Composition photographique de pointe

1. Introduction à la composition de bordure de coupe: bonjour là-bas. Je m'appelle David Miller. Je veux dire des tétées, artiste multimédia Arizona, photographe et éducateur. Je vous souhaite la bienvenue à ce cours sur la composition photographique de pointe. Maintenant, il y a beaucoup de cours vidéo sur la composition photographique, et je suppose que la majorité d'entre eux disent la même chose. Ils parlent de la règle des tiers. Ils parlent de placer votre ligne d'horizon dans le tiers supérieur ou le tiers inférieur. Ils parlent de sways pour raconter une histoire en plaçant des objets dans certaines positions tout au long votre cadre rectangulaire. Sur tout ce conseil est bon. C' est utile. Il y a plus dans la vie, cependant, que de composer une photo. , il y a des façons d'être créatives pour leurs compositions Cependant, il y a des façons d'être créatives pour leurs compositions, et il y a des façons d'être beaucoup plus audacieuses que de simplement utiliser ces mêmes techniques de composition éprouvées et vraies. On va être expérimental. Nous allons essayer des choses qui sont hors de la boîte, et je vais vous montrer beaucoup de photographes de classe mondiale qui sont expérimentaux avec leurs compositions, et l'une des choses que j'essaie vraiment de pousser dans toutes mes classes est le travail cela résiste à l' épreuve du temps, le travail que les gens célèbrent dans les musées et les galeries dans les livres d'histoire. C' est toujours le travail qui repousse les limites et crée quelque chose de nouveau. Donc, si vous avez l'impression de répéter les mêmes compositions dans vos plans encore et encore, cette classe est absolument pour vous. Si vous vous sentez prêt à relever un défi et que vous voulez être un artiste révolutionnaire, alors j'espère que vous vous sentirez comme ces cours pour vous. Je vais utiliser une variété de caméras pour ce cours. Tout ce qu'il vous faut, c'est un. Il pourrait être un simple ajouter votre appareil photo de téléphone ou aussi élaboré qu'un reflex numérique. Je vais aussi utiliser des caméras de film instantané parce que je fais beaucoup de mon travail avec ça. Et je pense qu'il y a une composition unique que vous pourriez faire avec le film instantané. Donc je vais vous montrer un peu de ce travail aussi. Je vais mettre en avant beaucoup de photographes bien connus. Je décompose ce qu'ils font dans leurs photos qui est la composition de pointe sage. Je vais utiliser Adobe Light Room Teoh faire une partie de ma post-production donc Si vous avez n'importe quel type d'appareil photo et que vous avez accès à Adobe Light Room, vous allez être en mesure de suivre la classe sans aucun problème. Commençons. 2. Fir dans le blanc: la plupart des compositions photographiques sont dans un format rectangulaire. Si vous utilisez un appareil photo moyen format ou quelque chose comme Instagram, c'est un format carré. Mais essentiellement, vous avez affaire à une boîte et à ce qui est dans la boîte et sans la boîte. Il est très important de comprendre la composition photographique. La composition traditionnelle peut signifier la règle des tiers, où vous divisez l'image en trois segments, verticalement et horizontalement. L' idée est que vous mettez des choses intéressantes dans ces intersections parce que de cette façon vous créez un mouvement pour l'œil du spectateur. La composition photographique est à la fois un moyen essentiel de raconter une histoire, et aussi de garder votre spectateur engagé en le faisant regarder autour de votre photo, ne pas regarder directement au centre et voir la seule chose importante qui est dans une photographie. Cette stratégie de composition particulière est quand j'appelle remplir les blancs, ce qui signifie que vous laissez intentionnellement des choses en dehors du cadre qui rendent le spectateur intéressé par ce qui se passe. Et en fait, vous engagez l'esprit du spectateur pour remplir ce qui ne se passe pas dans cette boîte rectangulaire . Une stratégie est d'avoir un spectateur gays hors du cadre, regarder de côté, réagir à quelque chose que nous ne voyons pas. C' est un truc que beaucoup de fois les gens font lors d'événements sportifs ou d'autres types de photographie d'événement , où ils se tournent et photographient le public plutôt que ce qui se trouve sur scène ou sur le terrain. Une autre façon que Teoh demande au spectateur de remplir les blancs est d'être très impitoyable avec l'endroit où nous coupons le cadre. Donc, nous avons coupé le cadre d'une partie d'une personne. Maintenant, si vous prenez un cours de composition traditionnelle, souvent vous avez été conseillé de ne pas couper les gens d'une articulation aux mains aux pieds aux genoux parce que cela semble un peu étrange. Et ça pose