Composition pour la peinture florale

1. Introduction: En tant qu'artiste, je sais à quel point il peut être difficile de créer une composition belle et équilibrée qui attire le regard et attire le spectateur. C'est pourquoi je suis ravie de donner ce cours sur la composition pour l'illustration florale, qui, je l'espère, vous aidera à faire votre appendice au niveau supérieur. Bonjour, je suis artiste et professeur en ligne et je suis basé à San ECC, en Italie. Dans ce cours, nous aborderons les règles fondamentales de la composition, en règles fondamentales de la composition, commençant par la règle des tiers et le nombre d'or Nous explorerons comment ces principes peuvent être utilisés pour créer une composition dynamique et visuellement agréable qui guide le regard du spectateur à travers la peinture. Et cela vous donnera également de nombreux exemples. Mais nous n'allons pas nous arrêter là. Nous aborderons également la règle des probabilités. Équilibre. Le contraste est un point central, comment les créer et aussi comment créer une harmonie. Ces techniques sont essentielles pour créer, créer une aquarelle cohérente et engageante. Et bien sûr, nous discuterons des erreurs à éviter en matière de composition et d' exploration. Le non-respect des règles peut parfois mener aux peintures les plus passionnantes et les plus uniques. Je vais également vous donner quelques exemples pratiques de la façon dont je crée mes compositions. Que vous soyez un artiste débutant ou plus avancé. Ce cours est conçu pour vous donner de nombreux conseils et techniques sur l'art de la composition pour l'illustration florale. À la fin de ce cours, vous aurez acquis des compétences et des techniques que vous pourrez appliquer non seulement à des compositions florales, mais également à vos futures peintures. Alors, si vous êtes prêt, allons-y. 2. Projet du cours: En tant que projet pour ce cours, j'ai pensé vous proposer un défi de composition. Vous créerez soit un dessin au trait soit une aquarelle finie, si vous le souhaitez, qui montre votre compréhension de toutes les règles nous avons parlé dans ce cours. Le défi consiste à créer une composition qui présente au moins trois des règles que nous avons abordées en classe , voire plus. Vous pouvez donc utiliser le nombre d'or, vous pouvez utiliser la règle des tiers et montrer votre compréhension de l'équilibre, contraste, de l'harmonie, etc. Alors, tout d'abord, choisissez votre sujet pour la composition. Il peut donc s'agir d'une fleur répétée à différentes reprises dans différentes vues, ou d'un mélange de fleurs, par exemple, faites quelques croquis miniatures et testez votre composition, comme je vous l'ai montré dans les leçons. Choisissez ensuite la composition qui vous plaît le plus. Et vous pouvez soit créer une esquisse plus grande et plus détaillée, puis une esquisse plus raffinée, soit simplement vous plonger dans une esquisse plus raffinée. C'est à vous de décider de la façon dont vous préférez travailler. Ensuite, vous pouvez soit continuer et peindre la composition, soit simplement la laisser au trait. Et puis bien sûr, n'oubliez pas de publier des photos de votre composition. Vous pouvez publier des photos de l'ensemble de votre processus. Donc, vos croquis miniatures, vos ébauches, puis le travail final, ou vous pouvez simplement publier l'une de ces photos. Donc, soit votre miniature, soit votre composition finale, soit même votre illustration finale. En publiant votre projet dans la section des projets, vous aurez également l'occasion pour moi de vous faire part de vos commentaires sur votre travail. Et vous pouvez ajouter les commentaires de vos pairs à ce que nous attendons. Mettons-nous au travail. 3. Principes de base de la composition: La composition consiste à agencer les éléments de votre œuvre d'une manière visuellement agréable. En ce qui concerne l'illustration en Floride, il y a quelques éléments clés à garder à l'esprit. Tout d'abord, l'équilibre. Comme dans toute œuvre d'art, l'équilibre est essentiel à l'illustration florale. Vous voulez vous assurer que vos fleurs et autres éléments sont disposés de manière harmonieuse et visuellement attrayante. Une façon d'atteindre l'équilibre consiste à utiliser la règle des tiers, que j'expliquerai dans une autre leçon. Ensuite, nous avons le contraste. Le contexte est un autre élément important de la composition. Vous souhaitez créer un contraste entre les différents éléments de votre œuvre d'art pour ajouter de l'intérêt. Et que cela peut être réalisé grâce à des couleurs, des textures, des formes et des tailles contrastées . Une façon de participer au concours est de prendre une photo de votre illustration et de la transformer en une image en noir et blanc. Et comme vous pouvez le voir ici à droite, vous pouvez voir que le champignon au milieu est beaucoup plus foncé. Les feuilles sont beaucoup plus foncées. Et même les champignons à l'arrière, de différentes nuances. Certains d'entre eux sont donc plus foncés, d' autres plus clairs. Et si vous regardez ces couleurs, alors lorsque vous ne regardez que les couleurs, vous pouvez voir qu'elles ont un aspect très différent. Vous pourriez donc penser que si vous utilisez ces couleurs dans votre illustration, le contraste sera suffisant. Mais si nous transformons ces couleurs en noir et blanc, vous verrez que cela ne crée pas beaucoup de contraste entre les quatre couleurs, sauf peut-être un peu celle-ci à la fin, mais ce n'est pas une énorme différence. Donc, si vous créez une illustration avec ces types de couleurs, l'illustration n'aura pas assez de contraste et ne sera pas très intéressante. C'est peut-être même un peu ennuyeux. Un autre facteur important est donc le point focal. Le point focal est essentiellement l'élément qui attire le regard du spectateur et ancre la composition. Il peut s'agir d'une fleur particulièrement frappante d'un papillon ou d' un autre élément. Dans cette illustration de gauche, le point focal est cette rose, car elle est plus grande et vous pouvez également en voir l'intérieur. Dans cette illustration de droite, le point focal est cet iris, car il est très différent des deux autres fleurs, sa forme et sa couleur sont différentes , et il est également plus grand. Ensuite, nous avons le flux. Dans une composition