Conception de personnages : dessiner des gens en mouvement

1. Introduction: Mon truc préféré en s'asseyant pour dessiner un personnage est de les regarder prendre vie. Apprendre à faire courir un personnage à travers votre page est l'une de ces techniques vraiment satisfaisantes qui vient avec la conception et l'illustration des personnages. C' est une de ces choses qui nous relie aux histoires que nous aimons quand nous étions enfants, et nous inspire à concevoir nos propres personnages et à les envoyer dans des aventures. m'appelle Ira Marcks, je suis dessinateur, illustrateur et auteur. Dans ce cours, je vais vous montrer les étapes à suivre pour créer une illustration finale qui a l'impression d'être en mouvement. Mettre un personnage en mouvement n'est pas aussi difficile qu'il n'y paraît. C' est juste une question de comprendre quelques idées de base sur l'action, pose, la proportion, l'équilibre et la physique du monde des dessins animés. Je vais vous enseigner quelques bonnes pratiques en esquisse, ajoutant des détails, en finalisant, en poussant des poses, trouvant un style à travers l'art au trait, encrage, quelques conseils sur la couleur, et quelques autres conseils de dessin qui vont augmenter le niveau vos compétences en conception de personnages et vous faire raconter de meilleures histoires avec vos illustrations. Donc, si vous êtes prêt à dessiner une nouvelle vie à partir de vos dessins de personnages, rejoignez-moi pour des gens en mouvement, créant un personnage vivant. 2. Aperçu du cours: Bienvenue à la classe. Merci de m'avoir rejoint. Aujourd'hui, nous allons nous concentrer sur le dessin de personnages en mouvement spécifiquement, dans une pose de marche ou de course, poses qui reflètent la personnalité d'un personnage. Ce cours va commencer par quelques regards sur mon travail personnel, comment j'utilise les personnages en mouvement dans mon histoire. Ensuite, nous allons regarder quelques-uns de mes artistes et illustrateurs préférés qui ont inspiré mon processus et mon propre art. Ensuite, nous allons sauter dans certains des principes fondamentaux de la conception d' un personnage qui peut être placé dans une variété de poses différentes. Comprendre le cadre ci-dessous, l'image finale, les ingrédients secrets qui donnent vie aux personnages. Ensuite, nous allons nous concentrer sur l'esthétique et le style du personnage, les types de corps, les petits détails et les vêtements. nous allons passer à des trucs plus techniques et faire une leçon rapide sur Après cela,nous allons passer à des trucs plus techniques et faire une leçon rapide surla technique d'encrage, en faisant ressortir les lignes qui sont importantes pour le design de votre personnage. Puis une autre petite leçon sur la coloration en utilisant la méthode de couleur triadique, qui est comment je fais n'importe quelle de ma coloration. Quand nous sortons à l'autre bout de la classe, vous aurez une belle illustration finie d'un personnage en mouvement. Mais plus important encore, vous aurez une meilleure compréhension de la façon de poser et concevoir un personnage qui peut se déplacer de différentes manières et exprimer une variété d'émotions et être utilisé pour toutes sortes de projets comme des bandes dessinées, contes ou simplement une simple illustration ponctuelle pour un livre ou un magazine. D' accord. Commençons. 3. Exemples et inspirations: Cette classe est tout au sujet des personnages en mouvement. Quand je dessine un personnage, je pense à la façon dont je les donne vie, et un personnage qui reste immobile ne transmet rien au lecteur. Le thème de cette classe est les personnages en mouvement. Si un personnage est en mouvement, c'est généralement parce qu'il est motivé par un aspect d'une histoire que vous essayez de raconter, même s'il s'agit d'une illustration d'une image, il y a toujours comme une histoire derrière ce dessin. Je vais vous montrer quelques exemples de mon travail de personnages en mouvement et ce que cela signifie pour l'histoire que j'essaie de raconter. Voici un exemple de mon livre, The Aquarium Drift, qui parle des marins qui vont au bord du monde à la recherche d'un serpent de mer géant, queue de pirate. Juste en regardant cette image, vous pouvez avoir une idée de leur relation. On a Anna à gauche. Elle a le dos arqué. Elle soulève Jack du sol. Elle équilibre son poids et soutient son poids. Jack succombe à sa frustration avec lui dans cette scène. Alors que Tang sort, son dos est incurvé, ses bras sont en train de tirer. Il n'a aucun contrôle réel en ce moment. Sans lire aucun de ces textes, vous pouvez avoir une très bonne idée du moment de l'histoire que nous examinons ici. C' est ainsi que fonctionnent beaucoup de livres pour enfants populaires. C' est ainsi que vous attirez un lecteur en attirant son attention avec une image qui transmet un point d'histoire. Pour moi, la pose du personnage en dit long sur l'histoire que vous essayez de raconter. Eh bien, regardons d'autres exemples ici. Une pose assez commune à utiliser pour un personnage serait une pose de marche. Donc, nous voyons ce personnage aller de l'avant. C' est une promenade vraiment exagérée. Les jambes du personnage sont vraiment tendues. Leurs bras sont tendus, leur dos est arqué. Ce personnage domine vraiment ce paysage, ou même les regarde sous un angle. Vous pouvez voir leur sens du pouvoir et la façon dont la physique du monde fonctionne. Vous obtenez beaucoup d'indices sur ce que ce personnage est basé sur la façon dont son corps est posé. Je fais beaucoup d'illustration pour un jeune public. L' exagération dans les prises de position et d'action est vraiment importante pour se connecter et s'engager avec le jeune lecteur. Sur une page comme celle-ci, vous avez des personnages marchant de la même manière. Jambes vraiment tendues, mais les bras dans différentes poses juste pour créer une certaine variété. Nous pouvons voir ici ces personnages marchent, mais ils interagissent aussi les uns avec les autres. Bien qu'il existe des poses fondamentales que nous pouvons utiliser pour un personnage, il est toujours plus intéressant de trouver des façons uniques de laisser un personnage s'exprimer. Il révèle un peu plus d'une personnalité et a l'impression que vous êtes contact avec eux dans leur propre espace, dans leur propre monde. J' aime me défier en posant des personnages et beaucoup de cela vient du dessin et du redessin. Comme je suis particulièrement fier de poses comme celle-ci ici, par exemple, où nous avons le dos de ce personnage vraiment arqué et son corps équilibré sur cette jambe. Cela aurait pu être quelque chose qui m'a pris trois ou quatre tentatives pour dessiner avant que je ne l'aie exactement raison. Une pose est un défi amusant à définir pour vous-même lorsque vous concevez un personnage. Regardons quelques références de la bande dessinée et arts du livre qui, pour moi, a vraiment laissé une impression. Nous commencerons ici par quelque chose comme Calvin et Hobbes. Calvin et Hobbes est probablement l'une de mes premières expériences de lecture. Une grande partie de cela vient des bandes dessinées qui étaient silencieuses. Voici un grand strep de Calvin et Hobbes où nous voyons Calvin juste difficulté dans la routine matinale de se lever et de se préparer pour l'école. Maintenant, il s'écrase par la porte, on voit le mouvement flou dans ses jambes, il crie jusqu'à un arrêt, mais il a oublié son sac à lunch. Alors maintenant, il saute dans l'action et il est en train de reculer, peut trouver le sac. Le voilà, voici le bus scolaire, il se dispute, maintenant c'est