la question. Pourquoi ne pas déplacer la caméra dans un très petit quart de pouce pour incorporer des choses comme les mains et les pieds ? Et bien qu'en principe, je suis généralement d'accord avec cela, cela dépend vraiment du genre d'histoire ou d'essayer de raconter. Toutes les photos n'ont pas besoin de présenter le visage de quelqu'un et l'expression faciale de quelqu'un pour que je puisse capturer l'émotion. En fait, les choses qui sont coupées qui sont laissées un peu plus anonymes ou mystérieuses ont tendance à engager le grand public mawr, parce que non seulement nous remplissons les blancs avec notre propre esprit, mais nous sommes capables de mettre nous-mêmes dans la peau de ce qui se passe à l'écran sont dominicain est un photographe autoportrait, et il a fait toute une carrière de se photographier dans des circonstances mystérieuses parmi les caractéristiques du paysage. Tu verras des parties de ses bras, ses jambes. Beaucoup de lui sont coupés dans ces images, et hey se fond incroyablement bien avec n'importe quel environnement il se trouve là-dedans. Très mystérieux. Ils demandent non seulement où est le reste de ce gars, mais aussi comment l'a-t-il fait ? Beaucoup de ces circonstances semblent assez dangereuses, ou elles semblent impossibles. En demandant au spectateur de remplir les blancs. Arno engage son public et les garde à regarder ses photographies beaucoup plus longtemps que le genre d'images qui présentent tout au spectateur. Un autre de mes photographes préférés qui utilise beaucoup cette technique est Ren Hang et Wren était un photographe chinois qui a fait ces images en couleur très vives utilisé flash très fort qui a assommé la plupart des ombres, et dans un sens, n'y a pas de mystère, mais parce que les scénarios qu'il présente sont si étranges et où il place le cadre tend à être très étrange. C' est quelque chose qui a juste cette incroyable curiosité et cette artificialité. Pourtant, il se sent très organique en même temps, parce que la plupart du temps Ren présente des gens dans des circonstances simples. Il les présente nus. Parfois, il présente des plantes ou des animaux. Très rarement, il a quelque chose qui n'est pas sur des substances organiques devant son appareil photo. J' aime le quasi-aléatoire à son placement du cadre. Dans ces images, cependant, les choses ne sont pas coupées de façon maladroite, comme s'il y avait de l'action non seulement devant la caméra, mais de l'autre côté de la caméra. Et par action, je veux dire, le photographe lui-même tombe ou court et poursuit des choses, essayant de capturer des moments sans viser délibérément sa caméra. Et c'est une stratégie. J' en ai beaucoup utilisé moi-même. J' utilise beaucoup de caméras de film instantané où je ne peux pas nécessairement composer comme je pouvais avec un reflex numérique ou un appareil photo Marylise, où il pouvait réellement voir 100% ce que je vise, et je trouve que les images qui ont ce désordre inhabituel équilibre à eux qui ont le cadre couper certaines caractéristiques importantes. Ce sont les images qui gardent mon intérêt le plus. À mon avis, tout ce que vous pouvez faire pour activer l'esprit de n'importe qui dans votre public, n'importe quel spectateur les amener à essayer de résoudre le puzzle que vous présentez qui ne peut être qu'une bonne chose. 3. Scène des calques: dans cette section. Je veux parler de la scène en couches. Souvent, quand les gens abordent la composition, ils considèrent tout comme des éléments bidimensionnels. Et certainement si vous faites une sorte de séance de portrait dans un studio où vous avez votre sujet de portrait et vous avez un fond plat, il est difficile de vous éloigner de l'idée que ce n'est qu'une simple scène bidimensionnelle. Mais si nous pensons en trois dimensions et que nous sommes dans un environnement qui a de l'espace, vous avez des sujets qui sont proches. Vous avez des sujets qui sont loin, et vous avez des sujets qui sont très loin. Et puis vous avez contraste des éléments naturels comme les nuages, les étoiles, ciel, le soleil, arbres, les montagnes et ainsi de suite. Ansel Adams a fait des compositions très stratifiées dans ses œuvres, et ce sont des compositions très traditionnelles. Bien sûr, Ansel Adams a souligné un grand plongeon le champ dans ses compositions. Donc, tout est net lorsque vous avez une vue en couches, cependant, vous pouvez créer des compositions vraiment intéressantes en utilisant de petites profondeurs de champ, ce qui signifie que seul un petit pourcentage de votre photo est au point et vous pouvez vraiment accomplir cela si vous choisissez quelque chose qui est au milieu. Donc pas quelque chose qui est super proche de vous et pas les choses qui sont très loin, mais quelque chose au milieu. Donc, les objets qui sont