Transcription
1. Introduction: Salut. Je m'appelle Jordana Zeldin. Je fais partie de l'équipe des partenariats de la galerie chez Artsy. Je suis venu au monde de façon organique, et j'ai été le directeur d'un organisme à but non lucratif, une galerie, un conservateur. Je suis aussi un docent au Whitney Museum of American Art, ce qui signifie que je donne
des visites des expositions et des travaux en vue au public. Bien sûr, la chose qui unit toutes les activités que j'ai faites au cours des six dernières années est l'art. Ce cours est pour tout le monde. C' est pour les gens qui sont curieux de l'art contemporain, des gens qui sont peut-être même un peu sceptiques à ce sujet. Nous allons nous concentrer sur trois choses principales aujourd'hui. Nous allons vous présenter le paysage de l'art, tous les différents types d'art, art
contemporain qui sont là. Nous allons vous fournir une boîte à outils de questions que vous pouvez poser. Les questions peuvent être incroyablement utiles
pour vous permettre de vous connecter et de vous engager plus profondément avec l'œuvre d'art. Ensuite, bien sûr, nous allons parler de l'endroit où vous pouvez trouver de l'art dans le monde. La mission d'Artsy est de rendre l'art accessible à tous ceux qui ont une connexion Internet. Vous pouvez vous connecter pour en savoir plus sur les artistes que vous connaissez déjà, découvrir de nouveaux artistes, suivre l'actualité de l'art et entrer en contact avec nos galeries partenaires du monde entier pour acheter de l'art. Ce que je veux dire aux étudiants, c'est que vous avez le droit d'avoir une opinion sur l'art que vous voyez. Vous avez le droit à la fois d'aimer ou de ne pas aimer une œuvre d'art, et aussi de dire que vous ne comprenez pas, et de commencer à poser des questions sur ce que vous voyez.
2. Qu'est-ce que l'art ?: Dans cette leçon, nous allons vous présenter le large éventail de formes que l'art contemporain peut prendre. Les exemples que nous allons parcourir aujourd'hui sont tous des exemples de l'art contemporain, ce qui signifie pour nous l'art qui a été fait après 1970. L' une des choses qui rend l'art contemporain si excitant, c'est qu'il est fait maintenant. Ce que cela signifie, c'est que les artistes réagissent souvent au moment présent, aux expériences et aux circonstances que nous partageons tous. Pour commencer, qu'est-ce que l'art ? C' est une question assez redoutable et il n'y a pas de bonne réponse. Mais ce que je dirai, c'est que les humains font de l'art
depuis des milliers et des milliers d'années, à d'innombrables fins. De l'expression, à la religion, à l'auto-examen, et le fait que nous n'ayons pas une définition précise fait partie de ce qui rend si excitant pour nous de parler aujourd'hui. Dans ce cours, nous allons offrir une approche vraiment pratique, une façon de penser et de s'engager avec ce qu'est l'art. Pour nos besoins aujourd'hui, nous allons le
décomposer de façon succincte et y réfléchir en termes d'intention d'une part et de réception d'autre part. Donc, par intention, nous entendons simplement, l'artiste
a-t-il l'intention de faire de l'objet ou de l'expérience qu'il ou elle a créé un art ? Donc, pour nos besoins aujourd'hui, si l'artiste voulait que l'œuvre soit de l'art, alors c'est de l'art. La raison pour laquelle cela est important est parce qu'une fois qu'un objet a été conçu pour être de
