Conseils d'illustration : amusez-vous avec le format numérique

1. Introduction: Voulez-vous apprendre des compétences en art numérique qui vous aideront à vous mettre à l'aise avec le dessin et la peinture numériques ? Dans cette classe, vous apprendrez des trucs et astuces d'art numérique qui s'appliquent à la plupart des outils et logiciels numériques, sorte que vous serez super à l'aise avec le dessin et la peinture sur un écran numérique. Bonjour, je suis Iva Mikles et je suis illustrateur et designer basé en Europe. Bienvenue dans mon prochain cours. Au cours de ma carrière, j'ai eu la chance de créer art numérique pour de nombreuses entreprises locales et internationales, comme Lego, la société de jouets, et Procter and Gamble, marques comme Ariel et Villa en un mot et concept art, script couleur, illustrations de personnages, animations, packaging et concepts publicitaires. Que vous commenciez tout juste avec l'art numérique ou que vous soyez artiste plus expérimenté qui veut trouver de nouveaux trucs et astuces, ce cours est fait pour vous. Si vous êtes un artiste traditionnel, venez aussi, vous pouvez obtenir un nouveau passe-temps et élargir vos horizons en apprenant une nouvelle technologie. Apprendre l'art numérique peut sembler écrasant parce qu'il y a tant de questions. Par où commencez-vous ? Quels outils et logiciels devrions-nous obtenir ? Quel est le meilleur stylers et le meilleur crayon numérique ? Quels pinceaux utiliser ? Comment peindre et dessiner numériquement ? C' est ce que je veux vous aider dans cette classe. En créant une scène sous-marine amusante et colorée, je vais vous montrer étape par étape des techniques d'art numérique, des conseils et des astuces qui vous aideront à dessiner et peindre numériquement mieux et plus rapidement. À la fin de la classe, vous aurez une illustration que vous pouvez utiliser comme fond d'écran pour votre ordinateur, tablette et smartphone, ou bien l'imprimer pour votre maison, ou même la donner comme cadeau à votre famille et vos amis. Je vais utiliser Procreate, qui est une application de dessin numérique basée sur des pixels pour iPad. Si vous connaissez déjà les bases de nombreux autres logiciels de dessin numérique tels que Photoshop, Fresco, Krita, Gime, etc., n'hésitez pas à suivre. Même si les menus et les conventions de dénomination peuvent être différents, les concepts restent très similaires. Avant de commencer, n'oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare pour être averti lorsque je sortirai de nouvelles classes et qu'il fait des annonces spéciales sur les cadeaux. Je vous invite également à me suivre sur Instagram où vous pourrez voir mes œuvres les plus récentes, et suivre les histoires de ma vie d'artiste. Maintenant, commençons, voit en classe. 2. Tablettes à dessin: Pouvez-vous imaginer quand je commençais par l'art numérique, certaines personnes dessinaient avec une souris. J' ai beaucoup d'admiration pour ces artistes parce que cela a dû prendre beaucoup de patience et surtout une forte volonté. Eh bien, beaucoup d'entre eux utilisaient un programme vectoriel où vous obtenez une aide de l'outil de stylo, donc je pense que l'utilisation de la souris n'est pas si mauvaise, mais quand même, wow, quelle compétence d'avoir pour pouvoir dessiner juste avec la souris. Quoi qu'il en soit, j'ai eu la chance d'essayer de créer des graphismes dans mon école multimédia avec le stylet et la tablette. Voyant que l'art numérique a un potentiel porteur professionnel, et qu'il semble assez intéressant à apprendre, j'ai été vendu sur l'idée de faire de l'art numérique. Je me suis dit, ce que je dois faire maintenant, c'est d'apprendre le logiciel étape par étape et d'être à l'aise avec lui. J' ai eu la chance que peu de temps après j'ai pu commencer un stage de design où j'ai appris et pratiqué l'art numérique chaque jour une étape à la fois. Tout a besoin de temps et de pratique pour s'y habituer, donc même si vous apprenez une petite chose tous les jours ou à l'heure, c'est un grand pas pour vous en tant que personne créative. Pour revenir aux outils, aujourd'hui, nous, les artistes numériques, avons tellement de choix. Il y a les tablettes graphiques à stylet, les tablettes autonomes, ainsi que les tablettes de dessin portables, blocs-notes numériques, les stylets numériques, crayons Apple, et ainsi de suite. Lequel devriez-vous choisir ? Avant de tomber proie à l'ancien chasseur, l'instinct cueilleur d'obtenir le nouveau jouet brillant, je vous recommande de penser à quelques choses importantes avant. Par exemple, voulez-vous que l'art numérique soit une extension de votre créativité en tant que passe-temps ? Ou voulez-vous créer professionnellement et en faire une carrière ? Ou avez-vous besoin d'une tablette pour exécuter n'importe quel logiciel de dessin numérique ou le logiciel reconnu professionnellement dans l'industrie artistique ? En outre, voulez-vous travailler à la maison ou dans un studio la plupart du temps ? Ou voulez-vous une tablette facile à voyager avec ? Avez-vous assez d'espace à la maison ou en studio pour une tablette plus grande ? Quel est votre budget ? La tablette sera-t-elle une dépense ou un investissement dans votre nouvelle entreprise d'art ? En règle générale, je dirais que vous devriez laisser les outils grandir avec vous et vos compétences. Vous pouvez commencer avec une option moins chère, apprendre le programme et obtenir de meilleurs outils en cours de route. Par exemple, quand je commençais, j'avais l'habitude de dessiner beaucoup avec la tablette d'intérêt vide et je l'ai adoré pendant de nombreuses années. Si vous ne l'avez jamais utilisé, il est connecté à votre ordinateur à l'aide d'un câble, et il fonctionne presque comme une souris, mais mieux parce que vous utilisez les stylers de stylets réels. Il faut un certain temps pour s'y habituer, et je pense que c'était une semaine pour moi de l'utiliser tous les jours parce que vous regardez l'écran de l'ordinateur tout en dessinant sur la tablette. Une fois que j'ai eu le coup, le travail a été très bien fait, et je créais du personnel facilement, comme je l'imaginais. J' ai aussi utilisé [inaudible] pendant très longtemps, surtout au travail comme à la maison, et la plupart du temps pour une illustration conceptuelle à grande échelle avec beaucoup de détails. Le grand écran est génial si vous créez des œuvres d'art très élaborées avec beaucoup de détails, et je l'ai vraiment apprécié pour le concept art. Un inconvénient est que cela prend beaucoup d'espace, une table entière en fait, donc vous devriez compter sur cela si vous l'obtenez pour votre maison ou pour le bureau. Plus tard, comme vous le savez peut-être de mes autres classes, j'ai eu mon favori actuel la tablette de dessin portable autonome, l'iPad Pro. Je sais qu'il y a d'autres entreprises axées sur artistes qui produisent des tablettes de dessin autonomes, comme Wacom, Huion, X-pen. Cependant, j'ai choisi iPad Pro en raison de sa polyvalence, et il peut être utilisé comme un ordinateur normal aussi, il est très léger, beau, le design est très agréable et pour être honnête, Apple Pencil est juste sorti de ce monde, c' est très naturel à utiliser. J' ai également choisi la taille d'écran plus petite d'un iPad parce que je peux l'emmener partout avec moi. D' habitude, je le prends même dans mon sac à dos aussi lors de randonnées, mais ne vous inquiétez pas, j'ai deux housses douces dessus, et je suis très prudent avec le sac à dos quand je le porte. Il peut être plus cher que les autres, mais vous obtenez beaucoup dans une chose de tablette. Je dis souvent que mon processus, depuis la découverte de la procréation et l'obtention d'un iPad Pro avec l'Apple Pencil, est 10 fois plus rapide que je l'étais avant. Je peux faire beaucoup plus, tellement mieux, avec tant d'efforts. Je suis aussi plus motivé à dessiner parce que je l'emporte partout avec moi. Mais pour souligner, je vous recommande vraiment d' essayer différentes tablettes jusqu'à ce que vous trouviez votre favori. En règle générale, pensez à votre cas d' utilisation, vos préférences, votre budget, puis regardez les fonctionnalités et les avantages que ces tablettes peuvent vous apporter. En fait, si vous voulez faire plus de recherches sur la tablette de dessin, je crée un tas d'articles et de critiques comparant les différents types parce que, comme vous pouvez l'imaginer, j'aime dessiner numériquement, et j'aime aussi essayer différents outils, afin que je puisse trouver le meilleur pour moi et améliorer mon processus et rendre le dessin plus facile. Vous pouvez trouver un lien vers le site dans le profil de mon professeur si vous voulez en savoir plus. Maintenant, quand nous en savons un peu plus sur la tablette de dessin, jetons un coup d'oeil à certains logiciels numériques et aux applications disponibles sur le marché. se voit dans la vidéo suivante. 3. Logiciel: Il y a beaucoup de logiciels de dessin numérique à choisir. Au lieu de vous ennuyer avec tous les détails techniques, je vais vous emmener à travers mon expérience pratique avec certains d'entre eux. Comme vous le savez déjà, mon logiciel de dessin numérique est le Procreate sur mon iPad Pro. Vous pouvez l'obtenir pour un achat unique d' environ 10$ et vous pouvez l'utiliser pour toujours sans frais mensuels. Sur la note de côté, procréation est développée par des gars de la belle Hobart en Tasmanie, qui est connu pour les mignons diables de Tasmanie. Ils ne sont pas mignons ? Je devais te montrer ça. Pour revenir à notre sujet, Procreate a parcouru un long chemin depuis ses débuts et ils fournissent une bonne quantité de fonctionnalités, outils de dessin pour que de nombreux artistes l'industrie l'utilisent comme partie intégrante de leur processus créatif. Je l'utilise pour l'esquisse, le travail en cours, et en fonction de la complexité et des exigences de rendu, je termine les œuvres pour les clients sur mon iPad et Procreate également. Puis passer à l'autre logiciel, il y a Adobe Photoshop et Illustrator, qui sont tous deux reconnus comme des logiciels professionnels dans l'industrie artistique, probablement parce qu'ils fournissent des tonnes de fonctionnalités et d'outils de dessin, mais ils prennent un certain temps pour s'y habituer. Comme vous pouvez l'imaginer, lorsque je travaillais comme illustrateur, j'utilisais quotidiennement Photoshop et Adobe Illustrator. En tant que freelance, mon programme quotidien est Procreate, avec lequel je peux me déplacer, mais j'utilise toujours Photoshop pour tâches d'édition plus complexes et Illustrator pour des projets vectoriels ou des motifs. Vous savez peut-être déjà que vous pouvez également faire des modèles dans Photoshop ou Procreate. Mais je pense qu'il est plus pratique de le faire dans Illustrator, et il est également considéré comme une norme dans une industrie de la conception de motifs de surface pour le travail quotidien, comme vous pouvez l'imaginer, s'il est plus pratique de faire des motifs là, au moins, je le crois. Il y a beaucoup de choses qui peuvent être faites dans Procreate, mais dans Photoshop et Illustrator, vous avez plus d'options d'édition. De plus, comme je l'ai mentionné, je suis déjà assez habitué à eux de toute façon. Mais encore une fois, une étape à la fois, vous n'avez certainement pas besoin de connaître tous les programmes tout de suite. Au début, je dirais que vous n'avez pas besoin de connaître tous les programmes Adobe, mais si vous voulez travailler dans l'industrie du design, du divertissement, du jeu et de la création en général, il est utile de connaître Photoshop et Illustrator à long terme. Adobe Photoshop et Illustrator font partie d'Adobe Creative Cloud, qui constitue désormais un abonnement mensuel. Il va entre 10$ et 50$ par mois selon le plan que vous obtiendrez, et cela dépend des programmes que vous choisirez si vous n'obtenez qu'un seul ou l'ensemble du forfait. Cela peut, bien sûr, changer, donc s'il vous plaît toujours vérifier leur site Web, quelle est la dernière offre. À mon avis, ils fournissent la meilleure expérience si vous êtes sur l'ordinateur, cependant, ils ont également des versions disponibles pour les tablettes, bien que, généralement avec moins de fonctionnalités. Mais tout se développe assez rapidement et il se peut que la nouvelle meilleure version pour la tablette soit juste derrière le coin. En passant, si vous ne connaissiez pas Adobe Photoshop, comme Procreate est un logiciel basé sur des pixels, et Adobe Illustrator est un logiciel basé sur des vecteurs. En règle générale, si vous avez besoin de mettre à l'échelle vos graphiques sans perte de qualité, vous les créez en vecteur. Par exemple, les logos, les polices, les icônes, les motifs et certains autres motifs. Comme vous pouvez l'imaginer, il y a beaucoup d'autres programmes et applications de dessin numérique là-bas. J' en mentionnerai quelques-uns que j'ai essayé, ou que j'ai entendu parler de mes collègues artistes. Il y a Adobe Fresco, Krita, Autodesk SketchBook, Clip Studio Paint, PaintTool SAI, GIMP et d'autres. Certains d'entre eux sont gratuits, open source et d'autres sont plus abordables que le reste. Par exemple, Krita est gratuitement reconnu dans l'industrie créative pour l'illustration et l'art conceptuel. GIMP est idéal pour le retouche photo et le design graphique. Enfin, je tiens à mentionner que si vous voulez utiliser toutes les fonctionnalités d'Adobe Photoshop et Illustrator, pas seulement une application tout en utilisant votre iPad Pro, il y a aussi l'application Astropad, qui vous permet de lier votre iPad Pro votre ordinateur Mac et utilisez-le comme une tablette graphique. Les créateurs ont récemment publié une version bêta compatible Windows 2. Maintenant, lorsque vous avez un aperçu des outils et logiciels que vous pouvez utiliser pour créer de l'art numérique, passons à l'apprentissage des techniques, astuces et des astuces de l'art numérique tout en créant un thème sous-marin amusant et coloré. se voit dans la vidéo suivante. 