Composition de photographie - Un cours complet d'accident

1. Leçon 1 Introduction: Bienvenue au cours sur la composition d'images. Alors, qu'est-ce qu'une composition exactement ? Le terme composition signifie assembler et peut s'appliquer à n'importe quelle œuvre d'art, de la musique à l'écriture, en passant par la photographie. Et cela est arrangé en utilisant une pensée consciente. Essentiellement, la composition consiste à assembler des objets dans votre viseur de manière à mettre en valeur les bits que vous voulez, en les faisant ressortir de la bonne manière sur votre photo. Ces objets comprennent tout ce qui se trouve au premier plan, l'arrière-plan, ceux qui encadrent l'image et, surtout, la lumière. Autrement dit, la concurrence est de savoir comment les éléments de la photo sont disposés en eux-mêmes. Ainsi, une composition peut être composée de nombreux éléments différents, ne sont que quelques-uns. C' est ainsi que l'artiste a rassemblé ces choses dans un cadre qui aide une photographie à devenir plus ou moins intéressante pour la vue. Autrement dit, une bonne photographie prendra de nombreux chemins différents et les combiner dans une composition esthétiquement agréable est comment un artiste raconte une histoire dans les limites d'un seul cadre. Alors pourquoi avons-nous besoin d'apprendre la composition en premier lieu ? L' un des principaux problèmes que nous rencontrons avec les photographes amateurs est que ne pas savoir ce qu'il faut pour composer une grande photographie. Souvent, une photographie ou passera de longues journées à capturer des photos. Seulement deux écrits avec un ensemble d'images dont il ou elle n'est pas complètement satisfait. Sharp, l'éclairage, l'exposition peut s'être avéré génial. Oh, la composition des photos laisse quelque chose à désirer. En bref, ils n'ont pas le facteur de vol qu'ils voient dans d'autres photos photographes. Donc, innover concurrence dirige l'œil du spectateur. Il peut créer des images vraiment accrocheuses et agréables. La composition n'est pas seulement sur ce qui est là dans le cadre, mais sur la disposition visuelle des éléments à l'intérieur du cadre. Il fait ressortir l'histoire que vous souhaitez transmettre à travers vos images. Il fait ressortir vos photos et en fait une belle image. Et pas seulement un tir amateur. La composition est la base sur laquelle reposent les grandes photographies. Et un oeil pour une bonne composition vous aide à trouver votre style et à renforcer votre confiance en tant que note pour d'autres efforts. Rappelez-vous, une belle image est souvent un mélange de plusieurs ingrédients, tels que la belle lumière, sujet, le moment parfait, le timing, l'humeur. Mais surtout, c'est une vision et une composition personnelles qui comptent le plus. En fait, une fois que vous maîtrisez l'art de la composition, vous savez exactement quel élément il faut pour composer un grand plan avant même de toucher le bouton de l'obturateur. En conséquence, il vous libérera jusqu'à vous concentrer sur d'autres ingrédients, aller dans la réalisation d'une belle photo. Alors, qu'apprendrez-vous dans ce cours particulier ? Le cours est construit dans le but de vous faire comprendre les différents écrous et boulons qui vont dans la création d'une bonne composition. Dans une photographie, vous apprendrez les conseils et astuces photographes professionnels utilisés pour créer une grande image conçue comprendre les différents éléments qui entrent dans la composition d'un grand plan, tels que les types de mise au point nette, centre d'intérêt, règle des tiers, couleurs, encadrement, texture, et cetera. Nous allons tout couvrir. Plus important encore, vous apprendrez également à éviter les erreurs que font habituellement les photographes amateurs. Et enfin, une fois que vous devez avoir la composition, il vous libérera afin que vous puissiez vous concentrer sur d'autres ingrédients qui vont dans la création d'une belle photo. Alors qu'attendez-vous ? Je suis super excité de te voir à l'intérieur du parcours. Commençons. 2. Leçon 2 choses à mémoriser à l'avance: Composition. Donc, dans l'introduction nous avons compris que le terme composition signifie assembler. Et cela peut s'appliquer à n'importe quelle œuvre d'art, de la musique à l'écriture en passant par la photographie. Et cela est arrangé en utilisant une pensée consciente. Ainsi, la composition en termes de photographie, n' est rien d'autre que l'agencement agréable des éléments dans la mer. Et quand nous parlons d'une scène, nous parlons essentiellement de trois éléments importants. Un, le sujet principal de votre photo. Deuxièmement, le premier plan et le réglage de l'arrière-plan. Et enfin, les objets de support de votre photo. Nous parlerons de tout cela au fur et à mesure que nous progresserons dans le cours. Mais il y a quelque chose de très important que nous devons savoir à avance avant même de commencer à cliquer sur notre première photo. Donc, les choses à demander avant de prendre une photo et ce que vous devez garder à l'esprit même avant d'appuyer sur votre bouton d'obturateur et de cliquer sur une photo. Tout d'abord, avez-vous un sujet clairement défini ? Qu' est-ce que je veux dire par là ? En photographie ? Comme sujet est simplement l'objet qui est montré dans l'image. Mais une seule photo peut choisir plusieurs choses. Alors, lequel est le sujet ? Le sujet est l'accent mis sur l'image, fois littéralement comme le point le plus net de la photographie et au sens plus figuratif. Donc, si vous regardez cette photo particulière sur votre écran en ce moment, vous pouvez très bien comprendre que l'araignée dans cette image particulière est mon sujet principal. Par conséquent, vous remarquerez qu'il est plus mis au point par rapport aux autres éléments de cette photographie particulière. Donc, en d'autres termes, le sujet laisse la décision des photographes sur des aspects tels que l'éclairage, la composition, les paramètres d'exposition, et bien plus encore. Même la décision de garder une vitesse d'obturation particulière dépend du fait que votre sujet est en mouvement ou immobile, et même la décision du cadre que vous maintiendrez en cliquant sur votre photo dépendra également de la connaissance de votre sujet à l'avance. Par conséquent, le sujet joue un rôle essentiel dans la formation d'une image entière. Quels sentiments essayez-vous d'invoquer ? Une chose qui fait une grande photographie est sa capacité à transmettre l'émotion. L' émotion dans une photographie ou toute œuvre d'art est ce qui aide le spectateur à se connecter à une pièce. Si cette émotion est répandue pour le spectateur. Maintenant, l'émotion ou un sentiment est ce qui peut faire sortir un instantané de l'obscurité et le faire briller. Pensez à une image de coucher de soleil normale d'une rive d'Hawaï avec juste l'horizon et une loi de plongeon de soleil orange vif. Maintenant, il est beau à coup sûr et encore mieux lorsqu'il est vu en personne. Maintenant, Pula zoom arrière à un angle plus large