Cours de gouache pour débutants

1. Introduction à la gouache: Bonjour, tout le monde. Bienvenue dans le voyage de Guha. Je m'appelle Maheg et je suis ravie de vous avoir tous ici. Avant de plonger dans le monde de Gosh, je voudrais vous parler un peu de moi et de la façon dont je suis arrivée ici Je pense que c'est une histoire à laquelle certains d'entre vous pourraient s'identifier. Comme beaucoup d'entre vous, je n'ai pas grandi en pensant que l'art pouvait être plus qu'un simple hobby. J'adore peindre et dessiner quand j'étais enfant, mais la vie, l'école et les attentes quant à ce à quoi devrait ressembler une vraie carrière m'ont empêchée de l'explorer sérieusement. Mais tout a changé pendant le confinement, lorsque le monde s'est ralenti et que j'ai enfin eu la chance de récupérer mes pinceaux. L'art est devenu mon évasion créative, ma thérapie et un moyen d'apporter un peu de beauté à une époque autrement chaotique. Sachez que l'art peut être bien plus qu'un simple passe-temps. Avance rapide jusqu'à aujourd'hui. Je partage ici mon parcours et tout ce que j'ai appris avec vous tous. Que vous choisissiez la gauche pour la première fois ou que vous peigniez depuis des années, ce cours est conçu pour vous aider à explorer, expérimenter et à tomber amoureux de ce médium incroyable. je regardais des vidéos et j'étais étonné de voir comment les autres peignaient avec une telle facilité. Maintenant, je veux être la personne qu'il vous faut, vous aider à découvrir votre potentiel créatif, une brasse à la fois Avant de commencer, permettez-moi de vous montrer quelques-uns de mes tableaux d' entraîneurs préférés. J'adore expérimenter avec leurre et les textures pour créer de la profondeur Il s'agit d'une scène de nature onirique où j'ai joué avec la tendance à adoucir les bords et à créer cette ambiance magique floue. Et en voici un autre, un paysage audacieux et coloré où j'ai inspiré les formes et couleurs de toutes les histoires Il s'agit de simplifier les formes, d'utiliser des couleurs douces et d'ajouter ces petits détails qui donnent vie à une peinture Ne t'inquiète pas. Nous aborderons toutes ces techniques plus tard dans le cours. La plupart de mes œuvres s' inspirent de la nature et des films d'animation, en particulier du studio Gibli D'accord. Parlons de gauche. C'est l'un des supports conviviaux les plus polyvalents et les plus grands du marché. Si vous vous demandez ce qu'est réellement le guh, considérez-le comme un mélange parfait entre l'aquarelle et Il est à base d'eau, comme les aquarelles, vous pouvez donc le diluer avec de l'eau pour créer de doux effets translucides Mais il est également opaque comme l'acrylique, ce qui signifie que vous pouvez superposer des couleurs claires sur des couleurs foncées Ce que les aquarelles ne peuvent pas faire facilement. Alors pourquoi devriez-vous apprendre le guh ? Tout d'abord, c'est incroyablement indulgent. Vous avez fait une erreur ? Pas de problème Vous pouvez attendre qu'il sèche et peindre dessus. Il est également incroyablement polyvalent. Vous pouvez créer des illustrations graphiques audacieuses ou des paysages doux et oniriques, tout avec le même support Que vous débutiez dans la peinture ou que vous ayez déjà essayé d'autres techniques, lavis est un excellent choix pour développer vos compétences De plus, vous n'avez pas besoin d'une tonne de fournitures pour commencer. Un petit ensemble de peintures, quelques pinceaux et du papier décent sont tout ce dont vous avez besoin. Je vais tout vous expliquer dans la prochaine vidéo, alors ne vous inquiétez pas si vous ne savez pas par où commencer. Saviez-vous que le squash existe depuis des siècles ? C'était un support populaire utilisé par illustrateurs et les designers bien avant l'apparition de l'art numérique. Même des artistes célèbres comme Henry Mattis et Mark Chogle ont utilisé le quash dans leurs Mais qu'est-ce qui rend le squash si spécial ? À mon avis, est-ce une fin folle. Une fois sec, il a un aspect lisse et velouté parfait pour numériser ou photographier votre travail. Pas d'éblouissement, pas de reflets. C'est pourquoi tant d' illustrateurs adorent le quash, en particulier pour créer des couvertures de livres ou J'espère que vous êtes aussi enthousiastes que moi à l'idée de commencer ce voyage. À la fin de ce cours, vous aurez une solide compréhension de l'utilisation du squash, de créativité et de la texture, et vous aurez donné vie à vos propres idées sur papier. Commençons. 2. S'initier à la gouache - Outils et matériaux Materials: Bon retour, tout le monde. Dans cette vidéo, nous allons parler des outils et du matériel dont vous aurez besoin pour commencer à utiliser Goh. Mieux encore, vous n'avez pas besoin d' une énorme collection de fournitures pour créer de belles œuvres d'art. Je vais vous montrer exactement ce que j'utilise, afin que vous puissiez commencer à peindre en toute confiance. Commençons par les peintures. Personnellement, j'utilise des gobelets à gelée à la gouache. Ils sont parfaits pour les débutants car ils sont abordables, éclatants et sont présentés dans ces gobelets amusants ressemblant à de la gelée qui facilitent le mélange. Ils durent longtemps si vous en prenez soin. Si vous n'utilisez pas ces peintures, ne vous inquiétez pas. Il existe de nombreuses grandes marques de gouache. Vous pouvez utiliser ceux en tube ou en tasse. Tout dépend de votre budget et de votre degré d' aisance avec le support. Assurez-vous simplement que l'étiquette indique «  guache » et non « acrylique » ou « aquarelle La différence est que la gouache est mouillable. Vous pouvez le laisser sécher sur votre palette et le réactiver avec de l'eau Les acryliques, quant à eux, sèchent en permanence. Ensuite, les pinceaux. J'aime utiliser des pinceaux à poils souples. Mes tailles préférées sont les pinceaux ronds en tailles six, quatre et zéro, un pour les détails. Les pinceaux ronds sont très polyvalents. Vous pouvez utiliser la pointe pour les ridules ou appuyer vers le bas pour des traits plus larges. Si vous expérimentez avec des textures, un vieux pinceau altéré fait également des merveilles Pour le papier, optez pour un papier épais de 180 à 250 g/m². lavage fonctionne mieux sur du papier plus épais car il absorbe l' eau sans se déformer. Personnellement, j'adore le papier pressé à froid pour sa texture subtile, mais le papier pressé à chaud est idéal si vous préférez une surface lisse. Enfin, quelques outils supplémentaires, une palette de mélange ou même une plaque en céramique ou une plaque en acier pour mélanger les couleurs Un pot d'eau propre pour rincer les pinceaux. Conservez deux pots si vous souhaitez séparer les couleurs claires et foncées. Des serviettes en papier ou peut-être un chiffon rugueux pour tamponner l'excès d'eau et nettoyer les pinceaux Il est également utile d'avoir un bout de papier à portée de main pour tester les couleurs avant de peindre, et c'est tout. Avec seulement quelques outils, vous êtes prêt à plonger dans le monde de Dieu. Dans la vidéo suivante, nous allons commencer à explorer les techniques de base telles que l'obtention de la bonne peinture, consistance, le mélange et la superposition. Commençons. 