proches sont hors de la mise au point, et les objets qui sont loin sont hors de la mise au point. célèbre photographe Anton Cor Bean est un maître de l'utilisation de cette technique, et bien que certaines des photographies que je vais montrer vous ont les objets au premier plan et au premier plan, l' une des techniques les plus courantes est de brouiller ces objets et ont cette relation entre près de loin, très loin. Il crée un environnement très riche et incroyable pour la photographie globale. L' un des avantages supplémentaires de l'approche photographique en couches est le sentiment que vous donnez à vos téléspectateurs d'être là. C' est une approche très cinématographique de la photographie. Si vous pensez à des films à chaque fois qu'ils changent d'un paramètre à un autre, ils doivent utiliser un plan d'établissement pour montrer où vous en êtes. Donc, vous, le spectateur, pouvez réajuster votre état d'esprit de ce qui se passe. Cela se fait généralement à travers un plan large, peut-être une grue Sean, quelque chose qui est au-dessus et qui vous donne le terrain. Il peut s'agir d'un tir de suivi ou d'un tir de poupée où la caméra se déplace à un angle particulier jusqu'à ce que nous arrivions à nos sujets. Mais quand quelqu'un comme Corbyn fait cette approche en couches, j'ai le sentiment que je pourrais déplacer une direction ou une autre sur la photo. Je pourrais interagir avec ce truc. D' une certaine façon, ces photos sont un peu plus difficiles à composer en personne parce que vous impliquez une partie mobile proche, une partie mobile éloignée et des éléments complètement hors de votre contrôle. Mais quand vous tirez ce type de tir avec beaucoup de couches à elle, c'est très gratifiant. 4. Séquences: L' une des grandes choses de la photographie en tant que support est qu'il est très rapide d'obtenir plusieurs images. Si quelqu'un se montre pour créer une séquence de peintures, cela va prendre beaucoup de temps. Et ça va être difficile pour le peintre Teoh. Obtenez les micro moments que l'on pourrait obtenir en photographie, où vous pouvez prendre une image et une seconde plus tard, prendre une autre image et deuxième plus tard, prendre une autre image et faire en sorte que ceux-ci soient quelque chose de plus grand que chaque individu en elle-même. Nous allons regarder quelques approches différentes pour créer des séquences d'images. L' un des classiques du monde de la photographie d'art est Twain Michaels, qui crée de petites histoires ou tableaus avec ses images. Celui-ci est tout simplement trois alambics d'Andy Warhol dans divers états de mouvement. D' autres images de Duane Michals intègrent l'écriture de la façon dont un livre de contes pour enfants ou un cuisinier commun pourrait incorporer l'écriture dans ses lambris. Cet ensemble d'images raconte l'histoire d'une vieille femme qui emmène un enfant dans un parc et disparaît par la suite par le cadre final. Cette séquence raconte l'histoire d'un esprit, laissant le corps d'un homme mourant. Créer des séquences n'est rien de nouveau dans l'art. Ah, beaucoup d'œuvres d'art religieuses sont représentées comme des tiques de voyage ou des ICS trempés. Individuellement Il pourrait être difficile de déterminer laquelle de ces trois images est la plus forte, et il y a certainement des photographes qui les présenteraient individuellement. Mais mon séquençage ensemble comme un voyage prend non seulement vous donne l'impression que c'est une unité familiale, mais il met également en évidence l'individualité de la pose de chaque fille. Les images sont des ICS trempés involontairement. Ils ont été enlevés de criminels australiens pendant leur processus de boue. Et comme je l'ai mentionné dans une leçon précédente, l'histoire peut transformer n'importe quoi art des orteils. Si assez de temps s'est écoulé, les sont définitivement devenus des arts. Non seulement ils mettent en valeur la personnalité de leurs sujets, mais ils le font dans un environnement vraiment grossier. Chacun a un gros plan et un coup de corps complet et a un petit élément graphique d'écriture pour lier le tout ensemble individuellement. Ces images sont géniales ensemble. Ils sont extraordinairement puissants. Les séquences de la série présentaient la photographie de paysage d'une toute nouvelle manière. Les éléments qui sont proches du bas du cadre sont beaucoup plus proches. Le photographe a choisi d'utiliser des photos en gros plan au bas du cadre, et en arrivant au sommet de son cadre collé, il a utilisé des éléments qui sont plus loin en arrière-plan. Ça crée ce sentiment d'être là. C' est une façon de mettre en évidence des détails particuliers, comme pour dire, Faites attention à cette fleur. Faites attention à ce rocher. Et c'est aussi une façon de présenter un paysage dans une nouvelle mode du 21ème siècle vraiment unique qui se sent plus excitante, vibrante et fraîche que s'il s'agissait d'une seule image de la scène entière. Chaque fois que je passe d'une image à l'autre, mon esprit doit relier les deux. Et comme je l'ai dit dans l'une des autres leçons, tout ce que vous pouvez faire pour amener votre spectateur à interagir avec la photo à un niveau mental ne peut être qu'une bonne chose. 