et montrer un couple dans une silhouette assis sur les chaises de pelouse face aux vagues et atteignant les uns aux autres pour tenir leurs mains. Maintenant, différentes personnes se connecteront avec chaque photo de différentes manières, ou peut-être pas du tout. Ceux qui sont dans une ambiance romantique apprécieront la photo du couple. Et ceux étaient seulement à la recherche d'une atmosphère calme sans aucune distraction, peut profiter de ce coucher de soleil singulier. Et enfin, l' une des choses les plus importantes qu'il faut garder à l'esprit avant de cliquer sur votre photo est quelle est l'histoire que vous essayez de raconter à votre public ? Les gens regardent généralement une œuvre d'art et cette histoire de CS. Un esprit humain essaie toujours de remplir les blancs. Marchez pour leur donner quelques indices et raconter l'histoire dans votre photo. Donc, lorsque vous photographiez quelque chose, recherchez l'émotion et l'action qui vous aide à créer une histoire dans l'esprit du spectateur. Le sujet est certainement important, mais tout le reste est aussi dans le cadre. L' arrière-plan et le premier plan aideront à raconter cette histoire. L' objet est-il là où vous vous attendez à le trouver, ou est-il dans un endroit inhabituel ? Est-ce par lui-même ou se démarque-t-il dans l'encombrement ? Considérez tout sur votre photo. Et s'il n'a pas de raison d'être là, envisagez de vous rapprocher ou d'ajuster votre angle pour éliminer les distractions. Et quand il s'agit de types de plans, gardez à l'esprit que vous pouvez faire un plan long, un plan moyen, un gros plan et un gros plan extrême lorsque vous prenez une photo. 3. Leçon 3 Centre d'intérêt: Dans cette conférence, nous nous concentrerons davantage sur quelque chose que nous avons appelé le centre d'intérêt. Et pour obtenir un bon secteur d'intérêt au sein de votre image, concentration est quelque chose de très important. Maintenant, il faut ajuster les réglages de distance sur l'objectif afin de définir le sujet, qui est votre centre d'intérêt, Shopee. Et fondamentalement, il faut toujours essayer de produire une image nette avec un centre d'intérêt bien défini. Donc, si vous regardez cette première image particulière ici, vous remarquerez que la bouteille avec ces paillettes est mon centre d'intérêt, alors que tout le reste a été brouillé. Et pour cela, j'ai utilisé le concept de profondeur de champ. C' est quelque chose que nous parlerons plus tard. Si je regarde cette deuxième image sur un an, vous remarquerez que cette partie particulière de mon image où ces lettres aiment et ce petit cœur particulier a été positionné. C' est mon centre d'intérêt au sein d'une image. Alors, qu'est-ce qu'un centre d'intérêts ? Comprenons ça. Donc, fondamentalement, le succès de la plupart des photographies dépend de l'existence un aspect dominant qui est connu comme le centre d' intérêt et parfois appelé le centre de concentration. Point focal. Maintenant, toutes les bonnes images ont un centre d'intérêt, qui est un point qui attire l'attention des yeux. Maintenant, certaines images peuvent avoir un centre d'intérêt très naturel. Mais identifier et placer correctement le centre des intérêts est primordial pour la composition d'une image réussie. Alors laissez-nous comprendre certains des points très importants tout en allant de l' avant et en définissant un centre d'intérêts spécifique au sein de votre image. Maintenant, chaque image doit avoir un principe, une idée, un sujet ou un centre d'intérêt auquel les yeux du spectateur sont automatiquement attirés. L' image sans centre d'intérêt dominant ou avec plus d'un centre d'intérêt dominant est généralement déroutante pour le spectateur. Maintenant, un spectateur devient confus et se demande, qu'est-ce que cette image tout ci-dessus ? Et quand l'image n'a qu'un seul point d'intérêt dominant, le spectateur comprend rapidement l'image. Ainsi, un photographe a généralement de nombreux facteurs ou éléments qui peuvent être utilisés et disposés dans une zone d'image pour attirer ou diriger l'attention. Maintenant, certains de ces éléments sont des lignes, des formes, des figures humaines ne le font pas, et de la texture. Nous en parlerons davantage dans les conférences à venir. Voici maintenant un conseil rapide que vous pouvez prendre à portée de main avant de terminer cette conférence. Essayez donc d'éviter de placer votre sujet au milieu du cadre car cela rendra l'image inintéressante à regarder. Où allez-vous et placez votre centre d'intérêt ou votre sujet principal est quelque chose que nous ferons référence dans les prochains sujets. 4. Leçon 4 Règulation des tiers: Hé, bienvenue. Donc, dans notre dernière conférence, nous avons parlé du centre d'intérêt. Et nous avons également mentionné que dans les prochaines conférences, nous comprendrons où aller de l'avant et placer notre centre d'intérêt ? Il y avait un conseil donné qui mentionnait qu'il fallait éviter de garder le centre des intérêts exactement au centre du cadre. Parce que ça rend votre photo un peu inintéressante. Et c'est là que la règle des tiers entre en scène. Maintenant, la règle des tiers est un moyen facile de créer de l'accent, équilibre et de l'intérêt pour votre travail. Alors comprenons ce que c'est exactement. Ainsi, l'un des principes les plus fondamentaux de la composition photographique est la règle des tiers. En fait, c'est une technique de composition si facile à rassembler et a pourtant un effet très puissant sur n'importe quelle image. Et une fois appris, vous savez comment encadrer correctement vos photos la manière qui place votre sujet dans l'un des sports les plus attrayants dans le cadre. Donc, fondamentalement, la règle des tiers dit, c'est qu'elle divise la zone de l'image en tiers, à la fois verticalement et horizontalement. Et puis vous regardez le centre d'intérêt à l'une des intersections des lignes qui sont marquées en OU verte. Maintenant, vous pouvez créer un sentiment d'équilibre à votre composition. Regardons cela à travers quelques exemples, vous savez, où vous êtes sur votre écran est un exemple des parties qui se croisent qui composent la règle des tiers. Pouvez-vous voir comment la règle des tiers a été utilisée dans l'exemple suivant ? Laisse-moi te montrer ça. Maintenant, si vous observez que lorsque j'ai appliqué la règle des tiers à mon viseur, la chaise qui est le sujet ou le centre d'intérêt de cette image particulière, tombe à l'intersection d'un rendement. D' accord ? Et par conséquent, cela rend l'image beaucoup intéressante par rapport à si la chaise a été placée exactement au centre du cadre. Regardons quelques autres exemples ici et vous le comprendrez mieux. Regardons maintenant cet exemple particulier ici où vous pouvez voir un navire naviguant vers la mer. Et si vous observez, mon centre d'intérêt est exactement placé au centre du cadre. Et à cause de cela, je sens que cette image particulière me semble un peu inintéressante. Maintenant, allons de l'avant et élargissons un peu ce cadre