Collections de motifs et portfolios : À faire, à ne pas faire et à mythes | Partie 1

1. Introduction: Bonjour, je suis Melissa Lee. Je suis illustratrice et designer de surface professionnelle. Et certaines de mes choses préférées pour créer nos modèles. J'ai appris à créer un motif techniquement répétitif dans Adobe Illustrator en 2015, ici même sur Skillshare. J'ai maintenant environ sept ans d' expérience dans la fabrication de modèles et de collections de motifs. Environ trois ans d'expérience dans soumission d'un portfolio de design de surface et deux ans d'expérience en tant que designer de tissus agréé. Si tu fais le calcul là-dessus et que tu penses que c'est sûr. Elle a mis du temps à gagner de l'argent grâce à son travail de patron. Eh bien, tu n'as pas tort. Il y a plusieurs raisons à cela. Comme, par exemple, mes différents emplois de jour qui me tiennent occupé, vie en général, les obstacles, cours sur Skillshare, qui me prennent beaucoup de temps. Mais la dure vérité est aussi que je me suis mis en mon chemin deux choses que je vois et encore qui ont fait stagner les concepteurs de surfaces inondables, y compris moi-même, et qui ont fait stagner et perdre momentum ou collections et portfolios. Plus précisément, l' idée qu'ils doivent être absolument parfaits dans tous les sens avant de commencer à partager votre travail ou à soumettre votre portfolio. Parce que j'étais tellement concentrée, vraiment obsédée par l'idée que mon portfolio devait avoir une certaine apparence et qu'ils devaient suivre tous les conseils que j'ai appris. à J'ai perdu beaucoup de temps sentir découragée et dépassée, et surtout à ne pas montrer ou soumettre mon travail comme j'aurais dû l'être. Quand j'ai finalement décidé que ça suffisait. Et j'ai commencé à soumettre mon travail. J'ai décroché un contrat de licence de rêve en un an. Mon objectif avec ce cours est de partager avec vous tout ce que j'ai appris au fil des ans concernant les collections de motifs et les portfolios de design de surface. Si vous suivez moi-même des douzaines de cours, et sur la base d'une expérience pratique acquise. Et croyez-moi, j' ai beaucoup appris. Lors de mon premier cours sur la conception de motifs, je me suis concentré sur l'aspect technique de la création d'un motif répétitif dans Adobe Illustrator. C'est donc un cours très démo, alors que ce cours est basé sur des conférences et se concentre sur les choses à faire, ne pas faire et les mythes des collections de patrons et des portfolios. J'espère que ce cours peut vous aider à éviter le type de stagnation que j'ai connu au cours de mon propre parcours pour devenir designer de surface. Je veux que vous quittiez ce cours avec la motivation de partager votre travail et de continuer à créer des modèles. Commençons donc. 2. Ma chronologie: Comme beaucoup de gens peuvent s'identifier. J'ai toujours aimé le dessin et tout type d'artisanat. En grandissant. Les cours d'art où les cours amusants à l'école pour moi. Et cela n'a jamais changé tout au long de l' université où je me suis spécialisé en art de studio et au-delà jusqu' à maintenant. Mais ce n'est que lorsque j'ai découvert design de surface et motifs que j'ai vraiment pensé pouvoir gagner ma vie avec l'illustration. Je ne m'étais jamais sentie aussi enthousiaste ou motivée à l'idée de réussir dans une carrière créative. J'avais à peu près une cargaison de détermination. Et heureusement, cela m'a finalement bien servi. Mais j'ai eu quelques bosses sur la route. Je souhaite donc vous montrer une chronologie plus détaillée de mon parcours de conception de surface. Au printemps 2015, j'ai découvert Skillshare et j'ai appris à créer un motif répétitif dans Adobe Illustrator. Je suis rapidement tombée amoureuse de la création de patrons. Et puis j'ai passé environ trois ans à suivre d'autres cours de design de motifs, créer des patrons et des collections ici. Et ils apprennent Illustrator, mais ne l'utilisent pas assez régulièrement pour s'y familiariser. C'est pourquoi cela m'a pris trois ans. En 