florale, vous souhaitez créer une sensation de mouvement et de fluidité. Et cela peut être réalisé grâce à la disposition des fleurs et d'autres éléments, ainsi qu'à l'utilisation de lignes et de courbes. Ensuite, nous avons des dettes. Ainsi, lorsque vous créez une composition, vous souhaitez donner une impression de profondeur à votre illustration. Cela peut donc être réalisé grâce à l'utilisation d'éléments qui se chevauchent. Par exemple, ici, le placement des fleurs au premier plan, arrière-plan et l'utilisation de l'ombrage et des ombres. Il s'agit d'une très courte introduction aux bases de la composition pour l'illustration florale. Dans cette leçon, nous avons abordé les principes de base. Contraste, flux de points focaux et profondeur donc équilibrés. Dans les prochaines leçons, nous allons examiner plus en profondeur tous ces éléments. Mais d'abord, nous allons voir ce que sont la règle des tiers et les ratios d'or. Je te vois dans la prochaine leçon. 4. La règle des tiers: L'un des concepts les plus importants de la composition est la règle des tiers. Il s'agit d'un guide pour composer des images visuellement intéressantes et équilibrées. Il est basé sur l' idée que si vous divisez vos images en tiers, à la fois horizontalement et verticalement, vous obtiendrez neuf rectangles de taille égale. L'idée est de positionner les éléments les plus importants de votre composition au niveau ou à proximité des points d'intersection des lignes. L'une des méthodes les plus courantes pour utiliser la règle des tiers consiste à positionner le sujet de votre image centrale. Par exemple, bonjour. Si vous prenez une photo d'une personne, vous pouvez la placer sur un côté du cadre plutôt que de la placer directement au centre. Cela peut créer une image plus dynamique et visuellement intéressante. Le Rotate peut également être utilisé, bien entendu, pour équilibrer les éléments de votre composition. Par exemple, lorsque vous peignez un arrangement en Floride, vous pouvez placer la fleur la plus accrocheuse à l' une ou à l'intersection de la grille, comme dans les exemples ci-dessous. Et cela pourrait être la fleur la plus grande et la plus brillante ou peut-être celle la forme ou la couleur la plus intéressante. Dans cet exemple, j'ai placé les lignes ici, les rôles les plus importants dans le coin supérieur gauche. Et ici, avec les papillons, je place cette grappe de fleurs avec un papillon, que vous pouvez voir directement ici, toujours dans le coin supérieur gauche. Dans cette illustration. Vous avez de nouveau ici, dans le coin supérieur gauche, que j'aime bien, ce coin, où se trouvent un papillon et une fleur. Mais dans le coin inférieur droit, nous avons aussi une fleur et celle aux ailes ouvertes que vous pouvez très bien voir. Cette composition, j' ai les deux lits. L'un se trouve donc dans le coin supérieur droit et l'autre dans le coin inférieur droit. Et ici, j'ai placé la plus grande rose dans le coin supérieur gauche. Et puis il y a une autre fleur dans le coin inférieur droit. Gardez à l'esprit que la règle des tiers n'est qu'une ligne directrice. Et vous constaterez peut-être que le non-respect de la règle des tiers peut mener à une composition plus intéressante et plus dynamique. Et je vous en dirai plus sur le non-respect des règles un peu plus tard. Cela dit, la règle des tiers est un bon point de départ pour développer vos compétences en matière de composition . En expérimentant différents emplacements de vos sujets et d'autres éléments dans la grille, vous pouvez commencer à développer votre propre style et votre propre voix en tant qu'artiste visuel. Ainsi, la prochaine fois que vous composerez une image, pensez par exemple à utiliser la règle des tiers comme point de départ. Vous serez peut-être surpris la composition intéressante et équilibrée que vous pouvez créer. Dans cette leçon, je vous ai expliqué ce qu'est la règle des tiers et je vous ai donné quelques exemples. Dans la leçon suivante, j'expliquerai un autre type de composition, qui est le nombre d'or. Je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Le nombre d'or: Outre la règle des tiers, une autre composition très souvent utilisée par les artistes est le nombre d'or. Et je suis sûr que vous en avez déjà entendu parler, surtout si vous lisez ou pire encore aujourd'hui, le Vinci Code. Ici, je vais vous expliquer comment l'utiliser. Le nombre d'or est un ratio mathématique de un pour 1,618 que l'on retrouve dans de nombreuses formes naturelles, y compris les fleurs On l'appelle parfois la proportion divine en raison de son attrait esthétique perçu. Il s'agit essentiellement d'une façon de diviser votre toile de manière ce que certains éléments soient proportionnels les uns aux autres. Pour utiliser le nombre d'or dans votre peinture florale, vous devez diviser votre toile en un rectangle dont rapport longueur/largeur est de un pour 1,618. Ensuite, vous pouvez positionner votre point focal, comme une fleur ou un bookmaker, euh, l' un des points d'intersection des lignes. Cela peut créer un sentiment d'harmonie et d'équilibre dans votre peinture. Et vous pouvez aider à attirer l'attention du spectateur sur la partie la plus importante de votre composition. Maintenant, ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas la largeur maximale, il existe de nombreux outils et guides qui peuvent vous aider à utiliser le nombre d'or. De nombreux logiciels de peinture, par exemple grades et des outils intégrés qui peuvent vous aider à appliquer ce principe de composition. Fais ton travail. Et j'ai ajouté un fichier jpeg du modèle Golden Ratio dans vos ressources. Dans cette leçon, je vous ai expliqué ce qu' est le nombre d'or. Et je vous ai donné quelques exemples. Bien entendu, il y a beaucoup plus d'informations en ligne. Je n'aurais qu'à suivre un seul cours avec le nombre d'or pour tout vous expliquer à ce sujet. Mais si cela vous intéresse, vous pouvez simplement rechercher le nombre d'or et vous verrez des tonnes d' informations sur ce que c'est comment l'appliquer et comment le créer, ce qui n'est pas quelque chose pour tout le monde, je suppose. Donc, dans la prochaine leçon, je vais expliquer la règle des probabilités. Je te verrai dans la prochaine leçon. 