Transcription
1. À propos du cours: Bonjour, tout le monde.
Bienvenue dans ce cours de Guash. Je suis Bianca Rela, artiste visuelle et
meilleure enseignante de Skillshare J'ai eu le privilège
de m'associer aux Schminka, Silver Brush Limited marques
Schminka, Silver Brush Limited
et Ark and Mounts
qui partagent ma passion pour inspirer la créativité et rendre la
peinture agréable et épanouissante Je crois sincèrement que la
peinture s'adresse à tout le monde. Mon objectif est d'inciter les gens à découvrir et à poursuivre
leur passion créative Que vous preniez un
pinceau pour la première fois ou que vous cherchiez
à affiner vos compétences, je veux vous aider à prendre
confiance en vous et à
apprécier le processus. J'adore explorer
différents médiums, et la gouache est devenue
l'une de mes préférées Sa polyvalence et ses couleurs
riches et éclatantes. Que vous débutiez dans le domaine du guach ou cherchiez à perfectionner vos compétences, ce cours
vous aidera à créer de nombreux sujets magnifiques aide de techniques faciles à suivre Le guach est un médium tellement
passionnant. Il vous donne l'audace
d'une fausse peinture, la douceur de l'aquarelle et la flexibilité de
travailler en couches Vous pouvez créer des bords nets, les mélanger sans effort ou retravailler les détails
même après séchage Dans ce cours, je vais vous
montrer comment exploiter
ses qualités uniques pour apporter profondeur et de l'expression
à votre peinture. Concentrez-vous sur de nombreuses techniques
telles que la maîtrise et la cohérence, comment obtenir le bon rapport
peinture/eau pour une application fluide. Nous apprendrons également à créer de la
profondeur et à superposer des couches et à comprendre le fonctionnement de l'
opacité dans Enfin, nous
créerons également de la texture et du mouvement avec des coups de pinceau audacieux et
expressifs. À la fin de ce
cours, vous aurez fini de peindre
un paysage
magnifique et
une meilleure compréhension
de la façon d'
utiliser le guash en toute confiance dans votre propre pratique
créative J'ai hâte de vous voir
donner vie à ce tableau, alors prenez vos pinceaux
et commençons. Oh
2. Fournitures: Avant de
passer à la peinture, laissez-moi vous expliquer les matériaux que nous utiliserons pour ce cours. Je vais également partager pourquoi je les
aime personnellement et les recommande, mais n'hésitez pas à utiliser ce que
vous avez déjà sous la main. Pour ce cours, je vais peindre sur un carnet de croquis en papier ton J'utilise un album de
scrapbook anco fabriqué avec du papier kraft sans acide Il mesure 8 x 8 pouces et
contient du papier au grammage 180 g/m². J'ai spécifiquement choisi le papier ton plutôt que le papier blanc car il donne une impression immédiate d' atmosphère et d'ambiance
à votre peinture. Les surfaces de tons vous aident à définir
instantanément des tons moyens, ce qui vous permet de vous concentrer sur les tons
clairs et foncés. Obtenez une sous-couche plus riche et
plus chaude et adoucissez l'éclat de la gouache pour un résultat plus cohérent et
naturel Cela donne également à votre
paysage et à votre paysage marin une
sensation de terre et de terre, ce que j'aime vraiment ce qui concerne les peintures, celles que je vais utiliser proviennent de Schminka, une marque reconnue d'
artistes de qualité Les peintures Schminka sont connues pour leur haute pigmentation
et leur éclat, consistance
lisse et crémeuse facile à travailler et leur
excellente résistance à Ainsi, vos peintures
restent vives au fil du temps. Voici les couleurs
spécifiques que je vais utiliser pour les projets de classe. Blanc titane, masque
Tav pour la peinture à la gouache, bleu
cobot clair,
vert clair, ambre brut, rouge
cadmium profond,
violet, brun Van ****,
indigo, jaune cadmium profond
et titane doré et titane N'hésitez pas à utiliser n'importe quelle marque
ou couleur
de remplacement proche de celles-ci. Une chose importante à garder à l'esprit lors de la création de votre palette de paysages est d'
avoir les couleurs primaires, rouge, jaune, bleu, pour le mélange. Des tons terreux pour étayer vos paysages et
surtout, le blanc titane C'est essentiel dans le
guash pour mélanger, superposer et créer Je vais utiliser quelques pinceaux préférés de Silver Brush
Limited pour mes pinceaux. Le premier est le pinceau angulaire. Il s'agit d'un matériau synthétique de taille
un demi ou trois huitième. Je l'utilise pour
la plupart de mes lavages, et sa forme me permet contrôler à la fois les
traits larges et les bords plus serrés. Un autre est le pinceau
mixeur. C'est ce qu'on appelle le
balai ovale en or blanc de Silver Silk 88. Sa texture rigide rend parfait pour
mélanger les couleurs en douceur. Et enfin, le pinceau
ultra rond de Silver Silk 88 taille 6. Je l'utilise pour ajouter des
détails et des ridules. autres matériaux essentiels
sont une palette à mélanger, deux tasses d'eau,
une pour le rinçage et une pour l'eau propre, une serviette en papier ou un tapis pour
essuyer l'excès de peinture ou
d'eau de votre pinceau, et un crayon pour
esquisser vos compositions
avant Ce sont tous les matériaux
que nous allons utiliser, et je vous verrai dans
la prochaine leçon.