3. Techniques de base de la gouache ques ques: Bon retour, tout le monde. Maintenant que vos outils et votre matériel sont prêts, il est temps de vous plonger dans les bases de la gouache Dans cette leçon, nous aborderons trois techniques fondamentales comprendre la consistance de la peinture, mélanger les couleurs et superposer des couches Ce sont les éléments de base du travail à la gouache, et une fois que vous les maîtriserez, vous aurez la confiance nécessaire pour créer à peu près n'importe quoi Lorsque j'ai commencé à utiliser le nettoyant, j'ai eu du mal à obtenir une consistance uniforme. Parfois, c'est trop liquide, d'autres fois c'est trop épais et le mélange semblait impossible Mais croyez-moi, avec un peu de pratique, tout commence à fonctionner. Décomposons-le donc étape par étape. La première chose que vous devez maîtriser lorsque travaillez avec Guash est d'obtenir la bonne cohérence Gach est très polyvalent, mais sa magie réside dans la façon dont vous contrôlez le rapport eau/peinture Permettez-moi de vous donner trois exemples pour vous aider à vous en faire une idée. Si vous n'ajoutez pas d'eau, la peinture qui sort directement du tube ou du gobelet à gelée peut être épaisse et difficile à étaler. Il peut même se fissurer en séchant. Bien que cela puisse être utile pour les textures ou technique du pinceau sec que nous allons utiliser dans les prochains modules, ce n'est pas idéal pour une couverture lisse. Si vous ajoutez trop d'eau, votre gouache se comportera comme une aquarelle Il devient transparent et perd de son éclat. Cela peut être idéal pour les lavages ou les fonds clairs, mais cela ne vous donnera pas le look opaque et audacieux qui fait la réputation de la gouache La consistance idéale est crémeuse, comme de la crème glacée fondue. Ajoutez quelques gouttes d'eau et mélangez votre peinture jusqu'à ce qu'elle glisse facilement sur le papier, tout en vous donnant un aspect opaque et solide Un peu d'eau peut faire beaucoup. Commencez donc modestement et selon vos besoins. Testez toujours votre peinture sur du papier brouillon avant de l'appliquer sur votre œuvre d'art. Cela vous permet de vérifier la cohérence et d'éviter toute surprise. Ceci est similaire au mélange d'aquarelle. Commencez par une couleur, ajoutez un peu d'eau et tirez sur les bords pour les adoucir. Vous pouvez également mélanger deux couleurs en les superposant et en ajoutant de l'eau au milieu pour une transition en douceur Transitions douces entre les couleurs, essayez de les mélanger avec de l'eau Appliquez une couleur, puis ajoutez doucement l'eau sur les bords pour créer un effet de dégradé. Cette technique est particulièrement utile pour créer des éléments atmosphériques tels que le ciel et les paysages brumeux. L'utilisation de la courge blanche change la donne. Si vous voulez des tons pastels ou des reflets doux, mélangez votre couleur avec le blanc et mélangez-la. La deuxième technique consiste à mélanger avec de la peinture blanche. Au lieu d'utiliser de l'eau, vous pouvez mélanger avec de la peinture blanche. Le mélange de vos couleurs avec le blanc lorsque vous passez du foncé au clair crée des dégradés lisses tout en conservant l' opacité du quadrillage. 4. Mélanger, superposer: Technique de brosse sèche. Si vous souhaitez obtenir de la texture et aspect rugueux, essayez la technique du drybush Appliquez juste un peu de peinture sur un pinceau sec et faites-le glisser légèrement sur le papier. C'est idéal pour créer de l'herbe, fourrure ou même des nuages. L'un des avantages de la gouache est qu'il s'agit d'un support opaque, ce qui signifie que vous pouvez superposer des couleurs claires sur des couleurs foncées, ce que vous ne pouvez pas faire avec les aquarelles Parlons de la manière de superposer des couches de manière efficace. Si vous appliquez de la peinture alors que la couche inférieure est encore humide, les couleurs se mélangeront. Cela peut créer un effet crémeux doux, mais il est plus difficile de contrôler les bords. Par exemple, si je peins cette base noire et que j'ajoute immédiatement du blanc, vois comment elles se rejoignent. Pour des couches nettes et propres, attendez que la couche inférieure soit complètement sèche avant d'ajouter la suivante. C'est idéal pour les détails tels que la peinture feuilles ou de fleurs ou pour les reflets sur une couche de base. Regardez peindre cette base noire, laissez-la sécher puis ajoutez des détails blancs sur le dessus. Lorsque vous superposez des couches, commencez toujours par les détails. 5. Peindre le feuillage: Par exemple, lorsque je peins un buisson, je commence par une base vert clair, puis j'ajoute des détails plus foncés pour la profondeur, et je termine par des reflets pour plus de définition. Cela donne une illusion de pointe et de texture. Et c'est tout pour les bases. La cohérence, le mélange et la superposition sont les fondements de la peinture à la gouache Je vous encourage à passer un peu plus de temps à pratiquer ces techniques, fabriquer des montres, à essayer les dégradés et à jouer avec les superpositions Ne précipitez pas le processus. Il s'agit d'expérimenter et de s'amuser. Dans la prochaine vidéo, nous approfondirons ces compétences et explorerons comment créer de la texture et de la texture dans vos œuvres d'art voit là-bas. 6. Comment peindre des arbres: Bon retour. Au cours de cette session, je vais partager quelques conseils et astuces sur la façon de peindre certains éléments courants à l'aide de lavis. Par exemple, les arbres. Les arbres ne sont pas seulement un élément essentiel des paysages, ils constituent également un excellent moyen de s'entraîner à superposer, mélanger et à ajouter des détails Je vous guiderai étape par étape alors que nous créons trois types et formes d'arbres différents à l'aide de techniques simples et d'une palette de couleurs limitée. Pour cet exercice, j' utiliserai les nuances de vert suivantes. Vert foncé, vert olive, vert gazon, vert clair et une touche de jaune pour les reflets. Ce sont les mêmes teintes que utilisées pour le buisson dans notre dernière section. Vous pouvez ajuster ces couleurs selon vos besoins, mais assurez-vous de commencer par un ton plus foncé pour la base, puis mais assurez-vous de commencer par un ton plus foncé pour la base, puis de passer progressivement à tons plus clairs pour les tons foncés et les reflets. Quelques conseils à garder à l'esprit lorsque vous peignez des arbres ou tout autre élément à la gouache, la patience est essentielle Laissez toujours vos couches de base sécher complètement avant d'ajouter des détails. Cela permet d'éviter les taches et de garder vos couleurs éclatantes. Un pinceau altéré est idéal pour créer des feuilles texturées lâches, mais les petits pinceaux ronds fonctionnent parfaitement pour des détails plus définis Enfin, n'y réfléchissez pas trop. Les