors du ballon où je n'ai pas besoin de communiquer la lourdeur. Je voudrais que vous notiez, que ce dessin n'a pas été fait en commençant dans une zone et en se déplaçant vers l'extérieur, j'essaie d'aborder tout l'objet à la fois. De cette façon, aucune partie du dessin n'est plus finie que toute autre, le dessin se développe dans son ensemble. Cette stratégie me permet d'évaluer si les différentes parties de l'objet fonctionnent ensemble dans leur ensemble. Au lieu de me précipiter et d'essayer de compléter une section avant passer et d'essayer de compléter une section distincte du dessin, je développe l'ensemble du dessin par étapes. Une fois que je suis sûr que le dessin va dans cette direction que je voulais, dans ce cas, communiquer lourdeur au bas et l'attention près du haut, je peux décider si oui ou non je veux faire un autre passage pour pousser davantage ces sensations tactiles. Plus vous évaluez vos sujets en termes de sensations tactiles et plus vous pratiquez cela, plus vous serez sensibilisé au dessin tactile. Mais j'espère que vous pouvez non seulement voir mais sentir la différence entre ces deux démonstrations. Je voudrais encore une fois répéter que les types de lignes et de marques que j'ai utilisés dans ce dessin, n' ont pas été observés sur le sujet et ensuite copiés, j'ai pris une décision consciente de communiquer quelque chose de spécifique au spectateur, dans ce cas, les sensations tactiles faites à ces objets. La grande forme de base de l'oreiller que je dessine est essentiellement un quadrilatère. Avant d'ajouter des détails, vous me verrez bloquer dans la forme de base, modifiant au besoin jusqu'à ce que je sois heureux avec le fond de teint léger. Ensuite, vous me verrez dessiner légèrement dans les formes secondaires et tertiaires de l'oreiller. Encore une fois, si vous êtes aux prises avec cette étape du processus de dessin, s'il vous plaît vérifier la semaine des compétences de base de l'art et de la science du dessin. La sensation tactile primordiale que j'aimerais communiquer dans ce dessin d'un oreiller, c'est la sensation de douceur. Chaque ligne que vous me verrez faire, est destinée à renforcer cette sensation de douceur de l'oreiller. Les lignes que j'utilise pour communiquer cela, sont doucement courbées avec des bords souples. Bien que la qualité de la ligne que j'ai utilisée sur les bords de l'oreiller soit légèrement plus foncée que le reste des lignes, je n'utilise pas de lignes vraiment sombres, lourdes ou dures. Vous me verrez également utiliser lignes légèrement plus sombres et plus fermes dans les plis du tissu près des coins de l'oreiller. Ces lignes et marques me permettent d'augmenter soudainement la tension des plis sans rendre l'oreiller rigide ou dur. Encore une fois, je ne dessine pas les lignes de cette façon parce que je les ai observées sur le sujet réel. J' utilise des lignes douces à cause de l'expérience que je veux évoquer dans le spectateur. Cette marque fonctionne presque à un niveau subliminal. Les lignes et les marques que vous m'avez vues utiliser dans les dessins de démonstration d'aujourd'hui ne sont pas aussi expressionnistes que les lignes et les marques que nous avons utilisées les jours 1, 2 et 3 de cette semaine. On pourrait facilement les confondre avec des lignes purement représentatives. Ils communiquent néanmoins avec le spectateur d'une manière qui est nettement différente que si j'avais utilisé des lignes dures, nettes et angulaires. Encore une fois, je voudrais que vous notiez qu'au lieu de me concentrer sur une seule zone pour n'importe quelle durée réelle, je me déplace un peu autour du dessin, dans une tentative pour que le dessin se développe dans son ensemble plutôt que dans des morceaux et des morceaux. Cela me permet de m'assurer que toutes les différentes sections du dessin sont en relation les unes avec les autres. Après chaque passage sur le dessin complet, je peux évaluer et décider si le dessin doit paraître plus doux ou si je peux m'arrêter. Dans l'esprit de pousser ces sensations tactiles aussi loin qu'elles peuvent aller, j'ai décidé de saisir plus d'occasions pour adoucir le sujet. Vous me verrez indiquer l'ombre ici. Mais encore une fois, j'aimerais vous rappeler que rendre ombre allégée avec précision n'est