Comment créer des autocollants d'animation dans Procreate (NaNa FanArt)

1. Intro: L'une des meilleures choses d'être un artiste est ce moment où vous pouvez tenir vos propres œuvres d'art finies entre vos mains. Et peut-être même plus que ça. Emportez-le partout où vous allez. C'est l'une des raisons pour lesquelles j' adore créer des autocollants, car vous pouvez les apposer sur vos articles préférés que vous avez avec vous à tout moment. Bonjour, je suis Laura, illustratrice numérique et je suis là pour vous apprendre à créer vos propres designs d'autocollants. Je vais vous montrer comment procéder, de l'esquisse aux ajustements finaux, dans deux exemples différents. À savoir les personnages principaux de l'anime des années 90 appelés nanos. Mon intention est de créer un ensemble de deux autocollants que tous les fans adoreront, achetés ensemble. J'ai l'impression que mes créations n'hésitez pas à découvrir d'autres de mes œuvres d'art sur Instagram. Le Handle doit se trouver quelque part sur l'écran pour que vous puissiez le voir. Ne perdons plus de temps et passons directement à l'illustration. 2. Hachi Lineart: Bonjour les gars et bienvenue à la première leçon de ce cours. Vous le savez probablement déjà grâce à l'intro ou à la miniature, mais nous allons dessiner deux personnages, les personnages principaux de l'animal, Nana, et le second, voir comment nous pouvons les transformer en autocollants. Comme nous savons depuis le tout début qu'ils deviendront des autocollants, il faut adapter dès le début. Sinon, vous pourriez avoir du mal recadrer des illustrations plus grandes par la suite. Alors pourquoi faire des croquis ici et essayer de garder une forme simple à l'esprit avec une extrémité nette marquée par des volants. Je l'ai déjà dit et même si le dessin au trait est ma partie préférée du dessin, cela même si le dessin au trait est ma partie préférée du dessin, ne signifie pas que votre autocollant doit absolument comporter un dessin au trait. Vous pouvez simplement commencer à colorier et créer un compteur avec de la couleur au fur et à mesure. ce que font de nombreux artistes, mais je ne peux vraiment pas aller l' avant avec toutes ces lignes épurées. C'est peut-être à l'époque où je lisais des mangas. C'est peut-être à l'époque où je les dessinais avec un simple crayon noir sur du papier. Quoi qu'il en soit, j' adore voir du dessin au trait. J'adore le style Mongo et il est évident qu'il a beaucoup influencé ma propre vente. Vous trouverez mon pack de pinceaux ci-joint dans ce cours et vous y trouverez également mon pinceau à doublure. N'hésitez pas à l'utiliser et à l'essayer dans Procreate et à me faire savoir que nous en avons envie. Je pense en créer d' autres cette année, alors j'apprécierais vos commentaires. Donc, ce que j'essaie de faire en ce moment, comme vous le voyez sur la vidéo, c'est de créer un contour fin pour les parties claires du dessin au trait. C'est donc là que la lumière atteindrait le personnage. Ensuite, tracez des lignes plus épaisses autour des parties qui sont à l'ombre, par exemple sous ses cheveux, à côté de son cou et tout le reste. Mais j'essaie aussi d' ajouter de fines lignes le long des cheveux. Et ces lignes ne seront peut-être pas visibles sur le résultat final, mais pendant la phase de dessin au trait, elles visibles sur le résultat final, mais pendant la phase de dessin au trait, vous aident vraiment à voir la fluidité des cheveux. Et c'est un facteur important. Maintenant, lorsque vous dessinez des fioritures, il est très important d'avoir lignes fines et d' essayer de prendre votre temps , car c'est un détail assez répétitif. Et cela ajoute à la richesse de l'illustration, mais il faut vraiment être patient pour la dessiner. Comme vous pouvez le voir, j'essaie de faire varier mes lignes de poids, comme si c' était dissimulé sur les cheveux. Et vous verrez plus de choses similaires avec des lignes autour des volants, où ils seront dans l'ombre, où le chemisier passera derrière les volants, etc. Ajouter quelques détails supplémentaires aux cheveux, essayant de terminer les pointes des cheveux. Ensuite, nous passerons au reste de la chemise. Ensuite, nous allons créer un dessin au trait séparé pour les yeux. n'est pas pour rien que j'aime créer un dessin au trait distinct pour les DUI. Et c'est parce que lorsque nous changerons la couleur du dessin au trait pour plus tard, ce sera plus facile si certaines parties des yeux croisent les cheveux, qui se produit généralement dans ce type de dessins d'animaux. Ensuite, en plaçant les yeux sur une couche séparée, vous pourrez facilement l'appliquer sur Alpha Lock et colorier simplement le dessin au trait sans gâcher le trait coloré des cheveux. Cela a généralement tendance à se produire. Et j'ai décidé à un moment donné qu'au lieu d' essayer d' effacer et de redessiner pour effacer et redessiner, il serait beaucoup plus facile mettre sur une couche séparée. Pour les yeux. Vous pouvez voir que j'essaie de dessiner le contour des cils plutôt que d' habitude, en utilisant simplement un coup de pinceau foncé, un coup de pinceau à boulon, et créant simplement les cils directement. Mais récemment, j'ai essayé de changer ma méthode de dessin des yeux. Et j'ai l'impression que cela laisse place à beaucoup plus de détails. Ce n'est peut-être pas le grand changement, mais j'ai vraiment essayé de l' intégrer à mon nouveau flux de travail. Donc, pour un accès facile, puisque nous avons un profil orienté vers l'avant, maintenant que nous avons les yeux ouverts, dupliquons simplement la couche, la retournons horizontalement et la mettons en place. Je vous laisse suivre le reste du processus et je vous verrai à l'étape suivante. 3. Échelle de gris et couleurs: Maintenant que notre dessin au trait est dévoilé, il commence à apparaître des zones roses à l'intérieur l'ensemble de la forme et à la remplir de gris. En fait, j'opte pour un gris teinté de violet, mais vous pouvez aussi opter pour un gris complètement saturé. Je le fais en plusieurs fois parce que j'ai tendance à toucher l'écran avec ma main lorsque je suis loin devant dans la sélection et que je le ferme accidentellement. Comme je ne veux pas recommencer à zéro, je préfère sélectionner quelques gros morceaux et les remplir de couleur au lieu de me sentir frustrée. Vous avez peut-être vu des vidéos sur les réseaux sociaux où les gens ont tendance à créer un contour de couleur pour l'ensemble du personnage, puis simplement sélectionner et déposer la couleur à l'intérieur de la forme. Et c'est tout à fait possible avec Procreate. Personnellement, je ne suis pas fan de cette méthode car mon pinceau de dessin au trait est un peu texturé et mon style de dessin au trait, comme vous pouvez le constater, n'est pas un trait continu. Il y a des pauses ici et là. Et c'est tout simplement parce que j' aime l'esthétique de la dette. Ce n'est pas intentionnel et oui, je sais que je dois travailler davantage à cause de cela, car ils peuvent simplement faire glisser et déposer la couleur. Mais au final, c'est la méthode que j'ai choisie pour moi-même : créer le contour avec l' outil Lasso et y mettre la couleur. La prochaine étape consiste à créer une couche multiple, fixer à votre couche verte et à sélectionner le pinceau rond. Maintenant que vous avez enfilé votre masque de découpe, il vous suffit de choisir la même couleur que votre base grise, de surligner le pinceau et commencer à créer un ombrage de base. Ce sera en général à des endroits comme sous les cheveux, sous le menton, autour des vêtements où ils sont censés être plus foncés et dans l'ombre. Nous aborderons les zones d' ombre générales. Mais pour ce faire, vous devez d'abord établir une source de lumière. Je vais dessiner mon numéro ici afin de savoir d'où vient la lumière et, par conséquent où dessiner les ombres. Mais bien sûr avant de créer les ombres. Vous devez donc également avoir une source de lumière à l'esprit. Je vais dessiner le mien ici afin que vous sachiez plus clairement quel type de référence je recherche, quel type d'approche j'utilise. Et tout cela aura plus de sens. Nous allons simplement compléter l'ombrage général sans entrer dans trop de détails, sans créer trop de contraste. Parce que plus tard, nous créerons une version rose de ce que nous faisons actuellement afin nous aider à remplir les couleurs de base plus tard. Nous pouvons donc voir que j'ai du mal à ajouter les ombres. J'essaie juste de les oublier, pour ne pas perdre trop de temps là-dessus. Ensuite, je vais passer à autre chose. Après avoir marqué les zones ombrées, j'utiliserai l'outil de maculage pour atténuer légèrement les ombres , puis nous fusionnerons cette couche avec la base. Vous n'avez pas besoin d'entrer dans les détails à ce stade. Il s'agit simplement de l'ombre générale ou de l'occlusion ambiante. Plus tard, nous comblerons les ombres, mais ne nous contentons pas de nous contenter d'un guidon. En fait, l'un de mes aspects préférés de Procreate est exactement cet outil de maculage. J'avais l'habitude d'utiliser un programme appelé Paint Tool SAI, contenait un incroyable outil de maculage que j'utilise tout le temps. Et bien sûr, à l' époque, je n'obtenais un effet aérographe que sur l'ensemble de mon dessin parce que je ne savais pas mieux. Mais je n'ai trouvé ce type d'outil éponge sur aucune autre application que j'ai utilisée avant Procreate. Et j'adore l'utiliser pour ce type d' ombre de base et pour mélanger quelques parties supplémentaires le long du dessin. Très bien, ces deux couches sont fusionnées. Remplaçons la tombe par un joli thème rose. Nous le faisons parce que plus tard, nous ajouterons des couleurs au-dessus de cette couche, et ces couleurs figureront sur des couches de multiplication ou de superposition. Si la base devait rester grise, les couleurs générales paraîtraient floues et ce n' est pas ce que nous voulons vraiment. OK les gars, alors j'ai mis ma référence sur Pinterest pour pouvoir voir exactement. Des appelants que possède Nanos Palate. Et nous allons maintenant utiliser une couche multicouche pour la peau. Nous allons sélectionner quelque chose de très clair dans la palette de couleurs orange ou jaune. Nous continuerons à tester jusqu'à ce que nous voyions ce que nous aimons le plus. Et le fait que vous ajoutiez une couleur