l'école. Bill Waterson attire Calvin en mouvement. C'est un petit gamin. Il a beaucoup d'énergie. Vous pouvez voir que son corps est comme suspendu par le sol. Un personnage en mouvement va vraiment vous attirer dans l'histoire, qu'il s'agisse d'une image d'une seule histoire ou d'une bande dessinée ou illustrée. personnages en action sont engageants car ils évoquent votre curiosité. Ils vous donnent envie d'en savoir plus sur ce qui se passe avec eux. Les bandes dessinées de super-héros sont un bon point de référence pour les personnages en mouvement. Spiderman est si attrayant parce que son corps se déplace de manière vraiment unique. Vous pouvez ouvrir n'importe quelle bande dessinée Spiderman à n'importe quelle page et trouver des poses vraiment intéressantes qui sont toujours, souvent en sautant sur le cadrage, vous entendez Spiderman et une pose Spiderman classique, les jambes droites pliées, les bras tendu. Spiderman est capable de se plier dans toutes les directions différentes. C' est ce qui le rend si convaincant à regarder. C' est comme ça qu'il interagit avec son espace. Ce n'est pas réaliste, mais ça vous donne l'impression que c'est réel pour le monde dans lequel il est en gardant des proportions humaines, montrant la structure musculaire. L' une des bandes dessinées les plus importantes pour moi est Bone de Jeff Smith. Beaucoup de mon style vient de lire Bone beaucoup pendant mon enfance. Quelque chose qui est vraiment intéressant avec Bone en ce qui concerne la pose de personnage est que l'histoire a une juxtaposition vraiment intéressante d'un personnage extrêmement cartoony. C' est Fone Bone ici à gauche, et un personnage plus humain, c'est Thorn. Fone Bone lit comme les années 1930 Disney, ou Walt Kelly style, tuyau caoutchouté type de personnage de bande dessinée. L' épine est légèrement plus réaliste. Elle est plus humaine, et elle a un design plus humain. Lorsque ces personnages se déplacent, ils interagissent avec le monde de différentes manières. Ici, c'est en train d'assaut. On voit Fone Bone et Thorn courir dans la tempête. Bone, parce qu'il est tellement plus dessiné que Thorn se penche de façon exagérée. Ici, il traverse la terre. Il est suspendu en l'air, ses jambes sont extrêmement tendues. Quand Thorn court, c'est plus subtil, c'est plus humain. Vous avez une meilleure idée de son corps qui répond à la physique du monde. Par exemple, dans ce panneau ici où ils sont accroupis en réagissant à ce tonnerre, vous voyez Thorn dans une pose que vous pourriez imiter si vous le souhaitez. Tu pourrais prendre une photo de toi dans cette pose. Mais la façon dont Bone est posé, c'est trop exagéré pour être quelque chose que vous pourriez faire. Il représente un état émotionnel exagéré plus élevé pour l'histoire. Comme si son corps ne répondait pas vraiment à la gravité de ce monde. Il est en quelque sorte suspendu en l'air. Vous pouvez voir le stress de lui, et il est un personnage avec qui vous pouvez l'empathie, mais il n'est pas aussi réaliste que l'épine. Ce livre m'a vraiment fait penser à quand vous concevez un personnage, vous prenez également en compte la physique du monde et comment cela affecte la façon dont ils marchent, comment ils courent, et comment ils se tiennent. Vous pouvez faire beaucoup avec la pose de personnages en termes de narration. Comme dans un livre de Where the Wild Things Are, ces grandes pages emblématiques de personnages en mouvement. Ici, nous avons quelques personnages qui se déplacent à travers les étapes d'un cycle de marche signifiant différentes poses de marche avec lever les jambes et déplacer les bras pour s'équilibrer. Les poses des personnages représentent l'énergie de la jeunesse. Ce genre de sentiment primitif. Sans même lire le texte, vous pouvez avoir une idée de ce que l'histoire est racontée. Une grande partie du dessin d'un personnage est de trouver comment montrer au lieu de dire avec la conception de leur pose. Si ces personnages restaient immobile, cette page serait beaucoup moins attrayante. Les personnages en mouvement, un peu décalés, milieu du mouvement sont toujours beaucoup plus intéressants. 4. Échauffement (pour les illustrateurs): Commençons par quelques exercices d'échauffement. Nous devons avoir la main dans le cerveau à penser comme un Illustrator le ferait. Prenez votre crayon, imaginez qu'il y a une toile à environ 3 pieds devant votre visage. Tenez-le jusqu'à la toile, et au lieu de bouger et de petits gestes de votre poignet, ce qui est probablement comme vous êtes habitué à travailler si vous dessinez peut-être sur une petite tablette ou si vous roulez sur de petits morceaux de papier, nous allons bouger du coude dans une plus grande forme. Faisons un cercle qui peut être vu par quelqu'un qui est à 100 mètres de là. Déplacer du poignet, faire le tour et le tour, créer un grand cercle clair. Le dessin est juste la preuve d'un mouvement, et plus vos mouvements sont clairs, plus votre illustration sera claire. Pensez à quand vous étiez jeune et que vous pratiquiez à dessiner un cercle. Vous imaginez qu'il y avait une version parfaite d'un cercle qui peut être illustré, et vous essayeriez d'atteindre ce cercle en se déplaçant dans petits gestes nerveux autour de la forme une fois, essayant de le faire correctement la première fois, et même si elle ressemble à un cercle, la ligne elle-même se sent nerveuse et elle lit ainsi à un spectateur. Donc, pour devenir un bon illustrateur, vous devez bouger en toute confiance, et cela signifie savoir que vous n'allez pas obtenir la bonne ligne la première fois. Si nous prenons ce crayon et le mettons sur papier, et que nous illustrons juste un grand cercle, la façon dont nous obtenons cette forme, c'est juste par un grand geste confiant. Quelque part dans ce croquis est un cercle décent, et nous pouvons utiliser la même approche de se déplacer du coude pour créer d'autres types de formes. Lorsque vous voyez dans le travail des illustrateurs, vous voyez souvent le résultat final. Vous voyez la dernière ligne de travail, quelque chose qui a été entièrement nettoyé pour la présentation. Ce n'est pas le vrai côté du processus. C' est comme la partie 10 pour cent de l'iceberg du processus créatif. C' est à quoi ressemble un croquis qui mène finalement à une illustration finale. C'est lâche. Il s'agit de geste dans la forme, créer des formes amusantes et attrayantes. Si vous pouvez travailler gentil et lâche, vous allez être un meilleur illustrateur. Dessinons un design de personnage rapide et lâche ici. Juste quelques formes de base qui transmettent les proportions d'une figure. Ce personnage n'est pas en mouvement. Ce personnage est plat. C' est un bonhomme en pain d'épice. Elle a été disposée sur une table. Pour moi, ce n'est pas un personnage parce qu'il ne sait pas comment bouger. Il n'a pas cette structure intérieure qui est nécessaire pour donner vie à un personnage. Cette leçon porte sur la compréhension de cette structure intérieure, ce cadre d'un design de personnage qui vous permet de les mettre dans toutes sortes de poses différentes qui représentent la personnalité, états émotionnels et l'action. Dans le chapitre suivant, nous allons examiner le cadre nécessaire pour mettre un personnage en mouvement. 