pas l'objectif de cette semaine. Notre objectif est de pousser et d'explorer les sensations tactiles de nos sujets. Plus le dessin va loin, espérons-le, plus l'oreiller semble devenir doux et doux. Vous pouvez voir que j'ai décidé de dessiner quelques lignes vers le haut et au-dessus de la surface de l'oreiller d'un côté à l'autre pour aider à communiquer les poches. Encore une fois, ces lignes n'ont pas été observées sur le sujet, mais étaient encore une autre façon de communiquer, la douceur, l'enflure et la rondeur. Vous avez peut-être remarqué que beaucoup de lignes que j'ai utilisées dans l'oreiller sont similaires à certaines des lignes que j'ai utilisées dans le ballon d'eau et le ballon d'hélium. Mais j'espère que vous pouvez voir que le dessin d'oreiller n'a pas une sensation de poids ou de poids comme le ballon d'eau l'a fait. Mais il ne semble pas non plus comme s'il était sur le point de flotter. Espérons qu'il a juste assez de lignes plus lourdes pour le fondre. N' oubliez pas qu'il n'y a pas qu'une seule façon de communiquer une sensation tactile particulière. C' est juste une variation possible de la façon de communiquer la douceur d'un oreiller. Les sujets de nos trois démonstrations précédentes avaient tous quelques éléments de douceur. Mais dans ce dessin de démonstration d'une roche, il ne devrait même pas y avoir un soupçon de douceur. À l'exception du dessin très simple de la fondation, chaque marque et ligne de cette démonstration doit communiquer le dynamisme et la dureté. Au lieu de courber doucement les lignes qui s'écoulent les unes dans les autres, vous me verrez dessiner des lignes droites et nettes qui se rassemblent dans des angles dentelés pour indiquer le côté ombre de la roche. J' utilise une série de lignes droites parallèles pour renforcer encore l'idée des rochers surfaces dures. Ensuite, vous me verrez pousser le crayon à ses limites les plus sombres avec une série de petites lignes pointues, dans une tentative de donner au spectateur une impression d'éclats déchiquetés. Il est important de se rappeler que l'utilisation d'une seule ligne dans un dessin, quelle que soit la dynamique de cette ligne ou marque, limite le dynamisme et l'expression possibles dans ce dessin. Une variété de marques expressives et attrayantes est essentielle pour garder le spectateur visuellement intéressé par vos dessins. Donc, même si la majorité des lignes de ce dessin sont sombres et nettes, vous trouverez toujours des lignes plus légères et plus douces. Bien que j'ai essayé de garder toutes ces lignes droites. Maintenant que le dessin commence à prendre forme, et que les sensations tactiles des surfaces dures et des bords dentelés commencent à être communiquées. Je peux pousser le dessin plus loin en l'assombrissant et en ajoutant plus de détails. Je voudrais prendre un moment ici pour vous rappeler que, peu importe la séduisance des détails, il est important de garder les détails du dessin jusqu'à ce que les formes et formes fondamentales aient été dessinées avec succès. Tous les dessins de démonstration d'aujourd'hui illustrent clairement l'idée qu'un dessin évolue au fil du temps, commençant par de simples formes lumineuses qui gagnent en complexité jusqu'à ce que les détails soient dessinés. Au lieu de finir une zone avant de passer à la fin d'une zone séparée du dessin. Vous pouvez voir le dessin évoluer dans son ensemble avec chaque nouvelle passe fournissant plus de détails et d'informations. Maintenant, comparons ce dessin d' un rocher dur déchiqueté à notre démonstration précédente d'un oreiller gonflant doux. Dans ces deux dessins de démonstration, j'ai fait un effort pour capturer non seulement à quoi ressemble le sujet, mais comment il se sentirait au toucher, essayant d'évoquer des sensations tactiles spécifiques d'un spectateur. Mon espoir est que vous pouvez voir que bien que ces dessins soient représentatifs, ce qui signifie que nous pouvons les reconnaître comme un rocher et un oreiller, chacun d'eux va au-delà de la représentation pour tenter de donner au spectateur un visuel plus riche expérience. Avant de vous donner votre projet aujourd'hui, je veux vous laisser avec quelques pensées. Rappelez-vous que nous ne copions pas simplement ce que nous voyons, nous utilisons