jaune, orange, orange , une couche de rose. Vous verrez que cela vous donnera une jolie teinte de peau. Et vous pouvez vraiment très bien travailler avec elle. Vous devez simplement faire attention à trouver le bon type de couleur de base si vous le souhaitez dans la palette de couleurs. Parce que le mode de multiplication va le modifier. Cela le rendra plus dynamique. Cela le rendra un peu rosâtre étant donné que nous avons des minutes roses dans notre couche. Mais il n'y a pas de quoi s'inquiéter. C'est juste une question d' essayer et de comprendre. Voici à quoi ressemble la couche de base. C'est un jaune très clair. Voici à quoi cela ressemblerait si vous l' ajoutiez sur une base grise. D'accord, nous ajoutons maintenant une nouvelle couche Multiply. J'accélère un peu le processus ici parce que c'est assez répétitif. Mais à moins que vous ne le vérifiiez par vous-même, moins que vous ne l'essayiez vous-même, vous ne saurez pas comment choisir les couleurs. Mais en réalité, le fait d'avoir une base rose aide beaucoup à définir une teinte de base en dessous de toutes nos couleurs de base, puis à ajouter plus d'ombrage, de contraste et d'éclairage à partir de là. C'est donc l'une des parties qui prend le plus de temps, mais vous commencez à voir votre dessin prendre forme parce que vous voulez avoir un dessin au trait, même s'il s'agit d'un dessin très détaillé. Et c'est autre chose de voir des couleurs de base sur votre dessin. l'impression que votre personnage est enfin en train de capter lumière du soleil et que vous pouvez réellement visualiser à quoi il ressemblera à la fin. J'ai essayé d'utiliser la même couleur le plus souvent possible dans beaucoup plus d' endroits qu'un seul. Comme pour la blouse et les boucles d'oreilles je ne perds pas de temps à chercher plus de couleurs et les nuances seront également plus uniformes pour les volants lorsque nous utiliserons une couche à superposer, car nous voulons avoir des volants blancs et nous ne pouvons pas le faire en plusieurs couches. Il en va de même pour le blanc des yeux. Nous allons également le mettre sur la même couche. Ensuite, nous allons créer une autre couche de multiplication au-dessus pour créer la couleur des yeux. Et je suis prête à jouer un peu jusqu'à ce que je trouve la bonne couleur. Ensuite, nous allons fabriquer les cils. Essayez de ne pas rendre les cils complètement noirs, comme le noir le plus foncé que vous puissiez trouver. Parce que vous voudrez également y ajouter de l'ombrage plus tard . Et cela vous en empêchera. De plus, vous savez que vous n'êtes pas censé utiliser le noir le plus foncé ou le blanc le plus blanc dans vos dessins, car cela ne vous aidera tout simplement pas plus tard lors du rendu. C'est à peu près la partie couleur de base du dessin. Nous pouvons faire quelques ajustements si nous le voulons. Ensuite, nous pouvons passer à l'ombrage proprement dit. 4. Ombrage en douceur: À mon avis, il existe deux types d' ombrage dont vous devez tenir compte lorsque vous dessinez. Le premier est l'ombrage doux, celui que vous effacez et que vous essayez de créer une belle transition entre votre couleur de base et votre ombrage. Et l'autre est l'ombrage en forme de cœur, où vous avez des bords durs visibles qui contrastent avec les bords mous. Maintenant, je vais vous expliquer pourquoi. Je ne pense pas qu'utiliser uniquement l'un ou l'autre soit aussi efficace ou esthétique que de les utiliser tous les deux. Si vous n'utilisez que des ombres douces, vous risquez de créer une œuvre d'art reine Ces aérographes, comme vous le savez peut-être, corrigés à l' aérographe, sont vraiment méprisés par la communauté artistique. Les débutants ont tendance à beaucoup utiliser l'aérographe parce qu'ils ne savent pas comment mettre en valeur les formes de leur art et ils essaient inconsciemment de cacher cela derrière l'aérographe. Maintenant, vous pourriez dire que vous pouvez effectuer une transaction boursière à l'aide d'un pinceau texturé. Les Indiens avaient raison. Mais dans la plupart des cas, il y aura toujours quelque chose qui manquera à l'illustration. C'est pourquoi j'ai récemment utilisé une combinaison d' ombres douces et d'ombres dures. Dans cette leçon, vous allez me voir remplir les espaces où je souhaite placer les ombres douces. Les premiers endroits où je vais aborder les ombres douces sont sur les cheveux, à la fois sur le dessus des cheveux et en dessous du niveau de l'année. Ensuite, autour du visage avec des ombres plus foncées sur le front, en dessous de ses fans. Ensuite, j'ajouterai des ombres sur les vêtements afin de mettre l'accent sur le téléphone et les fioritures. J'ai essayé de tacher jusqu'à obtenir un effet doux sur le visage, mais j'ai tendance à utiliser le pinceau de Ross Trust pour tacher les cheveux et certains vêtements. Nous allons sélectionner une teinte plus foncée de la peau. J'essaie de réduire la saturation pour que ce ne soit pas une ombre rose vif. Mais il n'y a rien de mal à ça si tu veux le crier haut et fort. Mais pour mon style, j'essaie de désaturer l'ombrage du visage. Je l'ajoute donc autour du visage, essayant de créer une sorte de contour. Et puis, comme vous pouvez le voir, j'essaie de le maculer et de l'étaler de manière uniforme, car il ne s'agit que d'un ombrage doux Nous allons donc ajouter des formes claires dans la leçon suivante. J'essaie de faire attention aux détails et j'ai essayé d' ajouter des nuances autour de l'oreille et des boucles d'oreilles. Car même s'ils ne seront pas visibles sur le sticker final, je sais qu'il est là. Et je veux vraiment avoir une norme permettant de créer des détails, car je sais qu'ils existent. Et quand je sais qu'ils sont là, me sens mieux mon art, même si personne ne le remarque. Vous pouvez voir que j'essaie en fait renforcer le contour sur le côté du visage et de créer une ombre plus foncée dans l'ombre que j'ai déjà créée. Maintenant, j'efface un peu la teinte de la peau des cheveux qu'ils puissent ensuite procéder au rasage. Maintenant, je vais ajouter des nuances douces autour des volants et autour de tous les faux les blouses des personnages qui les créent qui entrent trop dans les détails. Mais j'ai essayé de souligner tout le volume que crée ce type de chemise. J'alterne entre l'outil de maculage et le pinceau, ajoute de la couleur au lieu de l'étaler, ajoute de la couleur puis je l'étale. Cela créera la base de mes ombrages et éclairages ultérieurs. Et il est également utile de voir le flux dans lequel le matériau entre. Maintenant, ajoutons de la couleur aux yeux. J'aime créer une ombre sur le dessus des yeux parce que c'est censé provenir des cils. Ensuite, je créerai également l'élève. Et comme c'est anonyme , l'élève sera assez grand en grandissant. Ensuite, nous ajouterons de nombreux détails plus tard. Surtout avec l'éclairage et le contraste de largeur. Nous allons maintenant sélectionner toutes ces couches et en créer un groupe. Parce que plus tard, nous allons simplement dupliquer et faire défiler toutes les couches du groupe afin de pouvoir ensuite travailler avec le nouveau joueur en marche. Pour les volants blancs, il est assez difficile de trouver une couleur à ombrer car le matériau n' est pas exactement blanc, mais d'une couleur crémeuse très claire, comme une vessie ou même plus claire que cela. Mais lorsque vous avez un matériau léger et que vous souhaitez l'ombrer, essayez de réfléchir à la température de l'ombrage que vous souhaitez obtenir. Si vous voulez obtenir une température semblable à celle d'un ver, celle que je souhaite vraiment pour cette pièce, essayez ensuite d'opter pour du rose pâle rouge ou de l'orange selon ce que vous recherchez et de simplement l'ombre avec cela. Si vous optez pour des températures froides, peut-être que la plupart de vos couleurs sont le bleu ou le violet, alors vous pouvez simplement opter pour un bleu ou un violet très clair et créer des ombres avec cela. Nous avons donc maintenant notre couche d'ombrage douce. Comme je l'ai déjà dit, nous ne resterons qu'avec une seule couche pour l' ensemble du soft shading. Maintenant que nous avons notre premier ombrage, nous pouvons colorier le dessin au trait. J'essaie généralement de colorier le dessin au trait une fois que j' ai au moins la première partie de l'ombrage, car il est plus facile de sélectionner les couleurs directement à partir de notre dessin jusqu'à présent et de colorier le dessin au trait à partir des zones les plus foncées de la zone. Parfois, lorsque cela ne suffit pas, je crée simplement une teinte plus foncée à partir de celle qui se trouve déjà sur le calque afin que l'arc de ligne soit au moins visible. Pour le faire également autour du menton. Je veux que le dessin au trait soit visible parce que je dois séparer le menton du bout. Le dessin au trait y contribue beaucoup. D'ailleurs, si vous ne l'avez pas remarqué, pour colorier le dessin au trait, il colorier le dessin au trait, vous suffit de sélectionner le dessin au trait et de sélectionner l'option Alpha Lock. C'est sur Procreate et c'est aussi dans Photoshop. Je pense que c'est aussi dans Clip Studio. Je pense que la plupart des applications, la plupart des applications de dessin devraient avoir cette possibilité. La meilleure chose à propos de la coloration de votre dessin au trait est que le résultat final donne l'impression que vous n'avez pas utilisé de dessin au trait. Ce n'est pas ce genre de sensation de manga. Au lieu d'avoir un dessin au trait noir, tout apparaît et cela n'a pas vraiment air naturel si vous êtes vieux. Alors colorie-le. Si vous souhaitez n'avoir que des dessins au trait et uniquement des croquis, il n'y a aucun problème à tout laisser en noir. Mais comme nous ajoutons des couleurs, j'ai envie de colorier le dessin au trait et de lui donner un aspect si raffiné. Je vous laisse suivre le reste du processus, car il n'en reste pas grand-chose. Et je vous verrai dans la prochaine leçon, les gars. 5. Écran dur: Comme indiqué dans la leçon précédente, vous devez trouver un équilibre dans votre illustration et essayer inclure à la fois un ombrage doux et un ombrage en forme de cœur. J'ai déjà expliqué ce que chacun signifie. Permettez-moi donc de vous montrer pourquoi l'ombrage en forme de cœur donne un contraste bien mérité à votre illustration. Tout d'abord, je vais sélectionner