Compositions florales pour l'âme

1. Introduction: Bonjour à tous et bienvenue dans le cours Watercolor Florals for the soul Ici, nous adoptons une approche amusante, souple et intuitive pour peindre des fleurs. L'aquarelle peut être un médium calme et méditatif avec lequel il est possible de jouer une fois que le stress lié à la maîtrise des techniques et à l'apprentissage des compétences est mis de côté C'est ce que je vais faire pour vous aider dans les leçons qui suivent. abord, nous décryptons les principes de peinture qui permettent de créer des œuvres d'art époustouflantes et je vous les présente d'une manière claire et digeste afin que tout le monde puisse facilement les suivre Seules des fournitures d'aquarelle de base, telles que quelques pinceaux et un ensemble de peintures pour débutants, sont nécessaires pour ce cours Après avoir appris les concepts des œuvres d'art florales, je vais vous présenter trois démonstrations. À la fin de ce cours, vous serez en mesure de créer vos propres compositions et styles d'aquarelle J'espère que vous vous joindrez à moi dans ce cours, et j'ai hâte de voir ce que vous allez créer. 2. Fournitures: Parlons des matériaux dont nous avons besoin pour nos œuvres d'art aujourd'hui. La première est la peinture à l'aquarelle. Les peintures se présentent donc principalement sous deux formats pour les aquarelles. Le premier est en forme de poêle comme celui-ci, et le second est en forme de tube. Donc, si vous avez des tubes d'aquarelle au lieu de pantalons, c'est très bien aussi Il vous suffit d' appliquer un peu de peinture sur votre palette de couleurs. Et utilisez ces peintures avec un peu d'eau sur le pinceau. Si vous avez un pantalon aux couleurs sèches comme ici, vous pouvez activer la couleur avec un peu d'eau sur un pinceau La deuxième chose dont nous avons besoin est de mélanger les palettes. Donc, ces petits puits de ce côté, ainsi que les plus grands puits d'ici, m' aident à mélanger les couleurs. Vous pouvez également utiliser une palette en céramique si vous n' avez pas de palette intégrée ou d'ensemble de peinture à l'aquarelle, ou vous pouvez même utiliser une assiette à manger au lieu de mélanger des palettes La prochaine fourniture dont nous avons besoin est une serviette en caillot, que vous pouvez remplacer par une serviette en papier Cela aide à absorber l'excès d'eau du pinceau lorsque vous le tamponnez légèrement sur le chiffon La troisième fourniture dont nous avons besoin, ce sont des pinceaux à aquarelle comme ceux-ci et un pot d'eau claire Et bien sûr, nous avons besoin de papier, et le papier devrait idéalement être de 300 g/m². C'est le grammage du papier que je vais utiliser, ou tout autre grammage supérieur est acceptable. La raison pour laquelle nous avons besoin d'un papier épais est qu' il ne se déforme pas lorsque nous mettons trop Habituellement, les papiers pour aquarelle que nous préférons sont 100 % coton, mais ce n'est pas nécessaire Sur ces peintures, nous n'en faisons pas trop de couches, donc c'est bien si vous avez du papier cellulosique. Lorsque vous expliquerez les démonstrations, vous remarquerez que j'utilise parfois ces marqueurs pour mes démonstrations. Mais il s'agit d'un approvisionnement optionnel dont vous n'avez pas besoin. J'utilise également un pinceau à eau pour faciliter l' enregistrement de mon processus, mais vous pouvez également utiliser un ensemble de pinceaux traditionnels Il n'est pas nécessaire d' avoir une brosse à eau. Ce sont tous les supports et je vous verrai dans les leçons. 3. Concept : fleurs lâches: Bonjour, tout le monde. Dans cette leçon, nous allons voir comment créer des formes pour les fleurs. J'utiliserai un seul pigment en plus de mon pinceau à eau. Alors d'abord, je mélange un peu de couleur, et je commence par bloquer au centre de la forme de ma fleur. Il y a certaines choses que nous pouvons varier lors de la fabrication d'une fleur, ce qui nous donnera une grande variété de fleurs parmi lesquelles choisir. Pour l'instant, je fais juste un cercle. Ce sera le centre de ma fleur. Ensuite, je dessine quelques pétales depuis le centre. C'est donc mon premier pétale, et je lui ai donné un bord arrondi Un deuxième pétale Et avant de continuer, j'aimerais bloquer les pétales opposés à celui-ci , car cela me donne une idée de l'endroit et de l'espacement qu'il doit y avoir entre les Ces deux sont donc opposés aux deux premiers que j'ai créés. Et permettez-moi d'en faire une autre ici. Ce sera donc une fleur à huit pétales. Le nombre de pétales est quelque chose que vous pouvez varier. Ce que vous pratiquez lorsque vous suivez cette démonstration peut être différent. Tu n'as pas besoin de faire les choses exactement comme je le fais. Donc, pour cette première fleur, je vais colorer les parties intérieures de cette inondation avec un gris uni. Vous pouvez choisir de le laisser vide comme avant ou de le remplir de couleur comme je viens de le faire. C'est à vous de décider. Maintenant, l'une des choses que vous pouvez modifier, et je vais faire varier maintenant, c'est la taille du centre. Je fais donc un tout petit centre en ce moment pour la prochaine fleur que je vais dessiner. Et l'autre chose que vous pouvez modifier est de savoir si le bord est pointu ou circulaire. Donc, pour la première fleur, j'avais des bords arrondis, mais comme vous pouvez le voir, celle-ci aura de fins pétales allongés avec des bords pointus. J'utilise le bord de mon pinceau pour obtenir cette forme pointue. Et c'est une façon très pratique de le faire. Encore une fois, bloquez simplement les pétales opposés et ajoutez de plus en plus de pétales pour que l'espacement soit bon Il y a un autre pétale avec un bord pointu. Et comme vous pouvez le constater, ce n' parce que ces pétales sont assez fins et longs que j'en ai beaucoup. Cela représente probablement plus de dix pétales. Voilà pour la deuxième forme de fleur. Je vais donc vous montrer, dans la troisième forme, comment vous pouvez faire varier la taille du centre ainsi que l'épaisseur du pétale pour obtenir une fleur différente avec un nombre de pétales différent Il s'agit donc d'une variante des deux précédents. Maintenant, c'est un centre plus grand que le précédent. Et je vais faire en sorte que les pétales soient légèrement plus épais avoir moins sur celui-ci, et je ne les allongerai pas aussi longtemps que le précédent. Ce sont donc des pétales plus courts et plus épais. Le dernier de ce côté se ici et peut-être deux autres pétales du côté opposé. Et voilà, juste comme ça. Pour la prochaine fleur, permettez-moi encore une fois de créer un très grand centre. Et ce sera bien plus important que les deux premiers. Donc un très grand cercle. Et ces points au centre donnent l'impression de polens au centre de la fleur Agrandissons encore un peu la forme avant d'ajouter nos pétales. Ensuite, pour les pétales, nous allons les rendre très petits cette fois, afin que vous puissiez voir à quel point ils sont petits. Ce sera donc une fleur avec un très grand centre et très petits pétales avec une base relativement épaisse et un petit bord arrondi. Pour que les bords soient pointus ou arrondis , ou comme vous le souhaitez, vous pouvez toujours tirer parti de la forme de votre pinceau. Ainsi, si vous utilisez le ventre pour appuyer près du bord de la fleur, vous obtiendrez une forme plus arrondie, tandis que si vous avez un pinceau pointu et que vous le