3. Étude de la valeur tonale: Bienvenue dans cette première étape de
notre cours de peinture à la gouache. Avant de faire ressortir nos couleurs, il est important de les préparer à l'
aide d'un croquis des valeurs tonales Cette esquisse nous aide à attribuer les zones claires et sombres de notre composition afin que notre peinture
finale ait de la profondeur, dimensions et un fort impact
visuel. Sur une feuille de papier propre, je commence par un petit
croquis miniature Je commence par tracer une
simple ligne d'horizon, en
gardant à l'esprit que cela
permettra de mouler le joint Je place le gros
rocher sur le côté droit. Il occupe environ les deux
tiers du papier. Je dessine d'abord de grandes formes, pas des détails, juste pour obtenir
la bonne composition. Ensuite, j'esquisse le rivage dirigeant vers
le premier plan Pour que la
perspective reste précise, j'imagine un point de fuite qui aide à orienter l'
angle du rivage Je dessine ensuite un simple quai de
bateau sur le rivage. Ceci, avec le rocher servira de point focal. J'ajoute également une petite pierre
dans le coin inférieur gauche pour
équilibrer la composition. Et enfin, un arbre sur le côté droit du rocher
pour ajouter un intérêt vertical. Passons maintenant à
l'étude des valeurs tonales Lorsque nous regardons la photo de
référence, je plisse doucement les yeux pour voir où se situent les lumières
et les ténèbres. Cela permet de simplifier
les formes et les valeurs. Je commence à ombrer les zones
sombres, comme le côté ombragé
du gros rocher et les parties
ombragées du bateau Ce sont les parties les plus sombres
lorsque je plisse les yeux. Je fais de même sur l'
arbre et sur le rivage. En gardant à l'esprit que la lumière
vient de la gauche, ce qui signifie que nos ombres projetées
tomberont vers la droite. J'ombrage maintenant l'eau commençant par s'assombrir
au premier plan et éclaircissant
progressivement au fur et à mesure qu'elle
se rapproche de l'horizon Cela donne une sensation de profondeur. J'ajoute des ombres plus profondes sur le rocher pour montrer sa
forme et sa texture Et pour la montagne lointaine, je l'ombre légèrement juste assez pour le
séparer de la mer et du ciel. Enfin, je donne au
ciel un ton très clair, plus foncé au sommet et s'estompant à
mesure qu'il atteint l'horizon Cela aide à repousser le ciel et complète notre perception
de l'atmosphère. Et voilà notre esquisse tonale
terminée. Ce guide nous aidera à
peindre en toute confiance en sachant exactement où doivent aller nos
lumières et nos ténèbres Dans la leçon suivante,
nous nous entraînerons à peindre les éléments du
paysage. J'y vois.
4. Techniques de mélange et de superposition ques: Maintenant que nous avons terminé notre esquisse de la valeur totale,
commençons à peindre. Dans cette leçon, je vais vous
montrer comment utiliser gouache pour peindre différents
éléments d'un paysage, comme créer des
mélanges doux pour le ciel, superposer des textures sur des rochers et peindre des formes
organiques naturelles pour les arbres Je commence par préparer ma
palette avec trois couleurs le bleu cobalt clair, l'
ombre brute et le blanc titane. Je mélange le bleu cobalt
et le blanc
de titane pour créer
un bleu ciel clair. Ensuite, j'ajoute juste une
touche d'ombre brute pour atténuer et lui donner un aspect plus naturel et désaturé. Un conseil que j'aimerais partager est de ne pas utiliser trop d'eau. Je veux que la peinture reste
opaque et crémeuse pour qu' elle s'étende en douceur
et avec une couleur riche. Ensuite, avec un pinceau doux et plat, je commence à peindre des
traits horizontaux de gauche à droite. En parcourant le papier, l'objectif est d'appliquer la
peinture uniformément et en douceur. Maintenant, entraînons-nous à le
mélanger dans une deuxième couleur. Je prends une autre
couleur et je l'applique légèrement en superposant
la première Ensuite, je prends un pinceau à mélanger complètement
sec, sans eau du tout, et je
brosse doucement le bord où
les deux couleurs se rencontrent Autre conseil, maintenez
la pression légère. Nous ne frottons pas, nous
adoucissons simplement les bords pour
mélanger les couleurs Faisons-le encore une fois.
Appliquez la couleur suivante en la superposant légèrement, puis utilisez le
pinceau sec pour l'estomper. Cette méthode simple en deux étapes, appliquer puis à mélanger,
vous aide à développer la mémoire musculaire nécessaire
pour peindre le ciel. C'est également le bon moment pour expérimenter
différentes tonalités. Essayez peut-être d'ajouter plus de blanc pour un bleu pâle ou une touche d'
ombre pour un ciel maussade Maintenant que nous nous sommes entraînés à
mélanger un ciel mou, passons aux deuxième
et troisième exercices, superposant des couches pour peindre des rochers et créant des
traits organiques pour les arbres Ces techniques vous aideront à contrôler
en
toute confiance la couleur et la texture à l'aide lavage. Commençons par
dessiner le rocher. Je commence par dessiner
un simple rocher. Mes traits sont un peu irréguliers
pour garder une forme rugueuse. Ensuite, je fais de l'ombre légèrement sur le côté
ombragé. Ceci est juste un guide pour savoir où vont aller
mes tons les plus sombres. Au son de la lumière
à l'intérieur de la roche, je mélange du bois brut, du
blanc de titane et un peu de violet. Mon premier lavage semble
un peu trop clair, alors j'ajoute de l'ombre brute pour le rendre plus épais
et plus opaque. Voici le conseil.