4. Toile: Quand il s'agit de canevas et de couches, pensez toujours à ce qui est le produit final de votre art ou illustration. C' est juste un croquis ? Prévoyez-vous de le publier sur les réseaux sociaux ? Tu feras une affiche imprimée, peut-être dans une taille plus grande ? Peut-être le motif doit-il être utilisé sur le tissu ? Ou peut-être que c'est un environnement pour un jeu ou une animation ? Avant de discuter des couches et de la toile, regardons les différentes tailles de toile que vous pouvez utiliser. Deux de mes, « Conseils numéro un en ce qui concerne la taille de la toile sont : » numéro 1, toujours vérifier vos besoins de produits finaux, sorte que vous avez les pixels corrects et la résolution et numéro 2, essayez de créer des tailles de toile prédéfinies que vous utilisez souvent, sorte que vous n'avez pas toujours à vérifier quelles sont les mesures exactes. Par exemple, pour A4 ou A2. Il suffit de Google une fois et de créer et d'enregistrer les tailles de canevas que vous utilisez le plus. Dans mon application Procreate, vous pouvez voir que j'ai enregistré de nombreuses tailles de canevas que j'utilise souvent. Par exemple, pour les messages Instagram, que je crée souvent, j'utilise environ 3 000 pixels sur 3 000 comme vous pouvez le voir ici. Dans Procreate, en cliquant sur la liste des toiles à droite, puis sur le signe plus en haut, vous pouvez créer un nouveau canevas. Lors de la création d'un nouveau canevas, définissez d' abord les dimensions , la taille, puis la résolution. 300 DPI est bon pour l'impression, 600 serait encore mieux, mais pas nécessaire à mon avis, sauf si c'est la taille du panneau d'affichage. 72 ppp ou 150 ppp est généralement suffisant pour les écrans comme les œuvres d'art pour les aperçus miniatures et similaires. Lorsque vous définissez ces paramètres dans Procreate, vous pouvez également remarquer le nombre de calques disponibles. Habituellement, pour le partage sur les réseaux sociaux, je ne publie pas la résolution la plus élevée, et dans ce cas, je sauvegarde toujours l'œuvre sous forme de copie et je la redimensionne plus tard. En parlant des paramètres ici, après avoir défini votre PPP, vous pouvez également modifier les dimensions de votre œuvre. Ensuite, vous pouvez également définir le profil de couleur ; CMJN serait pour l'impression, et RVB pour l'écran numérique. Ensuite, dans Procreate, il y a aussi une option pour la vidéo time-lapse, ce qui est assez cool. Si vous souhaitez enregistrer votre processus, vérifiez s'il est activé et sélectionnez la qualité que vous préférez. Maintenant, une fois que vous avez créé un canevas et que vous êtes dans une illustration existante, vous pouvez accéder aux informations du canevas et recadrer et redimensionner pour accéder aux paramètres de votre canevas. Dans les paramètres, vous pouvez ajuster vos paramètres. Je suggère fortement que vous n'augmentez pas le nombre car cela rendra votre art floue et pixélisé. Essayez de toujours penser à la résolution de taille la plus importante dont vous auriez besoin avant de commencer à créer. Sélectionnez l'option Rééchantillonner le canevas et l'option de capture en même temps, ce qui vous aidera à redimensionner votre illustration sans en couper certaines parties. Encore une fois, je recommande de ne redimensionner qu'à une taille plus petite et pas plus grande pour éviter que votre œuvre ne devienne floue et pixélisée. Une fois que vous faites cela, il devient un fichier beaucoup plus petit, sorte que vous obtenez soudainement plus de couches disponibles que vous pouvez remarquer sur le dessus de l'écran ici. Vous pouvez ensuite appuyer sur la touche enfoncée si vous voulez enregistrer ou annuler si vous n'êtes pas sûr, vous ne voulez pas enregistrer ou si vous n'avez pas fait de copie de l'illustration auparavant. Maintenant, voici un conseil rapide sur la préparation des messages pour Instagram. Pour gagner du temps, vous n'avez pas besoin de créer un nouveau canevas à chaque fois si vous avez besoin d'une taille plus petite. Il suffit de prendre une capture d'écran de votre illustration agrandie et de couper les bords dans l'application. Je trouve cette résolution généralement assez bonne pour l'affichage. Maintenant, parlons brièvement des couches. Si vous ne savez pas quelle est la meilleure façon d'utiliser les calques, imaginez le calque comme une feuille de papier transparente sur laquelle vous pouvez dessiner. Vous pouvez activer et désactiver les calques avec l'icône des yeux, comme enlever et mettre de côté ces feuilles de papier transparentes. Autant que je sache, l'animation se faisait comme ça dans le passé de manière traditionnelle, en utilisant de nombreuses feuilles de papier. En balayant vers la gauche sur le calque, vous pouvez le dupliquer ou le supprimer. Dans Procreate, vous disposez de calques limités en fonction de la taille du canevas, comme vous l'avez déjà remarqué dans les paramètres. De cette façon, Photoshop est mieux car il s'agit d'un logiciel robuste sur votre ordinateur sans limitation de couche. Mais pour le prix et la fonctionnalité, j'aime toujours vraiment Procreate malgré ces limitations. Dans Procreate, si vous cliquez sur la couche, vous verrez les différentes options que nous examinerons plus tard dans la classe en utilisant des exemples plus concrets. Mais je voulais te les montrer ici pour que tu saches qu'ils existent. Si vous n'utilisez pas Procreate ou Photoshop, essayez d'explorer les options de calque disponibles dans le logiciel de dessin que vous utilisez. Dans la leçon suivante, nous allons discuter des brosses et des idées sur la façon de les utiliser. se voit dans la vidéo suivante. 5. Pinceaux d'esquisse: Parlons maintenant des pinceaux parce que parler des pinceaux est l'un des sujets préférés de nombreux artistes. Cela peut être assez excitant, essayer les nouveaux, découvrir leurs propriétés et créer de l'art impressionnant en cours de route. Dans tous les cas, il faut du temps et beaucoup de pratique pour s'habituer à diverses brosses et comment la sensibilité à la pression fonctionne avec votre dessin, croquis ou peinture. Comme note de côté, par exemple, si vous n'êtes pas habitué à dessiner des contours et des esquisses agréables et très propres tout en dessinant traditionnellement, vous pouvez toujours commencer à bloquer les couleurs et remodeler le concept et ajouter texture plus tard sans utiliser l'art au trait sur un calque différent comme je vais vous le montrer aussi. Si vous êtes habitué à dessiner traditionnellement, essayez d'utiliser les médias numériques la même manière et travaillez avec les calques comme vous le feriez pour construire les couleurs tout en peignant traditionnellement. Construisez sur l'ensemble des compétences que vous avez déjà et ce sera beaucoup plus facile pour vous. Comme vous l'avez peut-être remarqué, j'ai divisé le sujet du pinceau en deux leçons. Dans la première partie, je vais vous montrer les bases avec mes pinceaux de croquis préférés et dans la deuxième partie, leçon suivante, je vais vous montrer mes brosses de mélange de couleurs préférées actuelles. En règle générale, je pense que vous devriez expérimenter avec autant de pinceaux et de textures que vous pouvez pour trouver vos quelques-uns préférés. Voici les choses à considérer : à quel point le pinceau est-il opaque ? N' a pas de texture ? Quels bords crée-t-il lors du dessin ? Comment se comporte-t-il avec différentes pressions de stylo ? Au début, j'ai été rattrapé par l'utilisation trop de pinceaux parce que je voulais utiliser toutes les textures fraîches, mais celles-ci peuvent être moins efficaces que vous pourriez le penser. J' ai pensé au début que ces artistes étonnants que j' admirais avaient ces magnifiques pinceaux que je ne sais pas comment ils fonctionnent, et c'est le plus grand contributeur à leur art. Cependant, comme je l'ai appris plusieurs fois sur le chemin, un simple pinceau peut créer de l'art étonnant. En parlant des bases, prenons l'une des brosses opaques de base. Dans Procreate, mon favori est le pinceau de script, vous pouvez changer la taille, la pression et l'opacité. Avec ces options de paramètres déjà, vous pouvez créer beaucoup avec un seul pinceau. Pourquoi un pinceau ? Si vous imaginez peindre avec des outils traditionnels, combien de brosses utiliseriez-vous ? Je ne pense pas que beaucoup, au moins j'essaie de limiter à une ou quelques tailles différentes de pinceaux et de techniques de texture. Trop de textures différentes dans une œuvre peuvent même dépasser toute l'idée. L' accent sera mis uniquement sur la texture et peut-être pas sur votre composition, couleurs ou le récit de votre illustration. Comme vous le savez, il y a beaucoup de pinceaux différents qui rendent votre art plus amusant, par exemple, pinceau pour les nuages ou pinceau pour la texture rocheuse. Cependant, ils aident généralement simplement à l'aspect final et ne font pas le noyau de l'œuvre. Sauf si vous faites de l'art abstrait et la texture est très importante pour le look final global. Lorsque vous trouvez vos pinceaux préférés, placez-les dans un seul dossier afin que vous puissiez les trouver facilement à l'avenir. Cela vous fera gagner beaucoup de temps lors de la création d'un nouvel art afin que vous puissiez vous concentrer sur l'art et non pas sur le pinceau que je voulais utiliser. Dans Procreate, vous pouvez faire glisser et déposer les pinceaux dans un dossier. Laissez-moi vous montrer un pinceau du dossier d'esquisse. J' aime vraiment ce pinceau parce qu'il est plus opaque lorsque vous appuyez fort et moins visible lorsque vous appuyez sur plus doux avec le crayon. Fondamentalement presque comme un vrai crayon sur le papier et comme vous pouvez le voir, il se comporte également bien sous différents angles lorsque vous inclinez le crayon tout en dessinant. Comme vous pouvez le voir, j'aime utiliser le pinceau de texture pour esquisser, généralement un pinceau à la craie ou un pinceau à la recherche d'un crayon pour imiter évidemment le look de crayon pour les croquis. Permettez-moi de vous montrer un pinceau de plus du dossier d'esquisse qui ressemble et se comporte de la même manière. Comme vous pouvez le voir, celui-ci est un peu plus texturé, donc c'est à vous d'essayer de voir lequel vous aimez le plus. Comme je l'ai mentionné, j'ai tendance à tester beaucoup de pinceaux. Cependant, ce qui fonctionne actuellement pour moi est d'utiliser moins de pinceaux sur une œuvre d'art pour ne pas me perdre dans la recherche de pinceaux pendant la peinture. Dans la leçon suivante, nous allons continuer à parler des pinceaux et des techniques, en particulier le mélange de textures et le sélecteur de couleurs. se voit dans la vidéo suivante. 6. Pinceaux de mélange: Maintenant, regardons les pinceaux de texture, que vous pouvez utiliser pour mélanger les couleurs avec l'aide d'un sélecteur de couleurs. Encore une fois, en fonction du look que vous aimez, pensez aux textures. Par exemple, j'aime une certaine texture dans mon art numérique, et vous pouvez certainement trouver la façon d' utiliser n'importe quel style que vous développez pour les différents projets. En ce qui concerne les textures et l'utilisation des textures dans l'art numérique, ce que j'ai vu autour, au moins à mon avis, ce que j'ai remarqué, je me sens comme que les artistes utilisent beaucoup plus de textures dans l'illustration du livre de l'enfant. Par rapport à l'art du jeu et à l'art du cinéma, la tendance est de ne pas utiliser trop de texture et presque tout ombrage avec juste un pinceau doux. Essayez de regarder vos artistes préférés et leur projet et peut-être le domaine de l'industrie de l'art dans lequel ils sont, et essayez de remarquer combien de brosses de texture et de texture ils utilisent dans leur art. Certainement, regardez plus qu'un seul artiste. Essayez simplement de remarquer plus d'artistes afin que vous ayez une meilleure vue d'ensemble. Encore une fois, il y a une variété de styles cool partout, alors essayez de remarquer quelques similitudes dans l'ombrage, la quantité de détails, les palettes de couleurs et les textures lorsque vous regardez différentes formes d'art chez divers artistes. Maintenant, regardons quelques pinceaux cool qui viennent avec Procreate. Comme vous pouvez le voir, nous avons déjà enregistré ces deux dans notre dossier dans la leçon précédente. Maintenant, nous allons en savoir plus à ajouter à ce dossier. