Comment animer facilement les logos dans After Effects

1. Introduction: Salut. Je m'appelle Jay. C'est mieux. Salut. Je suis Jayden et je suis monteur vidéo, animateur et concepteur de mouvement. J' ai vraiment ce truc qui marche. Tout au long des années, j'ai travaillé sur une variété de projets, allant de la simple promotion du web et de la télévision, au cinéma d'animation ou à la publicité à gros budget, aux vidéos d'information du gouvernement australien, aux courts métrages primés films et séries transmédias. Tout au long de ces différents types de projets, j'ai trouvé que l'un des éléments les plus universels et les plus vitaux est le logo. C' est une partie importante de l'image de marque d'un film, d'une vidéo ou de tout autre contenu. Je pense que pouvoir animer une animation de logo tueur sera quelque chose qui vous aidera, fournir point à objectif, nous allons maintenant vous aider à vous démarquer de la foule. Tout au long de cette classe, vous allez prendre un logo préexistant et créer une animation de logo à part entière. Mes cheveux sont un gâchis, mais tout au long de cette classe, je vais vous montrer comment configurer et préparer n'importe quel type de fichier de logo qui vous est donné parce que nous allons le faire face, surtout si vous faites du travail client, vous n'allez pas toujours obtenir un illustrateur avec une étiquette nette. Vous pourriez avoir un JPEG de 300 x 200 pixels que le stagiaire avait couché quand ils vous l'ont envoyé. Je vais vous montrer comment développer votre regard pour animer le style du logo, et je vais vous montrer comment en utilisant techniques et des outils vraiment basiques dans After Effects, vous pouvez créer quelque chose qui semble avoir pris toute la journée, mais il a vraiment pris moins de temps que votre pause déjeuner. À la fin de ce cours, vous aurez des techniques très simples mais polyvalentes qui peuvent être appliquées à n'importe quel type de animations graphiques. Donc, sans plus tarder, commençons. 2. PROJET DE CLASSE: Pour votre projet de classe, vous allez créer une animation de logo du début à la fin en utilisant un logo préexistant. Vous pouvez utiliser l'un des deux logos et je vous fournirai un suivi étape par étape, ou vous pouvez utiliser l'un de vos propres logos, logo d'un client, ou tout ce que vous avez accès. Je vous recommande d'utiliser votre propre logo, et un logo original à cela. Si vous voulez utiliser un logo préexistant juste pour des raisons de pratique, vous pouvez, mais sachez qu'il y aura des limites à l'endroit où vous pouvez le publier. La loi sur le droit d'auteur est malheureusement un champ de mines et je ne veux pas que vous ayez des ennuis. Dans ce cours, je vais animer deux logos différents pour vous donner une idée de la façon dont les différents logos peuvent avoir des styles d'animation différents. Ce logo d'instance, qui sera plus dynamique et plein de mouvement, et cet exemple de logo corp, qui va être plus mécanique, et il s'inspire lentement et méthodiquement. Pour commencer ce projet, vous devrez ouvrir Adobe After Effects et, très probablement, ne me détestez pas, mais aussi ouvrir Adobe Illustrator. Je vous recommande de consulter la description du projet où j'ai mis quelques liens vers quelques principes fondamentaux des cours After Effects. Aussi, je recommande de vous familiariser avec les 12 principes de l'animation, où j'ai inclus un lien vers un guide d'article et une série de vidéos qui explique très bien les concepts. Lorsque vous avez terminé, j'aimerais que vous publiiez votre animation de logo finie ainsi que le fichier original non édité, dans la galerie de projets ci-dessous. Commençons à ouvrir ces programmes incroyablement lourds CPU, et utilisons-nous le son de votre ventilateur CPU devient fou, et commençons à faire ces animations. 3. Explication des types de fichiers: Maintenant, avant de commencer, je veux parler brièvement des types de fichiers et en particulier de la différence entre une image raster ou bitmap et une image vectorielle. L' image raster est tout ce qui est constitué de pixels. N' importe quelle sorte de JPEG, PNG, n'importe quelle sorte de fichier VIA, ce à quoi la plupart des gens sont habitués à la fin. Ils ont une certaine quantité de pixels définie. Chaque pixel possède des informations de couleur et des informations de luminosité. À travers les différentes quantités de pixels, c'est ainsi que l'image est transmise. Dans une très grande image comme celle-ci, ça marche bien. Vous avez beaucoup de détails dans l'ordinateur portable, vous pouvez voir tout ce qu'il est vraiment bon. Mais l'inconvénient de l'utilisation d'images raster est qu'il existe une résolution définie et, au-delà, qualité de l'image ne peut pas être augmentée. C' est bon pour ce fichier parce que comme vous pouvez le voir, c'est assez énorme. Mais si la résolution était beaucoup plus petite, disons, comme ceci, alors vous ne seriez pas en mesure de mettre à l'échelle la même manière que vous le pouviez avec un vecteur car une fois que vous zoomez, vous pouvez commencer à voir que la qualité de l'image commence à la décomposer. Vous n'avez pas ce détail, cette clarté parce que cette information de pixel est définie, elle est juste étirée donc, vous ne pouvez pas vraiment faire quoi que ce soit avec. Les images raster sont idéales pour tout ce qui est censé avoir un aspect photo réaliste. L' autre type de fichier est un vecteur. Contrairement aux images raster basées sur des pixels, les vecteurs utilisent des mathématiques pour calculer la taille de la forme, la position relative de tout et des choses comme ça. Avec une image vectorielle, vous obtenez ces formes simples. Parce que ce n'est que des mathématiques sur l'ordinateur, vous pouvez l'dimensionner aussi haut que vous le souhaitez, et peu importe combien, la qualité d'image sera toujours la même. Voir la netteté et le détail et la clarté sur les clés est exactement la même. L' inconvénient d'une image vectorielle est qu'elle ne peut pas contenir la même quantité d'informations qu'une image raster peut. Tout ce qui va pour quelque chose de photoréaliste ne peut normalement pas être fait dans une image vectorielle. Prenons, par exemple, cette capture d'écran très flatteuse de moi d'un peu plus tôt dans la vidéo. Avec cette image, si nous voulions zoomer sur mon visage parce que, je veux dire, pourquoi pas ? Avec une image raster, nous perdons évidemment quelques informations de pixel. C' est assez floue. Mais si nous essayons de faire exactement la même chose avec une version vectorisée de cette même image. Vous pouvez voir que les résultats ne sont pas grands. Simple n'importe quoi avec comme un dégradé ou une forte chute de la lumière à l'obscurité, les vecteurs ne peuvent pas, vraiment manipuler cette quantité d'informations très bien. Les deux ont certainement leurs utilisations et il y a des moments en tant que concepteur d'émotions, pourquoi vous voulez utiliser raster et quand vous voulez utiliser vecteur. Mais la plupart du temps, surtout si vous travaillez avec des graphismes, un logo ou quelque chose comme ça. Vous voudrez probablement utiliser le vecteur car vous pouvez redimensionner, remodeler, faire beaucoup plus de choses avec lui qu'avec une image de liste. Mais les choses ne tournent pas toujours comme ça. Souvent, les clients ne connaissent pas la différence entre un raster et un vecteur. Le laïc est beaucoup plus familier avec les images raster. Il est très probable que vous obtiendrez des images raster. Dans les deux prochaines vidéos, je vais vous montrer les deux façons distinctes de configurer un logo pour l'animation. La première façon si vous avez une image vectorielle, un fichier Illustrator ou un EPS, et la seconde, si vous avez une image ruster, un JPEG ou un PNG. 4. Importation et préparation d'un fichier vectoriel (.ai, .eps): Commençons donc maintenant le processus d'importation réelle de votre fichier afin que vous puissiez commencer à l'animer un peu plus tard dans la ligne. Malheureusement, même si je construis un fichier vectoriel comme étant beaucoup mieux et plus facile à utiliser, ils nécessitent une certaine quantité de configuration au début pour faire bouger les choses. Mais crois-moi, ça va te sauver beaucoup de maux de tête plus tard. Avant absolument tout ce que j'aime configurer ma structure de fichiers. C' est un peu différent parce que j'ai déjà fait des choses, mais en général, ce que j'aime faire, c'est que j'aime avoir un dossier pour les compositions et créer un nouveau dossier, il suffit de cliquer sur l'icône « Nouveau dossier » ici. Je crée un dossier pour les compositions je crée un dossier pour les métrages, dans ce cas, ce serait des images, donc peut-être en fait je vais renommer ce Assets, c'est un nom que j'utilise beaucoup et j'aime avoir un dossier pour divers, choses que je ne suis pas sûr exactement de ce que je vais utiliser. Même si je chantais les louanges des images vectorielles auparavant, malheureusement, vous ne pouvez pas simplement les importer la plupart du temps, parce que par exemple, essayons d'importer nos logos. Faisons ici, si nous essayons de l'importer. Bien sûr, si nous activons « Continually Rasterized » ici, ce qui permet aux fichiers vectoriels de maintenir leur forme indéfiniment, oui, sûr que nous avons cela et nous avons tout cet avantage supplémentaire, mais c'est juste ce morceau solide. On ne peut pas manipuler les morceaux finaux qui ne sont pas géniaux pour ce qu'on veut faire avec tous ces trucs de graphisme de mouvement fou. Malheureusement, nous devons entrer dans mon vieil ami, Adobe Illustrator, si vous n'êtes pas confiant avec Illustrator, car je ne suis pas très confiant non plus, ne vous inquiétez pas, car les étapes ici ne sont pas trop compliquées. Ce que nous devons faire, comme vous pouvez le voir maintenant, même si tout est techniquement sur son propre calque ici, After Effects ne lit que ce calque supérieur. C' est la nature de la façon dont After Effects lit certaines choses. Nous pourrions simplement les faire glisser vers le haut, les faire glisser sur leur propre calque, mais malheureusement pour le moment, ils n'ont pas de propriétés de calque. Nous devons leur donner des propriétés de couche et comment pouvons-nous le faire ? Eh bien, il y a en fait une façon vraiment, vraiment simple de le faire. calque supérieur sélectionné, puis cliquez sur le « Menu déroulant » sur la droite ici et descendez à « Release Layers Sequence » et ce que cela va faire est de mettre tout, même s'il était déjà séparé, maintenant c'est sur une propriété de calque réelle. Ce que vous pouvez faire est que vous pouvez le faire glisser en dehors de ce calque principal et maintenant il est tout seul, faites-le simplement un cas de glisser tout ici et maintenant vous pouvez supprimer ce calque vide en descendant l'icône de la corbeille ici et en obtenant débarrasser de lui, et donc maintenant tout est séparé sur ses propres propriétés de couche appropriées. J' irais un peu plus loin et je les renommerais. Il y a une autre étape que je ferais pour cela, qui est en fait de tourner cela parce qu'en ce moment c'est du texte afin que je puisse entrer et éditer ceci, si je voulais changer ceci pour instasnce, pourquoi pas ? C' est un nom frappant, la plupart du temps si vous obtenez cela d'un client, il sera probablement déjà fait son propre objet. Mais si vous l'avez fait vous-même, sera probablement toujours un calque de texte et pour ce que nous devions faire quand il est lu dans After Effects, After Effects obtient une lecture bizarre du texte d'Illustrator. Nous devons convertir ce texte en juste un objet régulier et c'est également assez facile. Assurez-vous simplement que vous avez cliqué sur le « Calque », assurez-vous que tout est sélectionné. Aller à « Type », « Créer des contours », et maintenant c'est un chemin, ce processus semblait évidemment très rapide et propre, mais c'est parce que ce logo est relativement simple, n'est finalement que six éléments individuels réels à travailler avec, mais disons que si nous avions notre autre exemple logo, ce mauvais garçon ici, qui a beaucoup plus se passe et si nous vérifions la structure de la couche ici et c'est un peu yikes. Vous pouvez voir que cela va prendre un peu plus de temps, donc vous devez être prudent. Maintenant, nous pouvons sous notre dossier d'actifs, assurez-vous qu'il est cliqué. Allez « Fichier », « Importer le fichier », cliquez sur « Instance », cette partie est vraiment importante. Vous devez cliquer sur ce bouton non pas comme « Métrage », comme « Composition Conserver les styles de calque ». Ce que cela va faire une fois que tout est dedans, nous pouvons ouvrir maintenant ici, tout est sa propre couche et c'est beau et soigné. L' importance de cocher « Conserver les styles de calque » est que, comme vous pouvez le voir ici en ce moment, la zone de bordure est juste pour la largeur du calque lui-même, ce qui est agréable, mais si vous oubliez de cliquer sur cette case, je peux vous montrer, cela fonctionne toujours , alors réimportons cela à nouveau, cela fonctionne toujours. Faisons cette « composition régulière » mais comme nous pouvons le voir maintenant, la zone limite est toute la largeur ici de la composition,ce la zone limite est toute la largeur ici de la composition, qui est correct mais c'est juste beaucoup plus propre de faire tout cela vous-même. Maintenant, faisons de cette composition quelque chose de réellement réalisable afin que vous puissiez faire un clic droit n'importe où ici dans la section grise, allez dans « Paramètres de composition » et passons à « HDV TV 1080 24". Maintenant, je suis habitué à travailler en PAL, en 25 images par seconde étant australien, mais avec Internet, n'importe quelle fréquence d'images fonctionne. Vingt-quatre est la norme, c'est bon nombre propre pour faire certaines choses comme si vous voulez animer deux, donc 24 conviendra. Dix secondes, c'est bon, et allons-y. Vous voulez activer ceci ici, « Rasterize continuellement », car c'est ce qui va donner à l'image raster sa puissance. Si vous ne dites pas, par exemple, à l'échelle et vous demandez pourquoi c'est floue, assurez-vous de vérifier que c'est bien activé, cela peut vous éviter beaucoup de tracas. Ce que je ferais maintenant dans ce cas, pour le mettre à l'échelle, je vais aller « Layer », « New Null Object ». Maintenant, « Null Object » est fondamentalement quelque chose que vous pouvez appliquer toutes les données à qui peuvent généralement agir comme des contrôleurs. Je vais vraiment renommer ce contrôleur, je sais où se trouve tout. Je vais sélectionner tous mes calques ici, saisir l'outil « Pick Whip » ici, glisser et se connecter ici, et donc maintenant ce que cela