soulevez, en vous dirigeant vers le bord, vous aurez une forme plus pointue. Il reste encore deux pétales, et nous allons juste terminer. Perfectionner un peu les formes et ajouter ce dernier pétale. Pour la fleur suivante, je vais imiter notre deuxième sorte de fleur afin de pouvoir à nouveau montrer une variation Et cette variation est liée à la superposition des pétales. C'est donc exactement comme au deuxième étage. Ajouter de plus en plus de pétales. Et en fait, c' est un exercice que vous devriez essayer non seulement de regarder , mais de faire vous-même, car il vous donnera beaucoup d'entraînement et cela ne peut pas faire de mal. Ces deux fleurs sont donc assez similaires. Et le premier est sec. Je vais donc prendre peu de pigment et ajouter une deuxième couche de pétales sur le premier, juste pour vous montrer la variété fleurs que vous pouvez trouver. Ce sont donc des pétales plus courts et plus fins et ils sont plus foncés juste pour se démarquer des pétales extérieurs. Cette deuxième couche de pétales intérieurs est donc la variante que je vous montre ici. En fait, vous pouvez avoir de nombreuses couches, mais les couches supérieures doivent être plus foncées que les couches inférieures pour qu'elles soient visibles. Il est également important de garder à l'esprit que lorsque vous ajoutez la couche supérieure de pétales, la couche inférieure doit déjà être sèche, et elle doit être sèche pour éviter tout mélange de couleurs ou de mélange de couleurs avec la couche inférieure, car vous voulez ces bords ressortent vraiment Vous pouvez choisir d'assombrir les couleurs là où vous souhaitez lui donner une teinte Cela contribue toujours à ajouter de l' intérêt à la peinture. Un autre pétale, oui. C'est donc la cinquième variété de fleurs que nous avons. Et vraiment, vous pouvez trouver plein de choses différentes. Tout dépend de ce que vous pouvez imaginer. Faisons donc une rose, et ce processus sera légèrement différent de ce que j'ai démontré plus tôt. Je commence donc par décider où je veux que le centre soit, et je crée ces minuscules formes de C autour de ce centre. Cela devrait donc ressembler à un C, et il devrait y avoir des espaces entre les C suivants qui se trouvent à l'extérieur des pétales intérieurs. Il s'agit donc d'un pétale, et vous pouvez voir cet espace blanc qui est important C'est le deuxième pétale, et tu viens de le construire dessus comme ça Il y a un autre pétale, un de plus. Et il est important de conserver ces espaces blancs, et il est toujours préférable de laisser un espace plus grand que nécessaire plutôt que de ne pas avoir suffisamment d'espaces entre les pétales, car s'ils se mélangent tous, vous ne pourrez pas voir la forme de la farine. Je donne également ici une sorte de motif ondulé pour qu'il paraisse plus naturel et organique Juste comme ça. Et vous pouvez faire en sorte que cette fleur aussi petite ou aussi grande que vous le souhaitez. Je trouve que cette rose est plutôt belle à ce stade, donc je vais la laisser en l'état pour le moment. Passons à la fleur suivante. Et celui-ci n'aura en réalité que des pétales sans centre bien distinct. Je vais donc juste faire une fleur à cinq pétales. Le centre n'est donc en réalité qu'un petit point. Ce n'est pas un grand cercle. Et j'ai tracé cinq lignes juste pour vous donner une idée approximative de l'endroit où je voudrais placer les pétales, et je dessine les pétales autour, comme ça. Et vous pouvez faire varier le nombre de pétales. Celui-ci aura donc huit pétales, mais assurez-vous que les pétales sont suffisamment petits pour en accueillir un grand nombre si vous optez pour cela. Vous pouvez donc voir comment je vous le fais. Et c'est le dernier pétale. Donc, en contournant ce principe selon lequel nous devons avoir un grand cercle entouré de quelques pétales, nous pouvons voir combien de pétales et de motifs de fleurs différents nous avons créés. Et vous pouvez en avoir plusieurs différentes comme cette rose ici était différente des autres. Et aussi, je vais essayer maintenant de faire un pissenlit juste pour Elle doit donc avoir beaucoup de points ou de taches, comme le centre de n'importe quelle autre fleur. Vous allez donc le rendre similaire au centre. Mais plutôt que de dessiner les pétales après avoir dessiné le centre, nous voulons simplement dessiner quelques stries pointant vers le centre, afin qu'elles soient représentatives de la tige du polen de cette fleur de pissenlit Voici donc le OK. Une sorte de polens de pissenlit, si c'est comme ça que ça s'appelle. Mais oui. C'est mon pissenlit et quelques lignes tracées à partir du centre pour donner l' impression que ces polens ont tiges d'où ils émergent Oui, je ne suis pas sûre avoir bien compris la terminologie en ce concerne les fleurs, mais ça va. Nous faisons de l'art. C'est en quelque sorte ça. OK. Motif de lignes pointant vers le centre qui donne l' impression d'un noyau et d'une fleur. Voilà pour toutes les formes de fleurs. Et ce que j'aimerais faire ensuite, c'est simplement montrer comment vous pouvez ajouter du contraste. L'idée du contraste est donc de rendre certaines parties plus sombres et les autres plus claires. Les parties ombragées devraient donc avoir plus de pigments foncés pour indiquer qu' elles sont dans l'ombre. Et je vais essayer de masquer certaines de ces nuances ici. Donc, près du centre, je fais en sorte qu'une partie du centre soit visible et plus foncée que l'autre. Ajoutez peut-être un peu de pigment à celui-ci, ici, près du centre, selon notre intérêt et faites ressortir les pétales en lui donnant juste ce contraste. Je remplis donc également les centres que j'avais laissés vides tout à l'heure. Nous pouvons également ajouter quelques lignes sur les pétales pour ajouter de l'intérêt, et celles-ci doivent être très subtiles. Nous n'avons pas besoin de quelque chose pour contrebalancer l'apparence des pétales que nous avons déjà, mais simplement de quelque chose qui en ajoute un peu plus Juste comme ça. Il suffit d'ajouter certaines de ces lignes ici. Il y a donc beaucoup de choses que vous pouvez vraiment faire pour rendre la peinture plus intéressante. Un détail, etc. Et il y a cette dernière forme de fleur que je viens de décider d' ajouter à cette liste. Et on dirait que beaucoup de pétales sortent d' une seule tige, comme ça. Cela peut aussi être des feuilles, mais si vous leur donnez la couleur des fleurs comme le rouge ou l'orange, elles ressembleront davantage à une fleur. Mais si vous leur donnez une couleur verte, ce sera une feuille avec exactement le même motif. Voilà pour les formes des fleurs. Et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous explorerons les formes de nos feuilles. 