5. Échelle et d'espace: si vous avez déjà suivi des cours d'art, vous avez entendu parler des éléments de l'art, et vous avez probablement entendu parler de l'échelle et de l'utilisation d'espace négatif positif dans vos compositions de dessin ou de peinture. La même chose s'applique et la photographie. Et souvent, quand les gens parlent de composition photographique, ils parlent spécifiquement de la façon de remplir le cadre entier avec des choses, comment raconter une histoire en ayant des choses. Et toutes ces jonctions critiques impliquant la règle des tiers. Avoir des lignes de début pointent de cette façon et de cette façon. Et une chose qui est en quelque sorte oubliée dans cette conversation est le fait que vous n'avez rien à avoir dans ces espaces. En fait, vous pouvez exprimer l'émotion en vertu d'avoir anti nous autour de vos sujets. Ainsi, la photographie à l'échelle ne signifie pas nécessairement que vos sujets sont petits par rapport à ce vaste vide qui les entoure. Certes, vous pourriez utiliser l'échelle en ayant quelque chose de très grand, très proche de vous. Tu peux tirer une macro. Vous pouvez avoir un sujet qui est grand à côté d'un sujet qu'il est petit et utiliser l'échelle de cette façon. Mais pour les besoins de nos compositions de pointe, nous allons regarder des images qui ont une très petite silhouette et beaucoup d'espace négatif autour d'elles. Ces figures n'ont pas nécessairement besoin d'être placées le long de l'une des intersections à la règle des tiers impliquerait que vous deviez placer des objets à. C' est juste une question d'équilibre entre une petite figure et une vaste mer de couleur blanche de rien. Peu importe où se trouve votre silhouette dans cet espace négatif, vous dépeignez la relation entre une chose et une autre, et cela est toujours valable. Compositionnellement. Un de mes photographes préférés de tous les temps gars Bardeen, utilise cela beaucoup dans ses compositions liées à la mode et à la beauté. Dans le cas de cette image sont avoir un grand mur avec un petit trou dans son modèle est essentiellement réduit à la taille de la souris, même s'il n'y a rien d'autre qui est particulièrement grande et à l'échelle. C' est juste l'idée d'une personne tirée de loin disparaissant dans un tout, ce tout correspondant à un grand champ qui ressemble à un mur que vous avez à des modèles interagissant l' autre côté de la rue. Je ne sais pas si c'est une danse ou si c'est un combat, mais ils sont très petits par rapport au grand bâtiment industriel qui les entoure , et ce bâtiment industriel n'est en aucun cas le sujet de cette scène. Mais cela évoque l'émotion que vous obtenez quand vous êtes témoin de quelque chose qui se passe de l'autre côté de la rue, et vous n'êtes pas tout à fait sûr de ce que c'est si les gens font la fête, s'ils se plaisent. C' est quelque chose qui m'est arrivé plusieurs fois dans ma vie. Et quand je suis tombé sur cette image d'embarquement de type, j'ai absolument reconnu que c'était l'ambiance qu'il voulait. Ensuite, nous avons cette image de Charles Hard, mais et cette image particulière est une personne petite dans un coin là, entourée de texture de papier peint. Et c'est essentiellement un grand motif qui a votre sujet briser le modèle. Donc, même si le sujet n'est pas correctement placé si nous devions passer par la règle des tiers, ils attirent certainement votre oeil parce qu'ils brisent un schéma établi en ayant la personne petite et dans le coin. Il vous donne vraiment le sentiment de presque comme une maladie mentale ou une tristesse ou une dépression, je l'ai entendu dire que si vous voulez dessiner un homme triste, tout ce que vous devez faire est de prendre un morceau de papier régulier et de faire une petite figure assis et avoir tout cet espace négatif écrasant autour d'eux est un excellent moyen graphique de représenter l'aliénation et la solitude. Connu dans tous ces exemples, quand j'ai un sujet aussi petit en échelle, c'est dans un contexte contrastant qui me permet de voir le sujet. C' est donc l'une des plaintes que beaucoup de gens ont dans la photographie de la faune que les animaux qu'ils tentent de photographier sont bien trop éloignés. Et ils se fondent dans le fond parce que traditionnellement, les animaux vivent dans des environnements qu'ils se fondent dans un mécanisme de survie. Ils ont tous développé