Composition musicale au piano

1. Introduction: Bienvenue dans la composition musicale avec Piano, le Guide ultime de l'harmonie du piano et de la théorie musicale pour le compositeur, compositeur et producteur moderne . Quand vous écrivez de la musique, vous voulez vraiment savoir ce que vous faites. Tous veulent que le processus créatif flotte, mais plus souvent que nous aimerions admettre sont l'écriture. Les efforts ne se passent pas très bien, et nous pouvons nous asseoir dans le piano juste une sorte d'obtenir la serrure ou en espérant que nous avons une chance sur quelque chose qui fonctionne sans aucun doute. L' une des plus grandes choses que vous pouvez faire pour surcharger vos capacités de composition, d' écriture et d'arrangement est d'acquérir une plus grande facilité et connaissance de l' harmonie moderne dans la théorie de la musique. Au piano. Intégrer le piano à votre ensemble de compétences vous donne de l'intentionnalité et de la composition. En d'autres termes, vous savez ce que vous voulez créer, Vous savez comment le créer, et vous pouvez l'exécuter avec facilité au clavier. Je m'appelle Jacque Bourne. Je suis compositeur, chef d' orchestre et arrangeur, et j'ai beaucoup travaillé dans la musique de film de post-production. J' ai également dirigé un studio de musique privé et, au cours de l'année dernière, j'ai enseigné plus de 1000 leçons pour produire des compositeurs sur des pianistes en ligne et dans ma ville natale. Le but de ce cours est de vous donner une composition énorme et avancée de la cavalerie à partir de zéro et à travers une expérience pratique de la théorie musicale au piano qui est accessible sans lire une ligne de musique. Ce cours a été conçu avec deux personnes à l'esprit. Musicien débutant et intermédiaire pour le débutant, ce cours vous emmène de zéro littéralement dans les blocs de construction de ce qui fait fonctionner la musique, puis jusqu'à avancé, préjudiciable. Vous apprendrez à écrire une mine de matériel au piano et commencerez votre parcours de composition intelligent avec de puissantes compétences au clavier. L' autre personne que ce cours est conçu pour autant, sinon plus, est la majorité des étudiants que je reçois dans mon studio privé. Compositeurs, producteurs et auteurs-compositeurs ont travaillé et étudié sérieusement 35 10 ans ou plus, mais se sentent limités par n'avoir jamais vraiment pris la tête. Harmonie. Une technique au piano. Pour ceux d'entre vous qui sentent que votre capacité de composition est freinée par votre connaissance du piano et de l' harmonique, c'est le cours pour vous. La première partie pourrait être un peu de rattrapage, mais d'après mon expérience, une base solide est inestimable. Ce cours comporte donc quatre éléments sur l'introduction approfondie de la théorie et de l' arrangement de la technique du piano . Harmonie fondamentale et avancée et la théorie de la musique au piano enseigné et appris d'une manière pratique que vous pouvez commencer à utiliser immédiatement un regard. Une puissante technique de composition et des stratégies pour vous aider à générer du matériel et problèmes vendus lorsque vous êtes coincé, et des conventions et des structures d'accords de piano, progressions et de l'auteur-compositeur afin que vous puissiez analyser et continuellement développez vos connaissances sur la construction de chansons et de pistes. À la fin de ce cours, non seulement vous vous sentirez plus fort et plus couramment en tant qu'écrivain, vous serez en mesure de résoudre des problèmes critiques tout en composant pour utiliser des stratégies qui peuvent vous aider. Vous serez en mesure de répondre par vous-même à des questions comme Où dois-je commencer ? Comment générer du matériel ? J' ai une progression d'accord, mais comment puis-je le rendre plus intéressant ? Comment puis-je rendre mon tribunal plus sophistiqué ? J' ai des tribunaux. Comment puis-je avoir une ligne de base ? J' ai de la mélodie. Comment ai-je eu des cordons ? J' ai des cordons. Comment puis-je ajouter une mélodie et beaucoup, beaucoup plus. Vous aurez également les compétences nécessaires pour jouer avec d'autres musiciens. Je travaille sur la musique que tu aimes ici. Une fois que ce cours a une tonne de théorie dans son but est de ne pas vous transformer en un monstre théorique qui compose de la musique théorique. Le but de ce cours est de vous donner plus de fluidité en tant qu'écrivain et finalement de vous donner options afin que vous puissiez ouvrir des possibilités expressives et générer des idées infinies. Chaque fois que vous ressentez des choses, restez autour de la prochaine vidéo où je vous emmène à travers un plan entier, bien sûr, en vous donnant un aperçu de toutes les sections sur un sentiment de ce à quoi vous attendre. 2. Présentation du cours: Si vous avez déjà acheté le cours, vous pouvez télécharger un plan complet du cours pour référence, ainsi que toute autre ressource se trouve sur le lien suivant. Il existe six méthodes d'enseignement différentes. J' utilise ce cours pour vraiment vous aider à comprendre le matériel de base et à mettre les concepts dans votre tête complètement de nombreuses façons différentes. Le premier est de 1 à 1 au piano, et ce n'est que toi et moi, assis près du piano, regardant toutes ces choses où il peut vraiment expliquer les choses et démontrer les choses une à l'autre. Le suivant est le point de vue au-dessus du piano. C' est là que nous avons une caméra directement au-dessus du piano, coupant entre la vue de la caméra latérale que nous avons vue il y a une seconde sur celle-ci. Et en plus, ce que vous pouvez voir au-dessus de cela est deux choses. On a un coiffeur central. Je peux ajouter des noms d'accords et certains diagrammes et d'autres choses comme ça, et aussi en haut, nous avons une sorte de représentation numérique de ce que je joue au piano. Donc si, par exemple, mes doigts sont dans la voie de ce que je joue actuellement, ou si je le joue un peu trop vite. Vous pouvez le voir en surbrillance sur le piano numérique là et mettre la vidéo en pause. La troisième méthode est vraiment à travers des présentations sur This is is you not looking me to, et je suis en train d'expliquer les choses d'une manière beaucoup plus concise, soutenu par Andi langue. Différents diagrammes écrits à l'écran. L' autre chose que je fais est d'approfondir ces diagrammes afin que nous puissions commencer à explorer la musique d'une manière visuelle qui n'est pas liée à la notation musicale. Au moins la notation musicale classique, parce que l'objectif de ce cours est de vous faire jouer et composer de la musique à un niveau très élevé sans avoir à lire une ligne écrite hors de la musique n'importe où. Nous utilisons donc beaucoup et beaucoup de différentes représentations visuelles de la musique pour vous aider à conceptualiser de plus en plus la musique. Ensuite, nous avons en pratique. Ce sont donc des exemples de composition au clavier ou de production de nos compositions l'intérieur d'une logique de type D. A w. Ensuite, nous avons six, qui est vraiment référence dans la répétition, et il ya plusieurs PDF téléchargeables dans ce cours, que Vous pouvez télécharger, par exemple, le contour en ce moment dans le coin supérieur gauche de l'écran pour vous donner une idée de l'ensemble du programme pendant que vous le traversez, mais aussi des points de contrôle où nous faisons étape une étape deux, étape trois, etcetera, etcetera des feuilles de triche d'harmonie, sorte de consolider tout ce que vous savez jusqu'à présent et vous permettant de vous rappeler tous les principes sans avoir à revenir à la vidéo spécifique. Regarder tout ça encore. Il y a cinq parties principales à ce cours. La première partie est des fondations harmoniques et techniques. Deuxième partie. Harmonie de base. Troisième partie. Harmonie intermédiaire, partie pour appliquer votre boîte à outils et partie cinq. Couleurs et outils avancés. Plongons dans chacun d'entre eux dans la première partie. Fondements harmoniques et techniques. Nous avons trois sous-chapitres. Introduction où nous nous levons et courons avec des accords et des mélodies. Chapitre deux. Gravité où nous commençons à regarder l'une des parties les plus fondamentales de la musique occidentale, celle des centres de gravité et harmoniques. Ensuite, nous avons le chapitre 3, où nous regardons vraiment la technique du piano, la clé de la fluidité et de se déplacer facilement et de composer avec vos mains. Ensuite, dans la deuxième partie. Nous commençons à regarder l'harmonie de base. Nous plongons dans les choses pratiques dont vous avez besoin est un écrivain pour commencer à créer de la musique, des accords , des mélodies, des progressions et à la fin de cette section, vous aurez vraiment consolidé votre compréhension et votre accès à harmonie diatonique, mélodie et structure. La troisième partie est de loin la plus précieuse et la plus grande partie de ce cours après avoir obtenu notre badge de théorie de la musique fondamentale dans les 2 premières parties. C' est là que nous commençons vraiment à pimenter les choses et à rendre les choses plus sophistiquées. Contemporain, organique , original, etcetera, etcetera plutôt que les débutants de sonorité basique bloquent les choses que vous apprendrez dans les 2 premières parties du cours. Nous passons par les voix d'accords et les lignes de base de l'arrangement, harmonie chromatique, je crée des cordes à partir de zéro, pas attaché à une des structures supérieures clés et l'harmonie jazz et la lecture des symboles d'accords. Dans la quatrième partie, nous nous concentrons sur l'application de votre boîte à outils. Le fait est, une fois que vous avez appris beaucoup de piano d'harmonie, devenir meilleur en tant que compositeur, c'est moins d'apprendre de nouvelles choses et d'appliquer ce que vous avez appris maintes et maintes fois dans de nouveaux contextes. Dans ce chapitre, nous arrivons au minutieux sur la façon de construire du matériel, générer des idées quand vous n'en avez pas, et aussi de résoudre les problèmes classiques et les plus courants auxquels nous sommes tous confrontés. Lors de la composition, Nous allons sur le rythme harmonique de résolution de problèmes, rythme mélodique et les modèles d'accompagnement et d'arrangement. Dans la cinquième partie, notre dernière section, nous passons en revue les deux couleurs avancées et les outils que vous pouvez utiliser le compositeur. Nous passons sur les nouvelles couleurs mélodiques, les relations d'accords non diatoniques et l'écriture thématique sur. Ensuite, nous avons finalement terminé avec une conclusion. Une charge de ressources est et des guides téléchargeables, puis mes recommandations sur l'endroit où aller d'ici garder également à l'esprit que vous avez le plein soutien de moi tout au long du cours. Chaque fois que vous avez une question ou une préoccupation ou une requête sur l'une des vidéos ou les choses que vous pratiquez, vous pouvez m'envoyer un message via la plateforme you Timmy ou entrer en contact avec moi à Lean musicien dot com. Si vous n'avez pas encore acheté le cours, j'espère vous voir à l'intérieur. Pour ceux d'entre vous qui débutent le programme, nous avons encore une vidéo préliminaire juste trop serrée avant de commencer. 3. Ressources: Pour toutes les affectations, l'assistance et les questions que vous pourriez avoir. Vous pouvez discuter avec moi-même et d'autres musiciens de la communauté des musiciens maigre. C' est la communauté point lean musician.com. Je serai là pour vous soutenir dans vos objectifs, votre travail, et je suis ravi d'entendre ce que vous venez avec. À différents moments du cours, vous serez invité à visiter un certain lien pour télécharger une ressource. En fait, si vous visitez ce lien qui aura, espérons-le, toutes les ressources. Vous pouvez donc les télécharger tous en même temps. Mais si vous voulez simplement télécharger un à la fois, vous pouvez choisir celui que vous voulez, puis cliquer sur Télécharger pour cette ressource particulière. Cela contient tout, des PDF au midi et tout ce qui est pertinent pour ce cours. La dernière chose que j'aimerais dire, c'est vraiment faire confiance au processus de ce cours. Si vous êtes un débutant pour poser les fondations vraiment, vraiment bien, vous devez faire beaucoup de travail de base. Et cela signifie que les sons que vous faites au piano sur étonnamment inspirants, importe qu'ils s'y collent et continuent à appliquer votre travail dans des compositions, que ce soit avec d'autres musiciens ou dans votre production. Bon, commençons. 4. La grille: donc bienvenue dans le premier épisode de ce tutoriel, Siri où nous introduisons l'idée fondamentale du fonctionnement de la musique ont appelé ça la grille. Quand je reçois des étudiants dans mon studio de musique privé qui n'ont jamais appris quoi que ce soit sur la musique avant que vous ne l'ayez. Fondamentalement, ce que nous regardons est une grille comme celle-ci. Quoi ? Je veux que vous réfléchissiez à sa musique en termes de temps et aller à droite sur l'axe X, puis aller verticalement sur l'axe Y en termes de hauteur donc en bas aura un rythme qui va tout le long, sur et sur et puis aller verticalement, affaiblir place différentes notes pour représenter le spectre de la hauteur. Maintenant, peu importe nécessairement quelle échelle si vous savez déjà que cette grille est dans. Ne pensez pas comme ça pour le moment va entrer dans les détails de cela plus tard. Sachez juste qu'il va de plus en plus bas, donc si nous combinons ceux-ci, nous avons la grille en bas avec le Metrodome et ensuite avons des notes. Nous pouvons visualiser la musique tout simplement avant même de commencer à apprendre une théorie ou même toucher un instrument. Donc penser comme une grille est une façon vraiment, vraiment importante de comprendre comment fonctionne la musique, que vous jouiez un trombone, une église, un orgue, orgue, piano, violon, violoncelle, chant, composer une symphonie. Ça n'a vraiment pas d'importance. Tout fonctionne comme ça. Grit et penser de cette façon nous permet de faire un certain nombre de choses. La musique devient mathématique ou logique. C' est très compréhensible et quantifiable, et vous pouvez donc le digérer. Donc c'est comme une façon de penser à la musique comme Lego. Et finalement, nous pouvons penser dans des modèles. Donc, avoir un cadre comme celui-ci vous permet de mettre vos idées n'importe où. Et si vous comprenez le schéma fondamental derrière un élément dans la musique, c'est vraiment la maîtrise de ce morceau de matériau parce que pour atteindre la maîtrise, vous avez vraiment besoin d'un cadre simple avec des parties simples que vous pouvez ensuite construire des parties plus grandes comme Lego. Comme je l'ai dit. Donc, tout ce que nous faisons à l'avenir grâce à ce cours le plus simple est essentiel. Pense à tout. Comment cela fonctionne-t-il dans la grille ? Quoi que vous apprenez, il sera descriptible dans cette grille petit composant de bloc façon les bonnes nouvelles, Bien sûr. Les compositeurs de films complets et tous ceux qui ont travaillé avec un D. A w comme logique ou raison ou quelque chose comme ça, c'est que c'est une sorte de façon que vous pensez choses avec le rôle de piano. Par exemple, je vais juste tirer une vidéo de moi jouant de la musique très, très simple de la première partie de ce cours sur Overlay the piano roll on top et vous voyez que ce qui se passe est que de gauche à droite, De toute évidence, le rouleau de piano fait défiler et cartographie ce que je joue de haut en bas sur le clavier. Ou vous pouvez l'exprimer d'une autre façon que la musique monte et descend verticalement sur le d. A W je vais à droite et à gauche sur le piano. Quoi qu'il en soit, nous avons cette relation avec le piano de haut en bas, puis les visuels réels le rouleau de piano. Et penser comme ça est assez intuitif pour la plupart des gens qui ont déjà travaillé avec AWS . Donc, en fait, vous avez peut-être pensé que c'était une sorte de tricher avant d'utiliser le rouleau de piano, alors que c'est en fait un orteil plus véridique comment la musique fonctionne réellement quand vous l'écoutez . Comparé à, disons, la notation musicale, qui est un peu plus une abstraction. Cela dit, nous avons encore besoin d'apprendre le piano, et cela nous donnera une énorme quantité de dextérité et la capacité de composer et d'élargir notre vocabulaire de composition et l'apprentissage est absolument la bonne étape pour améliorer votre compétence. 5. La échelle romatique: Donc, dans la vidéo précédente, nous avons regardé la grille, et j'ai expliqué que c'est l'une des façons les plus bénéfiques de penser à la musique et à son fonctionnement . Nous avons présenté le temps sur l'axe X, allant continuellement de gauche à droite, puis le pitch sur l'axe Y, monter et descendre dans cette vidéo, je veux prendre le pitch et le faire aller horizontalement. Donc, nous retirons le composant temps et pouvons commencer à comprendre quelque chose sur la façon dont harmonie est construite, ou au moins le retour de cette grille et ce qu'elle est faite. Donc, au lieu de l'être verticalement, nous allons le voir horizontalement comme une ligne de points. , c' Ce que vous venez d'entendre, c'était l'échelle chromatique et c'est chaque note dans l'ordre votre D. de votre D. Chaque note dans l'ordre s'appelle l'échelle chromatique, comme je l'ai dit, et c'est la structure de fond hors de la grille à son niveau le plus basique dans la musique occidentale. Un peu à part ici, bien sûr, vous pouvez vous pencher entre les notes, mais certainement quand vous apprenez le piano et apprenez l'harmonie, il est important de penser à la structure de fond de la grille dans un façon. En descendant, ça ressemble à un dessin animé de quelqu'un qui tombe d'une falaise. Et puis si vous jouez des notes aléatoires, ce n' est pas particulièrement utilisable à moins que vous ne vouliez créer de la musique classique contemporaine avant garde , ce que nous ne faisons certainement pas ce cours. Jetons un coup d'oeil à ce piano quand tu dis ton doigt et que tu le mets sur une des notes blanches et que tu le pousses un peu plus dans le piano. Et la raison pour laquelle je dis cela est pour que vous commenciez ensuite. Si vous allez à gauche ou à droite en rencontrant les notes noires. Eso ici, je monte le piano. Je rencontre du blanc, du blanc, blanc, noir ou du blanc. Pourquoi noir, etcetera, etcetera ? Ce que nous faisons ici, c'est que nous jouons l'échelle chromatique, qui est toutes les notes dans l'ordre. On ne manque pas d'heure. Si je devais juste jouer des notes blanches fera est que j'ai manqué toutes ces notes noires et je ne jouerais pas toutes les notes sur la grille, Alors préparez-vous. Bien. En appliquant ça, tu n'as pas à faire le doigté que je fais ici. Vous pourriez juste le faire, promener un peu et vous familiariser avec elle une fois que vous êtes. Ce que nous pouvons commencer à faire est de jouer avec quelque chose qui va regarder plus tard appelés intervalles et intervalles est juste créé en utilisant des espaces dans l'échelle Comm Actiq. Donc, par exemple, nous prenons cette note. Quand on y va, disons quatre notes ou quatre lacunes. Un écart par rapport aux lacunes. Trois lacunes, lacunes. C' est un état de ou lacunes ou pour semi Tens viendra à savoir ce que cela signifie. J' aime courir aussi bien sur. Ensuite, essayez de faire cet espace à partir d'une autre note. Peut-être ce 1123 C'est aussi quatre lacunes. Ne soyez pas confus ici. Il est très facile de commencer par un autre et d'en compter un. Mais ce n'est pas un, évidemment, évidemment, parce que ce n'est qu'un cahier des charges. C' est comme dire que c'est un mètre. Mais ce n'est pas moi que vous avez besoin de deux choses de mesure des orteils pour être bon à bouger ça. Ce que nous faisons ici, c'est que nous abordons l'une des choses les plus importantes de la musique, qui est l'idée de motifs dans le contexte de l'harmonie ou du genre de structure de la grille pour nous, qui est l'échelle chromatique. Parce que lorsque vous êtes vraiment bon pour comprendre les cordes et les formes et composer essentiellement, ce qu'il y a est juste de comprendre le modèle de base derrière la musique. Donc, vous pourriez prendre un modèle comme celui-ci, qui est une voix de n'importe quel mouvement quelque part ailleurs. Tu prendras une belle mélodie ? Oh, s Et juste tout sorte de chute et vous pouvez commencer à jouer avec les motifs eux-mêmes pour apprendre à connaître l'échelle chromatique. Commencez à planifier avec quelques petits motifs simples, comme un espace de quatre ou un espace de trois ou deux ou peut-être même une mélodie, très courte et déplacez cela à travers le grand. 6. Créer une touche majeure: Alors maintenant que nous comprenons la structure hors de la grille, qui se trouve derrière toute la musique en ce qui concerne le pitch, ce que nous pouvons faire, c'est apprendre la formule à partir de différents modèles ou morceaux de matière comme la grande échelle. Et une fois que nous avons appris cette formule réelle, nous pouvons appliquer n'importe où. Donc, par exemple, si nous regardons cela, c'est l'échelle chromatique. Lorsque nous comprenons la structure de la grande échelle sur le haut de ce sera en mesure de jouer chaque échelle majeure unique. Donc on passe des premiers principes. Donc on va jouer une première note. Si nous ignorons le point suivant, qui serait cette note. On ne joue pas cette note et on joue la suivante. On dirait que ça nous donne un pas de deux demi-tons entre ces notes, le 1er 1 sur le 2ème 1 Donc je vais griser les notes entre les deux comme nous le faisons. La note suivante serait deux autres étapes, puis la suivante est une étape. La note suivante est deux étapes, deux étapes, deux étapes, une étape qui ressemble à ceci. Et nous avons créé notre grande échelle. Maintenant, si vous avez regardé cela avant, vous savez peut-être qu'un groupe de deux demi-tons donc passer au-delà de deux notes dans l' échelle chromatique est aussi appelé un ton et un pas dans l'échelle chromatique est appelé un demi-ton. Donc si je les mets ici, on a un écart entre le premier et le deuxième, puis un ton entre le deuxième et le troisième, puis un demi-ton entre le troisième et le quatrième ton, ton, ton, ton, demi-ton, compréhension. Cette formule vous permet de déplacer l'échelle principale comme vous le souhaitez. Laissez-moi vous montrer en zoomant un peu. Voici notre échelle principale, mais parce que l'échelle chromatique est une grille parfaite, nous pouvons simplement la déplacer vers le haut. Donc maintenant que nous avons regardé la demi-tonalité 10 10 sur la grille ou sur les points, appliquons au piano va commencer comme tout le monde le fait dans ce genre, bien sûr, est à l'échelle C majeur et ensuite nous allons dans d'autres touches pour que vous puissiez comprendre le principe dans un certain nombre de contacts et de l'appliquer où vous voulez. Eso. Commençons par ici, on va passer le premier arrêt et ensuite au suivant. Donc on a sauté un ton. Maintenant, nous avons un autre tour à faire. Donc, nous ignorons le prochain arrêt pour arriver au point suivant après les 2 premiers tours, un ton à tourner Rappelez-vous, nous comptons les espaces entre ces deux. C' est très facile pour les gens orteils quand ils commencent, allons-y, mais ce n'est pas un ton. C' est comme dire que c'est un mètre. Ce n'est pas un mètre. Vous avez besoin de deux choses que les orteils mesurent un mètre entre. Donc, nous dio Ugo demi-ton et ton ton ton demi-ton demi-ton pour aller plus lentement. Donc d'ici pour frapper tour d'ici à ici qu'un demi-ton, puis un tour, puis expier Benneteau dans un cimetière et qui nous dégage. Je vais voir Meteo, c'est une échelle de C majeure dans laquelle on peut faire des tonnes de choses, qui est ce qu'on va découvrir dans ce cours. Faisons deux autres échelles, les deux échelles dans lesquelles on va travailler principalement dans ce cours, allons voir G. Ok, donc son g et faisons la même chose. Donc nous avons sauté le premier arrêt obtient le suivant. C' est un ton saut après le prochain arrêt, bon à l'autre. C' est un autre tour. Ensuite, nous avons un demi-temps, puis un ton qui un ton et puis un ton final maintenant vraiment important ici pour réaliser que quand nous allons de cette note ici jusqu'à un ton qui n'est pas propre, c'est un demi-ton. Donc, nous devons aller à celui-ci ici, puis une dernière 70 s. Donc ça va comme ce sept ton, ton, ton, ton, demi-10 ton. Et puis on a le major. Allons enfin faire f façon majeure. Montez un temps, puis un tour, puis un demi-ton et entendez ce demi-ton nous amène à un homme noir monotone, monotone, puis un tour et ensuite un sénateur. Donc, ça ressemble à un demi-tour Teoh en tant que major et comment créer vos trois échelles principales primaires que nous allons utiliser à l'intérieur de ce cours. J' apprendrais vraiment à le savoir comme le dos de ta main. C' est un outil incroyablement important, et pas seulement pour être en mesure de travailler sur place, mais ensuite orteil apprendre ces compétences et les incarner pour que vous puissiez faire ce que je faisais. Ils jouent juste des modèles différents, ce qui est essentiellement de composer à l'intérieur d'une clé, vraiment, vraiment important point de jouer avec son essai et d'autres touches qui ne sont pas seulement C, J et f autres. Peut-être que les écailles de Cem commencent sur des notes noires ou d'autres qui se mettent sur la blancheur. Et ce sont toutes des échelles majeures. Rappelez-vous, vous avez trouvé la formule fondamentale pour la grande échelle. C' est un premier pas. 7. Créer des accords dans une touche: dans cette vidéo, nous allons voir comment créer des cordons à l'intérieur des échelles principales. Dans la vidéo précédente, nous avons examiné la structure de la grande échelle de tour, tour, demi-tour, tour, tour, tour, tour, tour, demi-ton. Donc, quand nous avons ces notes que nous avons filtrées à partir de l'échelle chromatique de fond , ce que nous pouvons commencer à faire est de construire un cordon à partir d'une note initiale. Maintenant, c'est la route Non, hors échelle, comme vous le savez. Mais ce qu'on va faire, c'est construire un cordon à partir de la même note. Donc ça va devenir la racine de cette cour et la forme va comme ça. Vous jouez le premier savoir, évidemment, parce que c'est la note à partir de laquelle nous construisons. Vous sautez la note suivante de l'échelle et passez à la troisième note de l'échelle. Et puis vous sautez une note de plus et vous allez à la cinquième et nous les appelons, bien sûr, 13 et cinq ou le 1er 3e et cinquième. Mais nous pouvons prendre ce modèle et construire ce cordon à partir d'une autre note. Alors faisons maintenant cette note la racine de la cour qui sera un, les trois et les cinq ou la route, le troisième dans le cinquième plus. C' est la cour. Nous avons toujours la note racine de l'échelle en place. Nous sommes toujours dans, par exemple, l'échelle du do majeur avec l'échelle du sol majeur, mais nous construisons sur une autre note de route. Donc il y a deux couches de nombres ici que vous devez être clair ici. Nous le construisons au troisième degré de l'échelle et c'est la même structure. 135 Comme un peu de côté ici, l'astucieux de vous se rendrait compte que lorsque nous avons joué cette première cour en raison du modèle de la grande échelle, l'espace entre le premier et le troisième i e. la note racine, puis le troisième cette corde a quatre demi-tons entre elle. Où est quand on a joué le 2e 1 ? Il y avait trois demi-tons entre les deux. Et alors que c'est un peu à avancer pour aller plus loin en ce moment, sachez juste que c'est la différence entre les tribunaux de sonorité majeure et les tribunaux mineurs. Plus sur ça plus tard. Donc c'est la racine de cette échelle, et nous l'appelons un et ce serait un deuxième degré de l'échelle troisième degré, 4e 5e 6e 7e et ensuite en fait remonter les orteils un nouveau. Et si vous ne savez pas pourquoi, c'est parce que l'échelle chromatique de n'importe quel instrument a 12 notes sur. Une fois qu'on a dépassé 12 notes, on est de retour à la même. Donc, si on avait commencé, voyez, comme on le verrait encore une fois, juste sur le côté droit de cette page en ce moment. Donc, si nous construisons un cordon à partir du degré 2 de l'échelle, c'est la note racine du cordon construit sur degré à échelle. Donc, nous l'appelons appelé à, mais il a sa propre note racine. Donc c'est la racine de cet accord, la troisième de cet accord sur le cinquième de cette cour. Et si nous déplaçons ça ici, c'est la même chose partout où vous déplacez cette structure. J' espère que c'est utile. Je voulais dire clairement que la différenciation entre les degrés de l'échelle ou la clé et les degrés du cordon sur les deux fonctionnent en même temps. Ils sont tous les deux vrais. Vous avez juste besoin de les comprendre en même temps, ou côte à côte. Alors prenons ce modèle d'accord et appliquerons à l'intérieur de vos trois échelles que vous avez apprises jusqu'à présent. Donc on fait ici. Ce qu'on fait, c'est qu'on saute une note. C' est un peu comme quand nous avons pris les 12 notes de l'échelle chromatique et nous avons sauté certaines d' entre elles. En d'autres termes, avec filtrer à nouveau les choses. C' est une autre couche de filtrage ici, donc c'est la forme sur la façon dont ça marche, c'est qu'on joue un maintenant. On saute la nuit suivante l'échelle principale, joue la note suivante, saute la nuit suivante, joue le la nuit prochaine, et ça nous donne un accord C. On ne va pas savoir si c'est mineur majeur diminué, ce genre de chose juste pour l'instant. Dans cette vidéo, nous le ferons dans les vidéos ultérieures. Pour l'instant, tout ce que vous devez savoir est que cela est construit sur place, et c'est ainsi que vous devriez penser à l'harmonie. L' harmonie s'accumule à partir des racines comme un arbre. Nous ne construisons pas l'harmonie nécessaire de cette façon, ce que vous faites beaucoup plus tard, mais quelque chose appelé harmonie négative, mais absolument pas dans la portée, ce cours. Donc, nous construisons à nouveau. C' est notre secret, dit si nous prenons juste ce modèle comme une sorte de moule emporte-pièce droit, appliquez-le là. Sur notre route de D, nous jouons maintenant un accord D, e g un B C, et c'est super facile à l'intérieur de C majeur droit, c'est pourquoi tout le monde commence avec C majeur parce que vous pouvez comprendre cela suppose que nous jouons d' autres clés. Vous pouvez voir qu'il y a un peu plus de réflexion là-dedans, mais le principe est exactement le même. Vous créez l'échelle indépendamment du fait que vous ne le savez pas encore nécessairement. Ça se passe toujours comme ça. Ouais, OK, donc c'est ce que l'échelle du C. majeur. Et ça pourrait s'appeler des cordons C D E F. Mais il pourrait aussi être appelé cordon un appelé à la Cour trois accords quatre feu, Code six, Code sept et ensuite appelé un à nouveau parce que nous sommes toujours en train de penser relativement à cette note racine de cette échelle, partout où c'est le cas. Oui, ça ne marche pas comme ça. On ne va pas 12345 quand on descend. C' est toujours penser. Donc, cela serait appelé un parce que c'est C et puis cela serait appelé sept parce que 1234567 6531 C'est comme ça que nous pensons à la cause à l'intérieur. Voyez, Major, appliquons exactement la même chose à l'intérieur du sol majeur et du fa majeur. Donc voici notre accord G ici parce que je g échelle majeure va. Ce qu'on fait, c'est qu'on va jouer un sauté un jeu, un saut un jeu, et ça nous donne notre forme de triade. Essaie parce que c'est trois notes. C' est une forme standard d'harmonie. Vraiment, vraiment. Courtiseur. Fondamentalement, tout ce que vous apprendrez dans la musique qui serait appelé maintenant trois ici ne serait pas cela. Maintenant, vous vous demandez pourquoi, mais la raison principale est fondamentalement parce que nous avons déjà élaboré l'échelle et nous avons réalisé que cette structure d'échelle majeure ne nous donne pas un F normal là-bas. Ça nous donne encore une boutique. Ne vous inquiétez pas pour les noms. C' est plus sur les formes, donc ça ne va pas là. Ça va, mais qu'elle sonne beaucoup mieux de la même façon ici. Serait-ce cet accord ? Ce n'est pas parce qu'on a encore besoin d'intégrer ce F. Cette note ici dans la clé sur. Enfin, cet accord ici, il ne serait pas construit sur F parce que nous n'avons pas d'effort dans cette clé. Nous n'avons pas cette note dans cette clé, donc elle peut être construite sur cette terre. Donc, je joue à nouveau appelé un appelé à un code trois code plein C Code cinq D appelé six e appelé sept F forte 176 etcetera. Finalement, ne NFL était à travers celui-ci parce que vous savez probablement que c'est maintenant votre échelle f majeure créée à partir du modèle de tente et demi-ton. Nous jouons le premier modèle construit sur le deuxième modèle F construit sur le G. Intégration de cette nouvelle note. Ce n'est pas celle-là, parce que ce n'est pas à l'intérieur de l'échelle. Alors apprenez à connaître tous les cordons à l'intérieur de ça. Tu peux les jouer ? Désolé dans toutes les clés, donc dans G f sur D. C. et être capable de jouer tous en allant de haut en bas, et vous remarquerez que vous pouvez commencer à créer vos belles progressions d'accords, non ? Vous venez avec des petites idées. Je veux dire, ça ne semble pas super fantastique étaient incroyables en ce moment, mais c'est les blocs de construction vont arriver à la nuance, l'arrangement et les voix plus tard. Mais il est vraiment important qu'à ce stade, vous ne sautez pas nécessairement. Trop de choses, c'est que vous pouvez au moins jouer tous les accords à l'intérieur de ces trois touches très rapidement et être en mesure d'aller bien appelé à off fa major a appelé cinq hors C majeur attrapé deux accords en C majeur cinq off g. Je serais capable de les faire assez rapidement, donc c'est vous qui vous entraînez, voir dans la vidéo suivante. 8. Notes de nomme sur le piano: jusqu' à présent, nous avons joué avec des motifs et filtré des notes à partir de l' arrière-plan de l'échelle chromatique. Donc, et nous avons pris ce modèle, tourné et demi-tour et créé une échelle majeure. Et puis nous avons pris ce modèle et l'avons déplacé autour de cette grande échelle créant des tribunaux. Et c'est un thème que vous croiserez encore et encore dans la musique, que vous prenez des modèles et filtrez des choses et que vous les déplacez essentiellement maintenant, théoriquement, vous pourriez continuer à composer sans jamais apprendre les noms de notes. Parce que vraiment, il n'y a rien de intrinsèquement à ce sujet si j'explique ce que je veux dire. Si vous imaginez que tous les humains ont disparu de la planète, Anvan Animal est venu à cela peut jouer ça ? n'y a rien autour de cette note qui soit intrinsèquement vu, et il est vraiment important de se rendre compte que le son et l'effet que nous entendons ne sont pas visibles. C' est cette forme dans le contexte de demi-tons, qui est vraiment important, Cependant, Cependant, surtout dans un cours comme celui-ci, il est vraiment bénéfique de pouvoir parler d'harmonie et donner des noms aux choses plutôt que pour le dire. Notez que c'est donc dans cette vidéo que nous allons commencer à apprendre tous les noms de notes si superposés sur le piano en ce moment sont les noms de notes standard A B, C D E F G, et vous pouvez voir qu'il va sur le piano parfumé sur. C' est vraiment important pour toi de commencer à m'apprendre pour qu'immédiatement quand tu joues un accord comme celui-ci, tu sais qu'il s'agit d'un accord en D ou d'un accord en G ? Donc, nous allons commencer par ces noms de notes naturels en premier. Et la meilleure façon d'apprendre cela est simplement de décider d'apprendre l'un d'eux à la fois. Donc, vous jouez jour et visuellement c'est entre le groupe de deux notes noires. Parce qu'il est évident qu'au piano, on a ce truc de 3 à 32 qui se passe avec des notes noires. Donc tu joues les vieux sur la panique par ça et hors de coup, je les joue tous aussi. Ici, c'est bien, et j'espère que même après 10 secondes de faire ça, ça va être très clair dans votre esprit. Peut-être même si vous dites à haute voix et puis vous essayez un autre cou G d et le faire avec toute la note à la tenue et puis revenir 10 minutes plus tard ou le lendemain et voir à quel point vous allez droit G. Et ce que vous voulez savoir, c'est de savoir si vous comptez en haut ou en bas d'autres notes. Donc ce que je veux dire, c'est , si je dis, où est D et toi dans ton esprit, B c d. ça ne compte pas. Ce doit être ce que nous appelons un point d'orientation est vraiment clé. Donc, cette note il ya votre point de départ un peu comme un point de repère dans une ville, vous savez, immédiatement si c'est, plutôt que d'avoir à trouver des directions pour se rendre à cet endroit. Sinon, tout ce que nous faisons plus tard, quand je dis joueur voir sept accords majeurs, vous serez comme, grand où voir à nouveau, ABC et il va ralentir l'ensemble du processus parce que vous aurez ce minuscule petit pas que vous devez faire tout le temps avant tout. Alors allez-y, apprenez toutes les notes naturelles, puis revenez à ce point dans la vidéo et apprenez tous les écrous pointus. Donc, je suppose que vous avez appris toutes les notes naturelles. Chaque ville FG à travers le piano. Parlons un peu de la façon dont vous nommez le magasin et les minutes plates. Donc, si nous prenons un exemple très simple comme D ici en musique, nous avons toujours une version nette et plate sur chaque note naturelle sur le piano. Le naturel le rend vraiment facile à voir parce qu'ils sont tout simplement blancs. Mais vraiment, si nous devions y penser plus théoriquement, le non naturel est juste un ou tout simplement être sans aucune modification de forte ou plate. Donc si on joue le D et qu'on entre ces deux notes noires ici, si j'en descends une qui va à plat. Donc nous appelons cette note par rapport à celle-ci. On l'appelle « D flat » ou si on se lève, on va faire du shopping. Maintenant, évidemment, l'astucieux de vous se rendra compte, ou vous saurez déjà que si on va voir et qu'on monte une nuit, ça va faire du shopping. C' est la même nuit. Donc la chose importante à réaliser tout de suite, c'est que juste les noms sur les notes noires ont deux noms, non ? Donc, c'est C tranchant ou D plat, et c'est le tranchant ou e plat. Essayez donc de nommer quelques-unes des autres notes sur le piano aan den. Mettez la vidéo en pause maintenant essayer le nom sept minutes et revenez, et je vais vous expliquer une dernière petite chose confuse. Donc, la chose confuse que vous avez probablement découvert juste à ce moment-là est. Et la boutique ? Voir Flat ish up sur F plat ? n'y a pas de puits tranchant ou plat, genre. C' est un peu vrai, vraiment. Je veux que tu penses à plat aiguisé. Il ne va pas nécessairement d'une note blanche à un homme noir, parce que si vous y pensez, si vous jouez de la trompette ou du violon serait pas bébé, pas d'élément noir ou blanc à ce sujet. Et en fait, quand on joue au piano, le fait qu'il soit blanc ou noir n'a pas d'importance pour la musique, non ? Donc, la façon dont nous allons pointu ou plat est d'une note naturelle en bas d'un demi-tour sur un demi-ton , tout comme un petit rappel est ce petit pas que nous avons appris quand nous avons fait cette échelle chromatique. Techniquement parlant, bonjour. Techniquement parlant, C' est quelque chose que vous ne rencontrez pas trop. Si vous allez de ce F vers le bas un petit demi-ton. Oui, c'est E, mais vous pouvez aussi l'appeler f Flat on. Ce serait aussi fort. Donc E boutique serait également f e plat serait que de même, voici un B. Il est très évident que nous pouvons aller b plat, mais quand nous allons être forte, arriver à cette minute. Donc, cela est appelé C habituellement, mais vous pouvez aussi l'appeler être pointu à nouveau. Ne vous inquiétez pas trop à ce sujet. Vous ne l'utiliserez probablement pas. Certainement pas dans le reste de ce cours, vraiment trop, et vous n'en aurez probablement pas besoin pour composer. Mais il est là dans le contexte de votre logique et de votre compréhension de la façon dont la musique fonctionne de sorte que plus tard, vous n'êtes pas comme accrocher, ce qui suffit est que Non va également rencontrer dans le chapitre où nous parlons du cercle de cinquièmes. Ok, j'espère que ça a été utile. Je te verrai dans la prochaine vidéo 9. Projet de piste ambiante: Donc, je suis grand dans les devoirs dans ce cours, et en général, il est vraiment important que lorsque vous apprenez des choses, vous essayez vraiment de les appliquer. Donc non seulement dans ces tâches que je vous donne, mais dans votre propre travail. Essayez de prendre ce que vous apprenez et appliquez-le tout de suite à la composition de votre propre travail en tant que suggestion, car nous ne voulons pas être trop complexes. Si vous êtes un peu débutant à ce stade, nous voulons faire une simple piste ambiante. Donc, si vous n'êtes pas sûr de la musique ambiante, c'est plutôt lent. n'y a pas de tempo. Par conséquent, vous n'avez pas vraiment à assembler les choses dans le genre de grille rythmique. Dans un tel, vous avez dû passer trop de temps à penser qu'il est assez flottant. Donc ce que je voudrais que vous fassiez, c'est choisir un pad ou une sorte d'instrument semblable qui est synthétiseur ou des cordes ou autre, et essayer avec votre main gauche jouer des accords simples dans votre D. A W. Donc vous venez de frapper record, , puis vous pouvez définir ces cordons, assurez-vous que vous exécutez ou composez dans une clé. Donc ici j'espère réalisé que je suis dans la clé de la fa major B plat et vous tenez juste ces cool. C' est pour des âges. Oui, et puis on se déplace vers d'autres, puis on retourne en arrière et on enregistre à l'intérieur de la fa majeur à nouveau. Une très belle mélodie lente, probablement au piano, avec un bon peu de réverbération. Vous aurez un peu de fromage, mais peut-être un film assez beau, c'est une sorte de qualité. Et c'est un très bon point de départ pour vous rendre compte que vous écrivez à l'intérieur d'une clé et que vous passez juste beaucoup de temps presque un peu comme une méditation, vraiment un peu d'apprendre à connaître la qualité de la clé. Quelles notes sonorisent ? Eh bien, quel son ? Ne fais pas quoi ? Ne sonne pas si bien ensemble. Il suffit de créer une piste ambiante simple. Tu n'as rien à faire avec ça. C' est juste un peu de jeu. Donc, je vois dans la vidéo suivante avec un exemple rapide 10. Exemple de piste ambiante: donc nous allons commencer cette vidéo au piano. Juste un exemple simple hors de la piste ambiante et comment vous appliquez ce que vous avez appris jusqu'à présent dans un processus de composition. Et puis on va aller dans la logique théâtrale et voir ce que j'ai fait ça. Donc, l'une des choses que les gens demandent souvent quand ils pensent ou évaluent s' ils ont besoin d'apprendre le piano pour augmenter leurs compétences de composition est vraiment que si vous comprenez la théorie hors, juste le fait que nous avons un accord ici sur le terrain et je joue ensuite. Mais vous pouvez sûrement programmer tout à l'intérieur de la logique. Eh bien, oui, c'est vrai. Et en fait, selon ce que vous préférez, vous devez absolument vous sentir libre de le faire. Mais ne sous-estimez pas non plus le pouvoir d'avoir ceci à portée de main littéralement au bout de vos doigts plutôt qu'à la fin du bout des doigts d'une souris, ou si vous l'appelez. C' est un peu moins un sentiment musical quand vous cliquez et bougez des choses et sur faire des choses comme ça pour être en mesure de juste un peu de oui, et vous pouvez en fait être plus intentionnel et à mesure que vous construisez votre oreille, votre formation, vous pouvez commencer à entendre les lignes que vous voulez et entendre les cordons que vous voulez. Et c'est une sorte de processus vraiment sympa où tout commence à se réunir. Planifier aussi loin de l'écran est beaucoup plus créatif. Je trouve que je suis coincé très vite si je suis sur l'écran, alors que si je viens de l'autre côté de la pièce où se trouve le piano, mon cher W est là-bas, je sorte de sortir de mon genre d'esprit producteur dans l'état d'esprit compositeur. Et puis je pourrai retourner et retrouver mon état d'esprit de producteur. Bref, tu as vu que j'allais y aller. Laissez-moi le faire un peu plus simplement, je vais jouer un accord dans ma main gauche en jouant Melody Oh, nous devons voir, Major, Essayons en sol majeur, donc contrairement à certaines des autres pistes de ce Bien sûr, cet exemple particulier ne m'a pris qu'une minute ou deux parce qu'il est super facile d'écrire la musique d' ambiance si vous ne l'aviez pas déjà connu. Fondamentalement, ce que j'ai ici, c'est une piste de base. Ce patch ici qui est fondamentalement juste jouer des accords maintenant, Si cela semble mais complexe pour vous, laissez-moi zoomer. Désactivez cette vue ici également. Ce qu'on a, c'est notre simple forme de triade qui se passe là où tu m'as vu jouer il y a une seconde , puis celle là. Puis l'une des notes continue parce que c'est le fond de l'accord suivant, puis la cour suivante, puis la cour suivante. Il y a un petit peu de complexité où je change. C' est un peu avant dans un peu après, mais ce que je fais, c'est cette Triade. forme d'accord de trois notes que vous pouvez voir changer toutes sortes de, euh, eh bien, il n'y a pas de barres, vraiment une sorte de changement juste de temps en temps. Onda. Quoi alors ? J' ai passé le dessus de tout ça. C' est juste moi errant sur le piano à l'intérieur de la clé. Il suffit de voir Major, et puis tout ce que j'ai en bas ici, on les entendra dans une seconde, c'est juste quelques notes qui reprennent exactement ce que cela fait ici , et vous trouverez ça, surtout si vous mettez un loader reverb sur votre sur vos instruments. Tout est un genre de gels ensemble, assez bien et c'est un moyen très facile d'écrire de la musique en mettant sur beaucoup de rivière d'écrire quelque chose qui est assez atmosphérique, c'est pourquoi je l'ai mis comme notre premier exercice. Alors écoutons un peu et je vais ouvrir les pistes et regarder les différentes choses qui se passent à mesure que nous écoutons. 