l'art, les lentilles à travers lesquelles nous le voyons changent, et bien sûr aussi les questions. Alors prenez cette œuvre de l'artiste danois Olafur Eliasson. L' intention est ce qui différencie cette pièce créée en collaboration avec un géologue des morceaux réguliers de glace que vous pourriez voir dans la rue après une tempête de neige. Donc, d'un autre côté, il y a des objets qui n'auraient pas été conçus pour être de l'art quand ils ont été créés, mais nous les considérons comme de l'art à cause de la façon dont nous les recevons. C' est peut-être leur placement dans un musée par exemple. Pensez aux tombes égyptiennes ou aux masques amérindiens. Nous pouvons encore les regarder ou les recevoir à travers les lentilles de l'art comme nous pourrions le faire une peinture de Rembrandt ou Picasso. Donc, quand vous regardez une œuvre d'art, vous pouvez déjà commencer à penser à la fois l'intention de l'artiste et aussi à votre expérience, à la façon dont vous la recevez. Il y a un vaste paysage d'art contemporain et identifier le type d'œuvre que vous regardez peut être une
première étape très utile pour comprendre ce que vous voyez. Le premier type d'art que nous allons envisager aujourd'hui est l'art basé sur des objets. La peinture, les sculptures, les photographies, les estampes sont autant d'exemples d'art objet parce qu'ils existent concrètement dans l'espace. Vous pouvez les regarder, vous pouvez les contourner mais souvent avec de l'art basé sur des objets, tout ce qui est nécessaire au moins pour commencer est de regarder. Nous allons d'abord envisager la sculpture. sculpture est l'une des formes d'art les plus anciennes
et traditionnelles, et c'est souvent l'une des premières choses auxquelles les gens pensent quand on parle de l'objet d'art. Ici, nous avons une sculpture de l'artiste vénézuélien, James Matheson. Ce qu'il fait, c'est qu'il crée ces portraits très réalistes presque anatomiquement corrects de têtes de figures masculines en bronze. Il joue souvent avec la surface des œuvres comme recréer des fissures, lignes de
grille ou des perforations dans l'œuvre. Notre deuxième exemple d'art basé sur des objets est cette photographie de Samuel Fosso. L' art à base d'objet n'a pas besoin d'être tridimensionnel, il peut être bidimensionnel comme cette photo, il est plat mais ce qu'il fait c'est qu'il nous offre toujours l'occasion de regarder. Pour notre prochain exemple, considérons ce tableau de l'artiste, Amy Feldman. Ici, Feldman réalise une œuvre abstraite utilisant deux tons de gris. En tant que peinture, cette œuvre est aussi un objet d'art. De nombreux objets d'art s'intègrent à l'histoire de l'art, comme cette œuvre de Faig Ahmed. Ici ce qu'il fait, c'est qu'il prend un rif numérique sur un tapis traditionnel azéri qui fait des motifs. Notre deuxième grand type est l'art basé sur l'expérience. Avec l'art basé sur l'expérience vous le spectateur peut souvent aller à l'intérieur se déplacer, autour d'elle. Il s'agit souvent d'un environnement immersif. Alors que les œuvres basées sur des objets impliquent principalement le sens de la vue, avec les œuvres basées sur l'expérience, on
vous demande souvent de remarquer ce que vous entendez, ce que vous touchez, ce que vous goûtez, ce que vous sentez. Avec des œuvres basées sur l'expérience, c'est presque comme si vous alliez à l'intérieur de l'objet d'art. Ici, nous avons ce travail des artistes chinois, Cai. Ce qu'il a fait, c'est qu'il a construit 99 animaux à la main et les a placés autour de ce plan d'eau. Il y a un élément sonore à l'installation où vous pouvez entendre presque comme le bruit d'un animal qui tape l'étang, et il est allumé très brutalement et presque utopique d'en haut. Les spectateurs sont invités à tisser autour de l'espace entre les animaux et faire une idée de ce que cela fait de vivre se