4. Concept : feuilles: Bon retour. Dans cette leçon, nous verrons comment créer des formes de feuilles à l'aide d'aquarelles Tout comme dans la leçon sur les fleurs, je vais utiliser un seul pigment pour dessiner de nombreuses formes de feuilles afin de donner une idée des différentes options offrent à nous pour notre composition. La première forme de feuille n' est donc que la ligne courbe, et près du centre de la ligne, j'ai enfoncé mon pinceau pour lui donner un ventre plus gros et des bords pointus Et voici la forme de la deuxième feuille. Il est donc plus large en bas et pointu vers le haut. Il suffit de commencer par un peu plus de couleur pour que la feuille soit visible. Et nous y voilà. La troisième forme sera plus large en haut et pointue en bas, comme ceci. Je vais maintenant remplir la forme que j'ai créée à l'aquarelle C'est donc notre troisième feuille. Et vraiment, vous pouvez proposer de nombreuses variantes de cette feuille en zigzag que je viens de créer Votre imagination est la limite pour ce type de peinture car il n'y a pas de règle précise quant à ce que vous êtes autorisé à faire ou à ne pas faire. Et vous pouvez créer vos propres formes ou feuilles innovantes ou vous inspirer de la nature. Passons à la pratique de certaines branches. Donc, pour cette première branche, je trace une courbe et j'y ajoute la feuille du premier type, juste comme ça. Je vous encourage à vous entraîner avec moi pendant que vous regardez ces leçons afin de vous assurer que vous vous êtes bien préparé aux compositions lorsque vous aborderez le projet Il s'agit donc de la première branche avec plusieurs feuilles qui en sortent. Il suffit d'intensifier un peu les couleurs. Et nous y voilà. Pour la branche suivante, je vais créer un motif plus en zigzagi plutôt qu'une simple courbe Je pense que cela lui donne un aspect plus naturel et plus organique. J'aime donc utiliser ce genre de formes dans ma composition. Ce sont plusieurs branches qui en découlent. Et ajoutons-y quelques feuilles. Peut-être que je vais garder ces feuilles minuscules simplement cause de la structure de la branche, je n'ai pas beaucoup d'espace pour accueillir trop de grandes feuilles. Donc je vais juste les garder petits, comme ça. peux voir le mouvement de mon poignet et de ma main pendant que je fabrique ces feuilles. J'appuie donc vers le début pour lui donner une pointe large. La feuille a une pointe blanche parce que j' appuie sur le pinceau au début, et je le soulève progressivement au fur et mesure que je m'approche du bord de la feuille. Pour lui donner une extrémité pointue. C'est donc ma branche. Et peut-être que ce que je peux faire ici, c'est ajouter des baies. Il s'agit toujours d'un élément intéressant que vous pouvez ajouter. Et vous pouvez donner à ces baies un contraste très net par rapport aux blancs et aux verts clairs qui les entourent. Vous pouvez donc placer stratégiquement ces baies à certains endroits où vous souhaitez attirer l'attention ou où vous souhaitez que le contraste soit élevé. Il est important de ne pas être trop uniforme à cet égard. Vous voulez varier la taille et la forme des baies pour qu'elles aient un aspect naturel et biologique et qu' ne soient pas trop contrôlées, vous savez. Et vous pouvez voir comment ces baies sortent de la page et attirent vraiment l'attention du spectateur. Permettez-moi donc d'en ajouter d'autres. Il y en a une toute petite. Et je continuerai à ajouter plus de baies jusqu'à ce que je sois satisfait de cette branche. juste faire les choses un peu vite parce que je suis sûr que vous avez une idée de ce que je fais ici. Maintenant, pour en revenir aux feuilles que j'ai séchées plus tôt, j'ajoute ces nervures au centre et je les garde subtiles à certains endroits. Il faut donc ajouter la nervure médiane à toutes ces feuilles ainsi que certaines nervures secondaires. Juste comme ça. Faisons donc une branche le quatrième type de feuille dessus. C'est juste très expérimental et j' essaie de voir ce que je peux en tirer. Tu n'es pas obligée de faire exactement ce que je fais. Vous pouvez varier la forme des feuilles, vous savez, en fonction de ce que vous pouvez trouver. Et vraiment, vous devriez expérimenter et jouer dans cette partie. Cette partie est entièrement consacrée à la pratique. Ce n'est pas notre composition réelle. Nous n'avons donc pas vraiment à nous inquiéter de ruiner notre peinture ou quoi que ce soit d'autre Expérimentez également avec des valeurs tonales. Faites donc en sorte que les feuilles soient plus claires à certains endroits et plus foncées à d'autres. Cela aidera à ajouter du contraste et à rendre la peinture intéressante. J'aime toujours que mes branches soient un peu plus foncées que mes feuilles, juste pour donner l'impression que mes feuilles se fondent dans le fond, alors que les branches contrastent vraiment avec les feuilles. Donc, juste comme ça, j' ai une autre succursale. Peut-être en train d'expérimenter avec quelques feuilles supplémentaires sur celui-ci. Ouais, et c'est tout. Alors ensuite, j'aimerais créer ce genre de feuilles circulaires, je suppose. Tellement de ces petites feuilles sur une seule branche. C'est une autre option pour ce que je pourrais inclure dans ma composition. C' est similaire à la première branche que nous avons dessinée sauf que nos feuilles sont maintenant circulaires contrairement aux feuilles allongées que nous avions dessinées plus tôt. OK, donc je pense que c'est peu près tout pour la forme des feuilles. J'espère que vous avez apprécié cette leçon et que vous avez appris les différentes options qui vous lorsque vous créez vos propres compositions florales. J'espère également que vous avez pu créer des formes de feuilles originales ou vous inspirer de la nature. Et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous parlerons des palettes de couleurs. 5. Concept : Palettes de couleur: Bienvenue. Dans cette leçon, nous allons proposer différentes combinaisons de couleurs que nous pouvons utiliser pour les fleurs et le reste de notre composition. Nous n'allons pas entrer dans une compréhension très détaillée de la théorie des couleurs, qui peut être utile dans certaines situations. Mais pour les projets que nous allons réaliser, il suffit placer les trois couleurs les unes à côté des autres qui sont soit inspirées la nature et des fleurs que nous voyons dans la vie réelle, soit de créer quelque chose de totalement imaginaire Vous n'êtes pas obligé de placer les trois mêmes couleurs que celles que je place sur ma feuille. Vraiment, vous devriez jouer et expérimenter avec vos propres couleurs et voir ce qui est beau lorsqu'il est combiné avec d'autres couleurs. Donc, ce que j'ai sur mon graphique, c'est une série de cercles, et chacun de ces cercles sera rempli de trois couleurs différentes. Cela me donne une idée de ce à quoi ressembleraient ces trois couleurs si je les utilisais dans ma composition. Lorsque deux couleurs se rencontrent, je les laisse se mélanger et se mélanger, afin de voir quelles autres couleurs je peux obtenir en combinant les deux. Mon objectif ici est donc de remplir chaque cercle de couleurs. Donc, celui-ci, je le remplis d'ocre jaune, bleu paon et de brun rouge Et j'aime bien cette palette de couleurs, alors peut-être que je vais l'utiliser dans l'un de mes projets. Donc, pour ce troisième cercle, laisse-moi essayer du rose et une couleur plus foncée, peut-être ce violet. Je ne mets donc peut-être que deux couleurs dans le cercle. Et je vais le laisser se fondre et se mélanger sur les bords pour voir quelles autres couleurs j'en retiens. Il suffit de nettoyer un peu les bords, et peut-être que je vais enlever un peu de couleur et la transférer sur le cercle suivant où j' utiliserai également cette couleur violette. Et peut-être que je pourrais le combiner avec jaune plutôt que du jaune gamboge En fait, je pense qu'InTard peut être beau là-dedans, mais je vais m'en tenir à cela pour le moment Ensuite, essayons le vert. Et ce jaune orangé et quelle pourrait être une troisième couleur ? Le vert pourrait être ma feuille, l'orange, jaune pourraient être ma fleur et