notre sujet comme point de saut pour communiquer avec le spectateur. Ce que nous communiquons pourrait être émotionnel, tactile, ou philosophique. Mais nous voulons vraiment profiter de l'occasion que nous offre le travail hiérarchique pour aller au-delà de la représentation. Encore une fois, c'est ce que nous voyons les maîtres faire encore et encore dans leurs dessins. Alors, pendant que vous vous posez des questions sur votre sujet, quelle serait la sensation tactile si vous le touchiez ? Vous devriez constamment vous demander, comment traduire ces sensations tactiles en ligne ? Avec des lignes claires ou des lignes sombres être mieux ? Vos lignes devraient-elles être douces ou droites ? Doivent-ils être droits et angulaires, ou devraient-ils avoir des courbes vers eux ? Bien sûr, ce sont les seules questions que vous pourriez poser. Je vous encourage à poser vos propres questions pendant que vous évaluez des sujets. Mais je veux juste les proposer comme point de départ. Ce que j'aimerais que vous fassiez, c'est choisir une paire d'objets qui ont un sens tactile opposé. Si l'un de vos objets est dur, l'autre devrait être doux, ou si l'un de vos objets est léger, peut-être l'autre devrait être lourd. Vous n'avez pas à choisir les sensations tactiles opposées que j'ai abordées ici. Vous pouvez choisir toutes les sensations tactiles opposées que vous voulez. Mais l'important est que les objets que vous choisissez se sentent complètement différents du toucher. Je vais vous demander de commencer chaque dessin en posant une base très légère de formes et de lignes de base. Une fois que vous êtes sûr que vos formes et lignes de base légèrement dessinées sont précises, vous pouvez commencer à poser les marques dynamiques et tactiles qui vont vraiment donner vie à ce sujet. Rappelez-vous, chaque marque que vous mettez vers le bas devrait répondre à cette question de savoir à quoi ressemble l'objet ? Et comment puis-je communiquer cela à un spectateur ? Maintenant, si vous avez du mal à poser une base légère de formes de base pour ces dessins, je vous encourage à revoir la semaine des compétences de base de l'art et de la science du dessin. Encore une fois, je tiens à vous rappeler que nous ne sommes pas inquiets de faire bons dessins et que nous ne sommes pas inquiets de faire des dessins finis. Notre seul objectif est d'explorer et d'expérimenter travail en ligne qui va donner au spectateur une sensation tactile de votre sujet. 7. Atmosphériques: Aujourd'hui, nous allons parler de l'atmosphère. Maintenant, d'abord, je veux parler de ce mot atmosphère. Le mot atmosphère a en fait deux significations primaires. Les deux ont des implications dans le dessin. La première définition est liée à l'atmosphère terrestre. C' est littéralement la collecte de gaz et de particules, y compris l'oxygène ou l'humidité qui composent l'atmosphère terrestre. Maintenant, la deuxième définition de l'atmosphère dont nous allons parler aujourd'hui est liée à l'humeur dans l'ambiance, ce sentiment que nous ressentons d'un endroit particulier. L' expression que les gens utilisent souvent en parlant l'atmosphère de cette façon crée une atmosphère. Tout d'abord, parlons de perspective atmosphérique. n'y a que quelques principes de perspective atmosphérique que vous devez vraiment comprendre. voici : les objets qui sont plus proches de nous apparaissent plus en contraste, ce qui signifie que les sombres sont plus sombres, et les lumières sont plus claires. Ils sont plus élevés en saturation des couleurs, ce qui signifie que les couleurs seront plus vives. Ils sont littéralement plus grands parce qu'ils sont plus proches de nous, et ils sont souvent plus ciblés, ce qui signifie que nous pouvons voir plus de détails. Cela signifie qu'à l'inverse, les objets qui sont plus éloignés de nous apparaissent plus bas en contraste, ce qui signifie que le plus sombre est sombre et le plus léger est la lumière. Ils ont moins de saturation des couleurs, ce qui signifie que les couleurs ne sont pas si brillantes. Bien sûr, les objets deviennent plus petits à mesure qu'ils s'éloignent de nous, et finalement, ils peuvent avoir des bords plus doux et moins de détails. Ils peuvent sembler un peu déconcentrés car les particules dans l'air obscurcissent