arbres sont naturellement imparfaits, alors acceptez leurs irrégularités Ce sont eux qui donnent à votre peinture un aspect organique et unique. Qu'il s'agisse de n'importe quelle forme ou taille, nous allons commencer par le vert foncé comme couleur de base. Une fois la couche de base sèche, nous répéterons le processus de superposition comme nous l'avons fait pour les buissons Une fois la base sèche, nous allons commencer à ajouter des détails. J'utiliserai d' abord le vert olive pour renforcer les tons moyens. Si vous avez un altérateur 7. Créer des formes: Pinceau. C'est là que ça brille vraiment. Tapotez légèrement le pinceau sur la forme de l'arbre pour créer une texture feuillue indéfinie Si vous n'avez pas de brosse altérée, ne vous inquiétez pas. Vous pouvez utiliser un petit pinceau rond pour peindre des formes de feuilles individuelles ou même de minuscules grappes de feuilles. La clé ici est de laisser apparaître une partie du vert plus foncé en dessous. Cela crée de la profondeur et donne l'illusion de couches de feuillage. Maintenant, pour les reflets, passez au vert clair et ajoutez de petites touches près du haut ou du bord extérieur de l'arbre, là où la lumière se produirait naturellement. Enfin, prenez de la peinture jaune et mélangez-la légèrement avec le vert clair pour obtenir les reflets les plus brillants Utilisez-le avec parcimonie. C'est idéal pour ajouter une touche finale de réalisme ou de stylisation à votre sapin 8. Ajouter des textures: Comme nous avons peint le buisson dans la dernière vidéo, nous allons suivre la même technique pour mettre en valeur les arbres. Commencez par sélectionner quatre couleurs : jaune clair, vert clair, vert sauge et vert foncé. Utilisez un pinceau rond sec et appliquez doucement du jaune clair comme couche de base pour créer des reflets Ensuite, nous utiliserons le vert clair, en l'appliquant en tapotant sur le jaune Cela aidera à créer du volume et un dégradé naturel. Vous pouvez commencer par des couleurs sombres ou claires selon votre choix. Nous allons maintenant ajouter du vert sauge dans les zones médianes, en nous concentrant sur l'adoucissement de la transition entre les tons clairs et les tons plus foncés Enfin, nous utiliserons du vert plus foncé pour approfondir les zones ombrées, en particulier près des bords inférieurs et intérieurs afin d'améliorer le contraste. Pour ajouter de la chaleur et de la texture , appliquez de légères touches d'ocre jaune Cela simulera l'effet des feuilles sèches captant la lumière du soleil. Enfin, vous pouvez ajouter quelques détails aux branches et à l' écorce de l'arbre en utilisant de l'ocre brun et jaune Pour mettre en valeur les reflets, utilisez de l'ocre jaune. Commencez par les zones ombrées, commencez par de l'ombre brûlée et du brun, puis ajoutez légèrement de l'ocre jaune pour mettre en valeur les reflets Vous pouvez également ajouter des branches entre les arbres pour le rendre plus réaliste. Et voilà, des arbres de toutes formes et de toutes tailles avec de la profondeur, de la texture et des reflets. Dans la section suivante, nous travaillerons ensemble sur une composition complète dans laquelle nous combinerons toutes les techniques apprises jusqu'à présent. J'ai hâte de voir comment vous allez tout réunir. 9. Créer votre premier paysage à la gouache: Dans cette dernière section, nous allons tout rassembler et créer une belle illustration de sentier forestier en utilisant les techniques que nous avons apprises jusqu'à présent. Vous pourrez vous entraîner à superposer des couches, mélanger et à ajouter des détails dans une composition complète J'ai hâte de voir le résultat de votre œuvre. Commençons par les couleurs de peinture, vert foncé, vert olive, vert gazon, vert clair, jaune, jaune ocre, marron, bleu clair et blanc Le nom des teintes peut varier d'une marque à l'autre. Notez donc attentivement les nuances dans ce tutoriel, afin que vous ayez une idée des nuances à utiliser exactement. Commencez par peindre le ciel en haut de votre papier. En bleu clair avec du blanc pour créer un dégradé doux qui s'estompe vers l'horizon Peignez le chemin avec de l'ocre jaune pour les abeilles, ajoutez un mélange d'ocre brun et jaune pour créer des ombres et de la texture le long des bords du Le chemin doit se rétrécir au fur et à mesure qu'il s'éloigne pour donner une impression de perspective. Mélangez une petite quantité de blanc au milieu du parc pour lui donner un doux effet ensoleillé 10. Ébaucher votre paysage: Une fois que le ciel est sec, ajoutez des élués d'arbres légèrement désaturés en arrière-plan. Vous pouvez utiliser un mélange de vert foncé et un peu de blanc pour créer des verts atténués Gardez ces arbres petits et mal définis pour donner une impression de distance Commencez par le vert foncé pour la base, puis superposez le vert olive et 11. Créer de la profondeur avec des couches: Vert pour la profondeur, finition avec des reflets jaunes. Vous pouvez utiliser des traits vers le bas pour créer la texture du feuillage, en les superposant du vert foncé au vert clair Utilisez des formes irrégulières pour la canopée et posez les greens avec soin pour maintenir la profondeur. Oh Sur les bords du chemin, peignez de petits buissons en utilisant la technique du buisson que nous avons apprise dans la leçon précédente. Commencez par du gazon vert et déposez des légumes verts plus clairs sur le dessus. Vous pouvez utiliser un pinceau altéré pour tamponner les textures afin de leur donner un aspect indéfini 12. Touches finales et détails épurés: Pour les touches finales, maintenant, c'est complètement facultatif, ajoutez de petites touches de couleur en peignant de petites fleurs ou des champignons le long du chemin ou près des arbres Utilisez un petit pinceau pour ajouter des détails tels que des troncs d'arbres, des branches et des ombres sous l'arbre ou les buissons J'espère que ce module d'introduction vous a permis de bien comprendre le quash, ce qu'est ce support polyvalent, comment l'utiliser efficacement et, bien sûr, ce qu'il faut faire et ne pas faire agisse de maîtriser la cohérence, de mélanger, superposer ou d'ajouter des détails, vous avez désormais jeté les bases nécessaires à la création de magnifiques œuvres d'art création de magnifiques Dans les prochains modules, nous passerons à la vitesse supérieure en peignant ensemble cinq illustrations complètes. Chaque module comportera une référence unique avec différents niveaux de complexité, nouveaux éléments, des défis créatifs et, surtout, beaucoup de plaisir. Qu'il s'agisse d'un paysage de rêve ou d'une nature morte animée, il y a tant à explorer et à apprendre Alors, tu as hâte de peindre ? Parce que je le suis sûrement. Prenons nos pinceaux, mélangeons nos couleurs et lançons-nous dans cette aventure créative. 