11. Établir la « Gravité » avec des touches: dans cette vidéo, je vais vous parler d'un concept qui est absolument essentiel pour comprendre et utiliser l' harmonie et vous composer des pièces qui ont du sens pour vous et aussi pour l'auditeur qui parle gravité. Nous avons pensé à la grille, et nous avons placé des images verticalement avec une échelle chromatique, puis avançant dans le temps . Ce que je veux que vous fassiez dans cet épisode est de penser à l'échelle majeure transposée verticalement sur cette grille afin que nous puissions y jouer des mélodies et réfléchir à l'endroit où se trouve le centre de gravité. Sachez que ce n'est pas le cas. L' échelle chromatique est la toile de fond de la grille maintenant, mais la grille est maintenant constituée à partir de l'échelle principale, donc toutes les notes que vous voyez sont maintenant transposées sur une grille égale. Si on joue la première note sur une échelle majeure, disons que c'est celle-ci. C' est ce qu'on appelle la note racine ou la note numéro un. Et puis, si nous continuons à travers le chemin de l'échelle, revenez au numéro un. Ce que nous avons est une autre voie. Non, sur. Cela crée un centre de gravité. Donc, notez le numéro un dans l'échelle où est, cependant, très bas est sont point de repos. C' est comme rentrer à la maison. Donc, si nous jouons une mélodie, cela sera tout à fait évident. Et si on bouge ça ailleurs, on fait monter la grande échelle de quelques pas, alors ce centre de gravité arrive ailleurs. Si nous avons déplacé l'échelle principale vers une clé différente. Donc évidemment, je vais juste vous présenter le concept de ça pour le moment, si vous êtes un débutant complet, ça va être un peu difficile à comprendre. Mais je veux juste semer une graine ici et vous faire réfléchir à la façon dont l'harmonie fonctionne vraiment les coulisses parce que vous aurez expérimenté ce sens de la gravité dans la musique, même si vous n'en avez jamais été consciemment conscient. Et maintenant tu vas apprendre la théorie. Laissez-moi vous donner quelques exemples, que vous n'avez pas à suivre exactement. Théoriquement. Mais par exemple, si on joue ici au centre de gravité, c' est un centre de gravité. On se sent à la maison là-bas comme si on avait fini. Et si je continuais à jouer, tu t'ennuies un peu maintenant, non ? Parce qu'il y a ce sentiment que nous sommes juste là et évidemment c'est l' étape de la planification . On est juste au piano. Rien n'a encore de sens en termes d'arrangement complet. Mais il y a quelque chose qui manque là en termes d'harmonie, surtout si je devais continuer à faire ce genre de deux minutes ou quelque chose comme ça , parce que , notre sens de la gravité est juste à un endroit et nous aimons que la gravité bouge. Donc, un exemple est-il contraire à cela ? Et si je l'avais fait ? On a ce nouveau centre de gravité. On dirait bien plus que nous avons levé. Nous avons fait quelque chose de différent, et encore une fois nous avons fait de même. Nous avons ensuite été établis ici. Il y a quelque chose de différent maintenant. Nous avons déménagé dans un autre secteur. Encore une fois, tu n'as pas à comprendre tout ça. Mais tout le sens ou une partie de ce chapitre Le but de ce chapitre est de vous faire comprendre l'idée de la gravité à l'intérieur des échelles majeures et des échelles mineures qui harmonie diatonique . Et cette idée est vraiment, vraiment importante à mesure que nous allons de l'avant. J' espère donc que ce chapitre vous sera utile et je vous verrai dans la prochaine vidéo 12. Le cercle des cinématiques de la grande gravité: Donc, si une échelle majeure crée de la gravité sur leurs 12 notes différentes dans l'échelle chromatique sur laquelle nous pouvons commencer cette échelle majeure, alors cela signifie qu'il y a 12 centres de gravité à grande échelle sur l'une des meilleures façons visualiser et d'utiliser ces différents centres est à travers quelque chose appelé le Cercle des Quinze . Maintenant, au départ, ça semble probablement un peu complexe. Alors emportons-le. Pourquoi on apprend ça ? Eh bien, le bureau du cercle est extrêmement puissant. S' il vous plaît ne soyez pas submergé par la complexité initiale. Cela nous permet de prendre des décisions harmoniques quand nous comprenons vraiment le cercle des cinquièmes. Pour que vous puissiez le voir comme notre boussole musicale. Cela nous permet de déplacer, de moduler et d'utiliser différentes clés de manière très efficace, et nous ne l'apprenons absolument pas. Pour le bien de la théorie musicale, ce n'est pas tout à fait ce qui se passe. Cela provoque un cours très pratique, donc je vous le donne parce que cela améliorera la façon dont vous pensez à écrire de la musique . Mais la complexité pour vous, si vous n'avez jamais lu de musique auparavant, viendra presque certainement de l'assemblage de toutes ces différentes notes et signes Sharps et flats, en particulier ceux qui sont basés sur le Porter avec la clé d'aigus sur les différents signes pointus sur différents endroits de notes. Maintenant, regardons les trois premières clés. Ça pourrait avoir un peu plus de sens pour vous parce que nous avons fait ces grandes échelles. Nous avons fait F sur la gauche, qui a un plat, et vous pouvez voir ce panneau plat G sur la droite avec un signe pointu et qui a un signe pointu et voir en haut. Il n'y a pas de signes pointus car il n'y a pas de Sharps ou de notes noires sur le piano en do majeur. Donc, même si nous allons essayer de coller ces clés pour la plupart de ce cours, je veux quand même expliquer comment fonctionne le reste du Cercle des Quinze dans cette vidéo. Donc je vais rendre les choses beaucoup plus simples et construire tout ça à partir de zéro. Ici. Nous avons juste un cercle et l'alphabet musical, et c'est la meilleure façon de commencer à y penser. Nous allons neiger en mer parce que c'est notre départ qui avec pas ou sont clé de départ sans objets tranchants ou plats va éteindre le sommet parce que c'est le plus simple. Maintenant, si on compte 12345 à partir de C, ça va nous éloigner à 1/5 de C. On doit compter à la hausse aussi, au fait. Donc on va commencer en mer et on va passer par l'alphabet musical, qui est connu comme par ailleurs dans la musique C un D à E trois f ou G cinq. C' est 12345 Maintenant, sachez que nous avons commencé en mer, qui est 12345 ce qui est très différent de ce que nous avons fait quand nous avons compté les espaces entre les notes dans l'échelle chromatique. Ne soyez pas confus parce que cela va vraiment, vraiment, vraiment pas fonctionner si vous comptez les espaces entre les notes que vous voyez ici, j'ai compté les espaces entre les notes et il nous a amenés à un qui est très différent. Donc nous allons voir G est 1/5 12345 sur. Ensuite, nous mettons G autour du cercle des cinquièmes. Au point suivant, faisons la même chose de G 12345 nous amène à D. Nous mettons cela sur le cercle. Si c'est le cas avec D, nous emmène à un Texas à e. Texas à être, et puis nous remplissons le reste du cercle, etcetera, etcetera. Si vous n'étiez pas sûr de ce qui s'est passé à ce moment-là autour du Cercle des Quinze, ne vous inquiétez pas trop. C' est un peu plus avancé pour l'instant parce que nous avons des panneaux plats et nous devons penser à structure de l'intervalle rial de ce qu'il est cinquième. Ne vous inquiétez pas pour ça. Pour l'instant. Il suffit de penser à la lettre G, pas le f pointu et de savoir que G est cinquième loin de D 12345 et en D Flat est 1/5 loin d'un etcetera etcetera comme nous faisons le tour. Parlons donc des signatures clés maintenant ces choses sur la droite. Fondamentalement, ils vous disent juste quelles notes aiguisées ou aplaties comme vous le savez à partir de votre échelle G et votre échelle F. Alors regardons comment cela se construit. Donc, si nous commençons la structure de l'échelle principale sur G, alors nous finissons avec un pointu comme vous le savez notre f pointu. Et c'est pourquoi le sol majeur sur le cercle a un signe aigu comme ça. Si nous faisons la même chose avec D, et que vous voudrez peut-être mettre la vidéo en pause et le faire vous-même. Maintenant, vous découvrirez que le ré majeur avec la structure à l'échelle majeure se retrouve avec deux objets tranchants. Voir boutique en F sharp. Et c'est ce que nous avons vu avec trois magasins. Et c'est ce que nous avons sur la signature de la clé. Nous faisons la même chose à gauche autour du cercle des cinquièmes. On finit avec des appartements. F Major a B plat et puis être plat a B plat, évidemment, et E plat et B plat a e plat, un plat sur B plat, et il va sur rond. C' est ainsi que la partie extérieure ou la partie majeure du cercle des cinquièmes fonctionne sur ce que nous couvrons dans cette vidéo. Espérons que, cela le rend un peu plus simple, Mais parlons de la fonction pratique et utile de la pensée ou en utilisant le cercle des cinquièmes. Et c'est vraiment à propos de cela, que les clés qui sont à côté de l'autre sont les plus similaires parce que presque toutes leurs notes des mêmes C et F n'ont qu'une seule note qui est différente. C' est B plat. De même avec C et G, ils n'ont qu'une seule note qui est différente. C' est f ou f net lorsque vous êtes en G, ce qui rend particulièrement facile de moduler ou d'utiliser des notes ou de partager des points de gravité avec une autre clé. C' est le plus proche parce que vous ne déplacez que la gravité sur une courte distance. C' est le point très important auquel je veux que vous commenciez à réfléchir. Cette modulation déplace vraiment la gravité à un endroit différent. Donc, par exemple, si nous n'utilisons que nos touches G, C et F ici, nous pourrions jouer à la composition, et je vais m'en tenir à des triades très simples pour le moment. Je vais essayer de ne pas faire de voix fantaisistes qui vous embrouillent, donc je vais monter ici va sembler un peu ennuyeux. Notre centre de gravité est beaucoup et voir là. Mais ensuite, si on le change en G, on a un centre de gravité qui arrive maintenant à G et on se sent comme si on était heureux . Donc, plus tard dans le cours, nous entrons dans la modulation et les clés partagées, qui donne une sorte de sensation beaucoup plus intéressante. Mais il suffit de jouer avec cette idée en étant à ce moment précis du cercle des cinquièmes , puis soudainement décider d'être dans une autre clé et de créer le sens de la gravité. Et la moitié vient de votre esprit en tant que compositeur. Mais la moitié de cela arrive aussi à l'auditeur que nous entendons tous inconsciemment , même si nous ne connaissons pas la musique, où se trouve le centre de gravité et le genre de tension et de résolution autour de nous résolu que là où nous le poussons. Donc, par exemple, si vous êtes en grande manière soudainement déplacé en ré majeur, puis de voir comment créer une sorte de décalage intéressant de la gravité se déplaçant à différents endroits maintenant qui sera probablement un peu écrasant si vous êtes un débutant complet. Pour le moment, cependant, regardez cette vidéo quelques fois. Essayez de jouer et de créer un tribunal dans une clé, puis soudainement passer à une autre clé et juste avoir une idée de l'endroit où cette gravité se trouve sur le cercle des cinquièmes toujours imprimé . Peut-être être une bonne chose et le mettre sur le dessus du piano et jouer avec. Là, 13. Créer une échelle et une touche mineures: Maintenant, on va regarder l'échelle mineure. Si nous avons pu créer des formes aussi intéressantes, des accords et des mélodies à l'intérieur d' une échelle majeure, l'échelle mineure nous donne essentiellement le même ensemble d'idées. Mais dans une saveur différente nous donne une qualité de son différente. Voyons ce que je veux dire ici. Maintenant, je pourrais commencer par une ligne de points comme on a fait la grande échelle et dire, c'est l'échelle chromatique et on va jouer celle-là. Joue celui-là, filtre celui-là au milieu, va à celui-là. Mais en fait, il y a un moyen beaucoup plus facile de le faire plutôt que d'apprendre une nouvelle formule entièrement à partir de zéro. En fait, vous en avez deux pour le prix d'un ici parce que l'échelle du thème mineure est contenue à l'intérieur notre peut juste aller. Et vous connaissez déjà cette formule. Laissez-moi vous montrer exactement ce que je veux dire. D' abord ici dans la présentation, puis je vous montrerai au piano. Donc d'abord, oignon, zoom arrière et nous regardons ici avec la flèche orange à notre note racine. Donc c'est la racine de notre échelle où nous avons commencé notre formule à partir de Si nous étendons cela évidemment vers le bas. Donc, nous allons maintenant descendre à travers l'échelle, qui est en train de répéter ce que nous voyons sur le côté droit de l'écran. Là, nous descendons deux étapes, puis nous superposons l'échelle du C majeur. Donc si tu l'avais fait en do majeur, ça nous aurait pris de C B A. Et si on décidait de traiter ça, une note est maintenant notre centre de gravité. Tout comme on a traité la note C. Quand on est dans le major, ça devient notre échelle relative mineure. Laisse-moi te montrer ça au piano. Donc, créer une échelle mineure n'est pas trop difficile quand vous savez comment elle se rapporte à l'échelle principale. Donc, pour répéter ce que nous venons de regarder à l'écran, prenons une de vos balances. Prenons l'échelle G. Tant que vous êtes à l'aise et familier avec cette peur, eh bien, vous devez faire est de descendre à des notes et de commencer sur E. Bon chemin n'ont pas moins aller maintenant c'est appelé la lumière naturelle e. Nous ne passerons pas en revue les autres types de mineurs avant une partie plus tard, bien sûr, mais il suffit de dire que Natural est exactement le même que le major, mais nous avons juste déplacé la gravité vers un autre endroit. Donc, d'une certaine manière, comme quand nous étions en train de déplacer la gravité d'une échelle majeure autour d'une échelle majeure, vous pouvez pousser la gravité vers un autre endroit. Donc, ici, nous avons un moyen. Mais maintenant, nous décidons. Et encore une fois, il est sur l'intentionnalité est un compositeur. Vous décidez de déménager dans un autre endroit, et maintenant nous disons avec la revendication que c'est notre centre de gravité et que vraiment, vraiment, vraiment affecter le son de la paix. C' est plus triste de le dire simplement sur majeur et mineur. Pour le dire vraiment tout simplement est heureux et triste. Onda, si vous n'êtes pas sûr de ce que quelque chose est majeur ou mineur, vous pouvez toujours vous demander quel genre de question avec ce travail. Lors d'un mariage, si quelqu'un jouait, ça ne marcherait pas si bien. Lors d'un mariage, si quelqu'un jouait, Vous voulez la sainteté, son majeur majeur droit, alors jouez avec une petite échelle en termes de trouver à partir de la majeure relative de G, C ou F sur. Ce que vous trouverez, c'est que vous travaillerez sur trois échelles relatives mineures, de sorte que le mineur relatif en do majeur est un mineur en sol majeur sur le mineur relatif de Major. C' est un démon maintenant. Vous pouvez aussi, si vous voulez, si vous préférez penser d'une manière différente. Donc c'est une façon. La façon dont nous faisons ici est que nous ne pouvons pas avec une échelle majeure sans formule, et ensuite nous trouvons le mineur relatif qui lui appartient. Mais vous pourriez aussi simplement apprendre la formule pour l'échelle mineure, et c'est le point vraiment important. C' est pourquoi nous avons commencé avec une échelle chromatique. Si vous pouvez comprendre la structure, n'importe quel contenu, n'importe quel contenu, qu'il s'agisse d'une belle voix, d'une échelle ou d'une mélodie, si vous pouvez le comprendre dans le contexte de l'échelle critique, vous pouvez s'appliquent n'importe où car tout fonctionne sur le système de grille. Donc, le moins va. Tu pourrais nous apprendre 71 ton, demi-ton. Donc, si vous voulez le faire de cette façon, alors vous pouvez commencer sur n'importe quelle note et vous pouvez jouer comme vous le souhaitez. Tu joues l'échelle mineure naturelle. Alors amusez-vous avec cette Intégré Comprendre le mineur relatif de majeur et comment cela fonctionne . Et peut-être essayer d'apprendre l'échelle mineure à différents endroits aussi. Pas seulement vos trois mineurs dans le cadre de ce cours. 14. Cercle de cinématique avec une densité de touches mineures: Alors maintenant, vous savez comment créer une échelle mineure. Vous prenez votre formule à l'échelle principale et vous descendez à des notes sur ce que nous appelons le mineur relatif . Ensuite, nous décidons essentiellement de créer de la gravité à ce moment-là. Oh, donc nous savons déjà d'après une vidéo précédente que le Cercle des cinquièmes est toutes les clés majeures disposées autour d'un cercle. Mais aussi à l'intérieur de cette clé se trouvent les mineurs relatifs à l'intérieur de ce cercle. Regardons ça maintenant. Alors, voyez les majors. Le mineur relatif est un mineur G. majeur. Mineur relatif est mi mineur et F majeur est D, et ils partagent les mêmes notes. Ce sont exactement les mêmes notes, mais elles sont jouées à partir d'un point différent et où nous traitons la gravité d'un point différent. Et l'autre chose est que la relation des cinquièmes de à un T E à B B à F Sharp est toujours en place. Nous avons encore 1/5 entre D. N a, n e e et B, etcetera etcetera. Cela nous permet essentiellement de faire la même chose avec les touches mineures parce qu'il est plus facile de moduler aux touches plus proches parce que vous ne déplacez la gravité que sur une courte distance. Donc ici A. Si vous êtes dans la clé d'un mineur, vous pouvez passer en mi mineur ou en ré mineur et utiliser tous les tribunaux de Naqi sur ce genre de réponses . L' une des principales questions que la plupart des gens ont quand ils essaient de composer au début est comme Quels accords dois-je utiliser ? Comment puis-je déménager dans un autre endroit ? Comment créer une nouvelle section ? Comment puis-je faire quelque chose semble similaire et travailler, mais aussi être excitant et aller de l'avant ? Et c'est l'un des éléments de base de la façon dont vous faites cela avec harmonie. Donc, les clés les plus proches de e mineur sont A et B, et dire quels sont B F pointu E f mineurs pointus relatifs ou proches sont C pointu, mineur et B. Alors ne prends pas ma parole pour ça. Va essayer ça maintenant et puis je te montrerai au piano. Donc, avec voir, le mineur relatif est un à l'intérieur du cercle. Juste en dessous, il est un sur la droite. Nous avons G sur le mineur relatif de G est sur G. à l'intérieur du cercle un arbre. Nous avons e afin que nous puissions faire la même chose que nous avons fait dans ce petit exercice où nous avons décidé d'écrire un morceau de musique qui utilisait les cordons de G, C et F ou plutôt les touches de C, G et F. nos trois mineurs relatifs avec un mineur d mineur sur e mineur également. Ok, donc tu peux écrire un morceau de musique qui commence dans la clé d'un mineur. Ensuite, vous pouvez passer à mi mineur sur. Ensuite, vous pouvez t mineur. Ok, maintenant tu m'as vu faire inconsciemment quelques petites inversions. Ils ne s'inquiètent pas de ça pour l'instant. Vous avez vous coller avec vos accords de reposition dans ces compositions qui vont bien, mais juste il réalise juste que c'est exactement la même chose. Nous décidons de traiter la gravité à un endroit différent et en déplaçant la gravité au cours de notre composition, nous créons une harmonie assez intéressante. Je suis sûr que si vous avez étudié le piano juste pour un peu, même peut être juste les 3 premières vidéos. Vous avez réalisé que les compositions semblent un peu statiques si on est juste à l'intérieur d'un PP tout le temps. On ne fait rien qui soit en dehors de la clé. Le mot pour cela est non diatonique. Donc nous avons écrit des trucs à l'intérieur de la clé et ensuite déplacé le centre de gravité vers une autre clé. Mais la chose importante à réaliser, c'est que vous ne pouvez pas simplement aller à la pointe de n'importe quelle clé, pas facilement de toute façon. Le meilleur cas pour aller au début sont ceux à gauche et à droite ou dans le sens des aiguilles et dans le sens inverse des aiguilles d'une montre autour du cercle des cinquièmes. Donc, parce que nous travaillons avec les balances C, G et F Major et leurs mineurs relatifs, ils partagent une énorme quantité de billets. droite ? Si on regarde en do majeur, il n'y en a que, puis on regarde et on le compare à Jean Major. Il n'y a qu'une seule note différente. Ok, G majeur partage toutes ces autres notes, donc c'est en fait assez fluide de se déplacer entre ces centres de gravité. Si je devais faire une échelle comme la fa major puis la fa dièse majeur, c'est toujours possible. Vous pouvez toujours faire en sorte que ça sonne bien. C' est une qualité très différente, et vous ne le faites pas nécessairement. Il n'est pas aussi facile d'écrire de la bonne musique avoir à réfléchir assez attentivement. Nous le ferons à un moment donné, mais les appareils disent coller avec les trois touches où que vous soyez. Mais si vous remarquez que si vous étiez un peu plus loin autour du cycle des cinquièmes et que vous faisiez par exemple, ré majeur droit ré majeur est très similaire au sol majeur et c'est aussi très similaire. Teoh celui à droite de lui. Alors, qui serait un major de toute façon ? Un peu trop pour cette partie de la vidéo dans cette partie, bien sûr. Mais explorer quoi ? On vient juste d'aller là-bas et je te verrai dans la prochaine vidéo. 15. Apprendre toutes les clés: Donc j'espère maintenant que vous avez appris à connaître votre majeur en sol, votre échelle en fa majeur et évidemment ou en do majeur et leurs trois mineurs relatifs. Et j'espère que vous écrivez d'autres trucs dans certaines de ces clés avec les cordes sur les mélodies DSA dessus. Dans cette vidéo, parler de sorte de au-delà de la portée de ce but de cours, qui est que vous apprenez beaucoup de clés majeures et mineures. Maintenant, avant de penser que c'est un peu trop. Je n'ai pas besoin de ça. Permettez-moi de vous donner une idée qu'il n'y a que 12 notes quand vous pensez à un 123456789 10 11 12 avant de revenir à la même chose. Souviens-toi, si tu comprends cette partie du piano entre mes mains, alors tu comprends tout ça, non ? Donc, s'il n'y a que 12 notes, il n'y a que 12 échelles majeures. Et s'ils ne sont que 12 échelles majeures, ça va être 12 mineurs relatifs de ces majors, et c'est le royaume primaire de la musique diatonique. C' est la plupart des choses que vous entendez à la radio sur Spotify ou autre. Ça ne va pas forcément dans le terrain du film. Certains éléments de filmer de la musique n'utilisent pas juste commencer à venir. Certainement, le jazz , euh, utilise beaucoup plus. Et bien sûr, vous savez qu'il y a un très gros genre là-bas. Ils ne veulent vraiment rien dire. Mais au moins pour la première partie, ce cours harmonie diatonique est la meilleure chose à comprendre. Mais pour votre objectif de six mois d'apprentissage, toutes ces clés. Ce que ça va vous donner, c'est la capacité de ne pas seulement passer par le reste. Ce cours quand nous commençons à faire par la tonalité, modulation , les structures supérieures, tous ceux dans les relations judiciaires, toutes ces choses qui nécessitent une connaissance de différentes clés et échelles. Mais cela va aussi juste signifier que toute la théorie l'ensemble de l' obstruction de la théorie tombe loin, et vous pouvez commencer à jouer avec des modèles comme vous le feriez dans le rouleau de piano ou sur une sorte d'application comme iPad qui vous permet de faire de la musique très facilement. Mais ça vient juste de toi au panel. C' est le but. C' est que la théorie et les clés ont abandonné, et c'est juste la musique dans votre contenu qui a quitté. Alors il suffit de prendre votre tour, tourner, demi-tour et commencer sur n'importe quelle note Ou si vous voulez rendre un peu plus facile au début pour apprendre à connaître ces clés, vous pouvez suivre le cercle si c'est pour que nous allons dans le sens horaire autour de la cercle des cinquièmes et nous avons bien fait G. Le prochain sera à 1/5 de là. Donc ça va être D alors tu joues à l'échelle de ré majeur et tu fais ça pour deux actifs, comme je le fais ici. Vous pouvez rechercher le doigté en ligne Si vous venez de mettre en d majeur doigté piano ou quelque chose comme ça. Vous pourriez avoir des sources moins réputées. Mais vous savez, il y a plein de choses en ligne. Vous pouvez acheter un manuel d'échelle à partir d'un saumon BR sur Amazon en a un bon. Alors alors, vers le bas ainsi avec le grand scandale obtenir vraiment bon et puis plus autour du cercle de cinquième. Donc le prochain tour serait un major, etcetera, etcetera, si nous allons à gauche courir deuxième, si ça tombe à cause de l'effort, être le major si bémol majeur, droite, et apprendre à connaître tout les cordons dans ces échelles juste dans leurs simples voix repositionnées. Et puis essayez de jouer vos progressions d'accords que nous avons faites jusqu'à présent. Des choses comme 1564145251 Vraiment, très simples morceaux juste à l'intérieur de son ski. Donc voici 1564 en si bémol majeur. Je fais des voix très simples ici et ici c'est en majeure. Puis ici, il est en fa dièse majeur et puis commencer à jouer avec des idées simples à l'intérieur de toutes ces clés. Donc, par exemple, voici une idée simple en ré mineur, non ? Et voici dans une mine. Ici, c'est en e appartement, mineur, non ? Donc ces idées air traduisibles, immobiles. Et quand tu les bouges, c'est composer, tu sais ? Un but de six mois, Lionel Keys et moi vous verrons dans la prochaine vidéo 16. Transposer les accords et les mélodies: Donc, dans cette mission, vous allez être vraiment bon pour déplacer des idées et des modèles dans des endroits différents. Donc, tout d'abord, commencez en do majeur pour s'y habituer et prenez un motif sur un cordon. Donc, la façon dont vous voulez penser à cela est par rapport à la racine, pas par rapport à l'échelle. C' est donc la route qui a démarré l'échelle. Mais coupez la racine de la cour actuelle sur laquelle vous êtes. Donc, vous êtes sur un accord D sur la note racine est D Donc votre mélodie pourrait dio 12321 Ensuite, vous passez à un autre tribunal dans cette clé. Donc, le tribunal cinq pour trois et certaines choses sonneront mieux que d'autres et juste venir avec des modèles, peut-être faire des modèles plus aventureux. Donc, comme 51 haut trois bas à 1513 à 1. Et j'appelle ça parce que vous en avez plusieurs dans différentes octaves. Donc, une fois que vous avez fait ça pendant un certain temps, puis prenez des modèles et déplacez-les dans des clés différentes, sorte que vous allez vous transférer. Ce que vous faites ici, c'est que vous transposez dans une autre clé. Avez-vous entendu ce mot et vous demandez ce que cela signifiait. Cela signifie essentiellement prendre le même modèle et le déplacer dans une autre clé. C' est un exemple très simple à l'intérieur du do majeur. 12321 Si on entre dans le major, ce sera une fois 3 à 1 en fa majeur. 12321 Mais ce que je veux que vous fassiez, c'est de transposer votre séquence d'accords. Donc, disons que vous jouez à l'accord un cinq six pour une très célèbre progression froide. Je veux que tu puisses le faire dans deux des clés. Donc, en sol majeur serait un cinq six un f majeur b 15 six. Au-dessus de ça, vous pourriez peut-être ajouter un peu de mélodie. Par exemple. Vous pourriez être comme si votre modèle était de 3 à 1 sur la cour sur laquelle vous êtes actuellement. Donc 3 à 32 Ensuite, passez à une autre touche F majeur sur. Tu vois, on commence à composer, non ? Donc, c'est un son très simple, mais cela a un peu de sens, droite, parce que l'oreille entend un motif déplacé à différents endroits. Et en fait, quand vous commencez à analyser de bonnes mélodies et de bonnes chansons, que vous aimez. C' est souvent ce qu'ils savent tout le temps comme ça. Si on continuait à bouger ce modèle tout le temps, tout le monde, même si tu n'as jamais étudié la musique, on trouverait ça ennuyeux. Vous commencez à le réaliser, mais avec un peu de ça. Il avait un certain son venu sens de la cohésion dans votre musique. C' est donc une bonne idée de commencer à utiliser ceci pour jouer avec ceci dans vos différentes touches, prendre vos motifs et les déplacer à des endroits différents et penser à ces deux couches. Vous avez la toile de fond de la clé elle-même Chardons, votre note racine de la clé. Mais alors la cour actuelle sur laquelle vous êtes a aussi son propre, alors voulez, même si nous sommes en do majeur et j'espère que cela ne donnera que quelques résultats intéressants et quelques idées cool. Mais vous pouvez voir qu'on est en route, et c'est l'important. Penser quand vous composez c'est penser à des étapes assez souvent, l'illusion ou le genre de tentation quand vous travaillez avec le D. A W. Et vous avez plein de synthétiseurs et d'outils de production étonnants est de croire que vous pouvez jeter quelques trucs vers le bas et cela sonnera étonnant tout de suite, surtout lorsque vous utilisez des boucles. Mais c'est un processus itératif. Vous ajoutez des choses ensemble, alors faites confiance au processus. Apprenez ce Onda jouer autour avec elle jusqu'à ce qu'il devienne vraiment confortable. 17. Prenez la composition !: Donc, à ce stade, dans le cours que vous avez fait beaucoup. Vous avez appris sur les balances majeures, les balances mineures. Vous avez appris sur la circulaire, cinquième et la gravité, et vous avez appris sur les accords dans leurs échelles et vous avez déplacé les modèles. Donc c'est beaucoup de choses à faire déjà. Et j'espère que vous avez trouvé des compositions intéressantes ou des trucs dans votre travail qui utilisent le matériel que nous avons fait jusqu'à présent. Ce que nous avons aussi fait plus tard, c'est fondation fantastique pour toutes les nombreuses vidéos qui vont venir tout autour d'une harmonie plus vaste, intéressante, moins de compositions. Mais ce que je vais faire dans cette vidéo, c'est vous donner un peu d'inspiration et dire que ce que nous avons appris jusqu'à présent est assez assez pour faire beaucoup avec. Si je peux expliquer en faisant cette vidéo. Fondamentalement, ce que je fais dans la vidéo suivante est de montrer que vous appelez une composition simple que j'ai fait en utilisant les principes que nous avons fait jusqu'à présent, si diatonique, donc à l'intérieur d'une clé, juste en utilisant ces cordons et motifs de jeu à l'intérieur de cela. Mais j'utilise quelques techniques dont je suis sûr que vous serez au courant. Un producteur ou un auteur-compositeur qui tire essentiellement ces accords et mélodies et les organise sur différents instruments de manière intéressante. Maintenant, sans doute parlant, ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai écrit un morceau de musique en utilisant à peu près seulement les connaissances harmoniques que nous avons apprises jusqu'à présent. C' est dans la clé de ré mineur, et il n'utilise que la clé de ré mineur sur les notes, et il utilise à peu près simplement des accords de position de route. Il y a quelques choses qui se passent, comme des nœuds longs qui joignent les cordons ensemble. C' est un principe qui apprendra plus tard dans le cours. Mais ce que je vais faire, c'est que je vais jouer trois en premier et ensuite on va reconstruire la piste pour que je puisse vous parler de tout ça. - Ok , donc ça peut être assez complexe. Si vous commencez, nous allons plonger et vous montrer exactement ce qui se passe. Donc, tout d' abord, commençons avec ce piano feutré ici, ce que j'ai et c'est la chose que je vous inviterais à faire si vous travaillez avec ah cher w comme la logique, qui a des effets midi comme des haineurs d'arpège. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai tourné l'arpège plus tard et fait les réglages que j' aime. Évidemment, ce n'est pas dans le cadre de ce cours de parler de logique ou de RPG. Il l'est. Mais vous pouvez trouver beaucoup de choses comme ça sur vous, pour moi et d'autres sur le terrain de golf, YouTube et des trucs comme ça. Donc, tout ce que l'arpège fait, c'est de prendre note que vous jouez sur des notes vous jouez et de répéter le ministre dans l'ordre. Donc là, je tiens juste D. Et ce qu'il fait, c'est qu'il joue en 16e notes, et j'ai un peu changé la vitesse. Je vais fermer ça maintenant pour ne pas nous confondre. Mais si je joue maintenant d'autres notes, je fais apparaître ma petite application ici. Mon application Cordy. Tu verras ce que je fais maintenant. Si je déménage dans un autre tribunal, Theo, ça semble assez proche d'un morceau de musique ou d'une partie d'un morceau de musique. Au moins, c'est la chose importante. En tant que producteur et compositeur, ce que vous devez réaliser, c'est que vous avez souvent beaucoup de choses dans votre d aaw qui peuvent vous aider à composer. Je vous fais juste créer les cordons et ensuite ça montre à peu près ce que vous faites d'une manière intéressante. C' est particulièrement bon avec les ennemis de l'arpège. C' est ce que j'ai pour le piano en feutre ici. Et j'ai combiné ça avec un son d'horloge. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais construire, je vais juste copier le son de l'horloge à travers, mettre ici et ensuite je vais rejouer le piano au-dessus du haut, ce que je viens de faire en improvisant. Je pense que cela fait est particulièrement c'est la piste assez filmique. Il crée une sorte de sens de l'attention en dessous parce que je joue différents modes est assez genre de différenciation. C' est en quelque sorte créer le son d'une autre cour, surtout si je veux. Donc c'est essentiellement ce qui se passe en dessous. On va laisser les cuivres et les cordes une seconde. L' autre petit côté, qu'il vaut la peine de mentionner, c'est bien sûr, vous devez avoir un sens des compétences de production et aussi de bons instruments. Et j'utilise fiduciaire Spitfire audio échantillons orchestraux ici, que je trouve absolument incroyable avec juste un simple vous savez, juste une simple note Utkan obtenir le son des yeux la plus belle performance sur trompette donc vraiment, vraiment bonnes choses à utiliser là-bas. Donc je vais aller directement sur ces pistes ici parce que c'est un peu le gros si vous vous souvenez dans la piste ambiante. Ce qu'on a fait, c'est qu'on a joué certains accords avec un pad qui est essentiellement ce qu'on fait ici, mais avec un tapis à cordes. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais juste tenir un accord en ré mineur ici. Cinq ont changé pour Cordy. Tu verras ce que je fais et ensuite au tribunal pour la première fois quand je montre ça aux gens , c'est la première chose qui devrait être, , c'est assez facile à composer. Oui, c'est vraiment facile de composer de la musique comme celle-ci. D' une certaine façon, vous construisez simplement sur les blocs simples et pensez à des modèles. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais poser ça. Maintenant, je vais essayer de garder Corti avant-poste. Je le fais pour que vous puissiez voir ce que je fais. Parfois, je pourrais changer un maintenant dans les cordes comme un pourrait se déplacer vers le bas à G, juste ajouter un peu d'attention et ensuite je vais passer à la façon G accord sur Booth. Maintenant, j'oublie juste le A du haut de ces accords. Et puis je laisserai la terre pour qu'on finisse une longue journée. Donc c'est ce qui se passe là-bas. Je vais quitter cette secondaire, Evo. Je l'ai fait pour diverses raisons. Et puis je vais juste ajouter. Oh, non, désolé. On a le laiton et la ficelle. Donc, en gros, ce que ces gars font, on les solaire juste ici. Est-ce que ce genre d'ajouter une tension rythmique sur essentiellement tout ce qu'ils font Si vous les combinez tous les deux ensemble, j'ai arrangé une partie de l'accord dans les cordes et une partie de l'accord dans un laiton. Ce que vous finissez avec c'est la même corde que celle qui est jouée dans les cordes. Donc les cordes se suivent, donc ici je ne me souviens pas exactement de ce que j'ai fait. Mais ce que je vais faire, c'est que je vais imaginer la même chose avec String. Donc ça suit ce qui se passe, croyez-le . Ils ne font pas tout ça juste pour ton temps. Essayons de faire la même chose des cuivres. Laissons ça là aussi, alors tout ce que je fais c'est à l'échelle du démon. Je sais ce que tu sais jusqu'à présent. Je vais juste jouer des notes aléatoires dans la trompette en ré mineur. Désactivez ce nom de correspondance et vous obtenez l'idée. Donc c'est vraiment, vraiment amusant de jouer avec. C' est un peu la prochaine étape. On a du contenu rythmique. Nous pensons à la grille du rythme ici, et nous sommes un peu plus clairs sur l'endroit où, alors que pas dans celui-ci ici, mais un peu plus clair sur l'endroit où changer les accords. Donc je changeais une sorte de barres toutes les deux là-bas. Par rapport à notre piste Ambien, nous sommes juste un pas en avant. Maintenant, vous pouvez voir comment c'est en quelque sorte de se réunir. Donc, si vous pouviez créer une sorte d'attirer comme ça, ça vous sera vraiment, vraiment utile à ce stade, je pense que je me sens beaucoup plus confiant que, vous savez, toutes ces choses que j'ai appris jusqu'à présent est directement applicable. Tu n'as pas à faire dans un style filmique comme moi. C' est juste ma tendance naturelle. Vous faites dans n'importe quel genre que vous cherchez. Bien sûr, vous êtes de l'instrumentation. Vos rythmes vont changer. Mais l'harmonie. Sans doute, à ce stade, va être fondamentalement la même idée. Vous dans des accords de triade simples à l'intérieur de ces échelles et jouer, jouer une mélodie sur le dessus de ce Cool. Je vous verrai dans le prochain chapitre. Amuse-toi bien. 18. Technique et fluence au piano: Donc, quand je préparais ce cours, je me demandais si je devais vraiment inclure cette section, qui est sur la technique du piano, parce que ce n'est pas comment jouer au piano. C' est une façon de composer avec piano et d'utiliser l'harmonie dans vos compositions et votre travail. Mais plus j'ai fait ce cours et plus planifié, plus je me suis rendu compte qu'en fait un peu de fluidité et de technique physique au piano vous aide à composer. Oui, théoriquement, tu n'as pas besoin de savoir comment mettre tes doigts sur le piano de la bonne manière, non ? Non pas qu'il y ait un droit particulièrement correct. Il y a juste un moyen plus simple de le faire correctement. Vous n'en avez pas forcément besoin. Tu pourrais aller à un D un W parce que tu sais, la théorie du piano va droit ces trois notes sur mon premier accord. Et si je fais ça, je fais ça et puis je joue une mélodie, mais tu vois, c' est vraiment gênant, La façon dont je joue un moment, surtout en faisant ces choses drôles dans mes doigts ici comme ça a l'air de la poubelle. Et en fait, si tu essayes de faire ce que je faisais là. Ça ne se sent pas bien. La principale chose à propos de la composition est que vous vous sentez bien quand vous le faites, que cela vient du flux. chose la plus frustrante pour nous tous, c'est quand nous essayons de faire quelque chose. Viens, j'aime que ça ne marche pas. Ça ne se sent pas bien. Ça a l'air dépouillé, tu sais. Et donc dans tous les domaines, vous pensez en quelque sorte à la technique de Noé. Mais comme l'ergonomie, tout comme la configuration correcte de votre studio avec la souris, vous savez, c'est la même chose. Bref, il n'y a que quelques courtes vidéos, donc la chose principale à penser quand on est assis au piano d'abord et avant tout quand on s'assoit, c'est qu'on est en quelque sorte debout, non ? Comme si vous êtes sur toute une âme sur une moto ou quelque chose comme ça. Peut-être que beaucoup de vélos sur l'exemple espère réellement ainsi de suite. Si vous voyez sur la caméra ci-dessus, j'ai mes deux pieds fermement plantés sur le sol. C' est comme si j'étais ce trépied, non ? Votre bombe sur la chaise dans les deux pieds sur le sol qui vous donne un noyau, ce vrai sentiment de stabilité douloureux sur ma chaise grinçante en arrière-plan, droite, et qui vous donne la possibilité de bouger autour du piano. Bien au-delà, cependant, cependant, lorsque nous jouons du piano, la chose la plus importante à penser est vraiment comment nous avons un impact sur les clés parce que nous avons beaucoup d' impact sur les touches, directement de la manière la plus courante pour décrire que la plupart des gens décriraient jouer du piano serait que nous avons appuyé sur les touches, non ? Tout comme vous appuyez sur les touches du clavier. Mais je veux l'encadrer d'une manière légèrement différente et que nous tombons dans les touches du piano. Ça semble vraiment bizarre et comme, tu sais, un genre de différence vraiment étrange. Mais en gros, on utilise la gravité tout le temps, , si on est juste si tu tiens tes bras au-dessus de tes jambes comme ça, si tu t'es assis et que tu les lâches, je suis trop allé parce que la caméra va aller bien. Vous sentirez qu'ils ont une énorme quantité de poids en eux, est-ce pas ? Et donc si on utilise de cette façon , , on n'aura plus jamais à appuyer sur le piano. En fait, nous n'avons jamais à utiliser nos efforts pour jouer du piano. Cela pourrait sembler un peu ésotérique si c'est un très bon moyen de commencer à jouer sur la raison pour laquelle il y a une raison pour laquelle il est à voir avec la relaxation. Donc, quand vous jouez n'importe quoi au piano, il doit se sentir agréable et relaxant, même si c'est vraiment lourd dans la vie. Donc ça pourrait être très dur aussi, non ? Mais l'essentiel est de se détendre, ation, ation, parce que vous tombez par le vôtre. Il en va de même pour le premier exercice. Ce que je veux que vous fassiez, c'est juste jouer quelques notes et évaluer vous-même sur 10. Combien de ma vie de pression sur une clé en utilisant vos doigts comme ça et combien de ma chute en utilisant mon poids de bras, n'est-ce pas ? Donc, si vous imaginez une balance ici, si c'était une balance comme une balance de pesage et que c'est la clé ici et que vous mettez juste votre main sur leur rien ne se passe, puis vous laissez tomber votre poids et la balance devient plus lourde et puis vous levez votre poids, la balance monte. C' est ce qu'on fait. Le pianiste et rien ne touche le piano. Les femmes. Il ne se passe rien. Et puis j'ai perdu du poids et quelque chose se passe. Donc, une très petite distinction ici, mais a des conséquences puissantes parce que ce que beaucoup de gens trouvent beaucoup de mes étudiants trouvent, c'est que s'ils composent ou qu'ils se brouillent avec des gens qui sont vraiment excités et qu' ils vont en quelque sorte Comme, tu sais, encore et encore et encore 10 minutes plus tard, ils sont comme, comment ça fait vraiment mal, non ? Et c'est parce que faire ça leur président, je suppose que les tambours Teoh sonnent exactement les mêmes droits. Connaissez le son. Il s'agit de toi à la garde du piano, de t'occuper de toi au piano. Donc c'est le numéro un. Relax ation et l'idée de poids. Mais bien sûr, notre poids doit tomber dans quelque chose de bien. Et si nous jouons comme ça avec nos mains étalées quand on devient comme si c'était comme frapper quelque chose, imaginez que comme frapper quelque chose, vous essayez de revenir, que vous avez coulé dans le sol et que vous êtes allé à C'est vraiment stupide. C' est une façon vraiment inefficace de faire. Vous pliez votre bras, vous allez comme ça en ce moment, donnez des choses vraiment beaucoup plus puissantes. Donc la même chose avec nos mains ici, et je vais juste fermer des photos de ceci aussi bien dans le post pour que nous puissions vraiment voir la forme de nos mains ici. Donc ce que j'ai fait là, c'est que j'ai juste détendu ma main, vraiment, et ça tombe naturellement dans ce genre de forme ronde. Droit ? Vous pourriez le faire si vous tenez les mains ouvertes et si vous tournez les bras. Mais ne pas flotter vos poignets comme ça pour retourner vos bras, et c'est généralement ce qu'on appelle votre position naturelle de fonction. C' est la bonne forme pour votre main quand vous jouez du piano. Donc si tu me regardes jouer une balance, ça va être le moyen le plus naturel pour toi de tomber et de jouer avec ça maintenant qui ne reste pas le même tout le temps. Bien sûr, si vous faites de gros accords étalés, vous devez faire ce genre de propagation avec vos mains. Mais comme un lieu central où nous revenons toujours à notre type de technique de base, c'est cette position de fonction avec relaxation, ation et poids à travers nos mains. Donc, dans la prochaine vidéo, nous allons parler un peu de la façon de faire le tour du piano efficacement avec notre doigté 19. Positions et cartes à la main et personnages: Donc, dans la vidéo précédente, nous avons parlé de l'idée de base de la technique du piano, qui est à propos de l'idée. Détendez-vous sur le poids. Dans cette vidéo, nous allons parler de la façon de déplacer le piano efficacement parce que, en fait, c'est comme ça que vous composez. C' est votre outil, et c'est une sorte d'extension de votre pensée. Cela améliore également votre pensée. C' est l'autre principe inhérent et pourquoi vous avez décidé d'apprendre le piano toujours, il a reconnu que le piano vous aidera à réfléchir à la façon de mieux composer. Et si on se déplace, peut émettre un moyen maladroit. Alors notre pensée va être entravée. On ne peut pas jouer à la vitesse qu'on pense. Vous ne voulez pas, comme enregistrer quelque chose comme 60 BPM dans votre D A. W, puis, comme accélérer plus tard et puis penser que ce n'est pas tout à fait correct. Vous voulez pouvoir jouer et penser à peu près à la même vitesse avec vos idées musicales. Donc, il y a deux idées de base dans cette vidéo pour provoquer vos idées, qui est que les positions hors main et les anneaux de doigt juste sur une position de main est fondamentalement à peu près où cinq doigts couvrent sur le piano. Parfois, cela pourrait être cinq notes, ou cela pourrait être un peu plus large que cinq notes et doigté XYZ. Fondamentalement, comment nous allons entre les doigts. Donc on va commencer par des positions de main si on prend une échelle de do majeur, non ? Et je vais le faire dans ma main gauche tout de suite. Si je mets mon pouce sur C, ma deuxième chose sera que mon troisième doigt sera sur un quatrième doigt sera surG et cinquième sur F, etc'est G et cinquième sur F, et parce que ma position naturelle de fonction tombe à peu près là. Tu trouveras peut-être que si tu as des mains plus petites sur moi, que tu finiras comme ça. Si vous regardez le piano en ce moment, mes doigts sont en quelque sorte encombrés sur quatre notes. Si c'est le cas pour vous, étalez-les un peu pour que chaque doigt ait une note distincte. Et avec cette position naturelle de fonction, se sentir dans votre main. Maintenant, il suffit de jouer un seul 12345 et vous allez descendre si vous êtes dans votre main gauche. Si on le fait dans la droite, on va monter vers le haut. 123 et c'est juste une chose vraiment, vraiment évidente que vous saviez probablement déjà. Mais je ne suis qu'une sorte de cadrage d'abord et avant tout. Donc, ce que je fais là, c'est utiliser de la musique à l'intérieur d'une seule main pour chaque main. Alors je peux déplacer cette position de jambon ailleurs. Je pourrais être ça de toute façon. Droit ? Mais ce n'est pas tout le tableau, est-ce pas ? Parce qu'on ne joue pas du piano comme ça. On ne va pas agiter les allèles de nos mains. Déplace-le ailleurs. En fait, nous faisons ça, qui est en voyage, ce que nous avons fait dans la balance un peu jusqu'à présent. Et si vous avez regardé le doigté en ligne, vous saurez que c'est ce qui commence à arriver, c'est que nous allons penser à 123 et ensuite gagné à nouveau. 234, puis a gagné à nouveau. 12 personnes se battent et c'est ce qu'on appelle pivote, non ? Donc, si vous regardez le piano en ce moment, mon premier doigt descend. Un, 234 et puis je peux apporter mon pouce sous 123 pourrait apporter avec eux sur les trois aussi bien. 12 et je pourrais apporter avec eux moins de deux. Donc ceux-ci ou pivote 1 à 1 Teoh, ça utilise maintenant trois doigts sur 12341234 Donc je fais pivoter avec le téléphone. Si je reviens, je pourrais amener mes doigts sur la cabine téléphonique. même chose avec la main gauche. Maintenant, il devient un peu confus, en fait, parce que les mains sont des images miroir les unes des autres. Donc, quand on descend dans la main gauche, le pouce tombe sous. Quand nous allons dans la main droite, les choses plus, choses plus, vous pourriez avoir besoin de regarder cette vidéo à nouveau si c'est un peu à donner en utilisant la vue. Mais j'espère que c'est très simple. Donc le principe de la première règle, c'est que nous ne piquons jamais nos doigts sur nos doigts, non ? Parce que si vous essayez et que je pense ne pas aller comme ça par eux-mêmes très bien, évidemment, nous devons déplacer nos riffs pour le faire. Mais seuls, ils sont très bons pour aller comme ça, est-ce pas ? C' est pour ça qu'on a un peu de pouce, ce qui est incroyablement malléable, non ? Il vient en dessous ou nos doigts passent. Donc la règle numéro un est les doigts. Chaque doigt sur la deuxième règle est que nous ne pivotons jamais sur le cinquième doigt afin que nous puissions aller 1 à 1 pour obtenir 23 avec 31234 une fois avant. Mais on ne peut pas faire ce qu'on peut, mais c'est juste gênant. 1 à 515 Vous pouvez le faire. Bien sûr, vous pouvez que vous vous retrouvez avec ce qui n'est pas très à l'aise. Bien et encore, nous sommes tout au sujet de la détente et du confort. Et quand vous commencez à bouger à vitesse dans les échelles, absolument ne fonctionne pas pour aller comme ça parce que c'est un tout petit peu de tension et un petit peu de tension à la vitesse encore et encore est une mauvaise ergonomie. Alors, qu'est-ce que tu fais avec ça, non ? Eh bien, je dirais un très bon exercice pour que vous commenciez à faire. Commencer à passer à l'improvisation ronde et à générer des idées sans nécessairement avoir à penser à ces idées est quelque chose appelé l'exercice de la main errante où fondamentalement vous jouez des notes aléatoires à l'intérieur d'une clé, non ? Si vous avez joué des notes aléatoires juste sur n'importe quel non, c'est très amusant à faire. En fait, c'est un très bon moyen de se déplacer autour du piano et de comprendre. Faites savoir à vos doigts des choses, parce que ce que vous trouverez, c'est que si vous regardez maintenant, vous pourriez finir par faire des choses comme ça par accident. Mes doigts glissent pour ça parce que mon doigt, peut-être à ce moment-là, n'était pas au courant de l'endroit où était ce doigt. Désolé où était la clé pour que vous puissiez ralentir ça. Mais tu n'essayes vraiment pas de penser à ce que tu vois en ce moment. Je te parle. Je laisse juste mes doigts faire ce qu'ils veulent. Donc qui joue mes doigts juste là, juste en jouant les sentiments qu'ils veulent jouer. Je ne suis pas composé, non ? C' est vraiment un bon échauffement, mais ça ne sonne pas. Brise-le. Alors passons à l'intérieur d'une clé. Vraiment. Toute improvisation est une sorte de version légèrement étendue de ce que nous faisons ici à l'intérieur d'une clé. Alors laissez-moi vous expliquer si je fais cet exercice de la main errante à nouveau, à l'intérieur de la sécurité, grottes mineures du centre droit et un son incroyable. Mais si je mets des accords avec les yeux, idées étonnantes, mais ça commence à sonner un peu comme de la musique, et potentiellement il y en aura. Les pépites là-dedans fonctionnent en fait comme, Eh bien, Eh bien, accrochez-vous, qu'est-ce que ça remonte ? La plupart du temps, c'était une balade, mais c'était un moment où je suis allé comme si j'aimais ça comme une mélodie. Voyons ce qu'on peut en faire. Donc c'est l'exercice de la main errante à l'intérieur de la clé. Et c'est quelque chose que j'aimerais que vous essayiez et que vous ferez dans une vidéo plus tard aussi pour commencer à composer avec. Mais vous devez vous souvenir de vos deux règles, qui sont les doigts jamais au-dessus des doigts , parce qu'il pourrait trouver que vous le faites. Et tu es genre, Hey, c'est génial. J' apprécie ça, puis tu vas essayer de faire des trucs comme ça et tu essaies de le faire et tu te retrouveras à faire ça et ton coude se lève en l'air et tout va mal, non ? Essayez de rester avec l'élément technique de cet exercice tout en appréciant le fait que vous commencez à improviser et je vous verrai dans la prochaine vidéo 20. Tracer des pistes de Wandering des mains en défilant des mains les: Donc, à ce stade du cours, nous avons d'autres téléchargements. Si vous venez de vous diriger vers un lien de point de musicien maigre barre oblique LMC trois, vous allez dans un dossier Google Drive, qui contiendra un certain nombre de choses différentes. Toutes les choses dont vous avez besoin pour le cours, y compris quelques pistes de soutien. Vous cliquez sur ce dossier, vous verrez trois d'entre eux, un en do majeur, un en fa majeur, un en sol majeur en bas comme ces Jam loin et un peu plus à l'aise se déplacer à l'intérieur de l'harmonie de chacune de ces grandes échelles. 