5. Cadrage et articulation: Derrière toute conception de caractère forte se trouve un cadre pour le mouvement. C' est donc une figurine articulée. Quand on pense à une figure de bâton, on pense à quelque chose comme ça. Cette figurine de bâton ne se prête pas vraiment au mouvement parce qu'elle n'a pas certaines des parties fondamentales de la forme humaine qui permettent à un personnage de se déplacer et de s'exprimer avec son langage corporel. Il n'a pas d'épaules ou de hanches. Si vous concevez une figurine de bâton pour être la base d'un design de personnage, il vous suffit d'ajouter quelques éléments supplémentaires qui se prêtent au mouvement. Donc les épaules et les hanches, comme ça. Ce sont des proportions humaines fondamentales, et maintenant nous avons quelques points d'articulation qui peuvent être déplacés. Il y a donc une forme humaine de base en proportion. Maintenant, il y a quelques choses dont vous devez garder une trace lorsque vous concevez la pose d'un personnage, quelques parties fondamentales, et il ne s'agit pas de regarder les détails à ce stade. Nous ne nous inquiétons pas de la pose des bras, du regard sur le visage, de l' endroit où se trouvent les pieds, en nous assurant que les longueurs sont bonnes. Nous examinons simplement cette ligne de mouvement fondamental et nous appelons souvent cela la ligne d'action. C' est fondamentalement comme la colonne vertébrale du personnage. Donc, si vous voulez créer quelque chose dans une pose émotionnelle, alors disons comme heureux, nous pouvons créer une ligne de pliage comme ça. Imaginez que c'est comme ça. Regardons comment nous pouvons utiliser la ligne d'action pour représenter la partie fondamentale de la pose du personnage. Pensez-y presque comme un point d'exclamation ou comme la tige d'une fleur. Voici une fleur penchée vers le haut, la ligne d'action n'est pas parfaitement droite, elle penche la direction, si on plie cette ligne d'action, soudainement le personnage semble plus bas. C' est donc une ligne d'action plus triste que celle-ci. Cette ligne est la colonne vertébrale du personnage. Donc, si nous dessinons ce personnage et remplissons cette ligne avec une figure, et que nous suivons les règles de cette ligne d'action, nous pouvons garder une trace de l'état émotionnel du personnage. Lorsque vous commencez à poser un personnage, vous voulez utiliser cette petite structure d'un squelette ici, pour régler les détails de la pose. Sans ajouter de détails, je prends une minute pour évaluer les proportions de la figure, faire quelques petits changements, peut-être plier les choses un peu, et une fois que je suis satisfait de la pose, alors je commence à remplir le formulaire et transformant le personnage en plus d'une silhouette de leur forme finale. Le cadre de figure bâton d'un personnage sert beaucoup de buts lors de la conception d'un personnage en mouvement. D' une part, cela vous aide à garder une trace de la proportion, mais cela vous permet également de gagner du temps à long terme. Utilisez l'esquisse du cadre pour définir la pose avant de dessiner autre chose. Vous voulez également garder à l'esprit la façon dont la pose occupe un espace. Donc, ce personnage est dans une pose d'action exagérée. Regardez l'espace négatif autour de ses membres. Même de loin, il est clair que la pose est dans laquelle se trouve le personnage. Ils font face tout droit, il y a beaucoup d'espace entre les membres, ça se lit très clairement. Lorsque vous esquissez le cadre de votre personnage, assurez-vous qu'il y a beaucoup d'espace et pas beaucoup de chevauchement des éléments, car cela peut bouger un design. 6. Choisir une pose: Lorsque vous cherchez une pose, nous voulons choisir quelque chose qui lit vraiment clairement au spectateur. Quelque chose qui a beaucoup d'espace dans le design, sorte qu'il peut être facilement traduit par quiconque le regarde. Nous allons choisir une pose à partir de ce qu'on appelle le cycle de marche d'un personnage. Si vous aimez l'animation, vous savez peut-être ce qu'est un cycle de marche. Fondamentalement, c'est une série de poses qui représente toutes les étapes d'un personnage qui se déplace à travers les mouvements de marche. Vous avez différents points de contact avec les pieds. Vous avez des changements d'équilibre au fur et à mesure que le personnage avance et que le chemin est ajusté. Vous avez la flexion des jambes, l' inclinaison du corps, et même des détails subtils comme la réaction des cheveux au fur et à mesure que le personnage se déplace. En animation, vous devrez dessiner toutes ces illustrations car elles font toutes partie du cycle de marche. Mais nous faisons juste un projet d'illustration et nous avons seulement besoin de créer un dessin, donc vous devez vous installer sur la pose parfaite pour représenter la marche. Si nous regardons ces exemples, certains d'entre eux sont lus plus clairement que d'autres. Quelle est la pose emblématique ici pour marcher ? Ce ne sera probablement pas quelque chose comme dire ça, cette pose ne lit pas très bien. C' est marcher, mais ce n'est pas vraiment clair. Je me dirigeais vers le milieu ici et je regardais quelque chose comme ça. Cette pose a un bon équilibre. Il a des membres clairement étendus, une belle arche attrayante pour le corps, et les deux jambes plantées sur le sol. C' est la pose la plus évidente pour décrire la marche. Vous avez quelques variations ici qui pourraient aussi fonctionner. Celui-ci est plutôt bon. Nous avons ce pied fermement planté sur le sol. Celui-ci fonctionne assez bien. Il se sent un peu plus confiant. 7. Ébaucher le personnage: Pour la partie esquisse, je vais utiliser deux crayons de couleur différents, juste pour que ce soit plus clair pour la classe. Je vais utiliser ce bleu clair pour la première ébauche de l'esquisse, puis je vais passer avec un peu de rouge, quand je commencerai à construire sur le design et à ajouter quelques détails. Nous commençons par la ligne d'action, la courbe de la colonne vertébrale. Ce personnage va avoir besoin de se sentir assez bien équilibré sur ses deux jambes. Je commence par établir où se trouve la tête de la figure, les épaules et les hanches et je commence par les jambes. Je vais mettre la jambe droite en avant. Donnez-lui un peu de courbe, mais gardez-la surtout droite, pour que je puisse garder les proportions à droite, et la jambe gauche se plie comme ça. Vous pouvez savoir quand un personnage est équilibré par la position de sa tête sur le sol. Si nous tracons une petite ligne là où se trouve le sol, et nous avons mis notre crayon ici. Vous pouvez voir que la tête est juste entre les deux jambes, ce qui signifie qu'elle est équilibrée. Si vous regardez la référence ici pour le cycle de marche, vous pouvez voir que le personnage pose où la tête est totalement équilibrée sur les jambes. Lire plus clairement comme marcher. Lorsqu' un personnage est hors équilibre, lorsqu'il est en dessous ou entre les mouvements. Comme ici, le personnage déplace son poids vers l'avant et encore ici. Ces poses se sentent un peu plus gênantes. Ils ne sont pas aussi emblématiques, car ce sont les mouvements entre les deux du cycle de marche. Les personnages ont tendance à tenir leur pose quand tout leur poids est planté sur un pied, c'est pourquoi nous utilisons des poses comme ça. Faisons le bras. C'est la jambe droite. Si la jambe droite est en avant, alors le bras droit, c'est de retour. Je pourrais sortir de l'épaule, mais je trouve que c'est mieux si vous arquez le bras un peu, pour rendre l'articulation claire. Ce personnage a une marche assez confiante, et donc bras, bras gauche. C' est ça. Maintenant, je vais juste marquer les points d'articulation, parce que cela m'aide à garder une trace de la proportion du corps. Avant d'entrer dans les détails, je voudrais peut-être faire ce qu'on appelle pousser la pose. C' est une phrase utilisant le dessin animé qui signifie établir, une réalité de la pose du