et appliquons une règle de tiers. Et comprenons combien cela fait de différence à cette image particulière. Je vais donc vous emmener à cette image suivante, et vous constaterez que la règle des tiers a été appliquée depuis plus d'un an. Et à cause de ça, mon sujet tombe maintenant à l'intersection d'une des lignes vertes ici. Et c'est quelque chose qui donne plus de vie à cette image particulière. Il semble beaucoup plus intéressant et engageant. Regardons maintenant cet exemple particulier. Il y a vaste a été joué quelque part dans mon cadre. Et vous remarquerez qu'il y a beaucoup d'espace vide dans cette image particulière. Et c'est parce que j'ai appliqué spécifiquement la règle des tiers au cours de l'année, ce qui va de l'avant et place mon sujet au point d'intersection des lignes vertes. Vous l'êtes ? D' accord ? Regardons quelques autres exemples ici. Ok, maintenant on est par ici. Vous pouvez voir qu'il y a un petit encart au cours de l'année, qui est en fait gouverner une petite pierre ou un objet dans le sable. Et puis sur le côté droit, je vois qu'il y a un vaisseau qui est plafond. Et vous constaterez que si je vais de l'avant et que j'applique la règle des tiers sur un an, encore une fois, mes sujets sont placés à des points d'intersection intéressants. Donc maintenant, vous devez avoir compris qu'en glissant simplement votre sujet sur l'une des lignes croisées de la règle de la troisième grille, votre photo devient immédiatement plus attrayante parce qu'elle est imprévisible. Aligner votre sujet de cette manière améliore la tension visuelle de la photo, ce qui la rend plus intéressante pour le spectateur. Et la tension visuelle a tendance à faire une meilleure composition photographique. Et c'est pourquoi une règle des tiers est si puissante. C' est incroyable de voir comment faire un réglage aussi simple dans votre cadre peut prendre une photo potentiellement ennuyeuse et la rendre plus dynamique à regarder. 5. Leçon 5 techniques d'accueil: Hé, bienvenue. Donc, dans le monde de la photographie maintenant parlons de l'accent. L' accent est défini comme une idée ou un objet dans l'œuvre qui attire l'attention et devient un point focal. Le point focal se réfère à un domaine de la composition qui a la plus grande signification et l'idée que l'artiste veut attirer l'attention comme étant l'aspect le plus important. L' accent est l'un des principes de l'art et du design, qui comprend bien sûr aussi la photographie. Un principe semble compliqué, mais en fait c'est juste un cadre pour composer une image. Et c'est quelque chose que nous allons insister plus sur et obtenir une bonne compréhension dans cette conférence particulière ou vous. Ainsi, dans la composition photographique, nous utilisons des principes de conception pour nous aider à créer une image cohésive qui raconte l'histoire, attire le spectateur, attire l'attention du spectateur et, surtout, est belle. Et toute photographie est dans le monde décidera de le faire à travers diverses techniques. Comprenons ce que ces techniques sont en détail. Donc, tout d'abord, nous allons comprendre comment peut-on aller de l'avant et créer l'accent en utilisant la couleur ? Alors regardons ces deux images sur un an. Maintenant, vous pouvez mettre l'accent sur le point focal de votre photo en limitant les couleurs de votre arrière-plan afin que seul le sujet de la photo soit de couleur vive. Et vous pouvez également souligner le point focal en utilisant également des couleurs complémentaires, comme dans l'exemple à gauche, vous pouvez observer que l'arrière-plan entier est en fait de couleur noire et blanche. Mais je me concentre principalement sur ces donateurs. Et donc vous n'observerez ce jour-là que ceux qui apparaissent dans un format coloré ou une roue. Et de même, si vous regardez cette image particulière vers la droite, c'est une image complètement en noir et blanc, mais je veux aller de l' avant et mettre l'accent sur l'unité d'organisation parapluie, et c'est la raison pour laquelle je suis allé de l'avant et lui ai donné le abat-jour rose. Donc, ce que j'ai fait ici, c'est que je suis allé de l'avant et j'ai limité les couleurs mes photographies afin que les couleurs vives deviennent plus visibles et soient plus visibles à l'œil nu. Un changement de couleur peut créer un point focal dans une conception. Plus le changement est contrasté, plus le point exige l'attention du spectateur. contraste plus doux peut progressivement attirer l'attention d'une zone à l'autre. Votre choix de couleurs doit correspondre à la façon dont vous souhaitez que vos utilisateurs procèdent sur votre page. Regardons la prochaine année 0. Maintenant, si vous allez de l'avant et regardez ces images sur votre écran, vous comprendrez que j'ai fait usage de la valeur des couleurs au cours l'année afin d'aller de l'avant et de mettre l'accent sur certains éléments de ces photographies. Maintenant, lorsqu'un contraste clair et sombre est utilisé pour créer un point focal dans une composition, nous l'appelons généralement comme un accent. Utilisation de la valeur. Valeur définit la lumière ou l'obscurité d'une couleur donnée ou vous pouvez être. Les valeurs sont mieux comprises lorsqu'elles sont visualisées sous forme d'échelle de dégradé de l'obscurité à la lumière. Plus la variance tonale d'une image est élevée, plus le contraste est faible. Lorsque des nuances de valeur similaire sont utilisées ensemble, elles créent également une image à faible contraste. Maintenant, nous pouvons aller de l'avant et regarder quelques exemples où nous pouvons aller de l'avant et créer l'accent en utilisant la méthode de cadrage. Maintenant cadrage dans la photographie se réfère à la technique de dessin mise au point sur le sujet dans la photo en bloquant d'autres parties de l'image avec quelque chose dans le C. Maintenant, les cadres peuvent être situés au centre de l'image, sont à côté de son bords. En d'autres termes, cadrage est une technique que les photographes utiliseraient pour attirer l'attention du spectateur sur le sujet principal de l'image. Comme vous pouvez le voir dans ces deux images sur vous et positionner autour du sujet un arbre et une arche, ou même des personnes, par exemple, peuvent créer un cadre dans la zone de l'image. Ainsi, par exemple, si vous regardez cette image particulière, vous pouvez voir que la grotte est en train de créer un effet de cadrage dans ma photo. Alors que si vous regardez cette image en particulier pendant un an, vous pouvez voir que l'entrée du Taj Mahal a en fait utilisé pour aller de l'avant et créer un cadre dans lequel je peux voir mon sujet entrer réellement à travers ce entrée particulière et se déplaçant vers le Taj Mahal. Maintenant, les sujets enfermés par un cadre se séparent du reste de l'image et sont donc soulignés. Maintenant, regardons l'accent en utilisant la perspective. Maintenant, la perspective en photographie est importante parce qu' elle crée une illusion d'une scène tridimensionnelle. Perspective fait un objet