va faire est que le contrôleur, tout ce que je change pour le contrôleur changera tout autre ci-dessous. En fait, je n'ai pas suivi mon propre conseil, j'ai oublié d'activer « Continually Rasterized ». Pour aider à trouver la composition. Vous pouvez descendre ici et cliquer dessus et j'allume « Tidal Action Safe ». Maintenant, c'est un peu une relique de la vieillesse des émissions de télévision. Ces limites ici étaient essentiellement ce que l'écran du téléviseur allait couper. Mais je trouve que ces jours-ci c'est un bon outil de composition parce que vous ne voulez pas vraiment aller au-delà des limites de beaucoup d'entre eux et cela peut vous aider à aligner les choses. Disons pour une raison quelconque que vous n'aviez pas Illustrator. Aujourd'hui, avec Creative Cloud, vous aurez probablement accès à Illustrator, mais vous ne savez jamais que vous pourriez être dans une situation où vous ne le faites pas. Vous pouvez vous séparer par forme dans After Effects, mais c'est un peu maladroit. Ce que je veux dire par là, je vais vous donner un exemple. Disons que nous l'importons et nous allons importer ceci, mais juste comme « Seage ». Il y a un moyen de transformer cela en plusieurs calques et ce que nous pouvons faire est que nous pouvons faire avec le bouton droit de la souris « Créer », « Convertir des formes à partir d'un calque vectoriel » et maintenant cela va créer un calque de forme au-dessus, comme nous pouvons le voir ici, c'est maintenant désactivé, où chaque pièce individuelle est transformée en sa propre couche de forme. Vous pourriez penser, wow, que c'est sauter tout un tas d'étapes, pourquoi ne pas faire ça dès le début ? Le problème est que tout est sous cette couche After Effects et vous pouvez certainement manipuler ces parties individuelles par elles-mêmes. Je peux l'agrandir, je peux déplacer ça, je peux même ajouter mes propres images clés, mais tout sera sous cette seule couche, et surtout compte tenu de ce que nous faisons, nous allons avoir tant d'images clés, naviguer à travers cette seule couche va être un peu un cauchemar. Vous pouvez vous séparer des calques comme celui-ci, mais encore une fois vous rencontrez un autre problème, disons que si nous avons créé un calque de forme vide et que nous pensions bien, nous allons séparer ceci, et si nous coupons ce point ici et le mettons là, toute l'information va être folle, ce ne sera pas exactement la même chose. Je trouve que la façon la plus simple de le faire est de dupliquer cela cependant beaucoup de fois que nous avons fait, voyons, 14, nous aurions besoin de dupliquer ce 14 fois, puis d'aller manuellement et simplement supprimer tous mais ceci, et ensuite aller dans celui-ci, et nous devrions supprimer 2, nous devrions supprimer 4, et ainsi de suite et ainsi de suite, et cela finit par être tellement plus compliqué que d' aller dans Illustrator et de séparer par couches de cette façon. J' aime utiliser l'outil « Créer des formes à partir de vecteurs » bien que dans une instance très spécifique. Sélectionnez tous nos calques ici et cliquez avec le bouton droit de la souris sur « Créer des formes à partir de calques vectoriels ». Ceci est essentiellement créé tout dans sa propre couche de forme individuelle. Maintenant, il y a trois raisons principales pour lesquelles je l'ai fait, la première est que maintenant nous pouvons réellement entrer et manipuler les cadres clés, ce qui deviendra important plus tard. La seconde est si j'ai ce logo original, disons par exemple, si quelque chose devait se produire, si je devais perdre le fichier de logo tout en déplaçant des choses à partir de disques durs, s'il a été corrompu, ou si une modification a été faite alors lien dynamique Adobe ferait-il ces changements ici et beaucoup de travail pourrait être perdu. J' aime juste les faire pour ne pas manipuler ou endommager le fichier original et le troisième est que parce que j'ai fait le texte juste cette couche, quand j'ai tout fait dans Illustrator, si je vais là-dedans, maintenant, ils sont tous séparés en groupes individuels. Maintenant, je sais que je viens de parler plus tôt qu'il est préférable d'avoir des choses sur des couches séparées, mais je pense en fait qu'il est préférable de travailler dans ces sous-groupes, choses qui sont très, très similaires. Ce logo d'instance ou les lettres individuelles fonctionnent beaucoup mieux et je peux les manipuler exactement comme je voudrais, mais il est toujours bien contenu dans un seul calque de texte. Je pense qu'il finit par être le meilleur des deux mondes, et même si vous le vouliez, vous pourriez même aller de l'avant et supprimer ces couches. Je vais les garder là juste pour l'assurance peut être pour une référence si je voulais revenir à eux, et oui, maintenant, plus ou moins, c'est prêt à être animé. C' est ainsi qu'il faut importer et configurer une image vectorielle dans les meilleures circonstances possibles. Dans la vidéo suivante, je vais voir ce qu'il faut faire si vous avez une image raster, et il y a des techniques utiles et des choses que vous pouvez apprendre de même si vous avez un fichier vectoriel, il est toujours bon d'avoir cette connaissance comme une sauvegarde, Allons fissurer le prochain. 5. Importation et préparation d'un fichier Raster (.jpg, .png): Maintenant, nous allons couvrir ce qu'il faut faire si vous avez seulement accès à notre image raster à la place,. Ce n'est pas la fin du monde, surtout si vous allez en PNG et c'est assez élevé. Disons par exemple, vous êtes envoyé quelque chose comme ça. Si nous créons une nouvelle composition, c'est bon, exemple PNG. Oui, je suis assez lâche sur mon nom de fichier. Si vous travaillez sur un projet avec plusieurs personnes qui vont avoir accès aux mêmes fichiers, vous voudrez peut-être être plus clair, mais si c'est votre propre chose personnelle, assurez-vous simplement de comprendre où tout l'est. Laissez tomber la PNG ici. Nous pouvons voir que c'est assez haute résolution. On peut faire beaucoup avec ça. Ce n'est pas trop mal. La façon dont je travaillerais avec un PNG ou quelque chose comme ça, c'est de déterminer exactement combien de pièces individuelles vous avez. À cela, nous avons ces cinq éléments et nous avons 1,2,3,4,5,7,8,9. Neuf morceaux de texte. Nous avons finalement besoin de 14. On dupliquerait, et on dupliquerait ce 14 fois. Vous voyez peut-être un modèle lié à quelque chose tôt. Ensuite, ce que vous feriez est de retourner le premier, pour apparaître à l'outil Masque ou à l'outil Plume, et vous commencerez à masquer ces éléments. C' est évidemment assez généreux. Ce sont de grands espaces, donc je n'ai pas besoin d'être très précis avec mon masquage. Je peux juste faire cette forme générale. Vous iriez de l'avant et le faire pour chacun. Maintenant, chaque pièce est individuellement séparée en sa propre petite petite chose ici. Avant de faire autre chose, je sélectionnerais toutes les couches. Je ferais le contrôle, Alt, Home, descente est le point d'ancrage au centre de tout ce que votre agneau peut être. Pour déplacer le point d'ancrage, vous pouvez aller jusqu'ici à l'outil Panoramique derrière ou vous pouvez appuyer sur Y sur le clavier, c'est le raccourci clavier. Peut-être que tu peux y aller et arranger certains de ces trucs, donc comme celui-là est loin. Il a mis cela plus au centre, comme celui-là. Encore une fois, j'irais Couche, Nouveau, Objet Null. Je vais choisir le parent fouet, tout à mon objet nul ici. Maintenant, j'ai juste un contrôleur. Je vais probablement y aller et renommer tous ces éléments en leurs morceaux spécifiques, comme nous l'avons fait dans Illustrator. C' est un bon moyen de mettre les choses en place. Évidemment, vous n'avez pas le même niveau de liberté pour certaines choses que nous ferons plus tard. Mais c'est un bon endroit pour s'arrêter. Maintenant, si vous n'avez accès qu'à une image JPEG ou PNG sans aucune transparence, il y a encore quelques choses que vous pouvez faire. Maintenant, la transparence des contacts de JPEG naturellement. Vous pouvez toujours faire exactement les mêmes choses dont nous avons parlé. Vous pouvez entrer et séparer ces couches. Juste pour l'exemple, je ne vais en faire que deux ici. Si vous mettez tout sous, nous sommes allés Coucher, Nouveau, Solide. Faire la taille Comp. Oui. Pompe ça ici. Il n'y a pas de problème, sauf que nous voulons passer sur le bord du masque et où le fond blanc va entrer en jeu. C' est un peu un dilemme qu'il n'y a pas de moyen vraiment super efficace de traiter. Probablement le plus propre est juste de garder le tout sur le même fond de couleur que tout ce que le JPEG a. Cela peut être un peu limitatif plus tard avec si vous voulez faire un peu de composition folle d'un métrage, vos options sont très limitées. Mais pour la plupart, dans la plupart des logos ont tendance à être animés sur une couleur unie, donc c'est bon. Une autre façon d'y faire face est que vous pourriez y aller, par exemple, et vous pourriez être incroyablement méticuleux avec votre masquage. Tu pourrais aller ici, puis ici. Mais le problème avec même cette méthode est, fermons ceci ici pour le moment. Vous pouvez voir que ce n'est pas impeccable. Il faut beaucoup de temps pour aller bien. Si vous allez à l'effort de simplement masquer cela méticuleusement, il est beaucoup mieux de finir par recréer le logo vous-même, soit avec des effets à l'intérieur. Vous pouvez donc utiliser un calque de forme. Si aucun calque n'est sélectionné et que vous avez le crayon, il crée automatiquement un calque de forme. Vous pourriez passer par ici comme ça et le recréer. Vous commencez à avoir le semblant de la forme. Avec les textes, c'est assez difficile. Vous voudrez probablement simplement demander au client quelle était leur police. Mais pour certainement pour ces formes. Si tu avais juste attrapé un solide ici, facile pétillant. Si vous rencontrez ce problème, je recréerais le logo vous-même dans After Effects. C' est essentiellement ce qu'il faut faire si vous finissez par avoir un logo entièrement trop [inaudible]. Quelque chose comme ça. Si nous l'augmentons, c'est impraticable, c'est fastidieux, ça ne semble pas professionnel et vous êtes incapable de faire quoi que ce soit. Vous devriez recréer le logo de toute façon. Même si vous finiriez probablement par recréer les choses plus tard, même si la résolution est parfaitement assez élevée sur la transparence, juste la nature de ce que vous voulez faire. Il est plus facile de recréer certains éléments. C' est toujours une bonne idée si vous avez un raster pour commencer avec ce processus, car il vous donne une base claire sur exactement ce que vous devez travailler et y visualiser ce que vous êtes des pièces. Maintenant que nous avons sous quelque forme que ce soit la configuration de décomposition, le fichier importé, passons au démarrage réel du processus d'animation. 6. Les propriétés de Transform I : position, point d'ancrage et échelle: cette première partie, nous allons simplement nous concentrer sur l'utilisation principalement de la position et de l'échelle, parce que c'est ce que cette animation de logo utilise principalement. Maintenant, même si vous commencez absolument et c'est la première fois que vous voyez après les effets, les propriétés de transformation sont assez simples. Si vous allez dans le menu déroulant du calque ici, puis vers le bas dans la transformation. Vous disposez des cinq propriétés de transformation de base, de l'opacité à la position. Ils sont tous assez explicatifs. L' opacité est la transparence de quelque chose, la rotation est la façon dont il est tourné. échelle est la taille et vous pouvez les dissocier, ce qui est agréable. Peut-être que vous voulez plus d'un rectangle et la position est où il se trouve. Maintenant, le point d'ancrage, cependant, est probablement le plus intéressant et celui qui est le plus probable si vous avez des problèmes avec les propriétés de transformation, c'est probablement à cause de votre point d'ancrage, car l'ancre est le centre de la mise en page. Déplaçons le dans le coin ici. Si nous essayons maintenant de faire la même chose, donc si nous mettons à l'échelle cela va être le point à partir duquel il évolue ou si nous faisons la rotation d'où il tourne. Si vos images clés, vous avez des problèmes, il ne se passe pas vraiment comme vous le souhaitez. C' est peut-être parce que votre point d'ancrage n'est pas là où vous le voulez ou en avez besoin. Je m'assure toujours, au tout début, avant de mettre des cadres clés, m' assurer que mon point d'ancrage est là où je veux qu'il soit. Commençons à construire cette animation. Pour commencer, je n'aime pas vraiment le fond de damier. C'est dur de voir ce que je fais. Je vais aller aux paramètres de composition, couleur d' arrière-plan, et le changer en blanc, l'éteindre. Maintenant, ça va ressembler si c'est juste sur un fond blanc. Maintenant, je vais désactiver tous ces calques pour le moment et je vais passer à l'outil de forme, aller à l'ellipse, aller à la touche Maj enfoncée et glisser et maintenir la touche Maj enfoncée me permet de faire un cercle parfait sans maintenir Shift. C' est plus un ellipsoïde à contrôler tout le temps pour le mettre dans le capteur. Je vais passer à l'onglet aligné ici et l'aligner au milieu où j'en ai besoin. En fait, je vais l'allumer juste pour obtenir la référence de couleur va aller ici pour filmer et je vais changer ça pour la couleur du milieu ici. Espérons que vous avez quelques connaissances de base ou que vous avez regardé les 12 principes de l'animation parce que nous allons utiliser certains d'entre eux ici. Les plus importants, je pense que pour les animations graphiques ou à tout le moins pour cet exemple sont squash et stretch, anticipation, suivi, et lenteur, ralentissement. Comme je l'ai dit, je veux m'assurer que j'ai le point d'ancrage où je le veux. Je vais utiliser le pan derrière le contrôle de maintien de l'outil et cela me permet de le verrouiller ici parce que nous voulons que cette balle rebonde. Il est plus logique pour cette échelle car quand on l'étire pour être efficace à partir de là, il va juste le rendre propre en bas de la ligne. Je vais ajouter environ 12 cadres et frapper le chronomètre de position. Maintenant, pour cette animation de chute, il est plus logique de travailler à l'envers moi. Je vais régler le cadre de la clé de repos ici aller en arrière, peut-être cinq cadres, monter un peu et maintenir le décalage pour le verrouiller à un avion. Peut-être que je vais mettre un peu, revenir en arrière quelques images, le déposer un peu, plus ici, et ensuite aller au tout début et le sortir du cadre. Maintenant, si nous rejouons ça, nous avons une animation rebondissante très simple. Maintenant, ce n'est