Transcription
1. Introduction: Vous êtes cinéaste, vous avez déjà
votre prochaine grande idée de thème dans le script. Mais maintenant, comment réaliser ces merveilleuses compositions
symétriques pleines de narration visuelle comme celles que vous voyez sur grand écran ? Vous êtes au bon endroit. Bonjour, je suis Alex. Them, un cinéaste
avec plus de six ans d'expérience dans ce domaine. J'ai travaillé sur un tas de
terrains commerciaux. Et grâce à mon expérience, j'ai appris que la narration
vidéo sur le graphène à la tomate faire la différence
entre les débutants. Et j'ai appris ce cas en combinant
un tas de tutoriels et beaucoup de pratique. J'aimerais avoir ce vecteur de classe. Nous allons donc d'abord discuter de
ce qu'est la concurrence. Ensuite, je vais vous apprendre les règles fondamentales
de la composition, comme la règle des
tiers, le
ratio d'or des
lignes directrices et des minima. Nous allons examiner
les couleurs qui
créent des profondeurs et des
angles de caméra et les déplacer. À la fin, nous allons voir un tas d'exemples montrant comment
créer une
composition asymétrique et raconter une histoire à travers eux. Alors rejoignez-moi dans le cours de
cinématographie le
plus complet et le plus convivial pour les
débutants.
2. Que sont les compositions et les contes visuels ?: Avant de créer une
prise de vue asymétrique comme dans un film, il
faut comprendre en quoi consiste
la composition. Vous souhaitez capturer quelque chose, un sujet, un objet
ou un paysage. Il existe des centaines de
façons de le combler. La composition est la façon dont vous alignez les éléments à l'intérieur de vos
prises de vue selon différentes règles. La règle des tiers, le nombre
d'or, règles à
180 degrés, les lignes directrices et bien d'autres encore. Cela fait également référence à la manière dont la
prise de vue est prise, par exemple l'angle de la caméra, la distance focale et les autres
paramètres
de l'appareil photo. Nous allons tous en
parler dans la leçon suivante. La narration visuelle occupe également une place importante dans la cinématographie. Le film est l'
art visuel qui permet de raconter une histoire. L'histoire cinématographique n'est pas seulement racontée par
les acteurs du scénario, mais également par une narration
visuelle. La façon dont vous combinez la composition avec les
mouvements que l'histoire doit raconter.
3. Règle des tiers: Une règle fondamentale
du cinéma, que tout le monde
connaît probablement, est la règle des tiers. La règle des tiers
est une ligne de grille composée
de deux lignes horizontales
et de deux lignes verticales, qui vous permet d'aligner
les éléments des sujets de votre composition. Vous pouvez le superposer à la plupart des appareils photo et même
les smartphones peuvent le faire. Un exemple de son utilisation est l'horizon
dans un paysage. Si vous avez des
éléments plus importants dans Skype, placez l'horizon,
la ligne de fond. Par exemple, si vous avez
des nuages intéressants. Sinon, si l'action
se déroule au sol, l'horizon doit être
aligné sur la ligne supérieure. S'il y a un objet proéminent
comme un arbre ou une montagne, vous devez équilibrer
votre composition en l'alignant sur l'une
des lignes verticales. Un autre exemple d'utilisation
est l'alignement du sujet. C'est moi qui devrais être sur la ligne horizontale
supérieure. Cela permettra de créer une prise de vue
plus symétrique et
professionnelle, simplement parce que cela laisse l'espace
idéal pour la tête, appelé Headspace, mais
aussi pour le corps, et crée une prise de vue
globalement neutre. Si les sujets doivent se
trouver au milieu du cadre, vous devez le placer
entre les deux lignes. Mais lorsque vous regardez de côté, les sujets doivent
être placés sur l'une des lignes verticales opposées à la direction dans laquelle
ils regardent. Une autre façon d'utiliser cette règle est que lorsque
vous avez deux sujets, vous pouvez en placer un sur toutes les lignes verticales tandis que l'autre se trouve entre les lignes. Cela attirera toute l'
attention sur la première personne, tandis que l'autre
ne sera pas si importante. Si deux objets doivent être au centre de
l'attention, les deux peuvent être placés sur
les deux lignes verticales. Cela créera une composition
équilibrée. Et si les objets sont
similaires, voire identiques, ils créeront une composition
symétrique. Pour en revenir à la composition
centrale, vous pouvez constater que
toute l'attention
du spectateur est
dirigée vers le sujet, ne
laissant aucune place
à autre chose. C'est bon pour une
présentation comme celle-ci. Mais pour raconter une histoire, plusieurs éléments
doivent être impliqués. Mais pour que cela fonctionne, vous devez guider le spectateur à l'
aide du nombre d'or
ou des lignes directrices.