regarder plus loin, sont très proches par rapport à. Des éléments de votre scène. perspective en photographie est définie comme le sens de la profondeur ou de la relation spatiale entre les objets d'une photographie ainsi leurs dimensions par rapport à ce que le spectateur de l'émission voit. Donc, pour aller de l'avant et créer un accent en utilisant la perspective, approchez-vous du sujet pour une perspective plus dramatique, ce qui créera également l'accent. Maintenant, placez l'appareil photo à un angle bas ou supérieur près du point focal de la photo. Vous, par exemple, si vous regardez ces deux images, vous pouvez comprendre que je suis allé de l'avant et créé un accent en utilisant la perspective en mettant l'objectif de la caméra très, très proche de mon sujet. Et en prenant l'appareil photo à un angle supérieur ou inférieur près du point focal de ma photo. Et si vous regardez ces deux images particulières, vous pouvez voir qu'il y a des éléments répétés dans mes photographies. Et si vous avez un élément répété dans votre image tel que escalier de lampe de nuit ou tout ce qui est répété à intervalles réguliers. Ensuite, vous pouvez aller de l'avant et créer l'accent à l'aide de la perspective en capturant les éléments qui sont plus grands et plus proches de la perspective de la caméra. Maintenant, nous pouvons également aller de l'avant et mettre l'accent sur notre photographie en utilisant au mieux un espace négatif. espace négatif est la zone entourant le sujet principal d'une photographie qui est laissée inoccupée. Autrement dit, c'est l'espace autour du sujet lui-même qui aide à définir l'espace positif. Lorsque vous utilisez de manière créative ensemble, l'espace négatif et positif peut communiquer la composition de votre photo. En d'autres termes, l'utilisation d'espace négatif améliore considérablement le sentiment d'isolement du sujet par rapport à l'arrière-plan. espace négatif souligne et définit le sujet principal de la photo et aide à attirer l'œil du spectateur. En désencombrant la composition, vous donnez à l'image un espace pour que le sujet puisse se reproduire et s'engager avec la vue. On peut également aller de l'avant et créer un accent en utilisant la texture de votre photo. Maintenant, les humains sont très curieux du contraste des textures rugueuses et lisses dans une photographie, et cela attirera l'œil uniquement à cause de la différence. Maintenant, un bon photographe peut montrer l'accent en utilisant la texture en montrant un contraste entre les différentes textures dans la photo. Dans les exemples ci-dessus, le point focal, ont plus de textures, bande les arrière-plans. Dans les exemples que vous pouvez voir sur votre écran, vous pouvez observer que le point focal qui sont ces filles ont plus de texture que les arrière-plans qui sont soit lisses, réfléchissantes ou rugueuses surfaces. Lorsque vous utilisez la texture pour mettre l'accent, gardez à l'esprit qu'une surface texturée carie plus de poids visuel que la surface lisse. Et pour équilibrer ces zones, faites de la zone texturée une plus petite partie de la photo que cet autre pot. Maintenant, comme vous pouvez le voir sur cette photo, au fil de l'année, la texture du mur dans le fond contraste avec les modèles, la peau lisse et brillante ici. La faible profondeur de champ sert en outre à mettre l' accent sur le modèle au fur et à mesure que nos yeux sont dessinés, le foyer des objets. Et cela la sépare complètement de l'arrière-plan. Cependant, si votre objectif est d'aller de l'avant et de créer un déséquilibre de votre photo, alors, par tous les moyens, laissez les surfaces texturées dominer avec des zones lisses plus petites. On peut même aller de l'avant et créer un accent en utilisant des formes et des formes dans une photographie. Maintenant, la forme et la forme du mot en photographie sont parfois utilisés de façon interchangeable. Cependant, les termes sont généralement deux caractères visuels distincts. En termes de base, une forme décrit une zone d'espace plane et fermée. Maintenant, les formes peuvent être construites avec des couleurs et des lignes. Toutes les formes sont limitées à deux dimensions, largeur et longueur. Maintenant va. D'autres formes fluides irrégulières sont connues sous le nom de formes organiques, tandis que les formes angulaires comme les carrés et les triangles sont connues sous le nom de formes géométriques. Aujourd'hui, les formes dans un art visuel diffèrent de la forme parce qu'elles sont perçues comme tridimensionnelles. Ils fonctionnent sur la largeur, la longueur et la profondeur. Les formulaires peuvent être géométriques ou libres sans délimitation ni limite visuelle spécifique. La différence entre la forme et la forme est simplement légère. Lorsque vous allumez un sujet, il apparaît plus tridimensionnel en raison du contraste de la lumière et de l'ombre sur le sujet. Sans tromper le sujet, il est purement bidimensionnel en apparence, et ce n'est donc qu'un déplacement de silhouettes et un excellent exemple d'utilisation de la forme en photographie. La raison pour laquelle les silhouettes sont si attrayantes est parce que nous ne voyons pas normalement des objets comme ceux-ci sont que la glace peut prendre une portée dynamique beaucoup plus grande que nos caméras. Ainsi, à part le facteur de nouveauté d'une silhouette, le contraste d'une forme très sombre sur un fond plus lumineux dessine et meurt. Donc, en d'autres termes, la différence entre la forme et la forme est simplement légère. Lorsque vous allumez le sujet, il apparaît plus tridimensionnel raison du contraste de la lumière et de l'ombre sur le sujet. Et sans ombrager un sujet, il est purement bidimensionnel en apparence et n'est donc qu'une forme. Alors que la forme et la forme de la photographie jouent des rôles différents, chacune cultive un niveau d'impact et d'engagement distinct au sein de votre photographie. 6. Leçon 6 angles et ViewPoints: Maintenant des années une petite photo ou un secret que je vais partager avec vous. angles de la caméra et la photographie ont un impact majeur sur la façon dont une photo fait ressentir le spectateur et sur le message qu'elle transmet. Vous seriez étonné de voir comment un simple que je voulais dire dans votre angle par rapport à un sujet peut transformer entièrement votre photo. Et dans cette conférence particulière, nous allons apprendre comment cela fonctionne et vous aider à choisir les meilleurs angles de caméra pour vos photos. Ainsi, différentes positions de la caméra peuvent être hautes, moyennes ou basses, gauche, droite ou droite, peuvent donner un point de vue différent, perspective ou un effet visuel à votre photo. Un point de vue approprié ou un angle de caméra est un facteur important dans une bonne composition. Et repositionnez votre sujet dans le cadre du viseur et changez le point de vue de la caméra. Notre angle de caméra est deux façons simples de contrôler cette composition. Faites-nous savoir à ce sujet un peu plus en détail. Donc les angles de