Le mélange des couleurs peut prendre du temps, et c'est tout à fait normal. Si votre mix ne vous convient du premier coup, ne vous inquiétez pas. Appréciez le processus,
car cela fait partie de l'apprentissage. Maintenant, j'ajoute progressivement du violet à mon mix pour créer
un ton plus foncé. Eh bien, la première couche est
encore légèrement humide, je couche cette couleur plus foncée
dessus à l'aide de mon pinceau angulaire. Je l'applique aux
zones ombrées pour créer de la profondeur, et cela devient notre ton moyen Ensuite, j'ajoute du
brun van**** à mon mix pour obtenir une riche couleur brun foncé. Je l'applique dans les coins les
plus sombres, en particulier autour de
la base du rocher et sur les petits bords ombragés J'utilise d'
abord des coups de pinceau pour suggérer une forme, puis je passe à mon
petit pinceau plat pour définir la base et les ombres
plus nettes. Prenez toujours du recul ou regardez votre peinture à travers votre
appareil photo de temps en temps. Cela vous aide à voir
si vos valeurs
fonctionnent et vous évite de
trop travailler sur les détails Pour terminer, j'ajoute des reflets
subtils sur les
parties touchées par la lumière. Quelques coups suffisent. Vous devez éviter de dominer
les tons moyens et foncés. Si certaines zones ont besoin d'être
légèrement affinées, tamponnez doucement jusqu'à ce que
vous soyez satisfait du Rappelez-vous, c'est ce qui fait
la beauté de Gach. Il est facile à porter
et indulgent. En prime, je vais vous
montrer comment
peindre le reflet
de la roche sur l'eau. Je commence par peindre
un trait léger l'
endroit où se trouve le fragment d'eau. Pendant qu'il fait encore humide, je mélange les couleurs de la roche
avec le ton de l'eau, les nouveaux
traits cassés sur le côté avec mon
pinceau angulaire pour refléter la roche Enfin, j'assombrit la base
du rocher pour le séparer
visuellement de l'eau, une astuce simple qui
ajoute beaucoup de réalisme Passons maintenant à
notre troisième exercice, qui consiste à peindre un arbre
avec des textures organiques. Notre première étape consiste à mélanger le vert et l'ocre titane pour obtenir une belle couleur verte naturelle Pour l'assombrir, j'ajoute un
peu de brun Vandek. À l'aide d'un pinceau rond, je commence par le
ton le plus clair de l'arbre. Je frotte le pinceau en
effectuant des mouvements circulaires pour créer des traits organiques naturels
qui ressemblent à du feuillage. Pour rendre le ton moyen vert, j'utilise moins d'eau
et plus de pigment
et j'ajoute un peu de
brun Vandyck pour le désaturer Je le pose sur
la base du pare-lumière avec le même mouvement circulaire, permettant au feuillage
de gagner en profondeur. Je brosse également un peu de vert
clair
dessus pour aider les orteils à se connecter
et à se fondre. Maintenant, j'utilise l'orteil le plus foncé, sur la partie la plus à droite de l'arbre là où la lumière n'arrive pas J'utilise le bout du pinceau pour peindre les cimes de l'arbre, en laissant le mouvement
libre et spontané Ensuite, je peins le coffre
avec Vandek Brown. Ne vous inquiétez pas si le
coup est fragile. Cela le rend en fait
plus naturel et plus ancré. Et pour terminer, j'
ajoute de petits reflets sur le tronc et quelques branches juste assez pour donner vie à
la forme. Et c'est notre pratique de la
technique des arbres. Vous pouvez répéter cette opération avec
différentes couleurs et formes pour explorer votre
propre style expressif. Vous êtes maintenant prêt à commencer
votre projet de classe complet, peignant notre
scène de bord de mer avec un rocher et un bateau. Réunissons le tout dans la vidéo suivante.
5. Projet 1 : Croquis au crayon: Commençons par
notre croquis au crayon. Nous allons simplement répéter
l'esquisse que nous avons faite précédemment dans l'étude de la valeur des
vignettes,
mais cette fois, elle est un peu plus grande, il n'est
donc pas nécessaire de
trop réfléchir à Suivez simplement les étapes de base, les formes
de base et le placement
que nous avons déjà planifiés. abord, je trace une bordure
souple autour du papier pour aider à
déterminer la taille de notre peinture. Ce n'est pas un cadre rigide, juste un guide pour
nous aider à rester centrés. Ensuite, je commence à dessiner
la ligne d'horizon, en la plaçant sur le tiers supérieur
du papier
pour laisser plus de place à la mer et au sol Ensuite, j'esquisse la ligne d'horizon, en la plaçant sur le tiers
du papier
pour laisser plus de place à la mer et au premier plan À partir de là, je vais
dessiner la forme d' une colline rocheuse sur le
côté gauche, en pente ascendante À partir de là, je vais
dessiner la forme des rochers sur le côté droit. Et puis aussi le rivage
avec le bateau. Restez très simple. Il n'est pas nécessaire d'ajouter des détails à ce stade.