6. La Règle des cotes: Les robots sont une ligne directrice souvent utilisée dans la conception des sols pour créer des arrangements visuellement attrayants. Essentiellement, la règle des probabilités suggère que les nombres impairs de fleurs ou d'éléments d'une composition ont tendance à être plus intéressants visuellement et plus agréables à regarder que les nombres pairs. Ainsi, par exemple, dans une composition florale, vous pouvez utiliser 35 ou sept fleurs contre 246. En effet, les nombres impairs créent une impression d'asymétrie et de mouvement, ce qui peut rendre la composition plus dynamique. Par exemple, dans cette composition, j'ai utilisé cinq fleurs ici. Et puis la somme en arrière-plan, mais les fleurs principales, cinq. Et puis ici, j'ai 12345 fleurs et plus. On dirait qu'il y a six fleurs, mais en fait, comme elle est beaucoup plus petite que les autres, elle n'est pas vraiment en concurrence avec les autres fleurs. Si j'ajoute une autre grande fleur, la composition sera un peu équilibrée. Il existe des exceptions, bien sûr, et des moyens de créer une composition avec des éléments pairs qui fonctionnent. Donc, par exemple , voici l'une de mes illustrations. Je n'ai que deux éléments ici, mais la composition reste dynamique en raison de la façon dont ces deux lits sont disposés. Ils interagissent les uns avec les autres. Celui du haut regarde celui du bas et vice versa. La composition fonctionne donc toujours. Et cette composition de droite est d'ailleurs peintre botanique plus célèbre, à savoir la rigidité. Et ici, il n'a utilisé que deux éléments. Mais la façon dont ils sont disposés que l'un est plus haut que l' autre et aussi les côtés. Celui du haut est plus petit et celui du bas est plus grand. Et puis il y a les feuilles tout autour. Cela permet à cette composition de fonctionner de toute façon, même s'il s'agit d'un nombre pair. Alors, comme d'habitude, expérimentez vos compositions. Commencez par la règle des tiers, par la règle des probabilités. Mais si quelque chose, si vous pensez que quelque chose fonctionne, même si vous devez enfreindre ces règles, n'ayez pas peur de l'essayer. Dans cette leçon, je vous explique ce qu'est la règle des probabilités et je vous donne quelques exemples. Et dans la prochaine leçon, je parlerai d'un autre aspect de la composition qui est équilibré. Je vous verrai donc dans la prochaine leçon. 7. Équilibre: Lorsque nous parlons d'équilibre, faisons-nous référence à la façon dont les éléments de l'œuvre d'art sont disposés de manière agréable à regarder. Dans une illustration en rafale, atteindre l'équilibre signifie s'assurer que vos fleurs et autres éléments sont disposés de manière harmonieuse et visuellement attrayante. Une façon d'atteindre l'équilibre est de faire attention aux proportions. Vous devez vous assurer que vos fleurs et autres éléments sont proportionnés les uns aux autres et à la taille globale de votre composition. Si un élément est nettement plus grand ou plus petit que les autres, cela peut perturber l' équilibre de votre illustration. Par exemple, dans la composition ici à droite, elle est beaucoup, beaucoup plus grande que les autres fleurs, et la composition semble un peu étrange. Une autre façon d'atteindre l'équilibre est l'utilisation de la symétrie. Cela signifie disposer vos fleurs et autres éléments de manière à créer une image miroir chaque côté de la composition. Cela peut créer un sentiment de stabilité et d'ordre, mais vous devez faire attention à ne pas le rendre trop symétrique ou cela peut devenir un peu ennuyeux. Dans cette illustration , j'utilise la symétrie. Cette fleur est donc au centre, la violette. Et puis vous en avez un jaune à droite et un jaune à gauche. Et pareil pour le muscarinique ici, un à droite, un à gauche. Mais ils ne sont pas exactement symétriques. La fleur de droite est plus haute que celle de gauche. Et il en va de même ici. La muscarine est plus haute à droite qu'à gauche. Ensuite, parce qu'il y a ici cette grappe de deux fleurs. Pour équilibrer la composition, j'ai ajouté un petit papillon ici. Et les feuilles, encore une fois, sont un peu symétriques, mais elles sont différentes. Vous avez donc des feuilles plus longues ici et des feuilles plus longues mais avec une autre forme de ce côté. Et là, j'ai ajouté un bouton floral, donc ce n'est pas exactement le même que ce côté. Dans cette leçon, nous avons donc parlé de l'équilibre et de son importance dans la composition florale. Et je vous ai montré quelques exemples. Et dans la prochaine leçon, nous allons parler du contraste. Je te verrai dans la prochaine leçon. 8. Constraste: Lorsque nous parlons de contraste dans R2 faisons référence à la façon dont les différents éléments de l'œuvre d'art sont disposés de manière à créer un intérêt et une profondeur visuels. En Floride, le contraste des illustrations peut être obtenu de différentes manières. Par exemple, l'utilisation de la couleur est une façon de créer du contraste . Vous pouvez utiliser des couleurs vives et audacieuses pour créer une sensation d'énergie et de dynamisme. Vous pouvez également utiliser des couleurs subtiles et atténuées pour créer une sensation de calme et de tranquillité. Vous pouvez également expérimenter avec des couleurs contrastantes. Par exemple, vous pouvez peindre une fleur violet foncé avec une fleur jaune vif pour créer un effet visuel saisissant. Sur ces illustrations, vous pouvez voir que j'ai placé une fleur violette à côté des fleurs jaunes. Et même si elles ne sont pas trop audacieuses, ce sont des couleurs douces et sourdes. Ils créent toujours ce joli contraste. Dans cette illustration de gauche, l'utilisation des couleurs rouge et verte crée un contraste car ces couleurs sont complémentaires dans la roue chromatique, elles sont donc opposées sur la roue chromatique. Et le rouge ne contient pas de vert, et le vert ne contient pas de rouge. Il existe un contraste assez fort entre ces deux couleurs, ce qui peut créer des effets vraiment intéressants. Et si nous regardons les photos en noir et blanc comme je vous l'ai déjà montrées, vous pouvez voir que vous avez des zones plus sombres. La tige ici et les disciples sont donc plus foncés. Et les zones de l' ombre ici sont plus sombres. Et là aussi, vous avez des zones plus sombres dans les pétales. est la plus effrayante ici, et les feuilles