personnage, mais ensuite pousser un peu plus loin au point où il lit juste encore plus clairement. Ce que je veux dire par là, c'est que le personnage se penche un peu plus dans le cycle de marche. Peut-être que je commence à étirer ces jambes un peu et les plier un peu. Je commence peut-être à courber les os du personnage un peu plus. Cela donne au dessin plus d'énergie, mais en même temps le repousse un peu de la réalité. Comme si je continuais à étirer ça, comme si je mettais la jambe et ramenais ça comme un chemin retour et que le personnage flottait dans les airs et que les bras sortaient. Cette pose devient extrêmement caricaturiste, et si vous enfreignez trop les règles du monde, le personnage devient peu fiable. Vous voulez que le personnage ait du poids, impression qu'il interagit avec son environnement, donc pousser l'opposition peut aller trop loin. Juste une petite exagération peut être bonne. Je suis assez content de ce cadre. Maintenant, je vais commencer à remplir le personnage en ajoutant des formes et des formes du corps. Certaines formes assez courantes à utiliser pour le torse serait un rectangle. Assez rigide, sans forme. Vous pourriez transformer ça en ovale, si vous voulez qu'il soit plus doux, plus amical. Un type de torse assez commun établi par les animateurs des années 30 comme Disney et Fleisher Studios, est la forme de poire, qui est fondamentalement un cercle avec un cercle plus petit sur le dessus. Vous pouvez inverser ça. Mettez la plus grande forme sur le dessus et une plus petite sur le bas. Si vous allez plus loin avec cela, vous pouvez commencer à ajouter des muscles, un peu plus de détails à l'anatomie. Toutes ces options sont là. Mais pour le dessin animé, plus simple, c'est mieux. Tant que c'est clair et représentatif. Je vais aller avec quelque chose comme la forme de poire. Nous devons plier la forme de poire à l'arc de la ligne d'action ici. J' établit la base de la paire juste au niveau des hanches, puis je courbe le cercle sur le dessus et je le rassemble en une forme attrayante. fur et à mesure que je dessine, je regarde toutes les formes que je fais et j'en évalue l'attrait. Cela a une belle courbe et je vais apporter cette courbe à toutes les autres sections du corps. Maintenant, je suis en train de remplir le personnage et de définir son type de corps. On lui donne du poids. ovales sont les formes avec lesquelles j'ai tendance à travailler. À ce stade, le personnage s'éloigne de cet espace plat vers un royaume arrondi plus 3D. Cela signifie que nous devons comprendre l'angle dans lequel ce personnage est vu. On y va avec un tour de trois quarts. Si vous vous souvenez d'aimer votre photo de classe de cinquième année, vous vous asseyez sur le tabouret et le photographe dirait, « regardez par ici » et vous vous détournez de l'objectif, ce qui semble comme où vous devriez regarder et regarder où ils sont, puis ils prennent leur photo comme ça. Le trois-quart tourné lit plus clairement, vous obtenez plus d'informations visuelles d'un sujet. Dans le dessin animé, c'est la façon la plus courante de voir un personnage posé. Ce personnage n'est pas dans le profil, et il ne regarde pas directement. Si on veut mettre un nez sur le personnage et montrer la direction qu'il cherche. On va le mettre dans le visage comme ça. Si on met deux petits points pour les yeux, on peut voir le visage. 8. Ajouter des détails: Donc, je vais en fait passer à mon autre crayon car nous apportons plus de détails à ce croquis afin que vous puissiez comprendre comment les vêtements s'adaptent sur ce formulaire. Je vais le garder vraiment basique, mettons juste un T-shirt et quelques shorts sur ce personnage. Les lignes des vêtements sont comment vous établissez la rondeur de la figure, alors remplissez le cou un peu et dessinez une petite courbe avec la couleur de la chemise serait. Je vais d'abord faire le bras droit, plier, mettre une petite courbe où se trouve la manche et amener ça autour. Pour la main, je vais juste ajouter un grand cercle rond pour l'instant et un autre cercle où le pouce serait. Maintenant, sur l'autre bras, c'est l'occasion de vraiment appliquer ce tour de trois-quarts en montrant le chevauchement du corps pour que la poitrine s'accroche et que le bras soit rentré derrière. Cela crée l'illusion de chevauchement ou l'illusion de rondeur et forme, donc le chevauchement est vraiment utile pour cela. Encore une fois, nous mettons une forme ronde là au cercle du pouce, assurez-vous de continuer à mettre l'accent sur ces courbes, c'est encore une fois, l'attrait de la conception. Lorsque vous regardez un dessin, votre œil suit les formes et les traduit dans votre cerveau, alors donnez au spectateur quelque chose d'intéressant à regarder. courbes exagérées sont plus amusantes à regarder ajouter des formes pour les pieds pour l'instant, assurez-vous d'établir où le talon touche le sol ici. Encore une fois, toutes ces lignes peuvent être modifiées au contenu de votre cœur à ce stade. Vous n'avez pas beaucoup de lignes finies qui se passent ici alors disons que nous voulons plus de définition dans les jambes alors donnons peut-être à ce personnage quelques grandes chaussettes de course. On y va, donc on va apporter juste un peu de détails sur le visage. J' ai toute une leçon sur la conception du visage donc nous allons juste garder ça très simple pour cela et le visage est assez petit sur la tête c'est là que va le cerveau. Forme pour l'oreille de retour ici, puis un peu de chevauchement pour la mâchoire. Je vais sortir un peu la ligne de la mâchoire, c'est là que se trouverait la mâchoire du personnage et l'amener pour la forme de la tête. Ça va mettre un design, je vais mettre une tête de chat sur la chemise et peut-être que c'est une journée humide. Les cheveux de ce personnage sont pelucheux. Voilà, donc votre croquis devrait finaliser la forme du personnage, les proportions, le type de corps, et quelques petits traits de personnalité. Une fois que vous avez un croquis de confiance comme celui-ci, peu importe à quel point il est désordonné, vous pouvez encrerer dessus ce qui est ce que nous faisons ensuite. 9. Encrer le personnage: Jetons un coup d'oeil à quelques options pour l'encrage. Parlez de celui-ci en une seconde. Voici quelques outils vraiment basiques pour l'encrage. Marqueurs de pointe en feutre. Ce sont des marqueurs de marque micron. Ils viennent en différentes tailles, donc il y a une taille un, un trois, un cinq et un huit. Ce sont des encres d'archives imperméables, ce qui signifie que vous pouvez les peindre dessus et qu'elles ne se décolorent pas, elles sont très bien. Ils ont un poids vraiment constant. Voici donc un exemple d'un par rapport à un trois. Lorsque vous encrez avec un micron, vous obtenez une forme facilement uniforme qui permet de mettre les lignes vraiment rapprochées. Vous pouvez faire beaucoup de travail de détail. Comme si je pouvais faire de minuscules lunettes sur cette étrange paire, et je pourrais même la rétrécir et faire de minuscules pupilles, comme ça. Si vous êtes quelqu'un qui aime dessiner beaucoup de petits détails, vous voulez probablement avoir quelques microns à portée de main. Ce sont également de bons outils pour l'éclosion, juste une technique d'ombrage, mais ils ne répondent pas à la pression de votre main. Donc, quand j'encris, j'utilise un outil un peu plus avancé, avancé en ce sens que vous avez besoin d'un peu plus de contrôle sur votre main lorsque vous travaillez dessus. J' utilise une plume de calligraphie. Donc, la plume de calligraphie est, un point métallique qui se trouve dans cette poignée