faire une idée de ce que cela fait de vivre
cet environnement étrange et d'un autre monde. Certaines œuvres d'art basées sur l'expérience vous invitent à toucher l'œuvre ou même à la parcourir. Comme cette installation de l'année moderne de l'artiste islandais Elin Hansdottir, l'œuvre est faite de brique de boue et elle est bordée de miroirs verticaux, sorte que lorsque vous courrez à travers la spirale, vous pouvez voir votre réflexion. Le prochain type d'art que nous allons explorer est l'art temporel. Maintenant, bien sûr, toutes les œuvres d'art prennent du temps. Comme je l'ai mentionné, nous vous encourageons à
ralentir peu importe ce que vous regardez. Mais les travaux basés sur le temps ont généralement un début défini et une fin définie. types d'art temporel comprennent : art
vidéo, l'art sonore, film, la performance, la danse, toutes ces œuvres prennent du temps, et bien qu'elles requièrent souvent un peu plus de patience de la part du spectateur, elles peuvent aussi être de l'expérience la plus enrichissante que vous pouvez avoir avec l'art. Regardons ce travail de l'artiste, Rafael Lozano-Hemmer, appelé microphone. Ce que l'artiste a fait, c'est qu'il a arrangé ces microphones
projecteurs vintage des années 1930 autour de la pièce à différentes hauteurs et qu'il invite les gens à aller les voir et à y parler. Les microphones ont été modifiés de sorte qu'après avoir parlé dans le microphone, ce qui vous revient est une voix d'un participant précédent
et de cette façon ce que vous obtenez avec ce travail est un écho du passé. Ainsi, vous pouvez presque penser au début de ce travail comme le moment où vous le spectateur parlez dans le microphone, puis la fin du travail comme lorsque vous entendez la voix, l'
un des participants précédents se réverbérant vers vous. Donc, encore une fois, il y a une heure de début et une heure
de fin même si bien sûr l'installation continuera à réverbérer longtemps après votre départ. Un certain art temporel est l'art de la performance. C' est éphémère qui disparaît dès que la performance a pris fin. Par exemple, l'artiste EJ Hill a introduit une clôture dans la galerie, il a attaché une corde à sauter à la clôture, et
il a sauté la corde sur cette clôture aussi longtemps qu' pouvait jusqu'à ce
qu'il s'effondre avec épuisement. L' art vidéo comme la performance, comme l'art sonore, peut également être considéré comme l'art temporel comme cette pièce de l'artiste Shazia Skander. Ce qu'elle a fait, c'est qu'elle a utilisé une technique traditionnelle, une technique de peinture où elle peint en miniature et anime l'œuvre sous forme vidéo. Ce que toutes ces œuvres partagent en commun, c'est que l'artiste a voulu qu'elles changent au fil du temps. Nous avons donc parlé de ces trois grands types d'art, mais il est important de noter ici que ces types ne sont en aucun cas mutuellement exclusifs et qu'il existe d'innombrables exemples de chevauchement entre ces types. Ainsi, vous pouvez avoir un objet d'art qui change au fil du temps, vous pouvez avoir une pièce de performance qui intègre un objet d'art, mais ce que identification de ces types peut vous aider à faire est de penser ou de noter s'il s'agit d'un objet d'art, prenez note de ce que vous voyez. S' il s'agit d'un objet basé sur l'expérience ou sur l'installation, que sens au-delà de la vue ? Quelle est l'expérience holistique qui est activée ? Et puis, s'il s'agit d'un travail basé sur la durée ou le temps, vous pouvez vous demander comment le travail a-t-il changé au fil du temps ? Tout le vocabulaire que nous utilisons dans cette leçon, vous
aidera à donner un sens à l'art.