pas génial pour le moment. C'est un peu raide. Une façon de rendre cela juste un peu plus frappant est que vous pouvez frapper F-9 et cela met des images clés faciles et faciles partout. Fondamentalement ce que c'est, si nous regardons le graphique de vitesse ici, nous pouvons voir ces belles boucles. C' est le mode lent, lent out des 12 principes. Ça a déjà l'air assez bien. Comme vous pouvez le voir, nous avons ça. Vous devez suivre ici quand il rebondit sur des pousses un peu ici avant de venir à son repos. Il ne vient pas seulement à son arrêt complet. C' est très subtil et vous ne le remarquez pas vraiment quand vous le regardez, mais vous le sentez certainement. C' est ce que beaucoup de temps, les 12 principes sont. Vous ne le remarquez pas, vous le sentez. Nous pouvons rendre cela encore plus, c'est que nous pouvons ajouter un peu de squash et étirer. Appuyez sur l'échelle S pour faire apparaître la position de l'échelle, appuyez sur le chronomètre pour créer une image clé, puis appuyez sur U et si vous appuyez sur U sur un calque, vous pouvez voir toutes les images clés que vous avez actuellement sur ce calque. Parce que je viens de réaliser que je vais renommer ça parce que ça me dérange. Une chose importante à garder à l'esprit au sujet de la squash et de l'étirement, en particulier en ce qui concerne l'échelle, est que la plupart du temps les objets ont besoin de maintenir leur volume. Ce que je veux dire par là, c'est que lorsque faire des objets de squash et d'étirement ne gagnent pas soudainement de masse. Si vous modifiez des valeurs, par exemple, valeur horizontale de l'échelle, vous avez besoin d'un changement de contre-balance dans la valeur verticale de l'échelle. Disons pour une courge. Rendons ça un peu exagéré pour qu'on puisse le voir. Faisons 125. Alors ici, nous devons laisser tomber les 75 pour cent. Allons au 75. Maintenant, vous voyez ce que je veux dire, il maintient son volume. C' est un peu plus exagéré dans mon exemple, mais continuons et animons ceci. Comme il atteint le sommet, il irait à nouveau dans la direction opposée, qui suivent à travers. Disons maintenant que celui-ci tire sur un 110 et celui-ci va à 90. Vous voyez quand il vient de renfort, il est maintenant en train de retrouver sa forme. En ce qui concerne le repos, il peut facilement et bien revenir à 100. On joue ça. Vous pouvez voir qu'on a maintenant une belle petite balle rebondissante. Allons-y et allons-y plus loin. Maintenant, nous allons commencer à le séparer. On a entendu un problème avec ça parce que je déplace le point d'ancrage vers le bas. Si je veux changer l'échelle maintenant, ça va toujours être du côté, qui est un peu un problème pour ce que nous voulons faire ensuite. Cependant, heureusement, comme il s'agit d'un calque de forme, nous pouvons affecter les propriétés de transformation de la forme individuelle ici. Si vous cliquez simplement sur le contenu, jusqu'à l'ellipse, jusqu'à la transformation. Nous avons maintenant notre propre ensemble de propriétés de transformation à utiliser et le point d'ancrage est au centre, qui est agréable pour ce dont nous avons besoin. Maintenant, nous allons utiliser un peu d'anticipation pour commencer à mettre la scène. Réglons notre cadre clé de l'échelle de base et continuons peut-être à quelques secondes. Parce que cela va s'étirer horizontalement, peut-être que nous voulons regrouper un peu verticalement avant qu'il ne se propage comme ça. Encore une fois, nous allons dissocier les propriétés de l'échelle ici et allons regrouper un peu au milieu, et nous allons augmenter cela en conséquence. Il va se grouper un peu et nous allons frapper facilement, F-9 et nous allons même ajouter un très petit avant dans la direction opposée, comme la plus petite quantité, juste pour ajouter du punch supplémentaire, et maintenant allons de l'avant et commencer la direction opposée. Allons l'étendre jusqu'à là et étirons ça vers le bas. Même dans cette section de fractionnement, vous voulez maintenir un peu un volume. Voyez en ce moment, c'est un peu trop lent pour ce que j'en ai besoin. Mais vous ne voulez pas aller à l'agitation de déplacer individuellement ces images clés. Pour cela, ce n'est en fait pas trop mal. Mais disons que si vous aviez beaucoup, beaucoup, beaucoup plus d'images clés, ce serait trop d'aimer déplacer chaque élément individuel. Sélectionnez tout, maintenez la touche Alt aller à votre dernière image clé, puis faites-la glisser sur et maintenant il sera ré-heure. Maintenant, l'inconvénient est qu'il ne le verrouille pas sur un cadre, donc il est légèrement hors de là. Vous devez entrer manuellement et vous assurer qu'ils s'alignent juste pour être sûr et il y a plus à faire ici tard, mais avec seulement les propriétés de transformation vont maintenant vouloir créer une autre mise en page. Faisons de nouveau l'outil ellipse, maintenez le décalage et maintenant nous voulons un nouveau calque pour cela. Allons à peu près la même largeur. C' est plutôt bon et mettons-le ici. Maintenant, je veux dupliquer cette ellipse et la mettre de ce côté ici. Maintenant, vous pouvez le faire sur des calques séparés, mais j'aime le garder dans la même chose juste parce que nous allons le dupliquer encore plus tard. Cliquez sur ce cercle de départ et appuyez sur alt et un crochet carré juste pour le couper de sorte que nous ici à la toute fin. Nous voulons faire le contraire ici. Allez alt, ouvrez le crochet carré et c'est un peu éteint, alors faisons simplement glisser ceci à travers et maintenant se divise comme ça. À ce stade, connu dans la construction de la base de cette animation de logo, ce que je vais faire est à peu près de la même chose. Si vous êtes assez confiant que vous comprenez comment utiliser et appliquer les propriétés de position et d'échelle, vous pouvez aller de l'avant et passer à la vidéo des propriétés de transformation partie 2, où nous allons couvrir l'utilisation de la rotation et opacité, ainsi que de faire un peu de solidification et comment utiliser l'échelle. Pour ce faire, nous allons passer à notre autre exemple de logo, qui peut mieux illustrer ces propriétés. Mais si vous avez toujours l'impression que vous n'en avez pas tout à fait le coup, dans la prochaine vidéo, je vais continuer à expliquer comment nous finissons cette fondation. Quel que soit votre choix, rendez-vous dans la prochaine vidéo. 7. Bonus : appliquer la position, le point d'ancrage et l'échelle: Continuons là où nous nous sommes arrêtés dans la dernière vidéo en appliquant le reste des techniques de propriété de transformation de position et d'échelle. Ces deux ellipses ici, Faisons une trame clé de position et une trame clé d'échelle qui est ce dont nous allons avoir besoin. Parce que j'ai eu les deux sélectionnés en même temps quand je suis frappé ces chronomètres, quand je frapperai U, ils seront sur les deux ce qui est bon pour ce dont nous avons besoin. Nous allons les traîner ici et nous allons définir où nous voulons que notre position finale soit. Assurez-vous de cliquer sur Transformer ici pour que nous puissions le déplacer. Maintenez les quarts, donc nous gardons un plan horizontal, traînez-le ici. Va activer l'action de marée sauver juste pour m'aider avec la composition. Alors je vais faire la même chose ici. Ensuite, je vais retourner à la position. Je vais emménager ici juste pour voir ce que je fais. Assure-toi qu'ils s'alignent au milieu ici et ramènent ça. Maintenant, ils seront deux séparés comme ça. Encore une fois, nous voulons mettre quelques dépassements. Allons au-delà d'ici. Définissez maintenant un cadre clé pour que nous puissions savoir ce que nous faisons. Revenons à celui-ci et nous allons le dépasser un peu. Il est poussé à peu près là. [ inaudible] juste ces derniers finaux. Voyons voir, ça a l'air plutôt bien. Mais faisons la balance. Il est mis à la verticale ici à 110. Mettons celui-là à 90. Alors on y va. En fait, vous pouvez simplement cliquer dessus et copier toutes les propriétés de l'échelle. Maintenant des données comme celle-ci, certaines suivent par ici. Allons au contraire. Faisons ce 97, 104 et copions simplement cette image clé unique parce que ce sont exactement les mêmes engulfant les images clés. Allons traîner ça pour que ce soit un peu plus. J' ai fait une petite erreur ici. Mais ces choses arrivent, vous devez le nettoyer. Parfois, ça ne se passe pas aussi bien que tu le veux. Maintenant, c'est plutôt bon. Maintenant, on va faire la même chose qu'on a fait avec celui-là. Nous allons avoir cette expansion et ensuite contracter. Réglons nos cadres clés de basse ici. La beauté avec celui-ci est que nous pouvons juste les garder sur la même chose. Allons à l'intérieur et nous agrandissons. Maintenant, cette fois, ils vont se développer verticalement. On voudra régler ça pour qu'il y ait une bouchée haute. Ceci pour être un peu extrait, copiez la même image clé. Ensuite, développez-vous comme ça et développez-vous comme ça et nous voulons déplacer ce calendrier parce que nous voulons continuer à avancer à un bon rythme. À peu près juste après, c'est bon. On peut juste copier ces images clés. En bas, ici. Nous allons les compenser un peu aussi. Disons que celui-ci commence ce petit peu après celui-là. Juste pour lui donner un minuscule sens qu'ils se produisent individuellement. Encore une fois, frappons alt, carré, support pour le couper. Faisons encore une troisième couche avec une sphère parfaite et encore une fois, donnons-lui une largeur similaire et dupliquons-la. Alt, carré, parenthèse ici. Prenez ces deux sélectionner en même temps. Transformez, échelle de position a touché U. Maintenant, nous les avons élevés brillants. Allons de l'avant jusqu'à ici. Déplacez ça là où nous le voulons. Oui, c'est plutôt bon. Si ici à l'endroit où nous le voulons, il est facile d'avancer à nouveau pour l'échelle et l'échelle. Va à ici. Contracter, booster et copier ce que nous avons fait pour le premier. Ajoutons un dépassement de l'opposition. Retirez cet automne un peu et c'est maintenant que je dépasse. Encore une fois, mettons notre balance overshoot [inaudible] copier-coller. Alors nous l'avons pour ce côté-ci. Mais bien sûr, nous avions besoin de l'autre côté aussi. En fait, nous allons couper ça pour obtenir l'effet ici. Vous obtenez l'effet. Fermons ceci, allez au contenu tout laisser tomber. Nous allons juste dupliquer ces deux couches et maintenir U à nouveau. Maintenant, sélectionnez toute la position en même temps en maintenant la touche Contrôle. Ensuite, si vous êtes sur l'image clé de droite, lorsque vous déplacez, elle déplacera tout en même temps, toutes les images clés que vous avez sélectionnées. qui signifie maintenant que quand on joue ça, c'est parfaitement reflété, ce qui est plutôt bon. Encore une fois, parce que celui-ci a été légèrement décalé et que nous voulons les déplacer par un seul ensemble de cadres clés. Juste maintenant peu de dynamique, pas exactement la même chose. Maintenant, nous voulons qu'ils viennent tous se rencontrer au centre. Maintenant, il est là où je veux vraiment qu'ils soient différents. Frappez U, voici quelque chose pour notre position sur les quatre, allez-y quelques images. Zip au milieu ici. Maintenant, je veux utiliser ce point du milieu comme un moyen de les faire toucher pour quand le dernier se réunira. Là, nous allons et maintenant je vais juste décaler chacun de ces par un cadre frappant alt, les touches fléchées. Maintenant ils possédaient est venu sur le cadre un peu comme ça et aller à ce cadre ici et frapper Alt, crochets, il est coupé. Créons un cercle de plus au centre ici. À peu près la taille de chacun d'entre eux. Support carré de maintien central décalé. Ensuite, je vais frapper pour transformer l'échelle, l' amener ici, la réduire. Quand ici frapper à nouveau avec [inaudible] ouvrir. Je veux que ça tienne plus longtemps et je veux que ça soit plus grand. Avant de redescendre. Peut-être que je ne veux pas que ce soit Easy Ease en fait. Maintenant, si nous jouons tout, nous avons le fonctionnement du début de ce que nous avions avant. Encore une fois, mon temps n'est pas parfait. Ce ne sont pas ce que je veux. J' y vais et je dirais, par exemple, que la pause est trop longue. Je trouverais ici, et je traînerais tout pour qu'il commence plus tôt. Trouvez-moi en les faisant passer. Faites la même chose pour ici. Je veux que ça commence beaucoup plus tôt. Prenez les cadres clés et commencez à les déplacer ici. Ensuite, on l'a, ça commence à se réunir. Une dernière remarque avant d'arriver au point suivant est que lorsque ces vitesses ensemble au milieu, si nous voulons ajouter l'excès de vitesse similaire ou comme cadres clés de l'échelle et lui donner le sens du mouvement, si nous le faisons à la moment. Disons qu'avec celui-ci, ça ne marche pas parce que, maintenant ça va comme ça. Nous devons enfin ajouter quelques cadres clés de rotation. Tout d'abord, nous allons de l'avant et ajoutons nos cadres clés à l'échelle. Appuyez deux fois sur U, ce qui réduit toutes les images clés, puis sélectionnez l'ensemble du calque d'ellipse ici, ou la rotation de la transformation. Nous pouvons ajouter nos cadres clés de rotation à tous. Maintenant, appuyez sur U. Nous avons autorisé les images clés de rotation. Ce que nous allons vouloir faire, c'est quand la balance s'arrêtera ici, traînons-les ici. Changeons la rotation de chacun. Commençons par celle-là. La rotation doit être comme ça. De cette façon, nous le faisons, il sera à l'échelle comme ça. Juste une petite note pour faire tout ça. Maintenant, si nous jouons ça, nous pouvons voir les débuts de la façon dont tout se réunit. Il semble déjà assez bon, même en utilisant l'échelle de position et un petit peu de rotation. Dans cette vidéo, nous n'avons utilisé que la position et l'échelle. Dans la prochaine vidéo, nous allons passer à notre autre logo et vous montrer comment la rotation et opacité peuvent également fonctionner pour créer des effets très intéressants. 