21. Projet - Posséder les mains en décours: nous sommes donc en quelque sorte à la fin de ce chapitre sur la technique. Nous avons déjà couvert l'harmonie diatonique et les cordes dans une clé dans le sens de la gravité. Donc tu as déjà composé. Mais je vous invite vraiment à prendre les principes que nous avons appris jusqu'à présent et écrire quelque chose que vous pouvez vraiment commencer à apprécier dans votre travail . Donc, le point de l'exercice de la main errante et ce que nous avons fait jusqu'à présent apprendre le genre de palette de couleurs, si vous aimez hors de ces différentes touches est de vraiment enlever la pression pour vous en tant que compositeur, écrivain et producteur pour générer matériel. Vraiment, le but est de commencer à lancer des idées en marche. C' est bon. Essaie ça. Tout ça, c'est mieux. Ouais, jetons un peu de ça. Ok, c'est cool. J' en ai un peu. Et si je mettais ça avec ça ? n'y a pas d'ego là pour moi en tant que compositeur plutôt que pour moi de penser que de rester assis là . Je dois écrire quelque chose qui est incroyable n'est absolument pas la bonne façon de composer. À mon avis. Quoi qu'il en soit, vous devriez juste jouer avec des trucs, puis le mettre dans votre cher genre de jeu. Ok, c'est bien. Écoute-le. Mettez une rainure dessus. Reviens au piano, peut-être jouer sur le dessus un peu. Mais l'essentiel est d'avoir une sorte de moyen d'écrire avec le clavier. Production Onda Sweet. Donc, fondamentalement, ma tâche peu, si vous choisissez de l'accepter, est d'écrire un morceau en utilisant l'exercice de la main errante sur différents tribunaux à l'intérieur d'une clé ou potentiellement deux clés. Si vous voulez explorer cette idée de ce que cela ressemble quand vous passez directement à une autre clé, juste avec F, C et G ou avec E. D et d'un mineur Donc celui que vous pensez juste exprimer le genre de ce que vous cherchez à la est composé à l'intérieur de ce paradigme que nous avons appris jusqu'à présent sur Gus, je vous verrai dans la prochaine vidéo pour une sorte de réponse courte et simple. Il y avait un exemple de 22. Exemple de mains en découragement: dans cette vidéo, nous allons faire un simple exercice de la main. Transforme-le en ça. Commençons. Donc avec la piste, vous voyez, avant que vous entendiez, tout ce que j'ai fait c'est que j'ai joué quelques cordes aléatoires, clé d' initié sur la piste supérieure, et j'ai joué un exercice de main errante dans ma main droite sur la piste inférieure. Maintenant, ce n'est absolument pas la façon dont je compose habituellement, mais je veux en quelque sorte vous inspirer à explorer si vous êtes un débutant, ce que nous avons fait jusqu'à présent et vous montrer combien il est facile de commencer à générer des idées à partir de simples accords et des mélodies simples générés par l'exercice de la main errante chose à ce sujet est qu'il ne semble pas particulièrement incroyable. Mais ça marche, et c'est l'idée avec laquelle nous travaillons ici. Nous travaillons avec une clé sur la clé prend soin de beaucoup de choses. peu près tout semble harmonieux. Il faut y penser. C' était un phrasé sur la façon dont nous travaillons avec le cordon sous-jacent, mais les quelques idées ici qui peuvent avoir quelques jambes et c'est le point de dessiner ceci est une sorte de croquis et ensuite tirer des idées de lui et voir ce qui se passe. Donc, dans cette session pré-enregistrée de moi sorte d'extrapoler sur ces idées et de leur mettre différents instruments, ce que je vais faire, c'est que je vais avancer rapidement certaines sections, puis continuer la vidéo et parler plus haut afin que vous puissiez rater les parties ennuyeuses de moi trouver le bon instrument sonore et obtenir un résumé du processus de composition, de production ou de création à partir de ces idées initiales que nous avons présentées. Donc, ma première étape avec n'importe quel type de composition est de penser au groupe, même si ce n'est pas nécessairement une piste typiquement groovy. C' est quelque chose qui relie fondamentalement l'ensemble de votre évaluation. Je pense que c'est vraiment, vraiment important ici. Vous me voyez découvrir différents groupes, juste des choses que je n'utiliserai peut-être pas à la fin, mais quelque chose qui va créer une toile de fond dans laquelle je peux encadrer toute mon écriture . Attendez. La prochaine étape est de commencer à trouver une sorte d'arrangement pour cela. Une sorte d'autre orchestration instrumentale. Michael. Il sur trois chose importante est d'être gentil avec vous-même en ces moments. Je sais que ça a l'air drôle, mais ici vous pouvez m'entendre essayer un peu cheesy 80 sons des instruments spatiaux sur. Vraiment, ça ne marche pas du tout. Mais l'important est de simplement essayer des idées, essayer des trucs sur le dessus, élaborer différentes saveurs et ensuite vous pouvez faire plus de distinctions sur ce que vous n' aimez pas ce que vous faites. Comme si vous n'êtes pas sûr en ce moment, posez quelque chose, Décidez. Est-ce que ça marche ? Qu' est-ce que ce n'est pas ? Et puis vous pouvez l'avoir à partir de leur travail sur ce qui est juste après ça. Mais ne vous inquiétez pas de savoir si vous faites la bonne chose sur quoi faire ensuite. Il suffit de poser quelque chose, voir si cela fonctionne, puis de passer à autre chose. C' est donc là que nous arrivons au point intéressant de cet exercice. On commence à décomposer ce qu'on a fait ici. Je prends la première phrase que j'aime à part sur le truc dstets à penser bien ? Comment puis-je utiliser ça comme une mélodie ? Comment puis-je en quelque sorte le définir plutôt que juste une sorte de balade à mains errantes ? Comment puis-je en prendre une petite partie et la mettre sur un autre instrument ? Donc ici, je suis en train de copier sur la ficelle, grimper sur mettre en arrière-plan droit et de penser à comment tout cela pourrait se passer ensemble. Maintenant, quand vous doublez quelque chose avec un autre instrument, comme je suis ici. On a du piano, et cet instrument vient de ma maladie. Bibliothèque de correctifs très. Tu peux commencer à faire une mélodie. On dirait un peu plus intentionnel parce que vous avez deux instruments qui jouent la même chose. C' est un excellent point de départ parce qu'il vous fait sentir un peu plus confiant dans vos maladies plutôt que juste une sorte de ligne de piano légèrement faible. Vous l'avez en fait mis sur deux instruments et il semble juste immédiatement plus composé. Alors voilà, je pense, d' accord. Ok, donc j'ai une petite sorte de motif défini ici. Répétez-le pour que nous puissions en faire plus une chose afin que nous puissions étendre ce modèle ou cette idée et le déplacer autour de la grille de sol majeur, ce qui est la clé dans laquelle nous sommes. Donc c'est ce que je commence à faire maintenant. Donc on a cette mélodie ici. C' est notre motif. Une des belles choses à propos de la logique de W est que vous avez quelque chose appelé quantités d'échelle , qui est ce que nous faisons ici. Donc, voici s'assurer que l'échelle est majeure et que je change la route clé pour être G sur. Ce qui se passe, c'est que le système Kwan lie. Est-ce que toutes les notes de ma mélodie sont à l'intérieur de la clé. C' est ce que je peux faire est que je peux expérimenter avec déplacer ce modèle vers le bas et même pas la peine penser à ce qu'est la clé, ou plutôt de ne pas passer trop de temps à m'inquiéter de chaque individu. Non, je pense plus au geste de cette mélodie. Et puis, bien sûr, s'il y a des notes individuelles comme celle-ci, je veux savoir que je peux tellement garder à l'esprit que nous avons bougé autour de la mélodie. Mais nous devons aussi nous assurer que nos cordons restent en arrière-plan afin que nous ayons une harmonie de fond à penser. C' est ce que je fais ici. Donc on va quelque part. Tout est vraiment tôt avec cette composition dans un instant, mais la chose importante que je vais toujours dire dans ces tutoriels est juste de garder la foi pour votre composition, parce que le problème est que comme vous pouvez l'entendre en ce moment, cela ne semble pas particulièrement sophistiqué ou intéressant. Et vous pourriez perdre la foi immédiatement et penser que je suis un mauvais compositeur. B. C'est des ordures. Tu vois, gros tout à voir avec Oh, je ne sais pas ce que je fais. Mais le fait est que je me souviens que quelqu'un m'a dit une fois que la meilleure partie des projets généralement le dernier 20% où tout commence à se réunir. Rappelez-vous que c'est une sorte de vous au milieu de la création du projet du moment, et il ne sera pas clair ce qu'il devient avant plus tard. Donc ici, j'ai répété quelques sections sur jamais répété les mélodies ou je fais juste ça . Maintenant, je les déplace à travers, et ensuite nous allons réfléchir à la façon dont nous pouvons étendre ces mélodies plutôt que juste le genre de sentiment de pâte de copie standard qui se passe. Je vais les déplacer de plus en plus haut et plus bas et utiliser la fonctionnalité Qantas d'échelle pour nous donner quelque chose qui est toujours dans la clé de sol majeur mais nous donne un modèle plus élevé et puis un autre modèle plus élevé afin qu'il y ait de la variation ici, et je 'd vraiment encourageant, surtout si vous êtes un débutant avec cela pour vraiment jouer avec la fonctionnalité Qantas à l'échelle rend les choses beaucoup plus facile. Évidemment, cependant, fur et à mesure que vous apprenez et progressez, vous ne voulez pas faire ces choses parce que cela ne vous donne pas beaucoup d' intention. Vous voulez être en mesure de comprendre quelle est l'échelle, déplacez vos motifs tout autour. C' est pourquoi, bien sûr, vous apprenez ce cours et étudiez le piano. Donc, sachez tous les éléments de votre demande et l'exercice va être en fait très bon. Cette section ici je suis à l'écoute et je pense à peu près inutile, au moins pour ce que je fais en ce moment. Je n'aime pas le son, alors coupez-le, sortez de votre chemin et commencez à vous concentrer sur les éléments que vous trouvez réellement inspirants ou potentiellement utiles pour ce que vous créez. L' autre chose qui pourrait commencer à se produire lorsque vous jouez et que vous coupez des morceaux, c'est que vous commencez accidentellement ou par inadvertance d'une bonne façon, définissant des sections dans votre esprit. Ici, je me rends compte que cette petite section ici est une partie différente. Même si personne ne m'a dit que c'est ce que je viens de décider, c'est la présence de l'opposition. Donc, je prends ce petit peu, regarde à droite, puis je vais aller de l'avant parce que je veux l'entendre plus tôt. Je suis ou intéressé en quelque sorte de créer quelque chose avec ce petit genre de motif pour le moment que je suis avec l'autre partie va juste laisser cela pour plus tard. Donc ici, je suis en train d'écouter tout le truc, d' obtenir une sorte de sens émotionnel sur le point de savoir si ce nouveau Moti, que j'ai juste de l'autre côté, va vraiment marcher. Théa. Une autre chose que vous pourriez considérer ce qui est votre écriture est de réellement couper en épices et coller différentes parties des cordes plutôt que juste la mélodie. Les cordons ne sont certainement pas hors limites. Donc ce que je fais, c'est que je ne change pas nécessairement la cour. Mais je change combien de fois le tribunal est dit pour que ça sonne un peu plus percussif. Intéressant. Bien sûr, quand je dis intéressant, il est intéressant dans le dos de mon esprit a fait composer. moment, c'est juste sur un simple piano à l'intérieur de la W. Ce n'est pas produit sont vraiment bien arrangés du tout, mais le rythme est une bonne idée. Si vous aviez, comme un orchestre étonnant, il y a un énorme groupe qui fait ce genre d'idée rythmique derrière elle. Ça marcherait vraiment. Donc votre confiance, ces petites forces, petites idées, ostinato ces rythmes et continuer à les voir à travers pour voir ce qu'ils deviendront si plus tard dans ce cours, si vous avez regardé le programme, vous verrez qu'il y a tout un chapitre sur la façon de créer des lignes de base. Maintenant, on n'y va pas maintenant. Mais ce que je commence à faire ici, c'est regarder les cordons que j'ai en dessous et penser, OK, quelle est la note racine ? Quelle est la note de bas de ces cordons ? Et comment est mon travail de base ici ? En fait, à ce stade, vous n'avez peut-être pas une bonne idée de ce qui me base et moi ne le faisons pas. Alors je le laisse allumer. Je passe à un autre élément de la composition et une chose RPG de fond. Donc, c'est là que je saute à travers afin que vous puissiez commencer à ajouter des éléments maintenant. Jusqu' à présent, je n'ai pas beaucoup joué au piano, est-ce pas ? peu près tout a été créé à partir du fichier MIDI que je ne voulais pas exciter la main , mais vous pouvez commencer à jouer des trucs et vous pouvez voir ici. Je joue maintenant des trucs sur le clavier avec un arpège plus tard pour rendre les choses un peu plus faciles pour moi et créer des trucs vraiment intéressants et rythmiques en arrière-plan, ajoutant une sorte de couches plus profondes à la composition. Ce genre de permis à la production un peu sur l'arrangement. Alors, nous avons mis le bassin qui ressemble à ça sur cela pour la première section aussi. Et maintenant, je joue avec une idée rythmique. C' est juste la percussion qui sonne comme ça. C' est un peu plus d'intérêt pour l'arrière-plan, quelque chose que vous ne voulez pas vraiment que l'auditeur soit au courant. Maintenant, nous arrivons à un point intéressant où nous commençons à ajouter quelques éclats et un bon genre de sons de cordes à la musique est un peu un moment que j'aime vraiment où vous commencez ajouter les instruments et les sons qui commencent vraiment à faire le genre de chose sorte de venir à la vie. Donc c'est bien. J' aime cette section, mais maintenant ce que nous voulons faire est d'ajouter une sorte de très belle note longue pour la fin, ce genre de gels tout à fait. Eso habituellement à ce point où je dois prendre du recul, écouter toute la pièce à nouveau sur juste obtenir ce genre de 10.000 aperçu de la saison ce que vous essayez de faire parce que vous pourriez écouter en vous. Et vous réalisez en quelque sorte que la petite chose sur laquelle vous travailliez il y a une seconde ne contribue pas à la façon dont vous voulez qu'une pièce aille dans la direction. Maintenant, c'est unexercice court et simple, exercice court et simple, et je ne sais pas nécessairement ce que je fais avec cette pièce, mais c'est céder. Certains résultats pourraient éventuellement devenir une composition qui m' intéresse et qui veut aller plus loin. Les choses sont vraiment l'étape de l'esquisse. Donc, l'une des choses que j'ai trouvées au fil des ans est que si vous ajoutez des percussions ainsi que tambours, ça aide vraiment. Donc ici, j'utilise la logique intégrée dans la bibliothèque de percussions dramatiques pour simplement ajouter à nouveau l'intérêt. Cela rend les choses super faciles pour moi, et je pourrais le changer plus tard, mais cela commence à faire paraître un peu. Mawr ce que j'avais en tête. C' est juste un grand intérêt. - Agréable et facile. Quelque chose que nous avons créé à partir d'un simple exercice de la main qui pourrait potentiellement avoir des jambes. On dirait qu'on a composé en ce moment, n'est-ce pas ? 23. Introduction aux accords dans une touche: jusqu' à présent, nous avons créé une grande échelle. Nous avons compris la structure de la tonalité et de la demi-tonalité dans cette échelle majeure, ou clé majeure, et l'avons appliquée à différents endroits sur le grain chromatique. Nous avons également constaté que chacune de ces échelles majeures a à l'intérieur une échelle relative mineure sur laquelle nous avons appris à trouver des cas. Et nous avons également appris la structure de l'échelle mineure afin que vous puissiez le trouver à partir de zéro sans avoir à trouver une échelle majeure. Une fois que nous avons trouvé ces échelles, ce que nous avons fait est que nous avons compris qu'il y a différents degrés de cette échelle sur chacun de ces différents accords, nous pouvons appliquer une forme d'accord qui est vieux sage, connu sous le nom de triade, et cela repose essentiellement sur la première note. Quelle que soit la note que nous choisissons sur cette échelle, nous construisons le saut et savons chaque fois que nous pouvons déplacer ces deux endroits différents aussi. Dans cette vidéo, ce que nous allons faire, c'est que nous allons regarder chaque cour à l'intérieur d'une échelle majeure puis d'une échelle mineure, et nous allons discuter et apprendre à connaître les qualités de chaque accord parce qu'ils sont légèrement différent dans un accord de clé majeur. On est toujours fait maintenant quand je dis toujours, je veux vraiment dire toujours. Parce que rappelez-vous, la structure de fond de l'échelle chromatique est une grille parfaite. Donc, quand vous déplacez le squelette principal, différents endroits, les mêmes structures vivent. Leur soi-disant une de toutes les grandes échelles est toujours majeure. Co 2 est la cour mineure 3. Son mineur, appelé quatre est major appelé cinq est major. Six est mineur sur appelé sept est diminué. Ne vous inquiétez pas de ce que ça veut dire. On les retrouvera plus tard dans le cours. Mais pour l'instant, parlons juste des qualités. Si je dis quelque chose comme l'accord majeur est heureux, lumineux, positif, édifiant. Ce sont des généralisations assez générales. Vous pourriez ne pas être totalement d'accord avec ça. Et il y a beaucoup d'endroits dans la musique où un accord majeur semble vraiment inquiétant et peut-être triste sur un accord mineur sonne particulièrement heureux ou plein d'espoir. C' est un genre de chose très différent. Nous parlons très clairement ici, mais il y a une certaine vérité, alors restons-en avec ça pour l'instant. Les accords mineurs sont, dans une certaine mesure, tristes ou vides. Certaines personnes ont dit que l'atmosphère sombre appelé trois a la même qualité à l'époque que nous arrivons au tribunal pour sa majeure. Cinq, c'est six. Mineure encore, puis appelé sept est que je ne sais pas. Appelons ça flippant, déformé, funky ou juste citation. Ce n'est pas tout à fait mineur. Ce n'est pas tout à fait majeur. C' est un peu différent. Donc c'est une clé majeure. Regardons une clé mineure. Et juste pour vous rappeler, la façon dont nous trouvons une clé mineure est par cette page ici. Soit nous commençons sur une note et pensons à ton, demi-ton, ton, ton, demi-ton, ton, ton, ton, ce qui nous donne l'échelle mineure que le mineur naturel ou nous trouvons un majeur échelle pour notre ton normal, demi-ton, tendre intoned, demi-ton sur, nous trouvons le relativement. Quoi qu'il en soit, c'est exactement la même chose. L' échelle mineure naturelle a les tribunaux appelés un est toujours mineur. Deux sont toujours diminués. Trois major, quatre mineurs et on nous appelle cinq, ce qui est intéressant. Vous comprendrez un peu plus pourquoi, c'est un peu différent appelé cinq dans une clé mineure plus tard dans le cours. Pour l'instant, je vais juste dire que ça pourrait être mineur ou majeur. C' est mineur quand on fait juste cordon à l'intérieur d'une clé, mais parfois appelé cinq est modifié plus sur cela plus tard. Cour six majeur et cordon sept est majeur appelé un est triste, Chien vide mineur. Ensuite, nous avons diminué tout de suite pour deux majeur, trois mineur, mineur ou majeur majeur. Alors peut-être que vous pourriez mettre la vidéo en pause maintenant et aller et comprendre ces compétences à l'intérieur des compétences que vous connaissez et voir si ce dont je parle est réellement logique, et si vous êtes d'accord avec elle, vous pourriez ne pas le faire. Ce qui est aussi génial. Apprenez à connaître le son de votre palette de couleurs, qui est l'échelle principale et mineure. Vous devez vraiment comprendre les qualités de ces accords, et plus vous connectez vos sentiments ou émotions à ces cordes à l'intérieur de différentes touches que plus votre habileté et la connexion en tant que compositeur ou écrivain ou auteur-compositeur sera donc dans la dernière partie. Cette vidéo. Ce qui va parler, c'est de savoir comment nommer des cordons. Les cordons de nommage nous aident à comprendre leur fonction à l'intérieur d'une clé, mais vous n'avez absolument pas besoin de les connaître. C' est juste quelque chose que j'inclue dans un cours pour l'exhaustivité sur car il viendra probablement. Donc, nous regardons à la même échelle. Maintenant. Cela fonctionne à la fois en majeur et en mineur. Nous les appelons exactement la même chose. Peu importe si c'est un cordon d'échelle majeur ou mineur un ou une note on appelle la même chose. Le tonique, accord ou la note à est super tonique, puis sous-dominante moyenne, sous médiane dominante sur, puis la note de tête de la cour. Maintenant, c'est drôle. Beaucoup de gens l'appellent l'accord ou la note principale. En fait, je préfère la note subatomique ou le nom subatomique est plus logique pour moi parce que c'est sous le tonique. Quoi qu'il en soit, ce ne sont pas super importants. Vous ne les croisez pas forcément tout le temps. Et comme je le dis, vous pouvez créer de la musique sans eux. Cependant, il y en a trois dont je veux que vous soyez au courant, particulièrement ceux-là, le subdominant tonique. La raison en est parce qu'ils sont connus comme nos triades primaires, et la raison pour laquelle ils sont appelés primaires est parce qu'ils sont particulièrement puissants établir la gravité de l'échelle ou de la clé. Alors regardons ça au piano. J' ai donc mentionné cela à propos du pouvoir d'établir la gravité dans une clé. Donc, vous comprenez l'idée de la gravité jusqu'à présent. Mais les cordons qui créent la gravité ne sont pas créés égaux dans le sens où certains accords créent la gravité plus que d'autres. Droit ? Et ces triades primaires appelaient 1 45 presque classiques, celles avec lesquelles nous pouvons établir la gravité. Donc si on commence par jouer cet accord ici, c'est un tribunal F. Droit ? Mais parce que nous connaissons quelques échelles maintenant, nous connaissons f majeur sur. Nous connaissons C. Major. Nous connaissons aussi ré mineur, le mineur relatif de fa majeur. Aussi une petite discorde en ce moment. Ça pourrait être dans n'importe laquelle de ces clés, donc on ne sait pas où sont à la maison des siècles I, où est notre centre de gravité est ce que je veux dire. Donc, dès que je joue, appelé un, puis quatre et puis cinq de fa majeur moyen ont un sens maintenant, pas seulement théoriquement, parce que nous avons cette note dedans, que nous savons n'appartient qu'en fa majeur en ré mineur. Mais nous avons un sens à cause de la structure de ces accords que nous avons maintenant raison, et c'est un point vraiment important parce que nous avons joué appelé un cinq sur. Ça a créé ce sentiment de sans-abri, si on le faisait dans une autre clé comme le sol majeur, ce qu'on appelle 145 g. Si vous voulez mettre la vidéo en pause maintenant et travailler sur ce qu'ils sont G est un c est pour diace cinq sur. Maintenant, nous sommes heureux d'atterrir ce G. Donc si je recommence à partir de F. Major maintenant, pense que c'est notre centre d'accueil. Mais si je fais la même chose maintenant en sol majeur, on ressent soudainement ce centre de GSR. Cela touche donc à un principe qui apprendra plus tard, qui concerne la modulation. Mais pour le moment, sachez juste que vos triades primaires, fois en majeur sur mineur, créent ce vrai fort sens de la gravité. Ces noms vous aideront donc à comprendre et à familiariser les sentiments de chacun de ces tribunaux à l'intérieur de ces clés. Donc, pendant que je disais, vous n'en avez pas besoin, je les trouve personnellement très précieux, parce que quand je mets un nom sur quelque chose, ça me permet de l'étiqueter et ensuite ça le verrouille dans mon esprit plus comme un compositeur, je sais que OK est un peu comme dire, si vous êtes un peintre, et que vous ne l'avez pas appelé rouge, rose bleu. Mais vous avez juste utilisé les couleurs correctement. Il y a quelque chose d'utile à l'appeler rouge, bleu ou rose. Et c'est ce qui se passe ici. Alors, vas-y. Ok, donc tu penses ok, eh bien, on utilise un froid depuis un moment. Le tonique, peut-être que je veux déménager. Et maintenant, je veux utiliser l'état Triade primaire pour établir la clé. Et maintenant, je vais voir les sous-médians parce que je sais que c'est le son mineur et ensuite je vais descendre au cordon primaire pour un. Donc, expérimentez avec ces noms et apprenez à les connaître un peu pour la théorie et certaines choses que nous faisons pour ce cours, mais aussi parce que cela pourrait être bénéfique pour vous dans la façon dont vous composez et je vous verrai dans le vidéo suivante 24. Analyser plus de 1000 sons: Donc, deux ressource rapide est que je veux partager avec vous à ce stade, alors que vraiment une ressource, qui est la théorie du crochet dot com. Et puis la première de ces ressources est ce robinet théorique ici ? C' est donc un moyen vraiment, vraiment utile de comprendre la théorie derrière les chansons. Si vous n'avez jamais regardé ce genre de chose avant sans aller trop loin dans une sorte de théorie de la musique et des choses comme ça, vous pouvez le visualiser comme si nous avons le rôle de piano dans Idea W. Et nous commençons aussi à avoir le nombre d'accords en dessous, ici. Sauf qu'ils sont écrits en chiffres romains ici. Donc chiffres romains. Si vous n'êtes pas sûr d'eux, vous pouvez les consulter en ligne. Fondamentalement, c'est juste une façon de compter dans les symboles. Rend beaucoup plus clair à certains égards sur. Ensuite, vous avez les noms réels des cordons ici aussi. C' est une ressource vraiment, vraiment utile. Vous pouvez simplement cliquer sur l'une de ces chansons et aller encore plus loin avec elle et la laisser jouer et comprendre ce qui se passe maintenant. Si vous n'êtes pas sûr, un onglet théorique est, ils ont une vidéo explicative très utile sur cette page d'accueil, qui passe par elle. Et j'explorerais les différentes choses qu'ils ont dans leur bibliothèque. Certaines choses ici qui un peu moins applicable à certaines personnes, peut-être, et puis d'autres, par exemple, pour les compositeurs de film, en fait beaucoup plus intéressant matériel, et vous commencent à réaliser que, en fait, même si Taylor Swift sonne comme Taylor Swift sur Game of Thrones sonne comme Game of Thrones en dessous, l'harmonie fait des choses similaires savent exactement. Mais ce n'est pas nécessairement l'harmonie qui crée le genre. C' est beaucoup plus l'ensemble des autres choses, donc l' harmonie peut être apprise universellement, même à partir de chansons que vous pourriez ne pas nécessairement aimer. L' autre ressource est quelque chose de leur blogué. Ceci est fait il y a un certain temps par Dave Carlton, mais fondamentalement ce qu'il a fait est ici genre de chiffres essentiellement crunch sur plus de 1000 chansons et sorte de fondamentalement regardé les données de celui-ci et a posé certaines questions comme Sont certains accords plus couramment utilisé dans d'autres cordes communes et ce que le maïs est le plus susceptible de venir après cette corde ? Quelles sont les clés les plus courantes vraiment, vraiment répond à beaucoup de questions que je sais que les étudiants ont au début à propos de Hey, quelle est ma base ? Quel est le truc standard ? Parce que ce n'est pas comme si on essayait d'être standard. Mais si vous connaissez le genre de styles et de conventions centraux, ce que vous pouvez faire est de construire sur eux afin que vous puissiez les trouver en allant aux Earls. Dans ces deux pages, celle-ci est un peu longue. Je l'ai juste trouvé en cherchant Google. J' ai analysé les 1000 cordons, et même si ce n'est pas 1000 là, il l'a trouvé. Mais vraiment, le principe le plus important que je veux que vous rapportiez à la maison avec cet article de Blawg en particulier n'est pas que vous devez simplement lire cet article de blogueur. C' est qu'en analysant des centaines de morceaux, vous gagnez plus de perspective. En tant que compositeur, vous construisez plus de matériel et plus de conventions et de compréhensions sur le fonctionnement de l' harmonie. Malheureusement, juste lire l'article Dead Cartons ne va pas vous donner une énorme connaissance de travail de l' harmonie. Tu vas voir quelques conventions. Absolument lire ceci. C' est très utile. Mets ta tête dedans. Mais l'une des choses les plus importantes, tout comme l'apprentissage de toutes les clés, était une mission à long terme que je vous ai imposée au-delà de la portée de ce cours. En outre, je dirais que l'apprentissage d'au moins 20 ou 30 chansons différentes ou chansons qui ont différents types d'harmonie en elle serait super utile pour vous parce que c'est un peu comme apprendre des mots, des langues et des histoires finalement, vous devenez de plus en plus articulé. Donc, vraiment, vraiment mettre ça comme un objectif. Malheureusement, je ne pense pas que je vais vous donner les bonnes chansons à faire, parce que ce serait tout simplement faux. Ça n'aura pas de sens parce que les bonnes chansons pour moi ne sont peut-être pas la bonne langue pour toi . Si je te dis d'apprendre des tas de Spice Girls ou quoi que ce soit, alors tu n'apprendras pas la bonne musique pour toi. Donc, fondamentalement, ne sont pas nécessaires. Tu n'as pas besoin de commencer. Continuez à suivre ce cours et vous comprendrez comment apprendre et trouver toutes les cordes pour toutes les chansons qui vous intéressent. Ensuite, la fin de ce cours, vous pouvez commencer vraiment à faire un entraînement en apprenant de plus en plus de morceaux, alors j'espère qu'un jour, vous pourriez même savoir jusqu'à vous le savez, quelques 100 morceaux. Pas nécessairement que vous pouvez faire par cœur, mais sont dans votre inconscient et donc sortira à travers vos compositions. Espérons que c'est utile dans cette étape sur. Je vais voir dans la vidéo suivante, nous allons commencer à parler de Maura sur les progressions d'accords courantes au piano. 25. Progressions et conventions communes: donc deux autres ressources est de la théorie des crochets dot com. Il y a un site absolument brillant avec juste tellement de bonnes choses vient de l' analyse de cette énorme base de données, et c'est exactement ce que je disais qu'il sera. Ce genre de connaissances deviendra naturel pour vous une fois que vous aurez étudié beaucoup et beaucoup de chansons différentes. Mais pour l'instant, vous pouvez réellement interagir avec cette base de données sur sorte de faire certaines des distinctions qui viendraient après avoir appris beaucoup, beaucoup de chansons vous-même après une longue période. Donc c'est vraiment, vraiment utile. Donc celui-ci, que vous pouvez le voir crochet théorie point com slash tendances vous permet de poser la question Quel cordon est le plus susceptible de venir après celui-ci et vous pouvez choisir quelle clé ? Donc nous avons travaillé en C, G et F, donc vous pouvez les choisir. Et à mesure que vous apprenez plus d'échelles, vous pouvez changer ici et cela vous permet de dire OK, eh bien, j'ai joué un tribunal mineur, qui s'appelle trois. Qu' est-ce qui est le plus susceptible de venir après e mineur et qu'est-ce qui est le moins susceptible d'en venir après lui ? Propriétaire. Donc ici, le plus appelé à venir après e mineurs que nous avons vu jusqu'à présent est F Et puis vous pouvez effectivement cliquer sur une de ces chansons ici, et il vous montrera l'analyse de cette chanson et vous pouvez la voir en action. Donc nous sommes ici à mi mineur, dans la seconde de l'histoire, dans la quatrième barre de cette chanson, aller à F et puis vous pouvez l'écouter là-bas et ensuite vous pouvez le jouer égal à sept. Changer la clé de celui-ci et apprendre que dans toutes les clés, donc absolument brillant ressource pour obtenir une sorte de conseils contextuels. Donc, en d'autres termes, vraiment, conseils vraiment, vraiment non théoriques. Ce n'est pas seulement abstrait des chansons. Vous pouvez écouter et lire les chansons et comprendre comment les cordons fonctionnent dans leur contexte et pourquoi ils fonctionnent. L' autre est la page commune des progressions d'accords, et vous pouvez le trouver sous le logiciel puis les progressions. Ou tu pourrais trouver ça à travers le comte à l'écran. Maintenant, Maintenant, il y a quatre onglets différents ici. Nous avons des progressions d'accords de niveau débutant dans les médias intermédiaires à avancés. Évidemment, ceux-là, à ce stade du cours, il y en aura quelques-uns délicats. Mais à la fin de ce cours. Mon but est que tu comprennes tout ce qu'il y a ici. Donc, au début. Si nous ouvrons cela, ce que nous voyons est là joueur standard ici où vous pouvez interagir avec la progression réelle de l'accord . Andi, toutes les chansons qui utilisent cette progression. Ici, nous avons la progression 1564, la plus célèbre. Et puis nous descendons et nous pouvons rencontrer la progression de Pac Bell 15634 et puis beaucoup d'autres . Donc, je voudrais entrer dans cette page et vraiment, vraiment comprendre les cordons qui sont dans cet onglet débutant. Et comme je l'ai dit, la fin de ce cours, j'espère que vous serez en mesure de comprendre tous les autres à l'intérieur des intermédiaires et avancés. Donc j'espère que maintenant vous avez été dans le bloc de théorie des crochets et aussi la progression des accords ou les progressions des accords standard que je vous ai montrées dans une vidéo précédente . Je veux ajouter seulement quelques-unes de mes propres notes, parce qu'il y avait des progressions ou des principes qui n'étaient pas couverts dans les progressions d' accords standard, bien parce qu'il y avait des progressions ou des principes qui n'étaient pas couverts dans les progressions d' accords standard entendu, entendu, parce que ce qu'ils ont fait c'est qu'ils ont dérivé ces distinctions d'une grande base de données . Mais il ya quelques autres choses que je pense que je peux ajouter pour que la chose de base qui est vraiment, vraiment important à comprendre quand vous travaillez à l'intérieur d'une clé, qui est appelé diatonique. Donc si je suis en do majeur, tout ce que je joue en dehors de la clé, comme ces billets les plus évidents à voir avec le do majeur, c'est non diatonique, alors que si c'est diatonique, c'est dans la clé. De même, avec le sol majeur, c'est tout diatonique. Mais si je joue cette note, c'est non diatonique parce que ce n'est pas dans la clé. Donc, avec toute sorte d'harmonie diatonique, le type de progression le plus fondamental est appelé un accord cinq, puis attrapé un à nouveau . C' est cette relation entre un et cinq, et tu entends parfois le mot dominant, et c'est parce qu'on y va. Nous appelons cette route et ils manquent le dominant. Donc 12345 et vous l'entendez tout le temps. Donc, par exemple, si vous finissez et un concert qui va cinq une relation très importante, revenons à l'intérieur, voir pour que vous puissiez voir que c'est 151 à l'intérieur. Vous voyez, Major. L' autre est un pour un sur ces cordons. 14 et cinq ont appelé Triades primaires parce qu'il y a trois notes construites de tiers sur primaire parce que leur plus important, dans un sens, vous pourriez dire important dans les commentaires inversés. Mais ils appellent la Triade primaire d'une échelle, et cela fonctionne de la même façon à une échelle mineure. Son mineur, son tribunal un tribunal pour et Cord cinq pour diverses raisons. Je ne vais pas jouer ça si tu connais un peu la théorie. Parfois, on fait ça. Appelons juste ce sont des triades primaires pour l'instant. Donc, à l'intérieur de toutes vos progressions d'accords, penser à un feu étranger est assez important que des cordes vraiment, vraiment puissantes. Mais au-delà de cela, par exemple, la progression 1564 notre 1ère note va ou désolé, notre première et deuxième cour vont 1256 sur. Avant que vous puissiez aussi faire un six. C' est un autre célèbre. Et encore une fois, je garde mon jeu très simple en ce moment. Quand on entrera dans les voix et tout ce genre de choses, ça sonnera beaucoup plus intéressant. Tout est un peu plus. C' est juste parce que je m'assure que tout le monde puisse suivre les choses. Donc, l'autre chose à penser à la chose finale vraiment, pour les progressions ou conventions d'accords communs n'est pas seulement la relation 15 dans la relation 14 , mais aussi le cercle de la relation cinquièmes. Parce que si nous allons autour du cercle des cinquièmes, par exemple, de nous allons de D, qui est deux pas à droite de voir si nous restons en do majeur, Il était 1/5 loin de D gauche autour du cercle des cinquièmes T g et puis, pour voir ce que nous faisons, c'est un cinquième secondaire. Donc oui, AGI est cinquième loin de la mer, mais aussi D est 1/5 de G. Donc nous avons ce genre de cinquième mouvement. Donc nous sommes 1/5 loin de G, puis 1/5 loin de C. Et ça nous donne si nous restons diatoniques. Donc tous les cordons, pas en ré majeur, mais en ré mineur. On joue ça. Ça sonne comme ça. Ok, on. Ça s'appelle un à 51 parce que ça est appelé dans cette cour cinq, et ça en a pris un. Et cela fait simplement allusion à quelque chose qui va devenir trop tard dans le cours, ce qu'on appelle la domination secondaire. La dominante secondaire nous permet d'obtenir un G dominant puis un dominant de voir So D agit comme un gène dominant. Et puis Jay joue est dominant à voir, et ça nous donne un très beau son. Donc c'est le cercle des cinquièmes et comment vous pourriez y penser. Si nous étendons cela encore plus loin, nous allons juste autour du cercle des cinquièmes jusqu'à E. Ne vous inquiétez pas trop d'essayer de comprendre cela et ne rendez pas cela plus compliqué que ça ne l'est. Vraiment juste voir est de faire le tour du Cercle des Quinze, et ça aurait l'air si j'y mettais de belles voix intéressantes. Ce serait une dernière chose que je veux juste répéter sur les principes qui sont venus de la théorie du crochet. La recherche est que Chord 3 est un tribunal difficile à gérer et vous remarquerez, d'après les données vous lisez ces articles, que la Cour 3 est assez difficile de passer de la Cour 3 à une autre. Ça ne semble pas souvent aussi bon que vous l'espériez. Certaines chansons font vraiment que ça marche, mais sachez juste que la Cour trois est un peu difficile si nous allons voir pour moi, cette question Corbyn ne fonctionne vraiment pas. C' est un peu ce qu'il est un peu faible d'ici à ici est ok de 1 à 3 est bien sur le lien. C' est un peu déçue d'une manière ou d'une autre. Encore une fois. C' est juste mon opinion. Tu dois utiliser le vôtre ici, mais sois conscient de ça. La gestion de l'appel 3 est très importante et certainement attrapé sept parce que ce que nous avons c' est que ça s'appelle une cour diminuée. Ne vous inquiétez pas encore de ce que cela signifie, mais c'est un peu étrange là-bas. Donc 1245 et 6 ton genre de vrais cordons standard quand tu écris Lee diatonique, je veux ajouter une chose ici, qui est sur la tension et la résolution sur ce principe dans la composition. Sur écrire n'importe quoi est vraiment important. C' est également important dans tout autre type d'art qui utilise le temps. Donc, par exemple, du cinéma, vous avez un personnage qui commence et elle a peut-être un événement. Donc, ça commence OK, et puis il y a un événement qui se produit et qui incite à l'événement. Et puis elle part dans un voyage Andi sorte de trouver quelque chose, a des luttes et puis se termine. Donc vous avez des tensions sur la résolution du grand arc de l'histoire. Vous avez la résolution au début ou une sorte de facilité son intention, puis il en résulte. C' est l'arc classique de l'histoire et dans les cordes et l'harmonie, c'est souvent ce que nous recherchons si j'ai juste. Si je joue la chanson tout le temps, c'était, genre, jamais et jamais ça renaîtrait vraiment parce que ces cordes appelaient une importation. Trois Assez relaxant, non ? Ils n'ont pas l'impression d'aller nulle part. Alors que si je fais ça, j'appelle 1 à 2, on a l'impression que nous sommes sur le point de voyager ailleurs et surtout avec la Cour 5. Si je m'arrêtais soudainement là, tu es genre, non, j'ai besoin que quelque chose d'autre se produise. Il s'agit d'une attente. Donc c'est cet équilibre d'attention, attention, résolution, mais pas tout à fait sur un peu d'attention, parce que nous voulons être, oh, retour ici pour décider de penser à cela quand vous construisez ces pièces de composants à partir des choses standard que je viens de passer et également présentes dans les pages de théorie des crochets . Andi, pense à la tension et à la résolution et à quel point c'est efficace pour ce que tu essaies de faire est un compositeur 26. Différencier 30 % - Modifier les progrès des accords Standard: donc un principe rapide ici sur la modification des progressions d'accords standard. Parce que si j'étais toi et que je commençais juste quand j'entendais parler de tout ça, je me ça, disais Pourquoi est-ce que j'apprends toutes ces progressions d'accords ? Je veux me lancer dans des trucs plus intéressants. Ou comment est-ce que j'écris mon propre truc ? Comme je l'ai dit, une fois que vous les internalisez, vous finissez par les mettre dans votre propre ordre. Comme je l'ai dit, une fois que vous les internalisez, Et comme vous le voyez, il n'y a qu'un nombre limité de tribunaux. Donc, en fait, tout le monde se répète et se copie. Mais une idée, si vous n'êtes toujours pas satisfait de cela, cela vous aidera est l'idée de changer quelque chose de 30%. Alors prenons la progression 1564 juste si vous changez peut-être une partie de ce droit ? Alors au lieu d'aller à cinq, allons écrire. C' est tout à coup différent maintenant. Évidemment, quelqu'un aura écrit cette progression d'accord avant que vous ne puissiez pas vous en sortir. Votre unicité et votre son ne viennent pas à ce niveau. C' est comme le bloc de construction sur le fonctionnement de la pièce. Toute votre nuance vient dans l'arrangement. Tu sais, la production, chant, tout sauf ça. Faire ce genre de différence est plus satisfaisant pour vous parce que vous savez que vous avez fait un peu de composition plutôt que d'aimer prendre un bloc et aller livre. J' utiliserai cette progression standard, cette idée de 30 % de différence. Donc s'il y a une chanson que vous aimez vraiment le son comme Dieu, j'aime vraiment ce son gardera les éléments que vous aimez vraiment. Le son est éteint, non ? Dis que c'est un six, non ? Tu vois comme ça. Mais tu ne veux pas en avoir cinq parce que c'est comme la progression standard de 1645. Tu pourrais essayer autre chose. Changez les cinq. Ne vous inquiétez pas trop de ce que je faisais là-bas. Si vous générez complètement le piano, nous couvrirons tout ce qui était juste en termes de voix plus tard. Alors ça. Mais ce que je faisais, c'est que je jouais à 164 et que j'ai gagné à nouveau, non ? Mais j'ai fait un arrangement différent à la fin. Mais vous voyez là, je prends quelque chose que j'aime vraiment dans une chanson existante, tournant 30% et en la faisant mienne. Donc c'est votre mission pour ça. Une partie du cours est de prendre un certain nombre de chansons que vous trouvez ou un certain nombre de ces progressions sur, puis de les changer environ 30% puis de le faire vôtre. 27. L'accord 5 dans une touche mineure: Donc, quand vous jouez à la cour dans une clé et que vous êtes dans une clé mineure, l' une des choses qui devient souvent un peu déroutante est ce qu'il faut faire avec la Cour. Cinq l'ont probablement mentionné dans quelques vidéos auparavant, car il peut s'agir d'un accord mineur ou d'un accord majeur. Alors regardons ça. Voyons maintenant dans un mineur, qui est le mineur relatif du do majeur. On va se faire prendre. Un, 23 Il y a Court 5 si on joue de façon purement diatonique, je n'utilise que les notes de la balance. Mais j'ai probablement mentionné avant que ce que vous pouvez faire avec la cour trouve que vous pouvez prendre cette note du milieu qui lui donne un son légèrement plus puissant quand vous vous déplacez entre les accords et les yeux, un centimètre de la note racine de la clé, il lui donne donc plus de pouvoir. Déplacer ce cordon un. Si je joue des accords 145 avec la version naturelle de Court 5. Alors, où on ne change pas le deuxième prénom. Je jouerai aussi vite et écouterai le son. Pourtant, un grand son est beaucoup, beaucoup de changements qui ont utilisé ça, mais si je le fais maintenant, heu, quelque chose à propos de la préparation de ce dernier accord qui a plus d'attention, ce qui se traduit par dans un demi-ton. Donc ce que nous faisons là-bas, c'est nous sommes en train de le faire de la Cour 5 et de Lina Court. Vous apprendrez exactement comment les enregistrements mineurs ont travaillé tout au long d'un major. Oui, faisons-le dans les deux autres clés. Faisons-le en ré mineur accords de jeu 14 et 5 en ré mineur en mi mineur. C' est à quoi ça ressemblerait si c'était dans notre standard, mon maintenant avec façon naturelle. Et vous verrez cela dans les régressions froides courantes que je vous donne dans les feuilles d'harmonie Cheat dans ce, bien sûr, et aussi au-delà de ce cours en sorte d'analyse de la cour, et vous verrez que je vais vous apprendre à lisez toutes ces choses. Mais la chose à réaliser est que lorsque vous êtes au tribunal cinq, qui est souvent écrit avec un V, il sera écrit avec un V majuscule si c'est la majuscule ou une minuscule, si c'est le mineur et cela crée un très, très son différent. Donc, si nous l'une des sociétés que nous étudions plus tard dans le cours est le temps de Hans Zimmer, qui est un morceau de l'interstellaire. Pas de création. Je suis confus entre deux. C' est donc une très bonne progression, et ça se passe comme ça. Ce que cela fait dans l'échelle d'un mineur est de jouer appelé un cinq dans sa forme naturelle. Sans cette note, puis nous allons au tribunal sept cinq. Je suis juste vraiment, vraiment beau son. Si nous devions changer ça pour un tribunal majeur cinq, ça ne marcherait pas. Peut-être, mais certainement non, c'est non, ce n' est pas bon pour la progression temporelle. La progression temporelle est définie par ce sentiment d'aller. C' est une sorte de cour cinq flottante vide. C' est donc une petite clarification pour réaliser que cet accord peut changer, parfois en touches mineures. 28. Feuille d'harmonie :: C' est donc une vidéo rapide pour expliquer la ressource téléchargeable à ce stade, qui est la première étape. Harmony, Cici. Cela rassemble tout ce que nous avons appris jusqu'à présent dans quelque chose qui vous permet de simplement garder sur le bureau de votre ordinateur ou même imprimer. Si vous voulez, rappelez-vous simplement plutôt que d'avoir à revenir à travers les vidéos. Donc, si je fais défiler ici, ce que nous avons est tout ce que nous avons fait dans l'ordre, les points fondamentaux et les formules. Nous avons donc la formule principale relative majeure, relation mineure, formule d'échelle mineure , etc. Nous descendons tout le chemin avec le cercle des cinquièmes. Une ressource de théorie des crochets est des liens et aussi des éléments d'accords communs et des progressions. Et je voulais en parler très brièvement. Ce n'est absolument pas exhaustif et n'est absolument que mon opinion. Je ne peux pas faire quelque chose de super objectif ici, mais au fil des ans, c'est un professeur de piano. J' ai appris une tonne de chansons, et j'ai enseigné un certain nombre de personnes, et j'ai distillé les progressions d'accords les plus essentielles ici. Maintenant, il est vraiment impératif de prendre ces éléments, puis de les construire et de les gâcher avec eux. Donc, ce que je dis essentiellement ici est tout le travail du bien, mais je ne dis pas que ce sont les meilleurs ou quoi que ce soit du genre. Loin de là, ce sont les blocs de construction. Ainsi, par exemple, que nous commençons à atteindre les plus longues progressions en bas ici, soit en majeur ou en mineur, ce que vous pouvez commencer à faire est de changer les choses autour. Donc, au lieu de 1564 ici, vous pourriez faire 1456 et voir à quoi ça ressemble. De même, avec tout cela ici, au lieu d'aller 651, vous pourriez essayer d'en aller un, 56 ou tout autre essayer, mais ceux en haut ici, où nous avons juste des relations d'accord de l'un à l'autre. C' est une relation fondamentale, et ça s'appelle souvent la cadence. certaine façon, c'est juste une sorte de tranche de temps en musique où harmonieusement, ces deux accords fonctionnent particulièrement bien l'un à côté de l'autre. Essayez-les, construisez vos propres progressions d'accords et peut-être gardez-les sur votre piano ou par n'importe où vous composez. J' espère que c'est utile pour vous 29. Tension et résolution: Donc, dans cette section, nous regardons principalement la mélodie au-dessus de l'harmonie. Mais avant de le faire, je voudrais introduire un contact qui est pertinent tout au long de ce cours et comment vous composez , tension et la résolution. C' est un peu comme l'idée de la gravité et d'une clé. C' est un peu lâchement connecté, mais mawr granulaire et plus de détails sur la façon dont vous construisez réellement vos mélodies et harmonies. Fondamentalement, ce n'est pas nécessairement la seule façon de penser à la façon dont votre composition. C' est une façon d'encadrer ce que vous essayez de créer avec l'idée de la tension et de la résolution. Parce que selon votre goût de la musique, nous aimons une certaine résolution de tension. Laisse-moi te montrer ce que je veux dire. Donc cet accord ici, relativement stable. D' accord. Mais si j'en avais un, peut-être quelque chose à propos de cette cour qui nous donne envie de déménager pour voir des monuments commémoratifs. Et si je résolus ça, ça veut dire que les choses résoudraient essentiellement l'attention, finissant l'attention. Maintenant, nous avons bien terminé, et cela semble un peu classique et évident là-bas, mais essentiellement, quand vous en appelez un, c'est la tension qui veut être résolue, résolution de Teoh Un mot d'un autre. Et pendant que vous écrivez, mais vos mélodies et vos harmonies, vous voulez penser, mais vos mélodies et vos harmonies, vous voulez penser, à quel point cette tension et cette résolution fonctionnent ? En un sens, c'est si vous trouvez que les sanctions fonctionnent, vous pourriez simplement vous poser la question. D' accord. Quel est l'équilibre entre tension et résolution ? Ai-je assez de tension ? Ai-je assez de résolution ? Y a-t-il trop d'une trop grande partie de l'autre ? Parce que si tu écris un morceau de musique, je vais juste aller en do majeur, c'est comme ça tout le temps. Ok, deux minutes plus tard, non ? C' est très ennuyeux parce que nous sommes juste dans ce sentiment de résolution, mais si vous ajoutez certains de ces trucs, c' est une sorte de mélange de choses qui se passe là-dedans. Alors jetons un coup d'oeil. C' était avec harmonie, non ? Ensuite, nous aurons Maurin orteil Quel cordon à créer. Quel genre d'attention ? Vous savez déjà que nous avons regardé jusqu'à présent. Mais qu'en est-il de Melody ? Droit ? Vous avez quelque chose qui se passe ici et qui a l'impression que ce n'est pas tout à fait une écurie est le premier à faire pour que la mélodie nous mène de la résolution en détention à la résolution. Donc, dans tout ce chapitre, nous allons regarder particulièrement la mélodie en harmonie à la fois les virages et les virages non judiciaires et les mawr. Mais tout le temps, réfléchissez, non. Comment puis-je l'utiliser dans mon travail ? Va appliquer. Faites un petit croquis après chaque épisode de cette partie du cours, en prenant l' idée de tours de cour, non core tours non diatoniques ainsi et de voir comment vous pouvez commencer à construire des mélodies avec ces différents saveurs et sentiments sous la rubrique entière de la tension et de la résolution sur ce qui est bon pour vous et votre style de musique. 30. tons d'accords: Alors commençons par la résolution de sentiment hors tension. Si nous jouons un accord est f notes majeures de cet accord fonctionnent particulièrement bien dans notre mélodie. Donc nous avons cet accord ici et les notes suivantes sont les virages du cordon. Donc, par exemple, si nous avons créé une mélodie entièrement faite de ces dizaines de noyau, je pense que cela semble vraiment clair et un peu ennuyeux maintenant. Mais si vous aviez quelqu'un qui disait ce chanteur de gospel étonnant, alors vous savez que vous aviez quelqu'un qui faisait des voix intéressantes et qu'ils y allaient, ça sonnerait bien, non ? Donc, ne sous-estimez pas à ce stade, vous savez comment cette simplicité de cela sonnera en fait assez bonne. Je veux l'organiser correctement, donc la planification à ce stade n'a pas à sonner bien, mais il est tout à fait logique d'utiliser des notes du cordon. Mais alors, si nous changeons les accords, donc le sien pour deux et ensuite nous mettons en évidence tous les tours de cour de cet accord, qui est fondamentalement ces notes tout le long du piano, alors notre mélodie pourrait utiliser les tours de cour de cette cour donc nous pourrions écrire une mélodie, vraiment, tout simplement, qui serait juste sur ce qui est en fait une très bonne première façon de composer. Donc si on recommence à l'intérieur du sol majeur, voici la cour pour, euh, c'est très similaire à Mad World. Ils sont en fait, si vous le deviez, alors jouez avec les tours de cour à l'intérieur de vos clés. Aussi vos clés mineures ainsi sur essayer et venir avec les mélodies. Ce que vous trouverez immédiatement. Nous allons découvrir cela dans la prochaine vidéo est que presque certainement envie de passer à des notes qui ne sont pas seulement les dizaines de cour. Et c'est là que vous avez ce genre de tension et de résolution qui revient parce que la cour devient plutôt statique. Nous ne voulons pas nécessairement aller nulle part. Oui, il n'y a vraiment pas à tout à fait statique. Mais si je joue un ton non corde dit comme celui-ci, c'est beau. J' adore ça, et je pourrais rester une petite journée. J' adore ce son, mais vous devez admettre d'un point de vue théorique standard que cela veut se déplacer ailleurs,ce cela veut se déplacer ailleurs, qui est classiquement parlant à un tribunal 10. Donc, vous voulez le résoudre. Un autre ici serait le sien. Notre Jeanne a fait une cour sur notre cour des dizaines et ensuite nous voulons jouer cette note, qui est un ton non essentiel, et il veut résoudre jusqu'à ce G, qui est un accord. Donc, je vois dans la vidéo suivante où nous savons appeler il tourne. 