3. Poser des questions : Ce que nous pouvons voir: Dans cette prochaine section, nous allons vous présenter des outils de questionnement et des outils pour regarder de près. Dans cette dernière leçon, nous nous sommes concentrés sur la façon d'identifier le type d'art que vous voyez, et dans cette leçon, nous allons vous aider à aller plus loin et à parler de la façon de donner un sens à ce que vous voyez. Je tiens à souligner ici que les questions que nous allons poser ne
sont pas de bonnes questions ou de mauvaises questions, sont pas de bonnes questions ou de mauvaises questions mais plutôt que nous vous donnons des modes de questions afin
que vous puissiez choisir celle ou celle qui résonne le plus avec vous. Donc, commençons par ce que vous pouvez voir et qui est souvent connu sous le nom d'analyse formelle, et comprend la décomposition des éléments de la composition, des matériaux, de la technique, du contenu. Lorsque vous approchez d'une œuvre d'art, il peut être incroyablement utile de briser les choses un par un. Ce qui est vraiment génial à propos de l'analyse formelle lorsque vous approchez d'une œuvre, c'
est qu'elle ne nécessite aucune recherche extérieure et qu'il s'agit de ralentir et de faire quelques recherches de près. L' un des principaux blocs de construction de l'analyse formelle est la composition, et ce que cela signifie est comment les lignes, la forme parfois la couleur sont disposées en relation les unes avec les autres. En fin de compte, la question est savoir comment ce travail est-il organisé ? C' est la composition. Donc, ce que nous regardons ici, est une œuvre de l'artiste Julie Blackmon et loin d'être un coup franc, photographie à la volée, cette œuvre avec soigneusement composée par l'artiste. Maintenant, en pensant aux différents éléments de composition de ce travail, l' une des choses que j'ai remarquées pour la première fois est qu'il y a des lignes partout. Le signe stop fait une ligne, les cadres de fenêtre font une ligne même que le jet jet en haut du mot fait une ligne, puis quand on pense aux lignes dans le contexte de ce travail, même les figures elles-mêmes sont des lignes, mais remarquez comment chaque ligne est une inclinaison. Non, une ligne est parfaitement droite ou parfaitement verticale et je pense qu'une partie de ce que cela fait est d'aider à souligner le travail avec un sentiment d'instabilité et d'instabilité. Maintenant, parlons de matériaux qui pose la question, quel est le travail fait ? Bien sûr, il y a de l'argile et de la peinture, des matériaux
traditionnels que nous associons souvent à des œuvres d'art. Mais alors il y a aussi des matériaux non traditionnels. Les artistes peuvent travailler dans des métaux précieux ou même trouver des objets de la vie quotidienne. Alors, considérons ce travail d'El Anatsui. Ce qui pourrait d'abord ressembler à un tissu brillant ou à une peinture métallique est en fait bouchons de
bouteilles et des emballages que l'artiste a soigneusement assemblés à l'aide de fil de cuivre. C' est un exemple d'un artiste qui choisit délibérément un matériau à incorporer dans un sens personnel. Il a dit que les médias qui viennent avec l'histoire signifient quelque chose pour moi. Ce n'est pas seulement de l'huile et de la peinture du tube, je ne peux pas me rapporter à ça. Je préfère aller chercher quelque chose que les gens ont utilisé, puis il y a un lien entre moi et les autres personnes qui ont touché cette pièce. L' élément suivant de notre analyse formelle que je veux considérer est la technique, et la question est de savoir comment le matériel est utilisé. Même lorsque vous avez des artistes utilisant le même matériau, la façon dont ils l'abordent ou l'utilisent, la technique, peut les rendre incroyablement différents. Considérez d'abord cette œuvre de Grace Weaver. Il est peint à plat et de grandes étendues de couleurs délimitent le chapeau d'une personne. Maintenant, ce travail de Jenny Morgan utilise aussi de l'huile sur toile, mais la façon dont elle la peint fait presque ressembler à une photographie. C' est méticuleux et très détaillé. Puis ce dernier travail ici encore, l'huile sur toile est incroyablement picturale. Le matériau est épais et construit. Faire ce type d'analyse comparant le travail côte à côte peut vraiment vous aider à comprendre et à voir quelle technique un artiste utilise et à
reconnaître également ces techniques comme des choix délibérés. Nous pouvons nous demander pourquoi Grace Weaver utilise-t-elle ces pans plats de couleur ? Pourquoi Jenny Morgan fait des peintures qui ressemblent presque à des photographies ? Pourquoi O Jun a-t-il décidé de construire la peinture aussi épaisse que lui ? Jusqu' à présent, nous avons parlé de composition, de matériaux, de techniques, mais nous n'avons même pas encore abordé la question de savoir de quoi est le travail. L' une des façons qui peut être utile pour considérer cela est de se poser la question : le travail
est-il abstrait ou est-il représentatif ? L' abstrait fait référence à des œuvres composées principalement de lignes, de couleurs et de formes. Alors que les œuvres représentatives font souvent référence quelque chose qui nous est familier de notre vie quotidienne. Donc, comme vous pouvez le voir, qu'en ralentissant, vous êtes en mesure de commencer à remarquer et à reconnaître des éléments que vous n'auriez pas vus avec un premier glamour rapide. Ce qui nous aide aussi à voir, c'est que chacun de ces éléments reflète un choix artistique. Simplement regarder peut être incroyablement puissant, vous pouvez toujours obtenir quelque chose d'une œuvre en l'approchant de cette façon,
mais ce n'est jamais toute l'histoire.