6. Projet 1 : peindre le ciel et l'eau: Bon retour. Dans cette leçon, nous allons commencer à peindre
notre projet de classe, commençant par le ciel, les montagnes
lointaines
et le fragment d'eau. J'adore utiliser du papier ton
pour la gouache, car cela m'
aide à visualiser immédiatement les
tons moyens Commencez par préparer
mon mélange de ciel. Je prends du blanc de titane, du bleu cobalt et juste une
infime quantité de bois brut. L'ombre brute adoucit le bleu. Il enlève cette sensation trop
brillante ou artificielle et lui donne un ton
plus naturel. Je commence à mixer jusqu'à ce que je trouve un
bleu doux et poussiéreux que je veux Maintenant, avec un pinceau doux, je commence à tracer des traits
horizontaux en
commençant par le haut. La peinture est épaisse
et crémeuse, pas trop aqueuse car je veux qu'elle soit
veloutée Au fur et à mesure que je me rapproche de l'horizon, j'éclaircit progressivement la couleur J'ajoute plus de blanc de titane
dans le même mélange et même quelques gouttes d'eau
juste pour le ramollir davantage. L'idée est de créer
un léger dégradé de haut en bas. Ensuite, j'utilise mon pinceau mixeur sec. Le pinceau est totalement sec pour
adoucir les transitions. Je brosse légèrement les bords
pour atténuer les
chevauchements .
Voici un petit conseil. Si vous remarquez des astuces rudes, utilisez
simplement
une brosse propre et sèche et
effeuillez légèrement le bord Guash est très indulgent. Vous pouvez toujours
mélanger et repeindre. Parfois, j'aime ajouter
une deuxième couche, voire une troisième, juste pour approfondir la valeur du ciel et enrichir
le dégradé. Je le fais en couches légères, mélangeant
toujours au fur et à Ensuite, peignons les montagnes
lointaines. J'ajoute un peu d'indigo à
mon mélange bleu restant pour obtenir
un ton légèrement plus profond Je commence à appliquer les
formes des montagnes avec mon pinceau angulaire, ce qui me donne
beaucoup de flexibilité. Il est idéal pour peindre des courbes
douces et des bords
plus nets
selon la façon dont je tiens le pinceau La valeur tonale ici doit
être juste plus foncée que le ciel. De cette façon, il
semble toujours distant, mais se trouve clairement
devant le ciel. Pendant que la peinture est encore humide, je prends un peu de vert
restant de ma palette et je le tape
doucement pour obtenir la forme de la montagne Cela crée une subtile
variation de couleur qui donne l'illusion de profondeur et de
texture, même à distance. Un autre conseil que j'aimerais
partager est d'utiliser simplement le bout de votre pinceau et d'appuyer à peine
lorsque vous tapez sur la couleur. Cela crée une
transition plus douce et aide les couleurs à
se fondre les unes dans les autres. Maintenant, pour ce qui est de l'océan, je mélange plus d'indigo dans ma palette pour
obtenir un beau bleu foncé riche. Je commence à appliquer la couleur par traits latéraux,
en déplaçant de gauche à droite
sur le papier Ces traits donnent l'illusion
d'un mouvement dans l'eau. Au fur et à mesure que
je me déplace vers le bas, j'éclaircit légèrement le ton avec du blanc et du bleu cobalt, en particulier vers
le milieu Encore une fois, je passe par-dessus les formes des
rochers du bateau, alors je peins lentement et
soigneusement autour d'eux. Pour la section
située sous le rocher, je mélange de l'ombre brute, de l'indigo et un peu de blanc pour obtenir un ton vert bleuté
plus frais Je peins cette section
avec soin, puis je reprends mon pinceau mixeur sec pour adoucir la transition
entre les deux aquarelles Chaque fois que je change de couleur, je reviens avec un pinceau mixeur. Cela aide vraiment à unifier les
tons et à garder la peinture fluide. R Au fur et à mesure que je m'approche du premier plan, j'augmente le contraste Cette partie doit paraître plus foncée
pour la faire avancer dans l'espace. Je répète le processus de superposition et de
mélange ici également, en
travaillant par passes pour
maintenir la profondeur sans chaînes
visibles La superposition prend du temps, mais elle ajoute tellement de richesse au guash Pensez-y comme si vous construisiez une sculpture
douce avec de la couleur. Vous sculptez l'ombre et la
lumière. Lorsque j'atteins le rivage, je passe à un mélange bleu clair,
encore rose et
crémeux, et non Je façonne doucement le bateau, en maintenant la
pression de la brosse légère. Pour terminer la section sur l'eau, j'utilise à
nouveau l'indigo et mon pinceau angulaire pour ajouter quelques
effets de vagues au premier plan Je les réduis au minimum, juste quelques traits expressifs. Ensuite, je prends le
pinceau mixeur une fois de plus pour adoucir légèrement les bords et les intégrer à
la couche de base. Cela permet de maintenir la cohésion tout en préservant
une sensation picturale Encore une fois, nous ne visons
pas l'hyperréalisme ici, juste assez de détails pour
suggérer de la texture et du mouvement tout en laissant transparaître
le pinceau expressif Et cela complète la première
partie de notre projet de classe. Nous construisons le ciel, montagnes
lointaines
et l'océan couche
par couche en se mélangeant au fur Dans la vidéo suivante, nous donnerons vie à
la peinture en nous
concentrant sur le rocher,
le bateau, ainsi que sur les
accents et reflets finaux. Je vais vous expliquer comment ajouter de forme, du contraste et du caractère. Je t'y verrai.