sont également plus foncées. Ils créent donc un contraste. La texture est un autre moyen de créer du contraste. Votre illustration florale. Vous pouvez utiliser des pétales doux et délicats à côté de feuilles plus texturées pour créer une sensation de variété et d'intérêt. Vous pouvez également utiliser des textures contrastées pour créer une impression de profondeur. Dans ces illustrations, j' utilise différentes textures. Par exemple, dans l'illustration du cosmos, j'ai ce mouvement, des pétales du cosmos la texture rugueuse de la lavande. Par exemple , ici, avec un crocus, j'ai à nouveau des pétales lisses du crocus et cette sorte de texture semblable à du raisin muscarinique. Et dans cette illustration du caecum et des fleurs, nous avons à nouveau les pétales lisses du sacrement. Et puis nous avons une texture plus rugueuse sur les feuilles où les nervures ont tendance à ressortir un peu. Et puis une texture encore plus rugueuse dans le bulbe en dessous et dans les racines. La forme et la taille sont également facteurs importants pour créer un contraste. Vous pouvez expérimenter différentes formes de fleurs, par exemple des fleurs rondes, épineuses en forme d'étoile pour créer une impression de variété et d'intérêt. Vous pouvez également jouer avec les côtés en utilisant des fleurs plus grandes comme point focal et des fleurs plus petites pour créer une sensation de profondeur et de perspective. Dans ces illustrations, j'ai utilisé pour quelqu'un plus grandes fleurs du cosmos ici et les toutes petites fleurs de lavande ici. Et elles ont aussi des formes différentes, bien sûr, parce que la fleur de lavande est cette fleur haute et longue, tandis que le cosmos a une forme plus ronde. Et là encore, c'est la plus grande forme du champignon à crinière. Et les autres sont un peu plus ronds. Et puis, ici, les petits champignons, mais dans ceux qui ont également des formes différentes, il y en a un plus grand et autres de forme plus triangulaire, autres plus gros, d' autres plus petits. Et bien sûr, vous pouvez expérimenter différentes combinaisons de contraste pour trouver celle qui vous convient le mieux. Vous pouvez donc combiner des textures, des couleurs et des formes et voir ce qui en ressort. Dans cette leçon, nous avons donc parlé du contraste et de la manière de l'obtenir dans votre composition florale. Dans la leçon suivante, nous allons parler du point focal. 9. Point focal: Le point central est l'élément de votre illustration qui attire le regard du spectateur et ancre la composition. Dans notre cas, le point focal peut être une fleur particulièrement frappante, papillon perché sur un pétale ou une abeille bourdonnant autour des fleurs à prélever. Maintenant, il y a quelques points à garder à l'esprit lorsque vous créez un point focal dans votre illustration florale. Tout d'abord, vous devez vous assurer qu'il est visuellement intéressant et se démarque du reste des éléments de votre œuvre d'art. Et cela peut être réalisé en utilisant des couleurs vives, textures contrastées, des formes ou des sites inhabituels. Par exemple, dans cette illustration, le point focal est ce champignon rouge au milieu. Et cette machine a une couleur différente, donc c'est une couleur contrastante, une forme différente. Il manque une pièce ici et il y a de la texture sur le dessus. Et même s'il s' agit de champignons, les plus petits sont du même type. Ils sont plus petits, ils ne font donc pas concurrence au point focal. Ensuite, vous voulez placer votre point focal de manière à créer un équilibre et une harmonie au sein de votre composition. Une technique populaire consiste donc à utiliser la règle des tiers, que je vous ai déjà expliquée. Et dans cette composition, vous pouvez voir que j'ai placé les routes principales, le point central étant l'une des intersections en haut à gauche. Enfin, n'ayez pas peur faire preuve de créativité avec votre point focal. Vous voulez peut-être créer une sensation de mouvement en plaçant un oiseau en vol comme point focal. Ou peut-être voulez-vous ajouter une touche de fantaisie en vous cachant un peu dans les fleurs. Quel que soit votre choix, assurez-vous qu'il ajoute de l' intérêt et de la personnalité à votre illustration. N'oubliez pas que le point focal doit attirer l'attention du spectateur sur votre illustration ou votre peinture. Dans cette leçon, nous avons parlé point focal et de la façon de l' utiliser dans votre composition. Et dans la leçon suivante, nous allons parler de la manière de créer un flux. Je te verrai dans la prochaine leçon. 10. Flux: Lorsque nous parlons de mouvement dans l'art, nous faisons référence à la façon dont les éléments ou les œuvres d'art sont disposés de manière à créer une sensation de mouvement et d'énergie. En Floride, le mouvement d'illustration peut être réalisé de différentes manières. L'une des façons de créer du mouvement consiste à utiliser des lignes diagonales. En plaçant vos fleurs et autres éléments en diagonale, vous pouvez créer une sensation de mouvement et d'énergie. Et cela peut être particulièrement efficace si vous essayez de créer une impression de fluidité ou de direction dans votre composition, par exemple dans cette composition, les fleurs sont placées en diagonale. Si vous imaginez une ligne qui descend ici. Et puis de ce côté aussi, entre les fleurs, la fleur, la feuille et le, mais vous avez une autre diagonale de l'autre côté. Une autre façon de créer du mouvement consiste à utiliser des courbes. En utilisant des lignes courbes, vous pouvez créer une sensation de fluidité et de grâce. Et cela peut être particulièrement efficace si vous essayez de créer une sensation de mouvement d'une manière plus douce et plus organique. Dans cette illustration des donneurs, j'ai donc créé du mouvement en incurvant les tiges des fleurs. Vous pouvez donc voir ici que bon nombre de ces tiges sont incurvées et la courbure des fleurs est également continue que la courbure des fleurs est également continue. Vous pouvez également créer du mouvement en utilisant la répétition. En répétant certains éléments de votre composition, comme une forme particulière de fleur ou de feuille, vous pouvez créer une sensation de rythme et de mouvement. Et cela peut être particulièrement efficace si vous essayez de créer une sensation de mouvement plus subtile et plus discrète. Et bien sûr, vous pouvez toujours essayer différentes combinaisons de mouvements pour trouver celle qui vous convient le mieux. Essayez donc de combiner des lignes diagonales avec des courbes ou d'utiliser la répétition de différentes manières inattendues. Dans cette leçon, nous avons donc parlé du flux et de la manière de l'obtenir dans votre composition. Et dans la leçon suivante, nous allons parler de la façon de créer de la profondeur. 