8. Les propriétés de Transform II : Rotation et opacité: Maintenant, nous allons entrer dans notre autre logo et commencer appliquer des cadres clés de rotation et d'opacité, plus un peu d'échelle sera caché là-bas le long du chemin. Donc, avant de faire quoi que ce soit d'autre, je vais tout sélectionner, clic droit, Créer, et créer des formes à partir d'un calque vectoriel. Maintenant, vous remarquerez peut-être tout de suite que ce qui se passe ici, pourquoi est-ce tout blanc ? Lorsque les effets secondaires convertissent des formes à partir de vecteurs, ils ne convertissent pas la transparence, donc c'est une solution très facile. On va juste les tirer ici. On a juste besoin de trouver les deux carrés ici, frapper T pour augmenter l'opacité et de le ramener à 20 et boum. Maintenant, vous pouvez aussi remarquer que par rapport à l'original, ces lignes ici, nous pouvons voir que les informations de couleur sont un peu différentes. Cela peut arriver de temps en temps lors de la conversion dans AfterEffects, mais dans ce cas, ce n'est pas trop mal parce que nous allons juste recréer ces lignes plus tard sur la ligne de toute façon, mais si c'est quelque chose d'un peu plus vital, vous ne voudrez peut-être pas convertir de la forme et utiliser simplement le calque illustrateur d'origine. Encore une fois, avant de faire quoi que ce soit, je vais aller à la couche, nouvel objet nul et le mettre ici, renommer ce contrôleur. Maintenant, avant de choisir fouet, je vais déplacer cela en fait dans le centre mort ici, parce que cette section du milieu va d'abord animer, puis plus tard nous allons zoomer pour voir l'exemple corp. Donc je vais juste mettre au milieu là, et puis je vais tout sélectionner, ramasser le fouet à la manette et en fait, pendant que je suis là, je vais mettre ces images clés maintenant. Je vais frapper S pleine échelle, vais peut-être environ quatre secondes. Ouais, ça semble plutôt bien. Frappez une trame clé, allez peut-être 12 secondes avant, mettez à l' échelle ce que je veux, je vais tomber. Si vous constatez qu'il est en retard, vous allez toujours à la résolution dans le panneau d'exemple ici et vous le faites descendre à la moitié. Vous avez généralement une bonne idée, en fait je vais mettre ça plus loin dans un troisième. Ça peut être bon juste de voir exactement ce que tu fais. N' oubliez pas de retourner cette sauvegarde à pleine plus tard lorsque vous voulez afficher un aperçu de l'ensemble. C' est plutôt bien, et puis je vais frapper P, frapper la position, doubler U, faire glisser ça ici, mettre ça au centre grossièrement et nous y voilà. Donc pour l'instant je vais éteindre tout ce dont je vais avoir besoin. La première chose que je veux animer est ces carrés ici et donc d'abord nous allons faire l'échelle, notre ami de la vidéo précédente. Commençons par ce petit ici. Zoom avant pour voir ce qu'on fait, ramasser jusqu'à la moitié. Appuyez sur l'échelle S, continuons à ici et encore, il est plus facile de travailler en arrière, nous allons aller à environ cinq images. Un, deux, trois, quatre, cinq. Appuyez sur le bouton Ajouter le cadre clé ici et allons-y 120. Il va être très subtil et revenir en arrière cinq images, ou six images n'a pas vraiment d'importance et frapper zéro. Faisons frapper ces deux derniers cadres, les rendre faciles, faciles, et ça apparaît gentil et simple comme ça. Maintenant, je trouve presque toujours, si vous êtes à l'échelle de zéro, il est préférable d'avoir cette image clé du milieu de suivi, où ça dépasse la cible, ça le fait frapper un peu plus parce que si on fait ça, ce n'est pas aussi impactant que ça. Encore une fois, tu ne le vois pas, mais tu le sens. Maintenant, la beauté de ceci, c'est que nous pouvons juste copier cette information, aller au prochain contour ici, appuyez sur la pâte. et peut-être que nous allons changer ça, donc ça a commencé ici. Allons à notre bleu. Je vais en fait passer au bleu et ici et frapper la pâte et le dernier, nous allons déplacer ça ici et frapper la pâte. Maintenant, ce timing n'est pas bien sûr, exactement ce que nous voulons, mais nous jetons juste les bases pour le moment. Dans l'exemple précédent, nous avions cette animation de rotation en boucle et continuons simplement et ajoutons cela ici. Donc c'est assez facile. Pour ajouter, appuyez sur R pour faire apparaître leurs propriétés de rotation, appuyez sur le chronomètre, double-appuyez sur l'utilisation, afin que nous puissions voir où se trouvent nos images clés et maintenant créons un peu d'anticipation. Alors allons de l'avant trois images, allez -10, et allons de l'avant. C' est un assez long, allons de l'avant environ 12 cadre et maintenant nous allons avoir notre dépassement, alors faisons 100. Retournez trois images et venez nous reposer à 90. Bien sûr, facilitons tout cela et maintenant nous avons juste cette très belle animation de rotation subtile et sur cette dernière image clé, nous allons vouloir appuyer sur le bouton droit de la souris et bascule la clé de maintien. Ce que cela va faire, c'est que si nous collons des informations, si nous les modifions radicalement ici avec la trame à bascule, normalement si celles-ci sont activées, il continuera à tourner parce que nous avons la trame clé informations. Mais quand il est basculé, il tient juste jusqu'à ce que le changement se produise et c'est bon pour cela parce que même si nous l'avons fait tourner un total de 90 degrés, le fait que c'est le carré signifie que, si nous copions simplement coller cette information, si nous l'avons fait ici et là, on dirait qu'elle tourne toujours comme ça. C' est très pratique et maintenant je veux aller à ces tous nos carrés, que nous avons créés et juste coller cette information de rotation au hasard. Vous voulez juste le sens que, il n'y a pas de vraie rime ou raison, donc vous pouvez juste aller de l'avant et coller comme vous le souhaitez. Ouais, je pense que ça commence à avoir l'air bien. Maintenant, commençons à animer ces petits points ici, la ligne qui commence à apparaître. Pour commencer, je vais d'abord déplacer ma mise en page de points en dessous de mes carrés, je pense qu'il semble plus propre de cette façon et maintenant pour cela, nous devons réellement aller dans chaque contenu de formes individuelles parce que je voulais que tout cela soit sur une mise en page parce que je pensais que c'était beaucoup plus propre. Allons au premier point ici, qui est en fait le numéro 30, assez drôle dans le schéma de nommage et passons à ce point du clip. Peut-être que lorsque ce petit carré ici est sur le point de commencer à apparaître, allons menu déroulant, transformons, et cliquons sur la rotation et l'échelle, appuyez sur U, donc nous ne pouvons voir que ces images-clés et maintenant, nous allons travailler en arrière. Alors faisons un, deux, trois, quatre. C' est aussi, c'est environ quatre automne. Cette fois, nous allons augmenter jusqu'à environ 200. En raison de la taille de ces petits carrés, nous devons agrandir l'action. On va aller faire beaucoup plus haut que ce qu'on a fait avec ces plus grandes places. Allons encore quatre autres images et passons à zéro et aussi pendant que nous sommes ici en rotation, allons-y -90. Maintenant, il ne va pas seulement augmenter l'échelle, il va également tourner, tout en le faisant. Allons faciliter ces images clés perdues ici, puis nous allons faire pivoter et zoomer vers le haut. Maintenant, copions l'échelle et la rotation, contrôlez C. Assurez-vous juste de copier l'échelle et la rotation, nous ne voulons pas qu'il copie cela, cela va gâcher les choses et fermons ceci, donc nous pouvons voir un peu mieux, passons au début, passons à une image avant, et collez cette information sur la case suivante ici. Allons un cadre avant et ajoutez-le au carré à côté de cela. Un cadre devant la place à côté de cela et même juste par là, vous pouvez commencer à voir ce que nous faisons. Bien sûr, c'est un peu fastidieux, mais nous allons aller de l'avant et coller simplement cette information clé, une image devant chacun de ces carrés individuels. Lorsque vous commencez à arriver à la fin de celui-ci, nous pouvons imiter notre propre facilité dans, faciliter manuellement au lieu de faire une image après, faisons juste deux images après. Encore une fois, deux images pour la prochaine et pour la dernière, faisons un énorme trois images. Vous pouvez voir ici, cela donne juste son propre petit effet de ralentissement subtil. C' est très subtil et en fait pourquoi ne pas aller de l'avant et utiliser, nous pouvons voir nos cadres clés. Décalons un peu les trois premiers en arrière, alors rappelez-vous Alt, les touches fléchées, Maj en arrière un, recalez un, et nous allons reculer trois en arrière. Si nous lisons cela, ils ont tous dessiné comme ça et vous pouvez déjà voir, juste en copiant une partie de la même information, cela semble déjà assez bon. Maintenant, nous devons faire la grande place ici, nous l'avons oublié et encore. Nous pouvons simplement copier les informations de ce carré ici, mettre à l'échelle, copier et faire Alt, Contrôle V, nous allons revenir à l'endroit où nous le voulons et pourtant vers la fin ici. En fait, allons-y et traînons ça un peu, je veux juste que ce soit un peu plus long. Ouais, ça se sent un peu mieux et rendons le pop un peu gros, c'est 130. Ouais, c'est plutôt bien. Bon, donc j'espère que vous pouvez commencer à voir comment tout se passe ensemble. Enfin, pour l'opacité. L' opacité est le plus simple de tous les outils de propriétés de transformation. Faisons Alt crochets gauche, que nous puissions le fermer, frappe T pour l'opacité. Oui, c'est ennuyeux la plupart des autres propriétés de transformation, comme le point d'ancrage, l'échelle, la position. Ils commencent tous par la lettre de leur mot, mais une opacité est T. Pour le grand fond, nous allons vouloir déplacer l'image clé de base L et nous allons juste descendre à zéro et faire en sorte que cela s'estompe d'abord. Lorsque cela est complètement fané, vous pouvez indiquer Alt, crochet gauche vers le haut, allez T, opacité. Maintenant on est à 20 ans, donc on veut que ce soit toujours à zéro, et en fait, les deux se croisent. Alors allez au haut BG ici, Alt crochet gauche, T, opacité, à peu près le même et zéro. Si nous facilitons facilement les cadres clés arrière, jouons ce retour et vous pouvez le voir très simplement, il commence à se réunir. Tu peux jouer avec ce timing pour toujours, on pourrait peut-être essayer quelque chose comme ça. Ça me semble un peu mieux, plus dynamique, comme si ça se passait tout de suite. Il y a beaucoup de choses que tu peux faire avec ça. Ce n'est de loin pas la seule chose que nous allons faire avec les propriétés de transformation. Nous allons continuer à les utiliser plus tard dans la classe, mais c'est aussi loin que je peux aller où nous allons seulement utiliser les propriétés de transformation. Alors s'il vous plaît rejoignez-moi dans la classe suivante, où nous allons commencer à parler de formes et de trames clés de chemin de masque, où vous pouvez commencer à manipuler réellement à quoi ressemble la forme. 9. Ajouter des cadres-clés de forme et de chemin de masque: Commençons à jouer avec les cadres clés de chemin de forme et de masque et pour cela, nous allons retourner dans notre logo d'instance. Si nous regardons notre animation pour le moment, nous pouvons voir que nous avons le mouvement et les mouvements vers le bas assez bien, mais les formes ont encore ce sentiment caoutchouteux pour eux. Ils ne sont pas exactement ce fluide comme dans notre exemple original où c'était comme un mastic bizarre. Pour lui donner juste ce petit oomph supplémentaire. Commençons à jouer avec les cadres clés de forme. Pour ce faire, nous allons aller à notre premier cercle de départ initial et le menu déroulant, aller à Sommaire Ellipse. Maintenant, afin de réellement manipuler la forme en ce moment, il s'agit simplement d'un calque de forme et non d'un tracé. Nous devons cliquer sur Ellipse Path. Clic droit convertit en chemin bézier et maintenant si nous frappons G pour activer l'outil stylo, nous pouvons manipuler et déplacer autour de la forme réelle de l'objet lui-même, ce qui est très, très utile. Si vous regardez notre exemple original, nous pouvons voir que ce sont des boucles un peu ici avant qu'il ne surgisse. Répliquons ça. Allons dans le logo ici. Ajoutons d'abord, trouvons le point normal qui serait à propos d'ici. Pour ajouter un point, cliquez n'importe où sur les cercles bleus, cliquez sur un ici, cliquez sur un ici, cliquez sur un ici, et cliquez sur un ici. Vous n'avez pas besoin d'être aussi précis que dans les zones générales, c'est correct. Cliquez ensuite avec le bouton droit sur le bas ici. Ajoutons notre cadre clé. Appuyez sur U, cliquez simplement sur l'un de ces petits points et faites glisser vers le bas pour commencer à le flamber. Faisons la même chose pour le bas ici. Nous créons cette petite forme d'éponge bizarre. Maintenant, si vous cliquez sur l'un des points ici, vous remarquez que nous avons ces petits divots et cela contrôle exactement la courbe qu'il est. Nous pouvons rendre cela juste un peu plus arrondi et plus agréable juste en les faisant glisser ici, comme ça. Passez juste un peu de temps à le faire ressembler exactement comme vous le voulez. Maintenant, si on joue ça, ça a l'air plutôt bien. On peut voir cette boucle en ajouter un peu plus. En fait, rendons ça un peu plus prononcé. C' est vraiment éponge ça. Ça a l'air bien, alors allons-y et faisons la même chose pour les deux balles ici quand elles se sont divisées en balles ici. Ouvrons les DuoCircles, allez au contenu ellipse 2, convertissez en chemin bézier, chemin ellipse 1 convertir en chemin bézier. Créez un cadre clé pour les deux afin que nous puissions voir ce que nous faisons. Frappez U pour qu'on puisse voir ces deux images. Allons-y. Allons traîner ça à l'endroit où sont les points, les essayant ici. Encore une fois, deux cadres clés. Je fais exactement la même chose que la dernière fois. Rejouons ça, et vous pouvez voir qu'il se sent juste un peu plus. Si nous regardons notre exemple original, nous pouvons voir que quand il se divise, nous avons ces vrilles, elles sont comme ces bits collants qui se cassent soudainement et prennent un peu de temps avant qu'il ne se solidifie en forme de boule . Allons de l'avant et ajoutons ces effets de trail. Maintenant, la raison pour laquelle je suis allé de l'avant et a fait cette animation de flambage en premier, c'est que lorsque vous ajoutez des images clés, elles seront toujours là. Disons, par exemple, nous n'avons pas fait l'animation de flambage en premier. Disons qu'on a ajouté les vrilles et qu'on a ajouté un tas de trucs ici sur le chemin. Disons que nous avons ajouté toutes les vrilles, fait toutes les choses, fait cette forme vraiment, folle et folle, se réunit, conserve sa forme normale. Ensuite, quand vous essayez d'aller et de faire l'animation de flambage, vous allez découvrir que vous avez maintenant trop de points supplémentaires que vous devez traiter et vous déplacer et c'est juste un peu plus délicat. Vous pouvez certainement le faire, mais il faut beaucoup plus d'efforts. On dirait qu'un Pac-Man a eu une dure journée. Il est beaucoup plus facile d'ajouter des sommets plus tard après avoir fait les grandes animations simples car il conserve tout quand vous le faites. Retournez au début et allons-y juste avant qu'ils ne s'installent dans leur forme finale. Faisons la