7. Projet 1 : Peindre les rochers et le bateau: Passons maintenant à la
deuxième partie de notre tableau, en nous concentrant sur les rochers,
le bateau et l'arbre. Ces éléments apportent de la structure, narration et de l'équilibre
à notre composition, et nous travaillerons ensemble
avec des techniques de superposition, des traits de
détail et des reflets
pour leur donner vie. Je commence par mélanger du Rumber et blanc de
titane pour obtenir
un ton de base crémeux J'ajoute ensuite une touche de violet
pour neutraliser la chaleur. Cela empêche la roche de
se sentir trop jaune ou trop plate. Je m'assure que le mélange
est épais et opaque. Cette texture permet d'imiter la solidité et la
surface rugueuse d'une vraie roche J'applique la couleur sur les
zones ensoleillées du gros rocher, commençant par le bord extérieur là où la lumière
frappe le plus clairement Ensuite, j'assombrit légèrement
le ton en ajoutant plus de violet au mélange et je
commence à superposer des tons moyens Au fur et à mesure que je peins, j'épaissit la
consistance avec un supplément de pigment. Vous remarquerez la
différence d'opacité. Au fur et à mesure que je couche, cela donne une onde visuelle à
la surface. Je peins également le petit
rocher de gauche en utilisant la même couleur de base
pour maintenir l'harmonie. Ensuite, je commence par la
partie inférieure du gros rocher. Je teste quelques touches avec mon mix de tons moyens, de l'ombre
crue, du violet, et maintenant un peu de brun Vandek, mais il semble trop violacé, alors je l'ajuste en
ajoutant Vérifiez toujours vos valeurs par rapport au tableau en plissant les yeux
ou en reculant Cela vous permet de placer
vos tons moyens et vos ombres avec plus de confiance. Je mélange maintenant le brun Van **** avec restes de légumes verts pour créer un brun
foncé pour les ombres Cette tonalité ancrera la base de la roche et
définira sa forme. Comme ma première couche
est encore humide, j'applique ce ton d'ombre
doucement par petits traits, en faisant attention de ne pas perturber
la couche inférieure. Je continue en ajoutant des lignes sombres
et des traits brisés pour
suggérer la texture et la forme. J'utilise également la
vue de la caméra pour prendre du recul et évaluer où ajouter du
contraste ou affiner les formes. Pour mélanger le tout, je passe à mon petit pinceau plat. Cela me permet d'adoucir les
transitions entre les tons de
base, moyens et foncés sans
trop travailler la surface Ce que j'encourage, c'est qu'
il y a toujours une étape où le tableau peut sembler désordonné
ou peu clair, mais continuez La guache est un support
adapté à la superposition. Il suffit de saisir doucement, de construire lentement et de faire confiance au processus. J'ajoute maintenant de petits points
foncés pour suggérer une forme. Attention à ne pas en faire trop. Il est facile de dominer les zones claires si vous
placez trop de fléchettes Pour terminer le rock, je
prends une lumière et je mélange
ma couleur de base et place quelques reflets
là où le soleil se couche. Ces petites touches
donnent vie au rocher. Je peins également le fragment de roche
situé à l'extrême droite, en utilisant la même technique, commençant par le ton crème
foncé, puis en l'approfondissant légèrement
pour obtenir des ombres et des formes. Samedi En ce qui concerne le rivage, j'utilise une couleur légèrement
différente,
moins de violet, plus d'ombre brute, pour une sensation de chaleur et Après le lavage de base, je prends mon
pinceau mixeur pour
relier doucement le sol au fragment d'eau Ensuite, je peins le reflet de la roche en utilisant des traits latéraux qui reflètent la forme de la roche Je garde cela doux et
simple juste assez pour suggérer un reflet
dans une eau calme. Maintenant, je prends du guash blanc
directement dans le tube et j'utilise mon petit pinceau plat pour créer des bulles et
des
éclaboussures d'eau autour du rocher Utilisez un mouvement de tamponnage et maintenez le pinceau sec pour obtenir
la meilleure texture Ce trait blanc devrait apparaître sur
les tons plus foncés. Ici, j'ajoute quelques lignes
ondulées au premier plan pour montrer les vagues
douces près du rivage
et j'éclabousse même de la peinture pour apporter
une touche amusante et
décontractée qui donne
vie Ensuite, je prends Vandek Brown pour
peindre des zones proches des vagues
afin de créer du contraste et de
faire ressortir davantage le blanc Quelques points blancs supplémentaires ici