l'information. Maintenant, nous n'observons que la perspective atmosphérique sur de grandes distances. Souvent, il faut des kilomètres pour pouvoir voir ces effets, mais avec une distance suffisante, nous pouvons nous attendre à voir les effets de la perspective atmosphérique dans presque n'importe quel environnement. cette première photo, vous pouvez voir clairement les verts brillants, les ombres sombres et les reflets chatoyants du feuillage au premier plan. Mais au fur et à mesure que le littoral s'éloigne, vous pouvez voir la couleur et le contraste disparaissent. Plus le littoral est loin, moins il a de couleur et moins de contraste. Maintenant, jetez un oeil aux formations côtières sur le côté droit de cette photo. Vous pouvez voir clairement le contraste s' estomper séquentiellement lorsque votre œil se déplace de la formation la plus proche vers la plus éloignée. Même l'océan lui-même semble en avoir la couleur aspirée, plus il se rapproche de l'horizon. cette dernière photo, vous pouvez voir du brouillard au loin, qui est bien sûr composé de nombreuses minuscules particules d'eau suspendues dans l'air. Toute augmentation de particules dans l'air, qu'il s'agisse de l'humidité ou de la fumée, tend à amplifier l'effet de la perspective atmosphérique. Plus le brouillard devient dense, moins les objets ont de contrastes colorants. Maintenant, regardons comment les artistes utilisent cette technique dans leurs dessins. À ce stade de votre formation artistique, nous ne parlons pas encore de couleur, mais plutôt de contraste. Comme nous l'avons vu sur les photos, nous pouvons clairement voir les sombres les plus sombres utilisés dans les formations les plus proches du premier plan. Alors que le littoral recule plus loin dans la distance, nous perdons tout sens du contraste dans le détail. Au lieu des sujets fortement dessinés que nous voyons au premier plan, nous ne trouvons rien d'autre qu'un léger lavage de valeur pour indiquer le littoral lointain. Dans ce dessin, bien que les montagnes les plus éloignées aient plus de détails en eux, vous pouvez toujours voir que les valeurs restent cohérentes avec ce que nous attendrions du point de vue atmosphérique, et nous pouvons toujours voir que tous les plus sombres les sombres sont massés près du premier plan. Je vais vous présenter aujourd'hui une technique de dessin avec le côté du crayon afin de fixer une grande masse de valeur. Lorsque nous parlons de valeur, nous faisons simplement référence à la légèreté ou à l'obscurité d'un sujet. Le but de cette technique est de pouvoir fixer une valeur transparente, même massive, similaire à la technique de lavage à l'aquarelle, mais en utilisant le crayon. Maintenant, lorsqu'il est fait correctement, ce type de dessin obscurcit les marques individuelles, et laisse littéralement la valeur se placer au centre de la scène. En fait, il est difficile de savoir dans quelle direction le crayon se dirigeait. Cette technique est souvent appelée grainage car elle permet au grain ou à la texture des papiers de passer dans le dessin. Cette technique de lavage ou de grainage va être incroyablement utile dans les deux idées d'atmosphère dont nous parlons aujourd'hui, et c'est l'une des techniques les plus courantes utilisées par les artistes. Voici un exemple de cette technique. Vous pouvez voir qu'à l'exception des bords de cette forme, il est très difficile de dire dans quelle direction le crayon allait tout en faisant ces marques. Vous pouvez également voir la texture du papier qui passe par la valeur massive. me regardant démontrer cette technique, remarquez que mon crayon va et vient sur la même section plusieurs fois. Cela sert deux objectifs. Le premier est d'aider à masquer tous les coups individuels. La seconde est d'assombrir la valeur, si je le désire. Ensuite, vous me verrez revenir sur toute la masse de valeur, mais cette fois, en modifiant légèrement l'angle de mon coup. Cette seconde passe obscurcit davantage les lignes ou marques individuelles. Rappelez-vous, le but de cette technique est d'obtenir un lavage de valeur qui ne montre aucun trait individuel. Ensuite, vous me verrez démontrer à nouveau cette technique, mais cette fois en appliquant seulement une petite quantité de pression. Cela me permet de créer