11. Profondeur: Left vise à créer une impression d' espace et de distance dans vos compositions. Et vous voulez donner à votre œuvre l'impression qu'elle est en trois dimensions plutôt que d'être une simple image plate. L'un des moyens de créer de la profondeur consiste à utiliser des éléments qui se chevauchent. En plaçant certaines fleurs, par exemple devant d'autres, vous pouvez créer un sentiment d' endettement et de distance au sein de votre composition. Cela peut également contribuer à créer une sensation de mouvement, car l'œil est naturellement attiré d'un élément à l'autre. Dans ce cas, vous pouvez voir que quelqu'un part et fleurit. Les graines ici sont placées à l'arrière. Dans cette composition, par exemple, il y a quelques éléments, comme les feuilles. Vous pouvez voir que le dos et celui-ci sont également un peu plus clairs. Et puis certains éléments sont différents à l'avant ici. C'est la même chose ici. Ce crocus est celui qui se trouve tout à l'avant, puis le crocus muscarinique, à l'arrière. Et quelqu'un quitte l'arrière. Et c'est pareil ici. Alors quelqu'un, des fleurs de lavande. Vous pouvez le voir à l'arrière. Ils jettent juste un coup d' œil par derrière. Une autre façon de créer de la profondeur consiste à placer des fleurs au premier plan, en arrière-plan En plaçant certaines fleurs plus près du spectateur et d'autres plus loin, vous pouvez créer une impression d'espace et de distance au sein de votre composition. Cela peut également aider à créer une impression de perspective, car le spectateur peut voir différentes parties de la composition, à différentes distances. Ici, j'ai obtenu ce genre de perspective en laissant les fleurs situées à l'arrière dans une couleur plus claire. Les fleurs et les branches aussi. C'est donc de la même couleur mais dans un délavage très léger. Et on a l'impression que ces fleurs sont un peu plus éloignées que les fleurs de couleur plus foncée. On a donc l'impression qu'il y a une profondeur de champ dans cette composition. Et ici, encore une fois, le jour des maîtres, il a fait la même chose. Nous ne sommes donc pas les mêmes que celui-ci, mais il y a quelques fleurs sur le dos. Et vous pouvez voir que ce bouquet semble tridimensionnel parce que certaines de ces fleurs, par exemple celle-ci, ne sont pas aussi blanches et celle-ci, je pense que c'est un papillon, mais elles ne sont pas aussi claires que les fleurs sur le devant. Et cela crée cette sensation de profondeur. Vous pouvez voir ici que c'est assez, c'est en fait plus sombre. Mais au contraire, au lieu de créer les fleurs à l'arrière plus tard, vous assombrirez ce qui se trouve à l'arrière. Cela vous donne un avantage, ce sentiment de profondeur et de profondeur. Il transmet une tridimension car la lumière atteint tout le fond. Et cette composition en particulier fonctionne vraiment à merveille. Une autre façon de créer de la profondeur consiste à utiliser l'ombrage. En ajoutant des ombres aux fleurs et à d'autres éléments, vous pouvez créer cette forme et ce volume en trois dimensions. Et cela peut également contribuer à créer un sentiment de contraste et d' intérêt au sein de votre composition. Voici donc une illustration de Coleus que j'ai faite. Vous pouvez voir les ombres ici entre la feuille qui se trouve en haut, celle-ci et celle-ci en bas, et celle-ci également. Il y a donc des chemins plus sombres, ce qui donne une impression de profondeur, car vous pouvez voir que la feuille supérieure crée cette ombre sur les feuilles inférieures. Et je l'ai fait dans ce domaine également. Et ici, il y a aussi des ombres autour des pétales de la fleur, qui se trouve au-dessus de cette anémone. Donc, ici, les différents pétales créent des ombres les uns sur les autres et sur les feuilles également. Comme toujours, expérimentez différentes combinaisons de techniques de profondeur et voyez comment vous pouvez créer cela dans votre illustration. Dans cette leçon, nous avons parlé de la création de profondeur dans votre composition. Et dans la prochaine leçon, nous allons parler de la façon de créer de l'harmonie. Je te verrai dans la prochaine leçon. 12. Harmonie: Lorsqu'il s'agit de peindre des fleurs, il est important non seulement de créer une composition agréable, mais également d'utiliser une palette de couleurs harmonieuse. Alors, comment créons-nous notre argent ? Dans notre composition florale ? Il existe deux méthodes principales pour utiliser des couleurs complémentaires et des couleurs analogues. Examinons donc chacune de ces techniques un peu plus en détail. Les couleurs complémentaires sont celles qui se font face sur la roue chromatique. Donc, par exemple, rouge et vert, bleu et orange, etc. Ainsi, lorsqu'elles sont utilisées ensemble, ces couleurs créent un niveau de contraste élevé, ce qui peut créer une composition dynamique et accrocheuse. est donc pas nécessaire que les couleurs soient vives pour que cela fonctionne pour certains. Mais ici, dans cette illustration de crocus, que je vous ai déjà montrée à de nombreuses reprises, vous pouvez constater que ces couleurs ne sont pas vraiment audacieuses. Elles sont calmes, sourdes, mais l'association des fleurs violettes et jaunes, qui se trouvent ici dans la roue chromatique, vous pouvez voir que le violet et le jaune sont opposés, crée cette composition harmonieuse. autre côté, cette composition, cette peinture, est assez forte et éclatante parce que nous avons lu et vert, mais elles sont un peu plus audacieuses que les couleurs présentes sur la composition en crocus. D'autre part, nous avons des couleurs analogues, qui sont celles qui sont côte à côte. Sur la roue chromatique. Nous avons du rouge, de l'orange, jaune, puis du jaune, vert et ainsi de suite. Il s'agit donc de deux illustrations. Ils vous montrent les couleurs analogues, par exemple