13. Forêt enchantée - Esprits des bois: Bienvenue dans ce voyage magique dans la forêt enchantée Dans ce module, nous allons peindre une scène de prise de pain, un esprit mystique qui brille au cœur d'une forêt luxuriante Avant de nous plonger dans les couleurs et les coups de pinceau, préparons notre toile et préparons les bases de ce chef-d'œuvre onirique. Pour cette peinture, j'utilise une feuille mixte de 300 g/m². Vous pouvez utiliser un carnet de croquis ou une feuille séparée, selon votre préférence Si vous travaillez sur une feuille volante, je vous recommande vivement d'utiliser du ruban adhésif pour créer des bordures nettes et nettes Cela donne une finition professionnelle à la peinture. Si vous trouvez que le ruban adhésif est trop résistant et que vous craignez de déchirer votre papier, il vous suffit de le coller d'abord sur une table, puis de le décoller et de l' appliquer Vous pouvez même répéter cette étape plusieurs fois. Cela réduit la force adhésive tout en préservant vos bords intacts. Remarquez comment le ruban entrera en jeu à la toute fin lorsque nous révélerons ces bords parfaits et nets. Maintenant, esquissons légèrement notre composition. Pour cela, vous pouvez utiliser un crayon Edge B ou un crayon à deux tranchants. Nous ne voulons pas de marques de crayon foncé, car les courges peuvent ramasser graphite et créer des taches indésirables Dessinez la forme de base de l'entrée civique et, bien sûr, de notre cerf mystique Gardez les lignes simples et légères. 14. Ébauche et palette: Commençons par esquisser légèrement le schéma de base de notre scène forestière À ce stade, gardez vos mains détendues et vos coups de crayon doux. J'utilise intentionnellement une main légère, car lorsque nous esquissons doucement, cela nous donne la liberté d'apporter des modifications, d'effacer les erreurs et d'ajuster les proportions sans laisser de traces ou de taches sur le papier La première chose que je fais est de cartographier la ligne d'horizon et l'espace où se situera la forêt. J'indique vaguement où les arbres s'élèveront et comment ils encadreront le cerf au centre Pensez à cela comme à la mise en place d'une scène avant de placer le personnage principal. Remarquez comment je commence par de faibles lignes verticales. Ceux-ci finiront par devenir des troncs d'arbres. Pas encore de détails, juste une structure sur laquelle travailler. Au fur et à mesure que nous avançons, je commence à définir les grottes de fond. Ils seront nichés entre les arbres sur un côté du croquis, ajoutant une touche de mystère au décor. Lorsque vous dessinez des grottes, utilisez des lignes irrégulières irrégulières plutôt que des courbes lisses La nature suit rarement la symétrie. J'utilise des lignes qui se chevauchent pour indiquer la profondeur et j'assombrit certaines zones pour indiquer des ouvertures ombragées Soyez attentif à l'origine de votre source de lumière. J'imagine que la lumière filtre par le côté gauche, alors je fais en sorte que les bords droits de la toile soient légèrement plus foncés. Avant de terminer, je passe doucement sur certaines lignes pour augmenter le contraste uniquement lorsque cela est nécessaire Le long des ombres de la grotte, de la base des troncs d'arbres et des contours du corps du cerf Cela apporte un peu de dimension sans surcharger l'esquisse N'oubliez pas que nous peignons une scène enchantée but n'est donc pas la perfection, mais flux et le mouvement Et 15. Couches de base: Maintenant que notre croquis est prêt, il est temps de jeter les bases de notre forêt enchantée Dans cette étape, nous nous concentrerons sur la création d'une atmosphère plus onirique en utilisant des dégradés doux et des nuances chaudes Avant d'entrer dans les détails, nous allons commencer par une couche de base chaude. Je mélange de l'ambre brûlé et tarière jaune avec beaucoup d' eau pour créer un léger lavage Cette technique, appelée sous-couche, permet d' unifier les couleurs et d' éviter les taches blanches éparses sur le papier L'application d'un ton chaud en premier permet également les couches finales plus éclatantes et plus cohérentes, une technique souvent utilisée par les peintres classiques Donc, pour ce tableau, j' utilise le set Himema Jelly Cup Quash En conséquence, je vais vous indiquer le nom des teintes que je vais utiliser. Je vais donc utiliser un mélange de tons terreux profonds et de reflets ehrl fluides Voici donc le nom des teintes : ombre brûlée, jaune tarière, jaune terre, beige clair, vert clair, vert clair, jaune Naples, noir et, bien sûr, blanc Avant de commencer à peindre, je recommande toujours d'appliquer au préalable vos couleurs sur la palette. Cela rend le processus de peinture plus fluide et plus agréable au lieu de rechercher constamment des couleurs et de perturber le flux. Saviez-vous que dans de nombreuses cultures, les forêts sont considérées comme des passerelles sacrées vers d'autres réalités Ils représentent le mystère, la sagesse 16. Créer une ambiance mystique: Et transformation. En gardant cela à l'esprit, entrons dans le monde du réalisme magique avec nos premières couches. Construisons maintenant la structure de la grotte. Commencez par appliquer une couche foncée d'ombre noire et brûlée, en utilisant des traits ondulés lâches pour imiter la texture naturelle d'une grotte Réfléchissez à l' apparence des grottes dans la vie réelle. Ils sont inégaux, accidentés et mystérieux. Si votre peinture sèche trop rapidement sur la palette, il suffit d'arroser un peu d'eau pour la réactiver Le guash est merveilleux en raison de sa nature modifiable. Pour donner à notre peinture un aspect tridimensionnel, il faut de la profondeur. Pour ce faire, nous mélangeons des tons sombres aux tons plus clairs. Posez de l'ambre brûlé sur le noir, puis éclaircissez-le en mélangeant progressivement du beige clair et du jaune terre à mesure que nous nous dirigeons vers le centre de la grotte Cette technique crée une illusion de distance, donnant un indice de l'intérieur à l'entrée de la grotte. 17. Préparer votre porte d'entrée de forêt: Si vous avez déjà peint des paysages, vous remarquerez peut-être que la couche de base est souvent le héros méconnu C'est comme l' ingrédient secret d'une recette. Sans cela, les saveurs ne se marieraient pas aussi parfaitement. Dans la prochaine vidéo, nous allons donc commencer à donner vie à la forêt en ajoutant des textures et en superposant des couches Préparez-vous à faire de la forêt une réalité. H. 18. Donner vie à la forêt: À la vie. Ici, nous utiliserons des techniques de superposition pour créer un feuillage dense et riche Commençons par nous concentrer sur la grotte et les arbres environnants. C'est là que la texture entre en jeu, et nous allons construire la couche lentement pour lui donner de la profondeur et de la dimension. Au lieu de remblais plats, j'utilise des traits PeVy lâches avec une pointe ronde pour suggérer les surfaces inégales de la roche naturelle. Pas de mélange ici. Je veux que ces laboratoires soient placés les uns sur les autres, comme des formations géologiques au fil du temps. Cette technique permet de faire ressortir les textures naturelles que l'on trouverait dans une vraie grotte. Maintenant, remarquez que je n'essaie