un lavage incroyablement léger de valeur. Ensuite, vous me verrez essayer un lavage encore plus léger. Il est important de se mettre à l'aise en appliquant cette technique dans n'importe quelle valeur, la lumière ou l'obscurité. Il est également important de se rappeler que si vous voulez une valeur plus foncée, vous pouvez toujours la revoir à nouveau, mais ces valeurs de lumière doivent être faites en une seule passe. Il est presque impossible d'alléger un lavage sans détruire l'effet. Enfin, au bas de la page, vous me verrez pousser cette technique à ses limites plus sombres, faire une deuxième passe, faire une deuxième passe, qui l'assombrit encore plus loin. Si vous voulez obtenir de bonnes techniques de dessin comme celle-ci, je vous recommande de pratiquer l'abstrait, comme vous me voyez le faire ici, sans aucune pression de les utiliser dans un dessin représentatif. Cela vous permettra de vous concentrer uniquement sur votre technique, donc lorsque vous devez l'utiliser dans un dessin réel, vous serez prêt. Une fois de plus, vous me verrez commencer ce dessin en posant une base très légère de formes basiques. Parce que je suis en train d'inventer un paysage de montagnes qui se chevauchent, je n'ai pas besoin d'être aussi exigeante et de me sentir aise en ajoutant quelques détails à ces formes de base. Ensuite, vous me verrez assombrir chaque forme avec les valeurs les plus sombres étant utilisées le plus près du premier plan et les valeurs les plus légères étant utilisées pour les montagnes à l'arrière. Cette partie la plus proche de la montagne sera la plus sombre et celle dans laquelle nous verrons le plus de détails. Ici, vous me verrez articuler des arbres individuels. La valeur sombre et le niveau de détail aideront à tirer cette partie des montagnes vers l'avant. Maintenant, en utilisant le côté de mon crayon, vous me verrez donner une masse très sombre de valeur. Vous me verrez aussi passer plusieurs fois pour assombrir la valeur et masquer les traits individuels. Ensuite, vous me verrez articuler la ligne d'arbre de la section de montagne derrière celle la plus proche du premier plan. Vous remarquerez que je ne le dessine pas avec le même niveau de détail. Ou la même quantité d'obscurité que vous avez vue sur les montagnes au premier plan. Encore une fois, vous me verrez poser dans une masse de valeur en utilisant le côté du crayon. Etre très prudent de ne pas dépasser le bord de la ligne d'arbre. Être capable de contrôler la forme de votre masse de valeur vient avec la pratique. Toutes les zones de la forme que ma première passe aurait pu manquer peuvent être remplies doucement et soigneusement. Je prends un soin particulier de ne pas rendre aucun des coups visibles individuellement. Mais au lieu de cela, en essayant d'obtenir ces nouveaux coups pour se fondre doucement avec la plus grande masse. Vous me verrez répéter cette technique encore et encore. Chaque fois, diminuant l'obscurité de la valeur et le niveau de détail. Il est important de noter que le sujet de ce dessin, les montagnes boisées sont un sujet assez sombre en valeur. qui signifie que cette section la plus proche du premier plan sera la plus sombre. Chaque section devient plus légère, plus elle est loin. Si nos sujets avaient une gamme plus large de valeurs, au lieu d'être simplement sombre comme les montagnes boisées que vous me voyez dessiner ici, nous nous attendrions à voir les lumières extrêmes s'assombrir et se déplacer vers une valeur moyenne plus loin loin ils ont eu. Rappelez-vous, en fin de compte, c'est le contraste qui change. Ce qui signifie que plus un objet s'éloigne, plus il est en contraste. Ce qui veut dire que les sombres ne sont pas aussi sombres, et que les lumières ne sont pas aussi claires. Travailler avec la perspective atmosphérique, commençant par un sujet avec une valeur sombre unifiée, nous permet d'explorer cette technique dans son format le plus basique et fondamental. Nous vous offrirons une merveilleuse occasion de vous entraîner à fixer de la valeur avec le côté de votre crayon. Nous aurons beaucoup de temps plus tard dans cette série de huit semaines pour explorer des sujets plus complexes. J' aimerais que vous remarquiez que pour dessiner des lignes et des valeurs extrêmement légères, j'ai