31. Tones non conformes aux accords: donc nous sommes encore diatoniques étaient toujours à l'intérieur d'une clé majeure ou d'une clé mineure. Et pourtant, nous avons encore beaucoup d'expression tout en utilisant ces mélodies principales de tension et de résolution . Donc je vais travailler à l'intérieur de l'échelle de mi mineur. Juste le mineur relatif de G. Major. Je vais écrire les virages de corde que la cour a tendance à avoir avant sur le piano, et ensuite on parlera des virages non centraux. Ok, donc évidemment, si ces gens de la cour ont quatre autres notes qui ne sont pas des virages principaux , c'est celui-là, celui-là, Anil service Ansari. Regardons ça en do majeur, si c'était un peu trop dur pour vous. Alors voyez, major, voici notre noyau tourne. Eso sont non core tourne notre Et si je joue ceux de l'enregistrement de do majeur, écoutez ce qu'ils ressemblent. Chacun de ceux si nous pensons vraiment classique ici, donne une certaine quantité de tension et il veut souvent résoudre à l'une des autres notes. Donc, je peux un moyen simple d'écrire une mélodie serait d'aller mélanger et faire correspondre ces notes. Essayons à nouveau un mi mineur. Maintenant, vous pouvez décider de commencer par 10. Journal, commencez par la résolution ici. Je vais commencer par. Résolution. Intention, résolution d'intention. Attention. Résolution, résolution ! Attention ! Résolution ! Résolution. Vous avez l'idée. Alors utilisez ceci et toutes vos clés pour commencer à créer des mélodies intéressantes. Ensuite, si vous combinez cela avec vos progressions d'accords, vous obtenez des trucs vraiment utiles tout de suite. Revenons en do majeur. Donc vous pouvez vraiment voir ça. Je vais faire ma progression de base de 251 et je vais faire ces idées. Je vais vous en parler. Donc l'attention de résolution maintenant, parce que je suis passé au tribunal 5. Il s'agit maintenant d'une résolution. Donc vous avez cette relation intéressante où l'enregistrement pour entendre cette nouvelle était tension. Mais quand nous changeons la cour en dessous, cela devient une solution. Et si je garde ça, ça redevient tension. Nous y reviendrons plus tard dans d'autres chapitres. Que ce que je faisais là s'appelait une note de pédale et ça relie les accords et les fait interagir et être presque comparés les uns aux autres côte à côte s. Oh, oui, c' est utile. Profitez de votre composition et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 32. Les sentiments des différents intermédiaires: Donc, évidemment, nous avons travaillé à une grande échelle et plusieurs fois vous savez exactement ce qui se passe ici. Je vais enlever les détails et mettre les chiffres, parce que ce qu'on va faire, c'est jouer un long cordon et on va commencer avec un cordon un pour qu'on puisse jouer ces différentes notes de l'échelle au-dessus du dessus et apprendre à en savoir un peu sur leur caractère. Maintenant, ce n'est pas vraiment une chose objective. C' est une chose très subjective. Donc je ne vais pas vous dire comment je ressens trop ces notes. Mais je vais commencer pour que vous puissiez laisser votre imagination courir quand vous écoutez ces notes. Fondamentalement, vous devez vous demander, quoi ressemble cette note sur Cord un et avoir un lien émotionnel avec elle ? Aussi petit et ce qui vous vient à l'esprit est presque certainement bon pour vous. Alors écoute-en un. C' est une note assez statique, stable, stable,comme à la maison parce que c'est évidemment sur sa cour de maison deux a une sorte de caractère de leader. C' est vrai, c'est positif pour moi. Cherchez peut-être un peu plus dissonant, peut-être pas sûr pour vous mais évidemment pour moi, il est un petit peu plus lointain et veut résoudre de retour à 37 est aussi une note assez tendue. Souhaite résoudre jusqu'à un à nouveau. Alors changeons maintenant la cour sur Jouons d'autres notes au-dessus de cette façon. Donc, tout cela crée des qualités très différentes. Et ce que nous examinons, c'est une tranche de temps sur ce que la musique crée pour l'auditeur dans cette tranche de temps. Et il est important pour vous comme un exercice de parcourir toutes ces cordes sur toutes les notes et de commencer à comprendre pour vous personnellement ce que chacun représente. Maintenant, si tu n'es pas sûr et que tu joues en quelque sorte dans ta vie, je ne sais pas, Jack. Allez, vous lisez trop comme ça. Trouve que c'est totalement cool. Mais c'est une bonne idée de commencer à comprendre la structure et les sentiments qui viennent lorsque vous jouez ces différentes notes des échelles. Aussi petit et minimal, vous n'avez pas à le faire avec chaque cour, chaque note et comme vous le faites juste comme un petit rappel, il y a deux séries de chiffres qui se passent sur ceci, les nombres ou les degrés de l'échelle ou de la clé que vous voyez en face de vous, mais aussi les degrés du cordon sur lequel vous êtes actuellement. Parlons donc des intervalles maintenant. Les intervalles sont vraiment importants pour comprendre la théorie, parce que lorsque nous nous éloignons de simplement jouer une note statique, nous devons décrire les choses à intervalles. Donc ce qu'on va faire ici, c'est des intervalles diatoniques et laissez-moi vous expliquer ce que ça veut dire . Diatonic est fondamentalement à l'intérieur d'une échelle ou d'une clé. Un intervalle signifie l'espace entre deux notes. Donc, un intervalle diatonique est l'espace entre deux notes à l'intérieur d'une échelle ou d'une clé. Prenons une échelle. Donc, la différence entre Non. Un et non. Deux ici s'appelle une seconde. Vous avez peut-être déjà su ou pensé à cela, mais pensez à cela. Si nous passons de la note à la note 3, c'est aussi une seconde sur Non. Trois. Pour noter quatre, c'est une seconde, mais nous ne parlons pas de tours et semi-tente il. Nous parlons très simplement comme degré type de l'espace entre les degrés de l'échelle. Donc, si nous retournons en arrière aussi. C' est aussi la même chose. Donc, si nous passons de 4 à 3, ce serait une seconde. Maintenant, regardons l'espace d'intervalle suivant de 1/3. Si on passe de 1 à 3, c'est évidemment 1/3. Mais si nous obtenons de 2 à 4, c'est 1/3 ou de 3 à 5 ou 5 à 3. C' est aussi 1/3 que nous pouvons déplacer n'importe où ailleurs tout le long de la balance. Alors nous avons 1/4 qui est cet espace. Nous pouvons déplacer ces deux endroits différents, et ensuite nous avons 1/5 sur, puis un malade sur, puis 1/7 que je ne montrerai pas toutes les options, non plus parce qu'il ne tiendra pas à l'écran. Chacun de ces joués à partir de n'importe quelle note, a son propre son, et c'est une autre chose vue. Commencez à jouer avec des cordes par-dessus parce que ce sont les minuscules blocs de construction de mélodies qui donnent quelque chose de couleur, caractère et de forme comme exemple ici aux mélodies qui utilisent de petits intervalles comme des secondes et des tiers, puis la deuxième mélodie, qui utilise des intervalles plus grands comme les cinquièmes et les six. J' espère que ce que j'ai dit vous a été utile. Tu l'as compris encore une fois. Certains d'entre eux est un peu délicat, potentiellement pour le débutant à ce stade sur, Ne vous inquiétez pas trop. Revenez à cette vidéo et regardez-la à nouveau pendant que vous parcourez le cours. En fait, je vous conseille qu'avec beaucoup de ces vidéos, ce n'est pas seulement un cours que vous traversez pour arriver à la fin et que vous aimez boom, fait. C' est comme une bibliothèque de principes sur laquelle vous pouvez revenir et réfléchir. OK, OK, donc je ne suis plus douée pour ça. Il devrait y retourner et visiter cette vidéo. Qu' est-ce que c'était ? Il a encore dit sur, comme les mélodies et la tension et la résolution ? Je vais revenir à cette partie. Certes, vous devrez le faire pour les étapes ultérieures et l'utiliser comme pratique, mais pour compléter ce que nous venons de faire là-bas. Sur la présentation, je recommanderais un type appelé Holistic Song writing. Ou plutôt, sa chaîne YouTube s'appelle Holistic Song writing, et il a des analyses fantastiques de simples mélodies de grands artistes dont vous aurez entendu parler. Pas nécessairement que vous aimerez, mais artiste que vous aurez certainement entendu parler. Et cela vous fera penser à ce que nous venons d'examiner, théoriquement, comment vous l'appliquez à penser aux mélodies des autres et à vos propres mélodies. Il en est ainsi un exemple rapide. Une des choses dont il parle avec certains demandent à ces artistes, c'est qu'ils utilisent certains intervalles. Donc, si on regarde mon, je vais jouer au sol majeur en entendant un arrêt au tribunal 5 , ce n'est pas un arrangement à part entière. C' est juste que nous planifions l'harmonie dans la mélodie. Donc là, c'est comme, un peu ce n'est pas si génial Jack. Encore une fois, nous sommes en train de le planifier, mais imaginez que vous arrangez tout ça. Il y avait un chanteur étonnant du haut de ce grand groove, tout ce que vous pourriez faire ce son facilement bon dans un certain nombre de genres différents. Mais le noyau de celui-ci ici est que ce mouvement d'une seconde à l'intérieur de l'échelle et puis droite de sorte que ce chanteur va aller la saleté et essayer de ne pas trop penser dans ce cours. Mais ils créent une certaine qualité parce qu'ils ne sautent pas. Teoh haut, est ça ? Et puis celui-là aussi qui crée un certain sentiment, alors que si ce chanteur allait à la place, vous auriez un certain sentiment leur qui est beaucoup plus grand, plus cher et donne un certain son sur ce que l'écriture holistique entre dans est, par exemple, certains artistes préfèrent le son de 1/3 de sorte que vous serez comme dans un roi vous serez comme, Donc cela a été basé autour de la troisième. La principale chose qui a donné à cette mélodie son caractère était là, non ? Oui, j'ai fait d'autres trucs, c'était pas le troisième, mais la partie principale est le troisième son de la mélodie et un autre artiste pourrait utiliser un franc. Donc si on y est, on va remorquer un mineur. Il y a une qualité différente. Évidemment, l'harmonie crée une certaine qualité. Mais même la mélodie à elle seule, principalement basée autour de la quatrième est une certaine qualité. Alors plongez dans ses vidéos. Il y a de très bonnes choses là-dedans et commencez à appliquer cette pensée à vos mélodies dans votre écriture 33. Superposer et superposer et superposer: donc quelques vidéos il ya ce que j'ai mentionné Waas, que nous pouvons créer une résolution sur un accord. Et puis cette résolution, si nous restons sur cette note, devient une tension sur l'accord suivant. Donc, ce que nous faisons, c'est que nous changeons dans le contexte de cette note sur l'une des choses les plus étonnantes que vous pouvez faire et que je demande aux étudiants de le faire, c'est en fait créer une mélodie avec une note, et je veux dire, comment faites-vous ça ? C' est un titre plutôtqu'une explication technique. C' est un titre plutôt qu' Ce qu'on fait, c'est qu'on change l'harmonie en dessous. Donc c'est seulement à la fin que j'ai changé la note parce que j'ai vraiment senti qu'il fallait changer. Ne vous inquiétez pas pour trop. Ce que je faisais dans la main gauche était essentiellement des cordes, mais je faisais ces voix que nous allons voir plus tard. Donc, c'est une chose que vous pouvez essayer comme un exercice. Changez l'harmonie sur une note et voyez ce qui se passe. Et la chose à réaliser quand vous faites cela, c'est que certains accords partagent des notes avec d'autres accords. Il y a donc une résolution pour ces deux cordons maintenant il y a de l'attention là-dessus. C' était presque que c'était juste en fait une mélodie raisonnablement satisfaisante. Et je n'utilisais que deux notes, et c'est parce que le cordon en dessous a changé notre sentiment de tension et de résolution. Un dernier principe à penser est quelque chose appelé Voice leader sur. C' est une façon très simple de regarder la voix en tête quand nous entrons dans l'harmonie et les chapitres de voix beaucoup plus tard vont vraiment plonger profondément dans le chant. Mais à titre d'exemple, Ici, nous allons. Il est donc appelé cinq accords un tribunal six appelés à cinq tribunaux un. Maintenant, si vous revenez regarder cette vidéo à nouveau, ou cette section de cette vidéo, je monte dans une échelle juste à l'heure, assurant que je monte dans une échelle et que je ne choisis que la note suivante que nous sommes actuellement activé. Donc nous sommes sur le cinquième, bien sûr, et nous sommes sur le troisième de la cour 5. Ils étaient sur les racines du vent froid. Quand je suis allé à la Cour 4 ici, je ne peux pas monter parce que ce n'est pas au tribunal, alors j'ai décidé de rester ici. Quand je suis allé à la Cour 4 ici, Et puis je crois que j'ai été au tribunal 6. Suivant. Je ne me souviens pas vraiment de quelque chose comme ça. Donc tout le temps, je m'assure que ma note de mélodie est dans mon esprit relative à la cour. Là, sur la voix mène à travers les tribunaux. Donc, c'est une autre façon de penser à vos mélodies est de décider d'un câble pour ce partenaire malady. Je vais faire ma balance, ou je vais faire ma mélodie comme ça. Donc je vais m'assurer que mes accords d'ajustement de cette mélodie n'est pas vrai ? Alors dis-toi, Millie, ça fait ça. Donc ça marcherait mon prochain accord. On pourrait l'appeler six parce que cela fonctionnerait. Et puis ce que les accords utilisent. Tu vois ? Eh bien, quatre le fait, mais aussi des merveilles Donc utilisé un, et ensuite nous appellerons pour utiliser B. Eh bien, essayons. Essayons encore six. G. J'espère que cela a du sens. Donc, dans une sorte de simple arrangement filmique, vraiment quoi ? On est en haut. On a un peu tenu depuis longtemps une note orchestrée avec deux sons différents. On a une sorte de son de guitare incliné. On a aussi le piano sur le dessus. Donc déjà, c'est tout à fait le film qui crée une atmosphère énorme sur son propre. Mais en dessous de ce que nous avons, nous avons les cordons qui changent, et j'ai fait mon vrai genre d'arpège détesté ce qui se passe ici un peu mal trois. Nouveau Blade Runner sur de. Donc c'est un peu dans ma tête, et je suppose que je vais ressembler à ça. Changement de base Changement de base Changement d'appel, changement de cour sur Nous avons juste une longue note de pédale tenant ça ensemble sous les hommes, quelques cuivres inquiétants, remplissant les cordons en dessous et tous ensemble. Ce genre de rend cela si le contenu mélodique il est vraiment minime. Fondamentalement, c'est une tenue dans un sens jusqu'à la barre 14. Ensuite, il change que ces voleurs en notes de fin dans le piano à la fin du petit changement dans le signe mène là-bas. Donc, j'espère que c'est un exemple pratique utile de jouer une note et de changer les accords. Très, très simple. Juste trois accords en dessous. Va t'amuser. Essayez quelque chose comme ça dans votre propre production 34. Tones non diatonic: jusqu' à présent, nous avons examiné les tons diatoniques. Oui, ils ne sont peut-être pas un membre de la corde, mais ils sont tous diatoniques dans la clé. Maintenant, on va ajouter un autre niveau de tension, qui est des tons non diatoniques. Encore une fois, soyons simples de position. Je vois le major eso ici toutes nos dizaines diatoniques et très simplement vous pouvez voir toutes les notes noires sont non diatoniques, non ? Et ils vraiment, généralement parlant ne fonctionnent pas au moins dans la façon dont je joue dans un moment avec des triades de position racine simples voix un peu funky dans une mauvaise manière, mais vous pouvez les rendre funky dans un bon sens si vous l'utilisez, ils sont dans la bonne voie. Ok, donc l'une des choses qui regarderont dans un chapitre ultérieur est une sorte d'ornementation, qui est fondamentalement, au lieu de jouer une mélodie comme celle-ci, vous pourriez ajouter, disons, les deux notes. C' est un exemple très simple que ces deux notes, juste de courtes notes de grâce. Nous les appelons avant ces notes, et vous pouvez utiliser des notes de grâce avec des tons non diatoniques parce qu'elles se produisent très rapidement. Droit ? Disons que notre mélodie va Ugo, non ? Vous voyez, j'ai glissé et joué ce ton non diatonique sur celui-ci fonctionne particulièrement bien ce que nous avons. Là, nous allons 123 et puis nous descendons un demi-tour pour être. Ça s'appelle un tiers mineur. Vous n'avez pas forcément besoin de le savoir. Mais alors expérimentez maintenant avec vos mélodies et voyez si certains orteils diatoniques, tons non diatoniques fonctionnent bien dans cette grâce. Non, vous obtenez un style assez jazzy quand vous faites ce demi-ton là, mais vous pourriez en trouver d'autres comme celui-ci ici. C' est assez effrayant. Un. Vous obtenez un son très, très différent lorsque vous utilisez des tons non diatoniques, mais vous devez apprendre vous-même. Lequel fonctionne le mieux, Comme je l'ai dit, celui avec un accord majeur là où vous prenez la troisième note et vous descendez un demi-ton nous donne un son jazzy. Ce que j'ai fait à l'époque, c'est que j'ai joué un accord mineur. Son d mineur et moi avons joué la note, qui est un demi-ton en dessous de D. Nous allons arriver à ce que ça s'appelle réellement. Ça s'appelle un septième majeur dans les chapitres ultérieurs, mais vous y pensez. Le modèle ici, je suis allé au numéro cinq de D quand je suis descendu un demi-ton, et ce n'est pas dans cette clé. De même, ne serait pas dans cette clé pour l'intérieur en do majeur et là j'ai joué, qui est un 17 ci-dessus. Vous vous amusez avec cela et voyez si vous pouvez trouver plus de structures et de saveurs. Cette différence d'annonce à votre mélodie, mais probablement un mot d'avertissement est de l'utiliser avec parcimonie. 35. La échelle Pentatonic: l' échelle pentatonique est une échelle très utile en ce sens qu'il est incroyablement facile d'écrire de bonnes mélodies avec elle. Je l'appelle souvent la pleine échelle de preuve parce qu'il est pratiquement impossible en l'utilisant sur bonne harmonie de ne pas écrire une mélodie qui sonne bien. Regardons ça et ce que ça veut dire. Penta signifie cinq et Tonic est lié au premier degré de l'échelle. Donc, pour l'essentiel, lorsque vous prenez une échelle majeure ou mineure, ce que nous faisons c'est que nous filtrons vers les notes pour créer une échelle de cinq notes. Regardons ça avec une grande échelle. Donc, commençons par noter un aller manquer la note numéro quatre et passer directement à cinq voies Miss Out numéro sept et revenons à une. C' est la grande échelle pentatonique, et ça ressemble à ça. Regardons l'échelle pentatonique en mineur maintenant son échelle mineure et commençons à filtrer les notes. C' est différent dans celui-ci. On commence avec pas de numéro un sur Miss dehors, pas de numéro deux tout de suite. Allez à trois, ratez pas le numéro six. Va à sept, puis à l'arrière des orteils un. C' est l'échelle pentatonique mineure, et ça ressemble à ça. Regardons cela maintenant au piano dans son contexte. Alors prenons ça en sol majeur d'abord, non ? Donc il y a un jet d'échelle sur les numéros 1235 et 6, et ça nous donne la pierre tombale. Ex g o. vraiment, vraiment adorable. Faisons ça en mineur. Donc, le mineur G majeur relatif est e mineur et prenons note. Numéro 13 C'est l'échelle, et ça semble plutôt cool. Voyez ça brièvement à l'intérieur de la fa major et ensuite nous finirons la vidéo. Prenez les 1235 et six notes de l'échelle, et nous obtenons le fa majeur pentatonique, puis nous allons au mineur relatif de fa majeur, qui est en ré mineur. Prenez note numéro 135 et sept. Euh, donc tu n'as pas besoin de l'utiliser exclusivement dans tes mélodies. Vous pouvez simplement l'utiliser comme base. La note à l'échelle pentatonique a souvent fonctionné vraiment, vraiment bien sur la cour de base de quelle que soit la rumeur, mais vous pouvez utiliser d'autres nuits des éclaireurs. Dites, par exemple, ici vous pourriez vouloir Tokyo 135 et ensuite apporter un petit peu de cette note, qui est en dehors de l'échelle pentatonique qui est encore à l'intérieur de l'échelle mineure qui dépense tonique pour vous les gars. Je te vois dans la prochaine vidéo. 36. Motifs - La façon de penser votre musique: Donc, si je ne l'ai pas déjà dit clairement, ce que nous essayons de faire est de penser dans les modèles sur la théorie des clés disparaît. On ne pense plus, j'ai dit dans la vidéo précédente. Probablement qu'il n'y a rien à voir intrinsèquement à ce sujet. Non, ou au début de G à ce sujet. Non, ce n'est pas le cordon. Tu vois, ça nous donne ce sentiment. Et ce n'est pas le cordon mineur avec la neuvième. Ça nous donne ce sentiment ou le fait que je déménage ici. Ce n'est pas le soin de voir qui nous donne ce sentiment. Ce sont les modèles derrière les noms, si cela a du sens, c'est pourquoi nous commençons tout ce cours avec l'idée d'une grille où vous pouvez déplacer les choses . Donc les motifs sont la clé de la musique, et c'est quelque chose que les yeux cohésifs. est certainement pas ce que je ne pense pas, mais de toute façon, je vais le laisser dans les choses que vous avez arrangées correctement, donc ça rend les choses plus comme si elles appartenaient ensemble. Donc, pour un exemple, juste pour que vous puissiez y aller. Prenons cette mélodie très simple à l'intérieur d'un sol majeur. Donc, le caractère de cela est, nous allons nous déplacer à différents endroits. Ce modèle l'est aussi. J' ai déménagé à des endroits différents. Cela lui a donné un droit sonore aussi. De même, si vous avez une sorte de modèle de base, c'est dans une clé que vous ne savez pas nécessairement où nous allons. C' est le modèle de mon accompagnement, qui arrivera à des voix et un compliment dans un chapitre ultérieur qui fait que ces cordes font ensemble. Si je devais passer à une autre section de mon chemin, puis cette section et je suis allé, je suis allé, veux dire, ça a l'air cool, mais c'est et c'est aussi un modèle très différent, non, Donc tu y vas, pense un peu bizarre. Mais puis Ugo sur il se sent comme une section différente de la même façon avec la mélodie. Alors revenons à celle-là. Je pense que c'était ça pour que tu puisses baser tout ton vers sur ça avec des différences subtiles. Et puis tu arrives au chœur, qui aurait ce modèle, disons bien, donc c'est tout. Et puis vous revenez à la première déjà grossièrement voir l'idée que je vais sortir ici penser des modèles et superposer que ce que nous pensons de ses couches que nous allons bien, bonne couche un. Pensons à la couche d'harmonie pour réfléchir au motif ou à la mélodie, non ? Et puis nous changeons le calque et peut-être garder l'une des couches. Et c'est un principe qui reviendra dans ce cours au fur et à mesure que nous avançons, la fois avec les voix et la façon dont nous structure de composition structurelle sont l'harmonie, ce qui est vraiment à propos de ces idées de couches. Donc, dans votre cher doublement, vous avez les couches de différents instruments qui font des trucs. Mais vous avez derrière ça dans la façon dont vous pensez à composer, composer un thème, différentes façons de sortir, à superposer comment ça marche, est-ce pas ? Donc, le genre de méthode d'organisation de vos compositions, si ce n'est pas trop prétentieux Donc si c'est fondamentalement c'est ce que nous voulons penser à la musique ? Ses patrons 37. Projet - Écriture de mélodie: Donc on a fait une tonne sur la mélodie, et j'espère que ça t'a été utile. Ce que je suggère, c'est de rassembler tout ça maintenant tout ce que nous avons fait dans les dernières vidéos et de le mettre dans une chanson ou un morceau de musique, non ? Alors choisissez une simple progression d'accord dans votre main gauche ou enregistrez cela et mettez dans votre w. Ne pensez pas trop aux tribunaux. Fais quelque chose de vraiment simple comme 15641345 16 Ce genre de chose. Rends-le vraiment, vraiment simple. Mais assurez-vous qu'il y a plus de deux accords, non ? Donc 1564 serait super simple de le faire avec et puis faire une mélodie qui utilise tout ce que nous avons fait dans les vidéos précédentes, sorte que nous, avec des tons d'accords, notes à l'intérieur des tons non accords de cour, note que sur dans la cour actuelle que vous jouez actuellement des notes partagées tenues. Donc, pour rediriger ce qui est fondamentalement, je veux dire, je vais sur ceci dans la vidéo suivante, dans une analyse d'une mélodie que j'ai mis ensemble, un non partagé tenu est fondamentalement une note qui est dans le premier accord et aussi dans le suivant . Donc si je joue un accord g, note de tête, cette cour est la bonne. Et puis si je vais à de cored ces indie, évidemment. Donc ma mélodie pourrait être comme sur une longue note. Et sur ce D a été retenu de la cour précédente. Ça obtient le beau son. Donc c'est le numéro trois détenu Shared sait, puis les modèles. Évidemment va créer des modèles quand vous le faites, mais prenez une sorte de tenir consciemment vos modèles avec lesquels vous écrivez de la musique et essayez de geler votre mélodie ensemble afin qu'il se sent comme si elle appartient ensemble plutôt que, pour exemple, le contraire des modèles serait l'exercice de la main errante, juste quelque chose qui va faire quelque chose de aléatoire. Ouais, alors utilisez l'échelle pentatonique, que nous avons regardé et puis aussi une note diatonique. C' est beaucoup, mais vous pouvez certainement le faire, et je le fais dans la prochaine vidéo. Ainsi, les tons d'accords utilisent des tours de cour, tons non accords, notes partagées tenues, des motifs, des échelles pentatoniques et un ton non diatonique. Et évidemment, si vous le voulez, vous pouvez penser aux caractères de note, aux personnages, vous savez, par exemple, rester autour de Second for fait partie du noyau de l'humanité. Ou le quatrième fait partie du cœur de votre mélodie. Peu importe ce que vous ressentez, vous n'avez pas besoin d'utiliser ce dernier. Mais emporte tout ensemble, et je te verrai dans la prochaine vidéo pour analyser une maladie qui intègre toutes ces choses. 38. Exemple - Écriture de mélodie: - Ok , alors analysons ce qu'on a fait. Juste ça. Donc nous sommes en sol majeur et nous commençons sans appel un avec la note 1 que nous allons immédiatement Teoh tension avec Non. Deux sur la résolution sur les trois. Donc un autre tribunal, j'y pense beaucoup plus simplement que ça. Ce que je pensais Waas Désolé, échelle pentatonique a dit. Ma mélodie commence par la première partie sur Mme la Malade. Mais sur cette note, nous avons changé au tribunal 5, non ? Et ce que cela fait, c'est que nous commençons sur note d'attention, puis nous nous sommes résolues au troisième de ce cordon, puis nous avons déménagé au tribunal 6. Tu vois ce que je fais ? Il y a les mélodies légèrement en retard derrière les cordes, ce qui nous donne cette superposition sur le dessus de l'autre, sensation sur ces notes, une sorte de notes sans corde. Mais ils ont l'air assez sympa, et ça lui donne un sentiment un peu plus contemporain que si j'allais juste, ce qui est un super garçon, qu'on pouvait le voir comme l'attention. Non, mais pour moi, dans ma tête, je vois que c'est d'anticiper le fait que nous sommes sur le point de retourner au tribunal un, et c'est comme ça que mon oreille l'entend. Donc, maintenant devient une résolution. Et puis j'ai fait quelque chose comme ça sur. C' est un très beau saut quand on fait dans les mélodies. Si vous écoutez Blackbird par les Beatles commence par un énorme saut. Et en fait, nous étions tellement habitués à entendre des mélodies qui utilisaient le pas tout le saut. En fait, on aime vraiment quand on y va Way l'a fait tout le temps. Ça ne marcherait pas si bien. Ce n'est pas génial pour les chanteurs. Ça pourrait être bon pour la musique instrumentale. Alors, je continue, je répète aussi. Juste l'autre chose à mentionner est que je pense toujours aux modèles, donc je reviens et je répète, mais je ne le fais pas exactement. Fais-le encore. Ce serait de risquer, vous savez, la répétition. Nous voulons cette bonne quantité de familiarité et puis de nouveauté dans nos mélodies. Donc la deuxième fois autour de ça, c'est d'anticiper le prochain accord. Ensuite, nous allons dans une sorte de choeur où nous avons une note de pédale juste avec une petite note de non-cour avant, et ça revient à eux sur. Je ne suis pas sûr que j'ai trouvé une fin exacte. Mais j'espère que cela a du sens et est utile. Teoh vous donne une sorte de formule avec ces choses que vous avez faites dans votre mission vont vraiment ensemble pour faire de grandes mélodies dans les deux clés majeures et mineures. 39. Numerals romaines en analyse: Donc, à ce stade du cours, j'ai pensé qu'il serait utile de passer en revue une petite chose. Chiffres romains en or, qui est fondamentalement une analyse, une façon de regarder la structure de l'harmonie. C' est une façon tout à fait traditionnelle de faire des choses, et ce n'est pas nécessairement le seul moyen. Mais il est bénéfique de pouvoir penser à la relation relative des cordons à l'intérieur de l' harmonie diatonique. J' ai à l'intérieur d'une clé ou d'une balance plus tard dans le cours. Ce que nous ferons, c'est que nous reviendrons sur cela et plus en détail quand nous regarderons comment lire les accords et les symboles d'accords. Alors regardons d'abord une échelle en chiffres romains et commençons par le premier accord, qui s'appelle maintenant un pour le sommet. Là, nous avons une majuscule, moi et en bas nous avons le numéro un en bas. Les chiffres vont juste être moi pour expliquer quel numéro était sur. un Si vous mettez deux yeux l'unà côté de l'autre qui représente deux et trois yeux, représente trois. Maintenant, le numéro quatre est un peu différent. Donc on va faire, c'est que je vais juste sauter et passer à cinq, et vous pouvez voir que le numéro 5 a un V et un V, et les chiffres romains signifie cinq. Donc si on y retourne une seconde, on peut voir qu'il y en a un avant le V, ce qui explique en quelque sorte qu'il y a celui avant les cinq, qui est quatre. Donc, vous pouvez penser à cela que lorsque les yeux à gauche du V, c'est un de moins que V, ce qui est pour alors nous avons le qui est cinq. Ensuite, nous avons un à droite de la qui représente six sur, puis deux à droite des représente sept. Maintenant, cela devrait être assez simple. Si vous traînez un peu autour de ça, ça commencera à avoir du sens. Mais pourquoi on fait ça sur terre ? Pourquoi n'utilisons-nous pas seulement 123456 et sept comme chiffres ? Eh bien, la raison est à voir avec le major et le mineur. Donc si je te montre un chiffre romain en mineur, ça ressemble à ça. Donc, c'est une minuscule. Je donc un en minuscules signifie un mineur, mais un en majuscule signifie un majeur et de la même façon que la glace minuscule signifie à mineur sur les yeux majuscules signifie à majeur. De même, si nous examinons ces tribunaux, nous en avons trois dans la forme mineure, puis dans la majeure, puis cinq dans la forme majeure et six dans la mineure. Et vous pouvez le voir dans les six mineurs. Le V est en minuscule dans les yeux minuscules indiquant que ce tribunal est mineur. Ne vous inquiétez pas trop si vous n'êtes toujours pas totalement sûr de Major, et les accords mineurs allaient aller sur ceux totalement sur la façon de les créer à partir de zéro plus tard dans le cours. Mais pour l'instant, je le présente simplement pour que vous puissiez comprendre mes analyses et mes explications dans les vidéos suivantes. Cependant, vous avez peut-être déjà eu une compréhension des accords majeurs et mineurs à l'intérieur des compétences que vous utilisez déjà. Donc, avec cela à l'esprit, laissez-moi juste passer en revue les chiffres romains à l'intérieur d'une échelle majeure. Donc appelé un est un cas vers lequel j'ai appelé est mineur, donc c'est pour les yeux en minuscules. Cour trois est également mineure, donc il est trois yeux en minuscules Cour pour est un majeur, donc ceci est majuscule I et puis un V puis appelé cinq est majeur. Donc c'est juste une autre affaire V appelée Sixes Mineurs. Donc c'est le cas V inférieur et moi, et puis appelé sept est diminué. Mais nous dessinons aussi comme si c'était un tribunal mineur ainsi moins fille ressemble à ce 123456 et sept. Alors ne vous inquiétez pas. Nous reviendrons sur les cordons de lecture dans un chapitre ultérieur. Mais pour la prochaine vidéo, cela va être très utile dans nos analyses de la structure de l'harmonie dans la musique. 40. Structure harmonique: comme des histoires. La musique a des débuts, des médiums et des terminaisons, mais ils ne sont pas nécessairement appelés simplement des débuts, des médiums et des terminaisons. C' est ce qu'on appelle des sections, et nous les étiquetons dans notre analyse des airs avec généralement des lettres. Un B C commencerait le milieu et la fin, sauf que les airs n'ont pas nécessairement cette structure simple. Ils pourraient avoir des structures comme ABC, puis ils pourraient répéter ABC à nouveau. Cela pourrait être un choeur de pont, premier choeur de pont, mais vous pourriez avoir une autre structure que vous pourriez avoir comme une introduction, puis ABC, ABC et ensuite un outro, où vous pourriez avoir une structure différente ou une autre structure. Mais qu'est-ce qui définit ces sections ? Eh bien, en vérité, c'est tout. Tous les éléments de la musique s'intègrent ensemble, créant une nouvelle section, le groove, la production de chanter les paroles, tout mais aussi l'harmonie. Et c'est pourquoi vous avez probablement choisi ce cours parce que vous réalisez que vous voulez comprendre l'harmonie derrière la musique et être en mesure de la structurer et de la créer d'une meilleure manière. Donc, dans ce tutoriel, et pour le reste de cette série, étaient principalement penser à la structure de la musique via l'harmonie. Donc je vais regarder deux morceaux du répertoire de Hans Zimmer qui sont très différents. Cela vous donne une indication de la façon dont l'harmonie et la structure de l'harmonie, ainsi que la production affectent votre composition. Donc, le 1er 1 est beau Temps, qui est du film Inception est la mélodie du thème. base et la structure de cela vont comme ça, aussi. Six 15 sur Cela se répète encore et encore tout au long de la pièce. Donc, vraiment, les pièces ne sont pas nécessairement structurées ou différenciées par l'harmonie que l' Harmony répète encore et encore, quelque sorte imitant cette idée d'un rêve ou d'un rêve dans un rêve. C' est cette structure répétitive et répétitive, mais elle s'accumule tout au long de ce thème du sifflement. Si nous prenons un autre morceau de Hans Emma, par exemple, maintenant nous sommes libres de Gladiator. Nous pouvons voir que la structure de cette analyse est beaucoup plus complexe, à la fois dans la quantité réelle d'accords différents que nous avons et aussi la longueur de chaque petite section. Vous voyez ce que nous avons des plus courts et des plus longs. Ils sont aussi juste comme un côté, l'analyse de ceci ici est incomplète. C' est un peu plus complexe que ça, mais je le garde comme ça pour le moment. Alors écoutez ces deux pistes. temps et maintenant, nous sommes libres et réfléchissons et écoutons l'harmonie qui change en dessous et essayons de la sortir de toute la production. Donc je soit mélodie beaucoup, différents instruments qui jouent et vraiment, vraiment essayer d'entendre l'harmonie changer et écouter la différence entre les deux pistes et ce qu'il est sur la répétition du temps sur le genre de fluide, structure en constante évolution de. Maintenant, nous sommes libres qui donnent à chacun sa propre qualité unique. Et je vous invite à continuer à faire ça avec toutes les pistes que vous apprenez toutes les chansons, qu' il s'agisse de déchets de production, de morceaux de n'importe quel type de graphique, de films, de musique ou de n'importe quoi d'autre comprendre la structure de l'harmonie et commencer à intégrer et assimiler ces structures pour les faire ressortir dans vos propres compositions. Alors pensez à la structure harmonique derrière tout ce que vous apprenez 41. Répétitions: Donc, dans cette vidéo, on va commencer avec moi à jouer quelques choses qui pourraient te dépasser la tête. Si vous n'avez pas couvert tout ce cours ou si vous n'êtes pas un pianiste expérimenté, alors dans la deuxième partie, nous allons le faire briser beaucoup plus simplement pour que vous puissiez comprendre le principe dont je parle. Et donc le principe est que vous pouvez garder les cordons les mêmes, non ? Mais vous changez juste l'arrangement et nous parlerons plus dans un chapitre ultérieur de l' arrangement sur les voix. Mais pour l'instant, je veux juste que tu regardes ça. On va faire la progression 1564. Je mets déjà une basse ici parce que c'est très, très simple. C' est non, non ce que nous avons fait jusqu'à présent, mais ça lui donne un peu de poids en bas. Maintenant, imaginez qu'un chanteur chante sur Vous jouez ça derrière la société la plus standard et son jamais droit ? Personne ne t'écoute vraiment qui m'a demandé au célibataire. Mais alors le choeur vient à être Oh, sur le dos à la première. Donc ce que j'ai fait là, c'est que j'ai juste ajouté un peu plus d'arrangement, joué un peu plus fort à sa basse et plus de notes qui n'étaient pas dans le cordon, pour le dire vraiment simplement et c'est l'une des choses que beaucoup de pièces font. Si vous analysez réellement l'harmonie de sa pièce entière. En fait, ça reste le même tout le long, mais ça change. Stevie Wonder le fait beaucoup sur certainement beaucoup de musique de film. Si vous pensez à Ludovico Einaudi, ses affaires sont essentiellement dans une clé mineure appelée 17 Six, et il ne le fait pas encore et encore, donc ça pourrait commencer par, comme sur. Ensuite, il s'accumule et monte, et il va essayer d'être mauvais Einaudi sur place, mais vous avez l'idée que les cordons restent les mêmes, mais l'arrangement est différent. C' est ce qui entrera dans plus tard, alors rendons cela beaucoup plus simple. Maintenant, si vous êtes un débutant, faisons le 1564 à l'intérieur de C. Major c'est tout ça. Maintenant, je joue ça dans ma main gauche. Ce que je vais faire dans ma main droite, c'est que je vais tenir une note dont on a parlé de pédale et notes qui se chevauchent avant est un excellent moyen de geler vos courts ensemble. C' est comme s'ils pouvaient respirer l'un dans l'autre plutôt que d'être ces blocs séparés d' harmonie. Fondamentalement, ce que vous permettez aux tribunaux de faire, c'est de se connecter et de parler les uns aux autres, et tout cela devient lié. Donc je vais juste faire sur C. C ou la note de la racine du cordon. Désolé. La racine de la clé est souvent une très, très bonne pédale. Cela et aussi le cinquième. Non aussi. Alors je vais le faire sur le chemin. Ça a l'air bien. Hé, donc on a les votes. C' est détendu. Et puis le choeur sur ce n'est qu'un compliment. Vous pouvez avoir le chanteur ou le violon solo ou tout ce qui est dans votre arrangement. C' est une sorte d'autre élément, donc vous pourriez dire, pas de chaînes ici. Vous pouvez avoir le hautbois qui joue ça ou vous pourriez savoir, vos guitaristes jouent ça et ensuite vous êtes le guitariste principal qui joue ça ou, vous savez, vous savez, soutenir Singer chanter à travers ce genre de penser que c'est un autre élément à l'intérieur de votre l' harmonie qui ravive la paix. Excusez l'expression qui le rend plus, ce qui la rend plus complète. Ouais, donc vous pouvez aussi le faire avec une ligne de base. Donc si on a 1,64, pourquoi ne pas garder des notes de pédale ? Donc c'était une pédale inversée, qui est une pédale haute, et avons une pédale basse. Essayons un autre avis. Essaie de Cinquième. Comme je l'ai dit, c'était plutôt bon. Il est vraiment bon pour les accumulations. En fait, porte ça. Les choses sur le point de se réveiller ainsi poussent dans ce choeur en ramenant à nouveau les racines de la loi et en enlevant cette pédale. Donc, cette vidéo est juste une question d'arrangement, réalisant qu'il ne s'agit pas nécessairement de créer de nouvelles harmonies. Rappelez-vous, c'est l'arrière-plan. Vous pouvez presque créer n'importe quelle progression d'accords dans un genre différent. C' est vraiment la plupart du temps, non genres pour Smith, sauf si nous faisons des choses comme Kind of Real Jazzy Corner, ce qui nous pousse vraiment dans le genre de jazz, parce que le jazz est défini par son infrastructures, son harmonie étendue. Alors jouez avec cela et essayez d'écrire et de produire une chanson qui joue fondamentalement la même cour tout au long. Je veux dire, une Audi en a tiré des millions, et beaucoup, beaucoup de disques vont juste pour ça 42. Exemple d'harmonie répétitive: Alors regardons cela en action. Ce que nous avons ici, c'est un arrangement sur une simple progression d'accord indiquée ici dans mon Marcus, un mineur F g e mineur f, et qui se répète tout au long de cette pièce. Dans la première section de piano ici, nous avons juste les cordes exprimées avec un petit peu de voix menant. Quelque chose couvrira plus tard dans le cours. Et puis j'apporte une partie plus profonde, plus haute, qui a une sorte de notes de pédale qui se répète et change toujours si légèrement. Mais les cordons qui sous-tendent sont exactement les mêmes tout le long, et vous entendrez la variation qui en découle. - Donc vous ici déjà qu'il ya une énorme quantité de variété qui vient avec presque, eh bien, assez satisfait que c'est une section différente ici, même si l'harmonie est toujours la même en dessous. Maintenant, nous allons zoomer et avoir un petit aperçu de ce que les notes de pédale conduisent. Donc, dans cette section suivante, les tribunaux répètent exactement comme nous l'avions fait auparavant. J' ai simplement copié et collé les premières 2 régions ici sur, nous commençons à apporter une longue chaîne et aussi une sorte de synthé régler synthé sons qu'ils se produisent. Allons avoir une façon d'écouter ont continué. Voici un long son de cordes, quelques notes différentes à l'intérieur de la ligne de guitare granulaire sous le chemin. Et alors que nous passons à la section suivante, les notes de pédale dans les cordes changent derrière. Et puis ces deux-là répètent. On construit ce genre de texture. Ici, nous apportons un symbole sur lequel fait une chose très similaire au piano. C' est un peu comme une pédale, mais ça utilise deux notes, et c'est beaucoup plus organique. Le sentiment est que ce n'est pas tellement lié au temple. Puis, bien sûr, le symbole de se déplace vers le haut d'une houle pour obtenir ce sens de gauche. Mais c'est toujours l'idée de continuer et encore, et puis nous avons juste apporté plein d'autres choses, comme la base et les cordes cool . Donc j'espère que cela vous donne une idée de l'arrangement. Évidemment, les sections les plus complexes de l'APP instruit choses couvriront plus tard. Dans le cours sur, je vais inclure le fichier MIDI dans le coin de l'écran ici pour que vous puissiez le télécharger maintenant. Vous n'aurez pas nécessairement tous les instruments que j'ai. Mais vous serez en mesure de regarder et de choisir les fichiers MIDI pour comprendre ce qui se passe avec les notes à l'intérieur des tribunaux. Super. Je vous verrai dans la prochaine vidéo. 43. Petites changements dans l'harmonie: Donc, dans cette vidéo, nous répondons à la question. Comment changer nos progressions d'accords pour les sections ultérieures de la vidéo précédente ? J' ai dit, Fondamentalement, ne faites pas tout changer arrangements changer de petites choses sur vous n'avez pas nécessairement besoin de créer de la variété dans cette vidéo. Je vais parler de très petits changements ou ajouts aux progressions d'accords. Donc, disons que votre progression d'accord est Prenons le chœur d'Alléluia, qui serait appelé en do grand tribunal pour six sons. Maintenant, au lieu de, disons , ton verset allait être appelé pour voir, tu as décidé de voler ces deux accords. Citation de l'acier, non ? Dis ta première que tu fais ça. C' est pour ça que je vais bien. Dites que vous voulez un peu plus de variété et de mouvement à l'intérieur du choeur. Ce que vous pourriez faire est d'ajouter ce que nous appelons deuxième enregistrement. Donc, vous gardez la structure d'un, a ajouté Thio dans les tribunaux secondaires, afin qu'ils en parlent plus tard. C' est ce qu'on appelle le rythme harmonique de sorte que le rythme harmonique s'accélère, donc vous êtes maintenant d'accord tous les deux battements. Alors essayons ça. Donc nous le devons. Donc, nous commençons toujours avec la première barre et commençons n'importe quelle seconde Mais à mi-chemin entre chacune, nous faisons une autre cour et ça nous donne de l'excitation, et vous pourriez toujours chanter la même mélodie sur le dessus. C' est juste ajouter une seconde chose. Essayons donc de nouveau 145, trucs super cheesy sounding arriveront à l'arrangement plus tard. Essayons maintenant, en ajoutant un deuxième enregistrement ici. Alors attendez, en ajoutant un deuxième disque avant d'aller à l'alors j'ai eu un malade là-bas aussi. Cela dit, la structure de fond dont vous êtes toujours au courant est de un pour cinq, mais en serrant entre eux, vous ajoutez ces autres tribunaux. Vous pouvez aussi le faire là où vous venez de changer. Un tribunal si nous prenons 1564 progression que j'ai mentionné est probablement déjà mais Ugo retour à un. Ou vous pouvez changer la structure aussi. Et il n'y a pas beaucoup de variations que vous pouvez faire qui seraient complètement différentes de quelque chose que quelqu'un a écrit quelque part dans le temps. Ce que je dis, c'est que vous allez toujours écrire une progression de base qui est la même ou incroyablement similaire à quelque chose que le pouce de quelqu'un d'autre, comme vous le savez, comme vous le savez, après avoir regardé à travers le site de théorie des crochets tant de choses partagent le même chose, donc ce n'est pas à propos de ça. Mais il s'agit de savoir que vous avez le contrôle de la déplacer autant que vous voulez. C' est un peu comme dire, Eh bien, Eh bien, tout le monde utilise de la batterie. Tout le monde utilise la guitare que tout le monde utilise depuis les cordes, mais à propos de la barre. Mais vous, en tant que producteur, pouvez faire ce son juste un peu plus vôtre ou beaucoup le vôtre . En faisant des choses différentes, vous utilisez toujours le composant fondamental. 44. Varier vos lignes de basse: Donc, nous avons mentionné dans la 1ère 1 de ces vidéos sur la modification de notre ligne de base. Mais on utilise la pédale tout de suite. Changeons ça. Alors gardons les cordons de la même chose. Ou peut-être même juste un accord et changeons la ligne de base. Et il y a une chanson très célèbre qui fait ça. Vous reconnaissez que vous vous sentez bien ? Eso celle-là. En gros, si on regarde ici, on vient d'avoir un accord en ré mineur. On descend l'échelle en ré mineur, non ? Et cela crée de la tension et de la résolution. Attention, parce qu'on va à nouveau ailleurs. Tension, attention. Et nous attendons la résolution. Droit ? Donc tu pourrais le faire de plusieurs façons, non ? Donc tu pourrais et tu n'as pas besoin d'avoir un seul tribunal. Vous ne pourriez avoir que deux tribunaux. Passons du tribunal 1 à 2 à l'intérieur du G. Major. Donc je garde la note de basse ici, mais je change de cour, et je pourrais changer la base. Maintenant, gardez les mêmes tribunaux. Allons chercher celui-là. Alors peut-être que vous changez une des notes, pour que ça ne sonne pas bien. Peut-être changer quand d'autres notes et voir ce que c'est mieux, non ? Essayons donc qu'eso là, nous avons essentiellement G E et puis voir est basé dedans. Cette petite notification a du sens, non ? Vous pourriez également avoir un plein sur la progression, comme 1.64 et puis juste trouver une ligne de base qui fonctionne avec elle, mais n'est pas nécessairement dans votre tête connecté avec 1564 Nous allons à nouveau faire des blessures majeures. Commençons par la Cour 1. Oui, mais n'avons pas de basse. G. Prenons une note de basse. Tu vois ? Ça sonne bien. Allons au tribunal 5. J' aime beaucoup cette base maintenant. Enregistrez cinq aussi. Tu vois à quoi ça ressemble ? Une voie à six n'a pas aimé ça. Changeons juste la base à côté d'une autre qui fonctionne. Bon, donc je me suis trompé. C' est bon, ouais. Donc, vous expérimentez avec ces différentes couches de choses ici où vous changez le sous-sol, mais pas nécessairement les enregistrements, ou que les cordes n'ont pas nécessairement les bonnes notes de basse. Mais le sous-sol sonne bien. Vous ne savez pas nécessairement ou avez besoin de connaître la raison exacte de la théorie derrière laquelle cela fonctionne. Donc vous n'avez pas besoin de, Par exemple, si vous connaissez un peu la théorie là-bas, vous n'avez pas besoin de dire Ok, eh bien, vous êtes une suspension en cours là-bas ou vous jouez la neuvième dans la base tandis que Vous jouez la tribu n'avez pas besoin de vous inquiéter à ce sujet. Pensez à la simple progression de l'accord et que vous changez quelque chose au-dessus du dessus. Et c'est le point à propos de la composition que vous n'avez pas besoin d'aller au 10e degré et comprendre tout ce que vous faites. Il s'agit d'avoir un peu de fondement pour que vous puissiez ensuite explorer des idées sur le dessus sans cette base. Si vous essayez les choses, vous ne savez pas ce qui est juste parce qu'il ne construit pas sur cette idée fondamentale de, vous savez,l' vous savez, harmonie conduit sur les cordons ou les triades et des choses simples comme ça. 45. Modulation - Nouveaux centres de gravité: afin de terminer notre section sur l'extension de nos progressions d'accords pour la première fois, ce que je veux parler de nous avons déjà couvert, qui est l'idée de la gravité ou de créer de nouveaux centres de gravité à l'intérieur de votre composition à différents points. Donc, ce que j'ai fait, c'est que j'ai changé le son du piano en son de route pour cette vidéo juste pour lui donner une certaine variété. Parce que, au fur et à mesure que nous avançons dans le cours, je veux vous inspirer par le fait que si vous travaillez avec la DEA, vous avez, bien sûr, accès à n'importe quel instrument virtuel que vous possédez. C' est pourquoi le piano si grand d'être alarmé. Donc, en gros, le 1er 1 dont je veux parler est alléluia, non ? Et puis nous parlerons de et n'importe qui sa chanson, qui est appelée plus forte que moi. Avant cela, je voulais vraiment expliquer ce que je veux dire par nouveaux centres de gravité. Si nous écrivons à l'intérieur de la façon G major Très simple, évidemment, est que rien de l'Hominy ressemble à un exercice, mais nous sommes très clairement dans le centre G qui a continué dans le relatif mineur de moi. Mais si j'ai recommencé et alors je vais penser à e mineur comme le prochain centre de gravité. Donc son G le Centre de gravité Way, chemin Chorus Centre de gravité est maintenant à moi droit sur. Alors peut-être que nous aurons les meilleurs plongeurs dans notre choeur sur notre contre en sol majeur à nouveau. C' est ce que je veux dire par déplacement des centres de gravité. Et ça t'aide à tracer ce à quoi tu penses. Peut-être les choeurs mineurs. Sentiment plus inapproprié dans les versets, un majeur plutôt que nécessairement tout avoir avec ce son mineur et le centre de gravité. Alors regardons Alléluia et comment ça fait Il doit rester en sol majeur, donc nous n'avons aucun moyen. Donc c'est beaucoup dans le centre clé du sol majeur ou le centre éternel est la majeure partie de l' échelle, non ? Nous passons par la cour 6. Alors ça s'en va. Les grandes triades primaires nous ramènent en arrière bien établi ce centre de gravité juste sur. En fait, si vous connaissez bien cette chanson et que vous connaissez la théorie derrière les accords et les paroles, vous remarquerez qu'en fait, il parle de la quatrième, la cinquième, de la chute mineure et de l'élévation majeure, qui sont des références directes à l'harmonie à l'intérieur d'un intel clé à l'intérieur d'une échelle majeure. Donc, je pense que ce serait vraiment bon pour vous d'apprendre et de penser à toutes ces choses. Donc, je vais juste jouer à nouveau et on arrivera à la voie O. Allez au choeur, qui va comme ça entre Court for et Court Six on Court 6 me sent maintenant de toute façon, comme notre centre de gravité, j'aime penser que c'est peut-être comme ça qu'il a pensé. Ça ressemble à un léger point de repos. Ce n'est pas la fin de la pièce, mais c'est une sorte de point de repos moyen finit façon d'utiliser les triades primaires pour vraiment dire non, nous sommes la clé majeure Quand NOAA moins, il était une clé majeure. C' est comme ça que vous êtes dans les différents centres de gravité. Regardons l'Amy Winehouse, donc je vais d'abord jouer les accords simples, et ensuite je ferai l'arrangement, ce qui, espérons-le, fera ressembler un peu plus à n'importe quelle maison blanche. Droit ? Donc ici en ré mineur, non ? Et ça commence sur la Cour deux, maintenant appelé cinq sont modifiés Accord cinq, où ce n'est pas un mineur, mais un major et tout ce que vous faites pour le faire quand vous changez le milieu propre 7 10 Donc nous allons de Diminué. Ne vous inquiétez pas trop va revenir sur tout cela plus tard dans le cours, mais a dû créer des tribunaux à partir de zéro et a dû vraiment comprendre ce qui est fait sur ce qui est mineur. Mais fondamentalement cette chanson. Donc c'est le premier. Ça continue de tourner autour. C' est très Mina, beaucoup. Mais alors nous allons dans le cours majeur sur un très intéressant se passe. Nous jouons Teenager, qui est certainement pas dans la clé de ré mineur parce que si plat en elle sur sol majeur a un B. naturel. Il a dit qu'il est de pousser à l'extérieur de la clé de sorte que le choeur Ueo, nouveau centre de gravité et ensuite pousser à l'extérieur du roi étaient la lecture affectant notre gravité. Donc il y a deux principes là-dedans, l'un qui passe du major et du mineur. Vous savez, le verset et le choeur de sorte mineure majeure, qui ont du chemin. Quand voulez-vous dio sur aussi un autre, qui est d'emprunter des cordons à d'autres clés et peut-être même pour le cours si vous pouvez le faire arriver jusqu'à présent avec la théorie que vous savez, entrer dans une clé entièrement différente. Ainsi, par exemple, nous commençons en do majeur moins de débat. Minor Arrêter de faire une affaire majeure ne marche pas, non ? Donc vous devez penser probablement un peu à ce sujet en ce moment, n' est-ce pas ? Parce que certaines de la théorie que vous connaissez ne vont pas jusqu'à ce que ces cordons fonctionnent immédiatement. Une autre clé, parce qu'il y a quelque chose à propos de celui-là qui ne semble pas trop bon. Essayons de repartir au sol majeur. La façon dont tu penses à ça a des jambes. Alors ne vous inquiétez pas trop si vous venez une fois et que ça ne marche vraiment pas, vous comprendrez pourquoi. Et vous avez les compétences et les outils nécessaires pour que ces choses fonctionnent. J' aime courir mais utiliser. C' est une expérience maintenant pour créer de nouvelles sections dans vos pièces et étendre vos progressionsd'accords progressions 46. Projet - Composer 3 sections différentes: donc une mission pour vous de mettre en pratique ce que nous venons de faire dans les dernières vidéos. Donc on va prendre l'idée de notes de pédale juste au-dessus des cordons. On va prendre l'idée de changer légèrement la ligne de base. Nous allons aussi prendre l'idée d'un nouveau centre de gravité, soit dans la clé, soit dans une toute nouvelle clé. Et je veux que vous écriviez un morceau de musique qui ne finira pas nécessairement comme un morceau de musique à part entière que vous montrerez aux gens, mais plutôt comme un exercice. Rappelez-vous, c'est ainsi que nous devons pratiquer ses compositeurs. Pourquoi ne pas pourquoi les instrumentistes devraient être les seuls à faire de l'exercice, c'est que nous devons pratiquer ces choses. Ne vous inquiétez pas si ça a l'air un peu bizarre ou funky. Peu importe. Essaie juste. Et ça pourrait être des trucs utiles là-dedans. Mais vous aurez alors la compétence de faire cela dans votre ensemble d'outils afin que vous puissiez tirer dessus plus tard et partir. Je pense que cela a besoin d'un nouveau centre de gravité ou je pense que cela a besoin d'un changement de base sous les cordons, par exemple, si juste. Trois sections dans cette pièce une section utilisant des cordons communs diatoniques à l'intérieur d'une clé, mais en le changeant par une pédale savoir soit avec une base ou une pédale inversée. Alors rappelez-vous, les notes de pédale sont ces notes de longue date sur les tribunaux ou sous la cour de sa base Maintenant, alors ce sera des changements de base. Donc, comme penser les changements de base sur un accord à droite sur alors ou peut-être quelques tribunaux, et puis la finale serait la section finale serait un nouveau centre de gravité est et rappelez-vous que c'est la planification. Donc tu prévois ça à partir du piano ? Cela ne semble probablement pas vraiment bon parce que vous le planifiez, et c'est la structure de l'harmonie derrière elle. Mais vous savez à peu près ce qui se passe. Ensuite, vous allez, arrangez-le, et c'est là que vous pouvez vraiment le faire briller 47. 