dans l'illustration de gauche, nous avons l'orange, le jaune et le rouge, puis le vert. Et nous y voilà. Nous commençons par le rouge, puis à nouveau le jaune, l' orange et le vert. Ces compositions utilisent davantage le type de palette de couleurs analogue. L'utilisation de couleurs analogues crée un effet plus subtil et supplémentaire car ces couleurs se mélangent naturellement. Pour une composition plus paisible et apaisante, vous pouvez essayer de peindre un bouquet de fleurs dans différentes nuances de bleu et de vert. En fin de compte, la clé pour créer une composition harmonieuse est d' utiliser une palette de couleurs agréable à regarder. Vous voulez vous assurer que les couleurs que vous choisissez fonctionnent bien ensemble et se complètent. Il est également important de prendre en compte l'ambiance générale que vous essayez de transmettre avec votre peinture. Voulez-vous une composition audacieuse et dramatique ou une peinture paisible et apaisante Cela vous aidera à orienter vos choix de couleurs. Alors, la prochaine fois que vous créerez une peinture florale, réfléchissez à la façon dont vous pouvez utiliser couleurs complémentaires ou analogues pour créer une composition harmonieuse et visuellement agréable. Et n'oubliez pas de toujours expérimenter et vous amuser avec les choix de couleurs. Dans cette leçon, nous avons donc parlé de création d'une harmonie dans votre composition. Et dans la leçon suivante, nous allons parler des erreurs courantes, que vous devriez éviter et à bientôt dans la prochaine leçon. 13. Erreur à éviter: Comme nous l'avons vu, lorsqu'il s'agit de peindre des fleurs, est essentiel de bien composer pour créer une œuvre d'art réussie. Mais les artistes commettent souvent quelques erreurs courantes lors de la création d'une composition florale. Voyons donc ce que et comment les éviter. Erreur numéro un, ne pas avoir de point focal. Nous avons donc déjà parlé du point focal. Sans point focal, la peinture peut sembler sans but et manquer de direction lorsque vous créez votre composition florale. Réfléchissez à l'endroit où vous souhaitez attirer l'œil du spectateur et assurez-vous que la zone est mise en valeur d'une manière ou d'une autre, ce soit par la couleur, la texture ou le placement. Erreur numéro deux, surcharger la composition. Il peut donc être tentant d'essayer de placer autant de fleurs que possible dans votre peinture. Mais cela peut souvent entraîner une composition encombrée et confuse. Essayez plutôt de vous concentrer sur quelques farines ou éléments clés et donnez-leur de l'espace pour respirer. Cela créera un sentiment d' équilibre et d'harmonie dans la peinture. Erreur numéro trois, ne pas prêter attention à la forme générale de la composition. Chaque peinture est une forme carrée, rectangulaire, circulaire ou tout autre chose. Ainsi, lorsque vous créez votre composition florale, réfléchissez à la façon dont les formes des fleurs et des autres éléments interagiront avec la forme générale du tableau. Cela créera un sentiment d'unité et de cohésion. L'erreur numéro quatre est d'utiliser trop de couleurs. Bien que les fleurs soient souvent associées à des couleurs vives et audacieuses, utiliser trop de couleurs dans une composition peut être accablant. Essayez plutôt de vous limiter à quelques couleurs clés et utilisez-les différentes manières tout au long de la peinture. Cela aidera à créer un sentiment d'harmonie et d'équilibre. J'ai d'autres cours sur le mélange des couleurs à partir d'un nombre limité de volets, ainsi que sur le choix de votre palette de couleurs préférée. Vous pouvez donc y jeter un œil. Si tu veux. Erreur numéro cinq, attention aux baisers lorsque vous créez une composition , assurez-vous de ne pas avoir d'éléments. Des baisers, ce qui signifie ce qui se passe ici. Donc, des éléments comme celui-ci ne devraient pas être simplement tactiles, comme dans ce cas, mais ils doivent être séparés. Il devrait y avoir un espace entre eux. Ou comme je l'ai fait, il devrait y avoir des chevauchements. Il s'agit donc soit d'un chevauchement soit d'un espace entre les éléments. Mais pas celui-ci, qui s' appelle Kissing, qui n'est pas très beau quand on a une composition. Dans cette leçon, nous avons donc parlé des erreurs courantes de composition. Et jusqu'à présent, nous avons parlé de toutes les règles à suivre. Dans la leçon suivante, nous allons voir comment enfreindre ces règles. Nous vous verrons donc dans la prochaine leçon. 14. Briser les règles: Maintenant que vous avez appris les règles de composition, parlons de la façon de les enfreindre. Après tout, les règles sont faites pour être enfreintes, n'est-ce pas ? Bien que les principes de composition soient essentiels pour créer une peinture visuellement agréable, il est parfois nécessaire d'enfreindre les règles. Et enfreindre les règles de composition peut créer une composition plus dynamique et unique. Maintenant, vous vous dites peut-être : « Attends, quoi ? Mais je pensais que nous devions suivre ces règles. Oui, il est vrai que suivre les principes de composition peut aider à créer une peinture équilibrée et visuellement agréable. Cependant, nous devons parfois enfreindre les règles pour que notre peinture se démarque et soit plus intéressante. Par exemple, parlons de la règle des tiers. Nous avons appris plus tôt que la règle des tiers consiste à diviser le tableau en une grille de trois par trois et à placer le point central du tableau à un jour, points d'intersection. Mais que se passerait-il si nous placions intentionnellement le point central, par exemple dans le coin supérieur gauche du tableau ? Cela créera une composition plus unique et dynamique, rompant avec le placement traditionnel du point focal. Dans ce tableau, La Cène, d'un apprenant de Vinci. Il enfreint les règles de composition traditionnelles en plaçant les figures centrales de Jésus de manière décentrée et dans une position asymétrique. Et il utilise également la forme de la table dans le placement des personnages pour créer une sensation de mouvement, d'intention. Dans ce tableau intitulé Nuit étoilée de Van Gogh. Il enfreint les règles de perspective et de proportion en déformant la taille et la forme des étoiles, créant ainsi un motif de gonflement inhabituel dans le ciel. Il utilise également