trame clé pour les deux chemins ici. Va à celle ici, et allons l'étendre un peu juste pour qu'on puisse avoir un chevauchement et voir ce qu'on fait ici. Commençons juste à devenir fou et ajouter tout un tas de sommets sur le bord ici pour que nous puissions simuler à quoi cela ressemble. Encore une fois, pas de rime réelle ou raison, vous pouvez juste à peu près frapper n'importe où. Cela semble mieux, plus il est non-uniforme. Donc, peu importe exactement où vous les mettez. Allons simplement en traîner un peu. Ça a l'air assez bien et ça arrive là-dedans. C' est difficile à voir en ce moment parce que ce sont tous les deux de la même couleur qui changera aussi et n'ayez pas peur de tirer comme ça. C'est bon aussi. Laissez ces lacunes correspondre un peu, mais il n'a pas besoin d'être exact juste quelque chose dans le voisinage général. Rejouons-le. Maintenant vous pouvez voir que nous avons les vrilles et ensuite vous allez faire exactement la même chose sur les vrilles ici. Rejouons ce retour et vous pouvez voir comment juste en ajoutant ces simples petits cadres clés et manipulant la forme comme ça nous avons changé comment la texture de cette forme se sent réellement. Cela ajoute juste un peu de dynamique supplémentaire à cela. Maintenant, la dernière chose que nous pouvons utiliser en modifiant les chemins de forme est de faire ces petites lignes ici tiroir sur. Allons de l'avant et commençons à animer ceci et nous allons utiliser certains de nos anciens amis, les propriétés d'échelle à nouveau. Avant de faire quoi que ce soit, nous devons amener nos vieux amis ici. On n'a pas oublié et on les a mis au centre. Relions le reste de ceux-ci au milieu ici car c'est le plus facile à saisir et à reconnaître. Maintenez la touche enfoncée pour sélectionner des calques individuels ensemble. Choisissons fouetter aux contours du CO3. Faisons une trame clé de position pour marquer, quand elle se termine et qu'elle s'arrête, disons par ici. Juste pour l'instant, alors allons le mettre directement au centre. Maintenant, attrapons notre cercle de fin ici. Allons de l'avant à environ trois ou quatre images. Nous voulons un peu de repos avant de commencer. Ajoutons notre échelle d'anticipation jusqu'à peut-être 115 et essayons de le réduire à peu près, la taille qu'il va être. On peut avancer un peu. Si vous sélectionnez toutes les images clés de position en même temps, puis déplacez comme ceci. Toutes les informations relatives à la trame clé seront modifiées. Donc ça va se déplacer en une ligne droite comme celle-ci, on peut le mettre au milieu ici. Maintenant, déplacons nos contours au-dessus de tout pour que nous puissions voir ce que nous faisons. On va les faire commencer ici. Allons-y, contenu, groupe, chemin, appuyez sur une trame clé, vous voulez le garder comme ça. Si vous appuyez sur ce bouton ici, il solos le calque. Tout ce que vous avez sélectionné en tant que calque solo sera la seule chose que vous pouvez voir, ce qui est vraiment utile pour éditer quelque chose comme celui-ci. Permet de frapper l'utilisation. Nous avons des cadres clés de l'opposition. Trouvons notre chemin. Maintenant, faire ce que nous allons faire ici, temporairement pour le moment. Ce sera plus facile s'il tourne essentiellement à un angle de 45 degrés parce qu'il est beaucoup, beaucoup plus propre d'utiliser ce que nous allons vouloir faire. Rendons cela temporairement comme public à 50 pour que nous puissions voir ce que nous faisons. Frapper le nouveau. Attrapez G pour notre stylo, appuyez sur Maj pour sélectionner les sommets ensemble. Glissons ça au milieu, comme ça. Faisons ça. Nous allons essentiellement créer un quasi-cercle. Allons frapper neuf facile, facilité. Mettons la capacité de sauvegarde. Maintenant, la forme L pousse vers l'extérieur comme dans l'original. C' est un peu trop rapide, alors élargissons-le et faisons-le glisser dessus. Je voulais commencer immédiatement, peut-être un peu plus. C' est bien et nous allons frapper Alt carré sur notre cercle de fin. On n'en a plus besoin. Commençons à animer le reste de ceux-ci sur. Maintenant, vous pouvez voir les formes sortir comme nous le voulons. Retournons à notre centre, frappons la rotation et revenons à la normale. Maintenant, allons de l'avant et les mettre à l'échelle individuellement. Nous n'avons pas besoin de le faire pour le centre, mais nous voudrons le faire pour le milieu. Je vais les traîner à travers, donc j'ai du temps pour travailler avec. Appuyez sur l'échelle, appuyez sur le chronomètre et revenez à zéro. Soyons faciles, facilitons ça. En fait, je veux changer un peu le timing. Je vais les traîner ici. Je veux que ce soit juste après. Je veux que ça se chevauche un peu. Je ne veux pas qu'il s'arrête et qu'il commence. Faites glisser ça dessus. Encore une fois, la beauté de l'échelle des cadres clés, je peux simplement cliquer sur l'échelle, ici frapper C, et le coller pour chacun de ceux. Allons juste les compenser. Contrôle sélectionner, peut-être monter ici est bon et ces deux contrôles sélectionner, et qui est plutôt bon. C' est ainsi que vous pouvez utiliser les outils de tracé de forme et de masque dans les effets secondaires pour manipuler la forme exactement comme vous le souhaitez. La prochaine vidéo, nous allons couvrir quelques effets de forme générés par ordinateur plus cool. J' ai hâte de vous y voir. 10. Quatre effets de forme sympas: Dans cette section, je vais passer en revue quelques conseils, astuces et techniques divers, que vous pouvez utiliser avec les calques de forme pour ajouter ce petit peu de détails au travail. Cela ne va pas être dans un rhode particulier et va essentiellement être partout où le colorant tombe. Faisons ce qui est peut-être le plus facile, en changeant la couleur d'un objet. Si nous regardons notre animation originale, fur et à mesure que les balles se décomposent, elles changent également de couleur pour refléter ce que le schéma de couleurs à la toute fin est. Si nous revenons à notre original ici, appuyez sur u juste pour cacher tout, cliquez sur le menu déroulant et naviguez dans le contenu ellipse et vers le bas pour remplir, puis appuyez simplement sur la montre d'arrêt pour ajouter un cadre clé. Faisons exactement la même chose sur l'éclipse numéro un ici. Maintenant, vous pouvez voir juste en faisant cela, nous avons maintenant cette belle petite ligne de couleur ici, et c'est ce que nous allons utiliser. Mettons les premières images clés, assurez-vous qu'elles sont au tout début de la couche. Nous voulons que le début soit exactement de la même couleur. Alors allons-y juste avant qu'ils viennent se reposer ici. Voici probablement bon et s'alignent avec ces cadres clés. Pour cela, nous allons activer notre image de référence d'arrière-plan, si vous ne l'avez pas supprimée, si vous avez simplement glisser-déposer le logo d'origine et ainsi vous obtenez la référence de couleur. Faisons celle-là à gauche. Je veux que ce soit le rouge le plus sombre ici. Descendez au sélecteur de couleurs ici, il suffit de cliquer sur le O rouge, celui-ci sur la droite ici, c'est celui qui va changer votre couleur. [ inaudible] a vraiment de l'importance dans ce cas particulier. On y va, et maintenant il change instantanément de couleur, et faisons la même chose ici, faisons-le ici. Éteignez-les pour que nous puissions voir, et maintenant, vous pouvez voir qu'ils changent de couleur. Plutôt bien. Faisons exactement la même chose et maintenant changer soigneusement les couleurs. Encore une fois, juste avant que tout ne prenne fin, frappons u, passons au début ici, faisons un autre cadre clé pour tous ces éléments. Cette fois, nous allons juste au-delà de la fin et juste changer tout cela. Nous avons maintenant animé les couleurs de tout ça. La prochaine chose que nous voulons faire est de faire ce petit effet de barres de cercle que j'ai ici, allons juste en solo ça. C' est en fait assez simple à faire. Il utilise à nouveau les images clés de l'échelle et anime la largeur du trait. Pour ce faire, revenons à notre original. Trouvons quand il apparaît comme ceci, faisons encore un autre calque de forme, donc outil ellipse, allez au centre, maintenez la touche Maj et faites glisser, maintenez la touche alt, allez jusqu'à remplir, et lorsque vous maintenez la touche alt et cliquez, vous parcourez les modes du calque de remplissage. On veut juste passer trois fois jusqu'à ce qu'on n'obtienne rien. Sur le coup, vous voulez frapper jusqu'à ce que vous ayez quelque chose, qui a juste changé sa couleur en orange. Je vais entre crochets, donc on se rase, glisser ça sur le dessus pour voir ce qu'on fait. D' abord et [inaudible], animons l'échelle. Nous voulons que ça commence comme la pop initiale arrive. Allons ici, réduisons ce coup à environ 30, et réduisez-la. Allons dans le menu déroulant, le contenu, l'ellipse, échelle de transformation, appuyez sur u et voir ce que nous faisons, et l'échelle jusqu'à environ 150. Une fois que nous sommes satisfaits de combien de temps cela arrive, passez à une image avant votre première image clé et mettez-le à zéro. Cela deviendra important plus tard. Ces deux-là en ont neuf. La façon dont nous le faisons est d'animer la largeur des traits. Pour ce faire, descendez le contenu, l'ellipse, trait et mettez un cadre clé sur la largeur du trait ici, définissez-le à 30. C' est notre toute première image clé , pour que nous puissions le nettoyer. Aller à environ le milieu, où il atteindra la hauteur de son pic, heurtons cela jusqu'à 30. Quand ça descend ici, ça revient à zéro. Si on joue ça, tu peux voir qu'on a le début d'un peu mieux. La beauté de le faire de cette façon est que nous pouvons dupliquer cela comme nous l'avons fait dans notre original. Dupliquons cette ellipse, nous n'avons pas de cadre clé de position, donc tout est bon et faites glisser ceci ici. Maintenant, nous voulons changer le cadre clé de taille juste pour qu' il ne soit pas aussi grand qu'il l'était auparavant, faisons l'ellipse. Allons le réduire à environ la moitié de sa taille, n'oubliez pas d'abaisser l'échelle ici parce que sinon elle va rester la même taille. Déplaçons cela sur deux images comme il vient à des moments différents, et maintenant nous pouvons calmer facilement simplement dupliquer cela trois fois. Nous voulons faire une grille, et maintenant les décaler par deux images chacune. Pour une bonne mesure, je suis allé de l'avant et j'ai changé la couleur pour correspondre aux couleurs de la conception du logo en premier lieu. Bien sûr, vous pouvez toujours ajuster le timing, mais maintenant nous avons ce cercle mieux. Pendant que nous sommes ici, continuons à jouer avec le chemin de la forme un peu plus, en utilisant un outil appelé chemins de torsion. Si nous regardons notre exemple original, quand ceux-ci se réunissent tous, il a ce nickélodéon [inaudible] splat, vous avez besoin du bruit. Vous pouvez le faire manuellement en utilisant l'outil plume et en le manipulant, mais il est beaucoup plus facile d'utiliser l'automatisation pour celui-ci. Allez sur ellipse et allez ajouter des chemins de torsion. Ce que cet effet fait, c'est qu'il utilise simplement nombres fractaux générés par ordinateur et des nombres randomisés, c' est qu'il vous permet de déformer et de manipuler la forme d'un calque. Vous pouvez faire des trucs assez cool et intéressant à la recherche. Vous avez seulement besoin d'une image clé pleine grandeur pour que nous sachions que nous faisons et que nous mettions cela à zéro pour le moment afin que nous ayons notre fin. Poussons ça sur environ trois ou quatre images, puis faites glisser ça vers le haut pour qu'on ait juste quelques fractales fous qui se passent ici. C' est là que vous avez de la place pour vous tortiller et le mettre comme vous le jugez bon, je ne veux pas trop, je vais aller à, mybe sur quatre. Réglez ceci pour lisser afin que nous obtenions ce splat, déplacez des graines aléatoires jusqu'à ce que vous obteniez quelque chose qui ressemble à ce que vous voulez. Jouez avec les paramètres jusqu'à ce que vous obtenez quelque chose qui ressemble à ce que vous voulez, mais essentiellement utiliser ces fractales comme ceci peut être un moyen qui le rend beaucoup plus facile que de tout faire à la main. Pour le dernier tour de forme, nous allons revenir à notre exemple de logo coopératif. Longtemps pas voir vieil ami. Nous allons animer les lignes qui s'inspirent d'une technique appelée tailler les pots. Si vous vous souvenez pendant l'importation de la vidéo E-vector, j'ai dit que ces lignes ici, même si les informations de couleur sont perdues, cela n'a pas vraiment d'importance puisque nous allons les recréer de toute façon. C' est ce que nous allons faire exactement en ce moment. Comme c'est le cas pour le moment, si nous zoomons de près, nous pouvons manipuler les sommets et faire ces formes funky parce qu'elles sont traitées comme une forme. Nous avons besoin que cela soit juste une ligne solide que nous allons appliquer aussi les données de course. Tout d'abord, juste sur une zone vide de la vidéo, recréons rapidement ces lignes ici. Nous pouvons désactiver nos couches de lignes originales, nous n'en avons plus besoin. Déplaçons cela ici où vous pouvez le voir courir ces lignes, allons-y et juste pour le bien de cette vidéo pourrait en fait être plus facile juste pour le rendre blanc solide. Pour les faire animer, nous avons besoin d'utiliser et d'effet appelés chemins de coupe. Nous descendons à travers le contenu, ajoutons et ajustons les chemins. C' est vraiment facile avec tous ces ici, nous allons trouver le point où il arrête d'animer sur. Nous voulons que celui-ci commence avant tout le reste, mon être le tout début, quelques images, frapper la fin sur le chronomètre et le faire glisser ici. Allons à la toute fin, qui serait probablement à peu près ici et faites glisser cela jusqu'à 100. Avant que j'oublie, n'oubliez pas de choisir la nouvelle couche de lignes au contrôleur, sinon, quand elle diminue, elle va être perdue. Si nous rejouons cela en ce moment, ils dessinent tous en même temps, qui est un effet assez cool de lui-même, mais pour reproduire exactement ce que nous avons fait dans la vidéo originale, nous allons devoir descendre à coupe les tracés et modifiez simplement ceci pour couper plusieurs formes individuellement. Maintenant, ils vont puiser à différents moments, le problème est qu'ils dessinent de haut en bas, donc la forme cinq sera la première qui est dessinée sur. Il s'agit simplement d'un cas de réarrangement et de le mettre dans l'ordre que vous voulez. Si vous vouliez aller plus loin, vous pourriez même les séparer, nous allons dupliquer cette couche de ligne et nous débarrasser de quatre et cinq ici, et allons ici pour nous débarrasser de un à trois. Nous pouvons simplement déplacer cela pour qu'ils commencent à venir en même temps plutôt que le tout dans un gros gros morceau et en fait nous allons les déplacer juste pour ajouter ce petit peu de dynamique supplémentaire à cela. Ils commencent à venir, pas tous comme un gros morceau. C' est ainsi que vous pouvez utiliser des tracés de coupe pour dessiner certaines lignes. s'agissait de quatre techniques de calque de forme diverses que vous pouvez utiliser pour ajouter ce petit détail supplémentaire à l'animation. Ils sont tous vraiment cool et ont de nombreuses applications sur plusieurs choses. Je pense que connaître ces petites choses que vous pouvez simplement ajouter juste pour donner ce peu de extra [inaudible] va beaucoup dans la vente des animations. Je pense que c'est une bonne idée d'arrêter de construire comme un dictionnaire mental de tous ces petits trucs et astuces que vous pouvez faire dans les couches afin que vous puissiez ensuite les appliquer à vos propres projets. Dans la vidéo suivante, nous allons passer à l'utilisation de tapis et de précompositions, ce qui nous permettra de faire des effets d'imbrication complexes dans notre animation et c' est ce qui va commencer à ajouter de la profondeur et trois dimensions à notre animation. 