3 exemples de sections différentes: Alors écoutons ça. Arrangé Tout simplement, Ce que nous avons ici est une adaptation de l'une des mains errantes pistes de soutien. Si vous l'avez déjà entendu et ce que j'ai fait, c'est que j'ai changé cette section du milieu pour avoir un autre centre de gravité. Nous avons donc notre première section, qui est dans la clé du sol majeur. Et nous avons la section suivante, qui est également dans la touche G majeure, mais a une ligne de base différente. Et puis nous avons notre nouvelle section, qui a un autre centre de gravité, et j'ai écrit en haut. Donc, G Major, mesurez-vous une base différente, puis d centre de gravité mineur en dessous est la séquence d'accords . Et donc je vais juste zoomer pour que vous puissiez voir qu'un peu mieux que je vais jouer la piste pour que vous puissiez entendre, - donc ça fait un bon effet. Je veux dire, c'est un genre spécifique. C' est une sorte de changement de bluegrass, mais vous remarquez que cela crée une qualité très, très différente. Donc, je vous invite vraiment à commencer à explorer cela dans vos compositions, créant un centre de gravité différent et en vous demandant si c'est la chaux sonore après qu'il donne un sentiment de fraîcheur et d'ouverture, certainement. Mais parfois cela ne fonctionne pas, et parfois ça le fait, alors utilisez-le avec prudence. 48. Introduction à la voix: donc bienvenue dans cette partie du cours où nous allons parler de la façon de faire entendre vos cordes d'une manière différente. Donc une façon très simple de dire que ce serait ce n'est pas ce que vous dites par l'harmonie ou la cour en dessous. C' est comme ça que tu le dis. Toi, les voix. Vous m'avez entendu plusieurs fois dans les vidéos précédentes. Dis que tu comprendras ce que je fais ici plus tard dans le cours. C' est là que nous avons des trucs pour expliquer comment je rompt ces cours pour les faire passer de Bristled un peu d'avion à faire pour devenir ceux sont toujours basés sur aller un avant ces sept accords d'une clé diatonique. Mais il y a d'autres choses qui se passent là-dedans. C' est donc une façon de penser à votre écriture en tant que compositeur, comme un pipeline. Donc, vous commencez vraiment par les étapes simples de planification de l'harmonie et de la mélodie. Droit ? Ensuite, vous allez dans la deuxième étape. C' est comme ça que je regarde. La deuxième étape de la facturation vocale est la façon dont vous expliquez ou jouez des accords sur n'importe quel instrument. Ce n'est peut-être pas la planète, mais surtout beaucoup de compositeurs travailleront au piano. Et c'est pour ça que vous prenez ce cours, évidemment. Ensuite, après avoir exprimé, vous entrez dans l'arrangement. Alors, quels instruments jouent ? Quoi, tu vas partager cette partie entre ces deux instruments ? Est-ce que celui-là va au plus haut Non ou au bas ? Non. Et enfin, ce sont les productions d'obtenir tous les sons vraiment bons. Nous n'avons pas encore abordé comme le rythme, la batterie et tout ça, mais vraiment, juste en termes d'écriture de la partie musicale de celui-ci en images une partie, ça va combien, puis vous êtes des voix. Ensuite, vous êtes arrangé, puis votre production, et je pense que c'est une très bonne façon d'y penser. Vous pouvez pointer et sortir, mais généralement il est bon de commencer à un endroit et de passer par. Sinon, on se perd un peu le nombre de fois où je me suis retrouvé assis devant mon ordinateur pendant des on se perd un peu le nombre de fois où je me suis retrouvé assis devant mon ordinateur pendant des heures sans aller nulle part, et ensuite j'ai pris cinq minutes pour aller avec le piano et contrairement à oh ouais, heures sans aller nulle part, et ensuite j'ai pris cinq minutes pour aller avec le piano et contrairement à oh ouais, C' est génial. Et puis je le reprends et c'est bon, donc c'est pour ça que j'ai dans mon studio, mon piano ici. Il est connecté, évidemment, à l'ordinateur sous le sol parce que c'est un piano électrique. Et puis j'ai mon cher W là-bas où je travaille parce que c'est comme si je changeais d'avis. Je vais au piano, travaille sur des trucs ici. C' est assez ouvert, organique, et je reviendrai au D.A. D.A. W. et je commencerai à assembler des trucs ensemble. Donc, dans ce chapitre, nous allons regarder tout sur la façon de jouer des voix ou de changer vos voix à partir de choses simples comme ça qui est assez simple, mais il y aura des choses plus excitantes à venir. 49. Arpeggiation: donc, l'une des premières façons les plus simples de commencer à organiser ou à exprimer vraiment, votre tribunal est quelque chose que vous connaissez probablement déjà. Ça s'appelle l'agitation AARP. Vous avez déjà utilisé des effets MIDI à l'intérieur de votre w et la logique en a un, certainement est l'endroit où vous jouez essentiellement quelques notes juste le tenir vers le bas, puis l'instrument de nombreux synthétiseurs et claviers ont. Cela rend vos notes comme ça de différentes manières, donc il pourrait faire moyen de le faire vers le bas. Ou il pourrait faire beaucoup d'autres choses des notes aléatoires et des trucs comme ça. Donc l'appréciation est fondamentalement prendre la partie harmonique de l'Accord essentiellement notes en même temps, se produisant verticalement au même moment sur faire le mélodique donc l'un après l'autre ou tout autre genre de chose. Et c'est aussi la capacité de pousser cette corde différentes octaves, donc ça pourrait être So. Ce que je fais ici semble dépouillé, parce que je m'explique en quelque sorte qu'il ne joue pas correctement, mais laissez-moi vous montrer un exemple de ce que je fais au piano. Si j'ai le 156 plus de progression à l'intérieur hors sol majeur, je vais à un droit de production différent, Donc déjà, il sonne comme un vraiment cool et bien, je veux dire, ce n'est pas incroyable, mais ça sonne beaucoup plus dans profondeur. On dirait que vous avez déjà composé quelque chose. Ou au moins vous êtes sur le chemin de composer plutôt que de cartographier des choses comme nous avons fait tant jusqu'à présent dans le cours. Donc fondamentalement, commencez à jouer autour de cette éducation AARP pause la vidéo. Maintenant, apprenez à l'intérieur de toutes ces différentes clés que vous avez fait les mineurs dans les majors, puis revenez et regardez deux séances que j'ai dans la logique où je vous emmène travers faire cette appréciation pour les cordes et aussi un peu comme une danse CTM chose d'appréciation. 50. Exemples Arpeggiation dans le contexte: Voici donc un exemple d'utilisation de notre pagination dans une sorte de film orchestral acceptant avec des cordes. - Donc ce que j'ai ici, c'est que j'ai soloé la ligne supérieure de Dive, écrit les cordons dans les marchés pour qu'on puisse voir ce qui se passe. C' est donc une progression d'accord très simple dans la clé d'un mineur que nous connaissons déjà. Mais nous ne savons pas pour les cordons dans cette section, ou du moins je n'ai pas fait ça dans le cours. Vous pourriez ignorer cela pendant un instant et vous concentrer sur cette zone en ré mineur, un e mineur, puis de retour. Donc, ce qu'on a, c'est joué dans un arpège détesté au cours du parcours. Donc notre premier tribunal est un tribunal mineur D, et je joue les notes payer puis D puis un nouveau sur notre prochain accord est un mineur et la voix la plus proche que je peux avoir à ces trois notes ici ou là ou plutôt la voix la plus proche d'un mineur que je dois à la voix de ré mineur que j'ai ici à ces trois notes ici, un mineur en position de route, et c'est encore une fois ce que j'essaie d'expliquer leur très inarticulément essaie de. Ce que j'essaie de faire, c'est de m'assurer que ces voix n'ont pas à sauter un long chemin pour passer à la prochaine cour. Vous voyez, tout ce qu'on fait c'est qu'on déplace ces deux voix vers le bas d'un pas dans l'échelle, puis on est dans cette voix et cette voix du bas reste la même. Donc, nous obtenons ce son pour ajouter de la variation. Je change de corde ici, même si c'est la même cour. Je change la voix plutôt ou l'inversion sur qui nous permet également de le tirer, puis la voix e mineur assez étroitement à nouveau. Nous avons des mouvements limités que nous voulons déplacer d'ici à ici parce que nous sommes sur la même cour. Et si nous sommes restés sur la même voix comme ce post, il suffit de répéter cela d'ici là. On est en quelque sorte la partie de notre, surtout si on l'écoute tout seul. C' est en quelque sorte dire, Hey, tu fais ça depuis un petit moment maintenant, donc il est logique de changer l'inversion pour donner un peu d'intérêt. Donc c'est essentiellement tout ce qui se passe dans cette partie. Regardons la partie suivante ici. Si je fais défiler un peu vers le bas, tu verras qu'on a les mêmes accords, non ? Mais l'arpège détestait d'une manière légèrement différente, donnant un rythme différent qui est encore exactement ré mineur. C' est toujours un mineur, un mineur dans une voix différente et ensuite un mineur. Mais ensemble, ils ressemblent à ça. Et puis je double ça avec, je crois que la base. Ouais, si bien ensemble. Alors voyons ce qui se passe d'autre. Défilons ici. Ensuite, nous avons une autre partie plus loin sur la partition ici, et cela ressemble à ceci si je rencontre les autres et vous pouvez entendre que ça fait un schéma plus profond. Mais il joue toujours juste les cordes que nous avons avant il y a et la note occasionnelle qui n'est pas nécessairement la même, mais c'est d'être arpège détesté par un arpège plus tard, donc nous obtenons cette belle, belle combinaison de ce genre, ceux ici qui est un peu plus lent, puis celui-ci, qui est un peu plus rapide. Donc, cela vous est évidemment familier. Si vous avez regardé n'importe quelle sorte de partition de film dramatique ou l'école de film d'action. Il a beaucoup de ce genre de mouvement arpéggio détesté rapide dans ce qui est appelé Speak Otto Strings sur J'utilise Spitfires Staccato Désolé, staccato articulation de la chaîne de leur bibliothèque de cordes symphoniques. Et nous dirons, en utilisant quelques autres choses. Donc, tous ensemble, c'est la section des cordes. Mais alors, si nous ajoutons quelques autres choses si,par exemple, par exemple, vraiment excitant trombone en laiton. En fait, si nous regardons les cuivres, ils font une chose très similaire en ce qui concerne l'éducation de l'AARP. Mais juste changer le rythme un peu, et tout ensemble ça va ensemble. Alors c'est tout, Vraiment. Ces cordons en haut sont paginés de différentes manières qui soutiennent l'ensemble de la piste. Bon, donc voici un exemple d'une piste utilisant notre pagination juste pour ajouter un peu plus d'intérêt. Donc c'est quelque chose sur lequel je travaille en ce moment, vous pouvez voir que c'est un peu désordonné en termes de lenteur de l'étiquetage. Ignorez ça, mais donnez juste une idée rapide de ce qui se passe pour que vous puissiez entendre. Il y a beaucoup de blanchiment qui se passe peut-être trop. Je pense que j'étais excité, mais de toute façon, pour rester avec ça, j'ai pensé que c'était une piste appropriée pour gâcher avec appréciation. Donc, ce que j'ai ici, c'est que j'ai ce genre de son de plomb, qui est assez sympa sur ce que j'allais faire était d'ajouter dans l'arpège plus tard et de vous montrer à quel point il est facile de gâcher avec des trucs. Alors je vais parler de Cordy. Tu peux avoir une petite leçon, Teoh, et voir ce que je fais en même temps. Donc , vous avez l'idée. Donc, je déconnais Tonnes comme ça, beaucoup trop. Je crée juste trop de bruit, vraiment. Mais il y aura certainement des idées qui ont été générées par l'arpège plus tard lui-même. Maintenant, juste pour être clair, ce qui se passe ici, c'est que je joue dans une clé un peu plus avancée ici que nous n'avons pas fait jusqu'ici, alors ne vous inquiétez pas pour ça. Je sais. J' ai dit au début, ce cours nous allons seulement travailler à l'intérieur des clés de C, F et G. Désolé pour ça. Je m'éloigne de ça. Mais essentiellement tout ce que je fais, c'est de jouer des accords. Par exemple, si nous sommes en do majeur. Je jouais juste des accords sur l'ajout de notes différentes dans son Eh bien, je suis juste en train de jouer à l'intérieur de la clé, donc c'est un autre exemple d'éducation AARP, et c'est des utilisations. 51. Accords de position fermés et ouverts: sorte que vous pouvez voir que l'appréciation est un outil vraiment, vraiment utile pour les compositeurs. Fondamentalement, il faut le tribunal et il le pousse dans le temps. Donc ça fait en sorte que la moitié de l'harmonie et la moitié de la mélodie. Donc, vraiment, ce n'est pas votre explication classique ou ce n'est pas le cas. Ça ne veut pas dire parler. voix est essentiellement à propos de tout en même temps. Donc si je prends cette corde, alors je le change pour que c'est une voix différente parce que je joue ce tribunal en même temps. L' appréciation tend légèrement vers la mélodie parce qu'elle se déplace dans le temps. Donc, la façon la plus simple de penser à exprimer ou à changer une voix au début est de faire quelque chose qu' on appelle des voicings de position fermée ou ouverte. Donc, nous avons fait jusqu' des vocations en position fermée autant que possible, exercices et les choses simples que je vous ai montrées en position rapprochée. Son ut majeur en position fermée. Son a comprend la visite d'un mineur en sol majeur, position proche, mineure en sol mineur, position fermée, major de boeuf, position fermée que tous fermés, et la raison qui a fermé est parce que nous ne pouvons pas mettez-les dans cet ordre. Soyez sur le bas D au milieu du haut dans n'importe quel autre ordre. Donc tu dois les avoir comme ça, non ? On pourrait faire ça. Je pensais que cette atteindre eso C'est B plat D et puis f dans le même ordre. Mais maintenant, cette façon s'est étalée à droite. Alors qu'ici on ne peut pas les rapprocher dans cet ordre. C' est donc la différence entre les positions fermées et ouvertes. Et la chose à réaliser est que la seule est une version de position causée du cordon juste avant d'arriver aux inversions, nous allons y arriver dans la prochaine vidéo. Donc une position appelée Il n'y a qu'une seule position fermée, mais il y a beaucoup, beaucoup de voix de position ouverte que même Chorzow façon Dio. J' ai la route dans la cinquième de la base et j'ai entendu un sommet. C' est une autre voix de si bémol majeur. Une autre voix pourrait être ceci comme ça. Un autre pourrait être pour les notes de base, probablement hors écran sur la lune, mais je vais le faire ici. Alors un jour ici, puis à moitié ici et il peut y avoir un autre si bémol qui est encore si bémol majeur, mais ce sont toutes des voix ouvertes différentes, ce qui lui donne un caractère différent. Alors quoi ? J' aimerais que vous fassiez juste jouer avec ces différentes voix de position ouverte à l'intérieur de simples progressions d'appel que vous avez joué jusqu'à présent. Et dans la prochaine vidéo, ce qu'on va faire, c'est parler d'inversions. Et quand vous combinez des inversions avec des accords de position ouverte, c'est là que tout le domaine de la voix commence à s'ouvrir. 52. Inversions d'accords: Donc, comme je l'ai dit dans la dernière vidéo, c'est là que les choses commencent vraiment à prendre forme. Tout ce que nous avons fait jusqu'à présent avec ce son simple et simple, un son d'accord que vous avez entendu depuis le début d'une leçon de piano va maintenant commencer à s'ouvrir et vous allez commencer à penser, Ok, je comprends ça piano, je peux commencer à faire des trucs comme je le voulais. Donc, dans la vidéo précédente, nous avons regardé la clôture de l'idée de position ouverte. Et dans cette vidéo, on va regarder ce qu'on appelle les inversions. Donc, si on regarde à nouveau un simple tribunal, comme un mineur, , on est en position fermée là-bas. Nous ne pouvons pas rapprocher ces notes les unes des autres, mais a est sur le fond, et a est la note à partir de laquelle nous avons construit ce cordon. Ça s'appelle la racine de la cour. Nous appelons ça la troisième Miss la cinquième, comme vous le savez déjà. Maintenant, si on met ça productif, c'est exactement la même cour. C' est fait sur le même matériau. C' est encore une mineure. La même cour que nous avons redescendu, vous pouvez le dire par son son, quelque chose à ce sujet. C' est un peu décalé. La façon dont je pense c'est que c'est comme, Eh bien, c'est toujours la couleur bleue, mais c'est juste un peu plus léger. Bon chemin. Fais-le encore. Si nous prenons cette note, c'est maintenant au fond, qui était la troisième avant, c'était trois. Maintenant, il devient le fond. Non, ou la base. Maintenant, vrai, on recommence. Déplacez ça vers le haut. Donc C est maintenant au sommet. Nous avons une autre qualité, mais c'est toujours exactement la même cour construite. On pensait à l'avance que la position des Triades sur ce qu'on fait quand on fait ça, c'est qu' on renverse la cour. C' est donc la position de l'itinéraire parce que nous l'avons construit à partir des routes et l'itinéraire est en bas. C' est la première inversion parce que maintenant la troisième est dans la base. C' est en bas, et c'est la deuxième inversion parce que le cinquième est dans la base. Ok, route la première inversion, deuxième inversion, et ensuite on repositionne. Première inversion seconde, etcetera, etcetera sur le haut. Nous le faisons avec un autre tribunal qui pourrait être un peu plus difficile à voir. Faisons le sol mineur, qui est appelé au super tonique hors major, nous prenons le G et mettons en place adoptif. Nous obtenons ce qui est la première inversion. Et si on prend ce boeuf comme si on avait un moyen productif, on a une deuxième version , c'est ça ? Même avec cette petite chose que je viens de faire, alors vous pouvez voir comment si vous avez un long cordon et que vous voulez que ça sonne un peu plus intéressant, vous pouvez travailler avec des inversions, non ? Alors faisons ça. Donc là, je change la note de basse sur la voix dans ma main droite sur chaque version d' inversion est définie par ce qui est dans le sous-sol. Ok, donc si on combine les inversions avec l'idée ouverte et fermée, ce qu'on obtient est un tout autre son. Son fa majeur en reposition position fermée et ici il est en position ouverte première inversion, parce que nous avons le jour dans la base dans un C puis un autre. Ce n'est pas une position fermée, et ce n'est pas la position racine sa première inversion parce que cette note la troisième est dans la base et c'est une position ouverte parce que nous pourrions obtenir ces notes de savoir pour être plus proches ensemble. Dans cet ordre, un sur le fond, Voir et façon pourrait jouer comme ça Maintenant est la position fermée. Donc, si je joue la progression 1564 à l'intérieur de notre sol majeur, mais que je fais les cordes ouvertes sur De Inversiones, ça va obtenir un son totalement différent de ceux que nous avons joués jusqu'à présent. Obtenez un son vraiment, vraiment sympa qui se passe. Alors explorez ça au piano. Comme avec tous ces exercices, et écrire quelque chose qui utilise des inversions et des positions ouvertes ainsi que des positions proches sur les positions route qui a du sens. 53. Doubler des notes: donc vous m'avez vu dans certaines des vidéos avant. Doubler quelques notes à l'intérieur de la cour à ce sujet est plutôt simple parce que vous pensez, eh bien, oui,bien oui, sûr que je peux en mettre plus, mais en fait, je n'ai pas besoin de sous-estimez à quel point c'est puissant, surtout lorsque vous arrivez à la scène d'arrangement ici au piano. Un exemple simple et le plus évident de doublement serait si je prends un cordon comme un si mineur, puis je le mets d'une certaine manière, je pense que c'est une base de référence. Mais en fait, techniquement, c'est une voix sur. Si c'est juste toi sur le piano, tu mets un si mineur dans un autre droit de voix. Et puis si vous avez doublé la mer, qui est le troisième d'un mineur, c'est un double droit. Mais c'est un sous-sol, donc c'est tout sur le côté de la ligne de base, non ? Nous doublons avec la base, mais nous pourrions aussi faire des trucs comme si je jouais en si mineur en première position de fermeture d'inversion. Mais je peux doubler certaines notes en haut. C' est une qualité si je double ces notes à la place. Ou si je double l'œil de la DEA donne un son différent, non ? Essayons-le avec e mineur aussi. Si je double fondamentalement laisser à la cour sur puis D grandes charges doubles du coin, nous le rendons plus complet et plus riche son si très, très courte vidéo ici pour expliquer fondamentalement la différence off ou que l'application de doubler au piano. Mais je vais montrer, vous savez, quelques choses à l'intérieur d'un arrangement et comment ça commence à s'accumuler en Europe. Vous êtes W productions. Donc, ce que nous avons ici, c'est une progression assez simple de l'accord à l'intérieur du do majeur. Vous pouvez voir cela écrit dans la section du marché ici à ce sujet. Je l'ai joué en trois parties sur quelques cordes. Maintenant, on a regardé quelques vidéos il y a . L' idée d'inversions sur j'ai fait quelques inversions de ces cordons ici juste pour le faire fondre un peu mieux sur cela. mélange entre différentes inversions et le type de choix de différentes inversions est quelque chose que nous appelons voix leader disant qui regardera plus tard, mais cela rend juste le mouvement entre les accords un peu plus naturel et un peu plus composé parce que si je devais jouer cette progression d'accord sans cela, ça se tournerait comme ça pour qu'il ne se sent pas nécessairement comme ces lignes. Airil se joindre à la fusion entre les uns des autres parce que je joue cette piste de position autour du piano ne fonctionne pas aussi bien. Alors écoutons ça avec un petit peu de voix qui mène. Et puis nous parlerons de la façon dont le doublement a des effets sur notre arrangement. Donc, nécessairement lorsque vous organisez quelque chose pour plus d'un instrument, vous devrez réfléchir à la façon dont vous partagez ces notes de corde entre différents instruments, et c'est essentiellement doubler. Et la chose la plus évidente avec le doublement est de jouer une ligne de base. Alors commençons par ça maintenant. Les notes du cordon ici. Typiquement, ce que vous faites avec la ligne de base est que vous suivez les notes de basse ou désolé, les notes de route de l'accord. Donc je joue dans A et E et F et N, e et F, mais tu n'as pas à faire ça. Tu peux choisir d'autres notes de la cour, donc je vais le faire maintenant et tu peux regarder en temps réel et ensuite on parlera de ce que je fais . Ok, donc ce que j'ai fait là, c'est que j'ai joué des notes du cordon qui se passait en ce moment. Alors nous allons zoomer un peu ici, et nous allons ouvrir la section du marché ici pour que nous puissions voir ce qui se passe avec le cordon. Donc ici sur la cour A dans ma base, je joue sur un, ce qui est tout à fait logique. Continuons ici et jouons un G, mais G est le troisième ou le milieu non hors de la cour de mi mineur. Donc c'est OK, ça est permis, et ça donne un certain effet, ce qui lui donne un sentiment d'inversion. Puis sur F, on est juste à côté du F, donc on peut aussi bien jouer le F. Donc ce que je fais c'est que je fais une longue ligne qui se déplace entre ces notes. J' aurais pu faire ça. Je déplace cela vers le bas à un E ici sur le son aurait été comme ça si je jouais juste les notes de racine, ce qui fonctionne aussi bien. Mais je voulais en quelque sorte donner une sorte de mouvement à la baisse dans la ligne de base, et encore une fois, nous pensons à cette fusion de la cour a dit que ça ne ressemble pas à ce genre de sentiment de bloc . Maintenant, continuons à partir d'ici. Donc, c'est une longue balle. J' ai décidé de le tenir pour l'instant. Ici encore, j'ai déplacé sur Ceci est un E, qui est à l'intérieur de la cour d'un mineur. Donc, cela a du sens à l'époque. Ce qui est vraiment utile ici, c'est que le e peut alors rester et devenir la note, la note de bas de la cour suivante. Donc ce genre d'entrelacement de trucs Kordell est quelque chose que nous allons regarder de plus en plus dans ce cours, et c'est ce qui donne quelque chose. Alors, qu'est-ce qui donne particulièrement à des choses comme des arrangements à cordes un vraiment beau, composé et plein son ? On dirait que tu l'as bien arrangé. Et toute cette ligne de base se déplaçant par étape, tout en utilisant la cause de doublement évidemment, nous avons exprimé toutes ces notes déjà à l'intérieur des cordes. Faisons la même chose avec peut-être sur la ligne supérieure et réfléchissons à cela. C' était bon. J' ai juste improvisé celui-là. Je pense que cela serait probablement amélioré, mais nous allons voir ce que j'ai fait et voir ce que nous pouvons améliorer à partir de cela. Donc on en a appelé un. Nous avons un C, qui est le troisième de la cour. Écoutons ça sur. Ensuite, nous avons déménagé pour être parce que encore une fois, nous voulons faire ce genre de mouvement pas à pas qui garde tout beau et fluide et fonctionne à l'intérieur du mineur. Et puis je remonte pour voir à nouveau, qui est le cinquième de la cour F. Donc ça nous donne maintenant ici au lieu d'aller et de rester sur C, j'ai décidé de monter, mais je ne sais pas si ça marche trop bien. Voyons ce qui n'est pas quelle autre note à l'intérieur d'un mineur peut-on avoir ici ? On pourrait aller payer et voir à quoi ça ressemble. Maintenant ici qui ne peut pas rester le A parce qu'il n'appartient pas, du moins pour cet exercice. Bien sûr que ça peut rester. C' est ta composition. Mais juste pour cet exercice, ce qu'on va faire, c'est changer le cordon. Désolé, Changé la note sur le B fonctionne parce qu'il est à l'intérieur du mineur. Et voyons, que pouvons-nous faire ici ? Eh bien, être est juste à côté de voir ce qui est à l'intérieur de la cour pour qu'on puisse rester avec ce mouvement pas à pas . Et nous allons voir si nous aimons ça, voir, voir, n'a pas à rester sur C. Il pourrait descendre à un fait, ce qui est une autre note à l'intérieur du quart de bain. Donc, c'est un peu à propos de la voix qui conduit. Vous voyez que nous avons cette belle disposition ici qui seul au milieu est juste les cordes avec un petit peu de voix penchée. Et on a la contrebasse en bas. Et puis la mélodie doublée en haut. Et il donne une très belle texture ouverte cet espace entre ces trois types de sections de l'orchestre à cordes, et il lui donne un son complet. Bien sûr, il y a beaucoup, beaucoup d'autres choses que nous allons apprendre pour en faire beaucoup plus plein. Vous pouvez voir que si vous avez de bons échantillons comme j'ai ici de Spitfire Audio, vous pouvez faire quelque chose qui sonne assez bien, mais simple très rapidement 54. Notes déposantes: donc. Tout aussi simple est la chute de notes de la cour, qui crée un son assez puissant, ce qui crée un son assez puissant, selon le genre et ce que vous essayez de faire avec vos harmonies. L' exemple le plus classique de ceci est l'accord de puissance sur la guitare. Fondamentalement, ce son. Tout ce que ça fait, c'est qu'on prend une triade avec tomber. Le troisième jouait au piano. Ça ne semble pas si bon, non ? Ça sonne mieux. Médiéval, non ? Mais alors, si vous jouez ça à la guitare, ça marche vraiment comme ça. Laisser tomber le troisième de peut créer ou d'un tribunal peut créer un son déjà puissant. Mais essayons d'autres. Essayons maintenant de laisser tomber le cinquième Donc cela je pense comme si mineur et cela fonctionne toujours sans. Si vous laissez tomber le troisième, vous revenez à cet accord de puissance sur son propre Ceci est ambigu car il pourrait s'agir d'un accord majeur ou d'un accord mineur que vous ne connaissez pas vraiment. Nous allons apprendre comment créer des accords majeurs et mineurs immédiatement à partir de zéro, si vous ne savez pas déjà attendre celui-ci. Mais fondamentalement, ce que je peux faire ici, c'est le chemin. Je ne sais pas si c'est majeur ou mineur. Alors je peux le rendre majeur et tu as des yeux un major. Ou si je joue la même chose, je pourrais devenir mineur parce que ce milieu non est la chose qui change le son. Donc, laisser tomber des notes d'Accord, quelle que soit votre voix ou votre inversion, peut en fait donner des résultats intéressants dans votre arrangement. Et si vous ne voulez pas opter pour ce son particulier de la vie ou qu'il le sait, c'est une harmonie vraiment évidente. Parfois, vous voulez que les choses ne soient pas particulièrement harmonieuses. Vous voulez que ce soit plus comme ceux jusqu'à ce que vous avec des suspensions et en laissant dehors le troisième, qui viendra à des suspensions plus tard. Mais pour l'instant, si vous voulez sortir ce côté de l'harmonie des choses, qui est souvent créé par la note du milieu, merci vous pouvez faire une sorte d'expérience avec la création de nouveaux sons qu'un pacte de celui-ci plus clairsemé que le harmonies que vous avez regardées jusqu'à présent 55. Diriger la voix: Donc, nous avons beaucoup réfléchi à différentes façons d'exprimer nos cordes avec les inversions . Appréciation de la position fermée ouverte. Laisser tomber ces choses jusqu'à présent peut nous donner une palette de couleurs tout à fait intéressante et attendre un très records que nous avons déjà. Mais pour aller plus loin, nous pouvons penser au cycle. Le départ de la voix qui mène la voix est le plus souvent pensé en sorte d' arrangements orchestraux , en particulier l'écriture de cordes ou les parties vocales en sorte de 45 parties d'harmonie. Et c'est là que vous prenez chaque note d'Accord et que vous y pensez comme une voix individuelle, comme une chanteuse individuelle et comment elle passe au point suivant dans la cour suivante. Si je vous montre ce que je veux dire que la façon PMO prend une cour très simple comme prendre d major droit chemin, remonter pour dire corde un nouveau. On va donc appeler cinq de sol majeur jusqu'à la Cour un g. majeur. Je pourrais jouer comme ça, évidemment, et je pourrais faire d'autres choses avec les voix que nous avons faites jusqu'à présent. Mais ce genre de beaucoup, beaucoup plus genre de façon intéressante ou agréable pour exprimer ce serait de passer de ce cordon de position racine à une deuxième inversion de tomate. Recevoir ceci. C' est une première inversion à l'époque. C' est la deuxième version, donc ré majeur à une deuxième inversion de sol majeur. Et la raison pour laquelle vous pouvez voir est que les voix, cette voix sur cette voix je n'ai qu'à bouger. Une étape sur cette force reste exactement la même. Donc, il y a une sorte de deux principes là-bas que principalement une bonne voix leader a cette chose qui arrive où certaines voix restent les mêmes et une partie du mouvement. Mais quand ils se déplacent, ils se déplacent sur une courte distance de sorte que vous obtenez à la place des sociétés qui ressemblent à ce genre de Konkey et qui se déplacent beaucoup. Tu as des choses qui ressemblent plus à, euh, il y a trois parties qui bougent ensemble, et si on le décompose, si tu étais chanteur et que tu chantais, disons cette partie, tu ferais beaucoup préfèrent être oh, yeux. C' est juste un petit mouvement dans votre voix, et il est plus facile de lancer et d'harmoniser avec d'autres personnes. Si vous chantez à petits intervalles. C' est très difficile. En tant que chanteur à chanter avec d'autres personnes, restez à l'écoute et allez. Et ce n'est pas naturellement comme ça qu'on chante. Nous ne pensons pas en termes de lignes, et cela ne donne pas cette douceur. Alors, comment commencez-vous les climats ? Eh bien, tu en gardes un peu là que tu dois prendre. Juste si c'est un peu délicat de ta part. Au début, prenez deux accords qui ne sont pas juste à côté de l'autre. Donc, par exemple, je pour en fa majeur et j'ai fait cela appelé un et la cour. Ils sont en quelque sorte juste à côté de l'autre. C' est bon de choisir un cordon comme la Cour un et appelé ou la Cour un appelé cinq, appelé la Cour d'ami six. C' est quelque chose qui a un peu de distance de ses racines. Et puis je pense, OK, d'accord, donc je vais de la Cour 1 en fa majeur 5 ou moins que prévu en fa majeur. Alors jouez-les à la fois en position de route et apprenez à vraiment savoir ce que toutes les notes sont dans chaque cour voir et au tribunal pour qu'il soit plat D et essayer d'obtenir vraiment bon à avancer , comprenant la différence entre ces deux accords et je pense que c'était le moyen le plus proche que je puisse me déplacer pour être plat avec la quantité la plus faible de mouvement. La façon la plus proche, de mon point de vue ici, est ici en prenant ces deux notes et en les déplaçant vers le haut afin d'obtenir ainsi un si grand tribunal. Donc, si nous avons pris cet effort, le fond là-bas est monté et actif. Vous savez que ce n'est que si bémol, accord majeur. Donc si ça n'a pas de sens, regardez la vidéo en arrière. Mais fondamentalement, alors la prochaine étape pour obtenir vraiment, vraiment bon à ce en termes de votre pratique est de faire cet exercice, que j'appelle restreindre à l'adoption. Droit. Et vous jouez à travers toute la corde dans une clé ici. On fait la cour dans un droit majeur. Mais au lieu de jouer la position, tu te dis, Ok, je vais mettre un peu comme un mur imaginaire à partir de ça, pour que je puisse seulement jouer ces notes, mais je dois jouer à tout les accords de do majeur. Donc c'est vraiment facile au début parce que vous pouvez juste commencer ici. Alors imaginons, je vais mettre l'écran d'icône maintenant pour que vous puissiez voir le mur. Fondamentalement, vous avez C E et G c'est bon. Tu peux le faire. D e s r E D F A. C'est absolument bien. Et ce sont les quatre derniers que nous pouvons faire en position de route ici maintenant, parce que nous sommes au-delà du mur. Je ne peux pas faire ce cordon, , parce qu'on en a besoin. Non. J' ai donc besoin de mettre cette note à l'intérieur de l'actif que nous utilisons actuellement. Il reste donc, Major. Mais c'est maintenant dans une inversion qui me permet de rentrer à l'intérieur de cet espace. Ce n'est pas pour faire de la musique géniale. Ceci est de s'entraîner à être capable de se déplacer à travers les accords et les inversions et de commencer à faire le chant . Alors le prochain tribunal serait, qui est le sol majeur. Si nous ramenons cela en repositionnant, cela ressemblerait à cela. Je ne peux pas jouer ça. Donc nous faisons ça quand l'accord suivant serait mineur, ce qui serait ces trois notes. Mais on ne peut pas faire ces deux notes, alors on les déplace vers le bas et on les active. Et puis la dernière cour serait comme ça. On ne peut pas utiliser ces deux soirs, donc tout ça ne semble pas très bien, mais c'est un très bon exercice. Donc j'espère que cela a du sens pour vous. Et faites ça dans vos trois médicaments, vos trois touches mineures, puis prenez une simple progression d'accord que vous travaillez sur le moment et réfléchissez à la façon de diriger cela et de déplacer cela dans des endroits différents, peut-être avec quatre voix. Donc là, vous m'avez vu faire tout avec trois voix, mais généralement une bonne voix a généralement quatre voix ou plus dedans. Trois pour trois voix se sent un peu Finn, donc on pourrait aller à la Cour 6 pour avoir demandé une voix qui Désolé six Cour cinq. Faisons-le encore. Mais je vais changer l'inversion pour qu'on y aille, euh, euh, doncdes exemples très, très simples ou des voix menant avec quatre parties à l'intérieur du do majeur là-bas. donc exemples très, Mais vous les respectez dans des clés différentes et obtenez vraiment, vraiment pratique cela et nous verrons cela plus tard dans le cours. Ce que nous pouvons faire, Ensuite, nous pouvons prendre le son simple là-bas et appliquer cela à l'intérieur d'un arrangement de cordes étonnant et commencer à faire des choses beaucoup plus intéressantes. Mais ce que nous faisons ici, c'est que nous construisons à nouveau en couches. Sonne simple au début, mais ensuite il commence à se réunir dans une sorte de compétences de composition entièrement affinée et solide que vous pouvez appliquer dans nombreux domaines différents. 56. Notes de grace: vous êtes donc armé de beaucoup de choses maintenant que vous pouvez utiliser pour créer de vraiment, vraiment de bonnes voix. Mais il y a une petite cerise sur le gâteau, qui est à voir avec les notes Grace, et je suis sûr que vous avez vu ou savez exactement ce qui se passe ici. Ce que nous faisons, c'est que nous ajoutons ces petites notes, qui ajoutent de la texture et une sorte de sensation organique aux cordons. C' est plus aujourd'hui avec le style de jeu, la façon dont on traverse les tribunaux qu'avec l' harmonie réelle . Mais ça donne un peu plus par un peu plus d'intérêt plutôt que de simplement aller comme ça. Tu peux y aller. Il suffit d'ajouter une petite note de grâce qui se passe à travers ça. C' est donc l'exemple le plus simple. Je pourrais aller droit avec un simple mai essayer. Ce que nous faisons, c'est que nous descendons un demi-ton avec le milieu Maintenant, nous commençons ici sur vous juste glisser et vous pourriez le faire de beaucoup de façons et vous pourriez juste ajouter quelques petites notes et juste voir à quoi ça ressemble. Donc tous ensemble. Alors, si tu prends ce qu'on a fait. Alors téléphone, on prend une sorte de belle progression. Nous pourrions être comme si toutes ces choses ensemble, le genre de partir des bases des triades de position racine avec lesquelles nous avons commencé. L' Harmony a pris le genre de voix menant le genre d'inversions ce genre de positions ouvertes et puis a finalement ajouté un petit peu de sorte de grâce, place de note, hum, hum, juste de brèves notes, des trucs en plus de ça. Ce que ça fait, c'est qu'il crée juste une sorte de son plein. Et vous commencez à ressembler à un peu plus du pénis que vous espériez Teoh dans le grand au début. Et ce genre d'imprégner ce que vous écrivez un peu plus d'intérêt, vraiment. Mais il est construit sur cette base de genre de comédie tragique, ce que nous avons appris jusqu'à présent. Donc je vous vois dans la prochaine vidéo où on fait un peu d'exercice dans une petite mission , juste un peu de choses ensemble pour vous dedans que vous pourriez travailler sur 57. Projet de chant de l'animateur: Cet exercice est donc pertinent pour le genre de producteurs parmi vous. L' exercice en deux vidéos Time est vraiment pour les compositeurs de films, les compositeurs de médias qui vont faire une sorte d'écriture de cordes en quatre parties. Vous êtes invités, évidemment, à faire les deux. Mais celui-ci concerne vraiment la plupart du genre de création d'un accompagnement Kordell basé sur un clavier pour un chanteur, ce qui, je pense, est vraiment pertinent pour beaucoup de producteurs. Donc on va juste prendre un air très simple. Vous pouvez choisir la musique que vous voulez, ou vous pouvez suivre celle-ci. Le score vers le haut dans la ressource est dossier dans le coin de l'écran là-bas, et vous pouvez télécharger cela et apprendre ceci ou trouver le vôtre. Mais c'est un monde fou, si tu ne sais pas. Ok, il semblait plus sombre. Vous le savez probablement. Donc Theo, le but de ceci est de ne pas accompagner le chanteur comme ça. Ça marche pour un peu, peut-être l'intro ou quelque chose comme ça. Mais après un certain temps tout au long de la chanson, vous ne créez pas une sorte de forme et d'intérêt, et vous ne faites pas tout ce que vous pourriez faire pour le chanteur. Il y a donc un certain nombre de choses qui utilisent toutes les choses que nous avons faites dans les vidéos précédentes sur les voix et les changements. Ce que je veux que vous fassiez, c'est créer un sens de la forme grâce à votre accompagnement pour que vous puissiez commencer très lentement comme vous l'entendiez. Ensuite, je suis de retour sur un accord mineur. Mais je fais une voix différente maintenant dans cet accord mineur. Ok, en se levant pieux et ma voix s'élève sur Booth. Maintenant, ils sont dans un calme, donc toutes ces choses ensemble donnent un sens de la forme à lui une fois de plus. - C'est le genre d'idée qu'on veut ici. Nous créons de la forme, en utilisant ces vocations que vous pouvez même utiliser des choses comme l'éducation AARP, par exemple. - Donc ce genre de choses ajoutent de l'intérêt. Il y a une chose que les gens font souvent, est qu'ils accompagnent un chanteur et qu'ils oublient où les gammes du chanteur, où ils chantent et cette chose chantera souvent autour de cette zone si vous jouez des accords et Vous allez, 00 vous êtes tous là-dedans que vous allez couvrir où ils sont et parfois ça marche bien, mais parfois ça les gêne et peut en fait les confondre. Donc, vous pouvez penser à une façon de le faire, c'est de faire fantommer la voix du chanteur dans vos voix. Donc, si nous prenons ceci ici, nous utilisons l'idée d'inversions quand nous montons à travers les inversions du cordon et nous utilisons cela pour nous aider à faire fantôme cette mélodie lignes Regardez ceci. On a un mineur en premier. Donc, ce que nous faisons à leur était de jouer les accords dans les différentes inversions, et ils correspondent vraiment bien à la mélodie parce que la mélodie est basée sur une sorte de notes de cour de chaque accord. Donc, vous pouvez penser à ce fantôme les tôt, ou vous pouvez simplement créer coulé sous forme supplémentaire en premier. Mais si vous utilisez ces idées et dans la prochaine vidéo, je vais vous montrer un exemple d'arrangement, qui est juste une façon d'organiser, hum, hum, une partie de piano pour un chanteur dans une chanson comme celle-ci 58. Exemple pour les chanteurs: 59. Projet de chaîne orchestre: Donc, ces missions vraiment pour les compositeurs de film parmi vous. Bien sûr, si vous êtes produit, vous pouvez le faire aussi. Mais c'est plus répandu dans le film et un peu plus impliqué dans la composition de l'ensemble des compétences. Ce qu'on fait, c'est qu'on prend ces accords et qu'on a environ quatre parties. Et nous allons faire passer ces voix à travers les tribunaux d'une manière assez douce avec cette idée de voix leader que nous avons regardée. Donc nous allons prendre la progression de l'époque de Hans Emma, qui est du film Inception, qui va comme ça. On est à l'échelle de la clé de la ré mineur, et ce qu'on va faire, c'est écrire ces tribunaux sur des cordes, mais on va utiliser la voix de façon intéressante. Cela signifie que ces parties se déplacent ensemble. Jetons un peu un coup d'oeil à celui-ci. Donc, les sons commencent beaucoup mieux, évidemment, évidemment, avec la voix menant et évidemment sur la corde, sonne de bons sons de chaîne. Mais cette autre petite chose que nous pouvons faire pour vraiment nous amener au niveau suivant, qui est de prendre une des voix au milieu pour la laisser bouger un peu comme une mélodie, pas la partie supérieure à la partie inférieure d'un milieu voix. Cela lui donne vraiment, vraiment un peu de caractère. Non. - Pour que vous entendiez ça. C' est une sorte de ce qui est temps sorte d'improviser qu'il y a quelques idées dans que je pourrais vraiment mettre dans une sorte de corde à part entière, partie écriture composition. Donc, c'est une sorte de votre objectif dans celui-ci dans l'exemple suivant ou dans la vidéo suivante. Désolé, je vais vous montrer un exemple de ceci. 60. Exemple de chaîne orchestre: 61. Exemple de conduite de voix: Voici un exemple de voix leader, qui, j'espère, du moins à mon avis, moins à mon avis, créer assez d'intérêt pour que nous n'ayons même pas vraiment besoin d'une mélodie ou d'une reformulation pour qu'elle se présente à elle seule comme une sorte de mélodie. Écoutons cette section, donc il y a beaucoup de choses là-dedans, alors on vale décomposer un peu. donc il y a beaucoup de choses là-dedans, alors on va Nous avons essentiellement eu la partie principale de Kordell en cours avec les routes dans celles-ci, aussi. Écoutons ce 1er 1 Ensuite si nous combinons le piano avec cela, le piano est libre de ne pas nécessairement tenir l'harmonie, mais d'exprimer ses propres voix intéressantes. Écoutons cela, - en ajoutant une autre couche d'intérêt dans la voix ici. Nous avons une sorte de contre-mélodie en cours, même si c'est cette ligne de piano haut de gamme n'est pas strictement une mélodie. On a cette ligne sur la deuxième route. Écoutons ça maintenant dans le mix afin que ça entre et ajoute plus de texture et plus boeuf au genre de son qui se passe tout en soutenant cette ligne de piano haut de gamme, tous ensemble, créant ce son 62. Feuille d'harmonie de niveau 2: en haut à gauche de l'écran. moment, vous pourrez télécharger ce PDF, qui est la deuxième feuille de triche que nous avons eue dans ce cours. Et cela couvre tout ce que nous avons regardé jusqu'à présent depuis que nous avons téléchargé le premier CICI, y compris des concepts tels que la résolution de tension qui passe et vous rappelle les intervalles et les caractères des notes dans la clé. Passer en revue la théorie des chiffres romains et diverses autres choses, espérons-le est une référence très pratique que vous pouvez avoir sur votre téléphone iPad, ou peut-être même imprimer si vous voulez, ou tout simplement garder sur votre dessus de bureau pour vous rappeler plutôt que avoir à refaire tout le cours. Il y a aussi toute une section sur juste vous rappeler comment les orteils pensent à exprimer sur les différentes choses que nous avons regardées, comme les accords de position ouverts et proches sont pagination et comme donc j'espère que c'est utile pour vous les gars, et je vais voir dans la prochaine vidéo 63. Introduction aux lignes de basse en favorisant l'harmonie: Donc maintenant, vous avez probablement déjà pris beaucoup de choses sur la façon d'exprimer les lignes de base. chose la plus évidente serait de jouer la route Non, dans la main gauche. Et vous m'avez visiblement regardé jouer et probablement essayer certaines choses et certainement regarder des choses sur YouTube et d'autres endroits et appliquer que ce que nous allons faire au cours des prochaines vidéos est vraiment, vraiment décompresser ces sur la façon de créer des lignes de base afin que vous puissiez avoir de bonnes lignes de base, ce soit au piano avec vous accompagnant quelqu'un ou en fait dans vos compositions afin que vous puissiez écrire des lignes de base avec un peu plus de flair et une sorte de intention de composition. Prenons donc une simple progression d'accord dans une touche mineure mi mineur. On va vous appeler un tribunal six appelé trois et le tribunal cinq. Donc ce serait mi mineur. C Major G Major ré majeur. Ok, alors oublie un peu ce que je fais de ma main droite. Concentrez-vous sur la main gauche. Le plus évident serait de faire comme ça, et vous avez entendu que des milliers de fois, fois, n'est-ce pas ? Donc c'est juste que je joue la chambre sait que c'est évident pour toi, non ? Mais vous pouvez le faire. Cheville à bascule, qui est utilisé beaucoup. Et c'est entre la racine et le cinquième de l'accord. Prenons la première cour, qui serait mi mineur. C' est la pièce, et c'est la cinquième avec laquelle on ne joue pas. Donc on va juste s'en aller. Vous n'avez pas besoin de rebattre la Route 5, vous allez 55 et c'est d'actualiser ce que vous faites avec votre main droite, parce que vous pourriez faire des choses plus intéressantes comme Change. Les inversions sur ce sujet se prêtent aux genres qui ne sont pas juste une sorte de ballade droite , que nous faisions juste là. Vous pourriez faire avec plus de version jazzy, donc je cours l'oppression froide. Donc c'est à bascule. C' est une façon dont Teoh améliore votre base de données autre que de faire un itinéraire tout le temps . Et puis une extension naturelle de cela est d'utiliser les autres notes de la cour pour que nous puissions utiliser la route sur le troisième et le cinquième. Et puis plus tard, quand nous commencerons à comprendre la septième harmonie, nous pourrons commencer à ajouter dans la septième et peut-être même d'autres aussi. Donc on prend la même progression, et je le ferai d'une sorte de jazzy. Alors oubliez de vous demander, avec ma compréhension de la main droite en septième apprendra ceux plus tard dans le cours. Mais regarde ma ligne de base. Il n'a pas nécessairement besoin d'être dans un style Jersey. Il pourrait être dans une sorte de départ classique plus apprécié. Donc tout ça sonne à nouveau plan parce que c'est une sorte de planification au piano. Vous les mettez dans d'autres instruments dans différentes lignes de base. Ça va sembler vraiment, vraiment intéressant, selon le type de votre arrangement. Donc c'est vraiment l'idée que nous avons à bascule entre la route dans la cinquième et ensuite marcher lignes de basse, soit dans un jazzy ou un autre type de base de marche. Le plus naturellement l'associer au jazz parce que vous avez ce son, ce son, qui va regarder des notes de passage et des trucs dans une vidéo ultérieure. Mais jouer avec ceux et sorte de xcor vos compositions avec la base qui utilise bascule et aussi marcher à travers la cour 64. Enseigner la voix et les notes transportant les notes: Donc, dans la vidéo précédente que je vous ai donné l'idée de marcher des lignes de basse à travers les tribunaux. Mais l'une des choses qui peuvent arriver avec cela est que nous ne pensons pas aux inversions avec celles-ci. Laissez-moi vous expliquer ce que je veux dire. Ce qu'on va prendre, c'est que le tribunal était en mi mineur. On va prendre un tribunal, six e mineur et voir Major. Droit ? Et si j'ai juste un simple ignorer ce qui se passe dans ma main droite, Si je joue juste une ligne de base simple qui utilise le principe basé sur la marche, cela va sembler un peu ennuyeux et simple. La raison qui ne semble pas très bonne est parce que l'un il est en position grossière tout le temps sur les modèles exactement la même. C' est comme se déplacer vers le haut, vers le bas, vers le haut, vers le bas. Et il n'y a pas de variation. Donc, tout comme nous aimons avoir différentes voix comme, par exemple, si vous jouiez cette société dans votre main droite, vous pourriez aller bien avec la variation en termes de vos inversions, tout comme nous le faisons avec les accords dans la main droite, nous devons faire la même chose souvent dans la base de référence. Alors reformulons cela maintenant, avec un peu de voix menant, si c'est le bon terme pour cela, avec sa façon de vous. Donc ce n'est pas la chose la plus merveilleuse au monde, mais un peu plus intéressante. Et vous trouvez cela avec ces petits détails supplémentaires sous la texture, parce que ce sera souvent une base que les gens ne seront pas presque consciemment conscients, mais inconsciemment sous la texture de tout ce que vous écrivez ci-dessus dans votre composition, les gens auront simplement un sentiment de qualité parce que vous avez pensé aux cordons et à la ligne de base avec un peu plus de détails plutôt que de se brancher et de jouer dans tous les tribunaux. C' est donc le principe de la voix hors tension, tout comme faire fonctionner vos cordons bien ensemble à travers une ligne de base. Il ne fait pas toujours la position racine sur ce même motif tout le temps, mais dans cette vidéo, aussi, nous allons regarder l'idée de passer des notes, qui ajoute un autre niveau de détail, votre ligne de base. Donc je suppose, d'une manière similaire, ce serait comme avec des voix dans notre main droite. Nous avions ses propres notes de grâce les choses qui ajoutent un bel intérêt pour le mix et en quelque sorte le rendre plus spécifique au genre. C' était donc tout à fait jazzy. Là, vous pourriez avoir d'autres choses qui le font sonner d'une manière différente, Peut-être une sorte de tension et de résolution de choses aussi bien. Tout ce qui fonctionne pour vous, mais avec une ligne de base. Ce que nous faisons, c'est que nous faisons des notes de passage. Donc, passer des notes que vous pouvez penser a vraiment des notes non essentielles. Donc on va retourner à ces accords, enmineure , puis mineure , voir Major, non ? Et on va faire une ligne de base, qui joue des notes hors cour ainsi que des notes de cour. Euh, donc ils jouent des notes. Par exemple, en dehors du quart B mineur, comme F Sharp, A, C et D. Je joue ceux-ci ainsi que les coordonnées Maintenant. La chose importante ici, c'est que vous donnez toujours la priorité. La cour tourne à droite, parce que sinon la ligne de base tend à créer un accord différent sous l'intensité sorte de désordre avec l'harmonie un peu trop. Utilisez donc ces légèrement et avec parcimonie. Une des choses dans la tradition classique dont ils ont parlé assez souvent est de prendre les virages non-core et de les mettre hors du rythme Donc, par exemple, nous dio Cortona sur non-éteindre ou allumer éteindre. Donc c'est sur le chemin. Nous avons ces trois notes sur l'être dans ces trois notes de ces deux notes hors du rythme dit une façon d'y penser. Donc, jouez avec ceux que nous avons des notes de passage et en sorte d'inversions ou de voix menant à l'intérieur de vos lignes de base, et cela va vraiment créer un peu plus d'intérêt pour votre ligne de base. Ci-dessous vous donnera une composition plus de qualité. 