déplacé ma main du bout du crayon et vers le dos. Bien que toujours considéré comme une prise en main, cette variation le rend plus facile à dessiner à la légère. Mettre à peine aucune pression sur la pointe du crayon. Maintenant, accélérons le processus de dessin. Vous me verrez faire de nombreux ajustements aux valeurs et aux arêtes. Veiller soigneusement à ce que chaque section de la montagne ait une forme distincte et une valeur spécifique. Pour s'assurer que les relations entre les valeurs dans l'ensemble de l'image fonctionnent dans leur ensemble. Que chaque section de la montagne devient séquentiellement plus légère à mesure qu'elle remonte. Maintenant que nous approchons de la fin de cette démonstration de base de la perspective atmosphérique. J' aimerais parler d'une idée fausse commune sur le processus de dessin. Beaucoup de gens supposent qu'un dessin qui se termine un haut niveau de détail commence par un haut niveau de détail. Cela ne pouvait pas être plus loin de la vérité. Plus vous en apprendrez sur le dessin, plus vous comprendrez qu'un dessin évolue au fil du temps. Même cette simple démonstration de valeurs limitées pourrait être transformée en un dessin très détaillé et très réaliste si j'avais décidé de le prendre dans cette direction. En fait, si j'avais prévu dès le début de transformer ce dessin en un dessin très rendu et réaliste, il n'y a pas grand-chose que j'aurais fait différemment. Ne sous-estimez pas la puissance des débuts apparemment simples et humbles. Parlons de l'autre définition de l'atmosphère. Celui qui a à voir avec la création d'une atmosphère ou la création d'une ambiance particulière ou d'un sentiment particulier autour de votre dessin. Maintenant, il y a plusieurs façons de penser à créer une atmosphère. Mais l'un de mes favoris est l'idée d'activer l'air ou l'espace vide autour du sujet. Maintenant, c'est une technique très courante utilisée par les maîtres artistes. Encore une fois, nous sommes dans le domaine des idées qui ne sont pas observables. On ne voit pas l'air s'allumer quand on regarde un sujet mort-nature. Mais c'est une technique de dessin qui nous permet d'aller au-delà la représentation et de communiquer quelque chose au spectateur. Ici, vous verrez un excellent exemple de valeur définie à l'aide du côté large d'un outil de dessin. Notez à quel point vous pouvez voir clairement le grain du papier passer en utilisant cette technique. Je voudrais également que vous notiez que lorsque nous nous retirons dans ce dessin, il est très difficile de trouver une ligne discernable individuellement ou un bord dur dans l'ensemble du dessin. Cette technique donne l'impression que le sujet émerge d'un épais brouillard. Donner à l'ensemble du dessin un sens fantomatique du mystère. C' est un excellent exemple de l'artiste qui active et fait connaître l'air et l'espace vide autour du sujet. Dans ce prochain dessin, vous pouvez voir qu'en plus des nuages en arrière-plan, vous pouvez trouver de nombreuses lignes lumineuses électrifiant l'air. Il est difficile de dire quelle était l'intention originale des artistes avec ces lignes. Mais quelle que soit leur intention, ils ajoutent de l'excitation visuelle et de l'intérêt à ce qui aurait pu être un arrière-plan plus banal. Il y a potentiellement un nombre infini de façons de créer des humeurs et des sentiments différents dans vos dessins. Je vous encourage à explorer et à expérimenter. Pour voir quels types de pensées et d'expériences vous pouvez évoquer chez un spectateur. J' utilise souvent ces deux interprétations de l'atmosphère de manière subtile, même dans des dessins qui semblent très représentatifs. Une de mes choses préférées à faire avec la perspective atmosphérique est de l' appliquer à des sujets qui n'occupent pas assez profondément l'espace. Produire les effets observables de la perspective atmosphérique. Dans le dessin graphique, par exemple, aucune partie du corps n'est jamais si éloignée d'une autre partie du corps que l'on pourrait s'attendre à voir les effets de la perspective atmosphérique. Mais cela ne devrait pas empêcher les artistes d'utiliser cette technique pour impliquer de la profondeur. Tout en dessinant le bras le plus proche du spectateur, j'ai utilisé une combinaison de valeurs