caméra sont une référence pour être que les prises de vue sont composées. Bien qu'interprété différemment par des personnes différentes. L' angle de la caméra, en termes simples, est défini comme l'angle dans lequel la caméra est orientée par rapport au sujet. Maintenant, les angles de caméra peuvent donner à un public et des informations émotionnelles en raison du fait que angle de la caméra est essentiellement la relation entre la caméra et le sujet. Alors, comprenons les différents angles de caméra en détail. Alors d'abord, on parlera de la caméra de niveau des yeux. Mais c'est le type le plus courant de court utilisé, car c'est l'angle du monde réel auquel nous sommes tous habitués. Il a choisi le sujet, comme on s'attendrait à les voir dans la vraie vie. Et c'est un tir neutre ? Angle élevé, un tir à angle élevé montre le sujet d' haut à gamba est en colère vers le bas vers le sujet. Et cette colère a pour effet de rendre le sujet moins puissant ou même soumis. Angle bas. Cette prise de vue est prise en dessous du sujet et la caméra est en colère contre le sujet. Cela peut donner au sujet un sentiment de pouvoir et de dominance dans un tir. Une vue d'oiseau. Ce plan montre le sujet directement au-dessus. Cette vue n'est pas naturelle et est très différente. Donc, il peut être utilisé pour créer un effet dramatique, sont pour montrer une perspective spatiale différente. Il peut également donner au public un sentiment divin, ce qui peut rendre les choses incluses dans le pointu semblent petites et parfois même insignifiantes. Une vue inclinée ou inclinée néerlandaise. C' est là que se trouve la caméra. Bug était vraiment consacré à un côté de sorte que l'horizon est sur un angle. Maintenant, cela peut créer à la fois un effet intéressant et dramatique. Maintenant, les photos que vous pouvez capturer dans une image peuvent être de différents types. Comprenons-les aussi, un peu en détail. Donc le premier est un tir très long. Maintenant en très long plan peut être pris jusqu'à un quart de mile de ce que vous photographiez. Et est généralement d'établir un paramètre, souvent appelé comme l'établissement de tir lors de la capture d'une image en mouvement, Il est la distance signifie que très peu de détails est montré. Ainsi, ce type de tir est utilisé pour donner une impression générale plutôt que de donner n'importe quel type d'information spécifique dans un an après l'adhésion. Un long coup. Un tir long est peut-être le type de court court le plus difficile à catégoriser. Mais il est généralement défini comme un tableau grandeur nature, qui comprend un short complet pointu et plein montrant un corps humain entier de la tête aux pieds. Cependant, les tirs longs ne sont pas limités à duper court. Tir moyen. Le tir moyen implique souvent qu'un sujet soit une personne. Et le coup comprend des parties de leur corps qui avaient une bête mafieuse qui peut être plus d'une personne dans un pointeur moyen. Mais s'il y a plus de trois personnes, il a tendance à se transformer en un long pointu. Ainsi, les objets pointus avec plus d'une personne sont classés comme des variations de tir moyen. Un plan de gros plan. Un gros plan montre très peu d'arrière-plan et se concentre souvent sur le visage sont quelques détails spécifiques dans une scène. Tout ce qui est très souvent se concentrer en arrière-plan. Maintenant, ce type de tir est souvent utilisé pour agrandir quelque chose. Notre montre son importance. Il peut être utilisé pour n'importe quoi, des lettres sur papier aux visages d'animaux, une photographie ou un peut utiliser un gros plan pour nous faire sentir plus ou moins aise avec quelqu'un avec l'intimité qui est créé par le court. Un objectif zoom est souvent utilisé pour obtenir le cadrage requis pour ce type de clichés. Et un gros plan extrême. Gros plan extrême, comme son nom l'indique. Ce type de tir est une version extrême du court en gros plan. Généralement, visant à agrandir le sujet sont quelque chose dans le cadre à un point que l'œil humain ne pourrait pas l'expérimenter dans la réalité. Par exemple, un gros plan extrême d'un visage ne montrerait qu' une partie du visage comme une bouche ou des yeux sans aucun détail de fond. C' est un tir très artificiel. Il peut donc être utilisé pour créer de la diversité et un effet dramatique. L' accent doit être très précis avec ce court. Il est donc important que le pointu soit configuré correctement avec l'éclairage et l'angle corrects. Et puis la photo est prise avec le plus grand soin. 7. Leçon 7 Lumières et ombres: Parlons donc des lumières et des ombres maintenant. Maintenant, vous ne pensez probablement pas à eux autant pendant le tournage. Mais les ombres et les éclairages peuvent rendre une scène plus dramatique si vous savez comment les utiliser de la bonne façon. L' éclairage est un élément créatif important de la composition. Et en contrôlant la lumière et en la dirigeant où vous voulez. Vous pouvez soumettre les objets ou les éléments distrayants de la scène pour mettre davantage l'accent sur les principaux points d'intérêt. Il s'agit donc de la lumière à photographier, c'est d'écrire avec de la lumière. Photographie a été consacrer tellement de temps et de discussion au sujet de lumière qu'il est facile de mal comprendre son accent. La photographie de lumière et d'ombre utilise lumières et des ombres fortes pour créer une silhouette abstraite ou anonyme, en particulier en monochrome avec des lumières contrastées. Les images peuvent créer des perspectives très uniques. Et quand vous avez des lumières sévères sont des sources de lumière brillantes. Vous pouvez créer de très grandes images de lumière et d'ombre. lumière et les ombres peuvent être utilisées dans la composition pour créer une ambiance, attirer l'attention sur une zone, modifier ou déformer une forme ou faire ressortir la forme et la texture d'un sujet. ombres, d'autre part, sont la clé de la forme apparente. En photographies. Sans ombres, le sujet enregistre sans forme, courbure ou texture, ce qui signifie qu'il semble extrêmement plat et parfois même sans vie. Alors que la quantité de lumière est un facteur important dans la création de photographies, il y a plus à faire une image intéressante qui brille même la lumière à votre sujet. Dans la plupart des cas, même la lumière tombant sur les sujets élimine toutes les ombres et laisse la personne ou l'objet sur une photo à plat. Cependant, les ombres subtiles d'un côté du visage de la personne fournissent une sensation de forme. Et un faisceau de lumière qui brille dans la pièce jusqu'à un petit passage, laissant une grande partie de celui-ci dans l'ombre, fait ressembler à une image tridimensionnelle. C' est la façon dont la lumière est utilisée en combinaison avec ombres qui fait que le sujet prend vie. Et voici un conseil rapide. En plus d'ajouter de la profondeur aux images, les ombres elles-mêmes peuvent faire l'objet d'une photographie. Le quelque chose de mystérieux à propos de cette forme sombre. Le spectateur est laissé s'interroger sur la personne ou la chose qui jette l'ombre. Et les ombres peuvent être utilisées pour remplir artistiquement un espace autrement vide dans un cadre également. 