11. Mattes et Precomps I : Principes de base: Alors que nous arrivons aux dernières étapes du projet, passons à l'utilisation de précompositions et mattes afin de créer une composition plus lisse. Tout d'abord, apprenons à faire une précomposition. C' est essentiellement une composition à l'intérieur d'une autre composition. Cela pourrait juste rendre tout un peu plus propre et plus facile à naviguer et à comprendre où tout est. Par exemple, en ce moment, dans l'exemple logo cope, vous pouvez voir que nous avons beaucoup et beaucoup de couches, et il est difficile de savoir tout est surtout si nous voulions juste saisir un calque particulier. Passons à cela avec quelques précompositions. J' ai décidé que je veux, tout ce qui est visible en ce moment pour être fondamentalement dans sa propre précomposition. Je vais sélectionner le premier calque ici, « Lignes 2". Faites défiler vers le bas jusqu'aux contours inférieurs et quoi que ce soit, coupez ici, maintenez la touche « Maj » et cliquez sur. Nous avons sélectionné tout clic droit, précomposition. Encore une fois, en fonction du nombre de personnes qui travaillent sur le projet, vous pouvez nommer ce qui est le plus facile pour vous de naviguer. Maintenant que nous avons fait cela, si nous faisons défiler vers le haut, l'intégralité de ce que nous venons d'animer est maintenant contenue en toute sécurité dans son propre calque. Si nous double-cliquez sur le « Lines Big Com"P » ici, cela ouvrira la précomposition que nous venons de faire et nous pourrons éditer tous les éléments exactement de la même manière qu'ils étaient. Si je frappe, vous montrez que toutes les données de l'image-clé sont toujours là. Tout est manipulable. C' est juste qu'on l'a compressé. Nous l'avons mis dans sa propre couche ou section ou c'est une boîte différente. Maintenant, il y a quelques choses à garder à l'esprit lorsque vous faites des précompositions. Le premier est que si vous avez des informations parentales. On l'a fait avant d'avoir tout ce qui est relié à contrôler ici. Quand nous avons réduit et zoomé vers le haut. Quand vous faites la précomposition, il perdra tout ce qu'il avait. Tu dois retourner ici, assurer sur une ardoise de départ vide ici, et ramasser le fouet au contrôleur. Maintenant, il diminue en conséquence. Encore une fois, une autre chose que vous devez garder à l'esprit lorsque vous faites précompositions est que si vous faites une précomposition d'un seul calque, si vous avez deux couches, vous n'avez aucun problème. Mais si vous en avez un, vous rencontrez un autre genre de ça. Utilisons cet énorme logo After Effects ici. Faisons une manipulation bizarre de base juste pour que nous ayons ouais, c'est bon. Je vais même lancer une correction de couleur. Faisons en sorte que ce soit vraiment fou. Peut-être que j'ai décidé que je veux que ce soit une précomposition pour n'importe quelle raison je veux appliquer un autre effet dessus qui nécessite que cela soit rendu comme sa propre image raster, et je veux ce précomposé. Si je clique avec le bouton droit de la souris sur « Pré-composer » et accède aux paramètres et que je laisse accidentellement tous les attributs dans « Example Corp » sur. Cela semble bien, mais quand je double-clique ici, c'est juste, comme vous pouvez le voir, c'est juste la couche de séquences normales. Tous nos effets sont effectivement appliqués à la précomposition. Si vous faites un seul calque et que vous voulez que tout soit rasterisé sous forme d'image complète, vous allez vouloir cliquer avec le bouton droit de la souris, « Pré-composer » et vous assurer que déplacer les attributs vers la nouvelle composition est sélectionné. Comme vous pouvez le voir maintenant, cela a déjà rendu la zone de limite beaucoup plus visible. Il est maintenant rasterisé comme une image normale. Si nous allons dans la précomposition, tous les effets sont maintenant appliqués ici. C' est juste quelque chose à garder à l'esprit. Maintenant, allons dans le segment plus complexe qui utilise un matte. Maintenant, mat est fondamentalement une technique de fabrication de films qui existe depuis l'aube du cinéma. mattes sont peu difficiles à expliquer. Mais en termes de base, un mat est une couleur unie, généralement noir ou blanc, qui est ensuite complètement remplacé par une autre image derrière elle. Dans l'ancien temps du cinéma, cela était réalisé physiquement car dans les cinéastes, littéralement, soit bloquaient une partie de la caméra afin que toute la lumière ne passe pas à travers l'objectif. Puis, en retournant et en utilisant exactement le même film, en le remplissant et cette fois en sortant ou en sortant la partie qui avait déjà été filmée. Mais ces jours-ci, il est juste plus facile de faire une forme dans l'ordinateur et de dire à l'ordinateur que je laisse ceci vide, mettre tout ce qui est derrière lui. Allons sur nos calques de textes inférieurs ici et nous allons commencer à les utiliser pour un cache. abord, je veux les décomposer pour qu'il soit un peu plus facile de voir ce que je fais. Cliquez avec le bouton droit, « Pré-composer ». Comme vous pouvez le voir, ça ne s'est pas passé exactement comme prévu. Je vais juste les déplacer dans le centre ici. Ensuite, je vais descendre à cet outil appelé la région d'intérêt. Je clique sur cela, faites-le glisser ici pour que vous puissiez seulement voir cela. Je vais aller à « Composition », «  Crop Comp to Region of Interest ». Cela va juste le rendre plus propre et beaucoup plus facile, plus facile à utiliser. Mais avant de revenir à l'exemple, recadrez et repositionnez-le là où nous voulons qu'il soit. Il y a bien. Encore une fois, n'oubliez pas de le parent au contrôleur, afin qu'il puisse s'animer correctement. Il existe deux façons de créer un cache dans After Effects. Le premier est que si vous regardez vers le bas dans les propriétés de la couche ici, nous avons quelque chose appelé mat de piste. C' est ce qu'un calque lui-même va dire au calque supérieur d'utiliser ce calque comme mat, comme découpé. Par exemple, je vais juste faire une forme vague ici. La taille de l'exemple corp, faites-le glisser au-dessus de l'exemple corp. Je vais cliquer sur ce « Track Matte » menu déroulant « Alpha Matte Shape layer 1". Maintenant, si nous animons la position de l'exemple ici, alors obtenons « P », chronomètre, retournez en bas et déposez-le en dessous. Rejouons ça. Vous pouvez voir que fondamentalement tout en dessous de cette ligne ici est complètement coupé. Tout cela est bien et bien. Je vais frapper la facilité sur ceux-là. Je vais aller à l'éditeur de graphes. Je vais les déplacer vers le bas. Ceux-ci contrôlent la vitesse exacte de votre facilité. Je veux que ça arrive très vite et très lent comme ça. Alors on y va. Bien, j'aime ça. Maintenant, vous pouvez voir qu'on a fait quelque chose d'assez bon et assez propre. La beauté de le faire de cette façon est que dire, par exemple, je voulais changer cela. Je voulais descendre plus bas, plutôt que de faire un masquage complexe ou quelque chose comme ça, nous pouvons simplement changer la position et la vitesse des images clés. Maintenant, le problème avec faire sur une base couche par couche est dire maintenant que nous voulons faire la même chose pour les grands démonstrateurs. Eh bien, nous pourrions faire nos images clés de position , descendre comme le fait l'exemple de corp. Maintenant, si je pousse cette couche de forme inférieure 1, nous avons ce doublement qui se passe ici où exemple corp utilise maintenant, c'est difficile à voir, mais il utilise de grands démonstrateurs comme mattte alpha. Cela est dû au fait que l'utilisation du cache de piste dans After Effects est que tout ce qui se trouve au-dessus du calque sur lequel le cache alpha est sélectionné, c'est ce qui va être utilisé comme contour. Si je remets ça ici, vous pouvez voir, maintenant tout va bien. L' autre problème est que maintenant, si nous le faisons de cette façon, non seulement vous devez être conscient de l'ordre de l'endroit où se trouve tout dans vos couches. Maintenant, on ne peut pas faire deux couches sur le même mat. Si je voulais l'utiliser, je devrais dupliquer le calque de forme, le faire glisser au-dessus des grands démonstrateurs. Maintenant, je peux aller à « Alpha Inverted Matte », ce qui signifie que je n'ai pas à changer la position du tout de ce mat de piste. Mais cela signifie encore que j'ai fait deux mattes inutiles quand il y a une solution beaucoup, beaucoup plus propre et plus élégante qui ne nécessite qu'une seule couche mate pour tout. Je vais aller de l'avant et supprimer ceci et effacer les mattes de piste ici. Je vais renommer la couche de forme en notre « Matte principal ». Maintenant, commençons par exemple corp. Je vais aller à « Effect », « Channel », « Set Matte ». Maintenant, cela nous permettra de dire essentiellement à ce calque d'utiliser un autre calque comme mat. Je veux aller à notre mat principal ici. Parfait, on l'a fait. La beauté, c'est que je peux copier ça. Allons en plein air ici, coller. Cette fois, il suffit de sélectionner « Inverser le Matte ». Maintenant, si je le rejoue, les mattes fonctionnent parfaitement et je n'ai qu'une seule couche. Je n'ai pas besoin de le changer. Tout fonctionne aussi bien que possible. La beauté de ceci est maintenant que je peux faire le tour et jouer avec le timing de ces autant que je veux. Je n'ai pas besoin de changer un masque ou quoi que ce soit comme ça, le rend lisse, facile. Une fois que vous savez vraiment comment utiliser les mattes, cela va vraiment démarrer vos animations. Pour terminer ça, je vais gâcher le timing. Je vais traîner ces deux-là. J' ai nos contours intermédiaires et je vais faire notre vieille échelle à partir de rien de truc. Je vais définir une image clé à environ un deuxième niveau. Je vais retourner 12 images en arrière, démêler notre balance. Je vais monter à l'horizontale. Celle-là, 40. C' est juste pousser le bord et descendre à l'arrière ici et aller à zéro. Bien sûr. Frappe facile facile. Ça me semble plutôt bien. Revenons maintenant à l'exemple corp. Comme nous l'avons pour le moment, nous avons défini les images clés au tout début de l'animation de corp exemple. Encore une fois, la beauté des précompositions est que nous pouvons simplement glisser cela pour commencer à animer exactement quand nous le voulons, ce qui est à peu près juste après qu'il s'installe. Bien que, j'ai besoin de changer un peu la position. Ça me semble plutôt bien. C' était les bases et comment utiliser les mattes et les précompositions pour créer des effets d'imbrication plus dynamiques dans After Effects. Dans la prochaine vidéo, je vais continuer à utiliser mattes pour des images plus complexes et dynamiques. Plus précisément, comment essuyer un morceau de texte. 12. Mattes et Precomps II : Avec mouvement: Donc, pour vous donner un autre exemple de la façon dont vous pouvez utiliser les cartes, nous allons effacer ce texte de logo sur. Faisons notre pré-composition, allons au début, faisons un clic droit Pré-composer, déplacons tous les attributs dans la nouvelle composition. Retournons ici, et réduisons tout ça, pour qu'on sache avec quoi on travaille. La composition devrait venir à une région de [inaudible]. Faisons notre rectangle ici, donc à peu près la même hauteur que le logo. Ça a l'air plutôt bien. Control-Alt-Home pour le mettre au centre et renommons ce Wipe. En fait, je ne veux pas le pointeur d'ancrage au milieu, je veux qu'il soit positionné juste sur le bord ici. C' est plutôt bien. Alors maintenant, animons le Wipe. Nous allons créer le Wipe à l'aide d'une combinaison d'images clés de position et d'échelle. Appuyez sur P, descendez le chronomètre, appuyez sur S, descendez le chronomètre, appuyez sur U. on peut voir ce qu'on fait. Espérons que tu as le don de ça maintenant et ça commence à s'enraciner dans ton cerveau comme dans le mien. Allons de l'avant environ une minute, frappons notre chronomètre, et traînez-les ici, et ça semble plutôt bon pour l'instant. Touchons juste sur la position. faisons ces F9. Maintenant, je vais faire glisser cette échelle jusqu' au bord ici et je vais faire glisser cette échelle ici. Nous étions à 4-5 images sur ces deux et jouons ça juste très vite. Les positions ont l'air peut assez bien. Allons au milieu mort, ou juste après le milieu mort, parce que nous avons déplacé le point d'ancrage, et permet de booster l'échelle ici de sorte que c'est assez grand. Encore une fois, nous recherchons ce squash et ce stretch, au cours de cette période, c'est plus comme le flou de mouvement, il se déplace tellement vite qu'il traîne à travers l'écran. Allons au début. Mettons-le en fait à zéro et mettons-le celui-ci à zéro aussi. J' ai un peu foiré, mais on peut obtenir quelque chose qu'on veut en le repoussant ici. Nous voulons positionner pour commencer à avancer avant l'échelle. Ça a l'air beaucoup mieux. Maintenant, nous avons un Wipe de base et maintenant nous allons l'incliner, donc c'est le même angle pour cette police en italique que nous avons, et donc nous allons entrer en vigueur, déformer, transformer, ce qui ajoute un tout nouvel ensemble de propriétés de transformation. Changons l'axe d'inclinaison ici à 90 et modifions l'inclinaison sorte qu'il ressemble à peu près le même que le L ici. Donc je pense que 14 a l'air assez bien. Maintenant, si on joue ça, on a un blanc assez cool et tu peux faire ça aussi vite que tu veux. Je vais en fait à nouveau maintenir Alt et