les cheveux du dos car ce devrait être la partie la plus foncée des cheveux. Comme nous n'effectuons pas d'ombrage strict, il est plus facile de sélectionner la zone que je voulais couvrir à l' aide de l'outil Lasso. Vous verrez maintenant qu'au lieu de remplir automatiquement la zone sélectionnée, je vais commencer à la recouvrir avec mon pinceau rond. Je le fais pour deux raisons. La première est que cela me permet de contrôler la pression appliquée et, partant, l'intensité de la couleur que j'applique. Deuxièmement, les ombres dures seront visibles grâce à leurs bords. Mais dans la forme que je crée, je peux jouer avec les dégradés de couleurs. Cela signifie passer du foncé au clair ou d'une couleur à l'autre au cas où je voudrais nuancer, par exemple, avec du bleu et du violet. Parfois, je remplis simplement automatiquement la forme que je crée avec l'outil Lasso. Mais je pense que la plupart du temps, je préfère contrôler l' intensité avec mon pinceau. Après tout, je ne me façonne pas moi-même dans aucune de mes illustrations. Ici, vous pouvez voir que je crée une petite sélection séparée sur le dos des cheveux et que je fais en sorte que ces zones soient encore plus foncées. Cela crée de jolis détails supplémentaires que les spectateurs attentifs pourraient connaître. Lorsque vous créez des formes, veillez à ce qu' suivent la forme de l' objet que vous ombragez. Dans ce cas, j'essaie de suivre le flux des cheveux. Maintenant, nous allons faire la même chose de l' autre côté de la chevelure ou de l'arrière de la chevelure. Nous allons faire une grande sélection de cette mèche de cheveux. Nous n'allons pas utiliser un gros pinceau pour essayer de le recouvrir de couleur. Cela ne signifie pas que nous devons le colorier entièrement. J'ai essayé de ne pas appliquer de pression maximale sur l'écran de la tablette. Ainsi, plus tard, vous pourrez ajouter plus de pression sur les formes plus petites avec votre pinceau et créer ces ombres. De plus, lorsque vous créez ces formes avec votre outil lasso, essayez de détendre vos mains et de créer grands mouvements pour que les formes soient aussi naturelles que possible. Vous pouvez déjà constater que ce que nous avons ajouté jusqu' à présent a eu un impact énorme sur notre dessin. Et bien sûr, plus on ajoutera de contraste à la liste, cela semblera. C'est pourquoi nous ajouterons contraste plus tard dans notre processus. Nous essayons donc d'ajouter une forme plus grande sur le dessus de la tête, là où j'ai généralement impression qu'il y a beaucoup d'ombres. Maintenant, pour les banques, comme vous pouvez le voir, j'essaie de créer des formes plus petites. J'essaie de laisser suffisamment d'espace pour ce qui sera la lumière plus tard. Si je travaille d'une manière de ce côté, je devrai essayer d'être au moins un peu symétrique de l'autre côté, en particulier pour les banques. Mais bien sûr, comme ma source de lumière se trouve sur le côté gauche, tout le côté gauche sera moins ombragé que le côté droit. Mais dans le cas des berges qui se trouvent tout en face, nous allons essayer de créer l'ombrage aux mêmes endroits des deux côtés. Donc, comme vous pouvez le voir, j'essaie de créer des formes longues pour les cheveux. J'essaie d'effacer et d' avoir quelques mèches de cheveux au-dessus des autres. Vous pouvez maintenant voir comment le dessin au trait des cheveux aide dans ce genre de situation. Lorsque vous créez ces formes pour l'ombrage. Vous allez en fait vous guider en suivant le dessin au trait que vous avez fait au début. Habituellement, ce sont les cheveux qui prennent le plus de temps, car il peut être très, très difficile de capturer les descentes et la fluidité des cheveux. J'aime ajouter ce type d'effet aérographe au-dessus notre ombrage afin que l'ombrage ne ressorte pas trop. OK, donc je pense que nous avons encore quelques détails à régler pour les cheveux, puis nous passerons à la prochaine zone d'ombrage. D'accord, alors pourquoi créer une nouvelle couche Multiply pour pouvoir différencier mes couleurs d'ombrage ? Et maintenant, nous n'allons pas créer plus d'ombrage pour la peau. Et comme toujours, nous allons commencer par la zone du cou. Nous avons besoin du menton. Très bien, après avoir coloré la zone située sous le menton, nous pouvons effacer la partie d'accès dont nous n'avons pas besoin ici. Et si nous sommes également sur cette semaine de cerceau, ajoutez l'ombre que les volants créeront sur la peau. Ensuite, nous allons passer à la zone autour des yeux, où la paupière créera une ombre. Et ils aiment généralement créer cela assez sombre. Ensuite, nous passerons aux côtés du visage et essaierons de lui donner un joli contour un joli contour . En fonction de l' éclairage que vous avez, vous pouvez soit opter pour une forme subtile en forme de cœur, soit peut-être même la moitié du visage sera dans le noir. En fonction de l' éclairage que vous avez, vous pouvez soit opter pour une forme subtile en forme de cœur, Dans ce cas, je veux mettre l'accent sur les zones proches des cheveux et des yeux et sur la partie du visage qui se trouve principalement dans l'ombre. Juste à côté des cheveux sur le front et au-dessus des yeux, nous aurons une teinte assez foncée parce que les cheveux sont très proches du visage, mais ils ne collent pas au visage, créeront donc le cœur. Ombre plus foncée. Ensuite, de l'autre côté du visage nous voulons un peu plus d'ombre. Nous voulons qu'il soit plus étalé que sur le côté gauche. En regardant l'illustration, nous allons faire une plus grande sélection puis la remplir doucement avec de la couleur. Comme vous pouvez le voir, j'essaie de faire mes choix en fonction de la forme du visage. Le visage n'est pas plat comme vous le savez, et nous voulons accentuer cela. Ensuite, nous ajouterons des ombres autour des yeux, même si elles seront plus subtiles, nous en effacerons certaines parties. L'un de mes aspects préférés de l'ombrage, de l'ombrage du cœur, c'est de faire de l'ombrage sur la glace et ce personnage a de beaux yeux bruns. Et cela nous donne la possibilité de créer un très bon contraste entre une teinte très foncée, brune sur la face supérieure. Et puis nous pouvons y arriver avec un brun encore plus foncé comme celui-ci. J'aime donc faire ce comptage à l'aide de mon pinceau , puis j'aime créer un brun plus foncé, dans ce cas autour de la pupille, mais sans être totalement opaque. Vous pouvez voir maintenant que la glace se démarque vraiment par rapport à ce que nous avions auparavant. Ajoutons également un peu de détail sur les boucles d'oreilles. Et je suis sûr que peu de gens le verront parce qu'ils sont si petits et qu'ils passeront presque inaperçus sur un autocollant . Mais nous réalisons également cette œuvre d'art pour nous-mêmes et nous voulons un niveau de détail élevé. Une fois que j'en aurai fini avec le visage et les yeux, je commencerai à travailler sur les vêtements. L'ombrage sur les vêtements blancs est toujours difficile à faire car vous ne pouvez pas utiliser le gris comme couleur d'ombrage. Vous devez opter pour une couleur très claire qui complète celle de l'ombrage général. Dans ce cas, le ton de l'ombrage est rosâtre. Je vais donc utiliser un rose clair pour atténuer les fioritures. Shading Frills est un jeu de patients. Puisqu'ils sont si nombreux. Ce que j'aime, c'est commencer par créer des ombres à l' arrière des volants, la partie que vous pouvez voir, mais qui n'est pas orientée vers l'avant en tant que spectateur. Il fait face à la chemise du personnage. Et cela signifie qu'il reçoit beaucoup moins de lumière. Et si nous essayons de déterminer où vient notre source de lumière, une autre ombre est projetée sur le côté droit de chaque volant. Vous pouvez donc me voir faire des sélections selon lesquelles nous essaierons de suivre la forme des volants, suivre tous les types de balançoires qu'ils ont lors de l'assemblage, et ce, en répétant toutes les volants. Maintenant que nous avons marqué nos ombres sur les grilles situées sur la face inférieure de cette couche plus épaisse, nous pouvons maintenant passer à celle qui se trouve juste en dessous du menton. Je pense que cette partie sera plus évidente pour tous ceux qui regardent l'arc, car lorsqu'on a des artistes de personnages, on a tendance à regarder le visage. Cela signifie que nous devons faire un peu plus attention à cette partie et essayer de styliser de manière agréable, de la rendre belle et de corriger les erreurs au fur et à mesure. Alors, juste un peu plus sur les volants argentés. Ensuite, nous passerons à la section suivante. Je sais que cette partie est répétitive et que si jamais vous décidez de sortir des sentiers battus comme ça, vous aurez besoin de patients. N'oubliez pas de protéger également le petit bandeau situé sous les volants par rapport au cou. Parce qu'il y aura également un peu d'ombrage, pas trop, mais nous devons tout de même ajouter ces détails. Comme vous pouvez le constater, j' essaie de le minimiser afin de ne pas prendre trop de temps ou d' empêcher le spectateur de regarder le visage du personnage. Bon, nous pouvons maintenant créer une nouvelle couche Multiply et essayer d'ajouter quelques détails sur le côté rose du chemisier. ce moment, je teste différentes nuances de rose pour voir laquelle me plaît le plus. Et ils trouvent que ce rose foncé désaturé parfait et se multiplient autour de lui, les volants donnent une ombre vraiment intense. Et comme les volants sont très proches de la chemise, c'est assez réaliste de l'avoir ainsi. Maintenant, je fais d'autres sélections. Le remplissage des couleurs est désactivé, et je vais simplement utiliser un gros pinceau pour essayer de couvrir tous ces espaces en une seule fois. Maintenant, pour le reste de la chemise, j'ai essayé de souligner les plis en utilisant le même rose clair. Et j'essaie de créer ces formes vraiment rondes sur les côtés supérieur et inférieur, en laissant le milieu pratiquement intact pour pouvoir ensuite placer la lumière là-bas. Afin de créer une impression de profondeur, je vais essayer de créer les nuances des failles, celles qui se situent essentiellement l'une devant l'autre, si vous le souhaitez. J'essaie de rendre celle-ci plus sombre afin de pouvoir ajouter de la lumière aux autres parties afin de créer l'idée d' un petit Morrison. N'oublions pas d' ajouter quelques détails sur la partie inférieure de la chemise, car ces parties devront également présenter des nuances même si les plis vont jusqu'en bas. Vous pouvez déjà voir que vous comprenez, vous n'aurez pas non plus d' intuition de la façon dont le matériau est censé agir. Vous n'avez pas besoin d'être extrêmement réaliste de ce côté. Il suffit de donner une impression de la manière dont la pièce que vous êtes en train de créer est censée agir. Ce n'est pas un problème si ce n'est pas réaliste, tant que c'est beau, stylisé et que les gens peuvent avoir une idée générale de ce que vous vouliez faire. Maintenant que nous approchons de la fin du visage du maillot. Parce que vous pouvez voir que je suis plus éloigné de la source de lumière en essayant de créer des formes plus grandes et plus sombres. Afin de donner l'idée que ce côté est plus éloigné de la lumière. OK, voici les détails de la commande pour la chemise. Je suis très content de ce que cela s'est passé. Et ajoutons également quelques détails autour du cou. Ensuite, nous passerons à autre chose. Ajout de petits détails aux boucles d'oreilles. Juste comme ça. Maintenant, pour la dernière partie, bien qu'il s'agisse d'une teinte douce, faisons le blush avant de passer à autre chose. J'aime toujours faire rougir un peu les personnages féminins. Est-ce que cela rend le visage plus vivant ? C'est à peu près tout pour l'ombrage pour le moment. Dans la prochaine leçon, nous allons commencer à faire les points saillants. 