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup de dossiers avec des pinceaux cool qui vient avec l'application, ainsi que certains des dossiers que j'ai ajoutés plus tard. Comme vous pouvez l'imaginer et vous avez probablement entendu, vous pouvez télécharger divers ensembles de pinceaux et les tester. Mais je pense qu'il y en a assez ici dans les jeux de pinceaux prédéfinis. Regardons quelques-uns de mes favoris ici, et parlons de quelques cassettes tout en les essayant. En ce moment, je profite de celui-là. Maintenant, nous allons utiliser le sélecteur de couleurs pour fondre. Qu' est-ce que le sélecteur de couleur ? Le sélecteur de couleurs échantillonne la couleur de la toile qui est déjà là. Comment accéder au sélecteur de couleurs est défini dans vos paramètres Procreate. Dans Procreate, en touchant l'écran d' un doigt et en le maintenant un peu plus longtemps, c'est un raccourci prédéfini pour accéder au bécher de colonne. Je l'ai mis en place en cliquant sur le bouton à gauche. Comme je l'ai mentionné, le sélecteur de couleurs est très utile si vous voulez échantillonner une couleur qui est déjà sur la toile ou vous pouvez échantillonner n'importe quelle couleur de la référence importée, qui peut être une photographie ou une œuvre que vous avez déjà peinte traditionnellement, a scanné et l'a importé dans le logiciel de dessin. Comme vous pouvez le voir, ce pinceau a une texture craie lorsque vous dessinez avec elle, et il est assez opaque lorsque vous appuyez plus fort aussi. J' aime vraiment cette combinaison. Lorsque vous dessinez plus doux, vous voyez plus de texture, et lorsque vous appuyez plus fort avec le crayon, le pinceau est plus opaque. Il y a beaucoup de variété lorsque vous dessinez avec ce pinceau. Dans cette leçon, je sélectionne divers pinceaux comme exemples. Certains ont un bord souple et d'autres ont un bord plus dur lors du dessin. Comme je l'ai mentionné précédemment, il est bon de sélectionner quelques pinceaux pour gagner temps lors du dessin et tout simplement pas à la recherche des pinceaux tout le temps. En plus de cela, beaucoup d'artistes disent que c'est assez pour s'entraîner avec seulement deux pinceaux, un pinceau à bord souple et un pinceau à bord dur lorsque vous commencez tout juste, sorte que vous pouvez vous habituer à la façon de contrôler le pression lors du dessin avec des brosses pour obtenir les résultats que vous voulez. C' est aussi une approche assez facile car le pinceau d'ombrage doux et pinceau de bord dur sont généralement disponibles dans tous les logiciels de dessin, et ils vous permettront de passer à travers la plupart des besoins d'ombrage et de mélange. Avec le pinceau à bords durs, vous obtenez des coups de pinceau plus irréguliers et durs si vous essayez de mélanger des couleurs, et vous voudrez vous en débarrasser en choisissant des couleurs et peignant avec moins de pression sur ces transitions. D' autre part, si vous utilisez un pinceau avec des bords souples, le mélange des couleurs serait plus facile et ils se mélangeront plus facilement. Mélanger les couleurs avec une brosse à bords durs nécessite un peu plus de pratique et plus de contrôle de la pression du stylo. C' est juste à propos de l'entraînement à nouveau. Plus vous essayez, pratiquez et expérimentez, plus vous devenez à l'aise. Des pinceaux à bords durs, j'aime ceux avec une forme rectangulaire comme base de la brosse jusqu'à ceux avec la forme arrondie de la brosse. J' aime juste la forme rectangulaire parce qu'elle rend l'œuvre d'art et les coups de pinceau plus audacieux. En plus de cela, la plupart des pinceaux que j'aime vraiment ont une sorte de texture pour eux. La meilleure option ou la préférence pour moi est que lorsque vous appuyez doucement, il y aurait une certaine texture sur les coups de pinceau et lorsque vous appuyez plus fort, la brosse deviendrait plus opaque. C' est juste ma préférence, donc vous devez essayer différents pinceaux pour voir ce que vous aimez pour le dessin. Maintenant, laissez-moi vous montrer un autre pinceau qui est assez intéressant pour coloration et le mélange parce qu'il a cette texture aquarelle regarder à elle, ce que j'aime beaucoup. abord, je vais prendre une couleur comme base, puis j'en ajouterais une autre et les mélangerais avec le sélecteur de couleurs. Échantillonnage de la couleur de la toile. Comme une deuxième couleur pour cet exemple, pour le mélange, je prends l'une des couleurs chaudes plus sombres afin que nous finissions avec des nuances de rose plus foncées et plus claires. Comment faire cela ? Il suffit d'ajouter le rose foncé sur le dessus du rose clair d'un côté et vous dessinerez doucement en utilisant la légère pression sur la toile de sorte que le mélange des couleurs est moins important ou vous pouvez peindre fort avec plus de pression pour ajouter couleur plus solide et des transitions plus visibles dans cette nuance de couleur. Ensuite, comme je l'ai mentionné précédemment, vous pouvez utiliser le sélecteur de couleur dans la partie lorsque ces deux couleurs se chevauchent et créer une nouvelle nuance intéressante. Encore une fois, vous peindriez avec ces nouvelles nuances pour les mélanger en douceur. Ce qui est intéressant à propos de ce pinceau est lorsque vous peignez sur la plus grande œuvre, il prend en fait plus de couleurs qui sont déjà sur la toile et crée automatiquement des combinaisons de couleurs intéressantes avec une teinte supplémentaire. Je vais vous montrer plus de ces pinceaux dans les leçons ultérieures, aussi. Comme je l'ai mentionné, le sélecteur de couleurs est l'un des principaux outils numériques que j'utilise. Il vous aide à rester cohérent avec votre palette de couleurs. sélecteur de couleurs est pratique car il vous permet d'utiliser uniquement le mélange de couleurs que vous avez déjà sur la toile et dans l'illustration lors de la fusion, surtout si vous voulez obtenir un aspect cohérent dans une illustration. Passons maintenant à un autre exemple de branche, en restant dans le même dossier de pinceau, le dossier artistique. Regardons un autre pinceau que je profite beaucoup maintenant. Cette brosse a une texture agréable et en fonction de la pression que vous choisissez, vous remarquerez différentes quantités de texture sur votre toile. Lorsque vous utilisez une petite quantité de pression et que vous peignez doucement, il a un bel aspect aquarelle. Vous pouvez voir l'exemple de ces pinceaux sur cette œuvre de raie manta que j'ai faite précédemment. Maintenant, pour revenir au dossier de peinture, ce pinceau à l'huile vous donne un joli look presque peinture à l'huile lorsque vous mélangez des couleurs. Maintenant, supprimons ce calque avec cet exemple de pinceau et regardons un autre. En plus de l'utilisation de ce pinceau à huile pour la peinture, je l'utilise parfois comme outil de taches. Si vous remarquez l'icône à côté de l'outil de brosse sur le dessus, c'est aussi un outil de taches que vous pouvez utiliser pour pousser les couleurs autour de la toile. Comme je l'ai dit, je ne l'utilise que parfois, mais quand je le fais, je l'utilise avec ce pinceau. Vous pouvez le tester si vous aimez cet outil, aussi. Maintenant, quand nous allons dans un dossier de dessin dans le jeu de pinceaux. Actuellement, j'aime vraiment ce pinceau aussi, qui est livré avec une très belle texture douce avec différentes pressions de stylo. Vous pouvez vous entraîner à presser plus doux et à utiliser une très basse pression avec cette brosse et aussi avec plus de pression sur la toile pour voir à quoi ressemble cette brosse et si vous l'aimez. Maintenant, si vous préférez des pinceaux plus solides avec une texture rugueuse, je recommande également ce pinceau. Utiliser une faible pression avec le crayon ou le stylet vous donnera cette belle texture rugueuse, presque comme un look crayon. En utilisant plus de pression vous obtiendrez ce joli look opaque, et vous pouvez également essayer d'incliner votre crayon et voir comment la brosse se comporte sous différents angles. Dans le dossier de peinture, j'aime vraiment ce pinceau à l'aspect acrylique, qui a une texture douce et c'est très agréable pour les grandes formes et la création de dégradés avec une certaine texture. Voici un autre que j'aime pour le look dégradé doux avec un peu de texture. Cette brosse est similaire si vous utiliseriez des gouaches dans la vraie vie. Maintenant, supprimons ce calque avec cet exemple de pinceau. Voici un exemple. J' ai beaucoup utilisé ce pinceau quand je créais ce champ de fleurs pour la classe de composition. Je l'ai combiné avec ce pinceau à la recherche d'encre avec un peu de texture du dossier d'encrage, comme vous pouvez l'imaginer. Quand il s'agit de pinceaux avec des textures différentes, essayez de ne pas vous laisser emporter avec des pinceaux de texture différents au sein une seule œuvre, car il peut devenir très occupé très rapidement, et vous pourriez passer plus de temps à essayer différents pinceaux que créer de nouvelles œuvres d'art. Selon l'aspect que vous aimez pour vos œuvres, testez différents pinceaux mais essayez de coller à une quantité limitée de ces pinceaux dans une seule illustration afin que votre idée ne soit pas dominée par les textures. Une fois que vous devenez plus avancé et que vous vous sentez plus à l'aise combiner différentes brosses et textures au sein de l'œuvre, vous pouvez également passer à la création de vos propres pinceaux pour des textures comme des nuages, rousseur ou des roches, que je trouver très utile. Il y a tellement de types qui sont si cool. Mais revenons aux pinceaux que nous avons ici. Voici un autre exemple d'illustration d'une autre classe, la classe de processus d'illustration freelance, où j'utilise aussi ces pinceaux. Comme vous pouvez le voir, vous avez beaucoup d'options, et j'aimerais entendre lesquels sont vos préférés après avoir essayé quelques-uns d'entre eux. Lorsque vous trouvez votre favori, n' oubliez pas de les ajouter au dossier. Vous pouvez nommer le dossier pinceaux préférés ou les plus utilisés ou quel que soit le nom que vous aimez. Comme vous pouvez l'imaginer, chaque logiciel est livré avec beaucoup de pinceaux, donc c'est une bonne idée de tester au moins certains d'entre eux comment ils se comportent et expérimentent tout en utilisant différentes pressions de crayon et de stylet pour obtenir un confort avec ces pinceaux. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer à quel point les raccourcis peuvent être précieux quel que soit le logiciel de dessin que vous utilisez. se voit dans la vidéo suivante. 7. Raccourcis: Parlons des raccourcis, car se mettre à l'aise avec les raccourcis disponibles dans votre logiciel de dessin, vous aidera beaucoup en ce qui concerne votre flux de travail et le processus de dessin. Il y a peut-être certains d'entre eux que vous ne connaissiez même pas. Les raccourcis que j'utilise le plus, et vous le ferez probablement, sont les suivants. Lors de la peinture, je suis généralement en alternance rapide entre le pinceau, annulation, l'effacement, la rotation, l'échelle et le sélecteur de couleurs. Dans certains raccourcis et gestes utiles supplémentaires que j'utilise, sont zoom avant et zoom arrière, et le geste rapide pour rendre le pinceau plus grand ou plus petit. Pour rendre le pinceau plus grand ou plus petit, utilisez l'échelle à gauche, puis vous pouvez simplement esquisser avec un pinceau. Pour annuler ce que vous venez d'esquisser, vous pouvez effacer ou utiliser le bouton Annuler ou le raccourci correspondant. Pour effacer dans Procreate, c'est ce bouton en haut, et pour annuler ou en d'autres termes, revenir en arrière dans Procreate, vous pouvez simplement taper avec deux doigts sur l'écran. Vous pouvez voir que les boutons Annuler et Rétablir sont ici sur la gauche. Je n'utilise pas autant le bouton d'annulation, car le raccourci est tellement plus rapide. Comme vous le savez déjà, le sélecteur de couleurs est quelque chose que j'utilise très souvent aussi. Dans Procreate, vous pouvez configurer ce raccourci de plusieurs façons. J' ai essayé de travailler de différentes manières et je me suis installé sur ma configuration actuelle, qui est en cliquant sur le bouton ici sur l'application avec mon bras gauche, au lieu de tenir le doigt ou simplement crayon sur la zone. Pour personnaliser le raccourci, il suffit de cliquer sur l'icône de plage ici en haut. Accédez à Outils, sélectionnez Préférences et accédez au menu. J' ai remarqué que certains artistes préfèrent effectivement activer le sélecteur de couleur avec la même main, car ils tiennent et dessinent avec un crayon. Pendant le dessin, ils tiennent le crayon et utilisent l'un des doigts de cette main pour toucher la toile pour goûter la couleur. Mais comme je l'ai mentionné, ce qui fonctionne mieux pour moi est de dessiner d'une main, et d'échantillonner les couleurs avec le sélecteur de couleur de l'autre main. Si vous travaillez dans un logiciel différent, juste Google quelles options vous avez pour ce raccourci. Dans Procreate, vous avez également un menu QuickMenu que vous pouvez configurer dans les Préférences, et vous pouvez voir mes paramètres préférés ici. J' utilise le Verrou Alpha ici le plus, pour verrouiller la transparence du calque. Je vais vous en dire plus sur l'Alpha Lock dans les leçons ultérieures. Pour effectuer un zoom avant et un zoom arrière dans Procreate, utilisez deux doigts pour saisir, puis mettre à l'échelle le Canvas. Un autre raccourci amusant que vous pouvez utiliser, est une pincée rapide avec deux doigts. Avec ces mouvements, vous pouvez redéfinir la toile en pleine taille, en remplissant l'écran. Lorsque je veux faire pivoter la toile dans Procreate, je peux simplement utiliser deux doigts pour saisir et ensuite faire pivoter la toile. La rotation de la toile est très utile si vous avez habitude de dessiner avec un seul mouvement avec votre main ou votre bras, et la rotation de la toile et le dessin sur un certain angle peuvent vous aider à créer des traits plus confiants et lâches. Un autre raccourci ou un outil avec les gestes rapides que j'utilise assez souvent est d'obtenir des lignes droites. Dans Procreate, vous pouvez simplement maintenir le stylo sur la toile un peu plus longtemps après avoir tracé une ligne et il sera droit. Vous pouvez utiliser ces astuces aussi avec des lignes courbes et des cercles. Appuyez et maintenez avec votre autre main pour avoir un cercle parfait. Si tout cela est écrasant, ne vous inquiétez pas si vous ne vous souvenez pas encore de tout ça. La pratique aide et fait des progrès. Testez les choses et amusez-vous. Mais les raccourcis d'apprentissage vous aideront certainement à long terme. Dans la leçon suivante, nous allons parler de la façon d'utiliser les références et l'inspiration tout en dessinant numériquement. se voit dans la vidéo suivante. 