cliquer et faire glisser juste pour qu'il accélère un peu. C' est beaucoup mieux pour mes goûts et créons notre mat. Encore une fois, juste une forme vague, aller à la toute fin de la composition, je pense que ce sera facile. Juste avant la fin ici et créer un contour vague comme celui-ci. Encore une fois, il n'a pas besoin d'être super précis dans cet exemple, mais si vous avez des choses plus complexes, vous pouvez le masquer à un détail aussi fin que vous le souhaitez. Nous allons désactiver ce calque, corréler le cache Wipe. Maintenant, nous devons attacher le cache Wipe ici juste pour vous montrer que je laisse tomber l'opacité. Nous devons attacher le cache Wipe ici au Wipe. Mais le problème, c' est que si nous choisissons juste le fouetter comme ça, il va avoir toutes les propriétés, donc l'échelle aussi. Il y a plusieurs façons autour de cela qui sont tous un peu maladroits, mais le moyen le plus simple que j'ai trouvé est de choisir spécifiquement la position. Ce que vous voulez faire est d'appuyer sur P, puis sur Alt, cliquez sur le chronomètre, puis faites glisser ce nouveau prélèvement Wipe sur le chronomètre de position uniquement. Oui, on y va. Comme vous le trouverez verrouillé, ce qui est gênant, car c'est un calque de forme, vous pouvez simplement déplacer les sommets vers le bas. Si ce n'était pas une couche de forme ou quelque chose de plus complexe et que ce n'était pas si facile, je fais une configuration multiple avec différents nulls et contrôleurs, je fais une configuration multiple avec différents nulls et contrôleurs, juste pour que tout soit soigneusement et bien superposé. Mais pour cela, je ne vais pas m'embêter avec ça et vous trouverez beaucoup de temps lorsque vous faites des animations graphiques, lorsque vous faites ce genre de choses. Ce genre de travail de patchwork est partout et il peut juste vous faire gagner beaucoup de temps. Avec quelque chose comme ça, je vais le laisser glisser. Maintenant, vous pouvez voir la position se déplace, mais pas l'échelle, qui est exactement ce dont nous avons besoin. Je vais remonter l'opacité. Désactivez le cache, les contours du logo, le cache et le cache effacer, et maintenant vous voyez qu'il s'essuie. Si nous revenons à l'exemple principal logo corp. Encore une fois, nous devons changer le moment de celui-ci pour qu'il commence à essuyer après que tout soit apparu dans l'opacité. On y va. Si nous jouons ça et prenons mes propres conseils et n'oubliez pas de choisir Wipe à l'arrière du contrôleur maître. Mais rejouons ça, vous pouvez voir que tout commence à se réunir. C' est ainsi que vous pouvez utiliser des mattes et des pré-compositions à la fois pour ranger votre composition et la chronologie et faire en sorte que tout soit soigné et plus facile à naviguer, et un moyen de faire des effets et des choses cool ce serait plutôt fastidieux à faire avec des masques ou d'autres choses. Je pense que le potentiel des mattes est presque illimité et j'espère vraiment que vous maîtrisez la compétence, parce que vous pouvez faire beaucoup juste en accumulant un tas de mattes. Nous arrivons vers la fin de ce parcours. Dans la vidéo suivante, je vais finir et ranger petits morceaux restants que je n'ai pas finis et que nous avons vus dans les exemples de logos. J'espère vous y voir. 13. Projet inachevé : Revue de Transform: En fait, avant de commencer directement à composer, nous avons quelques choses inachevées avec ces logos où je ne vais pas vous apprendre quelque chose de nouveau, mais il y a quelques choses que j'ai manquées en cours de route. Le premier est avec le logo de l'instance, et dans la version originale, nous avons eu le mot instance effacé comme ceci. Allons-y et faisons-le en utilisant ce que nous savons déjà. Lorsque nous avons créé ce logo, nous avons mis de côté ces images clés ici plus tôt, nous en avons encore besoin. Faisons-les glisser vers le début de la date à laquelle notre animation va commencer. Quand tout cela arrivera ici, oui, on commencera là. Touchons facile, facilitons F9, et élargissons réellement cela un peu. Ouais, ça me semble un peu mieux. N' essuyons pas l'instance de mot. Tout d'abord, nous devons la rallumer, trouver l'instance ici, nous assurer que nous sommes à l'image clé de départ, appuyer sur Alt, ouvrir les crochets et nous allons la faire glisser juste pour que nous puissions voir les choses un peu plus proprement. Allons à l'instance, et ouvrons la position. Frappez le chronomètre, allez à la fin, appuyez sur le chronomètre. Maintenant, nous allons laisser ceci là où il est, et au début ici, nous allons le traîner pour que l'arrêt complet ou la période pour vous, Américains, soit juste jeter un coup d'œil ici. On va frapper la F9. On l'a bien. Le seul problème, c'est qu'il jette le dos ici, ces lettres embêtantes, allons de l'avant et animons l'opacité sur. Nous allons retourner dans le menu déroulant, aller au contenu, et trouver l'arrêt complet qui devrait être le groupe un. Oui. Va transformer, opacité, frappe le chronomètre. Une fois que vous appuyez sur la touche fléchée Alt pour pousser environ trois images vers l'extérieur. Créons une image clé d'opacité 0 pour cent afin qu'elle s'allume. Maintenant, il s'agit juste d'un cas de copie de ces images clés et de les coller. Je pense que nous allons aller de l'avant deux images pour chacun. Pour certains d'entre eux, ils ont fini par être collés seulement environ une image souvent, mais vous pouvez jouer avec elle pour obtenir le timing que vous voulez. Maintenant, vous pouvez voir que nous avons terminé la lingette. L' autre élément de l'affaire inachevée est juste si vous voyez dans notre exemple original logo corp, nous avons la pièce principale de diamant rétrécit en arrière-plan, et l'exemple corp monte vers nous. C' était juste une chose très, très simple à faire. Tout d'abord, attrapez les diamants ici, frappez l'échelle. Ensuite, passons à la fin de la composition, et laissons tomber cela à peu près là. En fait, nous avons besoin du logo pour être connecté au diamant. Prenons exemple corp ici, frapper échelle, il était déjà en haut de l'échelle de succès [RIRE]. Faisons exactement le contraire, augmentons. Maintenant, si on joue ça, et c'est une chose très subtile, mais je pense que ça ajoute beaucoup à ça. Ce sont les deux bases d'affaires inachevées auxquelles nous avons dû nous occuper. Dans la prochaine vidéo, nous allons composer Image, et finaliser le look de ce qui va être là-bas dans le grand mauvais monde. A bientôt. 14. Compositing et effets: Ok, les gens nous approchons de la fin du jeu et ça veut dire que nous sommes prêts à commencer à composer et à mettre ces animations dans le puits. Vraiment, il y a des façons infinies de les compositer, mais je vais juste vous montrer ce que je pense fonctionne pour ces deux logos spécifiques. Tout d'abord, peu importe ce que le logo est et quel que soit le style que j'aime pré-composer l'ensemble. Je vais sortir le logo de l'instance parce que je pense que c'est le plus simple à faire. Sélectionnez Désactiver. Nous pouvons supprimer nos originaux maintenant nous n'en avons pas besoin. Je vais tout sélectionner. Cliquez avec le bouton droit de la souris, société sans instance « Pré-composer » Maintenant, pour le logo de l'instance parce qu'il est plus géométrique et simple, il s'agit plus du mouvement. Je pense que faire une chose trop compliquée serait un peu trop occupée. J' aime que ce soit essentiellement sur un fond solide, mais je vais prendre ce secret. Je suis en ce moment. Ce n'est pas en fait sur un fond de couleur unie. C' est en fait activé, si on monte à la grille de transparence basculée ici, un arrière-plan transparent. C' est exactement ce que nous voulons pour nos options plus tard. Mais si nous le voulons sur un fond solide, ce que j'aime faire est juste d'aller à l'outil rectangle et de faire couleur unie et de le déposer sous ce vert malade, jaune. En fait, ce n'est pas trop mal. Maintenant, pensez-y. Je suis un peu amusant de ça, mais juste pour correspondre à l'original, je vais aller remplir et changer ça en blanc pur et on y va. Maintenant, l'autre chose que j'aime faire avec un logo vraiment simple comme celui-ci et en fait presque tous les logos. Ce que j'aime faire est de faire exactement ce que je viens de faire à l'exemple de logo corp ici, qui est de mettre cet effet à petite échelle dessus. En termes de cinématographie, on l'appelle généralement un effet Ken Burns. Encore une fois, c'est un cas très simple, suffit de taper S sur votre précomposition enregistrez-le à 100. Je pense qu'il est préférable de réduire l'échelle. Dans ce cas, je vais aller à, faisons 90 et juste jouer ça un peu. Oui, c'est assez subtil. C' est si petit. Si vous regardez sur votre téléphone, vous ne pourrez peut-être même pas le voir, mais je pense que cela ajoute beaucoup. Maintenant, un avantage de le faire de cette façon, c'est aussi le même. Par exemple, vous avez décidé que vous vouliez que ce logo soit plus grand. Mais pour le moment, avec cette précomposition, si nous l'augmentons, vous commencerez à voir des artefacts se former. Vous perdriez un peu de la qualité. Mais ne craignez jamais, parce que nous pouvons changer cela avec le pouvoir des précompositions. On a juste besoin de frapper la petite boîte. Nous avons frappé quatre continuellement rasterize avant, qui va maintenant rendre tout aussi croustillant que dans la composition originale. Maintenant, cela ne fonctionne que si vous avez des vecteurs comme avant. Cela peut conduire à des problèmes de performance bizarres, surtout si vous avez beaucoup de choses et parfois cela gâche les effets, ce n'est pas parfait. Mais pour une solution rapide. Si vous ne voulez pas revenir ici et changer l'échelle de tout. Cette façon fonctionne absolument parfait. Mais pour l'instant, je suis parfaitement content de ça. Mais disons qu'on voulait faire quelque chose d'aussi petit peu plus. Peut-être que nous voulons faire, par exemple, comme je l'ai fait avec mes titres, où nous avons ce tremblement de terre avec un peu de grain de film. Eh bien, nous pourrions le faire aussi. Allons à ce logo d'instance ici. Pour cela, vous allez devoir trouver des séquences de grain de film, qui n'est pas si difficile à faire et c'est là que la magie du mode de fusion entre en jeu. Si vous avez déjà utilisé Photoshop, vous savez exactement ce qu'est le mode de fusion. C' est essentiellement un moyen de superposer deux images l'une sur l'autre. Dans ce cas, étang non destiné. Je pense que le meilleur mode à utiliser est de multiplier. Parce que multiplier va dire à toute la lumière d'être invisible et tout le noir de rester. Comme vous pouvez le voir ici, nous avons maintenant ce grain de film superposé sur le dessus et il lui donne un certain type de qualité différente. En fait, c'est un peu trop net pour cette qualité. Disons, par exemple, que nous voulons que ce soit un peu flou. Allons à Effect ci-dessous, flou gaussien et ajoutons simplement, faites juste quelques problèmes très subtils. Fais trois, en fait cette bosse encore plus en fait, faisons six, c'est le double. Vous pouvez voir qu'ils le sont déjà, nous avons fait ressembler à un vieux film en temps opportun. Ok et avec notre exemple de logo corp, je veux faire quelque chose dans un peu différent. Disons par exemple que le client revient et qu'il veut plus images et qu'il veut que vous le fassiez. Ils veulent des choses très particulières sur ces images. Eh bien, il y a une multitude de façons d'y arriver. Encore une fois, d'abord, je veux tout précomposer. J' ai des images que j'ai filmées quand je suis allé à Shinjuku aller l'autre jour, l'autre jour étant il y a des mois. Mais en tout cas, j'ai cette vidéo. Disons qu'ils voulaient cet exemple de logo corp sur le dessus. Il joue bien, mais la lisibilité n'est pas si bonne. Il se perd en arrière-plan ici. Qu' est-ce qu'on peut faire ? Eh bien, il y a quelques choses. Maintenant, le plus simple est d'ajouter une ombre portée, afin que nous puissions aller à l'Ombre portée en perspective d'effet et cela va mettre, comme un dit fondamentalement, une ombre portée en dessous. Maintenant à la base, des chaussettes. Jouons un peu avec ça. Tu pourrais opter pour une couleur unie, mettons-le ici comme on voit ce qu'on fait. Augmentons la distance, peut-être environ huit. Oui, vous pouvez opter pour une couleur, mais quand vous avez un texte très fin en bas comme ici, ou c'est très compliqué et souvent n'a pas l'air si bon. Dans ce cas, je pense que la meilleure chose à faire est de ramener la distance à cinq et de baisser la capacité à environ 33 et d'augmenter la douceur. Ce que cela va faire, vous pouvez jouer avec les paramètres. Mais ce que cela va faire, c'est juste ajouter un peu de séparation entre le logo et l'arrière-plan. Si on peut voir, il est juste ajouté un peu plus. Mais aussi dans ce cas, ce n'est toujours pas parfait parce que le métrage de fond est trop lumineux. Vous pouvez aller de l'avant et corriger la couleur des images. Disons par exemple, vous allez à Cubs, dernier quai dedans un peu. Nous allons garder certains de ces faits saillants. Mais maintenant, il ne semble pas aussi sinistre. Peut-être que nous voulons vraiment souligner que c'est une journée chaude et laissons tomber un peu de bleu, nous voulons un peu de bleu dans le ciel. L' étalonnage est une salle entière de la bête et il y a beaucoup trop à couvrir dans cette vidéo permettrait. Une autre solution est que vous pouvez juste en dessous du métrage d'arrière-plan. Allons à Effect, flou gaussien flou. Ensuite, allons environ 13 et assurez-vous de cliquer sur « Répéter les pixels de bord ». Juste parce que pour les images de fond, nous ne voulons pas de ce contour noir. Cela a déjà rendu tout beaucoup plus lisible. Encore une fois, nous pourrions ajuster cela un peu pour que vous puissiez le voir en dessous, nous pourrions retourner dans les oursons, nous pourrions réduire la légèreté et un peu pour augmenter la saturation du pare-chocs lisibilité. Comme vous pouvez le voir, il semble un peu plus excitant que sur une couleur unie. Ce n'est pas suffisant pour moi. Disons que le client revient et qu'ils ne sont pas satisfaits de ce qu'il a l'air plat. Peut-être qu'ils veulent obtenir une texture. J' ai cette texture en carton ici. Très gros fichier, placons le pli juste au-dessus du haut et nous allons le mettre à l'échelle là-bas, alors ajoutons cette texture en carton à notre logo ici. Nous n'apprendrons rien de nouveau, nous allons juste utiliser Set Matte. En fait, j'ai menti. Nous allons aller à Effet correction de la couleur, teinte et saturation et laisser tomber la saturation à zéro parce que, sinon l'orange du carton gâcherait la couleur. En fait, je vais l'égayer un peu aussi. Avant de faire quoi que ce soit, nous devons précomposer ceci et pourquoi l'effet Set Matte devient un peu bizarre lorsque vous avez modifié les propriétés du calque auquel vous appliquez le Matte. Pour le moment, nous avons réduit cette taille, n' est pas sa taille d'origine. Si nous passons à l'exemple, precomp, ce n'est pas vraiment ce que nous voulons arriver. Même si nous désactivons étirement MAC pour s'adapter, Il va être tout bizarre. Avant de faire ça, nous avons juste besoin de précomposer ça. Maintenant, nous pouvons appliquer l'effet Set Matte. Ce sera ce qu'on veut. Comme vous pouvez le voir, cette texture en carton est à peu près exactement sur l'exemple logo Corp. Évidemment, nous ne voulons pas que cette texture de cow-boy droite. Encore une fois, revenez aux interrupteurs à bascule et à notre texture en carton. Allons en ce temps faire superposer. Vous pouvez regarder maintenant, nous avons un peu de texture en carton. Je pense que cela ajoute un peu plus à cela. Je pense que la composition est l'une des étapes les plus amusantes de faire ces animations Logo. Vous avez toute l'identité minutieuse fatalement. L' usine de réseau est n pour x_k. Apparemment, mais les éléments rigidement de déjouer avec les images clés et les retards et tout cela. Tout le travail des jambes est terminé. Maintenant, vous pouvez jouer autour et voir ce qui fonctionne, ce que vous pensez est le mieux pour chaque logo. J' espère vraiment que vous fléchissez vos muscles créatifs et venez avec quelque chose de très unique. Très bien et avec ça, nous avons fini de créer nos animations de logo. Dans la vidéo suivante, nous allons passer à la dernière étape, qui est de l'exporter et de l'envoyer au monde entier. 