peut-être ce brun là où j'ai besoin d'ombre. Donc, en règle générale, ce que j'aime faire, c'est choisir une couleur qui peut être très foncée, et c'est le marron ici. Je peux m'en servir pour les ombres. Une couleur qui serait très claire pour les fleurs, et c'était le jaune la précédente dans le cercle précédent. Et une pour la feuille verte. J'ai fait preuve d'un peu d'audace sur le cercle suivant et je pense que j'utilise cette couleur viridienne, vu comment elle se mélange à l'ocre jaune OK, c'est devenu très identique au précédent quand j'ai pris le brun, sauf que le vert est une teinte variable plutôt qu'un vert sève Pour le prochain, c'est parti ce rose vif que je peux utiliser pour les fleurs. Placez-le à côté de cette orange jaune, et j'ai un mélange si beau et si vibrant. Et juste pour les couleurs plus profondes où j'aimerais qu'il y ait des ombres, j'ai inclus cette couleur brune. Le papier sur lequel je travaille en ce moment n'est pas du papier aquarelle Au lieu de cela, c'est du papier ivoire, et ce n'est pas grave parce que j'essaie juste de voir à quoi ressemblent ces couleurs les unes à côté des autres. Il n'est pas non plus nécessaire d'utiliser du papier aquarelle pour cet exercice Vous pouvez également utiliser n'importe quel bout de papier juste pour voir à quoi ressemblent les couleurs. Et étant donné que le papier pour aquarelle peut être assez cher, c'est peut-être une meilleure option pour s' entraîner sur des feuilles de papier grattées et ne peindre que sur la feuille d'aquarelle J'aime tellement cette couleur rose. Je pense que je vais en utiliser beaucoup dans ces cercles. Et j'aime tellement cette couleur rose. Je pense que je vais aussi l'utiliser dans le cercle. Et quand il nous mélange avec ce bleu, qui est une couleur totalement imagée sur une composition florale, cela donne un magnifique violet Lorsque vous ferez ces exercices, je vous suggère de dessiner une série de cercles comme je l'ai fait, ou vous pourriez même imprimer les cercles que j'ai fournis dans les ressources pédagogiques sous forme de palettes de couleurs. Et vraiment, vous pouvez créer une infinité de combinaisons de couleurs, voir comment elles se mélangent et créer vos propres palettes de signature de cette façon. Vous voyez, nous n'essayons pas nous limiter aux règles de la théorie des couleurs. Nous allons vraiment au-delà de cela et essayons de voir quelles couleurs correspondent le mieux à nos goûts en les plaçant simplement les unes à côté des autres. C'est donc très expérimental, au lieu d'apprendre la théorie des couleurs et d'aborder ensuite ce projet sous cet angle. Nous sommes très expérimentaux ici. Pour le prochain, j'utilise encore une fois cette belle couleur rose et le jaune. Et la troisième couleur, que diriez-vous de ce brun ? Ok, ça a fini par ressembler beaucoup à un autre cercle juste au-dessus. Mais c'est bon. Parfois, il y aura des répétitions de ce genre Donc, une fois que j'aurai terminé ce dernier cercle, j'aurai de nombreuses options parmi lesquelles choisir pour la couleur de ma composition. Et je n'en choisirai que trois pour trois projets différents. Mais en réalité, je pourrais enregistrer cette feuille pour plus tard et la réutiliser pour toutes les autres combinaisons de couleurs que je souhaiterais faire. C'est donc à peu près tout pour les palettes de couleurs, et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous verrons comment créer des compositions pour nos arrangements floraux. Rendez-vous dans la prochaine leçon. 6. Concept : composition: Il est donc temps de parler de composition, qui est l'une des choses les plus importantes à garder à l'esprit lors de la création de nos œuvres d'art. Nous pouvons construire une bonne composition en quatre étapes. La première consiste à ajouter un centre d'intérêt. Le second est la répétition et la variation. La troisième étape consiste à ajouter du contraste et la quatrième à ajouter des détails. Passons en revue chacun d'eux un par un. Parlons d'abord du centre d'intérêt. L'idée est donc de laisser un espacement inégal entre chacun des bords du papier et d' y placer votre élément principal L'élément principal sera votre centre d'intérêt. Et dans mon cas, ce grand cercle que je place à l'intersection de ces lignes est le centre d'intérêt. Le centre d'intérêt est un peu comme le protagoniste de votre histoire si vous assimilez votre œuvre d'art à une histoire C'est le personnage principal, et tout ce qui entoure le personnage principal est constitué de acteurs qui soutiennent le personnage principal sans pour autant détourner l'attention de lui. Alors, quel est le bon endroit pour placer le personnage principal ? s'avère qu'il existe ce qu' on appelle la règle des tiers selon laquelle si vous placez votre personnage principal en haut ou en bas d'un tiers ou à gauche ou à droite, un tiers, ce sont bonnes positions pour placer votre tableau. Si votre peinture place le personnage principal au centre du papier, juste ici, là où je le marque d'orange, ce n' est pas un bon endroit pour placer le personnage principal. ne voulez pas non plus placer le personnage principal à égale distance des deux côtés, Vous ne voulez pas non plus placer le personnage principal à égale distance des deux côtés, par exemple le bord supérieur au milieu de celui-ci, ou le bord inférieur, le milieu, les côtés gauche et droit et le milieu de ces sites ne sont pas des endroits où vous souhaitez placer votre personnage principal Et une fois que nous avons ajouté le centre d'intérêt, qui est le personnage principal, nous voulons ajouter des éléments de support, et ces éléments de support doivent suivre le principe de répétition et de variation. L'idée est donc que le personnage principal soit entouré de personnages secondaires. Ainsi, le protagoniste, qui est la plus grande fleur de votre composition, sera entouré fleurs de soutien plus petites. Et la plupart ont plus ou moins la même forme, mais vous pouvez varier les tailles. Vous pouvez également légèrement varier les formes. Cela ajoute de la variété. La répétition signifie simplement que nous avons une forme spécifique que nous répétons plusieurs fois. Cela lui donne une belle apparence. La composition, c'est finalement ce qui est beau à regarder. J'ajoute donc beaucoup de cercles ici. C'est donc l'idée de répétition et de variation. Il n'est pas nécessaire de répéter la même forme. Vous pouvez varier en fonction des différentes formes. Ainsi, par exemple, je peux ajouter des feuilles un peu pointues, afin d'offrir une variété différente de ce que le protagoniste a à offrir. Vous pouvez également ajouter des feuilles et des éléments de support qui sont en quelque sorte incurvés. Pour qu'ils présentent un intérêt pour le tableau. Le troisième élément est le contraste. L'idée du contraste est qu'il existe deux manières de créer du contraste. L'une est liée à la couleur et l' autre à la valeur tonale Quelle est donc l'idée qui sous-tend la couleur et la valeur tonale ? Je dessine donc le personnage principal et je place les éléments de support. Lorsque je répète mes éléments, pour donner une impression de profondeur, les éléments les plus éloignés, je les garde plus légers par rapport au protagoniste. Le protagoniste est ce que je trouve le plus sombre, ce qui attire l'attention sur le centre d'intérêt de l'histoire L'idée du contraste et vous voulez un maximum de contraste là où se