65. Riffs à basse: Parfois, la ligne de base prend une sorte de scène centrale sur l'harmonie prend les coulisses quand on sur l'harmonie prend les est sur le même terrain encore et encore. Disons que c'est comme un tribunal mineur ce qu'on pourrait avoir. C' est juste la ligne de base. C' est une sorte de, et ensuite, tout ce que vous avez est juste pris sur ceux qui vont ensemble. Donc, la chose qui écoutait vraiment ce point est la base de référence. Alors écoutons un peu ça sur une composition. Donc, - vous avez l'idée que ce qui se passe, c'est que nous avons plus de contenu mélodique dans la ligne de base. Ce qui veut dire que notre n'est pas vraiment inquiet de ce qui se passe dans l'harmonie. Son genre de très, très fond genre de presque fond d'écran sur ce est c'est une façon très différente de composer, et vous pourriez l'utiliser dans une composition. Parfois, vous pensez plus à l'harmonie et que la base de référence le supportant et une autre fois vous retournez ce tour que vous avez Non, il est sur la base de référence. Et ce qui a appelé Nous allons avec ce puits maintenant. Ouais, ça a l'air bien. Donc c'est le genre de façon différente de penser à ces choses. Parfois, cependant, bien qu'il soit bon de composer une ligne de base avec l'harmonie à l'esprit, mais pas nécessairement jouer beaucoup d'accord agréable sur le dessus. C' est vraiment juste que cela vous aide à concevoir une bonne ligne de base, sorte que vous pouvez décider de créer trois accords là-bas. Donc, comme, par exemple, je vous ai dérangé un si majeur ? Mais mon son n'était pas particulièrement comme un genre de vraiment. Je n'avais pas ce bruit. Ce n'était pas ce qui l'était. C' était beaucoup plus. C' était un peu cool là-dedans. Fondamentalement, c'est tout ce qu'on se passe. Cette vidéo prend juste l'idée d'une ligne de base, rendant plus visible que les cordons et peut-être penser un peu à l'harmonie qui se structurait derrière cette ligne de base. 66. Introduction aux accords de Scratch: donc nouveau chapitre. Ce que nous faisons ici, c'est que nous parlons des tribunaux à partir de zéro, par opposition aux cordons à l'intérieur d'une clé, ce que nous avons fait jusqu'à présent. Le mot pour cela est diatonique. Vous choisissez une balance qui fait de l'esprit. Alors cette échelle dicte les tribunaux eux-mêmes. Tu ne peux pas vraiment les changer. Mis à part peut-être appelé cinq que nous avons vu, nous pouvons changer dans une clé mineure. Mais la cour à partir de zéro signifie que vous pouvez juste commencer sur une note comme D et dire, Eh bien, je veux jouer en ré mineur. En fait, non, je veux jouer en ré major. En fait, non, je veux jouer d diminué Non sur une pièce D ou commenté sur. Et puis, comme nous obtenons plus tard sur le thème dominant majeur sept moins sept mineur majeur. Tous ces différents accords qui donnent toutes ces saveurs différentes. Mais ce qui est plus important, , c'est que ce qui se passe, c'est que nous soyons capables de chercher des cordes en ligne et apprendre ces progressions d'accords sans avoir à dire, dans quoi il s'agit ? Ou parce que les progrès de base en ligne, comme vous le verrez, fondamentalement n'a pas dit, Hey, nous sommes dans le bureau clé, Mis à part peut-être la théorie crochet dot com Ils font ça, et vous pourriez vouloir regardez ces accords et travaillez-les. Tu verras juste dans un avec un petit em par et puis un mineur. Eh bien, comment faites-vous un mineur ou si c'est pointu, mineur ou être dominant septième ? Ce genre de chose est ce que nous allons couvrir dans ce chapitre. Donc, je vais vous emmener à travers maintenant juste une présentation d'écran vraiment simple sur la façon de créer la théorie ou a dû comprendre la théorie derrière ces cordons, et puis nous allons appliquer dans les vidéos suivantes. 67. Dans les accords de profondeur de Scratch: dans les vidéos précédentes. Nous avons pris la grande échelle et nous avons mis une forme d'accord autrement connu sous le nom de triade sur cette échelle et nous l'avons déplacée à différents endroits, ce qui a donné lieu à des tribunaux différents , majeurs et mineurs. Nous n'avons pas tout à fait examiné en détail la façon dont ce tribunal est structuré en termes d' intervalles. Par exemple, entre la première et la seconde de cette cour, nous avons quatre demi-tons et entre la deuxième et la troisième note de cette corde, nous avons trois demi-tentes sur qui donne un accord majeur. Avant de continuer, je pourrais clarifier une petite chose qui peut confondre les gens, c'est que j'ai dit la 1ère 2ème et 3ème note à cette cour, qui est tout à fait logique. Mais ils ont aussi d'autres noms. C' est juste méchant de les numéroter. Ils ont des noms théoriques. C' est la note racine. C' est le troisième et le cinquième, c'est pourquoi j'ai aussi ces chiffres pour vous rappeler que ces termes sont utilisés interchangeable. Donc, avec cette structure, on pourrait dire qu'un accord majeur est créé avec quatre demi-tons entre la première et la deuxième note autrement connue sous le nom de racine ou de troisième note et trois demi-tons entre les deuxième et troisième notes. Ou tu pourrais appeler ça le troisième et le cinquième. Si on prend le degré 2 de l'échelle principale, on place la forme de la triade. En plus de cela, il en résulte un ensemble différent d'intervalles. Entre la première et la deuxième note, nous avons trois demi-tours entre la deuxième et la troisième note. Nous avons quatre demi-tours sur ce résultat dans un tribunal mineur. On pourrait donc dire qu'un accord mineur est créé par trois demi-tons entre la première et deuxième note sur quatre demi-tours entre la deuxième et la troisième note. Espérons que ce n'était pas trop une bouchée, mais fondamentalement ce dont nous parlons ici, c'est des intervalles, quelque chose qui va être le sujet de la prochaine section. Et ils sont vraiment, vraiment puissants, théoriquement, pour vous aider à comprendre la création de cour ainsi qu'une création mélodique 68. Comment créer des triades à partir de Scratch: Jetons un coup d'oeil à ça au piano. Prenons quelque chose comme un ici. Montons un demi-ton. Nous savons que le demi-tour parce que nous avons fait que notre échelle chromatique est plus grande. C' est la façon dont nous avons commencé dans l'ensemble de ce cours parle tout au long de ce cours. Donc, deux demi-tons font un ton trois demi-dizaines faisant mon et quatre demi-tours font un troisième majeur . Et pour le moment,c' pour le moment, est tout ce dont vous avez vraiment besoin pour penser à ces intervalles. En fait, vraiment, Pour la plupart des cordons, tout ce que vous devez penser aux tiers. On a un tiers mineur sur un tiers majeur. Eso est bon pour jouer cet intervalle. Tous ces intervalles de n'importe où que vous voulez. Major troisième mineur majeur troisième moins que et penser à eux vers le bas ainsi que vers le haut. Donc, par exemple, un tiers majeur en bas de ce fa pointu serait 1234 Et rappelez-vous, nous arrivons les espaces entre les notes, pas les notes elles-mêmes. Sinon, vous finissez dans un mauvais endroit. Si nous dio un, ce n'est pas un intervalle, parce que c'est une note qui serait comme dire que c'est un mètre. Il n'y a pas de compteur. C' est ça ? Vous avez besoin de deux choses pour mesurer un mètre entre. Et puis il y a une mesure entre eux, et c'est comme ça que nous pensons aux intervalles. Donc l'espace entre ici et ici est un total. Ce n'est pas une de ces notes. Ok, donc 12347 tonnes de moins, c'est un gros. Alors faisons notre grand tribunal tous les soirs. Commençons par un eso plat. On monte 1234 pour obtenir notre troisième majeur, puis plus, en plus, un effet minier. Il y a un accord majeur. Faisons ça sur D Flat. Faisons-le sur F 1234123 Faisons un appartement E. 1234123 Et puis, bien sûr, vous convertissez ces deux choses que nous avons examinées jusqu'à présent. Donc c'est la grande cour à partir de zéro. Appels miniers depuis des coups à partir de zéro. Si jamais vous oubliez ces, d'ailleurs, si jamais vous oubliez la formule, retournez aux cordons à l'intérieur d'une clé dans votre pensée. J' harmonie diatonique et jouer, par exemple, à travers l'échelle de do majeur, nous savons que voir son major. Ça sonne Major. Nous savons que le noyau en do majeur D est un accord mineur. Donc, si vous oubliez la formule pour un accord mineur, revenez à celle que vous savez ce que vous savez. Certainement à l'intérieur du c. Major. Alors analysez-le. Alors tu vas bien, d' accord. Je sais que c'est mon record. Il sonne comme un mois jeu selon avant comment Maney demi-tourne autre entre la racine et le troisième nous allons 123 Okay, donc c'est un 3e 1er mineur et puis un 123 Major la seconde. Donc nous avons maintenant retiré la formule pour les tribunaux mineurs. Alors faisons-le sur la boutique G. 123234 Et on peut faire des accords mineurs partout où on veut. Et si nous commençons à les empiler ou plutôt à mettre des accords mineurs avec d'autres accords mineurs ne pensant pas à ce que la clé est nécessairement, vous pouvez trouver un son intéressant . Un son vraiment, vraiment bizarre, intéressant, vraiment bizarre, intéressant, assez effrayant Vous n'auriez pas diatonique Lee. Vous n'auriez jamais ce son à l'intérieur d'une clé. Donc, c'est là que l'harmonie commence à obtenir Dittemore plein de saveur lorsque vous jouez avec des choses en dehors d'une clé, ainsi que dans une bonne clé deux façons de penser si majeur et mineur. Parlons des diminués maintenant. L' accord diminué se produit naturellement à l'intérieur d'une échelle majeure au numéro 7123456 Donc ? Alors analysons ça. Fondamentalement, ce que nous avons c'est que nous avons 123 et puis un autre 123 Donc nous avons un troisième mineur empilé l'un sur autre de là à là et de là à là moyen jouer ça à partir de, disons, E plat. 123123 Nous avons E plat réduit court ou le magasin, selon la façon dont vous pensez à ce sujet. Faisons-le avec G Sharp sur D plat, puis D Maintenant, je suis juste en train de le déplacer vers le bas à travers de vieilles notes . C' est une cour très fermée, sombre et diminuée. Maintenant, regardons l'augmentation, ce qui est le contraire. Donc, au lieu de deux tiers mineurs empilés l'un sur l'autre, c'est deux majeur pour donc c'est un son beaucoup plus ouvert et lumineux. Donc, vous permet sur C un tiers majeur ci-dessus nous amène à e et puis un autre tiers majeur au-dessus qui nous amène à G tranchant, ouvert, spacy son. Il est souvent utilisé dans les partitions de films. Le cliché ou le trope des partitions de films est d'aller chaque fois que vous venez de faire face. C' est ce son argumentatif qui arrive à travers l'harmonie là-bas. Donc nous allons faire F forte augmenté courts fait 1/3 plus un autre tiers majeur nous obtient que Oh, je pense que j'ai fait la mauvaise chose que désolé j'ai joué un ajustement naturel. Donc c'est la chose si bien apprise par mes erreurs vous. Donc ce que j'ai fait c'est que j'ai fait l'accord augmenté ici et ma cinquième note, évidemment à l'accord augmenté, c'est maintenant tout droit. Mais que faire parce que je suis tellement habitué à faire un simple accompagnement de basse à bascule dans la main gauche ? Eh bien, j'ai fini par faire est que j'ai fini par passer la route normale cinquième sur, puis la route à nouveau, ce qui ne semble pas si bon. Pourquoi je devais faire était de changer ce Teoh qui nous allons faire ça et voir peut juste expliquer un peu. Donc, nous avons augmenté troisième majeur, plus, une autre ligne de base 3 mai devrait être parce qu'aucun conflit beaucoup avec celui-ci. Ok, donc ce sont des accords majeurs, mineurs augmentés et diminués. Et un chapitre plus tard. Ce que nous ferons, c'est septième accords quand nous arriverons aux structures supérieures. 69. Accords de suspension: Nous sommes donc tout à propos d'ajouter un peu plus de détails à nos progressions d'accords, dont leur routeur est assez simple et simple. Mais à mesure que vous ajoutez ces choses comme les voix et genre de structures supérieures et des choses que nous pouvons ajouter plus d'intérêt à eux sur l'une des façons que vous pouvez faire ce que vous avez appelé suspensions assignées . Donc, avec les triades simples ont été regarder particulièrement majeur et mineur, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons prendre 1/3 qui est la note du milieu sur le déplacement vers le haut ou vers le bas une nuit s. Donc là, nous avons une suspension de 3 à 4, et ensuite nous pouvons en résulter. Donc la suspension par nature ou classique un discours, nous devons en résulter, non ? Vous n'avez pas à le résoudre du tout. C' est juste dans le genre de tradition classique de la musique que nous résolvons une semaine. Donc ceux là, nous avons des suspensions 4 à 3 et pour aller une dernière fois. Ses sont simples repositionnement semblent un tribunal sur. On en a 13 et 5. Nous changeons trois à quatre sur, puis plein revient à trois pour que nous puissions jouer au lieu de do majeur. Aller comme ça peut jouer. C' est un cordon de suspension, et ça lui donne un peu plus flottant. C' est moins évident parfois dans nos harmonies. Teoh, si on veut mettre un peu plus d'intérêt dans moins clair que son principal en ligne et on peut en quelque sorte y aller. Donc, faisons cette simple progression de base pour se tenir sur 1564 Donc il y a Manning dans quelques suspensions, qui ajoute juste ce genre d'intérêt ou quelque chose qui n'est pas tout à fait cliché sur les choses. C' était donc de 3 à 4. Mais on peut aussi descendre et ne jamais être suspendu, vrai ? Essayons ça maintenant. Vous ne voulez probablement pas l'utiliser sur tous les tribunaux parce que vous obtenez cette chose, qui s'appelle des cinquièmes parallèles très évidents, ce qui se passe sur cela. Mais on pourrait essayer de le faire, donc c'était bon, peut-être qu'on le garde sur le 1er 1 Non, le second. Peut-être en faire un plein alors, hein ? Pour jouer avec des suspensions à l'intérieur de votre cœur et vos harmonies dans vos progressions de base pour ajouter un moment où dire que ça sonne un peu froissé ou quelque chose comme ça, sortez le troisième et ajoutez une suspension pour le faire sonner un peu plus genre de sophistiqué 70. Travailler la touche d'une chanson: Donc, je l'ai déjà dit que votre but est un compositeur pour vraiment, vraiment augmenter votre vocabulaire harmonique est d'apprendre autant de morceaux que possible, plus particulièrement des morceaux que vous aimez vraiment. Cela nécessite donc, en partie, évidemment, d'écouter. Mais en regardant les tribunaux sur les choses en ligne maintenant, parfois ce n'est pas là. On parlera de la formation plus tard sur la façon dont tu pourras travailler ici, mais disons que tu as regardé en ligne et qu'il s'est arrangé, tu sais, ça aussi, non ? Tu travaillais. Ok, il y a un accord pour son nom. J' enregistre un grand tribunal, vous mon dossier. Il est donc utile pour vous de contextualiser ces tribunaux à l'intérieur d'une clé. Donc on a ça du deuxième angle. Nous sommes allés au tribunal de zéro. On est partis. Ok, voici une mineure. Son ré major, son e mineur. Et puis nous devons penser Ok, quelle clé à travers tous ces cordons appartenant, ou est-ce qu'ils appartiennent à une clé ? Parce qu'en fait, il est vraiment utile pour vous d'analyser la paix et de penser OK, ils utilisent le cordon à cinq, puis six, par exemple. Alors reprenons ça maintenant. Donc, disons, par exemple, que le premier tribunal de cette chanson est mineur. Alors vous commencez à jouer ce cordon que le prochain quart est en ré majeur, et le suivant est ce que vous devriez faire dans votre esprit, c'est penser, ok, ok . J' ai joué un magasin en f pointu sur, mais je ne sais pas si j'ai joué d'autres magasins. En fait, le reste des cordons n'apparaît pas d'objets pointus. Donc vous avez lu tout le morceau et peut-être d'autres tribunaux, comme le mineur, puis voyez, Major. Et puis c'est tout. Il n'y a plus d'accords. Ce que tu devrais penser dans ton esprit, c'est OK. Cela me donne toutes ces notes. Un f pointu pointu. Quelle clé savez-vous qui a un magasin et vous revenez à votre idée du cercle des Quinze . N' importe quoi. Ok, c'est un grand slash mineur. Et cela vous permet alors de penser. Ok, c' est ça. Donc, ce qu'ils font ici, c'est qu'ils font cette progression de base de cinq, un ou 256 et vous pouvez commencer à le comprendre à partir d'une sorte de niveau relatif. Donc, ce que nous avons fait juste pour récapituler, c'est que nous avons utilisé les tribunaux à partir de zéro pour être en mesure de rechercher les cordons en ligne, où il est dit un ré majeur mineur b et que vous avez joué ces cordes en utilisant la formule des tiers que nous avons examiné. Et puis après avoir rassemblé tous ces accords dans cette chanson, vous vous en retirez, vous le regarderez et vous direz Quel Kiwi dans quelle échelle nous sommes ? Et vous les mettez tous ensemble et vous pensez, OK, nous sommes à l'échelle du major ou autre, et c'est là que vous pensez à des signatures clés dans le cercle de Poing. Maintenant, ce qui pourrait arriver, espérons-le, parce que c'est plus intéressant, c'est que tu joueras donc je n'aime même pas. Ok, eh bien, par leur esprit, qui a une scène à droite en ré majeur et ensuite la cour suivante est ah f dièse mineur. Attendez, attendez . Voir Boutique. J' ai déjà joué un C naturel sur. Maintenant, je joue aussi un coquillage. Donc nous devons sortir de la clé parce que n'oubliez pas d'être à l'intérieur d'une clé. Nous n'avons qu'une note de chaque lettre de l'alphabet. Donc, si on doit avoir un C et un C pointu, on va probablement sortir de la clé, et c'est là que tu peux commencer. Penser un peu est un peu difficile au début, si vous n'avez pas beaucoup réfléchi à la théorie, Ok, où avons-nous, Howie ? Modulation Nous couvrons la modulation, qui se déplace entre les touches plus tard dans le cours. Mais ce vraiment cette vidéo est juste pour vous inviter à rechercher un accord, progressions en ligne, les apprendre et ensuite les analyser à l'intérieur ou votre compréhension hors. Quelle est cette clé ? Vous pouvez commencer à penser aux choses relativement, comme au tribunal au cinquième quart. Accords un, etcetera, etcetera. Et s'il y a des cordons qui sont en dehors de la clé, c'est génial. Essayez de les expliquer simplement de votre propre manière simple pour l'instant. Et si une partie de cela vous ne pouvez pas tout à fait monter le contexte, c'est bon. Et je te verrai dans la prochaine vidéo 71. Modulation et dominants secondaires: dans cette vidéo, nous allons prendre une clé et changer un ou deux des cordons de cette clé pour repousser l'harmonie de cette échelle fondamentale ou de cette clé. Donc maintenant, vous êtes très familier avec prendre une échelle et mettre des accords à différents points de leur échelle. Mais si nous prenons, disons, cet accord majeur, qui est construit sur la cour une des plus grandes échelle et maintenant connaissant la théorie de vos tribunaux à partir de zéro , vous le changez pour un accord mineur. Soudain, cette note signifie que nous sommes en dehors de la clé. Donc, ce qui se passe ici, c'est que cette note donne à l'oreille et à la théorie un sens d' autre échelle. Par exemple, il pourrait s'agir de cette échelle à laquelle il correspond, qui signifierait que nous passons d'une échelle majeure en faisant potentiellement une échelle mineure. Mais à ce stade, ce n'est vraiment pas clair. Tout ce que nous savons, c'est qu'il est en train de sortir de la clé. Maintenant, nous allons faire un pas en arrière une seconde sur la révision. Voici les noms des notes de l'échelle ou des cordons, en particulier d'une clé diatonique. La raison pour laquelle nous avons appris cela n'est pas seulement pour le nom, mais aussi pour que nous puissions commencer à penser aux relations d'accords. Et si vous vous souvenez, nous avons examiné trois d'entre elles, en particulier celles-ci. Ce sont les triades primaires parce qu'elles sont très puissantes dans l'établissement de la gravité. Si on les regarde dans une clé majeure, ils sont tous des accords majeurs. Si nous les regardons en do majeur, nous obtenons C, F et G. Maintenant, il y a une chose intéressante qui se passe par rapport au cercle des cinquièmes. Si nous regardons la mer, nous avons vu là-bas, alors nous avons un G et puis f comme nous avons ici C, F et G. Maintenant, évidemment, vous savez que la relation 51 de G toe Voir est très puissant, et c'est parce que c'est un 51 dans le cercle des cinquièmes G pour voir. Il est important de savoir, cependant, que ce n'est pas seulement que c'est 51 C'est que c'est cinq majeur pour une sorte d'un. Il est vraiment important que vous réalisiez que les accords dominants doivent être majeurs de 5 à 1, mais celui qui pourrait être mineur. Donc, cette relation vraiment puissante de 51 ou la dominante pourrait être utilisée pour pousser l'harmonie hors de la clé, et vous pouvez le faire soit en modulation ou par domination secondaire. Regardons d'abord avec la modulation afin de passer d'une clé à l'autre. Commençons par do majeur ici et disons que nous voulons passer en fa major ici. Ces deux clés ont une relation de 51 en ut majeur. C' est G à voir et en fa majeur, c'est de C à F. Et si on regarde de près, évidemment la clé en C majeur a un C médical, et la clé en fa majeur a aussi un accord en C. majeur. Donc cette cour est partagée entre les clés pour qu'on puisse jouer à voir Major en do majeur et en fait penser dans nos esprits qui jouaient à l'accord 5 en fa majeur. Alors alors ce do majeur devient le dominant de fa majeur Maintenant, si cela a dépassé votre tête, regardons à nouveau dans une autre clé et essayons de l'expliquer plus clairement. On est en do majeur sur. On déménage au sol majeur appelé 5 du G. Major est en ré majeur, et ça a une relation de 51 avec G. Évidemment, parce que c'est la dominante du sol majeur, disons qu'on est en do majeur en do majeur. Il y a une queue, mais c'est actuellement en ré mineur, pas en ré majeur, qui est ce qu'il faut pour passer à la clé en sol majeur. Rappelez-vous, domination secondaire doit être majeure, pour que nous puissions prendre cet accord en ré mineur et le rendre majeur. Et puis tout à coup, ça devient le même que le Cordon 5 dans la cour de retour en ré majeur et puis on est soudainement en sol majeur au tribunal 5. Nous pouvons exécuter notre relation 51 C'est la modulation en utilisant la domination dans un exemple très simple . Mais nous allons l'explorer maintenant avec la domination restant dans la clé, et c'est ce qu'on appelle la domination secondaire. Alors restons en ut majeur. Nous avons notre relation 51, évidemment, mais regardons à nouveau le Cercle des Quinze et réfléchissons à ce qui est secondaire. Dominant serait à l'intérieur de la clé, donc g pour voir son 51 Mais qu'est-ce que 5 à G ? Eh bien, ça va être D donc on g o d g c d est 5 à g g g, c'est 5 à voir. C' est ce qu'un SSI dominant secondaire. Alors on va au D G, puis on revient voir. Et c'est là que nous obtenons notre relation à 51, une séquence d'accords que vous avez regardée jusqu'à présent, et c'est parce que nous avons ce sentiment secondaire et dominant implicite à l'intérieur de celui-ci. Cependant, proprement parler, comme je l'ai dit, deuxièmement, la domination doit être majeure. Alors faisons ça. Mais restez dans la clé du do majeur en dehors d'un accord. Donc on est en ré mineur. Changeons ça pour être la véritable dominante de l'adolescent et en faire la ré majeur. Donc D est maintenant appelé Cinq de G. Et puis on a déménagé à G. Ça s'appelle cinq, et ensuite on a déménagé pour voir, on a toujours une relation 251. Mais on a fait la corde à un accord majeur. Et, bien sûr, après que vous avez fait ça et que vous restez en do majeur, vous pouvez juste changer de D pour un tribunal mineur de 8 D. C' est une sorte d'accord de passage secondaire. C' est quelque chose que vous pouvez faire brièvement pendant la clé. Tu n'as pas à changer cet accord tout le temps. C' est juste un moment 72. Posser le titre clé: 73. Introduction aux structures supérieures: Donc, avec tout ce que nous avons fait jusqu'à présent, vous pouvez faire beaucoup. Tu peux faire tellement de choses avec ce qu'on a fait. En fait, vous pourriez probablement vous arrêter ici dans le cours sur avoir assez de matériel pour travailler avec, tant que vous appliquez tout ce que nous avons appris jusqu'à présent. Mais si vous êtes particulièrement intéressé par des couleurs plus grandes et plus d'intérêt, vous pouvez apprendre cette section, qui est tout sur les structures supérieures des cordons, que nous associons généralement avec le genre de langage jazz. C' est quelque chose qui sonne un peu plus lumineux, des trucs comme une cause intéressante sur laquelle je trouve assez brillante, et vous ne les chanteriez pas forcément. Ils ne seraient pas dans une chanson folklorique , par exemple, si moderne dans ce son. Donc, si vous êtes intéressé par ces vidéos, restez dans le coin pour les prochaines vidéos. Mais ce dont nous avons besoin avant de faire cela, c'est un peu plus de compréhension sur les intervalles. Ce que nous avons fait jusqu'à présent est le ton demi-ton, l'esprit qu'un tiers majeur et alors que strictement vous n'avez pas besoin d'eux. Vous n'avez pas besoin de connaître d'autres intervalles pour pouvoir créer ces tribunaux à partir de zéro. Cela aide à les contextualiser un peu. Donc ce qui va faire maintenant, c'est que je vais vous donner une petite présentation sur les sons de ces intervalles. Dans une vidéo précédente, j'ai dit que diatonique signifie dans une échelle ou une clé, et cet intervalle est l'espace entre deux notes intervalles diatoniques, par conséquent, sont les espaces entre les notes à l'intérieur d'une échelle et comme un rafraîchissement regardons les à l'intérieur d'une échelle majeure ou d'une échelle mineure que nous avons entre la première et la deuxième note une seconde. Et puis il devient 1/3 entre le premier et le troisième, puis un 4 56 7 Mais nous travaillons maintenant avec des intervalles non diatoniques, donc cela signifie tous les intervalles à l'intérieur de l'échelle chromatique. Alors regardons l'échelle chromatique sur une grille, tout comme nous avons commencé ce cours entre la première note et ensuite le prochain no up où vous commencez est un demi-ton. On l'a déjà regardé. Donc, un demi-ton est évidemment un sénateur. Un ton est deux demi-tons minces. Vous obtenez un tiers majeur mineur, 1/4 de suite, puis je vais sauter la prochaine et passer à la cinquième ici à sept demi-tons. Donc, entre le quatrième et le cinquième, nous avons quelque chose que nous pourrions appeler un pointu ou un plat cinq. Ne vous inquiétez pas trop. Apprenez simplement à connaître ces noms d'intervalle et ils commenceront lentement à avoir du sens plus que vous les utilisez en allant vers le haut. Nous avons les Mayas malades huit demi-tons majeurs 69 moins 7 10 demi-tours majeurs, 7 11 demi-tons, puis l'actif, qui est 12 demi-tons. Maintenant, vous pouvez continuer et dire couteau mineur, qui est 13 demi-tours, fait un couteau, etcetera, etcetera. Mais nous ne le ferons pas parce qu'une fois que vous arrivez à l'octave, ce que vous pouvez réellement faire est de tracer une ligne dans votre esprit et de penser que vous pourriez vraiment répéter tout ce que vous avez fait jusqu'à présent. Donc, tout de cette note que la flèche pointe pourrait juste être pensé comme vous l' avez fait, mais une octave plus haut 74. Créer des accords de 7th à partir de Scratch: dans cette vidéo, nous allons regarder les structures supérieures pour la première fois, et nous allons regarder les trois accords primaires septième comme une introduction. Regardons nos intervalles à nouveau. Nous avons regardé avant la demi-tonalité mineure, troisième sur le troisième majeur, et ensuite nous sommes allés vers le haut. Mais en fait, je ne vais pas aller plus loin parce que tout ce dont tu as vraiment besoin c'est le thème, nourri mineur et le troisième majeur. Alors regardons le troisième majeur. Cela nous amène de la note numéro un à la note numéro trois ou la racine et la troisième de cet accord parce que nous sommes en train de créer des cordons maintenant. Maintenant, nous empilons un tiers mineur en plus de cela, et cela nous amène au cinquième de l'accord. racine troisième et cinquième nous donne une triade majeure si nous empilons un autre tiers majeur en plus de cela , à partir de la cinquième. Ce que cela nous donne est un accord 1/7, et il s'appelle un accord septième majeur, et la raison pour laquelle il est appelé un accord septième majeur est parce que de la route à la septième est un septième majeur. Si vous vous souvenez de notre vidéo d'intervalles, cela crée un accord majeur septième. Maintenant, prenons un accord mineur. C' est la structure, comme vous le savez déjà pour un essai mineur à Let's Stack un tiers mineur en plus de cela de la cinquième, et cela nous donne un accord mineur septième. On l'appelle une septième cour mineure parce que de l'orteil, le septième est un intervalle d'un septième mineur, qui est de 10 demi-tons. Donc nous avons un accord majeur septième et un accord mineur septième. Prenons l'accord majeur septième et faisons quelque chose de différent avec l'intervalle supérieur I e. du cinquième et du septième. Déplaçons ça vers le bas pour être un tiers mineur. Maintenant, cela nous donne tous ensemble un septième accord dominant. Les accords dominants de septième septième sont intéressants car ils ont un mélange de majeur en bas et mineur en haut en haut. Il y a donc 3/7 types d'accords, notre septième accord majeur, notre septième accord mineur et sont dominants septième accord. Sachez que ce n'est absolument pas complet. Nous allons passer par d'autres types de tribunaux dans d'autres vidéos sur ce cours n'est pas exhaustif . tous les types de tribunaux, Detous les types de tribunaux, il y beaucoup, beaucoup différents, mais ces trois que je viens de vous présenter maintenant, et au moins dans le royaume, accords de septième sont les plus populaires et en fait plus utile et pratique la plupart du temps. Donc, en dépit d'avoir appris tous ces intervalles juste à ce moment-là, vous n'avez vraiment besoin que de ça. Je vous ai donné ces en parties, vraiment, vraiment, pour l'exhaustivité dans ce cours, et aussi que ce genre de s'intègre dans une compréhension du fait qu'il y a d'autres intervalles sur lesquels vous pourriez construire les tribunaux. Mais les cordons les plus standard pour construire un plutôt les intervalles standard pour construire des tribunaux à partir de est la Fed. Alors prenons ceci et regardons le septième trou, qui est le premier, une structure vraiment au-dessus de la triade. Donc nous avons notre triade, ce qui serait, disons, une voie d'accord mineure. Empilez un autre tiers au-dessus de cela, à l'intérieur de la clé d'un mineur. Droit ? On comprend ça, mais c'est diatonique sept. C' est juste. Si je suis en do majeur ou en septième mineur, ce n'est pas du septième accord à partir de zéro. Nous devons penser aux majors des mineurs, alors passons à une septième corde majeure. D' abord, j'ai fait 1/7 accord est construit à partir d'un accord majeur du fond, qui est, vous savez, déjà de votre cour à partir de zéro avec des triades comme un esprit onda majeur. Il y a donc un accord en do majeur et il nous faut un tiers de plus en plus, à partir de cette note de haut niveau, qui est un autre tiers majeur. Donc, il est fait 1/3 sur, puis fait qui crée et fait 1/7 quart ne peut pas lumineux ouvert sonner court de type jazzy. On met ça ailleurs c'est un plat majeur septième ou fa majeur, septième ré bémol, majeur sept. Et bien sûr, vous pourriez le faire aussi dans les inversions. Vous faites tout ça, vous faites n'importe quoi Inversions. Donc là, je faisais le centre commercial en position de route, non ? Mais on pourrait penser que ça prend une chambre ? C' est la première façon. Prenez la note du bas là, déplacé. C' est le deuxième, et maintenant nous avons une inversion 1/3 parce que nous avons quatre notes. Si cela a du sens ici, nous avons le septième en bas. Et juste pour récapituler les noms de ces notes sont groupe. Si nous devions faire la même chose avec la cour majeure, être majeur septième accord plutôt route, supporte la vidéo maintenant et jouer des accords septième majeurs partout dans le lieu et apprendre à les connaître vraiment bien sur faire des inversions off. Jetons un coup d'oeil maintenant aux accords mineurs de septième, nous commençons par un accord mineur, comme vous pourriez vous y attendre. Prenons C et créons un mineur See Triade. On a besoin d'un mineur pour d'abord, comme vous le savez, puis d'un major. Ensuite, à partir de cette note de tête, le cinquième pour obtenir notre septième. On a un tiers mineur, qui est différent de ce qu'on vient de faire avec un accord majeur. Major. Faisons G dièse mineur sept D moins, G moins. Alors allez maintenant et prenez la formule pour la cour mineure et moins sept buts et appliquez-les tous du piano. Maintenant, regardons un accord intéressant, qui est une cour assez floozy. Ces deux tribunaux. Je pense à nous des cordes jazzy. Celui-ci est plus bluesy quand on l'appelle un septième accord dominant. Il est également utilisé partout. Ça ne doit pas être juste du blues, mais tu sauras ce que je veux dire quand tu l'entends. Donc, ce que nous faisons est de prendre le genre de son mineur que nous avons des accords de septième mineur sans septième mineur de la conversation, et nous le combinons avec un major essayé dans la main gauche. Désolé en bas. Laisse-moi te montrer ce que je veux dire. On a le do majeur, essaye-le. Et puis au lieu de mettre un major, essayez-le. Désolé, Major mes mots Endroit soulagé. Maintenant, au lieu d'un troisième haut majeur ici, nous avons mis un mineur. Donc la structure de cette cour m'a fait penser à un vrai son bluesy là-dedans . Et en fait, si vous ne cause 14 et cinq de la clé qui les font tous les accords septième dominants, vous obtenez le blues ont un donut C sept f, dominant septième et G dominant auto. Donc, c'est comme ça que vous pouvez créer vos trois accords primaires septième. Enlevez ceux et sorte de jouer avec eux et apprendre à connaître la prochaine vidéo fera un peu plus intéressant. Kordell sons avec sept accords 75. Accords diminués et augmentés et 7th: Donc avant d'entrer dans les structures supérieures au-delà de la septième, comme la 11e 9e 13 choses comme ça. Parlons de septième accords diminués et augmentés. Ce sont des textures très, très exotiques, que vous pourriez vouloir jeter de temps en temps si vous faites de la musique de film étrange ou si vous savez vraiment ce que vous faites des cordes ou si vous voulez juste expérimenter, parfois, cela ajoute simplement un réel intérêt pour la couleur. Mais ce ne sont pas les tribunaux les plus faciles pour écrire des chansons avec eso juste aller avec prudence avec ceux-ci . Donc, si nous prenons notre accord diminué, qui, qui, si vous vous souvenez d'une vidéo précédente, est trop mineur pour être empilé l'un sur l'autre. Donc, si nous prenons notre accord de voir diminué à mes efforts et puis ajoutons un tiers majeur en plus de cette façon, obtenez un septième accord C diminué maintenant vous pouvez aussi obtenir un autre type d'accord diminué, droite, et nous pouvons ajouter quand nous le faisons en ajoutant ici le troisième mineur de cette note. Donc là, nous avons trois tiers mineurs empilés l'un sur l'autre, ma tête, mon esprit vraiment, vraiment tendu accord de sonde ou si vous voulez parler à la cour légèrement moins tendue semble diminuée. Vous pouvez avoir un tiers majeur sur le dessus, moins le troisième mien. Efird troisième majeur. J' aime ce son. C' est un peu moins intense que de prendre ça et de l'appliquer à différents endroits. Par exemple, G shop a diminué. Septième. Vous pourriez soit faire ce sentiment diminué. Septième loin après plusieurs septième. Ne vous inquiétez pas pour les mots. Pensez aux intervalles. Et, bien sûr, vous les convertissez. Vous pouvez faire des sons intéressants d'entre eux sont projetés. C' est souvent utilisé, tu sais que quelqu'un va dans un rêve. C' est ainsi que c'est le son que vous entendez souvent jouer sur la harpe qui monte et descend alors que l'écran vacille dans un raid. Au fromage des années 80. Alors on a orné sept. Prenons donc notre septième son dominant dominant à droite, ce que nous avons fait dans la vidéo précédente. Mais au lieu d'avoir un tiers majeur et ensuite un mineur, on va avoir un major de cette façon, gardez celui-là le même. Donc ces deux sont maintenant un tour à part l'un de l'autre, donc cette structure d'un septième accord augmenté devient majeur, troisième, majeur, troisième et ensuite en fait un ton maintenant. Ce n'est pas exactement appelé un septième accord augmenté qui n'existe pas nécessairement. Ça s'appelle vraiment un septième pointu dominant cinq. Ne vous inquiétez pas trop. Il suffit de penser. D' accord ? Donc ceux des États-Unis à un peu comme un peu plus sophistiqué, cours de sonorité bizarre à jouer autour. Mais tu veux peut-être Teoh. Vous voudrez peut-être l'utiliser dans vos compositions. 76. Créer des accords 9th à partir de Scratch: donc la nuit, il y a un son différent. C' est au sommet de la septième. Habituellement en ce que nous construisons 1/7 accord et ensuite nous ajoutons un autre tiers en plus de cela. Laisse-moi te montrer la théorie. Donc e mineur sur notre septième pour faire un septième accord mineur et ensuite chemin a eu un troisième majeur. En plus de cela, cela nous donne sur neuf chardons un 19 naturel. Prends des nines plates , des mines et des trucs pour ça. Ne vous inquiétez pas pour ce moment. Pensez-y, Diatonic Lee, pour le rendre un peu plus simple. Échelle de la façon mineure Plano 11357 Et puis nous allons à la note numéro neuf ou deux, selon la façon dont vous le regardez, nous l'appelons neuf comme nous passons la voie active. On pourrait aussi penser que c'est de descendre ici et vous pouvez voir que nous construisons sur l'empilement ces tiers encore plus droit, et vous saurez que dans les prochaines vidéos, je suppose que nous allons faire est de continuer à empiler ceux qui est pour en obtenir plus, couleurs plus intéressantes. Donc c'est la neuvième finie. Un accord mineur, non ? Faisons un autre accord mineur. Alors, allons-y à un mineur. Tioga septième moins sept. Faisons la nuit mineure tranchante. D' habitude, quand quelqu'un dit que la nuit mineure pour D a tiré sur mon soir, ils signifient généralement qu'il y a le septième là-dedans aussi. C' est comme un raccourci pour que nous n'ayons pas à aller d moins sept plus neuf, qui est un peu sur ce que nous faisons juste diaboliser qu'occasionnellement vous ne voudrez pas sept. Par exemple, vous pourriez avoir juste un accord en ré mineur. Je ne sais pas ce qui est sans le 70 un peu plus vide septième, et ça le rend un peu plus contemporain dans mon esprit de toute façon, non ? Donc c'est des septièmes mineurs avec les neuf fondements sur le dessus. Regardons notre septième majeur avec la neuvième en haut. Prenons la fa major septième nuit, et vous pourriez vous retrouver accidentellement en train de penser que ça ne marche pas tout à fait. Eh bien, la raison en sera que vous n'utilisiez pas un tiers mineur ou un tiers majeur doit savoir. Trouve lequel travaille. Vous pouvez également dio couleur intéressante. Ils jouent avec le neuvième ici. Faisons l'aube et la septième cour et ensuite on ajoute la nuit de ça. Faisons un septième plat, dominant et la nuit à travers ces nuits, juste pour être super clair, où ils pourraient être un tiers majeur ou un mineur nourri au-dessus. Mais il faut y penser à l'intérieur de la clé. Par exemple, si vous êtes en sol majeur sans moins sept, nous ne jouerons pas un tiers mineur au-dessus de ce septième ici parce que cette note il n'y a pas à Tokyo, plus probable que c'est le cas. Je ne fais pas sept plus neuf. Prends tout ça. Appliquez-les dans différentes zones de moins sept, accords majeurs septième et aussi des accords septième dominants, et obtenez le neuvième son dans vos voix et votre harmonie. 77. Créer des 13èmes accords à partir de Scratch: Donc tu connais le marché. À présent, nous ajoutons des tiers les uns sur les autres. Fais septième nuits. Faisons maintenant les 11e et 13e. Alors regardons cela simplement à l'intérieur de C avec un regard de septième accord majeur en C. On a une nuit là-bas et si on reste diatonique, ce sera nos 11 ans. Ça a l'air funky en ce moment. Reste avec moi. Désolé, ce serait encore 11 sur alors sont 13 serait ce droit ? Donc tu penses à Lee diatonique là-bas. Mais vous devez réfléchir un peu plus attentivement maintenant sur le type de nourriture que vous ajoutez sur le dessus. Et pour moi personnellement, cela change avec chaque tribunal mineur ou majeur que vous avez. Donc, par exemple, quand vous avez une ma septième lumière majeure, nous avons ici ce que vous voulez est alors de faire un tiers mineur en plus de cela pour obtenir une nuit, puis un tiers majeur en plus de cela pour obtenir le 11e et ensuite un pour obtenir le équipe. Si tout cela semble un peu complexe, ne vous inquiétez pas trop pour revenir à la présentation où l'expliquer Eh bien, ils sont fondamentalement nous ajoutons juste ces tiers et réfléchissons à ce sujet dans le contexte ce tribunal. Donc, ici, vous pouvez réellement penser à cela d'une manière beaucoup plus simple. On pourrait dire, OK, on va faire un septième accord en do majeur, puis un terrain en ré majeur au-dessus parce qu'on a une équipe au ré majeur qui se réunit. Vous obtenez un accord incroyablement riche, et ces deux accords sont en do majeur et en ré majeur, qui sont un ton distinct l'un de l'autre. Maintenant, c'est un peu de rembobinage. C' est parce que ça peut être un peu déroutant. Faisons-le dans un autre tribunal. Faisons-le avec F. Major septième s. Donc nous avons un accord septième majeur, que nous connaissons le premier là-bas jusqu'à présent, ajoutons notre neuvième, qui serait le deuxième degré de l'échelle ou un tiers mineur loin de la septième. Ensuite, nous faisons nos 11. Nous aimons que celui-ci soit un major sur une façon alors moins vraiment, vraiment ouvert sonnant droit charges de cour se mettre sur et il semble prêt, complexe, et d'être réalisé que vous auriez pu construire cela en jouant simplement le non-tribunal refuse ici je g sur les yeux une façon de penser à ce sujet. Ce n'est pas une théorie complète sur la façon de le faire, mais je ne veux pas que Tokyo soit profonde, profonde, profonde, profonde dans la théorie, trop dans ces vidéos au piano parce que je vais juste être à l'écart. Partez maintenant et créez une sorte d'accord avec 13 et 11 en eux. Et voyez si vous aimez vraiment cette texture ou si vous pouvez vous en passer. La dernière chose à dire est que c'est beaucoup que nous pensons à l'harmonie de cela. Vous pouvez toujours utiliser le 13e Cent Elevens et tout ça, mais sans penser que c'est votre accord standard. Ce que je veux dire par là, c'est que tu joues un accord. C' est D moins sept. Sur ta mélodie. Lemon dit comme ça et dit, Tu traînes sur cette cour dans la mélodie. Désolé. Vous traînez sur cette note dans la mélodie qui est techniquement 13, mais si un chanteur la chante, nous ne le ferons pas nécessairement ici. C' est l'harmonie, car ce seront les chardons de la ligne de mélodie, harmonie et c'est la mélodie. Cela dépend de la façon dont vous le présentez, mais bien sûr, si vous avez chanté Singer et que vous y allez, il y a beaucoup le genre de 11 accords qui sonnent là j'ai peut-être dit 13 11. Vous pouvez voir même que je suis confus par ça. Amusez-vous avec ça et ne passez pas trop longtemps. Et je me souviens que vos harmonies sont plus simples. Et plus vous comprenez les choses fondamentales, mieux c'est toujours, et ce truc est juste un joli petit Sprinkles sur le dessus. 78. Descriptions de structure supérieure: si bon pour les missions pour vous. Numéro un est de créer une mélodie qui utilise des accords avec des charges de structures up. Juste est vraiment un exercice, mais vous pourriez trouver que vous voulez l'amener dans votre voix sur Écouter des airs pour ce truc de structure supérieure, ce sera assez difficile au début. Mais si quelque chose sonne jazzy, tu penses peut-être, ok, ok . Laisse-moi m'entraîner. Quoi ? Le diamant de base. Vous pouvez les regarder en ligne et me laisser voir ce que sont les infrastructures et ensuite intégrer ces accords si vous le pouvez, dans votre composition. Si vous n'êtes pas sûr des choses dans votre oreille, l' entraînement n'est pas si bon. Ne vous inquiétez pas pour ça. Je vais bientôt créer un cours sur la formation aérienne. Donc tu devrais être un message et je te le ferai savoir. Ou regardez mes cours sur vous pour moi, et vous le verrez là-bas, espérons-le à l'avenir. Mais l'essentiel est d'utiliser vraiment la cause et de créer votre propre composition. D' abord, obtenir, obtenir, devenir pratique, puis la deuxième affectation, ou vous pouvez faire les deux, évidemment, ou vous pouvez le faire. L' un d'eux est de prendre une chanson standard comme des coléoptères cette année-là et quelque chose comme ça qui utilise des accords très, très simples que nous avons tous entendus et utilisés et que les gens ont utilisé plusieurs fois auparavant et les pimenter avec des structures supérieures. Droit ? Donc, vous pourriez avoir votre simple progression de base étant six un. Et au lieu de le faire juste avec Triad une comédie, vous sortez tous les types de structures orteil. Vous rendez ça un peu plus intéressant, en ajoutant ce genre de nuits et de 11e et des trucs comme ça. Alors, explorez ces deux exercices et revenez dans les prochaines vidéos. Je vais vous montrer mes réponses à ces deux-là. 79. Exemple de composition de structure supérieure: 80. Comment lire les accords et les symboles d'accords et les accords: Nous avons donc déjà regardé les chiffres romains, mais par souci d'exhaustivité, revenons sur eux. Pour cette vidéo, les yeux en minuscules ou en minuscules désignent plutôt la forme mineure de lettres concordantes et majuscules . Les yeux et les V désignent généralement les formes majeures ou augmentées des tribunaux, dit que les cordes dans une échelle majeure en chiffres romains ressembleraient à ceci, et les accords dans une fille moins en chiffres romains ressembleraient à ceci. C' est Roman Niro Allons aux symboles de la cour, la forme la plus courante de cordes de lecture, surtout si vous cherchez quelque chose sur Internet et commençons par le mineur. Essayez-le. Le mineur essayé est le plus et choisis-nous un parce qu'il y a tellement de façons de le dessiner , c' est pourquoi j'ai commencé avec ça. Il devient en fait un peu plus simple plus tard, mais vous pouvez le voir là. On a un certain nombre de formulaires. On a un mineur A M. Amen et un moins. Et puis sur le côté droit, on a encore ça. Mais avec une minuscule a Now, proprement parler, c'est la meilleure façon de dessiner mes accords avec des lettres minuscules parce qu'ils différents des lettres majuscules, qui sont des accords majeurs, et l'écrire de cette façon signifie que nous pouvons alors juste dans un seul, ce qui est, bien sûr, un accord mineur. Allons aux accords majeurs. Les tribus majeures pourraient être écrites des quatre façons suivantes, les principales façons de rencontrer les accords majeurs de la manière la plus simple. Habituellement, le plus commun est juste de voir la lettre en majuscules écrite seule. Ensuite, nous avons diminué les triades. Ceux-ci seront écrits une diminution, un faible sur un petit appartement cinq, et cela vous aura du sens. Si vous avez regardé la vidéo des Triades diminuées et comment les créer, alors la dernière est un avec un zéro, et ce zéro n'a pas nécessairement l'air si grand quand ils le dessinent. Parfois, c'est assez petit et jusqu'au sommet de la A quelque chose que je ne pouvais pas faire dans ce cas. Cette présentation de diapositives augmentées triades pourrait être écrit comme ceci un augmenté a ou un plus , un pointu cinq et un plus cinq. Ils veulent tous dire la même chose. suspensions sont typiquement écrites, un suss et rien d'autre sur un suss seul signifieront presque toujours suss quatre noeuds. Nous aussi. Mais si vous voulez être vraiment sans ambiguïté que vous écririez un cess quatre et puis si vous voyez en huitièmes nous à cela signifiera certainement l'accès aux accords de puissance où vous manquez le tiers de la corde être écrit comme ceci un cinq ou un Non. Cinq septièmes majeurs comme ça, celui qui est en bas. Sur la gauche, il y a un triangle, et encore une fois en raison du traitement de texte dans cette présentation de diapositives, je ne peux pas faire ce triangle tout à fait assis près du A à l'endroit exact. Mais dès que vous commencerez à Googler les symboles d'accords de jazz, vous rencontrerez ceci et vous comprendrez ce que je veux dire. Celle à l'extrême droite. Je suis parti seul parce qu'il est parfois utilisé, mais ça ne me plaît pas du tout. C' est très, très ambigu parce que ça pourrait signifier sept mineurs, mais ils utilisent un M majuscule pour désigner le fait que c'est un M. majeur je n'aime pas vraiment. C' est un peu déroutant, alors essayez de l'ignorer. Mais si cela arrive, vous avez été averti, moins sept pour ressembler à cette assez explicative sur la gauche. Et puis vous voyez la raison pour laquelle je n'ai pas aimé la précédente, qui est sur la droite. Vous pourriez avoir écrit ça comme ça, mais parfois ce n'est pas le cas. Parfois, c'est des capitales. D' où l'ambiguïté et pourquoi je n'aime pas ça. Septième dominant pourrait être écrit exactement comme ça, un septième dominant, un Dom sept sur aussi un sept. Donc c'est vraiment important ici, parce que parfois vous verrez un sept, vous allez penser, Eh bien, quel genre de sept est-ce ? Chaque fois que vous voyez un et juste un sept, cela signifie toujours un septième dominant. Vous devez écrire les autres formes de septième. Ceux que vous avez vus dans celui-ci, et celui-ci ici pour obtenir ces accords un sept seul, sont toujours dominants, moitié diminués. Septième pourrait être écrit comme ça. Nous avons un cercle bizarre, qui a une croix à travers elle, montrant qu'il est à moitié diminué. Ou il pourrait être un moins sept avec un plat cinq, ce qui serait logique théoriquement, si vous mettez ce tribunal ensemble complet diminué. Septième sont juste un dim sept ou un sur ce cercle que nous avons vu avec une ligne à travers la diapositive précédente sans la ligne à travers elle, montrant que c'est un septième complet, diminué. C' est donc des chiffres romains et des symboles d'accords. Regardons maintenant l'inversion, et nous devons les regarder en conjonction avec des chiffres romains ou avec des symboles d'accords. Donc, nous allons mettre coincé avec des chiffres romains, je, sur sa propre position racine des moyens. Vous pouvez parfois voir I A qui signifierait position racine, mais généralement vous ne voyez pas le formulaire A, et donc vous avez juste I seul, et cela signifie un repositionnement. Alors je suis signifie première inversion. Je vois une deuxième inversion, une troisième inversion. Je dis que j'ai entendu, mais ça veut dire que 12 seraient les mêmes. Regardons ça avec des symboles d'accords. Maintenant, bien sûr, avec ça, nous ne pouvons pas écrire un B A C A. D. Parce que ça deviendrait vraiment déroutant, parce que les B et C de l'alphabet commencent à se confondre avec les A et B à partir des notes hors de la balance. Donc, ce que nous avons ici, c'est la note qui est le bas du cordon de l'inversion après une barre oblique. Donc, si vous pensez à un accord majeur. Le second de ce cordon est un C pointu, ce qui implique que nous sommes dans la première inversion. Ensuite, le deuxième cordon d'inversion a un E au bas de encore allumé. Ensuite, si vous aviez un accord 1/7 comme un sept, sa quatrième note ou sa septième serait en bas. Donc techniquement, c'est dans la troisième inversion. Nous avons donc couvert les chiffres romains, les symboles d' accords sur les inversions. Il y a quelque chose d'autre que vous pouvez rencontrer lorsque vous cherchez des inversions et des cordons en ligne, et c'est la basse figurée. Cependant, nous ne regarderons pas cela dans ce tutoriel simplement parce que c'est un peu archaïque et le rend vraiment, vraiment difficile. C' est plus pour les musiciens classiques maintenant. Bien sûr, ce n'est pas un tutoriel exhaustif. Il y a beaucoup de choses que j'ai ratées sur des choses que j'ai parcourues très, très rapidement, mais j'espère que cela va commencer à filtrer dans votre compréhension des cordons que vous avez déjà commencé à regarder. Et, comme tout professeur légèrement paresseux vous le dirait, il suffit de regarder le conjugal pour ces choses. C' est vraiment une référence, pas un tutoriel. Ce que tu trouveras, ce sont des choses comme ça. Si vous venez de taper des symboles d'accord graphique jazz ou simplement appelé graphiques de symboles. Vous aurez des tonnes de choses différentes expliquant comment fonctionnent les tribunaux. Regardons donc quelques exemples simples que vous rencontrerez probablement. Donc, en regardant ce juin ici, nous avons les paroles qui disent ces mots ici. Et puis dès qu'on a frappé le mot courant, ça veut dire qu'on a un accord mineur en ré pointu parce qu'on a un d pointu. La note puis un M par lui, puis voir boutique tout seul implique que nous avons juste un accord majeur en C pointu. Et c'est tout ce que vous devez vraiment savoir ici, en bas, c'est que l'accord majeur. Et voici encore un tribunal mineur en D pointu. Dans cette pièce, nous avons quatre accords à l'intra e mineur qu'un do majeur qu'un ré majeur sur. Ces appels sont assez simples. Ils ne vous disent pas les inversions, mais d'autres symboles d'accords peuvent le faire. Voici un exemple d'un jazz Lee Chee, qui vous montre septième accords sur aussi une inversion. Ici, nous avons un septième accord dominant C sur G, ce qui signifierait qu'il est en deuxième inversion. Enfin, il y a une petite chose ici, qui serait des ajouts les neuf pointus ici, ces ajouts d'air au cordon, et nous couvrons la théorie derrière cela dans ce cours. 