2018, j'ai créé la première collection qui, selon moi, représentait vraiment mon style et moi. Et puis j'en ai fait deux autres. En 2019, j'ai passé beaucoup de temps à créer un portfolio parfait et à le faire imprimer afin de pouvoir enfin commencer à l'envoyer aux entreprises. J'ai passé beaucoup de temps à faire des recherches sur les entreprises auxquelles je voulais m'adresser et j'ai commencé à envoyer un portfolio papier et/ou un portfolio numérique par e-mail à l'été 2019. En octobre de la même année, je me suis rendu au Quilt Market d'automne à Houston, au Texas, et j'ai rencontré différentes entreprises de tissus afin différentes entreprises de tissus afin de leur montrer mon portfolio. Je n'ai pas obtenu de contrat de licence. Ils sont comme je l'avais rêvé. J'ai donc passé un bon mois sentir plutôt découragée et désolée pour moi. Mais j'ai fini par me reprendre et j'ai recommencé à soumettre. Malgré mes sentiments douloureux au cul, je vais tomber. Quilt Market a été une expérience merveilleuse et tout le nez que j'ai reçu là-bas et après par e-mail, nous sommes incroyablement gentils et encourageants. Alors ne vous laissez pas décourager par mon expérience si vous voulez également essayer cela. J'ai découvert l'entreprise, Riley Blake conçoit au salon. Et je suis tombée amoureuse de leur curation et leur ambiance générale à peu près immédiatement. Et ils sont rapidement devenus l'un de mes trois principaux choix d' entreprises de tissus. Donc, naturellement, c'était l'un des premiers endroits où j'ai soumis mon travail après mon retour à la maison et que j'ai recommencé à soumettre. Quelques mois se sont écoulés sans réponse, et j'ai supposé que c'était un autre non. C'est la V que je croyais avoir l' habitude de connaître maintenant. J'avais prévu de les soumettre à nouveau ainsi qu'à d'autres entreprises, dès que j'aurais eu de nouveaux travaux. Puis, en mai 2020, j'ai reçu un e-mail du directeur du design de Riley Blake, demandant si j'étais toujours intéressé à signer avec eux en tant que nouveau designer de tissus, je me suis dit : « Je suis absolument toujours intéressé. Oui, s'il te plaît. J'étais naturellement très émue et j'ai pleuré de joie à ce sujet. En juillet 2020, j'ai signé mon premier contrat de licence avec Riley Blake Designs. Dès le premier jour. Mon objectif était de faire travailler mon patron sur le tissu de quilting et tout le reste. Après ça, c'est comme un bonus. Je voulais vraiment me remettre à couture et le fait d'être designer de tissus m' a sérieusement motivée comme rien d'autre. Je me considère maintenant comme une courtepointe, si je suis très inexpérimentée. Et ça a été une joie et un plaisir absolus. Cela montre simplement qu'on ne sait jamais quand on peut obtenir un oui. Le moment n'est peut-être pas bien choisi dans l'immédiat, mais ce sera peut-être dans quelques mois. Alors soyez patient et continuez d'essayer. Bref, ma première collection de tissus n'est pas sortie avant 15 mois. Cela dépend vraiment de l'entreprise et de l'industrie, mais un an entre le moment où l' art est accepté et le moment où le produit est expédié n'est pas rare dans l'industrie du tissu. Ce qui signifie que je n'ai reçu mon premier chèque de redevance de licence qu'en octobre 2021. Je ne me sentais pas assez confiant dans mon travail pour commencer à le présenter aux entreprises avant la fin de 2018 parce que je n'établissais pas régulièrement modèles et n'améliorais pas mes compétences par la pratique pour pendant ces quatre années. Ensuite, il m'a fallu encore environ six mois pour créer un portfolio parfait. J'utilise mon portfolio qui n'est pas terminé selon mes normes élevées comme excuse pour retarder la soumission de mon travail bien plus longtemps que je n'aurais dû. Il m'a fallu cinq ans entre moment où j'ai commencé à rêver de cette carrière et celui où j'ai décroché mon premier contrat de licence. Et il y a plus de six ans que j'ai reçu mon premier chèque de redevance de licence. Je ne veux pas que tu penses que j'ai honte de ma chronologie. Je