et là complètent l'effet. Ces derniers traits permettent de
suggérer le mouvement et la lumière. Passons au bateau. Je mélange de l'orange, un peu de
rouge et du brun Vandek. Mais si vous voulez
quelque chose de plus simple, vous pouvez utiliser Bncena Je peins soigneusement la partie
inférieure du bateau, en maintenant mon trait régulier. J'assombrit légèrement les bords pour donner plus de structure à la forme Ensuite, je peins la
partie supérieure du bateau en blanc, en veillant à ce que les arêtes soient affûtées pour que la silhouette soit fine. Maintenant, j'ajoute des points de couleur, juste quelques accents pour suggérer détails
mineurs sans
encombrer le formulaire Pour l'ombre, je mélange la couleur du rivage avec violet et je peins la
forme sous le bateau J'assombrit également le
bord inférieur du bateau lui-même, puis j'ajoute un léger trait de
surlignage sur le dessus pour apporter du contraste
et une mise au point visuelle Enfin, ajoutons l'
arbre sur la droite. Je mélange du vert et de l'ombre brute
pour obtenir un vert terreux naturel. À l'aide d'un pinceau rond, je remue la pointe en mouvements circulaires
lâches pour
créer une forme d'arbre organique douce Je commence par le ton vert
clair, puis j'ajoute du brun Vandek pour approfondir la couleur et je
peins le ton moyen La moitié de l'arbre reste claire, l'autre moitié prend
le ton moyen le plus riche pour montrer une érection légère. Ensuite, je mélange un
vert encore plus foncé pour les zones ombragées
et je l'applique avec parcimonie Je peins le tronc en brun Bandic
épais. Et ajoutez simplement une touche de
blanc pour des reflets subtils. Je termine en ajoutant touches de vert
clair en haut pour définir la
cime de l'arbre. N'oubliez pas d'ajouter une ombre douce sous l'arbre pour l'
ancrer dans la scène. Pour terminer, je prends du recul et je
regarde le tableau dans son ensemble. J'ajoute de petites touches
au bateau et peut-être quelques touches d'orange pour
apporter de la chaleur et
illuminer les graines Et voilà, c'est
fait. Nous avons peint le ciel doux, superposé des roches
texturées, façonné un bateau, ajouté
du mouvement dans l'eau et donné vie à la nature avec
un seul arbre expressif Je suis très heureuse de vous voir
terminer ce projet de classe. J'espère que vous avez apprécié l'apprentissage de
ces techniques de gouache, qu'il s'agisse de superposer, de mélanger ou d'
ajouter J'ai hâte de voir votre
version dans la galerie de projets. Tague-moi si tu le
partages en ligne et si tu aimes célébrer
ton travail avec toi.
8. Projet 2 : croquis au crayon: Pour un projet de deuxième classe, nous allons peindre un
magnifique paysage marin avec un phare situé sur
une colline rocheuse Il s'agit d'un
sujet classique et expressif qui nous
permet de jouer avec la lumière,
la texture et l'atmosphère. Commençons par un croquis. abord, je trace
une bordure juste pour estimer la taille
et l'emplacement de la peinture dans
mon carnet de croquis Vous pouvez le marquer
légèrement avec votre crayon. Cela permet de bien cadrer la
composition. Ensuite, j'ajoute la ligne d'horizon. Je le place dans le
tiers supérieur de la page, suivant la règle
des tiers pour créer une composition plus équilibrée et visuellement
agréable. Sur le côté gauche, j'
esquisse le contour d' une colline rocheuse en
pente douce vers le haut Et juste au sommet de cette colline, je place le phare. Je garde la
structure très simple, juste les formes de base, aucun détail pour le moment. Avant de vous lancer dans la peinture, je vous encourage vivement à
faire un croquis de la valeur tonale Cela n'a pas besoin d'être sophistiqué. Utilisez simplement votre crayon
ou un marqueur gris pour définir et identifier les
lumières les plus claires, tons
moyens et les tons les plus foncés Cette étape permet de guider votre processus de
peinture et faciliter la prise de
décision une fois que
vous avez commencé à superposer des couches de couleur Ensuite, je dessine le rivage en le courbant en
diagonale sur le papier pour créer une impression de mouvement et attirer l'attention du
spectateur sur la Enfin, ici
au premier plan, j'esquisse à nouveau la zone herbeuse, juste les contours pour le moment J'ajoute également quelques
lignes horizontales sur le rivage pour indiquer les endroits où les vagues
vont se briser ou se retirer Cela complète notre croquis
au crayon, simple, propre et
prêt à être peint.