4. Poser des questions : Ce que nous ne pouvons pas voir: Ensuite, analyse contextuelle. Maintenant, souvent, quand vous rencontrez quelqu'un très vite, vous pourriez être capable de décrire à quoi ils ressemblent, ce qu'ils portent. Mais ce n'est que lorsque vous apprenez vraiment à connaître la personne, passer du temps avec elle, en apprendre davantage sur son histoire familiale et ses amis que vous avez vraiment une idée de qui elle est et c'est le même cas avec une œuvre d'art. Juste comment nous pouvons décomposer ce que nous pouvons voir dans une œuvre d'art, nous pouvons également décomposer les éléments qui ne sont pas immédiatement visibles pour nous. Revoyons l'idée de l'intention, qui rappelle la question en regardant une œuvre d'art : « Quelle est l'intention de l'artiste ? Plus tôt, nous avons parlé brièvement d'une performance par EJ Hill appelé mécanismes de clôture. Nous avons mentionné que la performance est basée sur le temps qui commence quand l'artiste
a attaché une corde à sauter à une clôture et se termine environ deux heures plus tard quand il s'effondre de l'épuisement. La performance est clairement un exploit d'endurance, mais ce qu'il s'agit de travail va au-delà de cela. Pour mieux comprendre cela, nous pouvons commencer par considérer l'intention de l'artiste. faisant un peu de recherche, nous pouvons apprendre que les mécanismes de clôture sont une performance semi-autobiographique. C' est personnel pour les artistes, en ce sens qu'il tire parti des expériences de son enfance. Hill a parlé de se sentir isolé dans la cour de l'école catholique qu'il était enfant et il se souvient d'attacher
une corde à alorsqu'il était enfant et il se souvient d'attacher
une corde àune clôture pour qu'il puisse jouer le double néerlandais seul. En raison de cette expérience, la corde à sauter, qui serait un objet qui pourrait ne pas signifier grand-chose pour la plupart d'entre nous, a une résonance très spécifique pour Hill. C' est devenu un symbole de l'aliénation qu'il ressentait quand il grandit à Los Angeles. Pour revenir à l'idée des choix d'artistes, Hill aurait pu choisir de communiquer cette expérience de plusieurs façons, par exemple à travers une peinture ou une sculpture. Mais pour l'artiste, le souvenir de l'expérience physique était profond, ce qui rendait d'autant plus important pour lui de présenter la pièce en utilisant son corps. Il a dit : « Être en vie, c'est dur. Être en vie, c'est si compliqué. Être vivant dans un corps noir, être vivant dans un corps bizarre, cela vient avec certaines choses que les autres n'ont pas à penser. Je stocke ces expériences dans mon corps depuis l'enfance. J' ai l'impression que le monde me prépare à ce genre de travail depuis le jour de ma naissance. » Maintenant, bien sûr, nous ne serions pas en mesure de savoir tout cela, si nous n'avions pas fait un peu de recherche ou si nous avions parlé à l'artiste, cela est regardé dans
le contexte de l'œuvre plutôt que de simplement penser à ce qui est devant nous. Parlons de la réception, qui est un mot que nous avons introduit au début de la leçon. Maintenant, dans ce cas, réception fait référence au public visé, donc pour qui les artistes ont fait les œuvres et aussi où elles ont été reçues, le contexte ou le lieu dans lequel l'œuvre est présentée. Certaines œuvres sont entièrement spécifiques au site, ce qui signifie que l'artiste les a créées pour un lieu spécifique et souvent pour un public spécifique. Donc, Deborah Kass a conçu cette sculpture extérieure pour être installée au Brooklyn Bridge Park. En