8. Références: Lorsque vous avez une idée pour votre illustration mais que vous n'avez pas beaucoup pratiqué le dessin d'un sujet spécial ou d'une scène, n'ayez pas peur d'utiliser des références. Ils peuvent vous aider dans votre processus tout en suscitant de nouvelles idées pour vous. Lorsque vous créez une nouvelle illustration, en règle générale, essayez d'utiliser plus de références plutôt que de simplement copier le travail de quelqu'un d'autre. Par exemple, en regardant une photo. De cette façon, vous pouvez vous inspirer par différentes choses, telles que la composition d'objets et d'éléments dans une référence, puis la lumière et les couleurs dans l'autre, et à la fin, vous finirez avec des œuvres d'art très intéressantes de votre propre. Lorsque vous dessinez numériquement, j'utilise les références de deux manières différentes. Soit dans une fenêtre séparée ou un écran lorsque je ne veux pas utiliser les couleurs exactes, soit en important des images de référence directement dans l'application de dessin. Regardons la première option, dans laquelle vous pouvez aller à Canvas et Référence et sélectionner une image dans la galerie, puis inspirer de cette référence. Si je dessine dans Photoshop sur l'ordinateur, j'ai généralement le tableau d'humeur avec plusieurs images de référence comme une autre fenêtre ou même sur un écran séparé. Si vous n'avez pas d'écran séparé, vous pouvez également utiliser votre téléphone comme écran supplémentaire pour vos références. Lorsque vous esquissez, essayez de vous inspirer par les différentes formes de corail et essayez de simplifier en les regardant. Comme je l'ai mentionné, je prépare habituellement des planches d'humeur avec plusieurs références photo, et j'ai préparé des photos de référence en direct de la mer dans un tableau d'humeur pour vous aussi afin que vous puissiez obtenir l'inspiration pour certains des éléments, détails de l'élément, humeurs et palettes de couleurs. Vous trouverez les instructions sur la façon de les télécharger dans la section des ressources. Maintenant, pour la deuxième option, si vous voulez utiliser certaines des couleurs des références directement, j'importerais les images directement sur le canevas. Ensuite, je peux utiliser le sélecteur de couleurs pour échantillonner les couleurs. Lorsque l'image de référence est importée sur le canevas sur un calque séparé, essayez d'échantillonner différentes couleurs de cette image. Pour cette pratique d'esquisse de coraux, j'essaie de limiter la quantité de couleurs pour créer un look cohérent. Ensuite, j'essaie de dessiner un poisson basé sur la référence avec les couleurs similaires que j'ai utilisées sur les coraux afin que tous ces dessins ressemblent à eux. Importer les images directement sur la toile est également génial si vous n'êtes pas encore confiant avec le dessin juste en regardant l'objet. Parce que vous pouvez dessiner sur le calque séparé, au-dessus du calque avec la référence, puis vous pouvez tracer votre référence. Plus tard, lorsque vous êtes satisfait de votre résultat, vous pouvez simplement masquer le calque où vous aviez la référence. Lorsque vous avez besoin d'une partie de la référence photo, vous pouvez supprimer le reste de la photo et garder le reste juste sur le côté de la toile comme référence au cas où vous en auriez besoin plus tard. Par exemple, si je veux utiliser ce poisson comme référence plus tard peut-être pour les couleurs ou pour les détails lors du dessin d'autres poissons dans la composition et les croquis. Dans la leçon suivante, nous allons parler de différentes approches de l'esquisse et du rendu. se voit dans la vidéo suivante. 9. Esquisse en vrac: Cette astuce s'applique en fait à la fois à l'art traditionnel et numérique. Mais mentionnons cet exercice comme un bon rappel parce que c'est beaucoup de plaisir. Pour se réchauffer, dessinez des formes aléatoires comme des tourbillons, testez des choses et gâchez les choses. Lorsque vous dessinez, essayez d'utiliser votre coude comme point de pivot afin que vous utilisiez tout l'avant-bras, pas seulement votre poignet et vos doigts. Vous obtiendrez des lignes plus lâches de cette façon, beaucoup plus facile. Ici, j'ai peu d'idées d'exercice pour que vous soyez à l'aise lorsque vous esquissez numériquement. Le premier exercice consiste à dessiner des lignes droites. Oui, juste des lignes droites. Je vais utiliser le pinceau à la menthe poivrée du dossier de croquis pour cet exercice, mais n'hésitez pas à essayer différents si vous voulez. abord, essayez de dessiner ces lignes simples juste avec le mouvement de votre poignet de gauche à droite, puis essayez de droite à gauche. Répétez quelques fois. Ensuite, essayez de dessiner ces lignes avec tout votre avant-bras sans bouger le poignet. Vous remarquez la différence ? J' ai l'impression de pratiquer avec tout l'avant-bras peut vous aider beaucoup avec des lignes plus confiantes. En répétant cette pratique, tracez des lignes plus courtes ainsi que des lignes plus longues. Ensuite, essayez de faire correspondre les lignes que vous dessinez déjà en les dessinant le plus près possible avec des mouvements beaucoup plus rapides. Je pense qu'il est généralement plus facile de les faire correspondre et d'avoir des lignes plus confiantes avec un mouvement plus rapide que les mouvements lents. Je crois de cette façon, vous deviendrez plus confiant dans le dessin aussi. Essayez de vous entraîner avec des mouvements plus lents, puis avec des mouvements rapides à nouveau. Essayez de savoir si vous voyez la différence dans votre confiance et tracez ces lignes. En plus des lignes droites, essayez de pratiquer des lignes courbes, des tourbillons, et y compris des courbes petites et grandes aussi. Ceux-ci peuvent devenir des coraux plus tard pour notre sujet dans cette classe. Comme avant, dessinez d'abord une forme, puis essayez de la faire correspondre à nouveau avec un mouvement plus rapide. Un autre grand exercice est de dessiner des cercles, en particulier dessiner des cercles en utilisant une ligne sans soulever le stylo ou le crayon. Cette pratique vous aidera à vous mettre à l'aise avec toutes sortes de formes plus tard tout en dessinant. Dans notre cas, nous pouvons pratiquer ces cercles qui deviennent oursins lorsque nous ajoutons quelques détails plus tard. Maintenant, pratiquons le croquis lâche sur certains objets réels parce que évidemment, c'est plus amusant que des lignes droites et des cercles simples. Parce que notre sujet est la vie de la mer, dessinons quelques coraux. Cette pratique vous aidera aussi lors du dessin final. Les scènes sous-marines sont parfaites pour les croquis lâches parce que vous pouvez vraiment essayer différentes formes et ils ne seraient pas regarder cela hors parce que l'eau déforme un peu les obsticks et il y a aussi des formes très intéressantes des coraux dans la mer. Avec des courbes lâches, vous pouvez dessiner des feuilles simples et les ajouter à une ligne incurvée pour créer des algues sous-marines. Entraînons-nous aussi à appliquer de la pression ; comment dur ou comment vous dessinez. Quand je commençais à esquisser, je faisais des traits trop doux ou des lignes courtes trop dures parce que j'avais peur que mes lignes soient trop oscillantes et pas comment je les imagine. Au fil du temps, mes croquis sont devenus plus lâches et plus confiants. Plus vous dessinez, plus il vous sera facile et naturel. Si vous voulez dessiner des animaux comme des baleines ou raies manta et que vous ne pouvez pas les dessiner de la mémoire pour l'instant, ne vous inquiétez pas, et utilisez quelques références pour les dessiner. Essayez de vous concentrer sur l'utilisation des lignes lâches pour capturer la silhouette ou le mouvement avant de vous engager à ajouter plus d'anatomie et de détails crédible. De cette façon, vous pourriez découvrir certaines formes que vous aimez vraiment, ainsi que des animaux sous-marins plus gros. Différents types de poissons peuvent être parfaits pour esquisser pour l'échauffement car ils peuvent avoir différentes formes. Nous pouvons également utiliser des lignes lâches pour dessiner des méduses ou des poulpes parce qu'ils ont des formes très cool et de belles lignes courbes quand on regarde leurs silhouettes. Permettez-moi de vous montrer un autre exemple d'animal que vous pouvez dessiner pour ce sujet. D' abord le traçage, puis l'esquisse plus lâche. Comme je l'ai mentionné précédemment, vous pouvez importer l'image de référence comme cette tortue, puis tracer dessus en utilisant plus de lignes lâches comme deuxième étape. Après avoir tracé au-dessus de l'image, vous aurez la première idée de la façon dont les lignes peuvent être courbées. Lorsque vous créez une esquisse plus lâche, écrivez bien cela vous aidera à recréer ces formes beaucoup plus facilement que si vous commencez simplement par une esquisse plus lâche. Ici, j'utilise toujours le même pinceau pour esquisser le contour, ainsi que pour l'ombrage, en tenant simplement le crayon pour l'ombrage. Essayez de vous défier et d'abord, si vous voulez tracer l'animal, pratiquez comme ça, puis essayez de redessiner l'animal ou n'importe quelle forme sans tracer au-dessus de l'image. Plus vous pratiquez et plus vous dessinez, plus vous êtes lâche et plus confiant lorsque vous dessinez différentes formes de jags et d'animaux. Après avoir esquissé régulièrement, je me sens généralement plus confiant et heureux des nouveaux croquis et idées. Bien sûr, comme vous pouvez le voir, les proportions ne sont pas les mêmes. Le croquis apparaîtra plus lâche et plus stylisé. Essayez à la fois de tracer le dessus de l'image et d'esquisser en vrac comme pratique. Bien sûr, si vous vous entraînez à dessiner un type d'animal plusieurs fois dans différents angles, plus vous serez confiant lors du dessin ce type d'animal et peut-être pour les autres, vous auriez toujours besoin de la référence, mais tout va bien. Entraînez-vous autant que possible et comparez vos esquisses pour voir votre progression au fil du temps. Dans la prochaine leçon, nous allons discuter de la façon de repérer et de corriger rapidement vos erreurs. se voit dans la vidéo suivante. 10. Toile à rabat: Cet outil ou habitude est un excellent conseil sur la façon de repérer et de corriger rapidement vos erreurs. Dans cette leçon, nous allons rassembler nos idées de croquis dans une composition et nous allons voir comment nous pouvons ajuster rapidement certaines parties de celui-ci. Pour cette première partie, j'utiliserai ce pinceau, ce qui est assez agréable pour le croquis. Importez les esquisses que vous avez faites avant pour vous aider à inspirer les éléments de la composition. Lorsque vous créez une composition comme celle-ci, vous pouvez importer les dessins de pratique que nous avons fait auparavant, ainsi que d'autres références, peut-être pour les animaux, les personnes ou d'autres éléments pour ajouter un sens de la vie à votre environnement. Pour celui-ci, je n'utiliserai que des animaux. Si vous voulez ajouter des gens, peut-être que vous pouvez trouver des références de personnes plongée sous-marine ou snorkeling. Si vous n'êtes pas sûr de comment assembler une composition et que vous voulez en apprendre davantage sur quelques conseils intéressants et juste plus de pratique, je vous recommande de regarder ma classe sur les compositions. L' un des grands avantages des médias numériques est que nous pouvons utiliser de nombreuses couches. Imaginez lorsque vous dessinez sur du papier, vous n'avez généralement qu'un seul papier ou peut-être que vous en avez plus, mais alors vous devez le combiner d'une manière ou d'une autre. Beaucoup d'artistes, si vous dessinez sur un papier, dessinent d'abord très doux premier croquis pour définir la mise en page, puis ils définissent le dessin avec des lignes ou des couleurs plus visibles comme une étape suivante. C' est ce que nous faisons ici. J' utiliserai plus de couches pour obtenir cet effet. Bien sûr, les couches rendent mon processus plus facile, comme vous pouvez l'imaginer. Dans un premier temps, je créerais un croquis rugueux qui passe à ce seul calque. Plus tard, je réduirai l'opacité de ce calque pour avoir l'aspect crayon doux, puis je redéfinirai le dessin avec lignes plus confiantes et des traits plus visibles sur le calque suivant. Vous pouvez utiliser autant de couches pour ce processus que vous le souhaitez ou que les applications vous permettent ici. Je fais habituellement deux ou trois couches comme celle-ci [inaudible] ou plus si l'illustration est très détaillée. Créez ensuite un nouveau calque pour