6. L'éclairage: OK les gars, nous sommes enfin arrivés à la phase d'éclairage, qui est en fait ma deuxième scène préférée de toutes les illustrations. Après l'ombrage et l'ombrage, nous sommes enfin en train de changer la base et d'ajouter de la colle, ajouter de la vie et de la brillance. Ma façon préférée de créer l'éclairage est d' utiliser Color Dodge et d'ajouter plusieurs couches, parfois même des superpositions. Je commence toujours par faire ressortir les cheveux en premier. Il faut beaucoup de tests pour voir quelle couleur est la plus belle lorsque les couleurs sont esquives sur votre illustration. Alors prenez votre temps avec ça. Alors. Je vais couvrir la partie supérieure des cheveux, disons quelque part au-dessus du niveau des sourcils. Ce n'est pas une règle ou quoi que ce soit d'autre. Cela dépend en fait du style. Mais pour cette coiffure qu'elle a eue, je vais mettre les points forts de base ici. Ensuite, je vais saisir la gomme à effacer avec le pinceau rond dur et effacer quelque chose comme ça. Ensuite, je vais prendre le pinceau à maculer et j' essaierai de créer ce type de coups de pinceau allongés et d'essayer définir la forme et la fluidité des cheveux. J'essaie également de faire la différence entre l'éclairage qui se trouve sur les berges de celui qui se trouve sur le reste des cheveux. Je vais faire de même sur le maillot parce que je voulais lui donner un peu de brillance. Ce parc n'est pas vraiment réaliste car l'éclairage du maillot ne ressemblerait pas vraiment à celui-ci. Mais il s'agit simplement d'un plus petit éclat qui figurera au dos de l' illustration si vous le souhaitez. Je reviendrai sur les différents types d'éclairage plus tard dans la vidéo. Vous pouvez voir que je suis en train d'en effacer un peu pour qu'il n' apparaisse pas trop. Ensuite, nous allons créer une nouvelle couche et la régler pour éviter les couleurs et commencer par mettre en évidence les yeux. J'aimerais commencer par créer un joli demi-cercle autour de la pupille de l'œil. Ensuite, j'ajouterai les reflets sur les paupières, le coin des yeux et le nez, le front et les fines feuilles. Toutes seront des lumières dures similaires aux ombres dures dont nous avons parlé plus tôt. Donc, afin d'obtenir un jaune clair ou un rose clair, comme vous pouvez le constater, j'ai choisi une grille très claire qui, lorsque vous insérez une couleur, permet d'esquiver un skin ombré comme celui-ci. Il en résulte en fait ce type de jaune pâle très clair. J'aime m'occuper de ce genre d' éclairage triangulaire sur le front. Et plus tard, j' essaierai de renforcer l'un des bords. Et en parlant de ça, je fais cette belle partie de l'éclairage juste après notre ombrage. C'est donc le contraste qui sera visible. Ajouter quelques détails aux yeux. Et maintenant, quelques détails sur les lèvres. J'essaie généralement de garder les lèvres assez douces et de ne pas y ajouter trop de détails car j'ai l'impression qu'elles seraient un peu trop réalistes par rapport au style stylisé que j'essaie d'obtenir. C'est comme créer ce léger contour entre le visage et l'ombre du visage. Une fois que j'en ai fini avec le visage, je commence à ajouter un peu plus de lumière sur les plis des chemises, afin de mieux souligner leur forme. Quand j'en aurai fini, je passerai à ma partie préférée, en ajoutant plus de détails ici. instant, j'essaie de sélectionner tous les espaces entre les ombres que nous avons créés plus tôt sur le maillot et d'essayer de les mettre en valeur avec de la lumière. Mais comme vous pouvez le voir, j'essaie de m'en tenir à la partie originale que j'ai allumée auparavant. Ce que vous pouvez également voir, c'est que j'essaie de créer toutes mes formes de manière à ce qu'elles soient assez rondes, pour qu'elles aient une sensation vraiment ronde. Parce qu'en général, dans l'animation, tout ce qui est basé sur un cercle. Chaque forme ronde est donc très, très féminine. Et c'est ce que j' essaie d'obtenir ici. Toujours en utilisant l'outil Lasso, nous créerons cette fois plus de reflets en fonction de la longueur des cheveux. Nous les placerons au-dessus de notre point culminant précédent, mais également à quelques autres endroits. contraste avec ce que j'ai dit plus tôt à propos des formes rondes. Vous pouvez voir que j'utilise des formes très pointues sur les cheveux. Et c'est parce que je voulais montrer la fluidité des cheveux et les rendre vraiment brillants. Et il y a des cas où j'utilise des formes rondes pour éclairer et ombrer les cheveux. Mais c'est généralement lorsque le personnage a les cheveux bouclés ou même ondulés. J'efface donc un peu ce rose clair sur le côté droit parce que c'est plutôt dans le noir, donc ça ne sert à rien d'avoir une lumière aussi vive dedans. Et maintenant, j'ajoute un peu plus de lumière sur les berges. Donc, pendant que je suis ici, j'essaie d'ajouter un peu plus d'éclairage à mes lèvres. Je reviendrai peut-être sur eux et sur cette petite lumière blanche plus tard. Mais revenons à la coiffure. Vous pouvez voir que sur la partie supérieure des cheveux, là où l'ombrage est le plus prononcé, j'essaie de créer un éclairage plus doux, car au final, cette partie est plus ombragée, mais quelques parties brilleront tout de même. Cette partie concerne donc le contrôle de votre pression sur le crayon, sur l'écran. C'est pourquoi, personnellement, je ne serais pas capable de peindre au doigt, car lorsque je peins au doigt sur l'écran du téléphone ou quoi que ce soit d'autre, la pression est la même. Vous pouvez réellement essayer d'obtenir ces résultats si vous peignez au téléphone, si vous jouez avec les paramètres d'opacité. Donc, dès que vous posez votre doigt sur l'écran, vous ne pouvez pas faire grand-chose pour contrôler la pression. C'est comme 100 % par défaut. Mais si vous voulez jouer avec ce genre d'effet, je vais vous le montrer dans ce cours. J'ai juste essayé de travailler sur l'opacité et de passer d'une opacité plus faible peut-être 10 à 20 %, à opacité plus élevée sur différentes zones et de voir comment cela fonctionne pour vous. Je sais que beaucoup d'entre vous utilisent le bucket Procreate, je pense que cela s'appelle. Je ne veux donc pas oublier le fait que les gens utilisent Procreate sur leur téléphone. Tout le monde n'a pas de tablette et tout le monde n'a pas les moyens d'en acheter une. Et c'est parfaitement normal. Mais vous devrez trouver des solutions de contournement sur votre téléphone. Nous allons maintenant ajouter un peu d'éclairage aux fioritures et à la vidéo. Il semble qu'il n'y ait pas beaucoup de lumière ajoutée, car pour une raison ou la vidéo est un peu plus exposée que ce à quoi elle ressemble dans la vie réelle. Mais l'éclairage est là. Voici donc à quoi ressemble notre illustration avec et sans éclairage, nous lui donnons vie petit à petit. Mais il reste encore beaucoup à faire. Avant de poursuivre, je vais ajouter quelques détails supplémentaires à partir d'une couche normale et corriger quelques points à l'aide de l'outil Liquify. À ce stade, je voulais ajouter un peu plus de détails aux cheveux en utilisant, comme je l' ai déjà mentionné, une couche normale. Je choisis simplement les couleurs des cheveux, couleurs qui existent déjà sur la couche. Et j'essaie de créer des traînées de cheveux, des détails. Encore une fois, de très loin, vous ne pourrez pas savoir si ces détails ont été ajoutés. Mais plus tard, lorsque vous créerez réellement le contraste, vous pourrez le remarquer. Et cela vous aidera à vous guider tout au long du flux des cheveux. Maintenant, pour corriger quelques détails, j'utilise mon pinceau, j'ajoute quelques traces de poils supplémentaires et je les entends à nouveau. Et j'aime utiliser mon pinceau de dessin au trait parce qu'il est très sensible à la pression et qu'il permet de créer ces pointes. Ces très belles pointes de cheveux. Et je peux créer des stries de cheveux audacieuses, vraiment fines, en fonction la pression que j'exerce sur le pinceau. Jusqu'à présent, je voulais ajuster un peu la ligne du visage parce qu'elle tremblait un peu, qu'elle était un peu interrompue et qu'ils voulaient paraître lisses. J'ai aussi l'impression que je dois ajouter quelques détails supplémentaires aux yeux. Voilà où nous en sommes jusqu'à présent. Et dans la leçon suivante, vous découvrirez ma partie préférée du processus, car comme je l'ai mentionné au début de ce cours, les moments forts sont mes deuxièmes préférés. Consultez la leçon suivante pour découvrir quel est mon moment préféré. 