en liège. Donc tu peux les remplacer, ils sont très bon marché et ils sont assis dans cette poignée comme ça. Vous pouvez voir que j'ai cette poignée depuis longtemps, à propos de vous savez 500 pages d'art dans cette poignée. Lorsque vous poussez la plume vers le bas sur du papier, elle s'ouvre ainsi et étend l'encre sur une ligne plus large. Ainsi, vous pouvez créer des formes plus dynamiques dans votre dessin au trait avec un stylo comme celui-ci. Mais travailler avec un outil comme celui-ci nécessite certaines techniques. Comme si tu ne pouvais pas repousser avec ce genre de stylo. Vous devez vous déplacer vers vous-même et vous devez constamment le tremper dans l'encre pour garder le flux de la ligne. Je vais travailler avec la plume de calligraphie parce que c'est là que je suis le plus à l'aise. Vous pouvez travailler avec un stylo à pointe feutre. Tu pourrais travailler avec un marqueur Sharpie. Vous pourriez, travailler dans la procréation et utiliser n'importe quel type de pinceau que vous voulez. Peu importe la façon dont vous encrez. façon dont vous pensez de votre encrage est importante. Je travaille avec de l'encre d'Inde noire de Windsor et Newton. Il y a beaucoup de différents types d'encres et il y a beaucoup de classes cool là-bas pour la technique d'encrage. Pourquoi est-ce que je travaille avec les encres Windsor et Newton ? Parce qu'il est vraiment épais et brillant et il est très bien assis sur ce papier aquarelle. Donc je vais installer mon encre ici, et j'ai mon illustration. Je vais travailler de haut en bas. Le style de tout le monde a un peu d'erreur. C' est ce qui le rend unique et personnel. Vous avez juste à embrasser un peu d'erreur dans votre art final, mais si vous voulez travailler en toute confiance avec votre encre en particulier, assurez-vous de vous permettre la liberté de mouvement avec votre papier et votre corps. Je ne vais pas juste mettre ce morceau de papier juste ici juste devant mon visage et j'espère pouvoir faire le geste parfait avec la ligne à chaque fois. Je vais tourner le papier et je vais à l'encre là où ma main est confortable. Tout programme de dessin numérique de nos jours vous permet de tourner le papier dans le cadre afin que vous n'ayez pas toujours à tourner votre outil ou votre tablette. Vous pouvez ajuster le papier à l'intérieur, mais les chances sont, vous êtes plus à l'aise avec le papier à un peu d'angle, alors assurez-vous de vous accorder une certaine liberté de mouvement lorsque vous faites ces lignes finales. Comme j'encris, je suis toujours à la recherche d'opportunités pour améliorer ce design, donc je ne traçais aucune de ces lignes, je me fonde sur elles. Je pense au mouvement vers l'avant du personnage, et en ce moment le tissu est en quelque sorte peint sur le corps. Donc, je vais profiter de cette occasion pour donner aux couches de tissu sur le corps leur propre forme séparée. Tu verras ce que je veux dire en allant ici. On va commencer par quelque chose comme ça, commencer par cette épaule arrière et remonter et encore, et je vais faire flotter le tissu dans l'air un peu. Amenez ça vivant, ce bras autour. En arrivant à la main, je vais garder ça assez simple. Je vais montrer la forme du pouce, l'index, et me pencher comme ça. Vous pouvez voir mon style d'encrage avec cet outil. C' est un peu vacillant. Je suppose que ça vient de lire beaucoup de bandes dessinées de Charlie Brown Peanuts quand il était enfant, Charles Schulz a une vraie énergie nerveuse dans son style d'encre, ce qui le rend si distinct, même si ce n'est pas techniquement la meilleure façon d'encre, C' est la meilleure façon pour lui d'écrire ses histoires. Le plus important pour moi, c'est d'obtenir ces grandes courbes. Avec un outil comme celui-ci, vous ne voulez pas vraiment dépasser une ligne plus d'une fois parce que vous perdez la grâce du geste. Comme vous pouvez voir où je l'ai touché ici, ça s'élargit un peu et se rétrécit. Personne ne remarquera dans la version finale, mais je le remarquerai, donc vous me verrez essayer de créer des lignes simples le long du chemin ici. Voici une bonne occasion de montrer le tissu, attraper la brise et faire ces, faisons les shorts. Fais-le venir un peu ici. Voici un espace où j'ai oublié de dessiner. C'est bon. Je vais juste dessiner quelques lignes, je finis cette jambe ici avant de passer à l'autre jambe. Ok, bien. D' accord, ajoutons un peu plus de détails aux chaussettes, je vais faire des rayures horizontales, capturant la courbe établie en haut de la chaussette. Mettons un petit cercle sur le haut. Maintenant, avec la jambe arrière, je n'ai pas à ajouter, si je ne veux pas, autant de détails parce que c'est un peu plus déplacé dans l'image finale. La jambe de premier plan ici fait beaucoup de travail pour vous aider à comprendre la pose du personnage, la jambe arrière ne fait pas autant, alors allez en fait un peu plus vite et simplifiez le look de celui-ci. Rendez-le un peu plus lâche, presque abstrait, parce qu'alors ça n'attire pas votre attention autant que la jambe de premier plan, donc pour ces rayures, je vais juste les attirer rapidement. Maintenant, cette jambe a l'impression qu'elle est à une distance. Vous pouvez voir certaines des imperfections ici comme ce petit écart dans la ligne ou ce petit morceau. C' est juste une partie du style qui vient à travers, un mélange de pratique et de paresse. Ok, donc l'autre bras ici, un peu plus simple parce qu'il est en arrière-plan, et nous avons une petite bande de sueur sur le poignet, ce qui aide à renforcer la forme du bras. Plus de rayures dessus comme ça. Cette main est dans une pose comme celle-ci, donc je vais mettre le pouce chevauchant les doigts juste un peu, gardez-le simple. Faisons quelques lignes de cou. Maintenant, faisons la tête. Je vais faire souffler les cheveux dans le vent juste un peu parce que ça aidera avec l'élan avancé du personnage. Donc, l'ondulation va être plus sur le dos que sur le devant. Ça attrape un peu la brise, et je vais étirer un peu l'oreille, et je vais pointer le nez vers l'avant comme ça. Encore une fois, l'angle du nez est vraiment important de montrer dans la direction de la tête. Surtout si vous avez un style de design de visage très simple. Si je voulais juste mettre des petits cercles pour les yeux comme celui-ci, avec seulement quelques sourcils et alignés pour la bouche, le nez aide beaucoup à comprendre l'angle du visage. Juste pour un peu d'attrait, faisons une belle ligne de bouche smiley. Remarquez que c'est juste en dessous du nez que le contour il y avait un peu plus bas que ce qu'il fallait pour être sur le menton. Maintenant, je vais aller à travers et ajouter quelques lignes supplémentaires, endroits que j'ai manqués, comme les anneaux sur la chemise. Mettons une bande sur les jambes du pantalon pour aider à renforcer cette courbe là, et mettons le design sur le T-shirt. Voici un petit truc que j'utilise, parfois je retourne la plume vers l'arrière et utilise le côté pointu pour vraiment petit travail détaillé. Changez un peu le design de ce chat. Ok, et il y a un personnage encré. 