trouve votre personnage principal ? Et l'idée est de placer les différences de couleurs les plus sombres Ainsi, par exemple, c'est la couleur la plus foncée, le vert, et juste à côté, le blanc et l' orange sont les couleurs les plus claires est le genre de différences qui font ressortir le tableau, et c'est ce que nous appelons le contraste. Nous voulons placer les éléments les plus sombres et les plus clairs les uns à côté autres, car cela attire l'attention du spectateur sur ce centre Et nous ne voulons pas attirer l'attention par le contraste avec les éléments de support, car cela égarerait le regard du spectateur et le laisserait perplexe quant à l'endroit où regarder le tableau En tant qu'artistes, nous devons toujours être responsables de l'orientation que nous donnons à la vision du spectateur, au lieu de laisser le spectateur se laisser distraire par des éléments qui ne se sont pas déroulés comme prévu Je place d'autres feuilles à d'autres endroits. Ce sont des feuilles plus petites et plus claires. La dernière partie de la composition consiste à ajouter des détails. Et l'idée des détails est que notre élément principal, qui est une fleur comme cette fleur orange que nous avons dessinée ici, est également entourée de feuilles qui contrastent avec la couleur et la valeur tonale de la fleur Donc, quelques feuilles et tiges supplémentaires, c'est ce que j'ajoute ici. Il suffit de créer une autre composition comme nous l'avons fait en utilisant les trois règles précédentes. Et une fois que j'ai cette ébauche, je veux voir où je dois ajouter des détails pour attirer l'attention du spectateur là-bas. De plus, en suivant le principe de la répétition, en ajoutant des cercles et en ajoutant la même forme de feuilles encore et encore. En utilisant la couleur. Il s'agit donc d'une répétition des couleurs. J'utilise à nouveau la même couleur que celle que j'ai utilisée la première fois. Cela permet de maintenir l'harmonie de la peinture. Pour le moment, ce n'est pas vraiment une peinture. Je suis juste en train de le démontrer avec mes marqueurs. Donc, une fois que nous en sommes arrivés au point où nous devons ajouter des détails, ce qui est la toute dernière étape de toute peinture, nous voulons ajouter le plus de détails sur emplacement de notre protagoniste . Par exemple, dans le cas de cette fleur, j'ajoute beaucoup de pollens au centre de la fleur parce que ce sont détails les plus fins. Une fois que nous avons attiré l'attention du spectateur sur le centre d'intérêt, nous voulons garder son attention là et vraiment, vous savez, apprécier les détails. Et c'est ce que nous visons avec ces détails centrés sur le protagoniste. Vous pouvez également ajouter plus de détails, tels que les ombres que j'ai ajoutées sur les pétales, ainsi que ces fines lignes sur le pétale qui indiquent les plis, et tous les détails ajoutent de l'intérêt à la peinture et contribuent à notre composition Notez que les lignes que j'ajoute sur la fleur pointent vers le centre de la fleur, ce qui permet d'attirer encore plus l'attention vers le centre. Ce qui est une bonne chose pour nous. C'est exactement ce que nous voulons dans un tableau. Couvrons donc les espaces blancs évidents en utilisant plus de fleurs et de feuilles. Encore une fois, pour en revenir au principe de répétition, j'ajoute de la couleur et du poids à certaines de ces lignes pour les faire ressortir. C'est un autre détail que vous pourriez créer de petites zones sombres ou petites zones claires pour attirer l'attention du spectateur. Et nous pouvons ajouter un peu de détail tout en faisant attention à ne pas en faire trop sur certains éléments environnants Et dans tous les cas, nous gardons les emblèmes environnants subtils par rapport au protagoniste C'est tout pour la composition, et je vous verrai dans le projet. Nous avons appris tout ce dont nous avons besoin : le centre d'intérêt, la répétition et la variation, le contraste et les détails. Ce sont tous les éléments de composition dont nous devons tenir compte lors de la création de ces peintures. Je vous verrai dans le projet où nous commencerons à utiliser des peintures et notre papier pour aquarelle 7. Démo de roses (partie 1): Donc, pour ma toute première démonstration de la façon dont nous pouvons appliquer le principe discuté jusqu'à présent, j'utiliserai un pinceau à eau, la palette de couleurs que j'aimerais choisir est le vert, jaune et le rose que nous avons inventés plus tôt. La forme de fleur que j' aimerais utiliser est la rose, et c'est approximativement là que j'aurai le centre d'intérêt. Je commence par une couleur rose foncé pour le centre de la rose. Je marque ce centre avec un petit C, juste comme ça. Ensuite, je prends un mélange dilué de ce rose et j'étale la farine autour de ce centre que je viens de marquer. J'ai donc ces pétales que je suis en train de noter, et chaque pétale suivant sera plus clair que celui à l'intérieur En fait, introduisons simplement du jaune pour lui donner un bon contraste. Je vais donc marquer ces pétales jaunes à l'extérieur et peut-être ajouter un peu de rose plus tard. J'aime bien voir comment ils se mélangent sur la feuille d'aquarelle. J'ai déjà une idée de ce à quoi cela ressemblerait grâce à mon exercice sur l'autre feuille où je fais exploser les palettes de couleurs, et cela donne une jolie couleur orange, ce que j' aimerais voir dans ma rose C'est donc un pétale jaune très dilué, et il y en a un autre C'est un processus très répétitif. Et une fois que j'aurai trouvé un nombre suffisant de ces pétales, j'aimerais y aller avec du rose. Juste pour donner un peu plus de couleur à ces fleurs. N'oubliez pas que si cette forme de rose est trop difficile à former directement sur votre feuille d'aquarelle, il est conseillé de vous entraîner sur une feuille de papier de rechange, de manière à être plus confiante lorsque vous la ferez sur votre feuille d'aquarelle Mais le but ultime est de vous assurer que vous pouvez directement accéder à votre feuille d'aquarelle et marquer ces formes Plus précisément, dans le cas de cette forme de rangée, souvenez-vous que je vous ai conseillé que les espaces blancs entre les pétales soient très distincts et clairs. En fait, il est toujours préférable d' avoir plus d'espace blanc que nécessaire que d'en avoir moins. Si vous avez moins d'espace blanc que nécessaire entre ces pétales, ils se fondront simplement les uns dans les autres et ne donneront pas la forme que nous recherchons. Maintenant, j'ai deux de ces roses. Lorsque nous créons ces compositions, il existe dans l'art ce que l' on appelle la règle des probabilités. L'idée de la règle des probabilités est qu'il est agréable à regarder lorsque nous avons un nombre impair d' éléments répétés sur notre papier. Ainsi, par exemple, l'élément répété ici est la forme de la rose. Je ne veux donc pas avoir quatre ou six roses sur mon drap. Cinq roses ou peut-être trois roses sont un bon chiffre à retenir. Je sais que cela peut sembler une règle très étrange. Cependant, vous pouvez essayer de voir à quoi une composition à quatre lignes ressemble une composition à quatre lignes par opposition à une composition à cinq lignes. Et vous préférerez certainement la composition à cinq rangées. Donc, pour ma composition spécifique, je vais utiliser cinq de ces formes. J'ai la quatrième rangée vers le bas, et voici la dernière, tracée au centre. Ensuite, avec une couleur