pas de lisser ces traits. Je laisse chaque couche parler d'elle-même. Certains traits sont plus clairs, d' autres plus opaques. Bon sang, laisse-moi jouer avec ça à merveille. Il suffit de contrôler le rapport eau/peinture. Pour les couches texturées comme celles-ci, séchez-les un peu avec votre pinceau Pensez-y comme si vous dessiniez avec de la peinture plutôt que de colorier Si vous avez accidentellement surtravaillé la surface ou si elle semble irrégulière, ne vous inquiétez pas Laissez-le sécher complètement avant de le superposer à nouveau. Bush est merveilleusement indulgent. Vous pouvez toujours revenir avec une autre couche. De plus, si votre peinture sèche trop rapidement sur la palette, saupoudrez simplement un peu d'eau. Vous le verrez revenir à la vie instantanément. C'est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles il fait rêver de travailler avec le squash. Une fois que cette riche base terreuse est en place, il est temps d'introduire des dégradés pour ajouter Mais sans mélange traditionnel, au lieu de passer d'une teinte à l'autre, je l'accumule par endroits 19. Textures d'arbre: Un petit conseil. N'utilisez pas trop d'eau ou vous finirez par activer la couche située en dessous. Au lieu de cela, chargez bien votre pinceau de pigment et tapotez doucement. Considérez cela comme une superposition contrôlée, et non comme un mélange. Pour ajouter de la dimension, j'alterne entre les bruns chauds et les verts en les plaçant à côté de l'autre plutôt que l'un sur l'autre Pensez-y comme un patchwork d'ombres et de lumière du soleil. La technique du pinceau sec brille vraiment ici. D'une main légère et d'un minimum d'eau, vous pouvez faire glisser le pigment sur le papier texturé pour créer l'illusion d'écorce, de mousse ou même de lichen Cette étape est entièrement consacrée à la modération. Ne couvrez pas tout. Laissez les parties de votre sous-couche montrer ces trous accidentels et ajoutez des caractères. Quash est parfait pour ça. Cela ne fatigue pas le papier comme le fait l'aquarelle, sorte que la superposition ne devient pas Parlons des ouvertures de grottes. J'assombrit l'intérieur de la grotte en utilisant du noir pur avec un écran tactile Je laisse des zones irrégulières qui imitent la façon dont la lumière filtre à travers les fissures ou les rebondissements des rochers voisins Même sans détails, ces formes irrégulières et changements de tons font croire à la profondeur réelle de la grotte Pour les œuvres aux d'art les plus marquantes aux abords des grottes, j'opte pour un mélange de beige clair et de jaune de Naples essaie de brosser doucement un côté des formations rocheuses Cela indique où la lumière entre en contact et fait ressortir les textures. Ce contraste d'ombre et de lumière sans se mélanger donne vraiment vie à la grotte Alors que nous approchons de la fin de la forêt, j'utilise le bout d'un petit pinceau plat pour ajouter des traits linéaires, racines rampantes et même des contours végétaux subtils le long des parois de la grotte Ces textures vénitiennes ancrent la mer. L'idée n'est pas de tout décrire mais de le sous-entendre. Parfois, j'adoucis la zone avec un pinceau humide pour créer de la profondeur en arrière-plan. D'autres fois, j'utilise pigment pur pour faire avancer une branche ou un rocher. Avec Quash, vous peignez toujours dans un but précis. 20. Silhouette d'esprit ette: Dans cette vidéo, nous allons donner vie à l'esprit de la forêt Notre cerf mystique est sur le point de sortir de l'ombre. Commençons par mélanger de la menthe de rechange avec une touche de blanc. Vous devez vous assurer que la menthe de rechange est la couleur dominante, mais qu'elle est adoucie par le blanc Nous allons maintenant appliquer cela à des parties aléatoires de la zone centrale. C'est comme laisser la lumière circuler naturellement dans la forêt. Certaines zones auront plus de cette couleur tandis que d'autres en auront moins. Ce caractère aléatoire est ce qui crée cette sensation d' éclat organique Commencez à appliquer ce mélange au centre juste entre la grotte la plus sombre et le cerf mystique Concentrons-nous sur l'augmentation la lumière en quelques traits aléatoires, permettant au vert de s'estomper doucement dans les zones sombres environnantes. Il est important de ne pas tout couvrir , car nous voulons certains tons plus profonds transparaissent. La beauté de cet effet réside dans le contraste. C'est une transition entre la grotte sombre et le centre lumineux qui crée cette atmosphère magique Maintenant que nous avons appliqué ce mélange de blanc de paiement au centre, il est temps de le mélanger. Utilisez un pinceau humide pour mélanger délicatement ce produit avec les zones environnantes, veillant à ce qu'il n'y ait pas de ligne dure entre les deux. Vous pouvez continuer à le superposer, en appliquant plus de transparence et de blanc si nécessaire, et en le mélangeant pour créer des transitions fluides Cette technique nous donnera une douce lueur qui ressemble presque à de la lumière filtrant à travers le couvert forestier. Une fois que vous aurez créé cette première couche de vert onirique, nous ajouterons une autre touche magique au centre Nous mélangerons du jaune de Naples avec blanc pour créer un ton jaune beurre doux Cette couleur est parfaite pour créer de la chaleur et améliorer l'éclat que nous voulons dans cette partie magique de la peinture. Vous remarquerez que cela ajoutera une touche de chaleur subtile à la peinture et facilitera la transition entre vert pâle et les zones plus sombres environnantes Vous pouvez superposer les couleurs jusqu'à ce que vous obteniez ce doux dégradé lumineux dans la partie centrale du tableau Cette technique est une question de subtilité. Chaque couche doit se fondre dans la suivante, créant une transition en douceur entre les tons froids et chauds. Prenons maintenant un moment pour prendre du recul et regarder la section centrale. Remarquez comment les couleurs se fondent les unes dans les autres et comment la luminosité du milieu contraste avec les tons plus sombres qui l'entourent. Ce centre magique de rêve est le cœur de notre forêt. C'est de là que provient toute l' énergie mystique, et il est essentiel qu'elle ne domine pas les éléments environnants L'équilibre entre la lumière et obscurité donnera vie à l' ensemble de la scène. 21. Le cerf mystique: Je commence par un vert olive et j'ajoute un peu de noir pour l'assombrir Nous voulons que ce tag ait l' impression de faire partie du monde mystique, il doit donc avoir une présence presque mortelle Pour les bois, utilisez un petit pinceau pour capturer les détails les plus fins Plus le pinceau est fin, plus vous aurez de contrôle sur les fonctions complexes. Nous commencerons par peindre le cerf Silhot dans des tons plus foncés, puis nous ajouterons les reflets qui lui donneront impression qu'il brille dans la forêt brumeuse Bon, pour l'effet lumineux, je mélange de l' ocre jaune avec En appliquant ce mélange sur les bords des bois, la couleur plus claire donne au cerf aura magique que nous recherchons. Remarquez comment la lumière sur les bois commence à transformer le cerf en un esprit brillant Maintenant, cette technique s' appelle le surlignage. C'est ce qui transforme un tableau plat en quelque chose de vivant et de vibrant. Ensuite, nous ajouterons quelques touches finales et détails mineurs, notamment des feuilles et des reflets. Ces petits éléments réuniront notre forêt enchantée. 