10. Choisir les couleurs: D' accord, je vais faire un petit cours sur la coloration avec des peintures. Entre les chapitres, j'ai fait une autre version de peinture d'un personnage, juste pour que vous puissiez voir la différence des outils. Je sais que tout le monde n'est pas à l'aise avec la plume. C' est un outil que vous pouvez faire simuler sur une tablette, mais pas beaucoup de gens travaillent avec cet outil traditionnel plus. Nous avons la version plume, mais j'ai aussi fait une version rapide avec juste un sharpie bon marché et un micron. Ça vaut 3$ de stylos dans ma main. Vous avez probablement un sharpie assis autour de votre maison, alors ne laissez pas un manque d'outils vous gêner. Voici une version de peinture d'un personnage. Il a son propre charme. Les lignes sont assez différentes de la version nipped, mais je ne sais pas, certains d'entre vous aimeraient peut-être mieux celle-là. Qui sait ? Je vais en fait peindre cette version. Je vais travailler avec de l'aquarelle. Mais encore une fois, vous pouvez utiliser n'importe quel outil de coloration que vous voulez, crayons de coloration, une tablette, des crayons. Cette petite leçon sur la couleur est un peu plus juste sur la théorie des couleurs que les outils réels utilisés. Voici une roue de couleur. Quand je planifie mes couleurs, j'aime les garder concentrées et simples. J' utilise cette règle de base de la méthode de coloration triadique. Ce qui signifie juste commencer par une couleur principale. Disons, par exemple, que je choisis le violet. Ensuite, nous regardons le complément, dans ce cas, il est jaune, directement à travers la roue de couleur comme ceci. Ensuite, la partie triadique est lorsque vous ajoutez une troisième couleur, c'est juste un degré de la couleur secondaire. Je peux soit aller à une couleur orangée jaunâtre, soit je pourrais aller ici à un vert bleuté et ça crée ce petit triangle. Vous avez une belle palette de contraste élevé basée sur ces trois couleurs, et bien sûr, je peux varier à tout ce que je veux, en fonction du style ou de la quantité d'éléments différents que je dois colorer. Mais si vous le basez autour de ces trois couleurs principales, vous allez avoir une belle, forte, contraste élevé, jeu de couleurs audacieuses. Je vais juste y aller avec ces vrais. J' utiliserai un violet comme couleur principale, un jaune puis un jaune verdâtre. J' ai des peintures différentes par ici. Une de mes peintures préférées comme ces aquarelles concentrées radieuses du Dr. Martin. Ils sont très vibrants, et ils viennent dans ces petits bocaux de chimie comme ça. Ils ne sont pas trop différents que d'utiliser même un ensemble d'aquarelles de niveau étudiant. Si c'est ce que vous avez sous la main, vous pouvez l'utiliser, ou encore une fois, n'importe quel outil de coloration que vous voulez. Mais je vais utiliser le Ph Martin parce qu'ils sont mes préférés. On va sortir un violet, orangé, jaune et vert. Ce sont mes trois couleurs parce que j' utilise [inaudible]. 11. Forcer une pose: Bon, donc à ce stade, nous avons deux personnages en mouvement. Ils sont tous les deux dans une position de course similaire. Disons que pour votre projet de classe, vous voulez un peu plus de variation dans la conception. Peut-être que vous avez un type de corps différent en tête, ou une pose différente ou un niveau d'énergie différent auquel vous voulez travailler. Je vais faire quelques croquis rapides dans différentes variations de type de personnage et j'espère que cela vous inspirera et vous aidera à concevoir votre propre personnage en mouvement. Essayons un personnage un peu plus déterminé que cette dernière version. Pour la ligne d'action principale, je vais les faire pencher plus loin dans la pose. Je vais inverser cette ligne, et je vais commencer à la plier un peu. Ce n'est pas seulement une arche continue, c'est un peu plus compliqué. Les épaules vont presque être, nous allons essayer tout droit comme ça. Les hanches. Je vais étirer la tête vers l'avant comme ça. Points d'articulation pour les bras. Celui-ci va presque être un peu plus graphique. Vous pouvez voir quand je croquis à ces premiers stades, je pense vraiment à ces espaces négatifs qui se créent comme la distance entre le nez et la main et ce qu'il crée ici. Il a un effet subtil sur la façon dont le spectateur interprète le dessin. Les jambes vont être vraiment tendues, et les pieds vont être pointés un peu plus. Ce personnage va avoir une poitrine plus lourde ou plus épaisse et des hanches plus petites. Je vais créer une forme ici qui est un peu plus petite comme point de référence et une forme plus grande ici juste pour guider le formulaire au fur et à mesure que je le remplis plus loin. Gardions les longues jambes, peut-être même les étirer un peu plus loin. Remarquez ce personnage au lieu d'être retenu à une forme plus carrée comme le dessin précédent, qui était plus comme ça. Comme ça. Celui-ci est plus étendu comme ça. Ce qui a juste un peu plus d'élan en avant. Maintenant, je vais prendre le rouge et pousser ça un peu plus loin. Maintenant, toutes les formes que je vais ajouter à cela vont appliquer cette conception de ce trapèze incliné effondré. Essayons peut-être une couleur plus pointue. Un visage plus pointu. On va ajouter un peu de mouvement aux cheveux. Peut-être moins de flux dans le tissu. Caractère plus rationalisé. angles plus petits, peut-être encore plus nets sur les membres. Moins de poids. Vous pouviez presque voir ce personnage être pris dans une brise. Vous pouvez voir que ce personnage a une présence physique assez différente de ce personnage, même s'ils sont techniquement dans la même position. Ce personnage se déplace très rapidement, alors essayons le contraire. Faisons un personnage plus épuisé. Les dessins animés peuvent se sentir lourds autant qu'ils peuvent sentir légers dans la zone. C' est juste une question de la façon dont on pose le corps du personnage. Au lieu de travailler à partir d'une pose où le poids est réparti uniformément, faisons pencher le personnage un peu vers l'avant comme s'il était presque renversé. Ils ne peuvent pas tenir leur poids parce qu'ils sont si fatigués. Voyons où va être la tête. Abaissons un peu la tête. Voyez comment avec l'esquisse, vous pouvez simplement déplacer les choses. J' essaie de ne pas effacer trop pour ne pas être pris dans des erreurs. Je déplace les formulaires jusqu'à ce que je sois heureuse. Si je dois recommencer, je pourrais le faire, mais continuez à dessiner sur les dessins. Jambe pliée, puis jambes à plat sur le sol, mais déplacez-la un peu en arrière pour que la ligne d'équilibre soit au centre. Maintenant, ce personnage peut, espérons-le, se sentir plus lourd. Faisons pendre un peu les bras. Pour clarifier la pose, je veux toujours pouvoir voir les deux membres. Celle-ci est suspendue tout droit en avant et celle-ci est juste assez en arrière pour qu'elle éclate derrière elle. Idéalement, je pourrais le mettre ici. Peut-être que ce serait un peu plus réaliste, mais pour la clarté du dessin, vous voulez déplacer la pose afin qu'elle soit claire pour le spectateur. On va arrondir ces épaules. Quand vous êtes épuisé et que vous avez fait un état de faible énergie, vos épaules vont s'affaisser un peu. Tout le poids est sur ce pied, donc il est vraiment important de voir et de comprendre comment il interagit avec le sol. Cette jambe est de retour et de haut en haut. Rendons les pieds plus grands. Ce personnage va être plus lourd en bas. C' est presque comme si c'était dans ce triangle hors-centre, comme ça. ai encore besoin d'être un peu attentif. Je ne veux pas que le personnage regarde directement vers le bas. Je veux toujours qu'ils soient impatients. Ils vont toujours de l'avant, ils vont juste à un rythme plus lent. On va faire un nez plus rond, on va le mettre ici. On va lâcher un peu les yeux et la bouche. Peut-être que nous ferons un peu de temps ici pour créer un mouvement plus bas. Cette pose pourrait avoir l'air bien dans le profil total. Mains tombantes au lieu d'autour du poing. Faites des mains plus longues. Passez au rouge pour cette