rose diluée , tracez les pétales et retirez-les, étendez-les au centre, en ajoutant de la couleur là où j' aimerais créer du contraste. Et juste comme ça, j' ai cinq roses ici. Je vais intensifier les couleurs à certains endroits manière sélective et décider où exactement j'ai besoin de plus de ces couleurs. Je vais juste regarder mon tableau. J'ajoute ici et là ces petits boutons qui donnent l'impression de petites roses qui n'ont pas encore fleuri. Ou une autre interprétation de ces petites formes rondes pourrait être qu'il s'agit de baies qui décorent ma composition florale. J'aurai quelques grappes de ces baies sur ma page, et elles varieront en taille, tout comme je varierai l' intensité des couleurs. Certaines baies seront donc plus légères que les autres. Pour ces grappes de baies également, il est conseillé de suivre la règle des probabilités. Je vais donc avoir un nombre impair de clusters. Le premier groupe, qui se trouve au bas de mon élément principal ou de mon centre d'intérêt. Et au fait, remarquez que mon centre d'intérêt est la plus grosse rose de la page. Les autres roses qui soutiennent l' élément central sont toutes plus petites que la plus grande, elle-même soumise à la règle des tiers et située au tiers inférieur de la page C'est donc le quatrième cluster en haut, et c'est le cinquième cluster. Une fois que j'en aurai fini avec les baies, je mélangerai un peu de vert pour ajouter des feuilles à ma composition. Rendez-vous dans la prochaine partie. 8. Démo de roses (partie 2): Bon retour sur la composition des roses et ajoutons quelques feuilles ici. J'aime toujours commencer par le quartier qui entoure mon personnage principal. Et je travaille à partir de là pour les autres personnages. J'ai essayé d'imiter cette forme de feuilles de rose, mais il n'est pas nécessaire d'être trop précis. Après tout, nous n'utilisons pas croquis au crayon ou quoi que ce soit d'autre ici, nous travaillons simplement très instinctivement pour planifier notre peinture Aslas afin d' obtenir cette composition C'est à vous de décider quel est le bon nombre de feuilles à placer. Vous pourriez suivre la règle des hordes. Vous pouvez introduire des feuilles plus foncées près votre centre d'intérêt afin d'y avoir plus de contraste et d' attirer l'attention là-bas. Vous pouvez également ajouter des branches. Tout dépend de toi. Il y a beaucoup de liberté dans ce genre de peinture, et c'est aussi assez répétitif, c'est pourquoi je trouve que c'est une bonne forme de méditation. J'utilise un pinceau à eau pour cela simplement parce que c' est pratique à utiliser pour enregistrer ces vidéos, mais il n'est pas nécessaire d'utiliser un pinceau à eau. Même un pinceau ordinaire vous donnera de très bons résultats. Je continue à ajouter ces feuilles. En fait, j'aimerais avoir quelques-unes de ces feuilles loin de ma composition principale, juste pour que ma page soit plus pleine et que ma composition soit complète. Remarquez une fois de plus que je fais varier les formes, les tailles ainsi que l'intensité des couleurs sur ces feuilles. Cela contribue à ajouter de l'intérêt à la peinture. J'ai donc décidé d'innover et d' ajouter simplement un troisième type de feuille là-bas. Et ce ne sont que des feuilles droites que vous pouvez me voir dessiner ici. Une fois que vous avez acquis de la réputation dans votre peinture, il est temps de varier et d' ajouter quelque chose de nouveau. Pas trop, mais juste un peu et juste assez pour que votre composition soit belle. Il n'existe aucune règle spécifique sur la façon de décider où placer ces éléments répétitifs ou où placer les variations. Tout dépend de l'artiste. Il existe quelques règles de nature générale qui vous donnent de bons résultats la plupart du temps, mais bien sûr, vous n'êtes pas obligé de tout suivre comme indiqué. Vous pouvez toujours expérimenter et voir à quoi ressemblent les choses si vous les faites différemment. Comme je l'ai dit, il y a beaucoup de liberté dans ce tableau. Une fois que vos feuilles sont un peu sèches, vous pouvez également appliquer une deuxième couche. En fait, vous pouvez le faire aussi bien pour les fleurs que pour les feuilles. heure actuelle, j'applique un peu plus de rose pour rendre les centres plus intenses et plus dramatiques Juste comme ça. Oui Vous pouvez voir que c'est devenu un peu brun, et c'est parce que mon pinceau contenait un peu de vert. J'ai choisi le rouge, le rouge et le vert pour donner du brun. Mais je ne m'inquiète pas trop à ce sujet car c'est une bonne variante à avoir. Il est toujours bon d'avoir un peu de mélange de couleurs sur votre papier. J'intensifie certains de ces légumes verts maintenant, comme je l'ai mentionné. Pas tous, pas partout, mais juste de manière sélective à certains endroits de manière stratégique. Et avec cela, ce tableau est presque terminé. Il est également important de ne pas en faire trop et de prendre du recul de temps pour essayer de décider si votre peinture semble terminée et si vous souhaitez vous arrêter là Je vous verrai donc dans le prochain projet où nous choisirons une palette de couleurs différente, ainsi qu'une forme de fleur différente. Pour terminer cette composition de roses, je fais juste flotter un peu de vert, ce qui est totalement facultatif Vous pourriez voir si c'est quelque chose qui vous intéresse et décider vous-même. Et je vous verrai pour la prochaine partie. 9. Démo de tournesols (partie 1): Bienvenue sur la deuxième démo de ce cours, et pour celle-ci, je choisirai la palette jaune, vert et marron. Je n'ai donc remplacé que le rose de tout à l'heure par une couleur brune. Je commence par mélanger un peu de jaune, et je pense que pour cette partie de cette démo spécifique, j'aimerais opter pour le tournesol. La palette que j'ai choisie convient parfaitement aux tournesols Je pense que c'est là que je vais placer mon centre d'intérêt. Et encore une fois, je commence par bloquer au centre. Pour ce qui est du tournesol, j'ai fait en sorte que le centre soit assez grand, comme vous pouvez le voir. Et j'intensifie les couleurs et je les remplis jusqu'au centre. Il est maintenant temps d'ajouter les pétales. Je retire donc le premier pétale. Notez que ces pétales sont fins et pointus à leur extrémité. Je fabrique beaucoup de ces pétales. Encore une fois, le fait de marquer les pétales diamétralement opposés me donne une bonne idée Je profite de la forme de mon pinceau pour obtenir ces pétales fins, longs et pointus. Lorsque j' approche de l'extrémité du pétale, je réduis légèrement la pression sur mon pinceau pour soulever et le laisser avec un bout pointu Bloquons donc le deuxième tournesol maintenant, et celui-ci sera plus petit que mon centre d' intérêt, car c'est le centre d'intérêt qui doit attirer le plus d'attention et qui est donc le plus grand. C'est une bonne idée de entraîner avec votre pinceau à créer ces pétales fins et longs aux pointes pointues. Si vous trouvez cela difficile ou si c'est la première fois que vous travaillez avec des aquarelles, cette pratique peut toujours vous aider Donc, après avoir bloqué grossièrement mon deuxième tournesol, je reviens au premier et j'en retire autres pétales qui seront plus longs que ceux de ma première paire de pétales. Comme vous pouvez le voir ici. La plupart des décisions que je prends pendant le processus de peinture sont impromptues Et c'est en quelque sorte l'objectif ici. Nous essayons