ne le suis pas du tout. Je suis vraiment fier du fait que malgré le fait que cela ait pris tant de temps, je n'ai jamais complètement abandonné. J'ai eu mes moments, mes journées et parfois des mois à me sentir découragée et à ne pas créer d'œuvres d'art. Mais j'avais tellement de passion et persévérance que j'ai fini par y arriver. Il n'y a aucune honte à cela. Si votre chronologie finit par ressembler à la mienne, ou si vous en êtes déjà à la troisième ou à la quatrième année et que vous avez l' impression de ne pas avoir fait beaucoup de progrès. Ça va. Tu n'es pas un raté. Je pense qu'il est bon d'être conscient de la possibilité que cela prenne du temps. Je ne veux pas que tu penses que ça doit prendre autant de temps pour toi. J'ai tellement d'artistes, amis qui ont connu le succès beaucoup plus rapidement, certains même en l'espace de six mois. Les possibilités sont donc infinies. Votre histoire n'a pas besoin de prendre autant de temps que vous le pensez. Mais j'espère que vous vous sentirez quand même encouragé. 3. PI : Pourquoi concevoir dans les collections ?: Alors pourquoi concevoir des collections en premier lieu ? Eh bien, tout d'abord, les collections sont la pierre angulaire d' industries telles que le tissu, papeterie et l' artisanat en papier, et la décoration intérieure. La conception et les collections ouvrent donc votre travail à tellement de possibilités qu' il n'aurait peut-être pas obtenu autrement, même si toutes les industries n'ont pas nécessairement besoin de collections, directeurs artistiques peuvent choisissez facilement les imprimés de votre collection. Proposer votre travail dans des ensembles de thèmes donne à l'utilisateur final, client ou au directeur artistique une vision complète de qui vous êtes en tant qu' artiste et l'aide également à mieux reconnaître vos capacités en tant qu'artiste. La conception et les collections vous aident, en tant qu'artiste, à développer vos compétences de nombreuses façons. concevant collection après collection, vous êtes essentiellement obligé de comprendre la couleur, la complexité, la composition et l'équilibre, ce qui permet une présentation très cohérente et soignée. C'est aussi très amusant et enrichissant. C'est tellement satisfaisant de voir un magnifique ensemble d'œuvres d'art qui vont si parfaitement ensemble. Cela vous donne l' occasion unique de raconter une histoire et de donner un sens à votre travail. Maintenant que nous comprenons les avantages de travailler dans les collections, voyons comment 4. PI : Les Dos Don'ts et les mythes de la conception dans les collections: Il existe de nombreuses options pour créer des collections de motifs. Et il n'y a pas autant de règles strictes que vous le pensez. Il y a beaucoup d' informations contradictoires qui, honnêtement, dans mon esprit, confirment le fait qu'il n'existe pas de règles strictes et qu' il y a toujours des exceptions à la plupart des cas, si pas tous les conseils que vous pourriez recevoir. Naturellement, les gens donnent des conseils en fonction leur propre expérience et de ce qui a le mieux fonctionné pour eux. Donc, étant donné qu'il y a tant d' expériences différentes que les gens ont vécues, il est logique qu'il existe des idées différentes sur ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Que cela soit encourageant plutôt que décourageant ? Parce que cela signifie vraiment qu'il existe de nombreuses façons de réussir en tant qu'artiste et plus particulièrement en tant que designer de surface. Il n'y a pas qu'un seul chemin avec un ensemble de règles rigides que vous devez suivre pour votre travail soit visible ou sous licence. Maintenant, je comprends parfaitement si cette nouvelle vous semble quelque peu frustrante ou écrasante, car avoir un ensemble de directives peut être incroyablement utile. Et je doute que je serais là où je suis aujourd'hui si je n'avais pas suivi la sagesse et les directives énoncées par mes mentors. Ce n'est pas qu'il n' existe aucune bonne pratique à suivre en matière de conception de