sombres et de lignes, ainsi que des reflets lumineux. Donner au bras une sensation de contraste élevé et un niveau de détail aigu. Maintenant, contrastez ce bras avec le bras le plus éloigné du spectateur. Vous remarquerez que le bras éloigné n'inclut pas beaucoup de détails. Il n'a pas de points sombres ou de points saillants. Il est laissé imprécis et indéfini. Cela permet au bras lointain de reculer dans l'espace. Alors que le bras plus proche semble venir en avant. Vous pouvez voir la même technique utilisée dans les jambes. Ce n'est pas comme si j'observais les effets de la perspective atmosphérique sur le modèle, puis je l'ai copié dans mon dessin. J' ai pris une décision consciente d'utiliser cette technique afin d'impliquer la profondeur. Une de mes façons préférées de créer une atmosphère en activant l'air et l'espace autour du sujet, est de laisser derrière moi des preuves de l'ensemble du processus de dessin. Toutes mes tentatives initiales sur le formulaire, y compris les lignes de geste, les lignes de mesure et les lignes de construction, sont laissées nues sur la page pour être vues par le spectateur. Je le fais pour deux raisons, premièrement, est que cela donne au dessin une idée du temps et de la motion. Ils fournissent un flou de mouvement qui semble capturer la figure dans le mouvement fait. La deuxième raison est que je crois retrait de la fascination des sciences humaines est en partie dû au fait qu'un dessin, contrairement à une peinture, révèle tout ce que l'artiste pensait lors de la réalisation du dessin. Dans un tableau, vous pouvez couvrir toutes vos erreurs et vos faux pas. Mais le processus est plus difficile à masquer dans un dessin. Faire l'expérience de la visualisation d'un dessin semblable à la lecture du journal des artistes. Voir les preuves du processus de pensée des artistes, ainsi que toutes les erreurs et les faux pas, donne un sentiment d'intimité et de vulnérabilité. Ces types de lignes de processus sont appelés pentimenti. Pentimenti sont des lignes qui montrent la preuve du processus de dessin. Y compris les erreurs qui sont délibérément laissées visibles sur la surface de dessin. Effacer ou masquer les pentimenti laisse le spectateur avec un sens plus stérile et moins humain de l'artiste. Je pense que pentimenti ajoute de l'excitation et du dynamisme à un dessin. En plus de donner un aperçu de l'esprit de l'artiste. Pour votre projet d'aujourd'hui, je vais vous demander de sortir dans le monde et de voir si vous pouvez observer la perspective atmosphérique en action. Vous devriez être en mesure de voir les effets de perspective atmosphérique quel que soit le type d'environnement dans lequel vous vous trouvez. Que ce soit plus naturel ou plus d'un paysage urbain. Tant que vous avez suffisamment de distance et de profondeur, vous devriez être en mesure de voir les effets. Maintenant, si c'est possible, je vais vous demander de faire un dessin en essayant d'enregistrer les effets de la perspective atmosphérique que vous êtes capable d'observer. Souvenez-vous, nous ne faisons pas de dessins détaillés aujourd'hui. On aura tout le temps pour ça plus tard. C' est une excellente occasion pour vous de pratiquer la technique de dessin que nous avons apprise aujourd'hui. En fixant la valeur en utilisant le côté du crayon. N' oubliez pas que nous n'avons pas besoin d'inclure de détails aujourd'hui. Nous cherchons simplement à obtenir les effets de la perspective atmosphérique. Une fois que vos formes simplifiées de valeur commencent à fonctionner comme perspective atmosphérique, si vous voulez essayer d'ajouter quelques détails, vous pouvez. Mais encore une fois, l'idée principale ici, est de capturer les effets simplifiés. Maintenant, pour un défi bonus aujourd'hui, vous pouvez essayer de simuler les effets de la perspective atmosphérique sur une nature morte. Comme vous l'avez vu dans mon dessin, vous pouvez utiliser les idées inhérentes à la perspective atmosphérique. La diminution du contraste des bords hors mise au point pour donner aux objets dans une nature morte simple, l'effet de la profondeur. Souviens-toi, tu ne pourras pas l'observer dans une nature morte. Mais cela ne devrait pas vous empêcher d'essayer d' utiliser l'illusion de la perspective atmosphérique.