22. Touches finales: Nous avons atteint la partie la plus excitante : la magie de l'éclairage. Dans cette section, nous travaillerons à créer les reflets lumineux qui donneront vie à notre forêt d'une lueur ehrl L'éclairage d'un tableau est comme l'assaisonnement d'un plat. Cela peut créer ou défaire l'atmosphère. Ici, nous utiliserons les reflets pour créer la magie. Commencez par blanchir à la chaux et ajoutez des points ou des traits doux à votre peinture. J'ajoute de l'herbe et des cailloux au fond, en utilisant un mélange de vert et de brun pour donner au sol de la forêt une apparence bondée et réaliste De petits coups de pinceau blancs sur les bords des feuilles, des pierres et d'autres éléments refléteront la lumière et ajouteront du réalisme à la scène. Ces touches finales donneront à la peinture un aspect plus complet, comme si la forêt avait vraiment pris vie. Moins c'est plus lorsque vous appliquez des surlignages. Quelques traits subtils sur les lisières ou dans la forêt ajouteront suffisamment de magie pour faire briller le tableau. J'ajoute également de la lumière aux abords de la grotte, où la lumière de l' esprit se reflétera et créera un doux effet éthral 23. Magie de l'éclairage et détails finaux: À la fin, remarquez à quel point les dernières touches font passer votre peinture de bonne à impressionnante. C'est comme si la forêt elle-même rayonnait de vie et de mystère Saviez-vous que les forêts couvrent 31 % de la superficie terrestre de la Terre, fournissant de l'oxygène et un abri à d'innombrables créatures ? Leur beauté reflète l'équilibre de la nature, tout comme nous visons l' équilibre dans notre composition. Regardez le travail que vous avez accompli. De l'esquisse des premières lignes brutes à l'ajout de reflets éclatants Chaque étape a mené à cette magnifique forêt enchantée. La dernière étape consiste à retirer le ruban adhésif et à voir les bords nets et nets qui ajoutent une touche parfaite à la peinture D'une main ferme et d'une légère traction, le ruban révèle des bordures nettes et immaculées Et voilà, votre propre forêt enchantée pleine esprits rayonnants et d'une profondeur mystique Ce n'est que le début. Continuez à explorer de nouvelles techniques et histoires à travers votre art. Le monde est plein de magie, et votre pinceau est la clé pour le déverrouiller J'espère que vous apprendrez tous quelque chose grâce à ce module et que vous vous sentirez plus à l'aise pour donner vie à votre propre forêt enchantée Je recommande vivement de suivre, car j'ai essayé d'être aussi descriptif que possible. Si vous avez encore des questions, hésitez pas à me contacter. Je suis toujours heureuse de vous aider. Si vous pensez qu' il s'agit d'une référence facile, passez au module suivant. L'art consiste à repousser les limites et à apprendre quelque chose de nouveau à chaque fois. Alors préparez-vous pour la prochaine aventure. 24. Temple souillé dans la forêt: Bienvenue dans le module 2, où nous allons donner vie à un temple délabré dans la forêt Avant d'entrer dans les détails, prenons un moment pour examiner le tableau final que nous allons créer tout au long de ce module. Cela vous donnera une idée claire de la direction que nous prenons. Nous allons maintenant commencer par dessiner la scène du temple et de la forêt Comme nous l'avons appris dans le module précédent, il est essentiel de ne pas trop appuyer avec votre crayon pendant cette étape. Le fait de garder le croquis léger permet d'éviter tout effet d'éponge indésirable une fois que nous avons commencé à peindre Ce croquis servira de feuille de route, alors prenez votre temps pour mettre en place les éléments clés. En dessinant, je me concentrerai sur les formes de base, la structure du temple, les arbres et le feuillage environnant. Le toit et les murs du temple doivent être positionnés avec précision. Soyez légers et assurez-vous que tout est proportionné avant de passer à la peinture. C'est le fondement qui guidera le reste du tableau. N'oubliez pas que nous allons utiliser la technique de sous-couche ici, notamment en raison de la sensation de terre que nous voulons obtenir La sous-couche aidera à créer une base solide et à tremper pour les couches finales Il est donc crucial que nous nous installions bien. Le 25. Faire des croquis de la scène: Je commence par une sous-couche légère avec de l'ombre brûlée, puis diluée avec beaucoup d'eau Cela aide à tonifier le papier et donne à la peinture une base chaude et terreuse Je l'étale uniformément sur toute la feuille à l'aide larges coups de pinceau pour m' assurer qu'aucune tache ne reste découverte Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Assurez-vous simplement que le papier est entièrement recouvert ce vernis brun clair. Une fois que la sous-couche est sèche ou fixe, je mélange légèrement ma palette de gouache avec de l'eau à l'aide d'un vaporisateur Cela permet de garder les peintures humides et faciles à travailler, autant plus que la gouache a tendance à sécher rapidement sur la palette Je vous recommande de retirer toutes vos peintures à l'avance pour accélérer le processus ultérieurement afin de ne pas avoir à vous soucier de mélanger pendant que vous peignez. J'aime préparer les choses avant de commencer. Cela inclut différentes nuances de brun, de vert et quelques tons plus clairs, comme des acres et des tons bruns pour les reflets En préparant votre palette à l' avance , vous pouvez vous concentrer sur la peinture sans avoir à vous arrêter toutes les quelques minutes une fois que tout est réglé Commençons par superposer la scène 26. Sous-peindre le ciel: Maintenant que notre croquis est terminé, plongeons-nous dans le tableau. Dans cette section, nous nous concentrerons davantage sur les textures du temple, en ajoutant de la profondeur et des détails. Le toit étant en tôle, nous utiliserons un mélange de gris et de noir pour reproduire la texture métallique Lorsque vous peignez de l'étain, vous devez utiliser des coups de pinceau qui imitent les panneaux d'étain Veillez donc à faire attention à la direction de vos traits pour créer un effet réaliste H Utilisez un pinceau plus fin pour ajouter des détails au toit, vous concentrant sur les bords et les ombres où la lumière ne pourrait pas atteindre Cela contribuera à lui donner une impression de dimension. Pour l'instant, faites en sorte que le toit soit un peu discret, car nous l'affinerons plus tard. Lorsque nous approcherons de l'entrée du temple, nous ajouterons de l' ombre brûlée sur les bords pour donner à l'entrée un effet profond et ombragé Ajoutez ensuite du