esquisse secondaire. Lignes de cheveux vers le bas, face vers le bas, épaule vers l'avant. Rappelez-vous que encore une fois, le personnage se penche vers l'avant, de sorte que le bras va se pencher un peu en avant comme ça. Les doigts en arrière un peu. Alors maintenant, nous pouvons avoir une belle courbe propre sur le dos. Peut être faire un gros pantalon baggy ici. Gros pied. Puis tout le poids sur cette seule jambe. Puis dessinez ce bras sur le dos. On y va. Maintenant, nous avons quelques variations du cycle de marche qui reflètent mieux la personnalité du personnage. Un personnage en mouvement va toujours évoquer une certaine humeur ou un certain sentiment d'attrait. Le langage corporel d'un personnage explique largement ce qu'il représente dans une histoire ou simplement dans une illustration simple. Créer des poses d'action fortes pour vos personnages est un excellent moyen de dire au spectateur qui ils sont. Cela le fait pour cette leçon sur les personnages en mouvement, alors terminons-le. 12. Projet du cours : ébauche: Allons dans le projet de classe ensemble. Vous êtes les bienvenus pour travailler avec moi ou vous pouvez regarder et parcourir les étapes par vous-même. J' ai essayé de prendre les choses dont j'ai parlé au cours de la dernière heure et les décomposer en quelques étapes très simples, sorte que vous pouvez créer un projet de classe en environ 20 minutes. Je résume le processus de création d'un personnage dans une pose en cours d'exécution en quatre étapes conceptuelles de base. Nous commençons par quelque chose que j'appelle 14 points d'articulation. Ce sont les 14 endroits sur la figure où vous avez l'occasion de montrer le mouvement. Vous avez le cou, les épaules, les coudes, les poignets, les hanches, les genoux et les chevilles. Ce sont tous les principaux endroits où vous pouvez plier et former votre personnage en un milliard de combinaisons de poses. Oublier l'un de ces points d' articulation pourrait laisser votre personnage un peu raide. Maintenant, regardons poser. J' appelle cette étape silhouette posant. Une fois que nous avons esquissé le cadre de la figure, en considérant les 14 points d'articulation ici, nous essayons d'évaluer l'équilibre du personnage en utilisant la ligne d'action de la colonne vertébrale et le placement des bras, et nous pouvons montrer propulsion du personnage à travers la façon dont nous posons les jambes. Vous pouvez voir qu'il y a presque un sentiment de symétrie ici avec la façon dont nous avons équilibré les bras et les jambes. Ils se reflètent dans leurs angles et leurs courbes. Cette ligne pointillée représente la position de la tête sur les jambes. C' est assez bien équilibré, mais le personnage se penche juste un peu en avant. c' est une bonne pose de course, mais pour comprendre si elle parle clairement au spectateur, j'aime la décomposer en silhouette. Je prends des formes très simples et je bloque le corps dans un espace bidimensionnel. Si le corps lit bien en silhouette, je sais que j'ai créé une pose réussie. Une autre excellente façon d'évaluer votre pose est de la rétrécir et de voir si elle se lit encore clairement à quelque chose comme la taille d'un timbre-poste. Si la pose n'est pas claire au premier coup d'œil, vous pouvez réévaluer la position des parties du corps et la façon dont vous utilisez les points d'articulation. Prenons maintenant ce cadre et créons des formulaires primaires. Form dans le contexte de l'illustration, utilise des formes pour créer quelque chose qui est plus que la somme de ses parties et pour créer l'illusion que quelque chose existe dans un espace imaginaire. Voici quelques formes de base, un orbe et un cylindre. En utilisant des lignes courbes sur ces surfaces, nous transmettons la forme. Maintenant, lors de la conception de la forme d'un personnage, nous voulons prendre quelques formes basiques et les unir pour créer un personnage qui semble exister dans un espace. En utilisant mon cadre comme référence, je construis les personnages en utilisant des ovales étirés. Maintenant, laissez-moi briser ces formes. Chaque dessinateur et illustrateur a son propre style de forme qu'il utilise lors de la conception d'un personnage. Voici un coup d'oeil à la mienne quand vous les séparez. Maintenant que nous avons établi la forme primaire du personnage, nous pouvons ajouter des formes secondaires. Cette deuxième étape de l'ajout de formes à la conception du personnage est un moyen de souligner la pose, pousser la pose, comme je l'ai mentionné précédemment, et d'évoquer une personnalité dans le personnage. Jetons un coup d'oeil à certaines des références que j'ai rassemblées pour aider à créer une personnalité pour le personnage. J' utilise Pinterest pour rassembler mes références. Voici une planche simple que j'ai faite de l'entraînement et de la course des années 70 et de la mode athlétique. Je vais choisir une mode qui me plaît et fonctionne aussi bien pour donner au personnage un sens du mouvement. J' aime la veste de survêtement avec le combo short, alors utilisons-le. Les formulaires secondaires peuvent être aussi avancés ou aussi simples que vous le souhaitez. Vous pouvez regarder de plus près l'anatomie et les rides dans les vêtements si vous voulez faire quelque chose d'un peu plus réaliste. Mon style de dessin animé fonctionne mieux lorsque les lignes sont simples et gracieuses, ludiques et claires. J' utilise les formes de la survêtement pour améliorer le sens du mouvement dans le personnage. Il y a un peu de flux et d'exagération dans les courbes. Je suis également capable de faire un peu de chevauchement avec les sections élastiques de la survêtement, et pour moi, le col ajoute un peu d'attrait à la zone autour de la tête. J' utilise la bande sur le côté du short pour souligner l'angle des jambes, et pour donner une certaine forme aux jambes, je peux utiliser des chaussettes hautes. Notez que la couture et les rayures sur les chaussettes sont un peu semblables aux courbes sur le cylindre que nous avons regardé dans la section de forme primaire. Je vais aussi utiliser les lacets sur les chaussures pour ajouter un sens du mouvement. Au lieu d'utiliser des lignes d'action de style comique de bande dessinée, je peux utiliser les lacets pour être des lignes de mouvement. Maintenant, j'ajoute quelques détails au visage, assurant que le nez pointe la direction du personnage et étire un peu les cheveux en arrière pour donner plus d'un sentiment de propulsion vers l'avant. Maintenant, je vérifie mon croquis final pour m'assurer qu'il transmet toujours le sens de l'équilibre et de la propulsion que j'ai établi plus tôt lors du cadrage du personnage. Quand je suis content, je peux passer à l'art final. 