7. Ajustements finaux de Hachi: OK les gars, nous en sommes maintenant à ma partie préférée du processus. Nous allons maintenant ajouter du contraste et quelques derniers ajustements pour rendre ce design encore meilleur. Tout d'abord, nous allons dupliquer cette couche et créer le dégradé sur la nouvelle couche. Ensuite, nous allons réduire l'opacité et la mettre en mode multiplication. Cela modifiera le ton général de l'illustration d'origine. Cela enrichira les couleurs et surtout les nuances. Ensuite, nous marquerons la couche de dégradé avec celle ci-dessous. Ensuite, nous allons créer un nouveau calque et le coller à celui-ci. Nous allons commencer à ajouter du contraste. Maintenant, en gros, lorsque vous pensez en avoir terminé avec une illustration, vous devez toujours vous demander si vous déjà nuit, vos ténèbres, vos lumières et vos lumières. Je peux honnêtement dire que c'est l'une des meilleures choses que j' ai apprises depuis que j'ai commencé à étudier l'art numérique. Commençons par assombrir les quelques zones des cheveux. À ce stade, j' essaie de travailler avec grandes formes et avec un gros pinceau rond et d'essayer couvrir le plus de surface possible en une seule fois pour créer un joli contraste sans ajouter de détails supplémentaires. Il y aura quelques exceptions, bien sûr, où je devrai utiliser des pinceaux plus petits ou des sélections plus petites. Mais en général, j'essaie de créer de très grandes formes dans ces FARC. D'accord, vous pouvez donc voir qu' il y a quelques formes vraiment petites de ce côté. Mais ils constitueront l'exception et non la règle générale. À ce stade, il est préférable d' essayer de séparer vos formes. Si tu veux. En gros, de ce côté de la chevelure, vous devez déterminer quelles parties sont superposées et essayer de créer une séparation entre elles. Parce que vous avez maintenant la possibilité de le faire. N'oubliez pas que le côté droit de l'illustration est plus sombre que le côté gauche Nous aurons donc des formes encore plus grandes autour de cette partie. Je pense donc que vous pouvez déjà voir à quel point cette couche de contraste crée une différence. D'autant plus que notre ombrage et notre éclairage de base sont centrés sur la couche. Lethal plus ici ou là, pour mettre l'accent sur la dendrite des racines, j'ajoute de l'ombre pour créer la frontière entre l' ombre subtile et la partie inférieure. Nous allons maintenant assombrir certaines zones des vêtements. Nous essaierons de ne pas exagérer, mais je tiens surtout séparer davantage le blanc du truc. Vous pouvez donc le constater en ajoutant des formes plus petites à l'intérieur des formes plus grandes que nous avons créées dans une vidéo précédente. Nous ajoutons essentiellement de la profondeur à notre ombrage d'origine. Je crois que c'est quelque part ici que j'ai eu l'idée de créer un contour autour des volants qui soit vraiment beau à distance. Et cela mettra l'accent sur le fait qu'il s' agit d'un autocollant et les volants sur la face inférieure constituent en fait l'essentiel. Encore une fois, sur le côté droit, nous essayons de créer des formes plus grandes parce que c'est plus sombre. La source lumineuse ayant disparu sur le côté gauche. Encore une fois, des formes plus petites à l'intérieur des formes d'ombres existantes. Commençons maintenant à éliminer les zones autour du visage. Tout d'abord, et de manière très intuitive, c'est sous le menton que devrait sortir notre peau la plus foncée. Ensuite, nous allons ajouter une autre ombre sur les joues et autour des yeux et du front. J'aime que la zone autour des yeux soit très foncée car cela crée une sorte d'effet de maquillage. Voici à quoi ressemble notre illustration avec et sans la couche de contraste. Maintenant que nous en avons terminé avec le contraste, ajoutons quelques points forts. Nous allons essentiellement ajouter la lumière la plus brillante du moment, qui se trouvera sur le point le plus élevé, juste en surface. Et nous ajouterons également un peu de lumière sur certaines zones du visage. Comme beaucoup d'autres artistes. Bien que la lumière de jante soit définie comme étant la ligne extérieure éclairée par votre source de lumière. En fait, j'essaie de le styliser un peu pour qu'il soit beau. Et en toute honnêteté, ce genre de lumière blanche, un peu brutale, donne vraiment un aspect juteux à notre personnage. Je suis dedans et je regarde les cheveux clairs qui sont maintenant un peu mélangés et qui ont l'air vraiment doux et brillants. Et il semblerait qu'elle ait utilisé des produits capillaires très chers. J'aime aussi ajouter ce type de lampe de jante sur le côté du visage le plus proche de la source de lumière. Et oui, encore une fois, ce n'est pas la véritable définition d'un éclairage de jante, mais cela permet de vraiment bien séparer mes formes. Et en fait, cela attire beaucoup plus d' attention sur le visage, ce qui est essentiellement mon objectif. J'adore ajouter ces jolis reflets blancs sur la glace. Cela les fait vraiment apparaître. Et l'une de mes choses préférées à ajouter, nos mèches de cheveux brillantes. On dirait que la lumière ne fait que toucher une mèche de cheveux et les fait ressortir. J'essaie de ne pas exagérer en ajoutant ce type de mèches de cheveux. Bien qu'ils soient vraiment beaux lorsque vous en ajoutez trop sur de nombreuses parties du visage, cela peut devenir répétitif et ennuyeux à regarder. Maintenant, j'aimais le contour, un peu des formes que j'éclairais à partir des vêtements. Et vous pouvez voir que ce type de cadre blanc autour de la forme de la lumière est en fait une très bonne idée. J'ajoute également quelques détails concernant les fioritures. Mais encore une fois, parce que pour une raison quelconque, la vidéo est un peu plus exposée que la véritable illustration. Vous ne pouvez pas vraiment voir cette partie. Pour en revenir à la création de nouvelles formes, voici quatre de mes formes lumineuses. Comme vous pouvez le constater, j' essaie également de les intégrer et de ne pas les laisser tels quels. Réduisez leur intensité avec un peu de mon pinceau à effacer. Si vous vous demandez pourquoi je fais soudainement un zoom arrière puis un zoom arrière. J'aime essayer de rafraîchir un peu mes yeux et de regarder l' illustration dans son ensemble. Après s'être concentré trop longtemps sur une petite partie . Comme c'est l'une des erreurs que je faisais en tant qu'artiste débutant, j'essayais d'ajouter autant de détails sur une seule face du dessin. Ensuite, lorsque je faisais un zoom arrière, soit cela ne serait même pas perceptible soit cela aurait l'air vraiment mauvais ou sans rapport avec le reste. Maintenant, je pense que ce rôle va vraiment la faire sortir du lot. J'utilise une couleur noire normalisée avec un petit pinceau duveteux et j'ajoute quelques détails autour des cils. Et vous pouvez voir que c'est vraiment impressionnant. Maintenant, j' expérimente le type de détail qui ne se remarque pas de loin, en ajoutant quelques reflets aux cils. Je ne pense pas que ce soient les meilleurs moments, mais j'en apprendrai davantage avec le temps. Et si je trouve une astuce qui me plaît beaucoup, je la partagerai avec vous. Vous pouvez donc voir un peu mieux les détails des volants autour du cou lorsque je les ajoute. Parce que cette partie est un peu plus crémeuse sur le tournage que la partie inférieure des volants. Ajoutez un peu de brillance au fard à joues. Et maintenant, il est vraiment beau et texturé. Donc c'est avant et c'est après. Avant et après. Je pense vraiment que ça a l'air bien. Je vais maintenant intensifier le contour des volants. En bas, j'utiliserai mon pinceau pour la mort et la couleur rouge foncé. Je n'aime pas utiliser le noir c'est déjà génial pour mon dessin au trait. Ils ne sont pas vraiment authentiques de cette façon. C'est le contour dont je parlais tout à l'heure, celui qui fera vraiment ce dessin et ressemblera à un dessin d'autocollant. J'utilise mon pinceau à doublure pour cela et j'essaie de modifier le sens de la ligne lors de la réécoute, car cela sera particulièrement visible une fois imprimé. Et nous ne voulons pas que l'épaisseur des lignes soit la même partout. Vous pouvez même voir que je m' arrête à un moment donné au lieu de poursuivre la ligne tout en dessous. Sur la face inférieure, vous pouvez voir que j'essaie en fait de remplir petits triangles pour le rendre encore plus beau et pour garder une impression de taches vraiment sombres. Nous en avons donc presque fini avec les fioritures. nous sommes ici, nous sommes en train de tracer une petite ligne autour Si nous sommes ici, nous sommes en train de tracer une petite ligne autour du maillot et d'essayer de corriger certaines des lignes bancales que nous avons maintenues après toutes nos modifications jusqu'à présent. Je ne sais pas pour vous, mais pour moi, créer ce genre de ligne est vraiment relaxant, vraiment thérapeutique. C'est comme une séance de thérapie par le dessin. Et je sais que ce n'est pas toujours le cas, surtout lorsque vous n'aimez pas créer un dessin au trait ou lorsque vous essayez simplement de vous en débarrasser le plus rapidement possible. Mais pour ce qui est du dessin au trait, après avoir commencé à utiliser ce pinceau, c'est vrai. Après avoir commencé à utiliser ce pinceau, j'ai vraiment commencé à aimer créer des dessins au trait. Parfois même plus que de faire le reste du dessin, comme le colorier et le rendre. Parce que le dessin au trait évolue rapidement après avoir aidé mon croquis de base. Et je reçois toujours cette garniture Mongo une fois que j'aurai fini. J'adore donc déjà à quoi ça ressemble. J'essaie également d'ajouter un peu plus de lignes sur les volants supérieurs pour qu' ils aient toujours l'impression qu'ils sont assortis. Maintenant, j'en ai presque fini avec le dessin des fioritures. Et voici à quoi cela ressemble jusqu'à présent. J'adore le résultat et je suis sûre de créer ce type de schéma à l' avenir lorsque je créerai d'autres designs d'autocollants. Donc c'est avant et c'est après. Maintenant, j'ai presque terminé, mais avant de terminer, j'aimerais ajouter certaine aberration chromatique en utilisant l'option crayon, non sur l'ensemble du canevas. Ensuite, j'ajoute simplement du bruit. C'est environ trois à cinq pour cent car cela le rend encore plus beau. C'est tout pour l'illustration de la tête. J'espère que vous vous êtes bien amusée et je vous donne rendez-vous lors de la deuxième partie de ce cours où nous allons dessiner Nana. 8. (partie 2) Nana Lineart: Bienvenue à nouveau dans la deuxième partie de ce cours. Nous avons terminé Hace plus tôt. Nous allons maintenant