une sorte de camouflage animaux bruns vivent dans des environnements boisés et ainsi suite et ainsi de suite. Mais je veux vous montrer quelques photos de la faune qui mettent en valeur des animaux de très petite taille et grande échelle par rapport à leur environnement. Et parce qu'ils sont frappés contre le contraste et les couleurs, ils apparaissent autant que si vous les fermez de près et certains de mes propres travaux. J' ai certainement placé sujet très petit et échelle par rapport à l'espace qui est autour avec la personne. Souvent, quand je suis capable de tirer à distance, je regarde les images sur l'ordinateur et je me rends compte qu'en fait pas aussi loin que je le voudrais, ou que l'image serait plus frappante s'il y avait encore plus d'espace autour d'eux. Donc, dans un cas comme cette image, j'ai tourné le modèle d'en haut. Elle était dans un cyclorama, qui est un grand champ blanc incurvé que l'on trouve dans des studios photo professionnels. Et puis dans la boutique photo, j'ai élargi ce champ blanc autour d'elle. Donc ça a vraiment mis l'accent sur la position fœtale embryonnaire où elle est que je voulais la faire ressembler plus à quelqu'un qui dérive dans le cosmos à travers l'espace vide. Cette image est très similaire, a été tourné dans le même studio, mais le particulier posé le modèle avait vraiment senti comme elle tombait. Et je pense que c'est parfaitement bien d'aller dans n'importe quel programme d'édition ou technique de chambre noire que vous avez sur faire de votre mieux. Tu racontes l'histoire que tu veux raconter. Donc c'est une autre image où j'ai construit l'espace blanc autour du modèle pour vraiment souligner ce sentiment de tomber dans un grand vide vide. Et si je n'avais pas construit cet espace autour du modèle que vous auriez vu une personne dans une pose. Mais en construisant l'espace et en se rétrécit, le sujet à l'échelle raconte certainement l'histoire de la façon dont je voulais la raconter, mais je ne pouvais pas la raconter parce que je n'avais pas d'échelle qui s'étendait à 100 pieds dans les airs au moment de la tir. 6. Réalités aléatoires: dans cette leçon, je veux parler du concept de la réalité randomisée. Essentiellement, nous parlons du désordre du monde réel, généralement présenté comme une esthétique instantanée ou de choisir ses sujets qui ont un caractère aléatoire dans eux et de présenter cela aussi simple que possible. Nous allons donc parler de l'esthétique de l'instantané. abord, cela est lié à avoir des choses coupées dans le cadre qu'un magazine parlant de composition parfaite vous dirait de ne pas couper dans le cadre. Mais l'esthétique instantanée n'est pas seulement la compétence des amateurs est en fait très populaire et très commun dans les magazines de photographie de haute falutine dans les magazines de mode. Et j'ai l'impression que la raison pour laquelle c'est si populaire et si répandu, c'est parce que la majorité de la photographie du monde est de l'esthétique instantanée. C' est le moment, et ce que nous en sommes venus à réaliser en tant que société, c'est que le temps fera n'importe quoi dans l'art de la remorque. Donc, l'idée que vous devez avoir des images parfaitement composées qui air super propre, tourné sur des fonds parfaits avec l'histoire de l'éclairage parfait ne fait pas que plus ou moins d'art que d'avoir des choses qui ont de la personnalité qui ont aléatoire c'est que mettre en valeur la vie riale. Je pense certainement qu'il est correct d'aborder des compositions avec une esthétique instantanée, ce qui signifie que vous ne cherchez pas la perfection. Vous ne cherchez pas à placer correctement chaque élément de la photo, et vous embrassez des choses qui sont vraiment l'air qui se passe vraiment. Vous ne vous inquiétez pas des choses comme les voitures en arrière-plan, passants et ainsi de suite et ainsi de suite. Mon processus de pensée est que si vous êtes une personne créative et que vous abordez les choses dans votre vie naturelle avec un esprit artistique, vous allez finir avec un portrait très artistique. Ce sont des paysages très artistiques, des paysages urbains ou de la photographie de rue, même si vous embrassez l'esthétique de l'instantané. Beaucoup de photographes de rue des années 60 ont travaillé dans cette esthétique instantanée parce que quelqu'un comme Garry Winogrand n'a généralement pas dit à ses sujets qu'il les photographiait . Il l'a fait d'un peu plus d'une sorte d'espion, et finalement, s'il a regardé une personne qu'il aimait, si d'autres éléments tombaient en place qui le rendaient heureux, peu importe s' il y avait des éléments aléatoires autour. Maintenant, embrasser un sujet qui a des éléments randomisés est un peu difficile à décrire en mots, donc je vais vous montrer le travail de quelques