13. Projet du cours : travail final: Pour ma dernière illustration, je vais travailler dans un programme avec lequel je suis le plus à l'aise. Ça s'appelle Clip Studio Paint. Il est moins populaire application de dessin, mais les outils de base sont très similaires à ceux que vous trouverez dans Procreate ou Adobe Photoshop. Pour le bien de ce projet, je ne vais pas vraiment partager des conseils et des techniques sur la façon de faire des illustrations fantaisie dans ce logiciel. Parce que je veux que cette classe soit accessible aux personnes qui travaillent avec des outils traditionnels comme je l'ai fait plus tôt dans la classe, et aux personnes qui ont juste une compréhension de base des logiciels d'illustration. Vous devriez être capable de suivre. Je vais laisser mon onglet de calque ouvert ici à droite afin que vous puissiez voir comment j'organise mes calques. Encore une fois, la superposition fonctionne de la même manière avec ce programme que dans de nombreux autres programmes de dessin. Commençons. Je vais commencer par définir mon calque d'esquisse sur environ 50 % afin que je puisse voir mon dessin au trait clairement sur le dessus, et je vais créer un nouveau calque pour mon encrage. Je fais de mon mieux lorsque j'essaie de recréer l'expérience de travailler avec un outil traditionnel. Pour moi, c'est la plume de calligraphie, qui, comme je l'ai mentionné plus tôt dans la classe, répond au poids que vous mettez sur la pointe du pinceau. J' ai sélectionné juste un outil de dessin animé vraiment basique que que vous trouverez dans l'un de vos programmes de dessin. Mais si je fixe l'épaisseur de la ligne à trop mince, je n'ai pas de variation de poids lorsque j'appuie et dessine une ligne. Je vais rendre l'outil beaucoup plus gros, donc quand je dessine ma ligne et appuie plus fort sur la longueur de la ligne, j'ai une certaine variation de poids. Je suis beaucoup plus de personnalité que la ligne a à droite que la ligne à gauche. C' est parfait pour mon style de dessin. Pour tester votre outil Plume, vous devez tracer un tas de lignes droites comme celui-ci pour obtenir la pression et le poids de la ligne parfaits pour votre technique de dessin. Quand je commence à écrire, je commence habituellement par le visage parce que j'aime pouvoir regarder mon personnage pendant que je conçois le reste de leur corps. Je m'assure que le nez pointe dans la bonne direction, je donne aux yeux un peu de personnalité et ensuite je passe aux autres aspects du corps. Vous remarquerez que j' ai essayé d'être gracieux avec mes lignes. Ramassez mon stylo le moins possible, et aussi vous pouvez voir que j'ajuste la direction que je dessine une ligne en fonction du look que je veux pour elle. L' un des avantages de dessiner numériquement est que je peux essayer quelques styles de ligne différents avant de m'installer sur un. Il y a beaucoup de moi qui défait et refait le travail de ligne dans mon processus. J' ai vraiment besoin de mes courbes pour avoir une belle apparence lisse pour eux, donc je me concentre toujours sur l'exagération des courbes et des angles à l'intérieur de la ligne. dessin animé fonctionne mieux quand il y a une belle rondeur gracieuse à l'art au trait. J' essaie de ne pas ajouter trop de texture ou d'évoquer l'ombre avec mon art au trait parce qu'il est très facile de bouger dans l'illustration, surtout lorsqu'il s'agit d'un simple dessin de personnage où l'art au trait est déjà si proche. Nous pouvons traiter avec les ombres et les textures dans la phase de coloration. Maintenant, pour ajouter les lacets, je vais les dessiner sur une couche séparée parce que j'ai besoin qu'ils chevauchent les jambes. Mais je ne voulais pas interrompre le flux de la ligne dans la jambe pour arrêter et dessiner la dentelle parce que cela briserait le flux de cette belle courbe dans la ligne tibia. Je fais une nouvelle couche. Je dessine les lacets là-bas, puis je retourne à l'autre couche où se trouve le reste de l'art au trait, et j'ai juste effacé les morceaux qui seraient derrière le lacet. Maintenant, j'ai un beau chevauchement pour le lacet. Ensuite, faisons un peu de coloration vraiment basique. Je vais suivre la méthode de couleur triadique à nouveau comme je l'ai fait plus tôt, et je vais commencer par un bleu doux comme nous l'avons vu sur la photo de référence. Maintenant, un grand compliment au bleu est jaune, donc nous allons rendre les chaussures jaunes. Pour établir ce remplissage triadique, je vais sauter un peu ici et rendre les chaussettes rougeâtres. Je vais garder les schémas de couleurs simples. Au lieu d'ajouter une autre couleur au bleu, je vais juste assombrir le bleu à un peu de noir et faire les détails comme ça. Allons-y avec plus d'un teint humain. Quel que soit le teint de votre personnage, assurez-vous que leur peau n'est pas trop cool. Vous voulez toujours vous pencher plus vers l'orange, rougeur si vous êtes trop loin de leur corps de votre personnage va se sentir froid et mort. Un moyen simple d'ajouter de l'ombre à votre personnage est de créer un nouveau calque et de l'appeler ombre et d'ajuster les paramètres du calque à la gravure de couleur, je vais réduire l'opacité du calque à 25 pour cent et obtenir un violet pour être mon ombre. Maintenant, je peux dessiner des ombres au-dessus de toutes les couleurs de base de cette illustration. Ils donneront un bel effet d'ombre sans avoir à changer la couleur de l'ombre. Il agit sur les tons de peau ainsi que sur les tissus des vêtements. Sans illustrer toute une scène autour du personnage, je vais juste faire allusion à l'environnement avec quelques formes et couleurs de base. poses de course et les dessins animés semblent mieux quand les personnages sont suspendus dans l'air, donc nous allons utiliser cette forme ombragée pour montrer le sol sous le personnage qui est un champ herbeux. Je vais mettre des nuages dans le ciel. Cela aide à donner au personnage l'impression qu'il est plus au premier plan. En ajoutant quelques éléments d'arrière-plan simples, vous pouvez faire la même chose et votre conception et peut-être modifier ce paramètre. Comme par exemple, vous pouvez faire une scène désertique ou une scape de ville ou faire pleuvoir. Ma scène se déroule sur une journée très ensoleillée, mais au lieu de dessiner le soleil dans le ciel, je vais faire une nouvelle couche et je vais attraper un jaune très clair et l'utiliser comme point culminant à travers les couleurs de la veste et de l'herbe sur le nuages. J' essaie de ne pas ajouter trop de surbrillance aux cheveux ou la peau du personnage parce qu'il commence à les faire paraître un peu plastique. Là, vous avez une personne en mouvement prête à télécharger dans la section projet de classe. N' hésitez pas à apporter plus de détails au monde de votre personnage ou à le garder aussi simple que celui-ci. Comme je l'ai dit, ce projet de classe pourrait être fait en 20 minutes environ. En fait, si vous pouvez vous mettre au défi de travailler plus vite, dessin animé a toujours l'air génial. Si vous pouvez bouger rapidement et garder les choses simples. Envelopperons ce truc. 14. Préparez votre œuvre pour le partage !: J' espère que vous avez apprécié ce cours sur les personnages en mouvement. Si vous avez aimé cette leçon et mon style d'enseignement, eh bien il y a de bonnes nouvelles pour vous, j'ai une chaîne Skillshare avec plus de 12 leçons différentes en dessin pour l'art narratif, qui comprend des livres, des bandes dessinées, ou tout simplement illustration. Plus de leçons sur l'art conceptuel, la conception de mondes, l'utilisation de votre imagination, dessin de cartes, les bases de la bande dessinée, les principes fondamentaux de la bande dessinée, et même quelques cours sur le design de créatures. Une fois que vous avez terminé votre dessin de votre personnage en mouvement, ce serait génial si vous le partagiez dans la section projet de classe de cette classe. De cette façon, d'autres étudiants peuvent vous voir participer, et je pense que dans l'ensemble, cela enrichit le domaine de la classe pour voir le travail d'autres étudiants. Vous pouvez me suivre sur Instagram. J' ai un Patreon où je partage du contenu dans les coulisses des prochains livres, et si vous voulez lire l'un de mes travaux, vous pouvez aller sur iremarqus.com où la plupart de mes projets précédents sont disponibles, des vidéos, des livres et des histoires et toutes sortes de trucs amusants. C' est tout pour l'instant. Je te verrai la prochaine fois.