8. Leçon 8 lignes et motifs: Les lignes sont un élément de conception. Et donc ils ajoutent à la composition d'une image. Le diriger l'œil du spectateur vers et le long de la photo vers le point focal. Ils ont également un impact sur l'humeur de la photo en fonction du type de ligne et de la façon dont elle est utilisée. Les lignes peuvent en fait donner une structure à vos photos. Ils peuvent unifier la composition en dirigeant l'œil et l'attention du spectateur vers le point principal de l'image. Ou conduire les yeux d'une partie de l'image à une autre. Ils peuvent conduire les yeux à l'infini, diviser l'image, et peuvent même créer des motifs. Donc, prêter attention à l'impact des lignes dans la photographie et utiliser les lignes pour ajouter au spectateur expérimenté peut amener votre composition photographique au niveau supérieur. Grâce à une perspective linéaire. Les lignes peuvent donner une impression de profondeur à la photographie. Les lignes parallèles semblent converger, créant une illusion de profondeur. Ces lignes droites et parallèles phénomène. Et l'un des plus beaux éléments de la photographie, toujours négligé sur les lignes verticales, diagonales, horizontales et courbes créent des ambiances différentes. Les lignes verticales communiquent au spectateur un sentiment de corde, de rigidité, de puissance et de solidarité. D' autre part, les lignes horizontales représenteront la paix, la tranquillité et la tranquillité. Les lignes diagonales représentent le mouvement, l'action et la vitesse. Une image avec une ligne diagonale transmet une sensation d' action dynamique même lorsque le sujet est statique. Regardons les un par un. Alors regardons d'abord les lignes horizontales. Les lignes horizontales sont généralement intéressantes et elles fournissent une stabilité et un repos à votre image. Et aussi le sujet qui est impliqué dans votre image. Il s'agit plutôt d'une permanence et d'une cohérence définies pour votre photo. Et ils servent également de ligne de division, créant une ancre au sujet ou à l'objet avec lui. D' un autre côté, si l'on regarde les lignes verticales, les lignes verticales ne sont rien d'autre que de l'humeur. Ils rendent la photo encore plus puissante. Essayez de tenir votre appareil photo verticalement pendant que vous en repérez un. J' ai essayé de tirer sur ces lignes. Cela crée plus de longueur à votre scène. Essayer de transmettre ou de dépeindre le Haydn il. Vous pouvez également vous sentir libre de enfreindre la règle. Et un cadrage horizontal peut avoir un sens le plus fort de votre photo. Les lignes diagonales d'un autre côté, quand on les regarde, attirent l'attention du spectateur très rapidement. Et croyez-moi, ils ont l'air très attrayants dans une image. Ils travaillent généralement en créant un point d'intérêt à l'intérieur du cadre ainsi que des lignes d' intersection à l'intérieur d'eux avec la photographie a l'avantage, créant des perspectives époustouflantes. Il y a un sentiment de dynamique dans l'image comme si quelque chose bougeait toujours à l'intérieur. L' illusion est l'avantage des lignes diagonales. De nombreuses études ont révélé que les gens soulignent souvent une image en indiquant que le sujet voyage de gauche à droite, travaillant ainsi à sa faveur et peut créer des images vraiment mémorables pour vous. Il y a donc toujours plusieurs facteurs, y compris ces lignes à l'intérieur de votre cadre. Il se produit toujours en combinaison de lignes horizontales, verticales et diagonales. Quand nous avons essayé de s'aligner avec le viseur et de le rendre droit et parallèle. C' est toujours important pour eux. Créer une saveur forte à votre photo. Ce n'est pas une perturbation, une illusion non désirée qui est causée. Comme certains pourraient le penser, cela pourrait arriver. Il ne crée pas de distraction en enlevant aux téléspectateurs qui ont toujours essayé d'équilibrer ces lignes et de les faire paraître droites. Comme comment nous avons équilibré l'horizon. Faire cela rendra le sujet à l'intérieur du cadre beaucoup plus joli. Maintenant, comprenons les modèles. Les motifs sont tout autour de nous, mais nous pensons rarement à les photographier. C' est comme si nous étions pré-programmés pour ne photographier que certains sujets comme les gens, les lits, les paysages, etc. Maintenant, si ça vous ressemble, alors vous manquez certainement un élément très important dans votre composition d'image. La photographie de motif utilise des éléments qui sont répétés. La répétition des lignes, des formes, des tons ou des couleurs peut réellement aller de l'avant et créer des images intéressantes qui sont des photographes qui ont utilisé un motif comme sujet principal d'un fichier image. D' autres l'utiliser pour améliorer la composition globale et l'apparence de votre photo réelle. Maintenant, les motifs peuvent être à la fois naturels et artificiels. Maintenant, les deux apporteront un sens du rythme visuel et de l'harmonie à vos photos. Et si nous commençons à chercher un motif en nous et autour de nous, nous observerons que des éléments graphiques forts et venimeux comme des lignes, couleurs, des formes ou des formes sont répétés. Ce sont des facteurs qui sont créés en nous et autour de nous. Création de vos images autour d'éléments ou de motifs répétitifs. La largeur fournit une image de bonne unité et une structure. Mappé et la réputation crée un rythme que les yeux vont certainement apprécier à regarder. Lorsque les lignes, les formes et les couleurs d'une image se produisent de manière ordonnée, elles créent un motif qui répond souvent à l'attractivité de vos photos. Donc essayé d'utiliser des lignes et des motifs plus souvent dans votre photo parce qu'ils sont toujours autour. Toi. Il suffit de regarder autour de vous et vous les trouverez toujours. Il suffit de les ajouter à vos photos et voir la composition de votre photo passer au niveau suivant. 