9. Projet 2 : Peindre le ciel, la mer et le littoral: Commençons le processus de peinture
en préparant nos peintures. Nous allons commencer par le ciel, nous aurons
donc besoin de blanc de titane, bleu
cobalt et d'ombre brute. Je vais commencer par mélanger du
blanc de titane , un peu de bleu
cobalt et une infime quantité d'ombre
brute pour créer une teinte bleutée atténuée
pour les nuages J'utilise mon pinceau angulaire et je commence à peindre du côté
gauche du ciel. Au fur et à mesure que j'applique la peinture, je fais varier le sens
de mes coups de pinceau. Cela permet d'ajouter du mouvement
et de la texture au ciel, évitant ainsi un aspect plat
et uniforme. Ensuite, je mélange un ton bleuté légèrement
plus profond pour
commencer à peindre la
zone du ciel autour des nuages Comme la couche précédente
est encore un peu humide, nous pourrons ensuite bien
mélanger et adoucir la transition entre les
couleurs. Alors que je continue
à peindre dans le ciel, je garde à l'esprit l'emplacement
du gros nuage, laisse certaines zones
claires et douces. Je reviens ensuite à
mon mélange de blanc bleuté pour commencer à ajouter des
nuages et des formes Pour adoucir les bords et créer l'illusion de nuages
atmosphériques duveteux, j'utilise mon pinceau mixeur, je tamponne doucement le
contour des nuages
et je tape même sur certaines zones
du ciel pour créer plaques de nuages pour
un effet naturel Maintenant, je crée un mélange
bleu plus clair pour le ciel près de la ligne d'horizon et je peins
soigneusement
le long du bord du hall
pour le garder propre. Pour la ligne d'horizon, j'utilise un mélange blanchâtre
avec une touche d' ombre
Rh pour lui donner une lueur
chaude et lointaine Ensuite, j'ajoute doucement quelques
traits subtils pour aider à définir la forme des nuages en exerçant légère pression pour
un effet doux. Pour ajouter du contraste et de la profondeur, j'applique de la peinture
blanche propre certaines parties
des nuages. Cela les aide à ressortir
et à paraître plus dimensionnels. Ne vous sentez pas obligé de
repeindre l'intégralité du cloud. Il suffit de mettre en évidence les parties
qui captent la lumière. Ensuite, nous passons à la mer. Pour mélanger la couleur de base, je combine du bleu cobalt, l'ombre
brute et un peu
de blanc de titane. Cela nous donne un ton bleu
verdâtre, en particulier lorsque nous ajoutons plus de
bois brut dans le mélange Je commence par peindre
un trait net le long de l'horizon pour définir clairement le bord de
l'eau. Ensuite, j'ajuste le mélange en ajoutant du bleu pour créer de la profondeur
dans l'eau lointaine. J'aime beaucoup
mélanger les peintures pour armes à feu. Oui, cela peut prendre du temps, mais c'est un
processus thérapeutique et vous pouvez vraiment
comprendre comment les couleurs changent
lorsque vous modifiez vos ratios Une fois que je suis satisfait de la couleur, je commence à peindre
la mer en couches. J'applique la peinture par traits
horizontaux, en mélangeant immédiatement après chaque trait alors qu'
elle est encore humide Cela permet d'assurer une transition fluide et d'éviter les lignes raides. Au fur et
à mesure que nous nous rapprochons du premier plan, je change le ton pour passer à
une teinte plus verte pour suggérer une
eau moins profonde près Encore une fois, je mélange ces zones
avec mon pinceau mixeur que la transition soit douce. Pour indiquer les vagues, j'ajoute des
traits de peinture blanche, juste quelques reflets
sur la surface de l'eau. Ne vous inquiétez pas si votre peinture semble inachevée à ce stade Le reste de la
scène étant toujours vide, il est difficile de juger à quoi ressemble
la partie, mais faites confiance au processus. Tant que vos valeurs
sont correctement placées, votre peinture s'
assemblera à merveille. Maintenant, peignons le
rivage et le sable. Je mélange du Rumber avec un peu de blanc
titane et je commence à
peindre les traits horizontaux, en laissant une partie de la peinture
recouvrir le bord de la mer Cela permet de créer une transition naturelle entre
l'eau et le sable. Au fur et à mesure que nous passons au premier plan, j'applique la peinture
plus épaisse et plus opaque, en la superposant progressivement Je passe ensuite à des traits
croisés pour ajouter de la texture et imiter l'apparence d' irrégulier et légèrement rugueux Maintenant, je prends le
brun Vandek et je le mélange avec ombre
brute pour peindre les détails les plus sombres du
rivage Je garde mes pinceaux
horizontaux et je les mélange doucement dans la mer pour faire apparaître des transitions
subtiles
et des ombres le long
du bord de l'eau. Je continue également à peaufiner le contour clair du rivage
avec un croquis Ensuite, je peins
des marques blanches pour les vagues. Je frotte légèrement les traits avec mon doigt pour créer une texture plus rugueuse et
plus organique, un léger frottis qui imite
le mouvement de l'eau Comme ma
peinture blanche au titane est assez épaisse, elle est magnifiquement opaque, elle est magnifiquement opaque,
ce qui nous donne un fort
contraste avec la mer. Sur cette base, j'ai ajouté d' autres traits blancs
horizontaux pour définir les formes des vagues. Vous remarquerez que je fais en sorte que
les vagues soient plus épaisses et plus prononcées
au premier plan, tandis que celles
situées
près de l'horizon plus petites et plus fines pour
indiquer la distance et la profondeur Travaillons maintenant sur la verdure du
premier plan. Je prends du vert clair, de l' et un peu de blanc titane pour créer une teinte verte atténuée À l'aide de ce mélange, je peins