4. nombre d'or: Le nombre d'or est l'équation
mathématique qui
définit la
projection en deux parties 11,6 fois plus grandes que l' autre pour former à l'infini
un enfant inspiré 11,6 fois plus grandes que l'
autre pour former à l'infini
un enfant inspiré par les nombres de
Fibonacci. Vous vous demandez peut-être pourquoi nous avons besoin de rencontres. Même dans le cinéma, ce Dieu, le chiffre 1.618 apparaît
partout dans le monde. La partie inférieure de l'avant-bras, le
bras, est 1,6 fois plus grande que ce la main a besoin dans notre
ADN et bien plus encore. Le nombre d'or est
la façon naturelle dont nos yeux sont guidés tout
au long de la prise de vue. Vous devez ajouter
des objets de guidage dans le ratio pour avoir un
guide pour les yeux. Et à ses extrémités, il
devrait y avoir le sujet principal. Le nombre d'or peut se
trouver partout dans le cadre, contrairement à la règle des tiers, de
s'aligner sur la règle des tiers peut être facile de
s'aligner sur la règle des tiers et
après un peu d'entraînement, vous pourrez le mémoriser. Le nombre d'or,
en revanche, est une
méthode de composition plus symétrique. Dans cette prise de vue, le point
de départ du ratio est l'endroit où se trouve le sujet,
finalement sa destination.
5. Lignes directrices: Comme je l'ai dit dans la leçon
sur la règle des tiers, estimez que la composition doit guider le regard du spectateur tout
au long de la
prise de vue jusqu'au sujet. Nous pouvons utiliser le nombre d'
or pour cela, mais il y a encore une chose qui peut nous aider : les lignes directrices. Ces lignes sont
formées par des objets. Vous sentez, par exemple, une route, l'horizon, une clôture ou tout ce qui
forme notre sorte de ligne. Les lignes directrices
utilisent souvent de longs
plans d'établissement pour guider les yeux du
spectateur vers un certain point. J'ai filmé sa barbe. En combinant les règles
précédentes avec les
lignes directrices de cette photo, le sujet suit
la règle des tiers, mais certaines lignes
du mendiant, formées par les la forêt, guident
le regard vers le sujet. La même chose se produit sur cette photo. Les bords de la
route indiquent la trajectoire du sujet et
la fin de
la trajectoire se trouve également sur la
ligne verticale de la règle des tiers. Grâce à ces techniques,
vous avez rendu votre aperçu beaucoup plus intéressant et vous pouvez le voir plus
longtemps à l'écran
sans vous ennuyer.
6. Profondeur de champ: Un autre aspect important de la cinématographie est la
création de profondeur. Vous entendez ce mot profondeur dans tous les
didacticiels cinématographiques. Qu'est-ce que nous appelons
réellement la troisième dimension ? Non, nous ne
créons pas un film en 3D, mais maintenant, nous devons faire en sorte que le spectateur
voie l' environnement 3D
que nous avons filmé. Cela signifie que nous devons
créer trois couches, sujet
au premier plan et une couche plus grande. Le sujet est le point
focal principal, tandis que les deux autres couches
sont toutes deux mises au point automatique Elles séparent le sujet
des autres couches, ce qui lui permet d'interpréter tout d'abord, mais également de créer de
la profondeur, rendant la prise de
vue globale beaucoup plus symétrique afin de séparer complètement le sujet et les autres
listes les uns des autres. Vous pouvez également ajouter Camera
Move On à ce sujet. Nous parlerons
plus tard dans ce cours. Sur cette photo, nous pouvons clairement
voir les trois couches. Le sujet est net, ce qui lui apporte toute la tension, tandis que l'arrière-plan
et sont flous, la caméra se déplaçant latéralement. C'est Chris, l'effet de parallaxe. Lorsque les sujets sont plus savoureux, les autres couches bougent légèrement. Cette création de profondeur
m'a permis , lors du montage, de vivre
plus longtemps et plus mince.