passer à notre illustration non linéaire. Je voulais savoir qu'il ne faut pas fumer dans ce design car c' est un élément vraiment central de son personnage. Et ils veulent maintenir le plan orienté vers l'avant, même si elle regarde de côté, c'est que si elle regarde hace, fois qu'ils seront devenus des autocollants, je les mettrai littéralement l'un à côté autre avec du nano qui prend soin de hace. OK, donc je crache un peu cette vidéo parce que vous avez déjà vu à quel point la doublure présente des bizarreries sur scène. Je tiens juste à vous rappeler que vous pouvez télécharger les pinceaux que j'utilise dans la section des ressources. Assurez-vous donc de le faire, surtout si vous avez des difficultés avec le dessin au trait. Je suis sûr que ce pinceau vous aidera beaucoup. Et obtenir la finesse des lignes que tout le monde souhaiterait vraiment comme s'il s'agissait de dessin au trait. De plus, lorsque vous faites du dessin au trait, assurez-vous que vous utilisez réellement les fonctions de Procreate pour créer des lignes droites ou des formes parfaites. Si vous vouliez créer une ligne droite comme la, c'était le cas avec une cigarette plus tôt. Il suffit de tracer une ligne. Ça peut être aussi bancal que possible. Ensuite, au lieu de soulever le crayon de l'écran, maintenez-le enfoncé. Et l'application créera automatiquement une ligne droite pour vous. Et il en sera de même si vous essayez de dessiner, disons un cercle. Et ça ne marchera évidemment pas bien à main levée. Ainsi, après avoir dessiné quelque chose qui ressemble à un cercle, si vous gardez le stylo sur l'écran, vous verrez que la forme de l'auteur de Procreate apparaîtra. Et nous vous demanderons si vous souhaitez avoir une ellipse. Je ne sais pas si je le prononce correctement. Notre cercle. Ensuite, vous pourrez ajuster tous les coins, les quatre parties de la forme que vous souhaitez créer, agrandir, la réduire, la faire, je ne sais pas, allonger ou la placer dans une autre partie de votre illustration. C'est donc l'un des aspects vraiment intéressants de la procréation. J'aime donc créer ce type de clavicule. La nano-illustration me donne l'occasion de les dessiner. J'aime les dessiner pour des personnages féminins. Ils sont généralement plutôt masculins. Mais dans ce cas, aucun personnage n' est vraiment critiqué. Et c'est facile de voir sa clavicule comme ça. Vous pouvez donc voir que par rapport à Patchy, je fais les cils les plus gros pour notre coup. Au lieu de créer le contour des cils. Au final, ce sera plus ou moins la même chose. Parfois, j'essaie de faire le plan parce que j'ai l'impression que cela semble un peu plus détaillé. est temps d'ajouter une mèche de cheveux sur les yeux, mais je ne suis pas sûre que ça soit beau. Je pense donc qu' un peu plus tard, je vais peut-être renforcer certaines lignes autour des cheveux et du visage. Et une fois que nous aurons fini de créer ce type d'épaisseur de trait, nous passerons à la base du dessin, la base grise du dessin. En fait, c'est le dessin au trait jusqu'à présent, je vous verrai dans la prochaine vidéo. 9. Échelle de gris: Après avoir terminé le dessin au trait de la dernière leçon, nous allons maintenant travailler sur la base en niveaux de gris. Commençons par sélectionner toute la forme extérieure du nano et remplissons-la de gris. Comme avant, j'opte pour un gris teinté de bleu, mais vous pouvez aussi opter pour un produit complètement saturé. Ensuite, nous allons créer une couche multiple , la fixer à notre couche grise et sélectionner le pinceau rond. Nous remplirons les zones d'ombre générales fonction de la source de lumière choisie. Ma source de lumière sera la même que pour l'illustration de Cauchy car je veux qu'il soit cohérent. OK, comme avant, nous utilisions l'outil Lasso pour sélectionner le contour du personnage. Bon, maintenant je suis simplement en train d'ajuster la couleur que je veux comme base. Je prends le pinceau de mon fournisseur de logiciels, qui est essentiellement un pinceau rond avec quelques paramètres d' opacité. Après avoir créé les zones ombrées, j'utiliserai l'outil de fusion pour lisser un peu les ombres , puis nous marquerons cette couche jusqu'à la base. Vous n'avez pas besoin d'entrer dans les détails à ce stade. ne s'agit que de l'occlusion ambiante. La raison pour laquelle nous ce type d'approche de l' échelle de travail est de disposer d'un point de départ unifié. J'aime beaucoup plus quand je n' ai pas à partir des couleurs plates. Bien, maintenant que ces deux couches sont fusionnées, changeons le gris par un joli ton rose. Pour rappel, plus tard, nous ajouterons des couleurs au-dessus de cette couche et ces couleurs seront activées, soit en multipliant soit en superposant des couches. Si la base devait rester lisse, les couleurs générales paraîtraient floues et nous ne voulons pas cela. À partir de maintenant, je vous laisse regarder comment je choisis les couleurs. Il y a la bouche avant de m' engager à remplir tout l'espace et la façon dont je les place sur différentes couches. Alors maintenant, j'essaie de tester quelle couleur choisir. Étant donné que j'ai sur le côté gauche de l'écran la nano-image de référence de Pinterest. Et elle a l'air très pâle. Je ne vais pas opter pour une couleur aussi pâle dans ce dessin car il serait très difficile de nuancer sans trop de contraste. Et je ne pense pas que ça aurait l'air si beau. Je vais donc lui donner un peu plus de couleur sur sa peau sans essayer de changer la couleur générale juste pour lui faire un peu défaut, puis nous irons trouver la couleur des cheveux, qui ne sera pas exactement un livre noir. Vous allez le voir dans une minute. Vous avez dit que c'est ce dont je parlais, propos des sélections dont j'ai tendance à avoir l'impression par erreur avec ma main. C'est pourquoi j' essaie de sélectionner des morceaux. En ce qui concerne le personnage, lorsque j' essaie de saisir une couleur, cela arrive et c'est parfois frustrant, mais je sais que c'est de ma faute si touche l'écran alors que je ne suis pas censée le faire. Et c'est à cause de ma position au bureau, qui n'est pas exactement la bonne. OK, donc comme j'ai créé une couche de superposition, je m'occupe à la fois du blanc des yeux et de la chemise, que je veux un peu jaune clair. La chemise était peut-être autrefois à pieds blancs, trop écrasante et trop lavée un peu jaune. Et faisons aussi le cigare. Vous pouvez voir que j'ai choisi la couleur très désaturée pour la veste, mais je n'ai pas sélectionné le noir le plus noir de la palette, car ce serait vraiment difficile à façonner et à vivre plus tard. Je pense donc à colorier le collier ou le tour de cou de la même manière que la veste, ou peut-être simplement à opter pour un ton un peu plus bas. Nous allons maintenant créer une couche différente pour les cheveux afin que je puisse jouer avec elle si je n'aime pas ceux que je sélectionne. Alors attrapons un gros morceau de cheveux et retirons la couleur. J'aime bien cette couleur, je pourrais m'y tenir. Je verrai après avoir rempli la forme complète des cheveux. Encore un peu jusqu'à ce que nous ayons fini de remplir les couleurs de base. Quoi ? C'est la première fois que j'essaie de dessiner un personnage qui fume. Et je ne suis pas sûr que cela soit réaliste. Mais je pourrais essayer de le refaire un jour et peut-être aussi inclure la fumée produite par le cigare. Je peux adopter une approche très cinématographique. Il ne nous reste plus que les lèvres et nous en avons terminé avec les couleurs de base. Et j'espère que vous vous amusez à regarder ce cours, peut-être à ramper ou peut-être que cela vous inspire simplement à créer vos propres autocollants. Je te verrai lors de la prochaine leçon. 10. Ombres douces: Maintenant que nous avons défini nos couleurs de base, nous allons commencer par ajouter les ombres douces sur Nana. J'ai déjà expliqué la différence entre les douces et les ombres dures et pourquoi vous devriez utiliser chacune d'elles du côté des clapiers du parcours. Donc, après avoir apporté quelques corrections ici et là, créons une nouvelle couche Multiply et attachez-la à la base. J'ai dupliqué ma couche de couleur de base et l'ai nommée soft shading. J'ai essayé de m'organiser pour ce cours et déjà créé le groupe de couches pour cette leçon. Je pense que vous l'avez déjà vu, mais si vous souhaitez regrouper plusieurs couches existantes, devez toujours maintenir et faire glisser votre couche vers la droite jusqu'à vous voyiez qu'elle reste sélectionnée. Procédez ainsi pour autant de couches que vous devez grouper. Ensuite, il vous suffit de taper sur le groupe en haut à droite du menu Layer. Je préfère organiser chaque étape du processus et pouvoir dupliquer des groupes de couches plutôt que chaque couche une par une, ou des groupes de couches en mars avant de passer à l'étape suivante. Plus vous dessinerez, plus vous verrez comment nous préférons organiser votre propre travail. Peut-être préférez-vous travailler uniquement sur deux ou trois couches, et c'est très bien si c'est ce que vous préférez. D'autre part, il existe des artistes qui ne font une seule couche à appliquer aux coups de pinceau. Mais ces coups de pinceau se distinguent. Ils voulaient donc pouvoir les jeter pendant le processus s'ils découvraient qu'ils ne les aimaient pas. Très bien, revenons au processus d'ombrage. Avant de vous laisser regarder le reste de la leçon, je voudrais vous dire quelque chose que vous avez probablement déjà entendu à propos de l' absence d'ombrage avec du noir. Il y a plusieurs raisons à cela. Tout d'abord, vous mettriez les zones les plus sombres possibles sur votre toile. Et vous n'auriez plus aucun moyen de jouer avec l' ombrage. Si vous pensez que vous utilisez simplement un noir translucide pour façonner une base claire, comme la peau, par exemple, cela vous donnera une couleur boueuse. N'oubliez pas que les ombres sont en fait assez colorées. Vous pouvez avoir des nuances de bleu, de violet, de rouge, d'orange, etc. dans votre ombre, en fonction du contexte de votre illustration. Cheveux et veste Fernandez, tous deux noirs. J'ai essayé de choisir un bleu désaturé et un peu violet pour la base et quelque chose de similaire mais plus clair pour l'ombre. Parce que la couche est déjà configurée pour se multiplier. Et si j'utilise