81. Feuille d'harmonie avec les niveaux 3: Donc vous avez fait un long chemin maintenant nous sommes à l'étape trois sur les feuilles de triche Harmony sur cette section contient beaucoup de résumés sur ce que nous avons parcouru les lignes de base, Le guide complet de tous nos intervalles que nous avons parcourus et juste est fondamentalement ce Ce guide est beaucoup plus un manuel de référence pour vous de garder sur votre bureau ou importe où et a dû créer essentiellement chaque cour que nous avons parcourue, certainement les types d'accords les plus standard et aussi quelques choses à la fin. Parler c'est pousser la clé sur le genre de vous encourager à écrire de la musique qui pousse la clé. Donc celui-ci est très guide de référence Maura, espérons-le très utile. Si jamais vous oubliez comment créer l'un de ces courts, vous pouvez vous y plonger, alors téléchargez-le maintenant et gardez-le quelque part utile. 82. Où puis-je commencer ? Créer des matériaux avec des règles: donc la façon dont je pense à la composition est essentiellement la résolution de problèmes. Lorsque vous vous asseyez au piano ou au D A W, vous avez essentiellement des possibilités ou des choix illimités, choses que vous pourriez faire et qui peuvent être assez accablantes. Donc, l'une des choses les plus créatives à faire est de se restreindre réellement. Si vous avez déjà pensé, Oh, je veux essayer de ressembler à cette personne et vous écrivez quelque chose qui leur ressemble comme une composition pastiche est ce qu'on appelle, alors vous vous limitez essentiellement parce que vous êtes écouter que les artistes et la pensée, Qu'est-ce qu'ils ont utilisé ? Qu' est-ce qu'ils ont l'air ? Sur quel matériel utilisent-ils ? Même si vous n'avez pas fait ça, vous pourriez le faire inconsciemment. Tu pourrais dire, Ok, tu veux rester dans cette clé avec ce genre de forme ? Je vais utiliser ce genre de voix, mais nous sommes vraiment débloqués. Parfois, ils sont en train de composer. Si nous ne pensons pas fondamentalement à ces choses n'étaient pas conscients du genre de règles citation que nous utilisons. Permettez-moi donc de vous donner une indication sur certaines sortes d'exemples que vous pourriez utiliser, en particulier lorsque vous êtes coincé lorsque vous êtes au milieu d'une composition ou que vous essayez de travailler sur un élément particulier. Et tu aimes, où je commence ? Ce que nous faisons vraiment, vraiment important de penser aux règles quand vous essayez de trouver par où commencer et comment continuer. Donc, le premier exemple serait d'utiliser une sorte d'intervalles de secondes et après. Droit ? Donc vous avez, disons, des voix, n' est-ce pas ? On pourrait penser à quelques voix et on pourrait penser, OK, eh bien, eh bien, j'utilise l'intervalle d'une seconde et ensuite quatrième jusqu'à cette note ici, Onda seconde jusqu'à ça, cette voix est créée à partir de secondes sur la force. Et peut-être que ma mélodie fait la même chose. Et puis j'ai déménagé ailleurs. Et puis peut-être d'autres choses aussi. Alors, euh, essayons ça. Et donc vous avez déjà créé des trucs sympas et intéressants à partir de ce genre d'idées Secondes et quatrièmes façon J'ai deux accords et vous essayez de trouver une ligne de base. Un exemple très, très simple. Le premier exemple serait de dire Ok, eh bien, la ligne de base, je voulais monter pour environ deux octaves, puis descendre les directives. Ça ne va pas forcément créer un résultat musical étonnant, mais ça va te donner un coup de pied à l'action. Tu vas commencer à écrire quelque chose, et c'est le but. Donc nous allons faire ceci est un exemple. Donc,pour Donc, que ce n'est pas forcément un résultat incroyable, mais ça m'a donné un coup de pied à l'action. Ça m'a amené à penser à la voix et à certaines lignes là-dedans, et je pourrais en fait que Ben décide d'enfreindre mes règles. C' est le point vraiment important, presque plus important que de trouver ce qui, aussi important,à venir avec aussi important, des règles est venu avec des règles, puis les briser assez rapidement, parce que alors vous avez réellement brisé un que vous avez déjà établi. Mais si vous n'avez pas déjà de cadre, vous ne savez pas vraiment ce que vous faites. Inconsciemment et pour moi personnellement ont lutté pendant des années en essayant d'écrire des trucs, et puis quand j'ai réalisé que si je pouvais créer une règle, puis la briser et ensuite créer plus de règles que de briser cela, vous vous retrouvez avec beaucoup plus satisfaction, vous écrivez parce que vous savez inconsciemment ce que vous essayez de faire. Donc, vous pourriez, par exemple, une sorte d'aller Ugo, vous ne pouviez pas monter deux octaves. Tu pourrais y aller. OK, eh bien, cette première partie de base que j'aime, alors vous avez déjà commencé à écrire. Ensuite, la prochaine fois que vous serez coincé, vous venez avec une autre règle et l'autre chose serait des modèles. Droit ? Donc tu prends une idée que tu aimes, euh comme ça et tu penses, OK, eh bien, que déménagé dans différents tribunaux, Teoh. Oui, c'est sympa. Et puis vous allez peut-être aller plus loin dans les tribunaux. Donc, au lieu de commencer ici, vous commencez ici sur cela d'abord, et cela donne un sentiment de cohésion. Donc un autre exemple de règle soit une sorte d'harmonisation d'une mélodie, non ? Souvent, nous avons une mélodie en train de faire quelque chose de vraiment simple comme ça sur. On se dit, OK, OK, on a des cordes, des basses, des tambours, tambours, on a des cordes, des basses, des tambours, tout comme ça ou une partie de cordes de quoi que ce soit. Je veux une autre ligne en dessous de celle-ci pour l'harmoniser. Le dangereux se déplace évidemment en tiers et six tout le temps. Donc, vous avez une mélodie qui va comme je veux dire, ça sonne assez bien, mais en fait, parfois, nous voulons faire des choses plus intéressantes sur l'harmonie afin que vous puissiez créer une règle qui dit Ok, Donc le voix inférieure pas la ligne de mélodie principale. Il faut toujours monter un, cependant. Et puis jusqu'à la suivante. Peu importe. Harmonie. Non, je choisis. Il doit se déplacer vers le bas puis vers le haut. Regardons ça. Donc nous avons notre mélanine à droite et l'harmonie maintenant à gauche. Alors commençons comme ça. Donc là, je suivais à peu près cette règle de la mélodie de la main gauche. Pas d'harmonie, pas de chute. En haut, en bas, en haut de la seconde. Ça ne marche pas à la seconde où tu te retrouves comme ça. Oh, c'est plutôt sympa. Oh, mais ça enfreint ma règle. Qui s'en fout, n'est-ce pas ? Briser la règle. C' est une occasion parfaite pour enfreindre votre règle et il peut y avoir un retour aux règles . Donc Ugo briser la règle et ensuite retourné à nouveau. Euh, ce genre de chose. Oui. Donc c'est une mélodie harmonisant. Un autre exemple serait les voix, n' est-ce pas ? Je ne sais pas quelles voix utiliser. Ok, très bien. On va commencer à trouver des idées. Tu pourrais dire quelque chose comme en haut de la cour. Cela doit toujours être une grappe de quelques notes. Ça a l'air sympa et croquant. Donc tu as comme ça ? Si vous aimez une de ces séances d'entraînement vocales, théoriquement, que se passe-t-il dans la voix et ensuite déplacer ça à un autre endroit ? C' est une idée pour créer des voix avec des règles. L' autre chose serait au sujet des progressions, non ? Une des choses que nous sommes souvent coincés avec ce gardant avec un ensemble de progressions standard comme celles qui sont fournies avec vous, condition que vous dans ce cours, venir avec plus de créativité et genre de règles restrictives qui se terminent réellement en vous libérant. Et c'est le paradoxe. C' est donc l'un de ceux que j'aime souvent utiliser parce qu'il s'appelle ça un peu mordre par tonalité, qui semble un peu complexe, essentiellement, ce que vous faites pour créer des cordons à partir de deux clés en même temps, que vous connaissez précédemment dans ce cours bouleversé. Ne colle pas ça de façon sonore. Maintenant, nous arrivons à plus avancés qui commencent à expérimenter. C' est comme ton petit labo où tu peux essayer toutes ces choses. Donc c'est, par exemple, coller une clé en sol majeur ou la Q e majeur et choisir des cordons de chaque droite et vous pourriez le dire. Par exemple, celui-ci est cordon trois et en cour à hors d'un mi majeur. Et puis tu fais du cordon Teoh et ensuite un à cinq. Et puis un majeur en sol devient plutôt sympa. C' est comme l'un des principaux et dire que notre centre de gravité est maintenant en G. Major appelé et ensuite appelé un de mi majeur. C' est toujours sympa. Se rendre ici est quelque chose appelé avant que Relations aura une autre vidéo à ce sujet plus tard. C' est là que vous avez ce son vraiment intéressant comme si vous ne pouviez pas obtenir ce diatonique. Ce n'est pas un son que vous obtenez l'une des clés doivent emprunter à deux enfants, donc c'est une sorte d'exemple de création de règles. Et encore une fois, la seconde cela ne fonctionne pas, enfreignez la règle et revenez à l'alimentation sur l'économie, par exemple. Donc, l'idée de toutes ses choses restrictives est de libérer en fait parce que, inconsciemment, vous créez réellement des règles tout le temps. Si vous écrivez une composition, qui et vous êtes un peu coincé avec cela, essayez le son addic que vous allez sur votre comme. Je déteste ces trucs tragiques. C' est vraiment, vraiment ennuyeux. , Essentiellement,vous êtes dans des règles que vous n'enfreignez pas. Vous dites d'accord, eh bien, mes mélodies nouvelles n'ont pas fait de mal à mes voix ont ce genre de truc de troisième position racine. Et aussi, mon rythme harmonique est une fois chaque barre. Donc, vous devez décompresser ces éléments paume, créer de nouvelles règles, les briser, puis revenir. Toutes ces choses vont ensemble pour créer un processus vraiment satisfaisant pour vous en tant que compositeur. 83. Motifs, motifs, motifs et motifs: Donc, dans la vidéo précédente, nous avons examiné quelques idées pour introduire le concept d'établissement de règles et de génération de matériel avec des règles, ce qui est un sujet sans fin que nous pourrions poursuivre pour toujours. Mais je suis en train de le toucher pour quelques vidéos dans ce cours. L' une des choses que j'ai mentionnées précédemment est des motifs absolument essentiels, évidemment à la musique. Donc cette vidéo, je vais passer en revue un certain nombre de façons différentes d'espérer, espérons-vous aider à stimuler votre esprit et à réfléchir à la façon dont vous pouvez commencer à créer des modèles à l'intérieur de ce que vous faites, essentiellement quels modèles vous pouvez utiliser. Donc, l'exemple le plus simple et le plus évident est de prendre le modèle et de le déplacer vers le haut ou le bas de l'échelle, le haut ou vers le bas. Peu importe ce que vous êtes dans ce genre de chose peut donner des résultats vraiment intéressants sur le modèle assez ennuyeux, mais, vous savez, si vous arrangez ça correctement, ce serait bien. L' autre chose serait des motifs à travers les cordons, parce que le 1er 1 est un peu simple. Modèles, accords croisés. Nous avons regardé un peu avant. Essentiellement, tu penses à un cordon comme ça. E moins sept mis sur votre pensée de 1234567 notes dans ce tribunal. Et puis tu dis Ok, eh bien, mon modèle est bien, restons avec le même modèle. 123 Rendre les choses vraiment simples. 123 en fait, trois. Donc notre brevet est de 3 contre 1, puis nous avons passé à un accord différent et nous faisons 3 contre 1 sur chacun de ces accords . Mais alors, évidemment, souvenez-vous de cette idée de violer vos règles. Parce que si tu fais ça comme ça après un certain temps, tout le monde dit, Ok, ils en font un peu même s'ils ne le font pas pour la musique, ce genre de choses qui s'effondre et, euh, Nona, non ? Alors vous changez un peu. C' est juste improviser. Mais, vous savez, vous pouvez voir que juste avec quelques petits changements et changements par rapport à ceux-ci, vous pouvez commencer à créer des mélodies intéressantes. Le suivant serait la fusion des modèles. Donc tu prends une idée, disons juste. Donc, si vous vous habituez à déplacer cette cour transversale de sorte que et que vous pensez réellement, prenons un autre modèle comme et nous allons les fusionner ensemble afin d'attendre peut donner des résultats intéressants. Tu sais, ce truc sans fin ici ? Essentiellement, vous pouvez penser que c'est un genre de chose modulaire, que vous allez bien, je suis dans cette clé. Ensuite, j'ai ça et je vais mettre ce modèle, et ensuite je vais introduire ce modèle, et je vais quelque sorte enfreindre cette règle et ensuite je vais retirer ça et puis c'est génial, ça a l'air fantastique. Passons au prochain peu plus de pensée bijoutier. Maintenant, nous avons des trucs un peu plus avancés, donc ils sont probablement assez pour continuer avec ça pour l'instant. Mais si vous êtes vraiment un peu d'intérêt dans ce sujet est que je suis fondamentalement, vous pouvez penser inverser un modèle. Maintenant, cela pourrait être un peu difficile pour vous, mais si vous avez regardé le chapitre des intervalles dans ce cours, ça commencera à avoir un peu plus de sens. Parce que ce qu'on fait, c'est qu'on prend un modèle. Prenons celui qu'on a fait. Pensez aux intervalles et nous avons inversé comme ça, non ? Donc on remonterait un ton, non ? Donc, dans ce cas, nous descendons une ville dans la prochaine et puis nous essayons, tourner à droite chemin descendre et essayer de descendre un demi-virage. Donc un demi-ton. Espérons que cela a du sens, puis vers le bas un tiers majeur. Donc on a un major pour donc on le doit. Nous avons notre mélodie inversée. Donc tu y vas, c'est dur pour moi de travailler un moment avec les tribunaux, mais tu dois faire n'importe quoi pour l'harmonie en dessous et des trucs comme ça. Mais vous voyez que cela vous donne une variété infinie. Oh, j'ai un nouveau truc. Ne pensez jamais que vos pauvres en termes de matériel ou de choses à utiliser correctement. C' est juste que vous n'utilisez pas votre imagination pour transférer tout ce transmetteur et transformer en science un peu plus intéressant. Ce que je veux dire par pauvre, c'est qu'il est très facile de sentir que quand tu es un peu, je n' ai rien à travailler avec. Il n'y avait rien ici, pas vrai et ce que tu dois commencer à faire ? C' est comme jeter des choses, tirer des choses, changer des règles, changer des règles, briser tout ça, vous savez, vous savez, je suis en train de devenir un rapport brisé ici. en tirer des choses, changer des règles, briser tout ça, vous savez, je suis en train de devenir un rapport brisé ici. nous avons eu, nous sommes retournés à l'avant aussi. Donc, vous allez en arrière comme si vous étiez en train de rembobiner la mélodie. Donc tu as une autre façon de le faire alors. Enfin, cela à une sorte de petites zones, qui est sur l'ornementation et les tons d'accords ornementés. Donc ce genre de référence mortier les étapes de planification de la composition dont nous espérons que nous avons parlé un peu avant, qui est que vous pensez en quelque sorte OK, pas vrai. Je suis sur cet accord, qui est un accord F moins sept, vous dites ? Ok, eh bien, au début de chaque bar, je veux atterrir sur le troisième, à droite, donc 1234 et le prochain tribunal serait un accord de si mineur. Droit ? Donc vous dites au début de chaque bar, je suis allé sur les trois. Entre les deux, vous avez planifié ces deux points de succès, pour ainsi dire, et ensuite entre les deux, vous créez des trucs. Et c'est très facile à faire dans votre cher W parce que si vous avez, genre, une séquence d'accords entière, vous pourriez dire, Eh bien, je vais atterrir sur le premier de chaque bar ou juste après le premier être si vous genre de pensée sur le genre de côté écrit rythmique et mélodique des choses que vous pourriez ensuite combler les lacunes entre les deux. Donc, pas d'idée géniale. Mais tu le vois. Ce qu'on peut commencer à faire, c'est planifier des choses. Donc, travaillant d'une sorte de point de vue harmonique, puis en devenant plus granulaire en termes de détails sur, alors vous pourriez simplement faire de l'ornementation simple. Si vous avez une mélodie simple, vous pourriez continuer. Ensuite, il devient un peu plus jazzy si vous commencez à apporter ces choses diatoniques et à avoir ce swing, donc la dernière petite idée à penser serait les motifs qui définissent votre pièce. Souvent, cela vient des cordons ou de ce que nous connaissons comme ostinato, qui est une sorte de rythme répété, souvent accompagnement. Tu as quelque chose comme si c'était les yeux, la chose qui crée en quelque sorte. Et puis vous déplacez ça vers d'autres accords et puis vous voulez penser à OK, eh bien, OK, disons que les versets ont ce genre de motifs d'ostinato, sentiment que ça se passe, et je mets ce modèle de ostinato à travers les différents accords. Ensuite, quand vous arrivez au choeur ou faites le pont ou une section où vous voulez vraiment faire soulever ou se sentir différent. Vous changez cet ostinato pour qu'il y ait moins de répétition. Souviens-toi, il y a toutes ces couches sous la musique de ce genre. Nous voulons être conscients de ce qui se passe pour l'auditeur sur le fait qu'ils obtiennent assez variété ainsi que suffisamment de familiarité, en fonction de votre style dans votre travail. Donc avec le verset, vous pourriez être un peu comme quand vous arrivez au choeur et vous pourriez être juste, genre, complètement changé l'ostinato. Et puis tu reviens au verset et tu vas faire ce genre de truc un peu froissé. Exemple que, Mais je pense que j'espère que vous obtenez ce que je veux dire. Et cela peut arriver avec beaucoup plus intéressant. Ostinato est un peu notre truc paginé ou plus jazzy. J' ai terriblement pensé quoi que ce soit, n'importe quel genre, tout ça s'applique. Alors amusez-vous avec ça. Espérons que c'est une sorte d'ouvrir votre esprit un peu ce que vous pourriez faire et juste être vraiment créatif. Pensez à tous les éléments du rythme musical que vous avez, voix Melody est le genre de voix primaire. Mais ce sont toutes ces autres choses qui peuvent aussi créer des modèles et juste générer ces petites règles pour vous-même. Je vous verrai dans la prochaine vidéo. 84. Résolution des problèmes: Donc, les deux dernières vidéos ont été sur vous obtenir vraiment des stratégies de cours pour être en mesure de vendre ces problèmes. Quand ils viennent quand je dis des problèmes, je veux dire, comme dans les moments où vous ne savez pas quoi faire ensuite ou ne savez pas comment progresser ou quoi faire avec ça ou ça ne semble pas bon. Ou comment puis-je trouver du matériel en premier lieu ? Et je veux que vous distinguiez ce matériel pour que la technique de l'inspiration authentique dise vous vous réveillez le matin et que vous savez exactement ce que vous voulez écrire. Vous l'avez entendu dans un rêve ou vous écoutez de la musique et vous savez ce que vous voulez faire. Un peu semblable à ça. Alors c'est bien. Allez-y. Mais 10 minutes plus tard, une heure plus tard, le lendemain, vous pourriez être comme, Ok, que dois-je faire ensuite ? Je suis coincé maintenant. Je ne sais pas comment progresser par rapport à ce que j'ai fait. Ensuite, vous allez dans votre genre de labo et vous prenez tout ce que nous avons regardé dans les deux dernières vidéos, et le problème est résolu. Vous dites que vous devez définir le problème. Qu' est-ce que je ne peux pas faire maintenant ? Tu ne peux pas t'asseoir là et y aller. Ça a l'air dépouillé encore aujourd'hui parce que tu vas te tuer. C' est horrible. Ça se sent vraiment, vraiment mal parce que tu t'es assis là en allant. Je suis un compositeur de déchets. Je suis producteur d'ordures. Je ne sais pas ce que je fais. En fait, c'est juste que tout ça. Tu dois y aller. Quel est le problème en ce moment ? Je dois créer une ligne de mélodie. C' est plus intéressant parce que celui-ci ne suit que les tentes de la cour ou ma ligne de base suit tout parce que les tentes ou mes accords n'atterrissent que sur le premier temps de la barre. Donc je dois changer mon rythme harmonique. Toutes ces autres choses que vous devez définir le problème. Donc, dans cette vidéo, je vais vous donner, par exemple, problèmes vraiment, vraiment classiques que les compositeurs et les producteurs viennent me voir avec des leçons qu'ils disent, peu Ok, j'ai tribunal. Comment ajouter une ligne de base ? C' est le classique. On va regarder ça. D' abord, j'ai des accords de mélodie Haddaway. C' est vraiment important. J' ai des tribunaux, Haditha, mentalement mélodie, et on a regardé ça. Nous avons examiné des choses qui vous aideraient à le faire, mais je voulais faire un chapitre ou un épisode qui était vraiment, vraiment fatigué par ces problèmes particuliers. Et c'est une de plus, Hattaway au tribunal. Alors regardons ceux en termes de la 1ère 1 que j'ai des cordes avaient loin à une ligne de base. On a regardé ça dans le chapitre de référence, non ? Way prendre, comme, disons, sont cordon est un accord B moins sept. Vous pourriez utiliser cette idée de l'accumulation de basses marchantes pour l'accumulation de tours de cordon. Ces virages de base fonctionneront très bien dans la ligne de base. Donc tu dis en quelque sorte Ok, eh bien, ces Michael se tourne, je vais travailler. Mais quel est mon modèle ? Quel est mon rythme ? Ok, eh bien, je vais prendre un modèle, ce qui serait comme, euh, ce modèle, accord. Donc tu pourrais être comme sur. Ensuite, la cour suivante serait, disons , un accord E moins sept, et peut-être le prochain tribunal B 7. Et puis vous enfreignez vos règles aussi. Donc on a pris cette casserole. Nous avons pensé à la cour des dizaines, puis nous avons passé à un autre tribunal pensant que leur école a tendance à se produire. Et puis nous avons déménagé à cette voie de justice a enfreint les règles à la fin. Ils avouent que c'est fini. C' est un exemple de ligne de base, mais vous pouvez prendre n'importe quel type de modèle. C' est spécifique au genre, parce que c'était un peu Boston sur un jazzy, assez bizarre, donc ça définit un certain genre. Mais vous devez écouter les lignes de basse qui vous intéressent et penser à quels modèles et rythmes pour les trouver, puis transmuter ou internaliser cela , puis créer cela dans votre musique. Donc, c'est que j'ai des cordons filaires de base. Assez simple. Nous avons déjà couvert ces idées. Il s'agit de penser à l'harmonie, penser aux modèles, passer ces choses comme ça. Le numéro deux, c'est que j'ai une mélodie. Comment ajouter des cordons ? Et on n'a pas tellement regardé celui-là. Ce qu'on a fait, c'est qu'on l'a fait dans l'autre sens. Nous avons pensé que les cordes et la mélodie définissant, mais tout ce que vous avez vraiment besoin de faire est de réduire cela. Inverser ce processus, non ? Dès le début de ce cours, nous avons regardé une sorte d'accords diatoniques dans une clé, puis nous avons créé une mélodie intéressante. Si vous venez de procéder à l'ingénierie inverse, cela devrait avoir du sens. Mais je vais vous faire traverser C'est un exemple. En voyant ma mélodie, je vais juste inventer ça, tu sais, je vais faire ici c'est quelque chose comme ça, non ? Donc, vous devez penser essentiellement à ce que cette mélodie décrit l'harmonie que cette mélodie décrit. Et vous pouvez le regarder d'abord de façon traditionnelle, d' accord, ce qu' accord, on va faire, et ensuite vous pouvez commencer à en abstraire et penser, bien, bien, ce que j'ai pu faire d'autres tribunaux. Voilà, cette mélodie. Immédiatement, lorsque j'ai commencé à jouer, j'ai réalisé que ce que je faisais était en train de décrire un accord sur e mineur dans la deuxième inversion juste sur, puis dans mon esprit aussi. Et ça viendra plus vous étudierez les cordons et les trucs comme ça, je peux voir que ça s'appelle cinq d'une certaine façon, non ? Pour que tu puisses aller à droite. Mais cela semble tout à fait standard. Que pouvons-nous faire d'autre ? Bon, d'accord, essayons au lieu de mi mineur. Essayons de ne pas faire celle-là. a l'air de la poubelle. Ça semble un peu plus intéressant. Alors quoi ? Il y a un accord G 7 qui fonctionne toujours, non ? Si vous pensez à ces dizaines de cours et à la clé dans laquelle vous pourriez être, nous pourrions être dans G. Don't. On est peut-être en do majeur ici. On pourrait être un e mineur ici. Nous pourrions être dans un certain nombre de domaines, mais c'est en quelque sorte penser à toujours des options sur ces ondes. Un peu dissonant. Mais rappelez-vous, si vous passez à travers ces extrémités de cour assez rapidement, ça ira. Cela pourrait aussi marcher. Donc j'ai un accord G 7 qui descend un demi-tour en un accord F pointu septième accord. Ce serait une autre façon de le faire correctement. Et tu élargis ça encore et encore. Penser à ma mélodie va comme ça. Euh, Ok, eh bien, ça pourrait être un certain nombre de choses. On a ces cinq notes. Quels cordons pourraient accompagner ces cinq. Ensuite, quoi ? Manifestement ré majeur. C' est à ça que je pensais quand j'ai joué la mélodie. Mais il pourrait aussi être f mineur. Ça sonnerait bien. Et puis vous pourriez commencer à expérimenter avec d'autres plus intéressants comme et ensuite des très intéressants. Peut-être un do majeur où vous obtenez ça ? Non. Interférer un peu sur une autre façon de penser aux mélodies, c'est essayer ces options, non ? Vous savez, je pense qu'on a fait une vidéo il y a un moment dans cette cour où on a harmonisé une note avec des accords différents. Créer un contexte différent pour celui-là. Non. Pensez à cela maintenant avec vos mélodies à la place. Donc, vous avez juste continuer à jouer cette partie de la mélodie et essayer de trouver ce qui se passe, ce qui pourrait aller en dessous. Alors, voilà. Ça marche. Ça a l'air bien, ça n'aime pas celle-là. Ok, très bien. Nous ne ferons pas celle-là. Essayons celui-là. Ça marche. Vous essayez toutes ces options, alors vous pensez. OK, et bien, lequel de ces deux façons, comme dans lequel ? Si on s'éloigne d'une mélodie avec un cordon en dessous il y avait un sol majeur, on pourrait dire, bien, essayez ce 10, j'essaie celui-là. d'une mélodie avec un cordon en dessous il y avait un sol majeur, on pourrait dire, bien, bien, Je préfère celui-là. Donc c'est un processus itéré ici où on pense, Ok, j'ai ces cordons. Ils fonctionnent bien ensemble, alors quel est le lendemain matin pour essayer cette partie de la mélodie sur celle-ci. Ok, donc maintenant il y a trois accords pour les tribunaux. Ça prend donc du temps. Il y a beaucoup de planification là-dedans, mais c'est ce qu'est le R dans le métier de composer. C' est penser à ces bits modulaires qui s'intègrent ensemble. Donc ensuite, nous avons les tribunaux avaient conscience créer mélodie. Cela devrait être assez évident pour acheter maintenant. Essentiellement, il s'agit de créer une réflexion sur les virages judiciaires qui se déroulent ici et d'utiliser les principes que nous avions dans les deux dernières vidéos pour créer des brevets au-dessus de ces tribunaux. Assez droit en avant. Je suis sûr que vous l'avez déjà deviné sur la base de référence. Si vous avez une base de référence, comment ajouter les tribunaux Très semblable à ce qu'une mélodie fait en ce sens que si vous écoutiez une mélodie et que vous essayez de déterminer ce que vous pensez des cordes  ? OK, quelle est cette mélodie pointant vers ce que les accords ou l'harmonie sur Ce que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez faire le même processus que nous venons de faire avec le melon. Vous pouvez avoir votre mot à dire, une ligne de base qui va, vous pourriez être comme, Eh bien, accord, je vais essayer ce tribunal. C' est bon. Essayons un autre. Peut-être moins. Bien. Essayons celui-là. Euh et tu penses aux dizaines cool que ça pourrait impliquer et tu t'occupes des tonalités de cour ou des cordons qui pourraient fonctionner avec celui-là. Donc j'espère que c'est, euh, utile pour des exemples de types de moments clés dans des compositions où vous courez sur un problème où vous allez, Comment cela fonctionne-t-il ? Qu' en est-il de la prochaine mais le problème résolu chaque fois que vous pensez que je ne sais pas quoi faire ensuite, pensez définir ce qui se passe comme le problème et ensuite utiliser tout le matériel que nous avons examiné jusqu' à présent sur votre cadre de théorie pour essentiellement vous fournir avec la solution. 85. Introduction au rythme harmonique: rythme harmonique est l'un des outils les plus négligés dans la plupart des compositeurs. Ensembles de compétences. C' est la structure hors harmonie en ce qui concerne le rythme. Réfléchissons à ça en quatre pour parce que c'est le plus simple. Ce que je vais faire, c'est dessiner une grille montrant les quatre battements de la barre sur quatre barres. La plupart des progressions d'accords ont tendance à remplir une barre à la fois, sorte que chacune dure quatre battements. Et si vous troll à travers la théorie du crochet et regardez les structures de beaucoup, beaucoup de chansons différentes et même des compositions de musique de film, quelque chose comme ça, ce que vous réaliserez, c'est qu'une énorme quantité de rythme harmonique suit ce modèle, et c'est ce à quoi nous sommes le plus habitués. Mais vous avez d'autres options, et la façon de penser à ces autres options est en termes de subdivisions. Donc, la division signifie penser à combien d'autres rythmes vous avez dans la barre où placer vos cours. Ainsi, par exemple, vous pouvez faire des cordons par barre, et vous pouvez également faire quatre accords par barre, ce qui signifie que chaque accord dure un temps sur. Bien sûr, vous pourriez aller encore plus vite, mais c'est assez inhabituel pour obtenir des rythmes harmoniques qui sont que d'abord assembler différentes combinaisons de ces options peut nous permettre de créer vraiment intéressant et frais rythmes harmoniques. Voici quelques exemples. - harmonique rythme harmoniquepeut aussi donner l'impression d'accélérer une pièce et de la rendre plus excitante sans changer le tempo. Jetons un coup d'oeil à cet exemple. Gardez à l'esprit que le rythme harmonique n'est qu'un composant qui va dans une piste. Vous pouvez en fait garder le cordon le même tout au long de la pièce et peut-être le changer un peu plus tard. En fait, c'est l'une des meilleures options. Souvent dans les pistes est aussi. Gardez Accord longtemps, puis introduisez une plus grande variété dans votre rythme harmonique . Il crée un courant sous-jacent que la plupart des gens sont inconscients et va vraiment ensemble dans l' amélioration de votre composition. Voici donc un exemple rapide et simple d'esquisse d'une piste qui garde fondamentalement le même cordon tout au long. Mais j'espère que l'arrangement rendra assez justice pour qu'en fait nous ne nous dérangons pas trop . Nous n'avons qu'une cour de fa majeur, une cour fondamentale de fa majeur qui fait tout ce sketch, qui dure une minute le troisième jour. La seule chose à dire, cependant, c'est que lorsque nous arrivons à ce deuxième article, la cour change toujours aussi légèrement. Mais il est toujours basé autour du F. Major. On a juste quelques suspensions en cours. Si je zoome ici, vous pouvez voir ce qui se passe ici. Alors écoutons un peu cette piste, qui est essentiellement basée autour de fa majeur sur le point de me montrer tout cela est que si vous avez un cordon statique allant sur les pistes assez excitantes. Mais quand vous commencez à changer quelques choses en dessous avec le rythme harmonique, cela change vraiment, vraiment la qualité de la piste si statique accords, puis change le rythme harmonique sous-jacent . 86. Passer les accords et la réharmonisation: jouer avec le rythme harmonique exige que vous trouviez plus d'accords que vous n'avez à l'origine dans votre structure. Donc, si vous planifiez vos cordons bar par bar, alors on a appelé un tribunal un cordons. C' est assez simple, et vous voulez le rendre plus intéressant. Vous devez penser à la façon d'insérer des cordons et à ce que l'on travaille. Eh bien, une des choses que vous pouvez penser à côté de simplement penser à d'autres accords à l'intérieur d'une clé est de passer des accords. A moins que ce domaine particulier soit un peu plus avancé d'harmonie sur le jeu de piano que nous allons regarder maintenant. Maintenant, ce n'est absolument pas une vidéo exhaustive, parce que ça a beaucoup à voir avec le jazz et l'harmonie avancée, ce cours ne couvre que brièvement. Mais si vous voulez en savoir plus, il y a plein de choses en ligne. Je vais faire un cours sur une sorte de pratique de piano jazz avancé à un moment donné dans le futur, alors vérifiez quand vous à moi votre message moi si vous êtes intéressé. Mais je vais passer en revue quatre choses. Nous allons passer sur les accords chromatiques, dominance secondaire à cinq, puis la progression de la porte arrière toujours pour améliorer et rendre votre rythme harmonique un peu plus rapide ou intéressant où vous pouvez insérer des courts . Alors regardons le 1er 1 qui est des cours de passage chromatiques. On va prendre notre corde, euh, la progression, qui va être juste un accord si mineur, un accord mineur et ensuite un accord D. Donc nous allons en quelque sorte trois pour moi dans la grotte, major. Ok, donc le 1er 1 serait un accord de passage chromatique, et c'est soit s'approcher de 1/2 pas au-dessus d'un demi-pas en dessous de la cour que vous êtes sur le point de jouer. Donc, par exemple, Ugo, essayons encore une fois. Et vous ajoutez en quelque sorte ce mouvement de chute, ça commence à sonner vraiment jazzy. Évidemment, je joue sept conformément à ça. Mais vous pourriez le faire aussi tragiquement. Tu pourrais y aller. Essayons ça. Préoccupé par intéressant n'était pas les meilleures voix que je l'ai fait, mais vous avez l'idée. Donc ça vient de la demi-étape, Bob. Vous pouvez le faire à partir de la demi-étape ci-dessous, n'est-ce pas ? Donc on commence par être un accord mineur, mais on va passer d'un accord mineur si bémol. C' est donc des cours de passage chromatiques. Le suivant est des accords dominants secondaires, non ? Nous avons déjà examiné cela, et vous avez juste besoin de vous référer à l'idée du Cercle des Quinze. Mais c'est vrai. Deuxièmement, les accords dominants. Ce que nous avons regardé, je pense avant était essentiellement de rester dans une clé et de penser à ce qui est 1/5 de distance ? Donc, quand, avec dominance secondaire diatonique en sol majeur était rendre encore plus facile. Laissez debout le do majeur. Je n'ai que la blancheur parce qu'on est en do majeur. Si je pars d'un tribunal cinq appelé un, nous devons penser à la deuxième falaise et penser, Qu'est-ce que 5 à 5 g S. D. Donc nous dio qui nous donne une relation de cinq avec les cinq. C' est ce qu'on appelle la domination secondaire. Mais si nous voulons en faire une véritable domination secondaire, deuxièmement, domination ou toute domination faite doivent être dominantes. Septième accords, non ? Ou au moins un major. Donc Ugo comme ça, et si tu fais une autre dominante à ça, tu bouges. C' est quoi le cinquième de D ? Eh bien, ça va être un sept. Il y a une deuxième retraite, donc si on le fait sans progression, ce qui est 3 à 5 sur nous donnons une seconde re dominante à chacun de ceux qui dominent B ça va être Oh, désolé va être f Andi dominant va être Oh, Doyen dominant. C' est logique. Donc nous jouons encore ces trois accords. Chacun d'eux devant lui obtient son propre. Deuxièmement, dominant. Jetons un coup d'oeil à ça maintenant. Donc l'idée suivante est de 51 Donc nous faisons un à 51 Vous avez déjà vu ça avant, évidemment. Et voir Major, pour être appelé à la Cour cinq appelé un. Mais ici, pour votre structure judiciaire, ce que nous faisons, c'est que nous avons un à 51 devant tous ces tribunaux. Donc nous pensons que ce qui s'appelle être mineur Eh bien, disons que c'est ça. Oui, donc nous avons un C pointu, diminué f septième esprit. Donc, nous obtenons cette très belle progression si nous ne faisons cela qu'aux tribunaux. Ça sonne comme ça. Et nous avons soudainement obtenu ça beaucoup plus intéressant ou une sorte de progression complète. Affaibliez l'accélération ou ralentissez le rythme harmonique avec ces courts supplémentaires que nous avons insérés. Donc, enfin, une idée similaire à la 251 est quelque chose qui s'appelle la Progression Backdoor. Il utilise deux accords pour mener à l'accord final. Sauf qu'il utilise attrapé quatre, puis plat sept, puis un. Laissez-moi vous expliquer comment cela fonctionne en ut majeur. Ok, on est en do majeur. Au lieu d'aller à 51, nous allons à quatre. Et c'est vraiment important ici. Ce n'est pas le genre naturel de major, car c'est toujours un mineur pour le droit. On nous a appelés, puis l'appartement 7. Souviens-toi, le septième c'est ça. Et si on descend un demi-ton qui nous amène à l'appartement 7. Alors attendez et vous avez probablement entendu ce bruit avant. Écoutez, ce son. C' est ce que j'aime dans l'harmonie a. Sauf qu'avant c'est comme, dès qu'il a appris ces choses, oui, c' est là que j'entends ce truc. Et la prochaine fois que tu l'entends, tu es comme, Attends, c'est la progression de la porte dérobée. Si tu apprends, c'est un peu. Donc, si nous devons appliquer ça à ce genre de désordre, donnons-le un coup d'envoi. Donc nous avons cette cour, cette cour, Mlle Gordon. Chacun d'eux a besoin d'une progression de porte dérobée avant elle. Donc on va y aller et tous ces tribunaux pour les mots doivent être moins. Alors ça va être quoi ça va être ? Ça va être ça, euh, c'est la progression de la porte arrière. Donc, quelques idées là pour vous aider à étendre votre harmonie en utilisant les tribunaux de passage et de re harmonisation. Mais c'est un vaste sujet sur ce qui est juste gratter la surface. 87. Projet de réharmonisation: donc une autre mission suggérée pour vous les gars. Prenez les principes que nous avons examinés dans les deux derniers chapitres, qui sont sur le rythme harmonique, Andi, structure de l'harmonie et puis aussi les accords de passage dans la dernière vidéo sur re harmonisé une pièce que vous avez écrite ou un pièce que vous connaissez afin qu'il sonne beaucoup plus intéressant . Changer le rythme harmonique et ajouter ces accords de passage, C'est tout et je vous verrai dans le chapitre suivant. 88. Rythme mélodique: comme le rythme harmonique, rythme mélodique peut aller à l'arrière de notre esprit un peu en tant que compositeur sur DWI. Il suffit de créer des mélodies qui viennent à nous. Mais en fait, déballer où va le placement rythmique de nos mélodies et comment cela fonctionne contre le dos déposer la signature temporelle est une chose assez importante à faire. Alors plongons dans ce que signifie le rythme mélodique et comment vous devriez y penser. Regardons la signature de l'heure simple que vous êtes probablement presque certainement au courant pour quatre dans n'importe quelle signature de temps. Nous avons des battements forts et faibles. Le rythme qui démarre chaque barre est toujours considéré comme le battement fort ou le battement le plus fort . Et en fonction de la signature temporelle, vous pouvez avoir d'autres battements forts à l'intérieur de cela. Ainsi, par exemple, battre un est fort. Beat, aussi, est faible. Battre trois est plus fort battement pour sa semaine, et puis nous revenons à battre un à nouveau. Regardons 34 sur 34 En général, nous considérons battre un un fort sur B deux et trois comme faible dans 68 Nous avons un fort battement du début de chaque barre, évidemment, puis à mi-chemin. Nous avons aussi un rythme légèrement fort, et entre les plus faibles, avec des signatures de temps comme 54, vous êtes d'accord pour décider où le rythme le plus fort est parfois. Donc, par exemple, nous pourrions avoir ce rythme plus fort au milieu ici sur le temps 41234512345 Ou nous pourrions le placer sur le troisième temps 1234512345 Revenons à 44 maintenant, Andi, pensez à notre mélodie création dans ce contexte le plus courant de l'époque. Signature, un exemple d'une mélodie qui n'emploie aucune sorte de rythme mélodique intéressant serait peut-être quelque chose comme ça, où nous commençons au début de chaque barre, soulignons seulement les battements forts et seulement vraiment joué à l'entrejambe. C' est avec quelques cuevas qui n'ajoutent pas autant de syncopation. Ce que j'aimerais vous inspirer dans cette courte vidéo, c'est de penser à élargir vos horizons quand il s'agit de rythme mélodique. Par exemple, en 44, nous n'avons pas seulement les battements forts et faibles de la barre pour commencer et terminer nos rythmes. Nous avons également toutes les subdivisions. Par exemple, ici j'ai montré en gris les quais à l'intérieur de chaque temps et nous pourrions commencer nos mélodies sur ces subdivisions et les référencer à l'intérieur de notre mélodie. Compte tenu d'une plus grande syncopation et d'intérêt. Prenons cette mélodie, par exemple, qui ne suit certainement pas le début simple du premier temps du modèle de barre que nous avons vu il y a juste une seconde. Une fois qu'il s'agit exemple de genre lié au jazz, ce genre de technique d'expansion de votre rythme mélodique est pertinent, vraiment pour tous les genres. Je vous encourage donc à explorer cela dans votre écriture. Pensez à commencer sur un autre temps de la barre et à se terminer sur un autre temps de la barre que vous faites habituellement et également référencer les subdivisions sous et à l'intérieur de la signature d'heure normale que vous écrivez dans 89. Phrasing et espace: donc un concept autour de la musique dont nous n'avons pas encore discuté. Quelque chose que l'on appelle la formulation et l'éloge dépend vraiment de l'espace. Donc quand tu parles, si quelqu'un parle de ça tout le temps, ils racontent des tas de choses intéressantes à ce sujet et pourquoi l'a fait hier ? Mais tu te taises une seconde. Je veux juste attendre. J' essaie de comprendre la première chose que tu as dite. Je ne sais pas si tu as eu une conférence de quelqu'un comme à l'université ou à l'école ou quoi que ce soit, et tu aimes juste, Tais-toi. Il suffit de faire une chose à la fois sorte de musique, selon le style de genre il est, vous voulez soit des choses qui vraiment, vraiment rapide. C' est tellement excitant ou super lentement ou un peu comme, vraiment détendu ou plutôt intense. Vous jouez avec ce phrasé pour créer des effets différents, et le phrasé dépend vraiment de l'espace, non ? Donc, si vous dites quelque chose comme moi dans ces cours, vous laissez quelque chose atterrir et ensuite vous dites quelque chose de si genre de musique serait comme, donc c'est vraiment un phrasé détendu là-bas. Mais évidemment, si vous vouliez pousser l'intensité un peu plus quelque chose comme ça, c'est moins d'espace, et ça se déplace plus vite. C' est comme si quelqu'un était vraiment excité, alors assurez-vous de jouer et de comprendre cela dans vos compositions, particulier ou mélodies. Mais c'est aussi à voir avec vos voix dans votre accompagnement sur ce qui se passe avec ces choses. L' idée de formuler dans l'espace en ce qui concerne la tension et la résolution. Voici un exemple rapide hors de l'espace dans le phrasé et cette partie de flugelhorn et de flûte à venir moment, en ce moment, donc nous avons un phrasé vraiment spacieux du début, et il y a un zoo. donc nous avons un phrasé vraiment spacieux du début, Nous sommes allés vers cette prochaine section finale, le phrasé devient un peu occupé et accélère et nous prépare pour cette dernière section . 90. Affronter Phrasing et rythme Melodic: donc une autre vidéo rapide si vous les gars juste une affectation rapide si vous choisissez de l'accepter. Comme pour toutes ces choses, ce ne sont que des suggestions. Ce ne sont pas des choses nécessaires pour terminer le cours. Mais je veux un peu inspirer les orteils et vous faire réfléchir à la façon d'appliquer ces choses. Parce que, , disons que vous vous asseyez pendant ce genre de week-end et que vous regardiez tout ce cours, vous n'auriez pas vraiment maîtrisé beaucoup. Ce serait un excellent aperçu, mais vous devez y plonger à nouveau et en fait donner le piano et l'essai de cela sur réellement dio et composer et faire toutes ces choses. Donc, quand je suggère des trucs, n'y pense pas comme si j'étais lancinante. Mais pensez que c'est comme des suggestions pour vous de commencer à mettre en œuvre ces choses. Donc, la chose que je dirais dans le genre de 3 à 4 dernières vidéos que nous avons fait tout sur cette idée de rythme mélodique et de phrasé est prise les principes que nous avons appris à droite , une mélodie ou morceau de musique qui a une mélodie qui pour vous n'est pas standard. Et quand je dis pour vous non standard, je veux dire pas dans la phrase que vous pourriez normalement dio. C' est l'une des choses que j'ai beaucoup essayé de faire dans ce cours est d'amener tous les éléments de la musique qu'un habituellement inconscient dans notre écriture à la surface afin que vous puissiez en quelque sorte les regarder il y a. Accrochez-vous. Est-ce que j'aime ça ? Ou qu'est-ce que c'est à propos de cet artiste que j'aime avec cet élément particulier ? la musique. Est-ce qu'ils font vraiment bien, Qu'est-ce qu'ils font qui va ensuite dans l'ensemble plus grande image donc sorte de pousser votre compétence, le mettre pousser votre vocabulaire en faisant une sorte de phrasé qui est un peu différent de quelque chose que vous faites habituellement. 