7. Le couleurs: La cinématographie joue également
avec les couleurs. Un exemple que j'aime prendre est celui de notre bonne vieille
amie, la roue chromatique. Pour séparer le sujet
de l'arrière-plan, vous pouvez choisir différentes couleurs sur les côtés opposés
des calories. Par exemple, bleu avec jaune, vert avec un seul
sexe, etc. Sur cette photo, le sujet porte des vêtements foncés et la
lumière est légèrement teintée de bleu. En attendant, le
fond est orange. De plus, ces publicités créent un contraste
de couleurs. Le sujet est une robe bleue et la nature a une couleur
jaunâtre. La couleur peut également être utilisée pour attirer l'attention sur un
sujet ou un objet en particulier. Sur cette photo, le sujet contraste avec la scène
tandis que les autres habillés de couleurs sombres, dessinent tension différente
de celle de l'environnement. Le même médicament appelé attire à
nouveau
l'attention sur le sujet, sur cette photo. Les couleurs peuvent également raconter une histoire. Un exemple en
est la création d'un état pour les personnages du film
grâce à ce code vestimentaire. Dans cette scène, nous avons
un personnage vêtu couleurs
vives et le
second de couleurs sombres, sans même savoir de
quoi
parle le film ni qui sont les personnages. Comprenez immédiatement
que Dawn est un mauvais personnage et 18 un bon personnage. Autre exemple tiré de mon film, les deux phases de
Furman spoiler alert. Le personnage principal interagit
avec lui dans le passé. Il y a donc deux
personnages, la couleur, ils sont habillés et le fait Lytton montre comment
leur personnalité, un personnage, le pastel, est habillé, pourquoi
illuminé ? Cela montre une bonne personne,
un bon caractère. En attendant, le personnage
actuel est habillé de couleurs sombres,
d'élite ou moins, ce qui montre exactement
le contraire lorsqu'il
change de caractère.
8. Règle à 180º: Il existe une autre règle en matière de réalisation de films, la règle des 180 degrés. Cette règle est utilisée lorsque vous filmez avec deux sujets sous des angles
différents. Vous devez imaginer votre environnement
comme une vue à vol d'oiseau, lignes
indirectes ou imaginaires
à travers les deux sujets. Si vous avez un point entre
les deux sujets
à égale distance, il y a un angle de 180 degrés. Ensuite, vous tracez une autre ligne entre la caméra
et ce point. La caméra peut tourner, mais vous n'êtes jamais autorisé à
franchir cet angle de 180 degrés. Cette règle vous permet de ne pas
semer la confusion chez le spectateur. Un dialogue respectant la règle des 180
degrés
établit clairement la position
des deux sujets. Mais en franchissant cette ligne, vous ne comprendrez plus
où sont assis les sujets ?
9. Mouvement et angles de l'appareil photo: Vous pouvez obtenir un
alignement parfait des éléments de votre composition
sans avoir de prise de vue asymétrique. Si vous n'utilisez pas le bon angle de caméra,
déplacez la caméra vers la droite. Il existe quatre angles de
caméra importants. L'angle bas, le haut niveau, l'angle
élevé et la vue à vol d'oiseau. En plus de cela, il y a aussi la
prise de vue en POV par-dessus l'épaule en angle néerlandais. L'angle sous lequel vous filmez doit être décidé
en fonction de l'histoire. Un angle bas nous donne confiance au
sujet, tandis qu' un angle élevé le rend
petit et moins puissant, ce qui montre que quelque chose ne
va pas bien
, tout comme la distance de
la caméra. Vous pouvez avoir un
plan très rapproché, un plan rapproché, plan
moyen, un plan large ou long, et aussi un temps extrêmement long. Ce ne sont là que quelques
rappels Parlons du
mouvement de la caméra. Tout d'abord, nous le divisons en mouvements
fluides et portatifs. racontent tous deux
des histoires différentes. Des mouvements fluides montrent que
tout va bien et donnent au spectateur l'impression que l'
appareil portable montre le contraire. Mais l'histoire du bus,
nous aborderons plus en
profondeur plus tard dans ce cours.
10. Types de composition: Avant de nous lancer dans la narration
visuelle, parlons de
différentes compositions appliquant les règles que
nous venons d'apprendre. Jetons d'abord un coup d'
œil à la composition centrale. Ce type de composition utilise la règle des
tiers en plaçant le sujet au
milieu de la ligne
horizontale. Ce faisant,
toute l'attention est dirigée vers le sujet. Un autre type de composition est
une composition symétrique. Ceci est souvent utilisé pour
montrer quelque chose de parfait. Cette photo commence avec un
sujet et une composition normale, mais après la peinture,
le second sujet n'est pas une composition centrée et
symétrique. Cela montre que la deuxième
personne en vaut
la peine Les
compositions médiocres sont probablement également formées par les angles des types
de prises de vue que vous utilisez.