des combinaisons de couleurs vives et inattendues pour créer une impression de profondeur et de mouvement dans la peinture. Ce tableau de Picasso, peint à froid, pourrait vendre la domination. Excusez mon accent. Dans ce tableau, Picasso enfreint les règles de la composition traditionnelle en utilisant une composition diagonale pour placer les personnages dans des positions conventionnelles. Il utilise également une gamme de couleurs et de motifs pour créer une impression de profondeur et de complexité dans la peinture. Ce tableau s'appelle composition huit de Kandinsky, et c'est une peinture abstraite. Ici. Cette touche peut-elle enfreindre la composition traditionnelle complètement les règles de la composition traditionnelle en utilisant un style non représentatif et non figuratif et créer un arrangement complexe et dynamique de formes et de couleurs. Ces peintures ne sont que quelques exemples de la façon dont le non-respect des règles de composition peut mener à d' œuvres d'art remarquables et innovantes. Maintenant, il est important de se rappeler que le non-respect des règles doit être intentionnel et réutilisé. Cela ne doit pas être le résultat d'un manque de compréhension ou d'un mépris pour le principe de composition. Enfreindre les règles doit être une décision consciente qui contribue à élever la peinture et à la faire ressortir. Alors allez-y et expérimentez en enfreignant les règles de composition. N'oubliez pas de le faire intentionnellement et de le réutiliser. Et vous serez peut-être surpris par les compositions uniques et dynamiques que vous pouvez créer. J'espère que cet aperçu de la composition vous aidera dans vos futurs travaux. Et dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment je m'y prends créer mes compositions pour mes illustrations. Je te vois dans la prochaine leçon. 15. Exemple Thumbnail Sketch: Dans cette leçon, je voulais juste vous montrer comment j' aborde le démarrage d'une composition. Chaque fois que c'est un nouveau projet de peinture botanique et florale. Il y a une différence entre la peinture botanique florale. Mais cela vous expliquera cela dans une autre leçon, peut-être que vous feriez une leçon supplémentaire à ce sujet. Alors, quand je veux faire une nouvelle peinture ou une nouvelle illustration, je commence par des croquis miniatures et je prends mon carnet de croquis. Ceci est particulier pour mes peintures botaniques, mais vous pouvez utiliser n'importe quel papier. Vous n'avez pas besoin d'utiliser du papier spécial pour cela. Et fais des croquis comme celui-ci. Parfois, ils ne font que des rectangles grossiers. Parce que normalement, mes compositions sont représentées. Parfois, je fais plutôt quelque chose comme ça avec une règle. Ça a donc l'air un peu plus propre. Et quand ils le font, en gros, c'est moi qui choisis cet objet. Donc, dans ce cas, c'est l'une des principales, et je fais quelques croquis, mais ils sont assez approximatifs. Je ne veux pas y consacrer trop de temps. En fait, celles-ci sont un peu meilleures que les autres. Cela ressemble à. Juste quelques griffonnages. Rien, rien de spécial. Mais l'essentiel est que vous compreniez ce que vous voulez transmettre. Vous savez quels seront vos concurrents. Parce que personne ne va les voir. Ce n'est pas juste pour toi. Vous pouvez donc les faire aussi brutaux et sauvages que vous le souhaitez. Mais tant que tu sais ce que tu voulais dire quand tu les as fait, c'est bon. Ici. J'ai choisi le nom1 si je veux peindre parce que ce sera botanique. Je vais avoir des fleurs que vous pourrez voir de face, de côté, de dos sous forme de bouton. Et puis il y a aussi un petit mot sur la journée, et quelques feuilles, peut-être les feuilles. Donc, ce que j'ai fait ici, c'est essayer différentes combinaisons. Avec une fleur au milieu, la grande fleur sur le côté. Nous avons un bourgeon. Ici. Nous avons une fleur ouverte au lieu du bourgeon. Donc, comme vous pouvez le constater, essayez différentes méthodes. Ça pourrait être un peu plus près ? Essayez donc différentes méthodes. Ici, les fleurs sont ouvertes, la farine est au centre, mais un peu plus bas. Voici sur le côté. Et puis c'est la dernière. Je ne sais pas si vous pouvez le voir correctement, qui est encore plus rapide que les autres et c'est probablement celui que j'aime le plus. Donc, après cette étape je fais un croquis plus grand et plus défini. Ce sera toujours un sketch. Rien d'extraordinaire. Sûrement toujours sur le papier comme ça. Mais ce sera un peu plus raffiné. Et ce sera à partir de l'une, de la composition choisie. Ensuite, je continue et je fais un croquis plus grand. Mais je fais une esquisse de vœux. Sites de vie. Vous allez devoir suivre toutes les étapes que vous pouvez suivre tout suite, faire un croquis grandeur nature. Mais je pense que c'est mieux parce que vous pouvez continuer à affiner. Plus vous l'esquissez, plus vous pouvez affiner votre composition, plus vous pouvez voir s'il y a des choses qui fonctionnent. Parce que parfois j' aime cette composition ici, mais quand on essaie de la faire sur les côtés tardifs, on se rend compte qu' il y a des choses qui ne fonctionnent pas vraiment. C'est donc la première étape, puis je vous montrerai dans la prochaine leçon, l'étape suivante, d'accord ? Et nous verrons cela dans la prochaine leçon. 16. Exemple Étape 2: Donc, après les esquisses miniatures, je vais dessiner la composition un peu plus grande, puis des faces réalistes. Ensuite, la prochaine étape consiste à tracer chaque élément sur du papier calque . Et j'écris ici, R est pour le côté droit, donc je ne les place pas accidentellement dans l'autre sens. Et ce que je fais, c'est leur faire confiance, puis j' utilise un stylo à encre pour le tracer plus foncé. Ensuite, je joue avec ceux-ci, avec ces éléments pour voir les compositions. Donc, par exemple, ici, nous avons vu qu'ils ajoutent des compositions différentes. Et même si j'en ai aimé une en particulier, cela ne veut pas dire que lorsqu'il s'agit de versions live, j'ai envie d'une autre composition également. Donc, ce que je fais, c'est utiliser ces esquisses miniatures, puis je fais correspondre les différents éléments qu'ils se trouvent dans différentes positions. Et si vous voulez bien comprendre, laissez-moi mettre de côté ce moment. J'ai