91. Modéles à l'animer standard (avec commentaire): Donc l'une des choses que je savais que je voulais faire était de mettre quelques modèles continentaux sur la vidéo pour vous les gars. C' est vraiment parce que cela vous aidera à stimuler votre esprit en ce qui concerne la façon dont vous réunissez les choses avec les tribunaux. Donc, nous avons examiné différentes façons de passer par les accords ici. Je passe par des accords de bloc dans la main droite. Et puis je bloque les accords dans la main gauche. Ceux les plus évidents à droite sur ces vraiment son assez sympa a a été reconstruit dans Donc une voix leader. Ce sont de simples triades, mais elles étaient assez simples. Et c'est la façon la plus standard d'une sorte de musique d'entreprise. Nous avons la même idée dans les deux mains, les mains gauche, les accords de bloc sur la main droite est bloqué. Les tribunaux. Maintenant, nous entrons dans le domaine des lignes de base sont juste avoir une ligne de base qui se passe au piano. Je pourrais juste être votre seul accompagnement a absolument bien. Cela aide toujours, mais vous pouvez apporter les accords de bloc dans votre main droite avec une ligne de base dans votre gauche sur. Ensuite, vous pouvez améliorer cette ligne de base en la transformant en octaves et en donnant beaucoup de poids dans le son. Ensuite, nous pouvons prendre cette forme d'accord de bloc et la transformer en une sorte de modèle intéressant de motif alternatif. La main gauche est juste des accords de bloc simples des mains droites, donnant une sorte d'intéressant parce que si rythmique maintenant ici, nous pouvons apporter des cordes supplémentaires, ce qui est un peu comme re harmonisation. Mais il suit toujours le cordon primaire des lignes de base. C' est peut-être un accord de suspension dans la droite. Maintenant. C' est un rythme intéressant. Les deux mains sont en quelque sorte connectées, très bien. C' est ce qu'on appelle le genre de rythme du club, il est utilisé de la musique pop Moment 2018. Donc, cela joue vraiment dans le pouvoir percussif du piano, où nous n'avons pas de base optée. Vous avez ce genre de répétition six, un motif sur les accords. Tu vois, je change un peu, essentiellement en train de tomber, d'essayer. Ensuite, nous avons la même chose à nouveau sur la main gauche est juste pour les petites notes de grâce, qui sorte d'aller très brièvement avant la façon dont nous avons un rythme très dans la gauche, qui est ce qui crée que vraiment intéressant que vous êtes à l'aise est quand vous mettez rythmes croisés vont à la ligne de base, en quelque sorte repoussant le rythme de la main droite, ce qui est tout à fait standard. Donc celui-ci est assez en profondeur de base, au moins rythmiquement. Quoi qu'il en soit, sur ces choses. Tout à fait obtenir quand vous les avez eu. Tu as quelque chose qui se passe et qui se passe. C' est la même chose dans la main droite, mais différents types de lignes de base dans la droite. Maintenant, nous avons une chose intéressante avec une main droite. Il y a une sorte de deux accords dans la main gauche ostinato faire chose très simple, active avec quelques notes de grâce ici et là maintenant, la main gauche fait une sorte d'accords de bloc ou un modèle alternatif, sorte que vous pouvez voir comment nous sommes en superposition tous ces options entre les deux mains ici et commencer à faire des choses qui sonne vraiment assez en profondeur. Maintenant, nous entrons dans le monde de l'éducation AARP, qui est vraiment, vraiment important pour vous d'explorer ici. Je prends juste des accords simples et des arpèges, les mange dans la main droite, et puis on apporte la main gauche. Mais il est juste de faire les notes de basse des accords n'apprécie pas encore. Bien sûr, nous ne pouvons faire la main gauche qu'avec appréciation. Waken faire les deux mains en octaves, les mêmes notes mais l'O mais l'appréciation. Congar. Au-delà de cela, nous avons maintenant les deux mains faire une chose un peu plus indépendante. Pendant qu'il se déplace vers le haut, ils se déplacent ensemble en se parlant à travers un même modèle. Ils ne jouent pas la même chose. Euh, et nous pouvons aller plus loin, bien sûr, bien sûr,en tournant le remorquage et en prenant l'idée de la main droite mélodique encore plus loin. Et puis j'ai été notre dernier exemple. On a un peu lié au jazz. C' est une marche classique basée sur la gauche et bloqué septième accords dans la note de droite que la main droite fait une sorte de Syncopation quand il joue des accords souvent pas de cour de bloc similaire à partir du premier jour, espérant que utile. Vous les gars, je vais voir dans la prochaine vidéo 92. Modéles d'animations normales (aucun commentaire): 93. Les calques et l'alignement musicaux: dans ce cours. Nous avons examiné l'idée de tension et de résolution en ce qui concerne l'harmonie et la mélodie en particulier. Mais maintenant, je veux que vous y réfléchissiez en termes de structure où l'alignement de différentes sections ou de différentes parties de votre composition crée une sorte de résolution ou de sécurité dans votre composition et le désalignement. Avait un peu plus d'intérêt intention si nous prenons la structure la plus standard dans le monde un début, milieu et fin typiquement, ce que nous pensons de définir ces sections est l'harmonie. Mais gardez à l'esprit que nous pourrions avoir différents éléments changer un point différent. Et en fait, c'est ce qui est assez intéressant dans nos compositions. Pour avoir, par exemple, la batterie change ici, la ligne de base ou la partie guitare change ici et peut-être une partie de cordes arrive juste avant la section finale. Tout cela va de pair pour créer de la profondeur mawr, intérêt pour une sorte de sentiment organique dans nos compositions qui ne se sent pas trop bloqué, comme nous l'avons composé à l'aide de copier-coller. Maintenant, nous ne voulons pas aller dans l'autre sens. Nous n'avons pas tout complètement décalé parce que parfois la composition ne se sent pas totalement connectée à elle-même et toutes les parties peuvent se sentir un peu séparées. Par exemple, si nous avions des cordons comme celui-ci définissant chacun leurs propres tambours de section qui changent de manière très différente, puis une mélodie, qui change à différents points aussi bien que vous pourriez. Je sais que c'est un exemple très simple. Ici, avez un diagramme. Je laisse la plus grande partie à votre imagination, mais vous pourriez dire que ce serait un peu floue sur un peu de promenades parce que rien ne correspond nécessairement les uns aux autres. À l'autre extrémité du spectre, nous aurions quelque chose comme ça où tout est à peu près aligné avec lui-même ou avec autre. La majorité du genre de musique populaire est écrite de cette façon, et aussi beaucoup de musique de film. Ce n'est pas une mauvaise chose du tout. La complexité n'est pas forcément ce que nous recherchons. Ce que nous cherchons est un équilibre entre tension et résolution dans ce cas, alignement et désalignement, et ce que vous pouvez faire est que vous n'avez pas nécessairement à changer la mélodie et les cordons et les grandes structures globales que vous voyez en face de vous. Ici, vous pouvez avoir des petites nuances, comme la mélodie qui arrive juste un peu après le début de la barre de la section suivante sur, puis la même chose ici. Et puis peut-être que la mélodie de la dernière section commence un peu tôt, puis vous mène à la partie principale de la section finale. Nous pourrions ajouter une sorte d'élément supplémentaire aux tambours, où c'est comme une boucle constante qui traverse la pièce, ce qui nous donne une idée centrale de la rainure tandis que les tambours en dessous libre changer et de faire beaucoup de différentes choses rythmiquement. Pour le rendre plus intéressant, nous pourrions laisser tomber des morceaux dans les cordes pour que nous ayons un moment soudain où il n'y a d' harmonie et tout tombe sous nous. C' est un élément commun. Nous pourrions également ajouter une partie Kordell plus élevée ou peut-être une note de pédale dans la dernière section, et nous pourrions peut-être repousser cela plus loin afin que cela couvre les moments où nous avons laissé tomber les cordons. Aussi, avant la dernière section, nous pourrions laisser tomber certains tambours, donc il y a un écart encore plus grand. Nous pourrions faire la même chose avant la deuxième section donc il n'y a plus rien là-bas et il y a plus d'un saut dans la deuxième section. Nous pourrions ajouter encore plus de tambours en dessous et quelque chose qui bouge le sentiment que nous sommes dans 44 Pour la majorité de la paix, nous pourrions avoir une partie de tambour qui a ce sens de 34 qui se passe dessus, et nous pourrions appliquer que tout au long des articles. À la fin de cette composition, nous pourrions ajouter quelque chose comme une contre-mélodie, qui était que semble aligné dans ce diagramme ici pourrait très bien ne pas être aligné avec la mélodie originale elle-même. Et puis enfin, si je les cordes étaient très standard étaient juste juste changer chaque barre. Vous pourriez mélanger ce rythme et rendre le rythme harmonique très différent. Toutes ces choses vont ensemble pour faire quelque chose qui était très aligné au début quelque chose qui est beaucoup plus intéressant avec beaucoup plus de chevauchements sur, peut-être un peu de désalignement dans les endroits. Alors que vous continuez à écrire vos compositions, je vous invite vraiment à penser à toutes les parties de votre composition, comme je l'ai dessiné ici en couches et à vous demander, Est-ce que je veux que ces couches orent une ligne ou manquent une ligne, et comment puis-je qu'ils interagissent et se soutiennent mutuellement ? 94. Exemple d'alignement musical: Donc, pour illustrer cette idée d'éviter l'alignement des couches, nous allons prendre une piste assez simple qui a été entendue au début de ce cours à partir de nos exercices de mains errantes et ensuite aussi une sorte de réharmonisation dans deux clés différentes . Cette piste, quand je joueur vous remarquerez, a un rythme harmonique assez simple. En fait, incroyablement simple. On change chaque barre de façon standard. Écoutons encore une fois pour nous rappeler et vous obtenez l'idée. Donc nous allons faire maintenant est que je vais entrer et recomposer ceci avec cette idée à l'esprit de m' assurer que les couches sont un peu plus intéressantes. Et ne vous alignez pas tout le temps. Et rappelez-vous que ces couches peuvent être n'importe quoi dans votre piste. Ils pourraient être absolument n'importe quoi. Ne vous limitez pas à penser, c' est juste l'harmonie ou juste la batterie ou juste la mélodie. Il y a tellement d'autres éléments qui peuvent entrer comme je l'espère vous le verrez dans les dernières parties de cette vidéo. Donc, la première étape a été d'aborder réellement les tambours, qui ont vraiment, vraiment, contribué au genre de sentiment statique, direct. Donc nous sommes partis de ce qu'il était avant, qui est juste ce précepte de la logique. Et j'ai ajouté dans ma propre chose qui n'a pas correctement intitulé. Je vais juste l'appeler batterie pour le moment, ce qui lui donne, j'espère un peu plus hors du rythme. Laissez-nous écouter ceux sur leur propre, et pour le moment, si nous l'écoutons, c'est toute la piste. Cela n'ajoute pas beaucoup, mais j'espère qu'une fois que nous commencerons à jouer avec les autres éléments à voir avec l'alignement et le décalage, cela fera vraiment une différence. Je suis donc allé de l'avant et j'ai changé la ligne de base parce que c'était un coupable majeur en rendant tout assez statique. Même si la base n'est pas souvent consciemment blessée par vos auditeurs, elle est très inconsciemment entendue, et c'est sous tout, ce qui rend tout genre de cadrer beaucoup. Donc, si vous avez une ligne de basse très répétitive frappant les notes de route sur le premier temps de la barre, vous obtenez une sorte de sentiment ennuyeux. J' ai donc ajouté un peu de Syncopation et je me suis assuré que mes notes de basse et pas seulement prendre des notes de racine , mais aussi impliquer des inversions. En plus de cela, j'ai aussi réécrit la guitare, qui au lieu de suivre le sixième modèle que nous avons regardé avec le piano, qui sonne comme ça. Ce que j'ai fait était une chose complètement différente, qui a une sorte d'ouverture syncopée là où elle entre, pas sur la première. Battre la barre et il semble que cela se répète maintenant. Et quand on arrive au choeur, j' ai évidemment écrit une nouvelle partie de basse ici. Gardé tout le reste de la même façon puis changer la guitare. Ce genre de ligne à rouler dans la guitare contrebalancera le rythme. Vous pouvez voir ce genre de parfois nous apprenons sur un, et la plupart du temps nous ne sommes pas sur les notes de tête, donc cela donne un phrasé différent sur le dessus. Donc, il y a ce joli motif d'interférence. Enfin, j'ai ajouté dans deux nouveaux instruments faisaient, ce qui fait beaucoup la même chose que les guitares ici. Ou plutôt, celui-ci fait beaucoup la même chose des guitares et qu'il est en quelque sorte de jouer des choses légèrement syncopées en arrière-plan pour compenser le sentiment 44. Alors écoutons ça alors nous avons cette nouvelle partie pour ajouter un autre élément du rythme pour ce pari chorus, parce que nous avons changé la partie guitare, nous voulons autre chose dans, et c'est aussi une sorte de nouveau morceau de matériau rythmique. J' espère donc que cela vous a été utile, vous donnant un petit sens sur la façon de décaler les couches. Ce n'est pas nécessairement que ces régions font des choses comme ce genre d' enrouler les unes les autres et de compenser comme ça. Il est plus que le phrasé et vous êtes hors battu nous et genre des petites nuances de vos pièces sorte de compenser le sentiment 123412 qui pourrait être très, très présent dans vos étapes de planification de la composition sur Une fois que vous passez que les étapes de planification de composition, ce que vous voulez faire, vous voulez sorte d'abstrait. Vous écrivez à partir de ce moment dans quelque chose qui est beaucoup plus stylistique et intéressant pour l'oreille. 95. La Bible d'ordre dégradé: Donc, au cas où vous ne l'auriez pas déjà remarqué, je suis obsédé de vous faciliter les choses dans le processus de composition. Donc deux choses que je vais vous donner dans le coin de l'écran en ce moment ressource est de télécharger sont fondamentalement une sorte de cordon comme une Bible, fondamentalement hors sorte de progressions d'accords différentes, pas comme comment créer donot septième et des trucs comme ça. C' est le plus tard ou plus tôt dans le cours dont je me souviens à ce stade. C' est une sorte de progressions d'accords les plus standard disposées dans une sorte de grille. Fondamentalement, vous pourriez juste avoir comme référence, ce genre d'avoir une version préliminaire ici, que je vais en quelque sorte rendre beaucoup plus propre pour le cours, que vous pouvez télécharger. Cela, combiné avec un résumé de notre standard, un des modèles gratuits ainsi. Vous avez deux choses pour être en mesure de vous asseoir et de faire un peu d'élan de créativité avec stop. cause de ce que j'ai fait ici, c'est parce que c'est à propos de ce que vous allez pouvoir faire avec les modèles simples et les développer. Donc, par exemple, vous auriez sur le côté droit du côté gauche, un d'eux et vous diriez, genre, genre, progressions standard sur la droite et vous trouverez quand vous êtes comme OK, très bien. Alors je vais choisir le 564 Alors regardons ça. D' accord. Droit. J' aime bien celui-là. Alors regardons par ici. Donc mes voix tout mon genre de modèles continentaux. Eh bien, faisons le bloc alternatif un. Alors qu'est-ce qui va bien ? D' accord. Qu' en est-il de la main droite éduquée. D' accord. Donc façon de faire tout ça comme le rythme du club pop. N' aie pas peur. Aussi jeter ins des infrastructures et d'autres choses et des choses comme ça s Donc c'est toutes ces choses. Ensuite, vous pouvez commencer à combiner plusieurs. Super. Ok, très bien. J' ai écrit mes verbes . C' est quoi une autre progression d'accords ? Regardons par ici. Voyons ce qui fonctionne d'autre dans la clé ou l'échelle dans laquelle je suis en fait. Essayons 1364 Donc on y va un. Donc tu as peut-être qu'ils sont mis Klopp tailler un rythme de club pop intrigue dans le premier bit, et puis tu vas au choeur et tu es comme, sur. Ensuite, vous pouvez ajouter dans votre genre d'entreprise de suspension que vous pouvez ajouter dans la cause passante que nous n'entendons pas servir toute une série de choses. Donc, fondamentalement pas seulement avec ces choses ici le genre d'accord Bible et ensuite la norme des modèles de complimentation. Ce que j'aimerais que vous fassiez, c'est juste faire défiler la structure de ce cours ou regarder l'index de ce cours, que vous avez au début. Mais vous pouvez télécharger un pdf sur Andi, penser à tous les éléments que nous avons couverts et peut-être même les lister pour vous-même afin que vous puissiez penser à tous ces composants modulaires que vous pouvez ensuite avoir devant vous et aller. C' est mon ensemble d'outils. C' est comme ça que je compose. Je pense à tous ces éléments et je fais des choses avec eux plutôt que de m'asseoir à votre tour et d' aller, vous savez, et c'est juste la façon la plus douloureuse de composer beaucoup de temps. Ce que vous devez faire, c'est penser à vos compétences et à toutes les différentes composantes. Alors, téléchargez la Bible de base et aussi la référence rapide pour les modèles fondamentaux . Amusez-vous et pensez à votre composition. Est-ce que ce système modulaire vous permet de vous amuser ? 96. Quelles sont les niveaux avec les accords ?: Donc, dans cette section du cours, nous allons examiner les couleurs mélodiques et harmoniques avancées. Les choses qui commencent vraiment, vraiment à ajouter un peu d'intérêt réel. Mais vous pouvez composer avec tout ce que nous avons fait jusqu'à présent. Vous n'avez pas nécessairement besoin de ce chapitre. C' est juste une sorte de ou d'intérêt et de clarification. En parlant de clarification, répondons à une question qui est souvent posée par les compositeurs et tous ceux qui essaient de comprendre un peu plus la théorie, qui est quelles échelles vont avec quels accords. Maintenant, nous sommes sortis un peu, et je suis sûr que vous avez ce que vous avez appris maintenant sur les principaux composants mineurs. Mais qu'en est-il juste à partir de zéro ? Si vous avez ce que vous essayez de penser, quelle échelle pourrait aller avec ça ? Eh bien, nous allons entrer dans des choses comme ça dans ce chapitre dans les différentes options que vous avez. Mais la chose la plus simple que je veux introduire est cette idée ou tonifie passé cordon tourne. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Donc, si on prend une cour comme, prenons un do majeur, utilisons les structures supérieures. Prenons un accord en do majeur 7 jouait que nous savons déjà que nous avons ces tours de cœur , non ? Mais je veux présenter cette idée, qui est un ton au-dessus d'un tribunal. Ce sont donc les notes supplémentaires que vous ajoutez. Donc nous jouons la première cour allumée. On monte d'un ton, on utilise celui-là. Quand nous arriverons à la cour suivante, allume-toi. On a un ton. De cette façon. Allez à la cour suivante, on y va en même temps. A partir de maintenant, nous arrivons à la cour finale à sa manière. Pas besoin de sortir un tribunal d'une fois à partir de ça parce que dans le dos à la racine. Donc, cela nous donne l'échelle de sur ce sont vraiment, vraiment bonnes notes pour travailler avec. Si nous avons fait cela, disons,en disons, ré majeur et cela, je préfère en fait de la grande échelle parce que la grande échelle a ceci. Non, je n'aime pas vraiment ça. Donc, si vous pensez à des tours de cour de la triade ici et puis à monter les tonalités de chacun de cela, vous obtenez cette très belle échelle qui s'appelle une échelle lydienne. Mais ne vous inquiétez pas de ce que cela signifie pour l'instant. Nous reviendrons sur les modes plus tard dans le parcours, regardons un accord mineur maintenant C mineur moins sept. Cela fonctionnera merveilleusement exactement la même chose. Même si nous sommes dans un style complètement différent de la cour Mineure. C' est ce que l'on appelle les virages. Ce que tu fais, c'est que tu joues ça et que tu joues ce tour de cour , tu vas à ce tribunal, tu gagnes le ton que tu as obtenu à ce quartier et puis on est de retour. Donc, cela fonctionne exactement de la même manière. Et tu comprends ça. Vous obtenez ce joli son Dorian, qui est un type de mode couvrira plus tard dans le cours. Mais vous avez créé ce genre d'échelle de jazz complexe juste à partir de tours de cour pensant plus un ton au-dessus de chacun. Plantons-le ailleurs qui fournissent que sur f mineur pointu et faisons-le sur l'appartement Mineur Vraiment, vraiment utile. Donc c'est une sorte d'introduction au major et au mineur. Il travaille également sur d'autres tribunaux. Tu dois expérimenter un peu, et je n'y vais pas maintenant parce que nous serons trop coincés dessus. Mais ce principe va vraiment, vraiment aller loin dans beaucoup de vos cordes. Et dans les prochains chapitres ou vidéos, ce que nous allons examiner, c'est un certain nombre d'échelles exotiques qui vont avec les cordes de vos compositions. 97. La échelle Blues: Donc, nous avons déjà regardé les échelles pentatoniques, qui créent des mélodies pleines vraiment pleines d'âme que très, très difficile de ne pas écrire une bonne mélodie avec, si cela a du sens, sorte que l'échelle bleue est basée sur le pentatonique mineur. Alors rappelons-nous, prenez une cire pentatonique mineure. Commençons par D. On a un tiers mineur sur ton sur ton. Attention que c'est la structure de l'échelle pentatonique que nous avons faite jusqu'à présent. Maintenant, la façon dont ce genre d'origine est vraiment l'échelle bleue, on pourrait dire que c'est une définition très classique de l'école, mais j'aime que ça n'a pas de sens. C' est, vous savez, les gens chantaient ça et ensuite ils se penchaient sur ça. Pas de tout gâcher. Je ne chanterai pas pour ton genre de santé mentale, parce que je ne suis pas la meilleure chose. Si vous imaginez vous pencher à travers ces notes là-bas, vous frappez celui-ci, qui est notre cinq plat pointu. Et c'est la note bleue à l'intérieur de l'échelle bleue. Donc c'est un pentatonique mineur avec une note bleue, qui est votre magasin. C' est tout en ré mineur. Nous allons enfin e mineur et c'est vraiment, vraiment bon comme une échelle pour incorporer cela à l'intérieur de votre cour. Donc, au lieu de simplement faire un rappel, vous pouvez aller sur ces notes bleues à l'intérieur de ces échelles. accords Slash créent vraiment un joli crunchiness. Donc c'est l'échelle bleue. Une des choses que vous pouvez faire à la fin est due à un demi-ton juste en dessous de la route. Laisse-moi te montrer cette version. voit dans la prochaine vidéo. 98. Échelle harmonique et mélodique: Donc, nous avons déjà regardé l'échelle mineure naturelle, qui est en quelque sorte dérivée de l'Est squelettique majeur. C' est comme ça que nous nous sommes approchés. C' est une certaine couleur. Ça donne une certaine couleur, mais il y a une autre fille moins. En fait, il y a des échelles de quelques mois, mais celle que nous allons regarder en ce moment, c'est les échelles mineures harmoniques, puis la Moscou mélodique, aussi. Ainsi, l'échelle harmonique mineure adapte seulement une des notes de l'échelle mineure naturelle pour donner une sorte de beaucoup d'attention et d'intérêt pour son son son qui peut créer des couleurs vraiment intéressantes . Alors regardons le piano, on prend un e mineur, qui est le mineur relatif du G. Major. Nous avons trouvé cela avant sur nous juste jouer la balance pour nous rappeler comment cela fonctionne façon Prenez le septième No. 1234567 Et au lieu de jouer ce que nous savons, nous l'élevons d'un demi-temps. On a une échelle de sons comme ça. Je pense que c'est une très belle qualité, en fait, parce qu'au lieu de juste l'échelle étant tous les tours et demi-dizaines. Vous avez ce petit petit petit troisième en haut entre ce C et ça. La boutique est un tiers mineur, et c'était un son vraiment intéressant. Non, particulièrement Western à certains égards, mais on l'utilise, donc c' est les échelles mineures harmoniques. L' approvisionnement dans une mine est un mineur naturel. Trouver la septième note, qui serait G élevé par sept, pesé en ré mineur chemin trouvé La Septième Nuit, qui est C élevé par un demi-ton. Jetons un coup d'oeil à la mineure mélodique maintenant. Maintenant, la Mineure Mélodique est une sorte d'étrange parce que c'est une échelle qui est différente sur le chemin de la montée comme sur le chemin de la descente. Essayons ça maintenant en mi mineur. C' est le mineur naturel. Nous prenons note du numéro six, une note numéro sept, et nous les avons soulevés tous les deux en demi-temps. Comment obtenir ce son, mais tout le chemin vers le bas, nous les remettons au naturel pour expérimenter ces deux échelles mineures, et je vous verrai à Expedia 99. L'échelle Omnibus: Donc, tous ces chapitres ont vraiment été sur l'extension de votre palette de couleurs sur une chose qui va absolument, massivement et énormément étendre votre palette de couleurs est plonger dans l'échelle. Omnibus de Francesco Bolena. C' est un guide incroyable et étonnant et un orteil de ressources à portée de main pour explorer différentes échelles. Et si nous y plongons maintenant, si je fais défiler un peu vers le bas, vous verrez qu'il y a tellement d'échelles, chacune avec son propre caractère et son sentiment unique. Je vais passer par trois d'entre eux que vous voyez ici en premier. Commençons par le Lydien augmenté. Donc, quand vous ouvrez chaque page d'entrée en haut, nous avons la portée, qui vous montre comment elle est écrite en musique. Si vous ne lisez pas de musique, ne vous inquiétez pas trop. Vous pouvez penser aux chiffres que nous avons ici. Route majeure 2e 3e tir pour tir cinq. Ou nous pouvons regarder en bas et nous pouvons regarder les intervalles. Donc, nous avons l'intervalle entre la première note dans la seconde comme deux demi-tons, puis deux plus de deux plus de deux plus d'un. Puis deux puis un, et vous pouvez penser un peu aux cordons qui fonctionneraient bien en dessous. Ces air de ce genre de vous amener ici et ils sont liés à ça quand il est exprimé dans The Root de la CIA et en dessous que vous voyez toutes ces différentes échelles. Fondamentalement, c'est cette structure, mais en commençant une à chaque note de l'échelle critique. Ici, c'est la balance lydienne, ou louée, à partir de C. Ensuite, c'est sur D Flat, puis D et E appartement. Donc, ça obtient une très belle couleur. Écoutons. Ensuite, nous avons celui-là, que je ne sais pas vraiment prononcer. Mais c'est un rocker, donc vraiment, qualité vraiment intéressante ici. Nous avons une sorte de secondes mineures qui se passent, puis un troisième esprit et ensuite se tourne pour vraiment, vraiment, vraiment créer un très beau son. Ce n'est certainement pas Western sur beaucoup de ces échelles de grands personnages incroyablement différents avec si quelque chose qui est assez rapide et excitant ou quelque chose qui est beaucoup plus atmosphérique, ils se prêtent à beaucoup de et notre dernier exemple serait le mineur gitan. Alors allez-y avec l'échelle sur nous. Une ressource gratuite, que vous pouvez trouver en Googling it ou aller à Saks a pd un point com sur beaucoup de remerciements à Francesco Molina pour avoir créé ce gratuitement pour tout le monde. 100. Pentatonique avec deux pairies: Si tu es comme moi et que tu aimes vraiment la balance pentatonique, tu vas adorer le Pentatonix jumelé, mais c'est un peu difficile de te faire envelopper la tête. Donc on va aller dans une présentation, puis au piano, j'espère vous aider à maîtriser ce très beau son. Regardons d'abord les paires pentatoniques majeures. Nous savons que si nous prenons une échelle majeure et que nous filtrons les notes 1235 et 6, cela nous donne l'échelle pentatonique majeure et nous disons évidemment qu'une échelle pentatonique en C majeur fonctionnerait sur la clé de C. Parlons des paires supérieures. Maintenant, si nous retournons au cercle des cinquièmes que vous connaissez, nous pouvons commencer en mer, notre corde ou la clé sur laquelle nous sommes actuellement et monter cinq notes ne nous amène pas à G. Donc ce que nous pouvons faire alors est de jouer l'échelle pentatonique en G majeur qui fonctionnera sur accord ou la clé en do majeur. Et c'est à ça que ça ressemble. Théoriquement, continuons. Une autre cinquième de ce G 12345 nous amène à D. On peut jouer l'échelle pentatonique en ré majeur qui fonctionnera aussi sur C. Major, et c'est à ça que ça ressemble. Théoriquement. Ensuite, nous pouvons monter un autre cinquième sur ce texte. R. Donc, le pentatonique majeur fonctionne également sur la clé de cour en C majeur plus loin, moins que et les choses commencent à sembler un peu bizarre. Alors on va s'arrêter maintenant et les regarder tous ensemble. C' est à ça qu'ils ressemblent côte à côte. Mais si nous prenons la première colonne ici et que nous alignons toutes les notes ou plutôt toutes les mers ensemble dans cette colonne, ça ressemblait à ceci. Vous voyez qu'il y a beaucoup de notes qui se chevauchent. En d'autres termes, il y a beaucoup de notes partagées entre les clés. Voici une section partagée. Les DEA de ces clés sont partagées. Puis tous ces easa ont partagé ces pointes F les G tous ces jours et ensuite ces abeilles ici, donc les clés ont beaucoup de similitudes avec elles. C' est pourquoi, lorsque vous jouez, disons, l'échelle pentatonique en sol majeur sur une cour de do majeur ou l'échelle pentatonique en ré majeur sur ce même accord en do majeur, il y a beaucoup d'affinité avec cette échelle ou la clé de la maison de C Major, et pourtant il lui donne un son différent dans une saveur différente. Regardons maintenant le mineur Pentatonix, et nous allons commencer par un pentatonique mineur. Revenons au cercle des Quinze et a commencé un ici. Nous montons quatre notes cette fois, pas 1/5 de quatrième qui nous amène à D, et vous pouvez aussi penser à cela va Andy dans le sens des aiguilles d'une montre autour du cercle des cinquièmes. Par exemple, si nous prenons ceci ici et nous g o pas dans le sens des aiguilles d'une montre, cela nous amène à D afin que nous puissions jouer l'échelle pentatonique D. Mais voici où ça devient un peu intéressant et légèrement déroutant. Je crains qu'on ait la clé d'un mineur ou une clé centrale pentatonique mineure. Quand on joue le D pentatonique au-dessus de ça, une petite clé centrale. C' est un ré majeur pentatonique, donc le ré majeur pentatonique fonctionne aussi sur l'accord mineur de la A, ou la clé. Sachez vraiment que c'est la forme majeure sur le mineur qui fonctionne. C' est à ça que ça ressemble. Théoriquement, continuons. Si on monte 1/4 de profondeur dans le sens inverse des aiguilles d'une montre autour du cercle des cinquièmes qui nous donne le G. Et si on joue le G majeur pentatonique sur l'accord mineur, ça marchera aussi bien. C' est à ça que ça ressemble, théoriquement. Enfin, si nous remontons un autre à partir de G, cela nous amènerait à voir. Et si on joue le C majeur pentatonique sur l'accord mineur, ça marchera. C' est à ça qu'ils ressemblent tous côte à côte. Maintenant, cela a été un peu complexe. Je sais que tu auras peut-être besoin de regarder cette vidéo à nouveau, mais regardons le piano maintenant. Jetons un coup d'oeil à ce piano. Prenons l'échelle de cou de crayon en F majeur Donc, on monte 1/5 pour voir, puis on joue l'échelle pentatonique en C. majeur. 1/5 de C serait alors le G. Alors faisons celui-là. Alors remontons à partir de celui-là. Quel B. D. C'est là que ça commence à sonner un peu plus là-bas. C' est à peu près autant que je peux aller avant de commencer à remarquer vraiment un genre de vrai C'est comme dissonance. Alors allons à celui-ci. Parfois, ça marche, cependant, si vous avez un bon phrasé, est-ce pas ? Et allons-y un de plus juste pour le bien de ce tutoriel jusqu'à 1/5 d'un T o d. Sur Cela soulève travailler trop loin, mais nous revenons au début. Nous avons ce son pentatonique, qui est de façon peut appliquer cela avec au moins trois types d'extension. Alors faisons ça maintenant. - C'est vraiment, vraiment des couleurs intéressantes qui viennent là-dedans avec nos principaux cous de crayon. Regardons le mineur maintenant. Ondas. C' est un peu différent celui-là. Faisons-le à l'échelle pentatonique démon si ré mineur. Allons ensuite jusqu'à 1/4 nous amène à G et maintenant jouer à l'échelle pentatonique majeure. Celui-ci est légèrement différent. Si vous vous souvenez, vous pouvez déplacer ça entre les deux échelles, je pensais en quelque sorte g et ensuite, euh, bouger entre les deux aussi bien. Et la moitié de cela est en fait pour votre cerveau de penser à des choses plutôt que nécessairement quelque chose qui sera directement entendu immédiatement et évident dirigé par l'auditeur. Donc une fois que nous aurons terminé la quatrième semaine d'un autre quatrième et que nous jouons cette échelle pentatonique majeure , donc il sera vu sur un quatrième BF de plus sur un quart de plus serait et c'est là que les choses commencent. Ils vont descendre un peu, comme on l'a trouvé avec la plus grande compétence là-bas. Si nous sortons un de plus, ce serait à plat si nous jouons ce son des yeux. Nous avons donc un peu trop étendu cette règle. Mais comme vous le voyez avec la paire Pentatonix, vous pouvez continuer à profiter de l'échelle pentatonique dans le sentiment qu'elle donne avec des couleurs supplémentaires sans devenir monotone sur un seul accord. 101. Modes: vous êtes assez habitué à l'idée maintenant de prendre une grande échelle et de descendre vers le mineur relatif . Donc aller au sixième degré de l'échelle et jouer ça comme la racine ? Non. Mais que se passe-t-il si nous choisissions d'autres notes de l'échelle et les traitons comme nos notes de route ? Que se passerait-il alors ? Eh bien, c'est ce que sont les modes. Zoom arrière un peu et prenons une échelle majeure qui dépasse l'octave. Nous avons donc la première octave de la grande échelle, puis nous continuons à la plus grande échelle . Gardions qu'ils sont allumés. Ce que je vais faire, c'est dessiner une duplication de cette même échelle majeure en jaune. Vous voyez qu'avec une ou la première note de l'échelle ont été alignés sur les deux et les trois etcetera, etcetera Gardez un oeil sur les deux car lorsque nous créons des modes, ceux-ci ne s'aligneront plus. Le premier mode de la grande échelle I La grande échelle est appelée ionienne. Essayez de garder cela à l'esprit que chaque fois que je dis que je ne signifie que dans cela signifie l'échelle majeure. Mais que se passe-t-il si nous bougeons tout vers le haut et que nous commençons au deuxième degré de l'échelle majeure et que nous traitons cela comme notre note racine. Maintenant, nous avons celui de cette nouvelle échelle, alignant avec les deux dans l'échelle principale originale, la structure des demi-tons et des tons. Est-ce toujours la même chose que la grande échelle ? Mais on commence à un autre point. C' est ce qu'on appelle un mode, et celui-ci s'appelle Dorian. Continuons et regardons les autres. Si on le remonte, on obtient le frigo Ian Mode, qui commence au troisième degré de la grande échelle. Le mode lydien, qui commence au quatrième degré du mix majeur, a mené en Alien. Et il convient de rappeler qu'Alien est exactement le même que le moins Cal parce que c'est le sixième degré de l'échelle, la grande échelle. Si nous revenons à cette image ici, nous avons C ici, et si nous descendons à sept et ensuite à six, nous arrivons à A qui est notre mineur relatif, autrement connu sous le nom de zone. Le dernier, c'est La Crean, et ça commence au septième degré de l'échelle, et nous allons les jouer au piano dans une seconde pour que vous puissiez en avoir un peu plus pratique . L' autre chose à retenir lorsque vous jouez avec ces modes est que les modes acteurs, les touches ainsi que les échelles afin que vous puissiez jouer des accords sur eux et faire à peu près tout ce que vous avez fait avec des échelles majeures ou mineures précédemment. Donc, par exemple, si nous avons pris l'échelle lydienne et que nous jouions Accord sur le degré 1, nous pourrions aussi jouer un au degré 23, etcetera. Et ça marchera. Ils sonneront différents de l'échelle principale, mais ils fonctionneront dans la même fonction. Alors regardons ces modes maintenant au piano. Traitons notre Ionien comme F. Donc nous avons notre échelle principale est celle que je possède. Allons à notre deuxième degré, cette fille, qui nous donnera notre Dorian. On commence par le traitement G qui va bien, donc c'est G Dorian. Nous l'avons vu avant, mais jamais aussi clairement que nous l'expliquons. Maintenant, faisons ça quand notre syndicat est maintenant G majeur ou G, je dois dire vraiment pensé que c'est G I. Anya, allons au deuxième degré de cette échelle et traité est la chambre. L' une des choses que vous devriez expérimenter avec ces modes est en fait de traiter. La composition entière est basée dans un mode ou la gravité est dans un mode. Donc ici on pourrait dire ça appelé un. C' est ce qu'on appelle 234567 Donc nous allons en quelque sorte que la progression des accords ils sont 1414 est la même que la paix du monde fou que nous avons regardé jusqu'à présent. Mais dans une échelle mineure normale, vous n'en auriez pas attrapé un et appelé à être ces tribunaux attrapés un et le tribunal pour serait toujours mineur si cela a du sens. Donc, l'ensemble de la chose vraiment puissante sur le mode est qu'il crée cette structure différente et un centre de gravité différent qu'il est très différent de l'autre Ionien ou l'extraterrestre. Donc, Dorian, passons à Freedy dans lequel est construit sur le troisième degré de l'échelle de retour dans le chemin au degré Freedia. Écoutons que, euh, euh, cette échelle frigid a une qualité vraiment intéressante, et chacun d'eux a son propre caractère. Celui-ci est créé à partir de cette note racine à la seconde, qui est un cimetière sur avoir ce si près de notre centre de gravité nous donne beaucoup d' attention un peu comme quand nous avons fait l'échelle harmonique mineure. Ce demi-ton juste à la fin lui donne beaucoup d'attention. Ce temps est maintenant juste au début de celui-ci Vraiment, vraiment intéressant son que passer, nous sommes sur le quatrième degré de l'échelle ou autrement connu sous le nom de Lydian, et c'est l'un de mes préférés. Ce que j'aime dans celui-ci, c'est qu'il a un son majeur. Quatrième degré 123 est un orgue aéré quatre très, très flottant son. Il est souvent utilisé par les compositeurs de téléphone dans une sorte d'état semblable à celui d'un autre monde, onirique utilisé par Thomas Newman en Amérique. Vraiment, vraiment belle. Aller rapidement, Allons au mélangeur Lydian. Ceci est souvent utilisé comme une échelle bleue parce que nous avons obtenu ce très bien se trouve avec le septième accord dominant. Alors commençons Major, probablement jouer autour du chemin. Commencez au cinquième degré. 12345 Quand nous arrivons à travers la même échelle façon ont est notre 7e 1 à 7 est un moins sept maintenant, donc nous avons une qualité majeure du fond, un moins sept qualité au sommet, ce qui nous donne un sentiment dominant. C' est un mélange d'échelle lydienne. Ensuite, nous arrivons à notre vraiment sont seulement à l'échelle, que nous savons déjà. On fait ça depuis longtemps. C' est essentiellement quand, dès le début de ce cours quand j'ai dit descendre à des notes dans l'échelle. Nous n'avons pas appelé ça comme mode, mais c'est exactement ce que nous faisons. Nous jouons un mode hors du major, c'est essentiellement les élèves de sixième année, Carol, mais je l'ai expliqué en premier au début en descendant vers De alien ou autrement connu sous votre mineur naturel. C' est ce que vous avez fait dans un Finalement, nous arrivons au septième degré de l'échelle, qui est le lot coréen, et il a un son très tendu, diminué. Donc, il y a un tous les modes là pour vous de jouer et de vous amuser avec cela dans vos compositions, traiter ces modes comme en fait de nouveaux centres de gravité où vous traitez la racine de ce mode comme appelé un et pensez sur la façon dont cela affecte vos accords au sein d'une clé. Diatonic Lee parlant, et je te verrai dans la prochaine vidéo. 102. Introduction aux relations avec les accords: ce qu'on appelle les relations sont des choses super puissantes. Quand il s'agit d'harmonie, ils peuvent vous donner une saveur qui n'est vraiment pas nécessairement présente dans vos échelles mineures majeures standard . Il vous pousse à l'extérieur d'une clé de manière à vraiment, vraiment créer un personnage. Jetons un coup d'oeil à eux. Ceci est particulièrement utile pour les compositeurs de films parce que vous créez en quelque sorte les sons que vous avez entendus plusieurs fois auparavant dans des films comme ces tropes utilisés par les compositeurs de films. Commençons par un simple ici, Prenons une grande cour. Voir Major à droite. Déplaçons le haut d'un demi-orteil maintenant. Cette relation entre ces deux tribunaux n'existe pas à l'intérieur d'une échelle majeure d'une échelle mineure. Mais ça crée un certain son que tu sais, a peut-être une sorte de, euh, comme, je ne sais pas, une sensation de désert chaud. C' est ce qui me vient. Oh, je suppose qu'il est beaucoup utilisé en espagnol. Tu prends cette seule chose, ce son vraiment puissant. Donc, la relation entre ces deux hommes a enregistré grand tribunal, suivi d'un autre accord majeur, et ils sont un demi-ton à part. C' est donc la relation du cordon et décrivez-la par trois parties, l'espace du cordon entre eux et la direction dans laquelle vous vous déplacez, auquel cas c'était ici et dans la cour finale. Regardons un autre, qui est à la fois des accords majeurs de chaque côté et un ton entre les deux. Donc, nous avons ce même semble une façon que le son est assez lumineux parce que vous n' obtenez pas souvent cela dans les échelles. Continuez à continuer cette relation. C' est un son très, très lumineux. C' est assez difficile à utiliser parfois sans sembler un peu étrange. J' ai entendu au début des livres audio et des trucs qui sont super froissés, mais vous pouvez le faire fonctionner correctement, et nous le verrons dans une minute. En fait, en eux, comme Howard Shore, une pièce célèbre que vous connaîtrez. Probablement oui. Mais c'est utilisé. Ce n'est pas forcément utilisé pour filmer de la musique comme il y a une transcription de Jacob Collier, qui a commencé il y a un moment, qui va , comme, peu de jazzy. Ça pousse les choses et tu bouges en dehors de la clé, donc c'est le ton. Essayons un tryto, qui est un magasin pour un intervalle plat cinq. Tu te souviens de ces intervalles entre ces tribunaux ? Disons que ça semblait le même. C accord majeur sur un essai. Se détourner serait ce magasin. Donc nous jouons au major de coin major. Essayons encore ça. Très, très puissant film ce genre de chose que vous avez entendu, comme ajouter beaucoup et beaucoup d'intérêt Intention. Donc, si vous avez vos cordons en dessous pour faire ça, ça ça crée vraiment un grand personnage. Essayons celui-là. Donc c'est le fameux. Donc, si nous jouons aux tribunaux majeurs, qui sont à un tiers mineur, donc c'est un tiers mineur au-dessus de la mer, obtenez un son que vous avez probablement entendu avant. Le meilleur des anneaux. Comment ça court alors que les trois Final Cause là sont en train de monter à tour de rôle, est-ce pas ? Donc nous avons des relations judiciaires en cours, et nous avons cette relation avec le major. Ils sont tous des accords si audacieux, non ? C' est un tiers mineur à part, ces deux médicaments et ensuite on remonte le sentiment qu'on a il y a une seconde. Donc, il y avait une règle de grande cour, non ? Mais vous pouvez ensuite le faire avec des tribunaux mineurs, inexact, caractère différent. Prenons donc, par exemple, un tribunal mineur, suivi d'un autre accord mineur qui est mineur, troisième à part. Alors commençons par le do mineur. Alors on va aller à l'appartement E, faire cet accord mineur. C' est vraiment un sentiment étrange. Et Harry Culture utilise beaucoup d'école pour ça. Alors pourquoi ne pas essayer de monter un tiers majeur de ça ? Donc nous avons deux accords mineurs, mais ils sont un majeur pour les parties qui font au-dessus de la mer est E. Donc nous faisons que cela est souvent utilisé eux. Un peu comme, oui, je pense à Scooby Doo et j'écoute ça, ce genre de marcher jusqu'à la maison hantée ou de sentir oui, je pense à Scooby Doo et j'écoute ça, cegenre de marcher jusqu'à la maison hantée ou de sentir les clichés dont je parle ici. Mais en fait, vous pouvez bien l'utiliser, non ? Et je fais des bouffées de trucs, donc ça semble drôle, mais fondamentalement ces cordes peuvent créer une énorme quantité de caractère dans les compositions. Et, bien sûr, ils n'ont pas nécessairement besoin de l'être, Comme je l'ai dit dans le genre filmique, c'est exactement ce à quoi je dois l'associer parce que vous essayez délibérément de créer une musique défaillante et cinématographique. Vous pouvez l'utiliser, par exemple, dans neo soul, non ? Vous pourriez être comme, ooh, c'est une seconde droite mineure ou une sérieuse demi-tonalité pour les tribunaux, déplaçant un 7 10 d'écart qui utilise l'avocat jazz. Ou tu pourrais dire, accord, on va faire la même idée. Mais un tiers mineur allant comme ça était une partie mineure entre le 1er 2/4 puis a gagné t o. Et vous pouvez juste continuer à monter à tour de rôle que c'était des accords mineurs en termes, des tonnes de caractères de sons ici et combinés avec des intervalles. Comme nous le verrons dans une vidéo ultérieure, il peut créer une harmonie et une mélodie vraiment intéressantes pour créer de belles compositions pour jouer avec les relations de cour dans vos compositions. 103. Relation d'accords et tâches Arpeggiation: vous avez donc beaucoup de compétences. Prenons quelque chose qu'on a fait il y a un moment. C' était l'appréciation et le combiner avec les relations judiciaires. Alors prenez quelques tribunaux, déplacez-les à des endroits différents via ces relations judiciaires. Dites, par exemple, nous prenons des accords majeurs de bouger, les déplacer dans un atelier de tiers mineurs et ensuite dire, Si nous voulions monter comme un ton alors vous n'avez pas à utiliser celui appelé relation tout le temps. Vous pourriez alors réaliser que vous voulez utiliser ce ton. Les relations utilisaient deux types de relations sur tous les accords majeurs, sorte que le son vous donne vraiment, vraiment intéressant. Pensez et puis dessinez fondamentalement. Créez une ligne de la ligne longue supérieure qui coule à l'intérieur de ces tribunaux. Donc, vous devrez réfléchir soigneusement à la cour 10. Donc, par exemple, si je jouais à l'échelle du do majeur sur tout ça ne marcherait pas, ce n'est pas le travail, non ? Donc je dois penser à l'échelle de la cour que je suis actuellement sur, donc ici serait un C peut être juste oh une échelle de B c D plat majeur ici serait une échelle de G plat majeur. Ils peuvent juste être à l'échelle et peuvent juste voir ce que je veux dire que vous pouvez trouver des lignes vraiment intéressantes qui ne semblent pas diatoniques parce qu'ils ne sont pas médecins. Donc, créez une composition intéressante et revenez pour la prochaine vidéo où je vais vous montrer un exemple rapide. 104. Relation d'accords et Arpeggiation: Ok, donc voici un exemple rapide. Je vais construire ça lentement, donc ça a du sens si vous n'avez pas fait votre, alors je vais prendre les tribunaux principaux, non ? Prenons Commençons par un appartement, major. droite. Je vais commencer à les apprécier maintenant. On pourrait juste commencer à apprécier que ça commencera par la cour. Donc on a un appartement. Passons un tiers majeur à E s, on va à plat vers moi, et ensuite on va descendre un tiers mineur. Donc on a un accord majeur, unaccord majeur, accord majeur, et ensuite on va passer au quatrième rang parfait pour F Sharp. Fais le mien. Donc, je ne pense pas nécessairement à la clé qu'il y avait ici. Il est vraiment important de faire remarquer que c'est plus sur les moments individuels avec chacun de ces cordons façon. Voyez lequel travaille. Eh bien, si j'étais juste notre Padgett, c'est bon, non ? Si vous aviez quelque chose d'insensible sur le dessus comme si c'était peut-être le compliment, ce serait bien pour l'accompagnement. Droit ? Mais la chose est, c'est vraiment important à réaliser, c'est que si vous voulez écrire pour que ça soit le premier plan du son. Ensuite, vous devez faire quelque chose d'un peu plus intéressant, potentiellement avec votre appréciation. Donc, l'un des chiffres que j'aime bien utiliser souvent sa façon utilisé le 1/5 de la racine de l'accord . 3ème 5 et vous montez à la cinquième augmentée. Donc tu as ce genre de son spatial vraiment, vraiment adorable. Donc si tu apportes ça dans ta figure, , si on joue ça en do majeur, ça ressemblerait à ça. Donc, si vous vouliez jouer avec leur départ en C grandes routes 3e 5e Boutique, 5/5 3e grand sur celle à l'intérieur d'un bémol majeur va comme ça Vraiment, vraiment beaux centres ont obtenu mouvement vers le haut et vers le bas si appréciation. On ne dirait pas que c'est un exercice, mais c'est en fait une composition, est-ce pas ? Alors passons ça à travers tous les tribunaux. Et puis, bien sûr, vous avez ce dernier accord de ligne, que nous n'avons pas à faire la même appréciation, donc c'est déjà assez bon, non ? Mais ajoutons une ligne au-dessus du haut pour faire ce genre de paix complète, non ? Donc ce que je vais faire, c'est que je vais enregistrer ça sur le dessus pour que vous puissiez voir les deux se passer même temps, 105. Writing des thèmes: C' est donc une mission pour les compositeurs de films ou toute personne qui écrit vraiment du matériel thématique pour des jeux ou tout ce qui raconte une histoire est d'utiliser les relations d'accords et aussi l'idée d' intervalles que nous avons examinés pour créer un type unique de personnages à l'intérieur de votre musique. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Si on prend, disons, une échelle mineure comme fa dièse mineur, c'est le mineur harmonique. Si nous jouons avec des intervalles comme les malades une phrase de grands intervalles qui vont créer un certain caractère sur son propre à l'intérieur de cette échelle déjà. Donc juste en train de travailler sur la mélodie que je joue un peu différent. Allons avec quelques idées, et c'est tout à fait leur large. Ils sont grands. Ils se lèvent, s' étirent en quelque sorte. Mais ils sont aussi assez mystérieux parce que c'est dans une clé mineure, donc ça nous donne déjà quelques personnages, non ? On aurait pu jouer avec des intervalles plus petits. Combinons ça avec la bonne relation de deux accords mineurs, un tiers majeur à part, sorte que ça sonnerait comme ça. Ok, donc on a toujours ces intervalles à l'esprit alors qu'on joue sur les tribunaux, et on s'appelle relations. Certaines idées dans Il y a certainement absolument quelques idées là-dedans que nous pourrions courir avec. On pourrait commencer à explorer. Tout ce que j'ai fait, c'est que j'ai décidé de garder la relation appelée avec des intervalles qui, je sais vont probablement dans le genre de ronde plus mineure, mystérieuse. Donc, vraiment, forme très répandue compose ici, Disons que l'officier fin du spectre, quelque chose qui ressemble plus à Howard. Bien sûr, Seigneur des Anneaux peut vraiment ce son que nous avons regardé avec ces relations d'accords et prenons quelque chose comme des secondes et des tiers les plus sains dans les intervalles et voyons ce que nous pouvons faire avec ça. Donc je vais enlever les relations d'accords, en remontant dans les tons avec les grands tribunaux. Donc si j'ai commencé sur C e o. Ok et dans la main droite, je vais juste jouer des tonnes et les tiers créent déjà un son. Et évidemment, ce n'est que l'étape de la planification. Si vous avez ce propre mot à dire, vous savez, section en laiton vraiment viande section en laiton qui pourrait et arrangé correctement avec de belles voix qui pourraient commencer à dire, vous savez vraiment, vraiment bon. Donc, ce n'est qu'une invitation, vraiment pas nécessairement une mission pour vous de penser à ces deux choses. Si jamais vous trouvez du matériel thématique, pensez aux relations de quarts, qui créent immédiatement une sorte de caractères harmoniques et de structures d'intervalle ou des caractères d'intervalle à l'intérieur de vos maladies qui créent également leur propre caractères. 106. Conclusion du cours: donc, les gars, des félicitations massives sont terminées. Bien sûr, il y avait beaucoup de choses ici, surtout si vous êtes un débutant. Si vous êtes un intermédiaire. Espérons que cela a été un rattrapage utile pour vous, mais oui, vraiment bien fait pour finir ce qui est probablement environ huit heures de matériel au moins du temps de publier le cours ? Eh bien, que vous pouvez dire que je parle évidemment d'un peu plus loin dans le futur que le cours a été créé parce que je suis une refonte de studio et des choses comme ça, continuellement mettre à jour des choses ici, y compris une sorte de multi caméra configurée sur différents éclairages et autres choses. Donc j'espère que mes futurs cours seront un peu meilleurs que le cours précédent que vous venez de voir. Donc juste quelques rappels. Si vous voulez un soutien continu dans ce domaine, vous voulez parler à d'autres personnes et à moi-même là où vous pouvez aller. Il y a le groupe Facebook de musicien maigre, auquel j'ai lié dans le cours déjà, et je vais lier à l'écran Maintenant que c'est une sorte de communauté en pleine croissance, petite mais florissante hors des compositeurs et des producteurs qui partagent des idées et aussi s'entraider avec le genre de leur propre travail, ce qui est vraiment cool. L' autre chose aussi est qu'il y a un certain nombre de ces gens qui m'aident à construire mon cours, et c'est un peu sélectionné groupe bêta. Donc les gens avec qui je travaille un contre un et qui parlent de leurs luttes, sur quoi ils travaillent, ce genre de nourriture directe. Mon prochain cours de théâtre, c'est les heures de bureau. Si vous voulez me contacter chaque fois que vous pouvez obtenir un maigre, les utilisateurs ne devraient pas venir slash contact, et vous pouvez réserver dans une session d'une demi-heure gratuite quand vous le souhaitez. Vraiment pas attraper ça. C' est vraiment utile pour moi de savoir que mes élèves sont à la hauteur et avec quel genre de difficulté . Même si vous n'êtes pas sûr de quoi vous voulez discuter, c'est tout à fait bien. On peut juste avoir un rattrapage qui est vraiment utile aujourd'hui. Et enfin, où allez-vous d'ici ? Parce que ce que vous avez fait, c'est que vous avez établi ce que beaucoup de mes étudiants n'ont pas quand ils commencent à composer, ce qui est une véritable base solide en harmonie sur les compétences de base du piano. Vous l'avez maintenant, mais vous aurez probablement toujours du mal à écrire des choses que vous voulez vraiment. Au moins, je sais que j'étais et que je fais toujours quand je pense juste en termes d'accord et mélodie, parce que vraiment, le reste de ce que composer, produire et écrire est vraiment arrangement. Il s'agit de comment obtenir accord et mélodie et les transformer en quelque chose qui sonne vraiment bien présenté ? Andi. Pas seulement bien présenté. Comment le pousser dans le genre, le sentiment et le goût que vous recherchez dans votre écriture ? Donc, mon prochain cours est d'organiser la première partie de la musique, en particulier pour la section rythmique. Donc, en pensant à Groove Keyboard, Arrangement Piano et ensuite à ce genre de section rythmique standard, que ce soit un orchestre de groupe ou même de la musique Elektronik, voilà mon téléphone, bon timing. Donc c'est juste pour dire que c'est le prochain. Et j'espère que, avant que vous regardiez ce cours, vous aurez Thea autre sera là-bas. N' importe quelle partie immédiate sera sur qui sera votre prochaine progression ou juste entrer en contact avec moi, et je suis heureux de vous donner des conseils. Mais l'essentiel est de garder les chaînes d'apprentissage continuent d'écrire et d'augmenter votre type de côtelettes d'organisation . Merci d'avoir fait partie de tout ça. Et j'espère vous retrouver bientôt sur l'un des cours.