15. Exporter: Maintenant, nous sommes arrivés à l'élément final de cette classe qui est Exporter. Maintenant, cela peut sembler que nous avons complètement terminé tout le travail acharné et nous en avons fait une grande majorité, mais s'il vous plaît ne sous-estimez pas l'importance exportation et aussi la facilité avec laquelle cela peut mal tourner. Si je travaille sur un grand projet, surtout si je l'édite moi-même, je laisse habituellement une journée dédiée avant la date limite. Premièrement, juste pour vérifier et s'assurer qu'il n'y a pas erreurs vraiment évidentes comme une erreur d'orthographe ou un cadre noir ou quelque chose comme ça, mais aussi pour me donner assez de temps pour arranger quelque chose si l'exportation se passe mal. D' après mon expérience, l'exportation va toujours mal. Veuillez envisager de réserver un peu de temps juste pour l'exportation lorsque vous définissez votre calendrier pour votre projet. Il y a trois façons principales d'exporter des effets postérieurs et sortants. Le premier et de loin le plus facile est de l'envoyer à Premiere. Allons dans Premiere ici. J' ai encore un visage très flatteur que je tire. Dans les séquences, nous allons simplement vers « Fichier », «  Adobe Dynamic Link et « Importer After Effects Composition ». Nous trouvons où se trouve notre fichier « After Effects », cliquez dessus et ici dans la fenêtre « Composition », nous descendons ensuite pour trouver où sont nos compositions. Apportons d'abord le logo « instance ». Cliquez dessus, cliquez sur « OK ». Maintenant, nous pouvons le charger dans le moniteur source ici. Nous avons notre tout nouveau logo « instance ». La meilleure chose à propos de Dynamic Link est si, par exemple, non, en fait, je voulais que ce logo « instance » soit sur la transparence. Je ne voulais pas ce blanc. Oh, je pourrais retourner dans « After Effects » ici, aller sur le logo « instance » et l'éteindre, appuyer sur « Enregistrer », et revenir à Premiere. Il le charge et le remplace automatiquement dans Premiere. Cela m'a tant sauvé la vie. C' est vraiment raccourci mon temps de travail. C' est peut-être un peu complaisant, je ne vais pas mentir, je deviens un peu paresseux parfois, mais si vous travaillez sur vos propres projets, c'est une bouée de sauvetage. C' est de loin la façon la plus simple de travailler avec. Supposons, par exemple, que vous ne modifiez pas le projet, que vous l'envoyez à un autre éditeur ou au client lui-même pour le modifier eux-mêmes. Eh bien, encore une fois, il y a deux autres façons de le faire. Nous pouvons l'exploiter directement à partir de « After Effects » lui-même. Maintenant, je pense que c'est mieux si vous le gardez pour un fichier sans perte. Ce que je veux dire par là, c'est que si vous voulez qu'il soit aussi haute qualité que possible, peut-être que quelqu'un d'autre va l'éditer, ils vont le manipuler. Ce n'est pas le produit final. Assurez-vous que la composition est sélectionnée ici dans la chronologie. Accédez à « Composition » et à « File d'attente de rendu ». Vous pouvez voir que j'ai quelques choses ici. Je vais juste les supprimer. Maintenant, allons voir ce que ces paramètres font. Maintenant, les « Paramètres de rendu », généralement dans le passé, vous n'avez pas vraiment besoin de les toucher, mais récemment j'ai trouvé « After Effects » a fait des choses pas si cool avec elle. Il est préférable de vérifier deux fois. Donc, je voudrais cliquer sur « Best Settings » ici. Pour le moment, la principale chose que vous voulez vérifier est qu'il utilise cette fréquence d'images comps et que la taille est exactement la même taille que votre composition est réellement. D' accord ? Ensuite, « Module de sortie », vous allez vouloir jouer avec cela. Il fait apparaître cette boîte de dialogue ici. Maintenant, il existe de nombreux types différents de codec d'exportation et de conteneur d'exportation. C' est une chose très, très compliquée. Encore une fois, ce serait sa propre série de partage de compétences juste pour l'expliquer, mais je trouve le meilleur à faire pour votre propre chose personnelle si vous voulez garder une haute résolution à portée de main est « QuickTime ». Donc, je veux cliquer sur « QuickTime » ici. est là que ça devient un peu différent. Sur la sortie vidéo, si vous avez un canal alpha, vous allez vouloir cliquer sur le menu déroulant, « RGB » plus « Alpha ». Pour le moment, je n'ai pas de canal alpha, donc c'est obscurci, donc c'est bon. Allez dans « Format « Options » ici. Personnellement, je suis assez friand d'Apple ProRes 422 HQ. Encore une fois, c'est un codec très haute résolution, ce n'est pas sans perte, c'est perdant. C' est toujours identique à sans perte dans presque toutes les applications. C' est celui que j'ai tendance à faire. Tout le reste va bien. Je n'ai pas vraiment d'audio, donc je n'ai pas besoin de ce coup « Ok ». Sur la « Boîte à outils de sortie » ici, c'est fondamentalement exactement ce que vous imagineriez qu'il est. C' est juste le chemin de l'endroit où cela va être sauvé. Dans ce cas, je vais l'enregistrer dans la classe Skillshare Propre Exportations. Ouais, c'est bon. Ensuite, une fois que tout est fait et que vous êtes satisfait des paramètres, appuyez sur « Rendu ». Cela fonctionne vraiment très rapidement en fonction de la complexité de l'animation, quantité de données qui se passe, puissance de traitement, cela peut prendre de trois secondes à trois jours environ. Encore une fois, assurez-vous de réserver un peu de temps. Une autre chose à garder à l'esprit si vous exportez depuis « After Effects » comme ceci, disons que nous rendons un tas de choses à la fois. Nous rendons Example Corp, nous rendons le logo de l'instance et disons que nous le rendons également. Nous avons trois choses que nous voulons. Nous pouvons très certainement ajouter les trois à la « File d'attente de rendu » et les trois peuvent être rendus en une seule fois, mais disons, encore une fois dans cet exemple, nous voulions faire deux versions. Nous voulions une version du logo « instance » sur blanc, et nous voulions une version sur la transparence. « After Effects » peut rendre autant de compositions en même temps qu'il le souhaite. Mais si vous avez une composition, vous apportez des modifications et que vous voulez rendre cette même composition dans un fichier séparé, cela ne fonctionnera pas. Si vous vouliez faire tout cela à la fois, vous devrez dupliquer cette composition, effectuer la modification, puis l'ajouter à la « File d'attente de rendu ». Je pense que le rendu de « After Effects » est bien, disons qu'une haute résolution a tendance à être la plus rapide, mais disons que vous voulez envoyer une preuve de concept au client. Vous voulez le télécharger sur YouTube, peut-être l'envoyer dans une pièce jointe e-mail même, et vous voulez une version perdue envoyé. Eh bien, les choses exportées à partir de « After Effects » qui sont de qualité inférieure n'ont parfois pas vraiment l'air génial. Dans cette situation, et même parfois si je veux une version haute résolution, je l'envoie à Media Composer, afin d'envoyer quelque chose à Media Composer, et nous allons nous assurer à nouveau parce que la composition sélectionnée va à « Composition », ajouter à « Adobe Media Encoder File d'attente ». Si vous connaissez Premiere et Adobe Media Encoder, c'est une promenade dans le parc. Tu n'as pas vraiment besoin de cette étape. Mais si vous ne l'êtes pas, je trouve à nouveau que la meilleure façon d'envoyer à un client est un H264 mp4. Vous voulez cliquer sur l'un de ces deux ici, je vais cliquer sur « H264". H264. J' ai tendance à aller pour le préréglage YouTube 1080p Full HD, mais vous pouvez faire avec ce que vous voulez. Encore une fois, j'aime cliquer sur cette case ici, « Match Source » parce que la base suppose que vous avez un morceau de vidéo 1080p et que c'est 24 images par seconde. Dans ce cas, c'est vrai, mais parfois ce n'est pas le cas. Juste pour être sûr, assurez-vous de cliquer sur cette case pour que tout corresponde. Je fais défiler ici. Nous avons trois options ici. Bitrate constant signifie qu'il va être le même débit tout au long, la même quantité de données dans chaque image, mais presque toujours je pense qu' il est préférable d'utiliser VBR, Bitrate variable. Ce que cela signifie, c'est qu'il va utiliser plus de données pour les cadres qui ont beaucoup d'informations, beaucoup de pixels et qu'il va utiliser moins de données pour les cadres qui ont moins de pixels, vous avez deux options ici, une passe et deux passes. Deux passes le rend juste à nouveau et essaie de trouver des moyens supplémentaires de masquer les données, mais cela prend deux fois plus de temps. D' habitude, surtout si c'est juste pour un concept de preuve, laissez-le en une seule passe. Ces jours-ci, si vous avez une bande passante élevée, 16, c'est bien. Seize mégaoctets par seconde va vous obtenir une exportation de très haute qualité. En outre, mieux la taille décente. Disons que vous devez l'envoyer dans un e-mail. De nos jours, Gmail autorise jusqu'à 25 mégaoctets, donc nous allons bien ici, mais si vous avez quelque chose de plus, vous pouvez le faire glisser vers le bas. Mais j'ai tendance à trouver que tout ce qui est inférieur à huit, vous allez commencer à voir quelques plongeon de la série dans la qualité. Pour l'instant, je vais laisser ça à 16 ans. Je suis content de tous ces autres paramètres. On n'a pas d'audio. S' il vous plaît, ne touchez pas le reste. Tu feras des cauchemars si tu ne sais pas ce que tu fais. Je vais frapper « Ok ». Encore une fois, « Fichier de sortie » exactement le même que dans After Effects. Il suffit de choisir où il va aller. Oui, oui, oui, tout est bon. Ensuite, appuyez sur le bouton « Démarrer la file d'attente » ici. Encore une fois, cela peut prendre n'importe où d'une milliseconde à des millénaires. Ça dépend vraiment. Si nous regardons maintenant nos fichiers exportés, c'est parfait parce que je l'ai testé avant. Je n'ai rien à changer. Testez notre haute résolution. Oui. Vous n'avez pas de modifications à y apporter. La taille des fichiers de ces exportations va être très différente en fonction de leur complexité en termes d'informations de pixel. Par exemple, notre logo « instance » étant très simple, très géométrique, le mp4, le H264 que nous avons créé ne fait que trois mégaoctets, et notre résolution plus élevée ne fait que 30 mégaoctets. Mais notre logo Example Corp, qui est beaucoup, beaucoup plus compliqué en termes d'informations sur les pixels, est un peu plus grand. Notre H264 est de 20 mégaoctets et notre ProRes, notre haute résolution, est de 216 mégaoctets. Vous pouvez voir comment cela dépend du logo lui-même, même en termes de taille du fichier. vous plaît considérez que lorsque vous exploitez et envoyez aux clients, si le client a besoin d'une petite taille de fichier, mais que vous avez une image compliquée, vous pourriez vouloir jouer, voir ce que vous pouvez faire, mais je suis sûr que vous serez en mesure de le trouver. Mais comme je le répète, s'il vous plaît réserver un peu de temps à l'exportation. Vous pouvez vous épargner beaucoup de larmes et de mauvaises relations potentielles avec vos clients. Avec cela, nous avons complété nos animations de logo. Il est temps de faire une fête ou au moins regarder la vidéo « Final Thoughts » où je vais tout finir. Merci beaucoup et vous voir dans cette vidéo. 16. Réflexions finales: C' était assez long. Quoi qu'il en soit, merci de rester à travers ma classe de Skillshare. C' était une expérience d'apprentissage pour moi aussi, et félicitations pour avoir réussi tout au long de cette classe. C' était un voyage que nous avons fait. Nous avons tout couvert, depuis le nettoyage de quelque chose dans Illustrator jusqu'à l'importation dans After Effects, maîtrise de l'utilisation des propriétés de transformation. Certains de la myriade d'effets de forme que vous pouvez utiliser à votre avantage, ainsi que des techniques de composition et de texturisation finales. C' est beaucoup de matériel et vous devriez vous sentir très fier d'avoir réussi jusqu'à la fin. Quoi qu'il en soit, n'hésitez pas à poster votre animation de logo dans le projet. En fait, je ne sais pas où ça va, quelque part dans le voisinage général de cette page web. Je veux vraiment les voir. J'ai vraiment hâte de voir ce que vous avez créé. J' espère que vous pouvez voir comment ces techniques vraiment simples peuvent être utilisées pour créer des graphiques complexes et compliqués. Pas par les techniques étant folles et, « Oh, j'ai le meilleur plug-in, je suis le meilleur de tout ça, peu importe. » Mais simplement s'appuyer sur ces idées de base est ce qui peut être utilisé pour créer quelque chose de vraiment spécial. N' hésitez pas à les appliquer à vos animations graphiques, votre montage vidéo, à votre animation 2D. Ces techniques et pas seulement les logos. Donc j'ai vraiment hâte de voir ce que tu as fait, et oui. Je ne sais pas comment mettre fin à ça.