regardant directement, vous pouvez voir qu'il est grand, composé de deux lettres jaunes qui disent OY ou YO, selon la façon dont vous êtes face. Maintenant, avec la signification réelle de l'œuvre est que lorsque téléspectateurs regardent Manhattan à partir de Brooklyn, l'œuvre lit OY ou OY, mais quand vous êtes à Manhattan à la recherche de Brooklyn, il lit YO ou YO. Donc, ce que fait l'artiste, c'est un peu jouer sur les différences culturelles entre ces deux communautés. Cet exemple nous montre à quel point il est important de regarder au-delà du travail et de tenir compte du contexte environnant. Parlons ensuite du processus d'un artiste, en
particulier des processus qui pourraient ne pas être visibles dans la pièce finie. Il y a donc deux exemples qui viennent à l'esprit ici, l'un de Ben Weiner et l'autre de Stefana McClure. Cette pièce de Ben Wiener rappelle le tie-dye, mais en fait ce que l'artiste a fait c'est qu'il a créé une série de dessins réalisés en enrobant des feuilles de papier à l'encre, puis en les trempant dans différents médicaments, fois sur le comptoir et légal . Ce processus dépend presque entièrement du hasard, car les artistes n'ont vraiment pas une idée de
la façon dont la pièce se produira quand il commencera le processus. Ensuite, il y a ce travail de Stefana McClure. Maintenant, il semble que ce que nous regardons sont deux lignes blanches squigggly sur un fond bleu. Mais c'est un autre exemple de la façon dont
la compréhension du processus de l'artiste peut donner des indices quant à sa signification. Pour réaliser ce travail, l'artiste a regardé des films sous-titrés, puis transcrit chaque sous-titre d'une seule ligne de film en haut de la ligne. Donc, ce que cela a fait est broyé le papier. Apprendre sur le processus de cet artiste nous montre que ce qui ressemble à deux lignes squiggly est en fait des
heures et des heures de travail et nous pouvons maintenant comprendre pourquoi le morceau de papier semble si mince et érodé, où les sous-titres ont été établies. Si vous entendez parler de ces processus d'artistes est passionnant pour vous, sachez que vous pouvez presque toujours aborder une œuvre d'art à travers la lentille du processus. Enfin, considérons l'environnement, ce qui pose la question, où et quand l'œuvre a-t-elle été créée ? Contrairement à essayer d'imaginer ce que c'était de vivre il y a 500 ou même 1 000 ans, la beauté de l'art contemporain, en particulier le travail qui a été produit près de chez vous, est que vous avez une compréhension de base du contexte dans lequel l'œuvre a été fait. Pour les œuvres d'art, comme nous parlons qui sont profondément enracinées dans le présent, il peut être très facile de remplir les blancs pour ce que vous ne pouvez pas voir. Prenons par exemple cette installation appelée Ice Watch Paris de l'artiste islandais danois Olafur Eliasson. Lors de la Convention-cadre des Nations Unies sur les changements climatiques à Paris, Eliasson a apporté 12 morceaux de glace glaciaire du Groenland, la place du panthéon de la ville. Il s'agissait de morceaux de glace qui s'étaient détachés d'un fjord au Groenland en raison de l'élévation de la température mondiale et ils totalisaient plus de 80 tonnes. Ils sont disposés en cercle, presque comme une horloge. Le berg fondit lentement dans les rues de Paris, ce qui est la façon d'Eliasson de visualiser l'impact du changement climatique. Donc, si vous venez de tomber sur un morceau de glace fondu dans les rues de Paris, cela pourrait certainement vous donner une expérience et pourrait être considéré comme de l'art. Mais à quel point le travail est-il devenu plus riche quand vous savez que le morceau de glace provenait du Groenland et se