rouge pour mettre en valeur les courbes, créant ainsi de la profondeur autour de l'entrée. Cela donnera l'illusion que nous entrons dans un espace sombre, améliorant ainsi la rondeur naturelle de la porte 27. Toit et murs la: Pour le rendre encore plus intéressant, j'ajoute un peu de pomme épicée. C'est un rouge orangé, légèrement plus chaud et plus clair. Je le pose sur le dessus de la base en traits légers, presque comme si je dépoussiérais le mur de couleur Cela crée de la variation et de la profondeur, comme si la peinture du mur avait été décolorée par le soleil et le temps Vous ne voulez pas de couleur unie ici. Laissez votre pinceau transpirer un peu. Quelques stries et patchs aléatoires le rendent en fait plus crédible Si vous avez déjà regardé un vieux bâtiment, vous remarquerez que la couleur n'est pas uniforme. Certaines parties sont plus claires, d'autres plus décolorées, et c'est ce que nous recherchons Passons à l' entrée du temple, l' une des parties les plus importantes pour créer l'ambiance. J'utilise de l'ombre brûlée, un brun terreux foncé pour assombrir les bords du Cela contribue à créer l'illusion d'un pourboire. Cela attire le regard du spectateur et donne l'impression que la porte s'enfonce dans la structure Je reprends ensuite un peu de notre rouge vermillon et je trace doucement les courbes autour du Dv Ce contraste entre ombre et lumière donne à l'entrée un effet plus arrondi et boisé C'est comme si vous créiez un cadre souple pour la colombe, un cadre qui indique aux spectateurs qu' il y a encore plus à offrir au-delà de ce point À l'heure actuelle, les murs devraient être chauds et le toit devrait être recouvert d'une tombe métallique douce. L'ensemble du temple commence à avoir l'air d'appartenir, non seulement à la peinture, mais aussi à la forêt elle-même. Chaque trait que vous avez ajouté jusqu'à présent contribue à raconter l'histoire d'un lieu qui est resté silencieux pendant des années, se fondant dans la nature 28. Ajouter de la profondeur aux textures du temple: J'espère que vous serez en mesure suivre le processus jusqu'à présent. Dans cette section, nous nous concentrerons sur l'ajout d'ombres, statues et de textures à la couronne de la forêt. Utilisez un pinceau plus petit ou un pinceau plus fin pour ajouter des détails complexes. N'oubliez pas que plus les détails sont fins, plus la pièce sera réaliste. aide d'un pinceau rond de taille moyenne, je me concentre maintenant sur l'ajout structure et de texture au toit en tôle. À l'aide d'un mélange d' ombre brûlée et d'un peu de noir, je commence à tracer des lignes diagonales sur le toit. Ces lignes suivent la direction des panneaux d' étain et aident à imiter la surface ondulée légèrement rouge que on voit souvent sur les tôles d'étain Sur les bords inférieurs du toit, je courbe légèrement les lignes pour suggérer la courbure et le flux naturels du métal vieilli, là où les panneaux peuvent avoir légèrement fléchi ou se sont affaissés au fil du temps Ces lignes n'ont pas besoin d'être parfaites ou régulièrement espacées. En fait, un peu de variation les rend plus naturels. Concentrez-vous simplement sur la cohérence de vos traits avec la perspective et le flux du toit. Cette profondeur donne au toit apparence texturée et dimensionnelle, lui donnant plus de réalisme et le faisant avancer dans la scène Oh, nous allons mélanger ambre brûlé avec du rouge et peindre des ombres feuillues aléatoires qui semblent se glisser du sol sur les murs Cela nous donne cet aspect envahi par la végétation, les feuilles et les vignes envahissant lentement le temple Imaginez à quoi ressembleraient les ombres des plantes et des vignes voisines lorsqu' elles tomberaient sur le mur. Certaines arêtes vives, autres sont souples, comme la lumière du soleil qui traverse les couches de feuilles Cela contribue à créer cette sensation d' envahissement par la végétation. Comme si la nature s' insinuait lentement et s'enroulait autour du temple 29. Ombres, statue: Nous y sommes presque. Ajoutez ensuite les barres de fenêtre en acier et utilisez une teinte plus claire pour mettre en valeur les barres. Dans cette partie de la peinture, je m'attache à donner vie à la fenêtre en ajoutant tous les détails complexes à l' aide d'un pinceau rond de taille moyenne Je commence par peindre le cadre de la fenêtre, en dessinant soigneusement les bords extérieurs pour lui donner une forme nette et définie Ensuite, je commence à ajouter les rambardes de fenêtre en utilisant un mélange d'ambre brûlé et noir pour obtenir un outil foncé riche qui contraste bien avec celui du temple Ensuite, je superpose les lignes horizontales en assurant qu'elles se croisent parfaitement avec les verticales Ces barres transversales contribuent à donner à la fenêtre un champ structuré solide Pour ajouter une texture réaliste, je fais varier la pression de mes coups de pinceau, appuyant un peu plus fort pour les lignes plus épaisses où les ombres tombent et en utilisant une main plus claire pour les reflets. J'inclus également de petits éléments tels que des poignées de fenêtre ou des charnières, en les plaçant là où se trouveraient les bords d'ouverture Ces petites touches peuvent sembler subtiles, mais elles contribuent en réalité à couronner la fenêtre. Après avoir défini la structure, j'ajoute des ombres sous les balustrades et le long des bords intérieurs du cadre. Elles sont peintes avec un mélange plus dilué d' ombre brûlée légèrement mélangée pour adoucir la transition et donner une impression de profondeur comme si la lumière tombait de manière inégale sur la fenêtre Pour rendre les panneaux de verre plus réalistes, j'ai ajouté une couche de fond souple à l'intérieur de la fenêtre. Il s'agit d'un doux mélange de vert bleu clair et d'une touche de blanc. Je l'applique en fines touches lisses l'aide d'un pinceau rond plat ou doux. Cette teinte subtile donne l'illusion que la lumière se reflète sur le verre, comme si le monde extérieur était à peine visible derrière les reflets. Il ajoute une sensation de calme et réalisme sans détourner l'attention des détails des fenêtres Gardez cette couche très douce. Aucune ligne dure ici. Pensez-y comme si vous peigniez de la lumière dans l'air, pas des objets. Avec toutes les rambardes, les ombres, les textures et les pierres de verre en place, la fenêtre commence enfin à avoir l'impression d'appartenir à la scène Ce sont ces petits détails qui font vraiment ressortir un tableau. Plus vous leur accordez d'attention, plus votre scène sera riche en profondeur et en émotions. 