artistes locaux de l'Arizona. Julian On est quelqu'un qui est professeur à un problème. Quand je suis allé là-bas, elle a eu un projet où elle délimitait une zone et y trouverait toutes les ordures. Donc ces airs ressemblent à des terrains ouverts dans le désert. Elle ramassait toute cette poubelle particulière, et elle la photographiait sur fond blanc, puis présentée dans ce genre de format grillé. C' est ce qu'elle est là et vous pourriez vous dire : Qu'est-ce que ça veut dire ? Eh bien, dans un sens, c'est explorer le mystère de ce qui est vraiment dans le désert. Qu' y a-t-il vraiment dans ces terrains ouverts ? Et dans un autre sens, il montre comment l'humanité trashy pourrait être et comment nous sommes inconscients de l' environnement . Une autre personne que je connaissais grâce à un S u pa Howman serait simplement photographier les tiroirs de personnes qu'il connaissait. Et ce que cela a fait a été de créer un portrait d'une personne à travers ce qu'ils avaient dans leur tiroir sans vraiment mettre en valeur la personne. Et vous pourriez faire cette approche avec presque n'importe quel type d'objet, comme photographier les lits des gens dans le monde entier. C' est un produit que j'ai vu et senti était vraiment déchirant parce que vous avez vu que les enfants du monde entier vivent des vies très différentes, certains sans abri borderline, dormir et forcer d'autres à vivre cette incroyable vie de luxe. Et quand vous considérez comme un Siri complet, cependant, la réalité a cependant, mis en place ces environnements. C' est ce qui a été photographié. Il n'y a pas eu de changements. n'y avait pas de style Mathew Brady réarrangeant les objets ou les gens. Teoh créer une meilleure composition. C' était une dure réalité, et chaque photo racontait effectivement son histoire. 7. Collage + de Framing alternatifs: l' une des façons les plus libératrices de créer de nouveaux types de compositions est de réaliser que votre cadre n'a pas besoin de se conformer à un format rectangle ou carré. Et il y a beaucoup d'artistes là-bas moi-même, qui incorporent beaucoup d'éléments de collage dans leurs photographies. Cela peut prendre la forme de plusieurs images collées ensemble ou en utilisant d'autres choses comme des textures de papier et des objets physiques. L' artiste David Hockney est bien connu pour ses collages Polaroid, où il utilise plusieurs Polaroids physiques et ils peuvent se conformer à un rectangle particulier ou une forme carrée. Mais en général, c'est un qui ne correspondrait pas au type spécifique de cadre que vous obtiendrez lorsque vous entrez dans le magasin d'art. Donc, ces artistes de l'air qui ont créé des périmètres inhabituels de leurs cadres dans le monde réel il y a certainement des façons de clore numériquement votre travail et de créer des cadres inhabituels. Dans ce contexte, une méthode que j'aime est d'utiliser Adobe Photo Shops, photo merge. Les fusions de photos sont essentiellement créées en prenant des images qui se chevauchent et en les important dans le logiciel et en demandant au logiciel de les visualiser ensemble. Typiquement, cela vous laisse avec une bordure très inhabituelle. Lorsque cela n'est pas conforme à un rectangle normal, et généralement les gens les découpent vers le bas afin qu'ils se conforment au rectangle. Mais pour peut-être des raisons d'intérêt visuel, ou pour garder toutes les données dans les images ensemble, ou peut-être simplement l'esthétique générale d'avoir un ordre chaotique, vous n'avez pas à découper cela. J' utilise plusieurs APS qui créent pied émerge avec ces bords scintillants inhabituels. Pour eux, Photosynth est une application qui vous demande simplement de photographier dans son et vous voyez des images fantômes de vos clichés précédents. Vous pouvez les chevaucher, et vous pouvez marcher en avant et en arrière. Photosynth va créer un environnement virtuel, et il est lié à avoir beaucoup de problèmes à lui. Vous pouvez l'utiliser pour les paysages. Vous pourriez l'utiliser pour les gens Portrait. Ce n'est pas nécessairement la façon la plus haute résolution de faire votre photographie, mais c'est une façon de créer des compositions inhabituelles qui n'auraient vraiment pu être créées avec aucune des méthodes traditionnelles passées. En tant qu'artiste photographique moi-même, j'ai l'impression qu'il est utile pour nous d'explorer toutes les nouvelles technologies qui peuvent créer de nouveaux types d' images. Ça pourrait fonctionner pour notre style. Ça ne marche peut-être pas, mais j'ai l'impression que tous les artistes ont une responsabilité envers eux-mêmes. Teoh. Essayez de nouvelles choses, explorez de nouvelles choses et travaillez avec certains des langages et des outils qui sont uniques à l'air dans lequel nous vivons. C' est ainsi que nous créons des œuvres d'art pertinentes à notre époque. Il existe de nombreuses alternatives à l'affichage de votre travail. En plus de les placer dans un cadre rectangulaire carré traditionnel, vous pouvez les faire imprimer professionnellement à n'importe quelle taille et échelle, puis faire couper l'imprimante sur les bords et la monter sur la planche de musée. Pour des choses comme mes collages instantanés de films, je pourrais utiliser un système de fil et de clip. Teoh, maintenez-les sur un mur. J' ai vu des galeries de travail accrochées avec un simple système magnétique. Ne laissez pas un périmètre inhabituel vous empêcher d'explorer de nouvelles façons de créer ou exposer vos photos. 