9. Leçon 9 Contraste, équilibre et autres facteurs: Alors regardons quelques-uns des éléments plus qui entrent dans une bonne composition d'image et le contraste étant l'un d'eux. Maintenant, si je dois définir le contraste en termes très simples, ce n'est rien d'autre que la différence dans les zones lumineuses et sombres de l'image. Si le contraste est très élevé, l'image semble vivante. Et à l'inverse, si le contraste est faible, l'image peut sembler plate et la monotone est. Cependant, il y a un petit revers à cela aussi, parce que nous utiliserons à la fois le type de contraste au besoin. Maintenant, le contraste est un élément clé pour transmettre certaines humeurs à travers votre image. Donc, les photos à contraste élevé apparaîtront. Ils montreront des textures dans le sujet et donneront une sensation d'ardeur, de haute énergie et de force. Donc, le contraste élevé est essentiellement utilisé dans la photographie de rue ou la photographie de nature. Les images à faible contraste, d'autre part, ont tendance à avoir un sentiment très rêveur. Donc faible contraste fonctionne bien pour le portrait extérieur. Et surtout si vous essayez d'aller de l'avant et de créer un look sombre ou vintage. Donc, avant de prendre une photo, pensez à ce que vous voulez transmettre de plus, puis cherchez le type de contraste qui le fera se démarquer. Donc, en termes très simples, contraste est la gamme de différence entre les différents tons d'une photo. Dans la photographie en noir et blanc, le contraste décrit la différence entre le ton le plus sombre et le plus clair, mais il définit également les niveaux de gris. Dans la photographie couleur, les contrastes s'appliquent à la façon dont les couleurs se distinguent les unes des autres. contraste est un moyen efficace de diriger l'attention du spectateur vers le centre d'intérêt. Ainsi, le positionnement des éléments du sujet pour créer un contraste leur donne un accent supplémentaire et attire l'attention du spectateur. Maintenant, bien qu'il y ait beaucoup de débat sur ce qui vient d'écrire en termes de contraste, vous voulez que vos tons passent de l'obscurité à très brillante avec chaque couleur entre les deux montrées sur les photos plus tôt. Maintenant, cela peut être mieux vu dans les photographies en noir et blanc que vous voulez, vrai noir à blanc et toutes les nuances entre les deux. Maintenant, essentiellement, un bon contraste est ce qui permet vos couleurs de faire apparaître vos sujets pour être bien définis. Donc, lors de la prise de vue, essayez toujours d'imaginer quelles seront vos options de contraste avant même prendre la photo et de devenir sauvage lorsque vous arrivez enfin à l'ordinateur ou à la pièce sombre. Comme pour tout, la pratique est quelque chose qui vous rendra parfait. Parlons maintenant de quelque chose appelé équilibre visuel. Maintenant, l'équilibre visuel apporte en fait une certaine stabilité et combien à une image. Alors que dans certains cas et la composition déséquilibrée peut rendre une image vraiment dynamique et énergique. Parce que l'équilibre visuel donne un certain champ à une image ou une photo ou peut, et choisira de rendre la scène équilibrée ou déséquilibrée en fonction son est de manière à exprimer le sens derrière la photographie. Maintenant, Vigil équilibre est quelque chose qui apporte une certaine stabilité et harmonie à une image qui est dans certains cas et la composition déséquilibrée peut rendre une image vraiment dynamique et énergique. Parce que l'équilibre visuel donne un certain champ à une image ou à une photographie, ou peuvent-ils choisir de rendre la scène équilibrée ou déséquilibrée pour aider à exprimer le sens derrière la photographie ou quelle est l'intention derrière elle et en cliquant sur cette photo. Maintenant, une image parfaitement équilibrée est celle où les agencements des éléments sont tels qu'aucune zone ne surprend l'autre. L' équilibre comprend la façon dont tous les éléments sont disposés de manière à créer une stabilité dans un travail. Dans AP, l'équilibre dépend de la taille et du nombre d'objets dans une scène. Dans un côté de la peinture ou une photographie a un grand nombre de grands objets, et le côté opposé a peu de petits objets. La paix peut sembler déséquilibrée pour le spectateur. Les objets de même taille et nombre sur les côtés opposés de l'image ont tendance à produire une composition équilibrée. Le placement du sujet dans la zone de l'image est le facteur qui doit être soigneusement pris en considération. La composition est maintenue en équilibre par deux méthodes différentes, symétrique et symétrique. Voyons les deux en détail. Maintenant, bien que toutes les photos équilibrées ne soient pas symétriques, toutes les photographies symétriques sont définitivement équilibrées. La symétrie, également connue sous le nom d'équilibre formel, est obtenue lorsque les deux côtés de l'image ont un poids égal. Maintenant, les photographes ont créé la licence pour prendre ce cimetière comme ils le sont littéralement aussi Oubliez terriblement qu'ils le souhaitent. Comme vous pouvez le voir par les deux exemples que j'ai montrés ci-dessous. Maintenant, chaque photo est également équilibrée si elle est divisée au milieu. Pourtant, l'un est littéralement symétrique et l'autre utilise différents éléments de composition. Apparaît en métrique connu alternativement sous le nom de balance informelle. équilibre asymétrique est un peu plus difficile à atteindre. Plus vous êtes consciemment conscient de l'équilibre asymétrique dans votre composition personnelle, plus cela deviendra facile dans votre pratique quotidienne. Donc, fondamentalement, la symétrie transmet l'équilibre et la proportion dans une photographie. Et c'est une forme de modèle qui illustre la prise de conscience du patient, souvent à travers la réflexion et la rotation. L' utilisation de la symétrie ou d'une symétrie comme outil artistique permet d'explorer pleinement différentes réflexions de composition. Un des meilleurs exemples de cela. Parlons maintenant des couleurs. Et il y a deux raisons principales à cela. Les couleurs peuvent nous aider à raconter des histoires et elles peuvent être utilisées pour communiquer sur un plan émotionnel. La partie émotion est ce que je trouve vraiment, vraiment important. J' irais jusqu'à dire que la couleur est le facteur principal qui est responsable de rendre une photo excitante, vivante, mystérieuse, ou peut-être même mélancolique ou peu sombre. En regardant l'image en haut de la page, vous pouvez voir que quelque chose d'aussi simple que des vêtements sur la ligne contre un mur semble vraiment dramatique et se sentir excitant juste à cause des couleurs. Ainsi, les couleurs peuvent aider à raconter des histoires et il peut être utilisé pour communiquer sur un plan émotionnel. Les couleurs peuvent rendre une photo excitante, vivante, ou même triste. Les couleurs peuvent également être simplement utilisées comme élément sur lequel se concentrer lors de la prise de photos animées. Et maintenant, parlons du rythme et du mouvement dans votre composition. Maintenant lisez-les. Un élément essentiel de la musique, de la danse et de la poésie est également une qualité de grande importance dans les arts visuels. rythme peut affecter la qualité de l'expérience visuelle pour votre public et aider à dessiner et à garder l'œil dans le cadre. Le motif peut être considéré comme un sujet de rythme. Et que le motif aura toujours un rythme, mais les rythmes n'auront pas nécessairement un motif. Et tout en parlant de mouvement, avoir une réputation d'éléments dans votre photo peut produire l'apparence et la sensation d'un mouvement. Maintenant, le mouvement est le chemin que l'œil du spectateur emprunte à travers le travail d'un étrange, souvent pour cibler des zones. De tels mouvements peuvent être dirigés le long des lignes, bords, des formes et des couleurs dans l'œuvre de l'art. Il y a donc plusieurs façons de créer un rythme ou un mouvement dans une photographie. Mais le modèle standard le plus souvent utilisé est une réputation. Ce rythme standard implique les mêmes éléments ou similaires se répétant à intervalles réguliers. Maintenant, pensez à ces bateaux aussi espacés dans cette image particulière. Ici sont une série de fenêtres sur le côté de l'immeuble d'appartements de la ville, ou la série d'arbres que vous pouvez voir dans la deuxième image ici. Dans ces deux images, cette réputation est quelque chose qui donne le rythme et le mouvement à ces images particulières. Essayez donc d'ajouter ces petites saveurs à votre composition d'image et essayez de voir la différence que cela fait dans le genre de photos que vous prendrez à l'avenir. 