d'être spontanés. Je pense donc que je vais avoir un total de trois tournesols dans cette composition car ces fleurs sont relativement grandes par rapport aux roses que j'avais dans la démo précédente Et enfin, passons au troisième et dernier tournesol. Et vous pouvez remarquer que le centre de ces fleurs ne s'aligne pas sur une ligne, mais qu'elles ont plutôt une courbe dans laquelle elles s'insèrent. Et cela ne fait que susciter l' intérêt de la composition. Mes formes ne sont pas parfaites, et ce n'est pas quelque chose qui me dérange trop car, comme j'aime à le dire, dans ce genre de peinture, il y a beaucoup de liberté, et c'est ce qu'il y a de mieux Nous n'essayons pas d'être trop précis. Je bloque à nouveau les ombres un côté du centre du tournesol, et je le fais pour chacune d'elles. Je retire également les pétales de manière sélective là où j'en vois le besoin ou j'assombrit certains des pétales que j'ai déjà sur ma page Une fois que j'ai trois de ces tournesols sur ma page, et comme il y en a trois, ils obéissent à la règle des tiers Désolé, c'est la règle des probabilités. Ce que j'aime faire, c'est ajouter un peu de ces petites fleurs qui ne sont que de petits points. Ces groupes de points respecteraient également la règle des probabilités dans ce cas. Je vais m'y prendre comme ça. Je vais avoir cinq de ces clusters, je crois. N'oubliez pas que la règle des probabilités s'applique au plus grand groupe et non à chacun des petits points qu'il contient. Vous ne voulez pas compter chacun de ces petits points. Ce n'est possible pour aucun d'entre nous. J'ai trois de ces groupes maintenant, et celui-ci est le quatrième. Vous devriez vraiment prendre du recul par rapport à votre peinture de temps en temps pour voir où la composition pourrait avoir besoin d'un peu de temps en temps pour voir où la composition pourrait avoir besoin d'un peu de poids et y ajouter votre grappe. Et une fois que j'aurai trouvé le cinquième groupe de points, je vous verrai à la partie suivante où nous commencerons à ajouter des feuilles. 10. Démo de tournesols (partie 2): Bienvenue dans la deuxième partie où nous allons commencer à ajouter quelques feuilles à notre composition. Comme j'avais déjà ces pointes pointues pour les pétales de mes tournesols, j'ai décidé d'opter pour une forme ronde pour les feuilles Je les ai à nouveau éparpillés en grappes tout autour de ma composition partout où j'ai l'impression que cela pourrait prendre du poids. Ce n'est probablement pas à cela que ressemblent les feuilles de tournesol dans la vraie vie, mais ce n'est pas grave. Je mélange un vert foncé pour mon premier ensemble de feuilles. Et il est important de faire attention à ne pas en faire trop et à s'en tenir au minimum nécessaire J'ajouterai également quelques feuilles plus claires. Je dilue donc mon vert, et encore une fois, je recommence à bloquer quelques feuilles. Et ces feuilles plus claires, je les agrandis parce qu'elles ne submergent pas facilement la composition Plus vos couleurs sont foncées, plus votre composition paraîtra accablante si vous en utilisez trop. Et quand ils sont plus légers, je peux opter pour des tailles plus grandes. Il suffit donc d'ajouter ces feuilles là où j'ai l'impression que l'espace blanc pourrait être recouvert et faire partie de la composition. Il est utile de prendre du recul de temps en temps pour décider si vous en avez assez dans votre composition et, si ce n'est pas le cas, vous pourriez en ajouter d'autres. Mais si vous le faites, cela ne sert à rien d'exagérer la composition. le moment, j' aimerais assombrir les centres car j'aimerais qu'ils captent le plus d' attention du spectateur C'est donc ce que je fais avec mon brun ici. J'ajoute ces points bruns au centre de mes tournesols J'ai décidé que certains de mes pétales pouvaient supporter un peu plus de poids, et j'ai décidé de les rendre plus foncés en conséquence. Mais plus tard, j'ai eu l'impression que c'était probablement trop sombre. Et si je pouvais y retourner, je les allégerais probablement. Mais je n'assombrit que l'un des côtés du tournesol parce que j' aimerais imaginer l'autre côté est éclairé et que les ombres sont projetées sur le côté où je l'assombrit. Maintenant, je fais des allers-retours entre les pétales, le centre de la fleur les feuilles pour voir où ma composition mériterait un peu plus d'intérêt. J'ajoute ces tiges qui semblent relier les feuilles. Je pense que ma composition est presque terminée maintenant. J'en ferais trop, vraiment trop. Mais peut-être qu'il pourrait encore utiliser un peu de ces feuilles sombres à certains endroits entre les pétales de tournesol. Je pense que cela les aide simplement à se démarquer en tant qu'unités individuelles plutôt que trois fleurs simplement regroupées par la peinture Ajouter des tons foncés aux espaces blancs entre votre composition est un bon moyen les remplir et de donner à la composition un aspect plus complet Et avec ça, cette composition florale est prête maintenant, je pense. Je vais donc arrêter de travailler dessus maintenant, et voici le look final de la pièce. J'espère que vous avez apprécié cette démo, et rejoignez-moi pour la prochaine où nous allons peindre des fleurs fantastiques. 11. Fleur fantaisiste (partie 1): Alors, bienvenue à la troisième démo. Et dans cette partie, j'utiliserai la palette de couleurs jaune, ocre, bleu et marron de notre discussion précédente sur les palettes de couleurs Donc, avec mon pinceau à eau, je mélange une partie de ce pigment bleu. Je crois que c'est un bleu céruléen, un bleu paon ou une Et comme vous l'avez peut-être remarqué, cette palette spécifique n'est pas très réaliste dans le sens où vous ne voyez pas beaucoup de fleurs bleues, je suppose. Il s'agit simplement d'une approche ludique que nous utilisons actuellement, pas pour être très précis, mais simplement pour nous amuser et explorer ce que nous pouvons créer avec ce type de techniques. Et vraiment, le ciel est la seule limite. Il y a tellement de choses que tu peux faire. Vos feuilles ne doivent pas nécessairement être de vraies couleurs, vos fleurs ne doivent pas nécessairement être de vraies couleurs. Tant qu'il y a un semblant la forme ou quelque chose qui reste préservé et qui donne l'idée que ce que nous peignons est une fleur ou une feuille C'est un processus très répétitif cette fois également, comme nous l'avons fait plus tôt. J'ajoute donc un pétale à la fois, et j'utilise ce type d'approche où j'ai d'abord écrit deux pétales sur mon blog . Ils ont une forme elliptique, comme vous pouvez le voir, puis je construis les pétales J'utilise une couleur plus foncée pour le centre de ces pétales lorsque je m'éloigne, je fais varier la forme et la taille des pétales, mais je fais également varier l'intensité. Certains de ces pétales seront plus clairs et d'autres plus foncés, ce sont donc les plus foncés. Maintenant, je vais essayer de diluer mon pigment. Et utilisez cette couleur diluée pour plus de pétales. Juste comme ça. C'est à vous de décider de la taille de la fleur, mais ce sera le centre d' intérêt de cette peinture, cette première fleur que je peins. J'ai choisi le coin supérieur droit cette fois. Mais en réalité, vous pouvez décider apparence que vous souhaitez donner à votre propre composition. Et je pense que lorsque je peins les feuilles de celui-ci, le jaune apparaît lorsqu'il contraste avec le bleu et donne l'impression