redéfinir la première esquisse avec des formes plus concrètes. Ensuite, je puis aussi faire pivoter la toile le long du chemin, comme vous feriez tourner le papier parce qu'il m'aide avec mouvement de la main et la création de lignes plus lâches lors de l'esquisse. Regardons maintenant l'outil transformer et liquifier, qui sont très utiles dans ce processus aussi. L' outil de transformation vous aide à redimensionner, à mettre à l'échelle, à déformer et à modifier la perspective de votre illustration ou des éléments sur les calques. Les deux outils sont très utiles lorsque vous voulez ajuster rapidement vos compositions. J' ai tendance à utiliser ces outils uniquement au niveau de l'esquisse car ils abaissent la qualité de pixel de la zone que vous ajustez, il devient plus floue. abord, comment utiliser l'outil de transformation ici pour mettre à l'échelle et redimensionner l'objet ? Peut-être que je choisis juste un des poissons et je voudrais les déplacer ou les rendre plus petits pour mieux s'adapter à la composition. Pour une variété d'esquisses, essayez de dessiner différentes épaisseurs de trait en utilisant la pression du stylo avant. Lors de la création de l'illustration de la vie marine, essayez de créer au moins trois types différents de formes de corail pour créer de la variété dans l'image. Voici un conseil pour repérer vos erreurs et peut-être les corriger, les détails de composition ou les proportions. Lorsque vous avez terminé avec l'idée de mise en page initiale de l'esquisse, essayez de retourner le canevas, allez dans Canvas et retournez horizontalement. C' est un test très utile si votre œuvre fonctionne correctement, car elle vous donne une nouvelle perspective, comme presque quelqu'un de nouveau regarde l'œuvre et peut vous donner des conseils. Cela peut aussi être effrayant parce que vous pouvez soudainement voir beaucoup d'erreurs, mais cela vous aide à repérer des choses qui pourraient sembler étranges au premier coup d'œil. Cela vous aidera à les corriger maintenant au niveau de l'esquisse, sorte que vous passerez moins de temps à les fixer plus tard ou ne jamais les remarquer. Cette fonction est disponible dans la plupart des logiciels de dessin, et généralement vous pouvez la trouver sur les outils Toile. Maintenant, regardons comment utiliser l'outil de liquification. Pour l'utiliser, assurez-vous que vous êtes sur le dernier calque d'esquisse ou sur le calque que vous souhaitez ajuster. Fondamentalement, lorsque vous avez tout ce que vous voulez changer ou ajuster sur un calque, sinon certains des autres éléments ne seront pas liquéfiés. Choisissez la brosse ronde souple, puis accédez à Réglages et sélectionnez Liquifier. Je vais vendre la fonctionnalité Push, qui est la première ici en bas. Il aide à remodeler et à former votre idée. C' est tout à fait la fonctionnalité amusante aussi. L' outil Liquify vous permet de pousser, de tirer, de pivoter, réfléchir, de feuilleter et de flouter n'importe quelle zone de l'image. Ces outils très utiles lorsque vous voulez ajuster rapidement leurs compositions. J' ai tendance à utiliser cet outil uniquement au niveau de l'esquisse car si vous abaissez une qualité de pixel de la zone que vous modifiez, il devient plus floue. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à passer de l'esquisse à la couleur. se voit dans la vidéo suivante. 11. Du dessin à la couleur: Si vous n'avez pas pris de décision avant pendant la classe, lorsque vous passez de l'idée de calendrier à la couleur, il est temps de décider maintenant. Allez-vous opter pour un style plus pictural en bloquant simplement les formes de couleur ? Ou voulez-vous des arêtes nettes et garder l'art au trait comme contour ? Dans cette leçon et la prochaine, je vais vous montrer les deux approches de coloration et de dessin du même sujet, les coraux colorés. Comme vous pouvez le voir, j'ai ajouté plus de détails à ma composition d'esquisse sur un calque séparé. Comme je l'ai mentionné dans la dernière vidéo, en fonction du niveau de détails ou de la quantité de détails que vous souhaitez avoir dans votre illustration, vous pouvez redéfinir l'esquisse plusieurs fois. Si vous ne vous sentez pas à l'aise de créer une composition complète avec beaucoup de détails par vous-même juste pour l'instant, j'ai également préparé une composition avec page de coloriage d'art simplifié afin que vous puissiez pratiquer à côté des leçons. Veuillez garder à l'esprit que cette ressource est uniquement destinée à des fins éducatives liées à la classe. Vous trouverez les instructions pour le télécharger dans la section des ressources. Je vous encourage à vous amuser et à expérimenter pour créer votre propre œuvre unique dans vos propres idées de composition. Lorsque je suis satisfait de la composition de l'esquisse, je l'enregistrerai et je l'importerai dans la nouvelle toile lorsque je le redimensionnerai pour le dessin. Je peux également copier le calque sur le nouveau canevas en faisant glisser le calque. Dans Photoshop, vous devez cliquer avec le bouton droit de la souris sur le calque pour le dupliquer, si vous souhaitez le copier dans un nouveau canevas. Je sélectionne une toile plus grande parce que j' ai décidé que je voudrais faire une impression pour mon salon, donc j'ai choisi la taille de la toile A2, qui est la taille européenne et j'importerai l'art au trait à cette taille de la toile. Maintenant, je vais vous montrer deux approches différentes pour l'œuvre finale avec des bords solides et plus définis inspirés par le look et le style de la bande dessinée. Pour les deux exemples, j'utiliserai le croquis comme guide et je le dessinerai cette fois. Je garderai l'esquisse en bas et réduirai l'opacité du calque. Pour l'illustration linéaire nette, assurez-vous de créer le calque séparé afin de pouvoir l'ajuster facilement ultérieurement. Je préfère dessiner sur le calque supérieur dans ce cas, afin que je puisse voir l'art au trait plus clairement. Pour cette première approche, j'imagine l'art de la ligne noire comme dans les bandes dessinées. Je vais sélectionner la brosse à bord dur de mon préféré ici. Vous pouvez à l'origine trouver ce pinceau dans ce dossier. Pour rappel convivial, vérifiez toujours la taille nécessaire pour votre produit final afin d'éviter les problèmes avec la résolution ultérieurement. Si vous travaillez dans un autre logiciel, vous pouvez rechercher des pinceaux de calligraphie pour obtenir le même look net. Si vous avez des difficultés avec des lignes oscillantes, vous pouvez définir le pinceau à une rationalisation plus élevée. Ensuite, je trace sur le dessus de mon croquis pour créer de l'art au trait propre, presque comme un tatouage ou comme mentionné quelques fois, le style de bande dessinée. Lors de la création d'une ligne en noir et blanc, j'aime beaucoup les lacunes dans l'art au trait, mais si je voulais y ajouter une couleur, je ne pourrais pas simplement remplir les formes avec de la couleur et j'aurais besoin du calque supplémentaire sous tous les dessins au trait pour toutes les couleurs. Maintenant, permettez-moi de vous montrer une approche similaire avec le même pinceau, mais avec la fermeture des lacunes dans les formes sur le nouveau dessin au trait et juste remplir les formes assez rapidement. Avec la même brosse solide, dessinez sur un autre corail. Mais cette fois, assurez-vous qu'il n'y a pas de lacunes dans vos lignes. Maintenant, lorsque vous avez la ligne, vous pouvez faire glisser la couleur vers ce contour pour en changer la couleur. Lorsque vous fermez la forme, vous pouvez simplement faire glisser la couleur dans la forme. C' est fait. N'est-ce pas super rapide ? Vous pouvez le faire aussi dans Photoshop. Dans Photoshop, vous pouvez utiliser l'outil Bucket pour remplir les formes. En passant, si vous aimez le style d'art au trait net pour les illustrations comme dans les bandes dessinées, vous pouvez envisager d'utiliser Clip Studio Paint, qui a été conçu pour dessiner des bandes dessinées et a de grandes fonctionnalités pour dessiner des lignes très nettes. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment utiliser les pinceaux supplémentaires pour ajouter des détails tout en conservant les bords solides sur l'objet. se voit dans la vidéo suivante. 12. Sélection au lasso: Maintenant, explorons la pratique du dessin avec l'outil Lasso. Il est très utile lorsque vous voulez créer des bords nets et propres. Essayez-le et voyons ce que ça fait pour vous. Dans la leçon sur les exercices de croquis lâches, nous nous entraînons à dessiner des coraux avec un pinceau. Restez avec le même sujet et pratiquons le dessin des coraux avec l'outil Lasso. C' est ainsi que l'outil est appelé dans Photoshop mais dans Procreate il est en fait dans les outils de sélection appelés outil à main levée. Peut-être que les vieilles habitudes, que puis-je dire ? On l'appelle outil Lasso. Quoi qu'il en soit, pour cet exercice, choisissez l'option Main levée ici. abord, essayez de créer des formes en pointant sur la toile avec le stylet ou le crayon, puis pointez et cliquez simplement. Pointez et cliquez, puis cliquez sur le cercle pour fermer la sélection. Cela créera une collection de lignes de sélection droites et une silhouette globale plus angulaire. abord, essayez de créer des lignes de sélection plus longues, puis essayez également des lignes de sélection plus courtes. Parce que c'est plus amusant, essayez de créer une forme de corail comme celle-ci car nous avons le sujet de la mer ici, puis fermez la sélection en cliquant sur le cercle gris. Comme vous pouvez le voir, même avec ces lignes droites, vous pouvez créer une jolie forme de corail en faisant des lignes de sélection plus courtes. Nous avons maintenant façonné la sélection et si nous peignons sur la sélection avec la couleur, la couleur apparaîtra seulement à l'intérieur de notre sélection. Vous pouvez imaginer que c'est comme utiliser du ruban adhésif tout en peignant traditionnellement. Maintenant, sélectionnons le pinceau avec une belle texture et une couleur que vous aimez et remplissez la forme simplement avec une pression douce sur la brosse. J' utilise une pression douce avec le crayon ici parce que je veux plus de texture pour être visible. Si vous appuyez plus fort, ce pinceau devient plus opaque comme nous l'avons dit dans les leçons précédentes. Comme vous pouvez le voir, ce processus crée de belles arêtes nettes avec de la couleur dans la forme. Pour désélectionner la sélection dans Procreate, il suffit de cliquer sur un autre outil. Vous pouvez également enregistrer la sélection dans le panneau inférieur dans Procreate pour la couleur dans la même forme à nouveau. Vous pouvez également cliquer sur l'outil flèche ici en haut à gauche pour prendre le corail sélectionné et le déplacer sur haut à gauche pour prendre le corail sélectionné et le déplacer le côté après la coloration et le redimensionner pour avoir plus d'espace sur la toile à nouveau. Ce qui est agréable à propos de l'outil de sélection, c'est que vous pouvez également recharger la sélection en cliquant à nouveau et en maintenant l'icône de l'outil de sélection. Lorsque vous avez plus d'objets sur un calque et que vous voulez les déplacer, vous devez les sélectionner en les contournant avec l'outil de sélection, puis vous pouvez les déplacer ou les redimensionner. Maintenant, regardons une autre façon d'utiliser la sélection ou l'outil Lasso, qui est en fait ma façon préférée. C' est plus organique. abord, vous pointerez et cliquez, mais au lieu de soulever le crayon, dessinez simplement comme vous le feriez normalement et créez des formes plus arrondies. Je l'utilise à peu près de la même manière que le dessin avec le pinceau. Maintenant, dessinons plus de formes de corail pour la pratique. Dessinez une forme avec l'outil de sélection, coloriez-la, sélectionnez-la autour d'elle et déplacez-la sur le côté. Si vous voyez une arête sur la silhouette que vous n'aimez pas ou si vous pensez que la forme que vous avez créée n'est pas exactement comme vous le vouliez, vous pouvez également la supprimer de la sélection. L' outil de sélection étant toujours actif, choisissez l'option Supprimer en bas de l'outil de sélection à main levée. Comme vous pouvez le voir, vous pouvez également découper des pièces après la coloration. Sélectionnez le bord du corail que vous n'aimez pas et supprimez-le simplement avec l'outil gomme. Vous n'effacerez que la partie de cette sélection. Lorsque vous êtes satisfait de tous les coraux, vous pouvez ajouter un autre calque pour ajouter quelques détails comme des points ou des lignes au-dessus de vos formes dans différentes couleurs pour rendre l'illustration plus intéressante. Dans la leçon suivante, nous discuterons des modes de fusion, qui vous aideront à fusionner les calques pour créer des effets intéressants. se voit dans la leçon suivante. 