8. Photographie d'élites: semblable à la notion de l'extérieur glitchy est l'intérieur glitchy. C' est là que la technologie introduit des défauts randomisés à votre image. En fait, j'aime beaucoup la photographie pétillante, parce que comme quelqu'un qui fait de la photographie depuis longtemps, je veux être surpris en tant qu'artiste. Donc une façon analogique d'introduire glitchy nous dans la photographie mon implication en utilisant des caméras de style Lamo . Lemon était une entreprise qui encourage la photographie de films à faible intensité grâce à l'utilisation de caméras en plastique à travers les vieilles caméras du XXe siècle qui ont beaucoup de défauts en eux. Et par défaut, je veux dire la lumière qui fuit les symptômes. Le film est rayé, leurs cadres qui se chevauchent le genre de caméras que les cellules basses de tonte comprennent le Diana, le titulaire et de nombreuses importations russes des 19 années soixante 19 soixante-dix. Lorsque vous expérimentez avec Glitch LaMotte, photographie de style graffiti ne s'attend pas à obtenir de merveilleux résultats à chaque fois. Mais vous attendez-vous à être surpris et à avoir des compositions qui auraient été mises au point si vous aviez vraiment pris le temps de les planifier ? Dans ce cas particulier, numéro de thème au dos du film moyen format imprimé sur la photo avec la jeune femme que je tournais à l'époque parce que la lumière fuit à travers la petite fenêtre qui montrait le numéro de séquence du film. Il l'a brûlé directement sur le film et s'est enraciné dans l'image. J' ai utilisé des applications qui introduisent un élément délibérément glitchy. Tioh les images. Ça pourrait être une photo. Ça pourrait être une vidéo. Une de mes applications préférées qui fait Ceci est pépin A, et c'est un peu plus créatif que d'appliquer un simple filtre. Il a des méthodes de réinterprétation d'une image sur lorsque vous jouez avec ceux-ci. J' espère que tu trouveras quelque chose que tu aimes. Beaucoup de ces que j'ai en fait tiré de la vidéo. L' une des grandes choses de la technologie moderne dans laquelle nous vivons est que nous pouvons tourner vidéos et une résolution assez élevée où nous pouvons capturer toute une bande de mouvement et sélectionner ce que nous voulons utiliser comme photo encore longtemps après le fait. C' est ce que j'ai fait ici. J' ai choisi des moments particuliers dans le temps à partir de ce tournage de modèle, et j'ai utilisé le pépin, une application pour créer ce genre de paysage presque tridimensionnel sur mon modèle. Que ce soit analogique ou numérique signifie que je me sens comme un pépin. œuvres d'art sont 100% de vote. Ce n'est pas plus, pas moins aléatoire que les photographes de rue dans les années 60 qui sortiraient toute la journée et photographieraient ce qu'ils ont trouvé, ce qui leur a été présenté, sans aucune attente d'une personne en particulier ou chose ou des événements qui se produisent devant la caméra. Personnellement, j'ai l'impression que les œuvres d'art blitzed parlent fortement d'être une sorte de vie à moitié organique, moitié numérique que nous vivons dans l'Amérique moderne. 9. Conception graphique en Photographie: Enfin, je veux parler de l'ajout d'éléments de design graphique à votre photographie, et ce qui différencie cela de la leçon précédente sur le collage et la photographie de style glitch est graphique. Le design est un peu plus délibéré avec sa communication, et il est généralement lié à une utilisation utilitaire passée de la conception graphique. Par exemple, artistes qui bloquent un élément de leur image font vraiment référence à l'utilisation du voile blanc, du liquide correctionnel ou de la réduction du noir dans les documents gouvernementaux afin que nous puissions avoir la conception graphique par l'ajout d'éléments, les artistes qui bloquent un élément de leur image font vraiment référence à l'utilisation du voile blanc, duliquide correctionnel ou de la réduction du noir dans les documents gouvernementaux afin que nous puissions avoir la conception graphique par l'ajout d'éléments, ils