d'être doré. Cela devrait donc paraître assez exotique, je crois. Mais nous verrons comment cela va se passer. Donc, en le rendant plus concentré au centre, le pigment est maintenant plus foncé. Et cela ajoute au contraste. Et en mélangeant le bord du pétale extérieur et en ajoutant plus de couleurs, même au pétale extérieur, pour lui donner une couleur plus vive, exactement comme R Lorsque vous créez vos propres projets, il n'est certainement pas nécessaire de faire exactement ce que j'ai fait dans mes démos, que vous n'avez pas besoin de peindre une rose, des tournesols ou cette fleur fantastique en particulier Vraiment, vous pouvez vous inspirer de toutes les formes de fleurs que nous avons inventées , des palettes de couleurs et de toutes ces bonnes choses pour créer quelque chose qui vous est propre. Je vous encourage vraiment à le faire, car il n'y a rien de plus merveilleux et de plus satisfaisant que de créer une œuvre d'art qui vous est vraiment propre. Et j'espère que ce cours vous apprendra vraiment à le faire , car il présente les concepts qu'il faut connaître pour pouvoir les peindre, puis c'est à votre imagination de décider où vous voulez aller à partir de là. Je suis donc passée à ma deuxième fleur, qui sera plus petite que la première, simplement parce que c'est ma première fleur qui est le centre d'intérêt. maintenant à la troisième fleur Ajoutons des pétales plus dilués et plus je m' éloigne du centre, Passons maintenant à la troisième fleur. Ajoutons des pétales plus dilués et plus je m' éloigne du centre, plus je la dilue. Juste comme ça. R Il y a, je pense, deux façons de procéder. Vous pouvez soit être très expérimental et simplement utiliser vos couleurs et voir ce que vous pouvez ajouter ou retirer de la composition au fur et à mesure. Mais il existe également une deuxième approche, plus planifiée. C'est à vous de décider ce qui vous apporte le plus de joie. Mais quand je les ai peintes, je n'étais pas très planifiée au départ. Mais pour cette fleur fantastique en particulier, j'ai dû planifier un peu. Ce n'est pas du premier coup que j'ai réussi à le faire enregistrer. C'est parce que mes premières tentatives ne semblaient franchement pas très bonnes. Mais vous y arrivez avec le temps et nous commettons tous des erreurs, nous progressons tous, nous apprenons tous, et c'est une bonne C'est pourquoi vous devriez toujours vous sentir libre de publier dans les discussions ci-dessous s'il y a quelque chose qui vous pose un défi ou si vous pensez que je peux vous aider. Je suis toujours là pour vous apporter ce soutien et vous devez également publier vos projets. Nous pouvons donc tous nous inspirer les uns des autres. Je pense que c'est à peu près le nombre de fleurs que j'aurais sur cette composition et maintenant j' ai commencé à ajouter des baies. Je vous retrouverai dans la prochaine partie où j'ajouterai plus de baies à cette composition en plus de bloquer les feuilles. On se voit là-bas. 12. Fleur fantaisiste (partie 2): Bienvenue dans la deuxième partie de notre composition de fleurs fantastiques. Je continue donc après avoir ajouté les fleurs à ajouter ces petites baies. Je fais donc ces petits cercles. Parfois, je laisse un peu de blanc au centre pour donner une idée de brillance, et je leur donne différentes tailles, formes, et je fais varier l'intensité de la couleur également. Cela lui donne un aspect plus naturel. Pour respecter la règle du hasard, je vais peut-être ajouter une troisième grappe de ces baies. Je pense que la troisième fleur serait un bon endroit pour l'ajouter car les deux autres fleurs ont déjà certaines de ces baies à proximité. C'est ainsi que vous pouvez varier votre composition. Passons maintenant à notre couleur suivante, qui est l'ocre jaune et créons des feuilles avec cette couleur seront donc très variés types de feuilles que j'ai ici seront donc très variés. J'aimerais ajouter de nombreuses variantes juste pour que celle-ci soit très dramatique. Pour commencer, prenons juste quelques longues feuilles pointues. Puis certaines de ces feuilles plus larges. Et encore une fois, vous pouvez les rendre plus intenses près du centre de la composition. Mais lorsque vous déménagez, il est généralement utile de réduire l'intensité de la couleur afin que votre centre d'intérêt ne perde pas votre attention. J'aime donc beaucoup la façon dont cette première série de feuilles s'est tournée vers la droite. Maintenant, je passe à celui-ci et j'essaie de faire exactement la même chose. Ajoutons maintenant quelques feuilles plus larges , plus circulaires, comme celle-ci ici. Elles ressemblent donc à une répétition de la forme des fleurs et sont en ce sens harmonieuses avec le reste de la composition. J'ajoute un peu de Sienne brûlée maintenant. C'est donc la couleur marron. Quelques feuilles plus larges qui sont très, très diluées. Encore un peu de répétition sur le côté. C'est donc un processus très intuitif, je crois. ajoutant un peu de brun, vous n' aurez qu' à regarder la peinture à ce stade pour voir quel ajout supplémentaire elle pourrait utiliser ou, si votre peinture est terminée, il est préférable de vous arrêter si vous pensez qu'elle est complète Mais il me semble que je peux faire plus. Si je vois un petit écart ici, alors décidez d'ajouter quelques branches et à celle-ci aussi. quelques branches abstraites Il y avait quelques branches abstraites juste pour donner un aspect plus plein là-bas car j'ai remarqué qu' il y avait un peu d' espace blanc après les baies. Ajouter les veines médianes en utilisant du Siena brûlé. Ajoutez également quelques baies à l'ocre jaune. Il s'agit donc d'un mélange très concentré d'ocre jaune. Et j'essaie de donner plus de poids à la composition lorsque j'ai l' impression qu'elle accorde trop d'attention à une direction ou à une partie du tableau. J'aimerais donc aussi attirer un peu le spectateur de l' autre côté, alors j'ai ajouté un peu de baies et d'ocre jaune Donc encore des feuilles. Et voilà, ma peinture est presque prête, mais pourquoi ne pas lui donner quelques ombres ? Ce sont donc les ombres, et voici à quoi ressemble la peinture une fois qu'elle est complètement sèche. J'espère que cela vous a plu, et je vous verrai au prochain endroit. Prends soin de toi. 13. Conclusion: Merci à tous d'être restés avec moi jusqu'à la fin de ce cours et j'espère que vous avez vraiment apprécié les concepts que j'ai eu l'occasion de vous enseigner pendant les leçons. J'espère également que les démonstrations qui ont suivi les leçons vous ont aidé à comprendre comment arranger vos fleurs d'une manière époustouflante et accrocheuse. Si vous avez créé quelque chose dont vous êtes vraiment fier grâce à ces leçons, ou même si ce n'est pas le cas, peut-être avez-vous créé quelque chose qui, selon vous, mériterait amélioré ou vous savez, être amélioré ou vous savez, quel que soit le cas, n'hésitez pas à le partager dans la galerie de projets ci-dessous, car nous sommes tous là pour apprendre, apprécier le processus et nous soutenir les uns les autres comme nous allez-y. N'hésitez donc pas à commenter et aimer les projets d'autres personnes. Et si vous avez apprécié ce cours, ou même si vous ne l'avez pas aimé, veuillez laisser un commentaire honnête car cela m' aide vraiment à améliorer mon contenu et à diffuser plus de choses qui pourraient être bénéfiques pour vous tous. Merci beaucoup et à bientôt dans le prochain.