la même couleur de base pour l'ombre, elle deviendra presque noire. Et comme je l'ai déjà mentionné, nous essayons d'éviter cela. Permettez-moi donc de le nettoyer un peu avant de passer à la partie suivante de l'ombrage. Je sais que j'aurais pu simplement sélectionner la zone que je voulais ombrer et ombrer à l'intérieur. Mais parfois, j' essaie d'avancer rapidement et je ne pense pas une, deux ou trois étapes à l'avance, mais je devrais, au moins lorsque je crée ce type de cours, peut-être pour donner l'exemple. Je ne sais pas si l'un d'entre vous travaille aussi bien, mais je dois montrer l'exemple et le faire pour vous. Maintenant, j'ai la teinte pour les cheveux et la veste baissée. Passons donc au tour de cou. Et ce sera assez simple. Je veux juste quelques endroits où je vais mélanger les couleurs parce que je veux vraiment utiliser le fard à cœur dans la prochaine leçon sur le tour de cou. Vous voyez donc comment je ne mets pas la couleur jusqu' au bord ou à la ligne du tour de cou. C'est parce que nous aurons un petit mensonge. Maintenant, je crée l' ombrage pour les yeux et j' aime ombrer la partie supérieure de l'iris. Et ce serait l'ombrage produit par les cils. Bien sûr, vous devez également façonner le blanc des yeux. Parfois je le fais quand je colore l'iris, parfois je le laisse aller jusqu'au bout. n'y a aucune vraie raison de toute façon. Il s'agit simplement de la façon dont je travaille à ce moment-là. Je ne suis pas sûr de ce qui s'est passé ici. J'essaie juste de corriger cette partie avec mon pinceau. Le fait d'essayer de s'asseoir à l' ombre ici aussi. Je sais qu'il ne sera pas perceptible de loin, mais je sais qu'il est là, je connais sa forme 3D et je veux le transmettre. Maintenant, nous allons simplement mélanger les rayures que nous avons faites avec le pinceau plus tôt. OK, passons donc à la chemise des non-propriétaires. Et tout comme avec Hace, ça va être un peu difficile de teinter quelque chose qui est presque blanc. Passons maintenant à la peau, qui est en fait la partie que j'aime le plus. Après avoir secoué les cheveux, nous allons d'abord nous concentrer sur les parties les plus évidentes, les parties partiellement recouvertes par la veste, puis par les os. Vous n'avez pas à vous soucier de le rendre trop détaillé à ce stade, car nous aurons une phase d'ombrage intense au cours de laquelle nous ajouterons quelques détails supplémentaires et quelques détails plus sévères d'ailleurs. En gros, ce que j'aime faire dans cette phase, c'est créer l'idée de formes gratuites. Donc les visages sont plats, le visage est en vol sur une feuille de papier. Nous voulons lui donner une dimension. C'est pourquoi nous ajoutons d'abord l'ombrage doux. Ajoutons quelques détails supplémentaires autour des yeux avant de continuer. On dirait que quelqu' un commence simplement par faire des portraits. Mais ne vous inquiétez pas, nous allons l'ajuster. Et à la prochaine leçon, je vous montrerai ceci, écouterai jusqu'à la fin, et je vous verrai à la prochaine leçon. 11. Ombres à tranche dures: Très bien les gars, alors avant de commencer à créer des ombres en forme de cœur, colorions notre dessin au trait. On me demande souvent comment dessiner sans dessin au trait ou comment puis-je masquer mon dessin au trait ? En fait, c'est très simple, vous avez déjà votre dessin au trait sur une ou deux couches. Dans mon cas, il s'agit généralement de deux couches parce que j'aime garder les yeux sur une couche séparée. Tout ce que vous avez à faire est de définir votre dessin au trait sur Alpha Lock et de choisir une couleur légèrement plus foncée que les cheveux, la peau, etc., puis de colorier les lignes respectives. Il est utile de colorer les lignes après avoir réduit au moins un ombrage doux afin que les tons les plus foncés apparaissent déjà sur votre illustration. Encore un peu jusqu'à ce que cette phase de coloration au trait soit terminée. OK, nous avons donc cette partie métallique du tour de cou. Et voyons s' il y a autre chose. Je pense à Ice ou à Lyft. Une fois que vous aurez fini de colorier, vous devrez supprimer et fusionner vos couches de dessin au trait, dupliquer la dernière version de votre illustration, puis assembler les doublons. Bien sûr, j'aime généralement conserver des copies de votre travail. Vous pouvez les fusionner directement. Je garde toujours des copies, mais je finis rarement par les utiliser, je suppose, sauf pour cause de maladie ou de raison. Très bien, maintenant, comme avant, l' ombrage des cœurs se fait à l'aide de l'outil Lasso et en remplissant les formes avec le pinceau rond. Je vous laisse regarder le reste de la vidéo et à bientôt pour la leçon d'éclairage. OK, les gars, nous commençons maintenant la phase de cette leçon consacrée à l'ombrage du cœur. Et j'aime bien commencer par le haut des cheveux pour ce personnage. Et vous pouvez voir que je suis déjà en train de créer une forme qui suit le flux des cheveux. Maintenant, nous allons de l' autre côté vers les bords des cheveux et créons une forme similaire. maintenant à l'arrière de la chevelure. Comme vous pouvez le constater, en descendant de plus en plus, j'essaie de réduire l'opacité des formes d'ombrage que j'essaie de remplir. Et c'est parce que nous nous dirigeons vers les pièces qui vont être éclairées. Et je ne pense pas que la même quantité d'ombres devrait être constituée de mots au milieu des cheveux qu' en haut ou en bas des cheveux. Et comme je l'ai déjà mentionné, je voulais également créer une teinte claire sur le tour de cou. Bon, maintenant, passons à la peau, nous créons des ombres autour des cheveux, autour des yeux. Et j'essaie simplement de souligner les endroits vraiment sombres autour du visage. Et ces mèches de cheveux sont très proches du visage, mais elles n'y sont pas collées. Ils vont donc créer l'ombre. Et aussi autour des yeux car la paupière créera toujours l'ombre comme ça. Vous voyez que dans ce cas, créer un ombrage autour de la chemise sépare également la chemise de la peau, qui sont toutes deux de couleur très claire. Et cela crée un très bel effet pour un autocollant. Ajoutez maintenant un peu d' ombrage supplémentaire sur la chemise. Essayons de créer des formes très nettes, car je veux vraiment que la sensation de netteté ne symbolise aucune personnalité. Donc je pense que ça a l'air bien. Allons-y maintenant et intensifions l'ombrage autour des yeux. C'est la même technique que je t'ai montrée. Pour l'illustration de la tête. Nous allons décrire l'ombrage de l' œil et de la pupille. Ensuite, nous allons créer un ton plus foncé autour de la pupille de l'œil. Ajouter un peu d' ombrage supplémentaire aux lèvres. Mais pas trop. allons donc également prendre un cigare, et je pense que nous en aurons presque terminé avec cette partie. Fusionnons maintenant ces couches et appelons-les par leur nom  : « hard shading ». Et essayons simplement d' appliquer un dégradé. Maintenant, ça a l'air vraiment sympa. Utilisons celui-ci, réglons-le pour qu'il se multiplie et jouons avec l'opacité. Voyons la différence. Essayons un autre dégradé. Celui-là. J'essaie de décider lequel je préfère. Bon, maintenant je prépare les couches pour la partie suivante. Je vous verrai dans la prochaine leçon. 12. L'éclairage: Nous approchons de la fin du cours maintenant, les gars choisissent de mettre un peu de lumière sur cette illustration. Je souhaite ajouter une lumière bleutée à aucune chevelure pour contraster avec des touches de couleurs chaudes. Et ce seront les points forts que nous allons mettre en termes d'opacité, comme auparavant avec hace. Ensuite, en utilisant la même couleur de lumière, j'ajouterai de jolis détails dans la glace. Vous pouvez maintenant voir que pour la phase d'éclairage, j'essaie d' utiliser manuellement le pinceau pour créer l'éclairage, essayant de diversifier la façon dont je note la couleur et de voir si je la préfère d'une manière ou d'une autre. Maintenant, je veux créer quelques détails supplémentaires, comme je l'ai fait pour hace. Non. D'accord. Créons donc cette petite lumière à l'intérieur de la pupille. Il ajoute également un peu de sa vie sur la poitrine. Je mets l'accent sur le fait qu'aucune personne n'est aussi maigre. Encore une fois, je pose la couleur l'aide d'un pinceau et je l'efface simplement, ce qui donne les mêmes bords vers le cou. Et vous pouvez voir que j' essaie de créer ce genre de forme en V. Et cela ne fait que mettre l'accent sur la structure osseuse du nano. Sur le visage, je vais utiliser une couleur plus chaude pour la lumière et essayer de recréer les mêmes reflets que sur l'illustration de la hace. Essentiellement, Nana est beaucoup plus facile à dessiner, elle a essentiellement moins de détails que hace. Je vous laisse regarder la suite de la vidéo et je vous retrouverai dans les réglages. Écoute. Essayons donc de créer cette forme de triangle sur le front. Encore une fois. Nana a un front très large par rapport à un front bon marché parce qu'elle n'a pas de frange qui le recouvre. Et je pense que c'est bien de le montrer d'une manière ou d'une autre. Créons maintenant la séparation entre l'ombre et le reste de la largeur du visage. Cette jolie lumière. OK, créons une couche multiple et faisons un peu de fard à joues. Maintenant, je suis en train de mélanger le bloc, en essayant d'obtenir un aspect doux. Ensuite, je vais réduire l' opacité parce que je ne veux pas qu'elle ait un rouge vraiment intense sur ses joues. Je veux juste quelque chose de poussiéreux, quelque chose qui donne l' impression là, mais qui soit vraiment doux. OK, donc je pense que je vais m' arrêter là pour le moment. Je vous verrai dans la section des derniers ajustements. 