recréé la grille de la règle des tiers. C'est très faible, mais tu devrais pouvoir le voir. Et en gros, vous pouvez l'utiliser. Vous pouvez faire un 4.3 comme celui-ci. Et vous pouvez utiliser les points ici, les points d'intersection pour placer votre échantillon, votre point focal. Vous pouvez le placer ici ou ici. Ensuite, vous pouvez utiliser l'autre intersection pour les autres éléments. Tu vas devoir t'en servir. Mais si cela peut vous aider, vous pouvez jouer un peu avec cela , puis jouer avec vous, Elements, pour voir quelle combinaison vous préférez. Et puis, avec cette méthode, vous pouvez faire de nombreuses combinaisons différentes sans avoir à tout effacer et à tout refaire à nouveau. Essayez donc cette méthode, voyez si vous l'aimez. Et puis, lorsque vous trouvez une composition qui vous plaît, vous pouvez simplement utiliser une feuille de papier blanc. Ou vous pouvez coller les gros morceaux ensemble sans papier en dessous. Ensuite, vous pouvez le transférer sur une boîte à lumière. Et tu mets ta feuille de papier dessus et tu peux la tracer. J'ai ici un exemple de mon processus de création d'une composition. Et je voudrais vous parler de ces différentes compositions et des raisons pour lesquelles j'en ai fait plusieurs. Mais c'est ce que je ferai dans la prochaine leçon. 17. Exemple Étape 3: Dans cette leçon, je vais vous montrer mon processus fondamental pour arriver à la composition finale. Voilà donc, j'avais réalisé cette composition. Et il y a certaines choses. Normalement, je dis : je fais la composition, puis je la laisse quelques jours, puis je reviens en arrière parce que parfois on ne voit pas les erreurs que l'on commet reviens en arrière parce que parfois on ne voit pas . Donc, pour que quelqu'un prenne des notes et que tout le monde sache que ces deux fleurs doivent être réarrangées parce qu'elles forment un V. Et ce n'est pas très agréable à regarder. J'ai donc dû modifier cette composition et cet arrangement. Et puis là, j'ai dû changer la hauteur parce que , en gros, elle est devenue la même hauteur que celle-ci. Et encore une fois, ça ne semble pas correct. Quand tu le regardes. Ça a l'air un peu bizarre. Donc, réorganisez-le, modifiez la hauteur ou supprimez-le complètement. Et encore une fois, celui-ci, il y avait un petit truc appelé baiser. Donc, même s' il est sur le devant, il fait presque la même largeur que l'autre magasin à l'arrière. C'est donc aussi quelque chose à éviter. Et puis dans cette zone, trop de tiges se croisent. Permettez-moi donc d'être un peu plus près. Comme vous pouvez le constater, trop de tiges se ferment, puis l'une d'elles en arrière et s'est retrouvée à l'avant. Cela devait donc également être ajusté. J'ai donc le numéro un ici. Le numéro deux, que j' aime un peu plus mais qui n'est pas non plus le dernier. Et encore une fois, il y a des choses qui devaient être changées. Donc, cette fleur, par exemple, cette équipe s'embrassait à nouveau avec ces feuilles. Je pense qu'on les appelle des dépliants, ceux-là. Encore une fois, j' ai fait trop de croisements avec leurs tiges, donc j'ai dû les réarranger et les déplacer à nouveau parce que , encore une fois, ce n'était pas vraiment un baiser, mais ça ne semblait pas bien dans cette zone. Et puis déplacer celui-ci signifiait déplacer celui-ci également. Je prends donc note des choses qu'ils veulent faire. Et puis c'est la dernière. J'ai donc ici celui sur papier calque. Et voici la composition finale. Laisse-moi peut-être prendre le premier. Placez-les l'un à côté de l'autre. J'espère que tu peux le voir. Donc cette fleur ici, je l'ai déplacée ici. Et cette fleur qui était en quelque sorte au centre, je l'ai déplacée, je l'ai agrandie et c'est le point central. Il est donc plus grand que les autres. Et cette fleur, qui montre le dos, je l'ai mise ici pour que vous puissiez la voir. Et il ne crée plus la forme en V qu'auparavant. Vous pouvez également voir les feuilles. Et puis les deux bourgeons, je les ai déplacés. Donc celui-ci est sur la droite maintenant, et celui-ci ne fait que remplir cet espace qui est ici. Et puis les deux seuls Stokes qui se croisent. Ce n'est donc plus confus. Et de toute façon, l'anémone a tendance à pousser assez droite. Je ne voulais donc pas faire trop de courbes parce qu'elles ne sont pas vraiment naturelles sinon. Ensuite, à l' étape suivante, ce que je fais normalement s'il s'agit d'une peinture botanique, je ferai une étude tonale. Je transfère le dessin sur du papier aquarelle. J'ai réalisé ce carnet de croquis avec du papier Arches parce que c'est celui que j'utilise habituellement. Et je veux voir l' effet de l'œuvre finale. Je fais donc tous mes croquis, ce qui signifie une tonne d'études et de pages d' étude ici. Et voici à quoi ressemblera la tonalité d'un dessin final. Ensuite, il faudrait que je le fasse à l'aquarelle. Il s'agit donc essentiellement l'ensemble du processus de création de la composition. J'espère donc que vous avez apprécié ce cours. Et si vous avez des questions, pas à me contacter et à me le faire savoir. 18. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé le cours. J'espère que vous l'avez apprécié et que vous l'avez trouvé utile. La prochaine étape, bien sûr, consiste à mettre en pratique ce que vous venez d'apprendre. Alors, prenez des crayons et du papier et commencez à esquisser des compositions en utilisant la grille et les modèles du nombre d'or que je vous ai donnés. Et dessinez simplement chaque fois que vous avez un peu de temps libre dans votre journée. N'oubliez pas de publier des photos de votre travail dans la section des projets afin que je puisse vous faire vos commentaires et voir où vous créez. Et n'oubliez pas de cliquer sur le bouton Suivre ici sur Skillshare afin d'être averti dès qu'un nouveau cours sort. Vous pouvez également consulter mon profil ici sur Skillshare. Et vous pouvez également y trouver d'autres cours de dessin et de peinture. Si vous souhaitez connecter mes liens vers les réseaux sociaux, cliquez ici. Si vous avez apprécié le cours, je vous serais très reconnaissante si vous appréciez cette bonne critique. Le cours sera donc plus facile à découvrir et plus de personnes pourront profiter de ce cours. Merci encore d' avoir suivi le cours, et je vous verrai au prochain cours. Au revoir.