le premier plan avec des traits texturés ludiques qui évoquent le mouvement, comme le vent
soufflant dans Lorsque vous placez vos couleurs, gardez à l'esprit les valeurs tonales Le premier plan doit apparaître plus sombre et plus riche
que le milieu Pour approfondir les tons, j'ajoute du brun Vande
au mélange vert Ensuite, j'applique des traits
diagonaux pour conserver la texture
et le toucher dynamique. Maintenant, je passe à ma brosse ronde
pour suggérer des brins d'herbe. J'ajoute un peu plus de
blanc pour créer un vert pastel pour
ce trait plus clair. les brins d'herbe sont conçus
pour un mouvement organique
fluide, pratiquez un mouvement rapide
vers le haut avec des hauteurs variables
et des courbes douces. Cela peut prendre un
peu de mémoire musculaire, mais gardez-la
souple et fluide. J'alterne également mes tons
en utilisant des traits plus clairs et d'autres dans des tons plus foncés pour créer de la profondeur et des
variations dans le gazon. Ensuite, je crée un mélange
de bois brut et blanc de
titane pour obtenir une couleur crème
jaunâtre Cela sera utilisé pour les
reflets sur le gazon. Je le couche
légèrement sur le dessus, en imaginant la lumière du soleil frôler
le champ et en gardant mes coups de pinceau doux et venteux lorsque vous pouvez sentir le vent Maintenant, peignons la
formation rocheuse sur la droite. J'utilise un mélange de blanc et des tons crème
et marron restants Comme nous l'avons appris, il s'agit de placer les sons
intentionnellement. Je peins les tons les plus foncés près de
la base en utilisant du brun foncé. Appliquez ensuite un
ton moyen plus gris au milieu. Enfin, j'ajoute des reflets pour faire ressortir les
bords et la structure, créant ainsi du volume et de la forme. Passons à la colline
rocheuse sur la gauche. Je commence par le bastone
en utilisant le mélange de crème, puis j'introduis progressivement valeurs
plus foncées pour
définir la forme J'utilise de légers traits ascendants pour mélanger le
ton sombre à la lumière, en veillant à ce que les transitions
soient connectées et naturelles, non comme des couches séparées. Pour montrer
des arbres ou des textures éloignés, j'ajoute de petites taches vertes, puis j'applique une teinte légèrement
plus claire
au sommet de la colline pour
indiquer l'endroit où la lumière arrive. J'affine cela en mélangeant doucement
la couche et en ajoutant quelques
tons verts épars pour terminer la texture. Maintenant, pour terminer le
détail, les pins, je peins quelques accents
verticaux simples pour créer du contraste et
du rythme sur la colline. Ensuite, peignons
le phare. Nous lui donnerons une forme en peignant chaque face
dans des tons différents. Un côté est un mélange de blanc et d'une touche de bleu pour
la partie ombragée, et l'autre côté est
blanc pur face à la lumière. J'utilise des tons bruns restants pour
peindre le toit et les détails, notamment une fenêtre et
quelques accents à la base Enfin, nous ajouterons une touche de couleur avec des fleurs sauvages
au premier plan. Je commence par utiliser des
traits blancs pour les pétales. Cette base facilitera la superposition
de couleur sur le dessus. Je mélange un soupçon de violet mon blanc pour obtenir un violet doux. Tamponnez ensuite doucement le pinceau pour créer une
impression de pétales J'en applique même quelques traits sur la zone pour
suggérer des fleurs éparses Pour approfondir la couleur,
je mélange le violet, le rouge et le blanc pour obtenir
un ton de lavande frais. Je l'ajoute sur les
pétales de base et j'en saupoudre également quelques
petits coups sur les pétales mûrs comme si les fleurs s'
étalaient sur le champ. Pour terminer, je peins quelques tiges
jaune-vert et j'ajoute petits traits pour donner vie à
la tache florale. Et c'est tout. Vous venez de terminer de peindre un paysage marin paisible
avec des vagues douces, phare au sommet
d'une colline, herbes
venteuses et de joyeuses fleurs sauvages. Tu as fait un travail incroyable. Maintenant, prenons du recul et admirons toutes les textures et les tons que nous avons créés en utilisant
juste des couches bien pensées.
10. Réflexions finales: Et c'est tout. Nous avons terminé
notre peinture à la gouache, et j'espère que vous avez apprécié le
processus autant que moi guache est un médium si polyvalent
et indulgent, et j'espère que ce cours vous a donné la confiance nécessaire pour l'
explorer davantage N'oubliez pas que la meilleure façon grandir en tant qu'artiste est de continuer
à pratiquer, expérimenter et,
surtout ,
à peindre avec le cœur Laissez libre cours à votre créativité et utilisez votre art pour inspirer les autres. J'adorerais voir votre travail, partager votre peinture terminée dans la section des projets de classe ou
me taguer sur Instagram pour que
je puisse y jeter un œil. Ecrire vos interprétations me fait
toujours plaisir et encourage les autres
membres de la communauté à continuer de créer. Si vous aimez ce cours, je vous serais vraiment reconnaissante si
vous pouviez laisser un commentaire. Vos commentaires m'aident à améliorer mes cours et me permettent de créer plus de contenu qui inspire et soutient
votre parcours artistique. Et si vous cherchez
d'autres façons d'explorer le guash, oubliez
pas de consulter
mes autres cours, où nous approfondissons techniques et les idées créatives. Merci de m'avoir rejoint aujourd'hui. Continuez à peindre, continuez à
expérimenter. Et surtout, continuez à
créer avec joie. Je vois le prochain cours. Et
Bianca Rayala, Top Teacher | Watercolor Artist