13. Contraste et ajustements: OK les gars, c'est le dernier cours côté illustration. Avant de commencer les derniers réglages, je souhaite corriger quelques petits problèmes. Je vais couvrir certaines de ces lignes de fracture et essayer de corriger certaines illustrations au trait. Maintenant que c'est fait, je ressens le besoin d'ajouter quelques touches de cheveux supplémentaires et de les rendre plus riches. Quand je pense à ce genre de détails sur les cheveux, j'essaie de choisir des couleurs directement à partir de la toile au lieu de sélectionner de nouvelles couleurs. Et j'essaie de créer de nouvelles mèches de cheveux. J'essaie de créer différentes mèches dans la forme des cheveux. Et en fait, pour les personnages qui ont les cheveux plus longs. Et cela n'est pas vrai pour les designs d'autocollants, mais pour les illustrations ou les dessins d'impression d'art. J'aime créer des cheveux supplémentaires dans le dos du personnage, pas sur la même couche. Ensuite, j'aime créer ou ajuster cette couche de cheveux supplémentaires. J'aime l'ajuster et créer un flou de mouvement afin de pouvoir ajouter du dynamisme à l'ensemble de la pose. Mais ce n'est pas le cas ici. Nana a les cheveux très courts et c'est aussi un sticker. Donc quelque chose comme ça, un flou comme ça. Nous allons faire bonne figure sur une courbe en bâton. Je fais donc attention , car je ne veux pas ajouter trop de détails, mais je veux qu' car je ne veux pas ajouter trop de détails, ils sortent du lot et apportent de la valeur à l' ensemble de l'illustration. Maintenant, vous souvenez-vous comment j'ai créé un contour plus fort sur des trappes, des volants blancs ? Je voudrais faire de même pour la chemise déchirée Nanos parce que je pense qu'elle ira bien sur l'autocollant. Et non seulement cela, mais il semblerait également qu'ils font partie du set, ce que j'essaie de réaliser. Je lis l'épaisseur du trait lorsque je dessine un contour comme celui-ci En me dirigeant vers les bords intérieurs, je choisis une ligne plus foncée. Et au fur et à mesure que je me dirige vers le milieu d'une longue file, elle sera un peu plus fine. Donc avant et après. Créons maintenant quelques détails supplémentaires. Nous allons commencer par la lumière dans les lèvres, puis nous les mélangerons un peu. Ajoutez une belle lumière sur le nez et ajoutez des reflets sur les yeux. J'en ajoute donc un peu, en particulier deux lumières sur le cuir, car comme je l'ai déjà mentionné, cuir est un matériau très réfléchissant et je veux un effet vraiment fort comme celui-ci. Je vais en effacer certaines parties parce que je veux qu'il soit un peu transparent. Mais je ne ferai pas de même pour le métal. Le métal doit avoir des lumières presque blanches car il réfléchit la lumière comme un miroir. Ajouter des reflets sur le côté du visage faisant face à la source de lumière. Ajoute également un peu de lumière à l'oreille. Et quelques lumières supplémentaires sur la joue. Ajoutons maintenant quelques détails sur les cheveux là où les reflets ne devraient pas se situer. Nous allons les mélanger un peu car nous voulons avoir quelques longues mèches de cheveux blancs et nous ne voulons pas qu'elles se superposent . J'ai l'impression qu'on peut vraiment faire la différence entre ces deux personnages. Je veux dire à la fois en termes de personnalité mais aussi en termes de design. Ce n'est pas le même personnage, ce n'est pas la même palette, ce ne sont pas les mêmes caractéristiques de un à l'autre et pourtant, ils vont de pair. Et je suis heureuse d'avoir réussi à obtenir ce genre d'effet. OK, alors créons de très longues mèches de cheveux blancs. La particularité du nonane est qu'elle ne peut tout simplement pas passer à côté de cela. Le fard à paupières violet. J'adore ce fard à paupières. J'avais l'habitude de me maquiller presque tous les jours au lycée puis à l'université. Et même maintenant, mon maquillage ressemble plus à des clapiers. Il est donc assez facile de dessiner du maquillage. Nous allons ajouter lentement les couleurs sur les couches de multiplication et de superposition. Nous allons donc d'abord ajouter le violet foncé sur les bords de la glace, donc le bord intérieur de l' œil et le pouce extérieur. Ensuite, nous allons le mélanger un peu. Et maintenant, en utilisant la couche de superposition, nous allons ajouter la partie claire à partir du milieu. Et choisissons une couleur plus claire. Peut-être même plus léger. Oui, je pense que c'est parfait. Et je pense que cela crée un effet assez métallique sur son maquillage, et j'adore ça. Sur la photo de référence, il semble beaucoup plus sombre. On dirait qu'elle est presque maquillée en noir. Mais si vous connaissez l'Animate, c'est en fait une jolie teinte violette. C'est pourquoi je sais que je dois choisir le violet. Et leur illustration est déjà beaucoup belle et a beaucoup plus de personnalité. OK, donc je suis vraiment contente du maquillage. Créons maintenant les ombres sur la partie blanche des yeux. Comme je l'ai déjà mentionné, j'ai parfois tendance à vivre jusqu'au bout. Au lieu de le faire avec l'autre ombrage. N'oublions pas non plus la face inférieure et créons l' idée d'une sphère. Et j'ajoute également un peu d' ombre sous les yeux. Intensifions donc certains des points forts dès maintenant. En commençant par le front, je veux qu'il soit un peu plus mis en valeur. Et puis autour des yeux. Faisons également quelques détails sur cette partie des yeux. Et ajoutez plus de détails sur les cheveux en utilisant ce joli reflet bleu. s'agira d'un sous-total. Et ils ressembleront à des mèches de cheveux qui suivent le flux dans la direction du reste des cheveux. Je vais également ajouter quelques détails sur la veste. Séparons l' étrangleur de la veste car ils sont tous les deux très foncés et ils ont l'impression d'avoir besoin d'un peu de séparation. Et comme je l'ai déjà mentionné, nous allons créer un joli point fort sur le haut du tour de cou. Donc, en ce moment, je me déplace sur la toile et essaie de voir où je pourrais ajouter plus de détails. Et voyons l' avant et l'après. Jusqu'à présent, ça a l'air vraiment bien. Aplatissons cette phase d'éclairage. Et maintenant, créons un dégradé dessus et voyons si nous aimons son apparence. OK, donc au final je ne l'ai pas gardé. Je suis en train de dupliquer la couche d'éclairage, de la renommer et de préparer ce visage pour obtenir un peu de contraste. Je voulais commencer par ajouter du contraste à la partie du visage qui se trouve dans l'ombre. Mais pas trop, juste assez pour devenir un peu plus habile. Contournez les ombres créées par les mèches de cheveux sur le visage. Créons également l'enchère sous les lèvres. Et le mortel au coin des yeux. Les plantes se sont intensifiées un peu plus autour des yeux. Créons l'ombre la plus foncée dans l'ombre créée par le menton. Ça a l'air bien. Et maintenant, créons une nouvelle ombre sur la veste. Et puis sur la poitrine. Vous voyez qu'en créant des formes d'ombre plus sombres dans votre ombre existante, vous ne faites que donner profondeur à ce que vous avez déjà défini. J'ai donc également voulu ajouter une ombre autour du nez. Et j'ai ressenti le besoin de créer une ombre plus foncée, plus grande ou mieux encore autour du coup droit. Mais je pense qu'il fait peut-être trop sombre. Je n'en suis pas sûr. Je vais laisser les choses comme ça pendant un moment et me décider plus tard. J'ajoute également quelques ombres supplémentaires aux cheveux. Et tout comme la vidéo est un peu trop lumineuse par rapport à l'illustration réelle. Et vous n'avez pas pu voir les points forts sur les zones les plus claires. C'est pareil pour les cheveux. Je n'ajoute pas du noir au noir. Ce ne sont en fait que des teintes sombres qui sont vraiment perceptibles, les unes sur les autres. OK, créons également de la profondeur autour des cils. J'ai beaucoup aimé cet effet sur Hace. Je veux donc le faire aussi à Nano. Maintenant, je vais aborder quelques petits détails remarqués alors que je menaçais les ténèbres. Et je vais ajouter quelques points forts avec notre couche normale sur la veste. En gros, il s'agit de créer les bords dont je parlais plus tôt. Faisons également de la lumière réfléchissante ici, créer des reflets violets sur le menton. Maintenant, je suis en train de fusionner les couches et nous allons faire quelques ajustements. Comme vous pouvez le constater, j'ajoute une certaine aberration chromatique l'aide du crayon et non sur l'ensemble du calque. Et j'essaie d'ajouter des reflets vraiment bleus ou violets partout où je peux voir ce qui est beau. En fait, c'est un peu triste de constater que lorsque je suis confrontée à une aberration chromatique, vous ne pouvez pas voir où je suis en train de modifier moins de faire très attention et de regarder très patiemment. Mais comme vous pouvez le constater, j'ai créé quelques aberrations chromatiques autour des reflets des cheveux et de la veste. J'essaie maintenant de créer quelques ajustements dans les courbes. Et parfois je les ai aimés, parfois non, et ils les rejettent tous ensemble. C'est comme maintenant, ce n'est pas vraiment un problème. Il vaut mieux essayer et échouer que de ne rien essayer et de ne rien apprendre. Ajoutons quelques points forts autour des boucles d'oreilles. Je pense qu'ils seraient vraiment beaux et j'utilise pinceaux par défaut de Guan of Procreate pour l'éclairage. Maintenant, j'utilise l'outil Liquify et j'ajuste simplement certaines formes et proportions. Je vous verrai sur les projets écoutez et pour les derniers mots, moins d'une vidéo 4K, je vous y verrai les gars. 14. Projet: Très bien les gars, votre projet, qui sera assez simple, n'aura qu'à créer et à soumettre, si vous le souhaitez, un design d'autocollant que vous avez créé sur la base de ce que vous avez appris dans ce cours. Si vous l'avez soumis, je peux vous donner une critique et une critique détaillées. Mais si vous n' aimez pas les critiques, veuillez le mentionner lorsque vous publiez. Très bien, c'est tout pour le projet. Je vous retrouve dans la dernière vidéo avec quelques derniers mots. 15. Des mots finaux.: Félicitations pour avoir terminé le cours. Je sais que c'était beaucoup. Avoir deux illustrations différentes réalisées dans un même cours est quelque chose de nouveau pour moi aussi. Je voulais partager avec vous le résultat final de notre travail, à savoir les autocollants. J'ai commandé les autocollants en finition brillante puis en finition holographique. Voici donc le produit final. J'espère que vous avez apprécié ce cours et, si tel est le cas, assurez-vous de laisser un avis, de me dire ce que vous devez en penser ou de poser toutes les questions que vous pourriez avoir. J' apprécierais également beaucoup que vous me suiviez sur Instagram où je suis actif tous les jours et discutant quotidiennement avec d'autres artistes de ma petite communauté. Merci encore de vous être inscrit à ce cours. La prochaine, au revoir, les gars.