éléments physiques ou des choses comme la couture, ce qui est quelque chose que j'ai vu dans beaucoup de la photographie de mode moderne. Vous pouvez avoir la conception graphique par omission, qui est l'endroit où vous découpez les choses d'une photo, dans ce cas, en fait couper le milieu d'une photographie. L' artiste John Hartfield utilise les approches du design graphique et parce que beaucoup de Hartfield survivants était sous la forme de magazines, de publications ou d'affiches à l'époque moderne, quand nous les voyons dans un musée, ils avoir les éléments graphiques supplémentaires d'être dans une page imprimée, Frank contraint. Le troisième est une célébrité moderne et photographe qui utilise cette approche. Ah, beaucoup de travail qu'il fait pour des émissions de télévision telles que Breaking Bad et Madman est une sorte de salon publicitaire standard qui correspond à l'esthétique de ces émissions particulières. Mais Frank crée aussi son propre journal personnel, où la photographie n'est que le point de départ. Et ces éléments de conception graphique que Frank inclut n'ont vraiment aucune limite. Ils pourraient impliquer une coupe. Ils pourraient impliquer Inc. Mais la présentation de la page finale du journal est la page complète , et la photographie n'en est qu'une seule partie. Dans mon travail personnel, j'ai beaucoup fait avec la conception graphique de mes photographies, et souvent c'est une bonne façon d'aborder une photographie qui est en fait assez générique dans son état embryonnaire. Quand je tire dessus. Peut-être que c'est intentionnel. Peut-être que j'avais prévu de faire des modifications à une date ultérieure, ou peut-être que c'était juste une question de voir mes archives et de trouver des photos où j' aimais quelque chose. Mais dans l'ensemble, il manquait d'attrait visuel. Cette image particulière avait des éléments de conception graphique qui ont été tournés intentionnellement, et je l'ai fait à plusieurs reprises où j'ai un support de modèle à un endroit et l'appareil photo est verrouillé sur un trépied. Je leur demande de changer de position ou peut-être de changer leurs vêtements et de rentrer dans la pose précédente. Et une fois que j'ai les images numériques originales, elles sont imprimées là-bas, tournées vers le haut, puis remontées pour créer la nouvelle image gestalte. Je sais qu'il y a des gens qui ont un peu de peur à manipuler ou détruire leurs images. Mais si c'est une consolation, partons généralement des images numériques, ce qui signifie que nous pouvons faire plusieurs impressions. Si vous faites une erreur sur l'un d'eux, faites simplement une autre impression et réessayez. 10. Réalisation de bordure de coupe: les gars, je tiens à vous remercier beaucoup d'avoir adhéré à cette classe sur la composition photographique de pointe . Vous ne devriez jamais avoir l'impression que, parce que vous travaillez en dehors des règles il n' y aura pas d'intérêt pour votre travail. Comme je l'ai dit au début, cette classe presque tous les gens que nous célébrons comme les grands artistes, grands innovateurs où les gens qui ont appris les règles et ensuite passé ces règles à travers le livre de règles hors. Et si vous faites simplement des choses que vous avez entendues en cours, il est peu probable que vos compositions se démarquent lorsqu'elles sont placées à côté des milliers d'autres photos que nous voyons dans notre vie quotidienne. Soyez-les sur des sites comme 500 PX. Des choses comme Instagram. Vous devez être audacieux pour vous démarquer et capter vraiment l'attention des gens à l'ère moderne. Je vis en Arizona, et je suis très proche de nombreux parcs nationaux en Californie, en Utah, au Nouveau-Mexique et, bien sûr, Arizona. Et j'ai toujours senti que si vous allez dans ces endroits, vous devez apporter quelque chose de vous-même avec vous, et vous devez faire des compositions photographiques difficiles parce qu'à quoi sert de ne pas faire ça ? Vous pourriez aussi bien acheter les cartes postales qu'ils ont disponibles à moins que vous ne soyez prêt à essayer quelque chose de différent. Créez des images. Ce n'est pas la même chose que les cartes postales. Et la même chose vaut pour le travail que je crée, soit le portrait, les affaires familiales, les trucs de mode, mode travail avec des objets ou des animaux de compagnie. Il y a toujours un moyen de repousser les limites d'une composition, de garder l'intérêt de vos spectateurs et de garder votre intérêt pour la photographie aussi. Encore une fois, j'espère que tu as beaucoup sorti de cette classe. N' hésitez pas à consulter le reste de mes cours sur ma chaîne d'enseignement. Il y a beaucoup de choses sur la photographie et d'autres formes d'art multimédia et les logiciels Adobe aussi . Docteur, vous la prochaine fois par