détachait d'un fjord et que l'œuvre était exposée dans le cadre du sommet sur le climat de Paris ? Il y a donc toutes sortes de questions que vous pouvez poser sur le contexte d'une œuvre. Comment allez-vous trouver toutes ces informations ? Eh bien, pour commencer la recherche, vous pouvez
aller en ligne ,
aller sur Artsy , aller sur Google, comme vous le
feriez pour obtenir plus d'informations sur un auteur ou une grande musique. N' ayez pas peur de demander aux gens autour de vous. espaces du monde de l'art ont souvent une foule d'experts qui ont passé beaucoup de temps avec les œuvres, qu'
il s'agisse d'assistants de galerie, docents de
musée, voire de gardes de sécurité. Dans cette section, nous avons parlé à la fois de ce que vous pouvez voir et de ce que vous ne pouvez pas voir et nous vous avons donné toute une série de questions et d'approches que vous pouvez utiliser lorsque vous envisagez des œuvres d'art et si certaines de ces questions ou approches se sentir peu familier ou peut-être même un peu mal à l'aise, je vous encourage à les essayer, voir ce qui se passe parce que ce que vous trouvez pourrait vous surprendre.
5. Trouver l'art dans le monde: Le plus souvent, quand vous allez voir de l'art dans le monde, vous le verrez dans le cadre d'une exposition. Une exposition est un regroupement d'œuvres qui sont généralement présentées autour d'un seul thème, ou méthode de travail, et qui peuvent être soit comme une exposition d'artiste unique, soit une exposition de groupe qui signifie, œuvres présentées par deux ou plusieurs artistes. L' un des avantages d'une exposition personnelle est que vous pouvez avoir une compréhension assez profonde de la pratique d'un artiste, ainsi que de l'évolution de son travail au fil du temps. Le plus souvent, les expositions ont des titres, et ceux-ci peuvent également être des clés précieuses pour
nous aider à déterminer ce que pourrait être l'œuvre, et aussi quand elle a été réalisée. Certaines expositions individuelles sont également des rétrospectives. rétrospectives couvrent généralement l'ensemble de la carrière d'un artiste, depuis le début jusqu'à la fin. Une des grandes choses d'une rétrospective, c'
est qu'elle peut vraiment vous donner une idée de l'évolution de l'artiste et de l'évolution des œuvres au fil du temps. Il s'agit donc d'expositions individuelles, mais l'autre type d'exposition, c'est l'exposition collective qui rassemble un certain nombre d'artistes et les unit autour d'un seul thème, d'un
moyen, d'un processus, d'une période temporelle, et sur et sur. Alors, qui crée ces expositions ? Le plus souvent, ce sont des conservateurs. Ils sont chargés de sélectionner les œuvres, les
organiser dans une pièce et de créer une ligne directe ou une histoire pour que les visiteurs puissent suivre. Vous êtes loin d'être seul lorsque vous visitez une exposition. Il y a une pléthore de ressources qui vous aideront à vous guider dans vos recherches. Parmi ceux-ci, docent tours, communiqués de presse, alors vous pouvez télécharger l'audioguide, lire la taxe murale, toutes ces choses, sont là pour vous. Une façon de trouver des expositions près de chez vous est de vous connecter à Artsy, d'