13. Les modes mélange: Parlons maintenant des modes de fusion. Ils influencent et contrôlent la façon dont les pixels de l'image sont affectés par la peinture. Ils vous aident à fusionner les calques pour créer un effet. J' utilise particulièrement les modes de fusion pour le calque d'esquisse et la texture finale, ainsi que, par exemple, si je veux créer des effets spéciaux comme la lumière brillante. Il existe de nombreux modes de mélange disponibles et chacun peut être utilisé dans un but différent. Dans cette leçon, je vais vous montrer quelques-uns de mes préférés et mentionner des idées sur la façon dont vous pouvez les utiliser. Dans les leçons suivantes, alors que nous continuons à créer notre scène sous-marine, je vais vous montrer comment appliquer certaines d'entre elles de manière pratique. Commençons par mentionner le mode de fusion multiplier. J' utilise généralement ce mode de fusion de calques pour les dessins en noir et blanc qui ont un fond blanc car il rend le blanc transparent. Par exemple, lorsque vous esquissez sur papier et que vous numérisez ce dessin, comme ici, il peut s'agir d'une image que vous avez dessinée numériquement, mais elle a un peu de fond. Ensuite, nous avons un mode de fusion d'écran, que j'utilise aussi assez souvent dans ce mode opposé pour multiplier le mode de fusion, qui signifie que la couleur de ce calque est toujours plus claire que celle d'avant. Il est particulièrement utile si vous voulez créer un effet de lueur. Vous pouvez également utiliser le mode de fusion pour les surlignements. Dans ce cas, vous devez dessiner tous les surlignements sur un calque séparé et définir ce calque en mode fusion d'écran. Si je souhaite ajouter de la texture en plus de mes œuvres, à la fin du processus, j'utilise généralement soit le mode superposition, soit le mode de fusion des couleurs. Ensuite, nous avons le mode de fusion des couleurs, que je veux mentionner ici. Vous pouvez utiliser ces couches dans notre rubrique. Par exemple, pour un poisson, si vous voulez tester comment le poisson ressemblerait en différentes couleurs sur la couche séparée assez facilement. Vous obtiendrez les meilleurs résultats si vous avez déjà des valeurs en noir et blanc peintes sous ce calque où vous utiliserez le mode de fusion des couleurs. C' était un résumé rapide de mes modes de fusion les plus préférés. Dans la leçon suivante, vous apprendrez comment utiliser les vignettes de couleur pour définir la palette de couleurs de vos œuvres d'art. se voit dans la vidéo suivante. 14. vignettes: Cette astuce n'est pas tant une astuce d'art numérique car elle s'applique aussi à l'art traditionnel. Cependant, je veux le mentionner ici de toute façon parce que je l'utilise pour presque toutes les œuvres d'art, et il est particulièrement bénéfique pour l'art numérique raison de la roue de couleur qui a tant d'options. Mais cela peut être assez écrasant lorsque vous choisissez la bonne palette de couleurs pour vos œuvres d'art. Dans cette leçon, je vais partager avec vous comment j'approche habituellement de tester la palette de couleurs. Pour obtenir encore plus d'inspiration sur la façon de créer des palettes de couleurs après avoir regardé cette leçon, assurez-vous de consulter ma classe sur les palettes de couleurs où j'aborde encore plus de détails. abord, je vais faire glisser et déposer le calque avec un croquis que nous avons créé dans les leçons précédentes, puis je redimensionnerai les croquis pour les adapter davantage sur la toile. Nous allons tester six vignettes comme vous pouvez le voir ici avec une palette de couleurs différente parce que je voulais vous montrer plus d'exemples de combinaisons de couleurs. Je suggère que vous essayez quelques combinaisons de couleurs et quelques palettes de couleurs sur les vignettes chaque fois que vous commencez une nouvelle illustration, je dirais qu'au moins trois ou plus est agréable. Après avoir testé des couleurs comme celle-ci, vous pouvez conserver votre concept de vignettes préféré comme référence ou mettre à l'échelle plus tard et redéfinir votre illustration à partir de là. suite, je réduis l'opacité du calque d'art linéaire et je garde ce calque en mode de fusion normal. Le mode de fusion multiplier n'est pas nécessaire car j'ai importé l'art au trait sans l'arrière-plan de l'autre canevas. Ici vous pouvez voir les palettes de couleurs que je veux essayer pour l'illustration de la vie de voir. La vie marine est un grand sujet pour l'art parce que vous pouvez vous en sortir avec presque n'importe quelle combinaison de palette de couleurs et cela pourrait juste fonctionner très agréable. J' ai préparé un certain nombre de palettes de couleurs sous-marines pour vous afin que vous puissiez tester les mêmes couleurs que j'utilise ici. Ils sont quelques-uns d'entre eux comme vous pouvez le voir, et je ne pouvais pas décider quelles palettes sont mes préférées pour avoir une sélection plus petite, mais je considère que les tests de couleur amusants donc je pense que nous sommes bons ici. De cette façon, nous testons aussi six miniatures, pas seulement trois. Avez-vous déjà un favori en les regardant ? J' aimerais entendre lequel est votre favori ou peut-être la nouvelle palette de couleurs que vous créeriez pour votre illustration, faites-le moi savoir. Dans les Ressources, vous pouvez leur demander de créer des nuances de couleur ou de les utiliser comme images JPEG pour importer dans le logiciel et échantillonner les couleurs pour les ajouter à vos palettes de couleurs. Dans Procreate, vous pouvez trouver toutes les palettes de couleurs sous la section couleur ici en haut à droite. Si vous ne voulez pas toujours cliquer sur l'icône de couleur pour accéder aux palettes de couleurs, vous pouvez également faire glisser la palette de couleurs par défaut hors de cette liste d'aperçu de palette, comme dans certains autres logiciels. Ce serait une petite fenêtre flottante, mais comme vous pouvez le voir, il réorganise un peu l'ordre des couleurs ici, donc j'aime vraiment l'aperçu complet de la palette de couleurs et je reviendrai à cela. Comme vous pouvez le voir dans ma liste, vous pouvez également nommer les palettes de couleurs. Commençons par le coucher du soleil et la palette de la mer verte et commençons à ajouter les couleurs à notre calque appelé couleur. Je suggère d'utiliser un pinceau pour cet exercice. Ici, j'irai pour ce pinceau que nous avons déjà testé et ceci est un pinceau du dossier Artistique si vous ne pouvez pas le trouver. Je vais accélérer ce processus afin que la vidéo ne soit pas ultra-longue. Comme vous pouvez le voir, pour cet exercice de vignettes, nous utilisons l'art au trait comme guide pour la distribution principale des couleurs. Mais je ne me concentre pas sur la création de formes concrètes très définies, juste pour tester et voir comment ces couleurs fonctionneraient ensemble dans notre composition. Maintenant, essayons la combinaison bleue. Comme vous pouvez le voir, j'utilise une combinaison de couleurs plus inhabituelle ici car vous ne voyez pas l'eau rose très souvent. Comme je l'ai déjà mentionné, les scènes sous-marines sont parfaites parce que, à mon avis, vous pouvez utiliser presque n'importe quelle couleur pour l'eau ou pour le poisson ou les coraux, et vous pouvez vous en sortir. Vous pouvez également essayer de créer votre propre palette de couleurs à partir des images de référence que j'ai partagées avec vous. Maintenant, regardons la palette de couleurs du jardin sous-marin, celle ici en haut. J' ai essayé deux versions différentes avec une utilisation peu différente, donc je vais utiliser celle-ci ici. Cette palette de couleurs a plus de couleurs dans toute la section comme vous pouvez le voir. Dans les deux vignettes précédentes, je limitais la quantité de couleurs. Pourquoi voudriez-vous limiter la palette de couleurs ? Eh bien, parce que cette approche aide à simplifier les choses, surtout si vous trouvez toute la roue de couleur écrasante et que vous n'êtes pas sûr de la façon de combiner beaucoup de couleurs ensemble pour l'instant. Toujours comme un début, essayez de choisir trois couleurs principales et de le prendre à partir de là. Cela aide également l'ensemble de l'illustration à paraître plus cohérente. Dans notre concept, une couleur pour l'arrière-plan, une pour la base des coraux ou en d'autres termes le milieu, et une pour les coraux plus petits au premier plan ou les objets que vous voulez distinguer dans l'illustration, comme peut-être des poissons colorés. Lorsque vous vous sentez plus à l'aise d'expérimenter avec l'ajout de couleurs à la palette de couleurs, essayez d'étendre et d'utiliser des palettes de couleurs avec de nombreuses couleurs. Vous avez les deux options ici, essayant la palette de couleurs limitée et aussi palette de couleurs où vous avez plus d'options à choisir. Maintenant, je vais colorer le reste de ces vignettes, et j'espère que vous aurez du plaisir à colorier vos vignettes aussi. Essayez d'explorer de nouvelles couleurs que vous n'avez peut-être pas prises en compte auparavant. Comme je l'ai mentionné, si vous voulez en savoir plus sur les palettes de couleurs, regardez ma classe de palette de couleurs si vous ne l'avez pas déjà fait. Ensuite, pour comprendre comment la lumière influence les couleurs, ce qui fait beaucoup, regardez ma couleur et live masterclass où j' explique le concept en utilisant les exemples de la vie réelle. Quel que soit le style que vous aimez, style de bande dessinée avec des contours soignés ou le style pictural bloquant les formes de couleur pour votre illustration finale, je vous encourage toujours à créer quelques miniatures pour les idées de couleur. Parce qu'ils sont petits, vous pouvez également créer quelque chose de désordonné comme une idée, puis réfléchir aux détails plus tard. Ces miniatures sont également très rapides à créer, sorte que vous ne passez pas trop de temps. Cet exercice vous aide également à pratiquer mélange et le test de vos pinceaux préférés pour votre concept. Vous comprenez le point, j'aime vraiment faire des vignettes. Dans la leçon suivante, nous commencerons à faire les rendus finaux de notre œuvre et nous examinerons comment utiliser certains des outils pour rendre notre processus plus efficace. se voit dans la vidéo suivante. 15. Arrière-plan: Nous avons parlé de différentes approches de la coloration du style de peinture à des bords plus nets en utilisant l'outil lasso et maintenant je veux vous montrer quelques conseils supplémentaires tout en utilisant les outils de sélection. Ces outils ne sont pas un must car vous pouvez dessiner des choses similaires avec la brosse ronde douce. Mais j'ai découvert en utilisant les outils de sélection, cela accélère considérablement mon processus. Ici, nous allons sélectionner le mode de fusion multiplier dans la liste sur le calque avec l'esquisse. Pourquoi avons-nous besoin de ça ici encore ? Eh bien, l'image avec l'esquisse a un fond blanc et mettre à la multiplicité changera la partie blanche de l'esquisse de l'image avec cet arrière-plan pour le transparent ou en d'autres termes, transparent. Nous ne pouvons voir que l'art au trait et nous pouvons voir toutes les couleurs sur les calques ci-dessous. Ce mode de fusion se comporte en fait comme une exposition multiple de l'appareil photo car la multiplication de n'importe quelle couleur par le blanc laisse la couleur inchangée. Après avoir réglé mon esquisse sur le mode multicouche, je ne verrai que l'esquisse sombre et le fond blanc de ces calques deviendront invisibles, qui est très utile dans ce cas, car vous pouvez utiliser ces aussi lorsque vous dessinez ou peignez traditionnellement sur le papier blanc, il suffit de numériser votre œuvre et de l'importer dans le logiciel numérique et il vous aidera à vous débarrasser de ce fond blanc en utilisant le mode de fusion multiplier. Maintenant, passons à la préparation de l'arrière-plan. Je commence souvent avec un fond de base solide comme dans un art traditionnel pour éviter étrange peut être des lacunes indésirables dans mon illustration. Laissez-moi vous montrer maintenant une astuce rapide cool car vous pouvez rapidement créer un arrière-plan crédible avec l'outil de sélection de rectangle et l'outil flou, alors faisons-le. Comme note de côté, vous pourriez penser, eh bien, mais il y a un calque d'arrière-plan que je peux juste définir de la couleur à ça, non. Eh bien, c'est vrai. Cependant, dans la nature, l'arrière-plan est rarement une seule couleur. Comme nous voulons un style un peu plus réaliste pour cette œuvre, nous visons à la rendre plus crédible. Encore une fois, si vous avez un style de coloration blocky différent, rendre votre arrière-plan d'une seule couleur peut très bien fonctionner pour vous. Tout dépend du style que vous choisissez. Maintenant, choisissez l'outil de sélection de rectangle et, sur un calque séparé, commencez à créer des formes de rectangle une par une, puis remplissez-les avec de la couleur de l'obscurité à la lumière. Sombres au fond car nous sommes sous l'eau et il y a moins de lumière dans ces zones. Ensuite, allez dans les réglages et sélectionnez l'outil flou, faites glisser sur l'écran pour définir la quantité de flou et l'arrière-plan est fait. À quelle vitesse c'est. Quand j'ai appris ce truc, j'étais comme, Wow, c'est si cool et rapide. Quoi qu'il en soit, si vous aimez cet effet, essayez d'utiliser ces types arrière-plans plus crédibles avec un peu plus de couleurs qu'un seul. Permettez-moi de vous montrer un autre exemple avec ce processus parce que vous pouvez créer un aspect d'arrière-plan similaire avec un dégradé plus organique constitué à partir des formes plus arrondies. En utilisant un pinceau plein comme nous l'avons fait dans le deuxième exemple de couleur verte de la leçon sur l'art au trait, vous utiliseriez le même pinceau pour les formes de base et ensuite en utilisant l'outil flou de la même manière que nous venons de le faire avec les rectangles. Comme vous pouvez le voir, ce processus est assez flexible et très rapide. Maintenant, regardons