11. Point de regard du spectateur: Il est maintenant temps de plonger dans le monde de la
narration visuelle. Nous avons parlé un peu des différents scénarios
de narration visuelle. Mais en plus de montrer les
mouvements du personnage, nous pouvons contrôler l'impact qu'ils ont sur le
spectateur. Cela se fait en plaçant
le spectateur plus
loin ou plus près de l'action que vous filmez sur un objectif large et l'objet le
plus proche rencontre le
spectateur ressent de l'émotion. Un léger mouvement peut également être ajouté si le traiteur a des difficultés avec
quelque chose. fait le contraire en filmant au téléobjectif dans le cadre d'un prêt ou filmant
des endroits
extrêmement éloignés où l'on est loin de l'excellence
en laissant le personnage seul. Cela peut également être fait
en utilisant le premier plan. L'astuce pour retenir le plus d'attention du spectateur
est de le
rapprocher du sujet au moment où le
personnage se débat. Mais avant que je ne passe un
moment vraiment important , nous devrions le
libérer en éloignant la caméra. Si vous maintenez le
spectateur toujours attaché au personnage, sinon la
figure deviendra ennuyeuse. Mais en le libérant
de temps en temps, vous augmentez l'engagement.
12. Narration visuelle: Dans la dernière leçon, passons en revue quelques exemples
de narration visuelle. Dans cette scène. Au début,
nous ne sommes pas si proches du sujet car
nous venons de le rencontrer. Mais à la fin, le spectateur se rapproche lui juste avant
la mort du personnage, ce qui donne à son père beaucoup
plus d'impact. Sur cette photo, l'appareil photo
pousse pour ignorer le sujet,
attirant ainsi davantage
l'attention du spectateur sur l'étui. De plus, c'est un
effet courant d'infamie, j'aimerais appeler
la barre de progression. Cette partie est
comme une barre de progression avant que le
personnage ne prenne une décision. Voici pour faire quelque chose
dans la même scène. Le spectateur reste immobile
et proche du personnage. À la fin, il a du mal et, pour faire
ressentir ses émotions au spectateur, nous déplaçons la caméra en même
temps que le sujet, en ajoutant
même un peu de mouvement
Hinton. Cette scène de dialogue contient également une narration
visuelle approfondie et approfondie. L'état du
personnage peut être facilement indiqué par des
angles et des mouvements. Le premier personnage se
sent menotté et vu
d'un angle élevé, le second personnage se sent stable et légèrement bas,
faisant preuve de confiance et de
puissance par rapport à l'autre. Il en va de même pour la façon dont leur histoire
est placée. L'un tache sur un siège, jette, l'un étant plus
confortable sur l'autre. Maintenant, la même chose se produit
dans ces dialogues , le personnage le plus
confiant se débrouille à nouveau avec un trépied, tandis que l'autre main ici, les éléments placés dans
le
plan peuvent
également raconter une histoire. Nous avons ici une
chance déséquilibrée entre trois, représentent les principales
difficultés et l' arbre est
un symbole de protection, quelque chose dont le domaine a besoin. De plus, comme le
tournage commence, il s'agit d'une sortie importante. Il existe également la voie de
composition, le nombre d'or
qui va du principal à l'arbre et des
lignes directrices à trois. Dans cette photo, un personnage
a un discours émouvant. Ceci est renforcé par les angles faibles que l'on pense à
FIN de The Movement. Pour cet exemple, j'ai de
nouveau choisi une barre de progression. Cette barre de progression
les rapproche du sujet. Cette fois, non pas à cause
des difficultés, mais à cause du traitement
, en le
considérant comme un bon personnage et en anticipant la
fin du film. Ce ne sont là que quelques exemples, mais la manière dont vous
allez implémenter narration
visuelle
dans votre film la narration
visuelle
dans votre film dépend du style unique
que vous allez
développer avec beaucoup de pratique.
13. Conclusion et projet de cours: Félicitations pour
avoir terminé ce cours. Vous avez maintenant tout ce dont vous avez besoin pour commencer à créer votre propre peur. Il est temps
pour vous de sortir et de photographier votre propre terrain, mais soyez patient. Avant de maîtriser
ces techniques, vous aurez besoin de beaucoup de
pratique au début, prenez vos notes
et travaillez avec elles. Mais avec le temps, vous n'en
aurez
plus autant besoin plus autant possible pour le projet de classe :
envoyer un court métrage Je serais heureuse de
vous faire part de vos commentaires à ce sujet. J'espère que vous apprendrez
quelque chose de nouveau et, comme toujours, n'hésitez pas à me
contacter pour toute autre question. Passe une bonne journée.
Alex Sofonea, Filmmaker & Full-Stack Developer