aller sur notre page des spectacles, saisir l'emplacement de votre ville, et de voir ce qui est sur le point d'ouvrir, ainsi que ce qui est sur le point de fermer. Vous pouvez également consulter votre journal local et la myriade de blogs artistiques qui sont disponibles en ligne. Il y a quatre endroits principaux où vous pouvez voir des expositions aujourd'hui, musées, des galeries espaces publics, et vous pouvez également regarder sur Internet. Les musées sont généralement de grands espaces à but non lucratif, avec une mission éducative, comme le Met, le Whitney et Luckman, à Los Angeles. Galeries, sont des espaces commerciaux pour l'achat, la vente et la visualisation d'œuvres d'art. Ils sont souvent les meilleurs endroits pour voir les œuvres émergentes, ainsi que les œuvres contemporaines qui sont faites aujourd'hui. Parce que les galeries sont généralement moins axées sur l'éducation et plus axées sur le commerce, il peut sembler qu'il n'y a pas autant de ressources disponibles pour vous, et parfois elles peuvent même se sentir intimidantes. Mais je vous encourage,
ne vous laissez pas intimider par la galerie, vous pouvez y aller en toute confiance en utilisant les outils dont nous avons parlé aujourd'hui, vous pouvez demander un communiqué de presse, une liste de contrôle de l'exposition, et vous pouvez toujours parler à la personne derrière le bureau, qui a très probablement passé beaucoup de temps autour de ce travail et en sait beaucoup à ce sujet. Ainsi, les exemples de galeries, qui ont travaillé avec certains des artistes dont nous avons parlé dans cette leçon, sont October Gallery à Londres, Mark Moore Gallery à Los Angeles et Brand New Gallery à Milan. espaces publics, sont souvent de grands endroits pour trouver de l'art. Un art proche de vous dans votre communauté. Quelques exemples célèbres de l'art public sont le Bean à Chicago, ou la Statue de la Liberté. L' art public est souvent une question de vous, votre quartier et de la communauté, et c'est une excellente façon de commencer lorsque cherchez de l'art avec lequel vous pouvez vous connecter presque immédiatement. Bien sûr, il y a tellement d'informations sur l'art en ligne. Vous pouvez vous connecter au site Web d'une grande institution, vous pouvez consulter Google Art Project. Pour plus de contexte historique de l'art, vous pouvez regarder Art 21, ou l'Art Story, un excellent endroit pour commencer, est de vous connecter à artsy, visitez la page du génome de l'art et des projets, et là vous trouver littéralement des milliers de catégories d'art, et commencer à explorer l'art basé sur vos propres intérêts.
6. Réflexions finales: Donc, nous avons parlé de l'intention et de la réception. Nous avons parlé des trois types d'art, l'art objet, l'art basé sur l'expérience et l'art basé sur le temps. Nous avons parlé de la façon de poser des questions à la fois sur ce que vous pouvez voir et sur ce que vous ne pouvez pas voir, et nous avons également parlé de l'endroit où trouver de l'art dans le monde. Alors, qu'est-ce que tu fais maintenant ? Consultez les ressources de la classe. Téléchargez notre fiche de questions que vous pouvez apporter avec vous lorsque vous regardez l'art dans le monde. Envisagez de vous inscrire à la newsletter éditoriale de l'art, où vous serez tenu au courant des nouvelles de l'art, mais il sera également plein de ressources éducatives, ils parleront des moments clés de l'art contemporain, et parlez de ce que vous voyez, parlez-en avec vos amis, vos collègues. Quand vous êtes dans ces espaces du monde de l'art, demandez aux agents de sécurité, demandez aux docents. Le but est de commencer un dialogue et une conversation dont vous pouvez vous sentir confiant maintenant faire partie.
7. Plus de cours de créativité sur Skillshare:
Artsy's Learning Team and Jordana Zeldin