un autre exemple de modes de fusion. Modes d'éclairage doux et d'écran avec l'outil de sélection. Assurez-vous que vous êtes sur une couche séparée et maintenant nous allons créer les rayons du soleil d'une lumière venant du ciel sur l'eau. Utilisez l'outil lasso de la même manière que nous pratiquions avec la méthode Caro's avec point et clic pour créer des lignes de sélection droites, car la lumière se déplace en lignes droites. La forme de la lumière sera plus étroite près de la surface lumineuse à la surface de l'eau, et large au fond là où la lumière se disperse dans l'environnement. L' enregistrement des sélections peut devenir pratique si vous souhaitez les ajouter ultérieurement à l'illustration dans la même zone. Ensuite, prenez le pinceau rond à bord doux et peignez avec un blanc, avec une pression plus faible, principalement sur la partie supérieure de la sélection d'où vient la lumière. Avec juste un peu de couleur blanche ici, il a déjà l'air agréable. Maintenant, vous pouvez également essayer différents modes de fusion pour voir combien vous voulez que les rayons lumineux se fondent dans l'environnement. J' opte généralement pour le mode de fusion d'écran ou de lumière douce sur ce calque pour réduire l'opacité de ce calque afin que la lumière se mélange bien dans l'environnement. Ici, si vous voulez que les rayons lumineux soient plus doux, vous pouvez appliquer une faible quantité de flou dans l'ajustement. Parce que j'enregistre la sélection pour les rayons lumineux, je peux maintenant ajouter plus de lumière vive sur les rayons lumineux sans faire de nouveau la sélection sur le calque séparé. Lorsque vous dessinez des scènes sous-marines, il est agréable d'avoir quelques bulles dans l'illustration. Voici une autre façon intéressante d'utiliser l'outil de sélection. Allez dans l'outil de sélection, et cette fois, utilisez la sélection d'ellipse et créez quelques bulles. Ensuite, utilisez à nouveau l'outil de flou pour créer un bord un peu plus doux , puis réglez le mode de fusion à l'écran et nous avons des bulles. Ensuite, vous pouvez simplement les copier autour de l'illustration pour être encore plus rapide dans le processus. J' aime beaucoup tous ces détails, et les ajustements rapides. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer une autre fonctionnalité utile en utilisant l' Alpha Lock pour appliquer plus de lumière et de textures. se voit dans la vidéo suivante. 16. Texture: Maintenant, nous allons examiner l'ajout de textures d'une manière plus contrôlée à une zone spécifique pour être précis. Je vais vous montrer comment j'utilise le verrou Alpha et le masque d'écrêtage. Ces deux fonctions sont assez similaires. Comme avec l'outil Sélection ou Lasso, Alpha Lock et Masque d'écrêtage vous aideront à dessiner dans une zone spécifique sans affecter d'autres zones de votre œuvre. Pour cet exemple, nous resterons dans le canevas avec l'arrière-plan que nous avons créé dans la leçon précédente et importerons la vignette pour la référence de couleur et de valeur. Je vais garder l'esquisse d'art au trait comme guide et peindre la couleur sur un calque séparé. Ensuite, je vais supprimer les couches dont je n'ai pas besoin parce que nous sommes dans Procreate et nous sommes limités avec les couches dans ce gros fichier. Je vais le redimensionner pour s'adapter à la toile et au croquis que nous avons déjà ici. Je vais vous montrer la fonction Alpha Lock sur la baleine que nous avons ici à titre d'exemple. L' outil Verrouillage Alpha vous aide à dessiner dans la zone choisie sur le même calque au-dessus des pixels que vous avez déjà créés. Il regarde tout ce que vous avez peint sur la couche jusqu'à présent. Si vous voulez peindre au-dessus de ce que vous avez créé, vous resterez à l'intérieur de ces frontières. Pour nous, ces frontières seront la silhouette de la baleine. Comme vous pouvez l'imaginer maintenant, j'ai besoin d'ajouter de la couleur pour avoir un point de départ afin d'utiliser l'Alpha Lock. Je crée une sélection et la remplit avec la couleur. Maintenant, cachons le calque avec les rayons lumineux sur le dessus pour mieux voir la couleur que vous utilisez sur le calque actuel sur la baleine. Ensuite, je désactive la sélection et accède à Calques pour activer le Verrou Alpha en cliquant sur l'icône Calque et en sélectionnant le Verrou Alpha dans la liste. Lorsque vous avez activé le verrou Alpha, vous verrez maintenant l'arrière-plan à carreaux dans l'icône Calque. Maintenant, prenez une autre couleur et un pinceau, et vous pouvez dessiner dans la silhouette de baleine sans définir à nouveau la sélection. C'est cool ? Maintenant, si je décide de recolorer la baleine plusieurs fois, je peux juste peindre sur la couche sans me soucier de changer la silhouette et les bords de la baleine. Si vous vous souvenez, j'ai le Verrou Alpha défini dans les raccourcis de gestes rapides que je l'utilise très souvent. Normalement, je ne le sélectionne pas dans la liste de sélection des calques, mais j'ai juste utilisé les raccourcis de gestes rapides. Maintenant, laissez-moi vous montrer le masque de coupure. Créez un nouveau calque au-dessus de celui que nous venons d'utiliser et sélectionnez le Masque d'écrêtage dans le menu. Je désactive également le Verrouillage Alpha de l'autre calque afin que vous puissiez voir l'effet Masque d'écrêtage. Si vous dessinez sur le dessus de la baleine maintenant sans la serrure, cela se produit. Supprimons cela et passons au calque Masque d'écrêtage ci-dessus. Maintenant, en prenant un joli pinceau de texture, nous allons peindre dans le calque Masque d'écrêtage. Je pense que ça a l'air sympa. J' aime vraiment cette texture légère ici parce qu'il semble presque que la lumière se reflète au-dessus de la baleine. En quoi le masque d'écrêtage est-il différent de celui du verrou Alpha ? Vous pouvez toujours activer et désactiver ce calque de masque d'écrêtage supplémentaire. C' est génial, surtout si vous n'êtes pas sûr et que vous pouvez changer d'avis plus tard sur la route. Cette méthode vous donne plus de flexibilité et vous pouvez dessiner des formes ou des détails aléatoires au-dessus des autres calques juste comme un test tout en restant dans les formes. J' utilise principalement cette technique si je veux tester l'ajout textures intéressantes à une partie d'un objet et je ne suis pas tout à fait sûr si je veux les garder. Un autre avantage est que vous pouvez également déplacer ou copier ce calque Masque d'écrêtage ailleurs et le découper sur un calque différent également. Lorsque vous êtes satisfait de cette texture de calque supplémentaire, vous pouvez fusionner les calques. Si vous n'êtes pas sûr, conservez-les séparément ou copiez l'ensemble de l'illustration avant de fusionner. Dans la prochaine leçon, nous allons utiliser l'aperçu pour vérifier notre progression, signaler les erreurs et faire les derniers ajustements de notre concept. se voit dans la vidéo suivante. 17. Modes de prévisualisation: Une autre fonctionnalité intéressante est la fenêtre d'aperçu, à laquelle j'ai l'habitude de Photoshop, et elle est maintenant disponible dans Procreate aussi. La fenêtre d'aperçu vous aide à voir l'ensemble de la peinture afin de ne pas rester coincé dans les détails. Imaginez peindre traditionnellement sur la toile et vous revenez pour voir l'ensemble de l'œuvre et vérifier si vous êtes sur la bonne voie comme vous le vouliez initialement. Nous avons brièvement examiné ces fonctionnalités lorsque nous avons parlé de références, et dans cette leçon, je veux vous montrer comment je l'utilise et comment vous pouvez l'utiliser lors la finalisation de la plus grande illustration avec plus de détails. Nous allons parler de la façon dont vous pouvez utiliser la fenêtre d'aperçu comme vue d'image de référence, ainsi que de la vue Canvas, et quels sont les avantages de chacun. Donc, je vais continuer avec mon illustration et je vais l'enregistrer comme une image, comme un JPEG, dans mon rouleau de caméra, puis je supprimerai les calques dont je n'ai pas besoin parce que nous sommes dans Procreate et nous sommes limités avec les calques dans ce gros fichier. Ensuite, je vais à Canvas et l'aperçu, puis sélectionnez l'image à partir de la pellicule photo que je viens d'enregistrer. Vous pouvez également déplacer et redimensionner la fenêtre d'aperçu afin qu'elle ne soit pas gênante de notre dessin, je la garde généralement dans le coin. Maintenant, je peux regarder mon concept dans cette fenêtre d'aperçu et commencer à colorier dans les formes de couleur basées sur l'esquisse conceptuelle que nous avons faite auparavant sur un calque séparé sous le calque d'esquisse de référence. Ce type de référence avec un concept désordonné dans la fenêtre d'aperçu m'aide à prendre du recul et à vérifier si je souhaite créer la même distribution de couleurs dans l'illustration finale que les couleurs de la vignette. Ici, vous pouvez prendre le pinceau ou travailler avec l'outil de sélection avec une couleur de la palette de couleurs dans l'illustration finale, ou vous pouvez combiner les deux techniques si vous aimez le look. Pinceau pour certaines pièces, et l'outil de sélection avec un pinceau de texture différent pour d'autres pièces. J' ai parfois combiné ces deux techniques, mais j'ai essayé de garder la cohérence dans l'aspect général de l'illustration. Par exemple, en utilisant la technique du pinceau sans l'outil de sélection uniquement pour un type de coraux, puis j'utiliserais la technique du lasso avec un pinceau à texture différente pour le reste de l'illustration. Vous pouvez toujours ramener l'image miniature, la version colorée, sur un calque séparé. Cela vous permet également d'échantillonner les couleurs de la miniature avec l'outil pipette, ce qui n'est pas possible si vous l'avez dans une autre fenêtre ou dans la fenêtre d'aperçu. La deuxième façon d'utiliser la fenêtre d'aperçu est un aperçu Canvas, j'utilise cet aperçu plus souvent. Ici, vous verrez votre Canvas actuelle et la progression de votre coloration en temps réel, et maintenant nous avons les deux. Vous pouvez voir la progression de l'illustration sous forme d'aperçu de la toile ici à gauche, et vous pouvez également voir la vignette sur le calque séparé tout en échantillonnant les couleurs si vous le souhaitez. Donc ici, vous pouvez me voir soigneusement essayer de peindre la forme de corail avec un pinceau et se concentrer sur garder les bords plus propres et rester dans les lignes que j'ai définies avec l'esquisse lors du dessin avec ce pinceau, puis essayer d'utiliser la technique de sélection pour obtenir bords nets nets avec l'outil de sélection ou l'outil lasso est que je l'ai appelé avant, et essayer de suivre les formes de l'esquisse lors de la création de la sélection. Après avoir fermé la sélection, reprenez un pinceau et peignez, puis répétez cette procédure pour les autres formes de l'illustration. Je suis en alternance en utilisant ces pinceaux pendant la coloration. Je garde les éléments qui se chevauchent dans l'illustration sur les calques séparés afin de pouvoir les recolorer rapidement et facilement plus tard si je le veux, puis plus tard, vous pouvez toujours supprimer le calque avec la référence des vignettes lorsque vous à court de couches. Combien de calques devriez-vous avoir dans une grande illustration ? Lorsque je travaille sur de gros fichiers, je travaille généralement avec des couches séparées pour autant d'éléments que possible, mais je reste toujours organisé. J' essaie de garder les calques ensemble pour le premier plan, milieu et l'arrière-plan, si possible, dans des groupes de dossiers. Si vous êtes très limité par la quantité de calques, je conserverai au moins trois couches : premier plan, milieu de plan et arrière-plan. De plus, j'essaierais toujours de garder des calques séparés pour les éléments que je pourrais souhaiter déplacer ou supprimer plus tard. Par exemple, le poisson dans ce concept sera sur la couche séparée à coup sûr. L' utilisation de l'aperçu m'aide à voir ma progression et à vérifier si la distribution des couleurs et la quantité de détails fonctionne bien. Tout en travaillant comme ça, je considère aussi le contraste et l'équilibre de la composition dans l'œuvre. L' aperçu est également utile si vous ne travaillez pas avec l'esquisse déjà définie avec la composition et si vous voulez voir si l'équilibre des éléments et de la composition fonctionne. En plus de cela, avec cet aperçu Canvas, vous n'avez pas besoin de zoomer et de zoomer tout le temps, vous permet de gagner beaucoup de temps. En plus de voir les couleurs que je veux modifier ou ajuster, la fenêtre d'aperçu m'aide à éviter d'ajouter trop de détails qui pourraient même ne pas être visibles à la fin. Comme vous pouvez le voir en cours de route, je peux aussi changer les couleurs et les coraux facilement comme je les ai sur les couches séparées, et je peux simplement activer le verrou Alpha. Il peut arriver à beaucoup d'entre nous que nous jouons avec des détails dans une partie de l'œuvre, ce qui à la fin peut créer un effet différent que nous voulons et peut même perdre tout le concept que nous voulions au début. Maintenant, passez à la coloration heureuse avec leur composition si vous en avez créé une, et n'oubliez pas de toujours vérifier la progression de votre illustration dans la fenêtre d'aperçu de la toile. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment vous pouvez utiliser l'option de réglage de la couleur. se voit dans la vidéo suivante. 