30. Sol de forêt: [Pas de discours] 31. Touches finales: Il s'agit de la dernière section de ce module où nous nous concentrerons sur l'ajout de points de verdure et sur la finition du paysage. Commençons donc par ajouter de la verdure à ce temple terreux Nous allons commencer par le vert olive et le vert foncé en appliquant d'abord les tons les plus foncés. Cela représentera la mousse et les vignes qui poussent autour du temple Utilisez un petit pinceau ou un pinceau altéré pour créer un effet texturé sur les feuilles La texture des feuilles créée l'aide des deux pinceaux est un peu différente. Si vous voulez que les feuilles soient plus réalistes, je vous suggère d'utiliser le plus petit pinceau et peindre la forme des feuilles comme vous le souhaitez. Si vous voulez des traits aléatoires, optez pour le pinceau altéré 32. Ajouter de la verdure: Je commence par des teintes plus profondes, un mélange de vert olive et de vert foncé, j'utilise un petit pinceau rond pour cela. Vous pouvez également utiliser une brosse à tampon ou éponge si vous souhaitez obtenir un aspect texturé plus dispersé Mais personnellement, je préfère le pinceau rond car il me permet de mieux contrôler les formes et les détails des feuilles. À l'aide de la pointe du pinceau, je commence à taper et à faire glisser doucement pour créer de petites formes incurvées qui ressemblent à des feuilles Je me concentre d'abord sur les zones ombragées, comme les coins des murs situés à la base du temple ou les zones rampantes du sol où poussent naturellement de la mousse, des vignes ou une végétation épaisse Une fois que la pièce foncée est en place et sèche, il est temps de la superposer sur les feuilles plus claires. C'est là que le tableau commence à vraiment prendre vie. Je mélange le vert sauge puis je commence à éclaircir en ajoutant progressivement du jaune et un peu de blanc Si vous voulez un ton plus vif, vous pouvez également ajouter du jaune citron, mais une petite quantité suffit. Avec cette teinte plus claire, je reviens sur certaines zones les plus sombres, mais uniquement par petites zones. L'objectif est de mettre en valeur les parties des feuilles, en particulier là où la lumière entre naturellement, comme les bords supérieurs ou les parties les plus externes des vignes Je tamponne ou tire doucement le pinceau pour façonner les feuilles individuelles Considérez-les comme de petites gouttes ou de petits traits incurvés. Ne vous inquiétez pas de rendre chaque feuille parfaite. La beauté de la verdure réside dans son caractère aléatoire. Une chose importante à retenir ici est de ne pas exagérer les couleurs claires Si vous ajoutez trop de jaune ou de blanc, vous perdrez la belle profondeur créée par les verts foncés Considérez les tons clairs comme un toucher doux, juste assez pour donner l'impression que la lumière du soleil traverse les arbres et rebondit J'aime prendre du recul toutes les quelques minutes et regarder l'œuvre dans son ensemble. Cela m'aide à voir où un peu de luminosité est nécessaire et où il vaut mieux la laisser ombragée et naturelle. 33. Ajouter des éclaircissements et des détails finaux: C'est bon, nous avons presque terminé. Il est maintenant temps d'ajouter quelques touches finales pour tout mettre en place. À l'aide d' un toucher très doux et d'un tout petit peu de peinture blanche, je brosse doucement quelques traits légers sur les murs rouges du temple. Cela donne l' effet que la lumière du soleil décolore doucement la surface au fil du temps, comme l'apparence de vrais vieux murs exposés au soleil pendant des années N'oubliez pas que moins c'est plus ici. N'en abusez pas Quelques reflets doux suffisent pour donner aux murs un aspect naturel vieilli. À ce stade, j' aime prendre du recul et regarder le tableau dans son intégralité d'un peu de distance. Cela m'aide à vérifier si tout semble équilibré, en particulier le contraste entre le temple et la forêt environnante. Enfin, vous pouvez ajouter des reflets aux murs rouges en y ajoutant une très légère touche de combat, juste pour leur donner un effet délavé par le soleil Mais n'oubliez pas, n'en abusez pas. Quelques traits subtils suffiront. Si quelque chose semble trop clair ou trop net, vous pouvez toujours y ajouter un peu d' ombre ou un léger surlignage pour y remédier. Ces petits ajustements à la fin peuvent faire une grande différence dans le rendu final de votre peinture. C'est ça. Nous avons terminé notre scène de temple météorologique entourée de couches de mousse, verdure et d'une lumière douce. J'espère que vous avez aimé peindre et que vous en avez appris davantage sur la façon de créer de la texture, superposer vos couleurs et d'ajouter de la profondeur à vos œuvres d'art. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours et de m'avoir rejoint dans ce voyage créatif. J'espère vraiment que vous avez appris quelque chose de nouveau et d' utile en cours de route, qu'il s'agisse d'une nouvelle technique, d'une meilleure compréhension des textures ou simplement d'une nouvelle façon de voir votre art. C'était la dernière vidéo du cours et je suis très fière de tout ce que nous avons peint ensemble, mais nous n'avons pas encore terminé. Une fois que vous aurez terminé toutes les leçons, j'ai un projet vraiment passionnant et amusant pour vous. Il est conçu pour vous aider à appliquer tout ce que vous avez appris de manière unique. Vous pourrez expérimenter, jouer avec les couleurs et créer quelque chose qui reflète vraiment votre style. Passez ensuite au projet final. Comme toujours, continuez à peindre, à explorer et à grandir. J'ai hâte de voir ce que vous allez créer. On se voit là-bas. 34. Projet: Maintenant que vous avez terminé le cours, j'espère que vous avez tous appris quelque chose ou peut-être beaucoup de choses sur la peinture avec Gosh Voici donc un petit projet amusant pour que vous tous goûter à tout ce que vous avez appris jusqu'à présent. Notre dernier projet de classe consiste à peindre des marguerites blanches sur un fond noir verdâtre. Cette référence vous permettra donc de vous entraîner à bien mélanger l' arrière-plan, à appliquer la lumière sur le noir et à ajouter ces petits détails fins à l'aide d'un pinceau fin C'est de cette référence que je parle. Il s'agit d'une composition assez facile à pratiquer lorsque vous travaillez avec Gosh. J'en ai donc plusieurs versions, à commencer par la couverture de mon carnet de croquis, puis par la référence elle-même Et une fois que vous êtes suffisamment sûr de pouvoir peindre des marguerites et de mélanger le fond, vous pouvez ajouter plusieurs fleurs ou peut-être dans plusieurs nuances Cela dépend entièrement de vous. Et si vous en avez assez des marguerites et que vous voulez peindre de nouvelles fleurs, ajoutez-en peut-être une version à base de souci Toutes ces références ont donc un point commun, à savoir le fond noir uni. Ensuite, vous pouvez simplement le compléter en utilisant toutes les techniques que nous avons apprises tout au long du cours. N'hésitez donc pas à prendre une capture d'écran de cette référence ici ou à simplement suspendre la vidéo pendant une seconde, étudier la référence, puis à commencer à peindre. Ce projet se veut amusant, relaxant et stimulant la confiance en soi. Une façon parfaite de terminer notre cours de Gach. Et une fois que vous avez terminé, n'oubliez pas de télécharger votre version dans la galerie de projets. J'adorerais connaître votre point de vue à ce sujet. Je suis tellement heureuse de peindre.