10. Leçon 10 de la profondeur du domaine: Maintenant, avant d'aller de l'avant et de terminer la série sur la composition, je veux toucher base un peu sur la profondeur de champ. Parce que la profondeur de champ est quelque chose qui peut vraiment ajouter de la vie à la composition d'une image. Et quiconque a déjà manipulé une caméra et compris ce qu'est une ouverture sait aussi quelle est la profondeur du champ. Maintenant, la profondeur de champ n'est rien d'autre que la distance entre les objets les plus proches et les plus éloignés qui apparaissent dans une image suffisamment nette. Donc, par exemple, si vous regardez cette photo d'une année, qui est d'une table de billard et il y a des balles dessus. Et vous remarquerez que la balle qui est très proche de la lentille, apparaît en nette mise au point. Alors que le second, qui est un peu loin de l'objectif, est hors de la mise au point. Et puis la troisième, qui est notre année, est complètement détournée. Maintenant, c'est quelque chose que l'on peut réaliser en gérant la profondeur de champ dans une image. Maintenant, contrôler la profondeur de champ dans une photo est l'une des choses les plus importantes que vous puissiez faire. C' est ainsi que vous pouvez contrôler ce qui est en forte concentration et ce qui ne l'est pas. Et cela est vital parce qu'il permet de mettre en valeur certaines parties de votre photo et de désouligner certaines parties. Maintenant, la profondeur de champ dépend de l'ouverture de l'objectif, la distance focale de l'objectif et de la distance entre l'objectif et le sujet. Maintenant, nous allons appuyer un peu sur cela pour que vous puissiez mieux comprendre ce que la profondeur de champ est tout au sujet. Maintenant, si quelqu'un veut comprendre ce qu'est la profondeur de champ, il doit avoir une bonne compréhension de ce qu'est une ouverture de caméra. Maintenant, l'ouverture est le trou qui permet à la lumière d'entrer à travers l'objectif. Et c'est une taille d'ouverture dans l'objectif. Quand la photo est réellement prise. Chaque ouverture a un numéro de fstop. Maintenant, je ne vais pas entrer dans beaucoup de détails de cela parce que ouverture F-stop est un grand sujet et une série de conférences séparée en soi. Mais il faut comprendre que la profondeur du champ fait référence à la quantité de la scène mise au point, à la fois devant et derrière le sujet principal. Par exemple, si vous regardez ce cube au-dessus de l'Europe, en changeant le f-stop, je peux aller de l'avant et rendre l'arrière-plan flou ou plus net dans une image. Désormais, une grande profondeur de champ signifie que la majeure partie de votre image sera mise au point. Et une petite ou une faible profondeur de champ signifie que seule une partie de l'image sera mise au point et que le repos sera floue. Maintenant, en quoi cela est-il lié au numéro d'arrêt de votre ouverture ? À mesure que le nombre de f-stop augmente, la netteté augmente également. Et plus le nombre de f-stop est petit, plus la profondeur de champ sera étroite. Plus le f-stop est grand, plus la profondeur de champ sera grande. Donc, si vous regardez cette image particulière au cours de l'année, vous remarquerez que lorsque mon nombre de f-stop augmente, la netteté augmente dans l'image. D' autre part, plus le nombre de f-stop est petit, plus la profondeur de champ est étroite dans cette image particulière. On peut toujours aller de l'avant et contrôler le numéro d'arrêt de la caméra en utilisant le triangle d'exposition. Maintenant pourquoi comprendre la profondeur de champ est important parce qu'en comprenant cette facette importante de la photographie numérique, votre photographie sera plus remarquable que les autres photographes dans certaines des scènes que vous voulez photographier, vous voudriez que tout soit mis au point. Alors que dans d'autres scènes, vous ne voudrez qu'une partie du sujet soit bien mise au point. C' est pourquoi il est important de comprendre le concept de profondeur de champ en photographie. Il est également essentiel que vous vous rendiez compte que vous pouvez avoir une incidence sur la profondeur du champ lorsque vous utilisez un Canada donné. Maintenant ans autant div que je veux aller de l'avant et partager avec vous. L' ouverture de l'objectif plus grande qui maintient un arrêt f de 1,8 à 3,5 offrira les avantages suivants. Il vous permettra de tirer plus avec juste la lumière naturelle. Et il vous aidera à réduire les ombres dures et les yeux rouges qui sont causés par le flash. Il permettra à plus de lumière de passer à travers la caméra et vous serez capable de choisir une vitesse d'obturation légèrement plus élevée. Il vous aide également à réduire le flou de mouvement. Et enfin, mais pas le moindre, il vous aide à réduire la profondeur de champ pour l'effet. Allons de l'avant et regardons quelques-unes de ces images qui vous donneront une meilleure compréhension de la façon dont juste changer la profondeur de champ et rendre votre arrière-plan floue ou magasiner, peut réellement changer toute la composition et la façon dont le spectateur regarde vos photos. Maintenant, avec cela, nous arrivons à la fin de la série de conférences sur l'art de la composition de l'image. Souvenez-vous, la pratique est quelque chose qui vous rendra parfait. Maintenant, peu importe ce que vous avez appris dans cette série de conférences, est-ce que cela semble trop grand et de l'ordre et que vous ne remplirez jamais. Ne vous inquiétez pas. Tout le monde pense qu'au début, cette théorie est plus intimidante que de la mettre en pratique. Au fur et à mesure que vous pratiquez et que vous vous y habituez, il deviendra une seconde nature pour vous. Vous vous retrouverez presque automatiquement et rapidement identifier le centre d'intérêt. plaçant correctement dans le cadre, composant pour l'équilibre du viseur et en prenant une image efficace et bien composée l'accent que vous voulez sans même y penser. Le mot clé est, cependant, pratique, lorsque vous vous entraînez à faire quelque chose de bien assez souvent, alors vous commencez à le faire correctement tout le temps sans même avoir à y penser. Alors allons de l'avant et commençons à cliquer sur quelques images merveilleuses et amenons vos compétences en composition au niveau supérieur.