18. Ajustements: Enfin, quand je finis mes œuvres numériques, je vérifie toujours si j'aime la quantité de contraste et les couleurs que j'ai initialement choisies. Dans cette leçon, je vais utiliser les vignettes comme exemple, puis je vais vous montrer quelques ajustements dans les leçons suivantes aussi. Tout d'abord, je copie le calque au cas où je veux utiliser l'original plus tard. Ensuite, je vais aux ajustements et vous pouvez voir toutes les options ici. Parce que nous avons tout sur un seul calque, je vais sélectionner une des illustrations miniatures avec l'outil de sélection. cette façon, vous pouvez également sélectionner uniquement une partie d'une illustration plus grande que vous souhaitez ajuster. Ensuite, allez à la teinte et à la saturation, que j'utilise assez souvent, et choisissez l'option de couche. En utilisant les curseurs, vous pouvez tester la teinte par exemple, si vous voulez que l'illustration ait un spectre de couleurs différent, ou comme moi ici, jouer avec la saturation et rendre l'œuvre entière plus saturée. En réduisant la saturation, vous pouvez voir l'illustration en noir et blanc et voir si vous aimez la quantité de contraste. Un autre ajustement que vous pouvez essayer ici est une nouvelle combinaison de couleurs sur une illustration existante avec une carte de dégradé. Cet ajustement applique une nouvelle palette de couleurs à votre illustration en fonction des valeurs que vous possédez déjà Vous pouvez également ajouter des couleurs ou remplacer les couleurs dans cette carte de dégradé prédéfinie. Ensuite, vous pouvez également modifier le contraste avec certains ajustements. Pour ajuster le contraste, j'utilise l'ajustement des courbes dans la procréation pour rendre les zones plus sombres et plus claires les zones plus claires. Si je n'utilise que le réglage de la luminosité d'avant, la luminosité de saturation de teinte, je ne serais pas en mesure d'obtenir cet effet, et voici un conseil comment travailler avec les courbes efficacement pour obtenir des résultats plus agréables, au moins je pense que oui. Ce que je fais habituellement ici est de créer deux points sur la ligne dans le spectre gamma et j'essaie toujours de créer cette forme de S, en ajoutant un point ici et un second point ici. Par la suite, j'ai généralement un contraste plus agréable de cette façon. Que se passe-t-il si je ne veux modifier qu'une partie de mon œuvre ? Par exemple, que faire si je veux rendre seulement quelques-uns des coraux au premier plan plus saturés dans l'un des concepts. Vous l'avez peut-être deviné. Au lieu d'utiliser l'outil rectangle, vous pouvez sélectionner ces pièces à l'aide l'outil de sélection à la main libre au lieu de la vignette entière. Sélectionnons quelques-unes des boucles et essayons de les ajuster. Comme vous pouvez le voir, j'utilise l'outil de sélection de la main libre comme nous l'avons fait auparavant, mais dans ce cas, je vais vous montrer un autre conseil. Je ne veux pas les bords froissés de la sélection. Quoi alors ? Voici un truc, aller à la plume et rendre les bords de la sélection floues. Maintenant, vous pouvez aller aux ajustements et les rendre plus saturés. Si vous les rendez très saturés, ils ont presque l'impression qu'ils sont brillants parce que nous avons ces bords flous sur cette sélection. Comme vous pouvez le voir, nous avons une variété d'options pour faire la même chose et plus encore. C' est à vous de trouver ce qui vous semble le plus naturel et dans la prochaine leçon, je vais partager avec vous des conseils plus utiles pour finaliser votre œuvre. Rendez-vous dans la vidéo suivante. 19. Peindre avec des pinceaux: Dans cette leçon, je vais vous montrer une option, comment vous pouvez finaliser votre œuvre sans l'outil lasso si vous ne vous sentez pas à l'aise avec elle, ou si vous n'aimez pas tant les bords propres et le style de l'illustration. Lorsque vous finalisez votre œuvre avec des pinceaux, l'œuvre finale peut paraître plus picturale en fonction des pinceaux que vous utilisez. Pour cet exemple, je vais en prendre un autre à partir de nos vignettes couleur. Vous pouvez importer l'image miniature en arrière-plan. Maintenant, je vais sélectionner les pièces dont je n'ai pas besoin, puis balayer avec trois doigts et découper la partie que je ne veux pas utiliser. Je vais garder l'esquisse d'art au trait comme guide et peindre la couleur sur un calque séparé, placer l'image et la redimensionner approximativement pour l'adapter à l'esquisse. Cette fois, je n'utiliserai qu'une seule couche car je voulais vous montrer cet outil d'approche. Parfois, j'aime utiliser un seul calque pour les illustrations personnelles parce qu'il peut être plus rapide qu'avec de nombreux calques et je peux aussi jouer avec le mélange de couleurs plus. En plus de cela, parce qu'il s'agit d'un exemple d'illustration personnelle, je n'aurai aucune demande de modification comme si je travaillais avec un client. Si vous travaillez avec des clients, je m'attendrais à des allers et retours. J' utiliserais plus de calques pour pouvoir déplacer ou changer des choses et des objets rapidement. Avant de commencer à peindre des formes et des détails basés sur la vignette de couleur, il y a le pinceau que vous voulez utiliser sur le côté de la toile pour voir comment il se comporte lorsque vous voulez créer un bord plus propre ou comment il ressemble avec le petit ou une pression élevée du stylo. Ici, je vais choisir le pinceau dont nous avons parlé auparavant et peindre dans les lignes directrices de mon croquis. Comme je l'ai mentionné précédemment, ce pinceau est très agréable pour mélanger les couleurs et créer encore plus de teintes. Encore une fois, je vais accélérer cette partie du processus de coloration afin que la vidéo ne soit pas super longue. Au cours de ce processus de coloration avec un pinceau sur une couche, je répète le processus de remplissage des formes avec différentes couleurs et de tester ce qui fonctionne bien pour cette composition et cette palette de couleurs. Comme je l'ai mentionné précédemment, pour en savoir plus et pratiquer comment la lumière influence les couleurs, vous pouvez aller à ma classe de maître couleur et lumière si vous ne l'avez pas encore fait. En général, lorsque vous dessinez, essayez d'ajouter de la texture et des détails, soit à des zones claires de vos œuvres d'art, soit à des zones sombres. C' est comme ça que nos yeux fonctionnent. Ils s'adaptent généralement aux détails uniquement à la lumière, ce que vous voyez ou aux zones d'ombre. Je pense que je peux appeler cette illustration faite. Comme vous pouvez le voir, il a un aspect plus lisse et pictural par rapport à l'autre exemple. Comme vous pouvez le voir, vous pouvez garder l'art au trait avec la peinture en dessous. J' aimerais savoir lequel vous aimez le plus. Le style pictural ou le look net ressemblant à la découpe en papier faite avec l'outil lasso ou peut-être vous êtes influencé par les couleurs. Peut-être que vous aimez les combinaisons bleues plus, ou peut-être vous penchez vers les tons chauds. Quelle combinaison de couleurs est votre préférence ? Le bleu avec des tons plus froids ou les tons plus chauds. Faites-le moi savoir dans les commentaires. Vous pouvez également conserver une partie de l'illustration au trait et en supprimer le reste. Vous pouvez également changer le mode de fusion de l'esquisse ou même changer sa couleur en bleu, ou rose pour s'adapter encore plus à votre dessin si vous décidez de garder l'art au trait avec la peinture en dessous. Ici, je voulais vous montrer un autre exemple de la composition, qui est très similaire à notre concept. Mais celui-ci a des formes un peu plus grandes et des objets plus simplifiés si vous n'avez pas de patience pour trop de détails. Cet exemple est coloré avec un pinceau à encre sèche. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer quelques conseils supplémentaires sur la finalisation de l'œuvre, et nous reviendrons à notre exemple de palette de couleurs chaudes avec une plus grande résolution Canvas. Nous devrons être plus créatifs avec la quantité de couches à nouveau. se voit dans la vidéo suivante. 20. Derniers ajustements: Dans cette leçon, je vais vous montrer quelques conseils que vous pouvez essayer comme étapes supplémentaires pour finaliser votre œuvre. Maintenant, je vais ajouter un calque de plus pour ajouter une texture à l'ensemble de l'illustration afin de réduire ce « look numérique lisse ». Maintenant, cliquez sur le calque vide et nous allons ajouter un effet de bruit. Avant de remplir le calque avec de la couleur, mais maintenant vous pouvez simplement ajouter l'effet de bruit à un calque vide, ce qui accélère le processus. Maintenant, vous allez à l'ajustement, sélectionnez « Bruit », et en glissant de gauche à droite sur l'écran, vous pouvez ajouter l'intensité que vous aimez. Comme vous pouvez le voir, vous pouvez également choisir différents types de réglage du bruit en bas. Choisissez simplement le look que vous aimez le plus. Lorsque vous êtes satisfait des paramètres d'effet, réglez le mode de fusion des calques. J' aime opter pour le mode de fusion de superposition pour cet effet, et j'aime aussi réduire l'opacité de ce calque pour avoir l'effet plus subtil. Le résultat du mode de fusion et le look final dépendent du type de texture que vous mettez sur votre art. Jouez et expérimentez avec des couleurs sur des calques spécifiques pour tester le mode de fusion pour voir ce qui fonctionne le mieux. Vous pouvez également ajouter deux textures différentes l'une sur l'autre. Laisse-moi te montrer encore une chose. Si vous voulez qu'une partie de l'image ou de l'ensemble du calque soit plus nette, vous pouvez aller à nouveau aux réglages et aller à l'affûtage, puis glisser de gauche à droite sur l'écran. Dans le cas où je voudrais enregistrer ce type d'illustration dans différentes tailles et différents rapports plus tard, je garderais le poisson sur les couches séparées afin que je puisse les sélectionner et les déplacer bords de la disposition de l'image pour les différents ratios et l'équilibre de la composition. Une autre chose amusante que je veux mentionner ici est que vous pouvez exporter la vidéo time-lapse qui est amusante à regarder et à partager sur les réseaux sociaux. N' oubliez pas que le paramètre est activé dans la création avant de commencer à créer. Un autre bon conseil que j'ai appris en cours de route est que vous devriez organiser et sauvegarder vos fichiers numériques. Essayez de sauvegarder vos fichiers au moins une fois par mois, et le meilleur serait une fois par semaine ou même tous les jours si vous vous en souvenez. Lorsque vous êtes satisfait de tout, vous pouvez simplement exporter l'image. Pour enregistrer des fichiers à partir de la création, vous pouvez exporter des fichiers JPEG ainsi que fichiers Photoshop sur votre ordinateur via AirDrop si vous disposez d'un Mac. Pour avoir une double sécurité sur les fichiers, j'ai tous les fichiers importants sur deux disques portables en copie. Si vous avez l'impression qu'il peut encore être plus vif et lumineux, vous pouvez le ramener pour procréer et arborer les courbes qui vous aideront aussi avec le contraste. Vous pouvez également jouer à nouveau avec différentes vues de l'œuvre. Maintenant, quand nous avons tout en une seule couche, il y a en fait une autre chose amusante que je veux vous montrer. Vous pouvez essayer d'ajouter plus de profondeur à votre illustration en ajoutant un flou de perspective qui vous aidera à créer un effet d'une profondeur de champ comme avec les caméras à objectif. J' utilise parfois ces effets, par exemple, avec un champ de fleurs, sorte que les fleurs les plus proches de nous sur le champ seraient floues. Vous vous souvenez peut-être que j'ai fait ça pour le champ de fleurs, pour l'image de couverture de la classe de composition. Je pense que nous pouvons dire que nous avons fini avec tous les ajustements et la touche finale de l'œuvre. Bien joué. 21. Réflexions finales: Félicitations, vous avez terminé le cours. Merci beaucoup d'être ici et j'espère que vous vous sentez maintenant plus confiant dessin sur l'écran numérique. En passant, si vous voulez approfondir vos connaissances de cette classe, je vous invite à regarder mes autres cours sur la composition Procreate et l'utilisation des couleurs. Visitez mon profil d'enseignant pour les trouver. N' oubliez pas de partager votre projet de classe dans la section projet afin que je puisse voir ce que vous avez travaillé. J' ai hâte de voir toutes vos œuvres impressionnantes. Lorsque vous partagez vos projets personnalisés et dessins aussi sur Instagram, s'il vous plaît me taguer dans le post et dans la description ou dans vos histoires afin que je sois informé et je peux vous aider et votre art à être découvert par plus de gens. Si vous aimez la classe, veuillez laisser un commentaire parce que tout d'abord, je l'apprécie beaucoup, et deuxièmement, vous aiderez également d'autres élèves à découvrir la classe et vous pourriez contribuer à leur parcours artistique aussi. Bien sûr, si vous avez des amis ou membres de la famille qui aimeraient apprendre à dessiner numériquement, s'il vous plaît partager ce cours avec eux. Si vous avez des questions ou des suggestions, veuillez laisser un commentaire dans la section de discussion. J' aimerais vous aider. Merci encore beaucoup d'être ici. se voit dans la classe suivante.