surface. Juste que la plupart d'entre eux sont plus flexibles que vous ne le pensez. Je vais passer en revue quelques directives générales sur ce qui fait une bonne collection de motifs. Ensuite, je vais passer en revue certaines raisons pour lesquelles certaines de ces directives sont flexibles. Une collection de motifs comprend généralement 7 à 12 modèles basés sur un thème ou une histoire. Tout ce qui est inférieur à cela est considéré comme une mini collection. collections ont généralement un nom, un logo, noms pour chaque motif et une courte description de l'histoire ou de la ligne. collections bien équilibrées comprennent généralement de huit à 18 couleurs. Plus à ce sujet plus tard, cependant, ce n'est pas obligatoire, mais de nombreuses industries exigent plusieurs couleurs. Puisque le tissu Bolt est mon principal atout, j'ai toujours créé toutes mes collections de motifs dans au moins deux coloris pour commencer. Non seulement vous voulez vous assurer que chaque motif présente suffisamment de contraste, mais que la collection dans son ensemble présente également suffisamment de contraste. Il doit y avoir un équilibre entre les conceptions complexes et simples. collections devraient donc inclure des impressions de héros ou de points focaux, des coordonnées et des prêteurs de symboles, et j'en parlerai plus tard également. Enfin, il devrait y avoir un mélange de modèles à petite, moyenne et grande échelle. 5. PI : Taille de la collection: Revoyons d'abord la taille de la collection. Une collection complète de modèles comprend généralement de 7 à 12 motifs uniques. Il semble y avoir un peu de désaccord sur la question de savoir si sept ou huit modèles en font une collection complète. Mais j'ai vu tellement de collections qui ne sont composées que de sept modèles, que l'on appelle apparemment des collections complètes. Donc, à mon avis, je pense que sept est plus précis que huit. Mais votre kilométrage peut varier et ce n'est pas grave. Cependant, une collection de six personnes ou moins serait certainement considérée comme une mini collection. Je vois que beaucoup de personnes insistent sur la question de savoir s'ils doivent toujours créer des collections complètes ou non . J'ai moi-même eu du mal avec cette idée. J'ai créé exactement pour des collections de dix à 12 modèles chacune. Et j'adore la façon dont la plupart d'entre eux se sont révélés. Mais d'après mon expérience, il est constamment stressant et accablant de créer autant de motifs dans une collection. Tout cela en même temps. J'ai trouvé que j'ai tendance à m' impatienter au beau milieu de la création d'une collection complète. Et j'ai souvent envie de passer à un autre thème. J'ai également constaté que parfois je précipitais les modèles parce que je voulais vraiment atteindre un certain nombre de modèles dans une collection afin de pouvoir en passer à un autre. Au fil du temps, j'ai réalisé qu' il valait mieux pour moi d'avoir une mini collection forte qu' une grande collection avec des motifs plus frisés. J'ai donc fait la transition vers la création de mini-collections de trois à cinq modèles. Et puis parce que j' aime bien avoir un tas d' options parmi lesquelles les directeurs artistiques peuvent choisir. Je vais souvent les revoir des semaines voire des mois plus tard et les compléter. Une fois, un directeur artistique avec qui j'ai travaillé a aimé l'une des neuf mini-collections et m'a demandé de lui faire quelques tirages supplémentaires. C'est à ce moment-là que j'ai revu cette collection en particulier. Ce flux de travail m'aide à être plus prolifique et à me sentir beaucoup moins dépassée. Cela me permet également d' avoir une plus grande variété de thèmes représentés dans mon portfolio plus rapidement que je ne l' aurais fait autrement. Mais surtout, il est plus facile pour moi de commencer une collection quand je sais que je ne ferai que quelques modèles au lieu de dix à douze. C'est toujours le plus dur pour moi de commencer. Un conseil que j'aimerais donner est de rechercher les éléments qui facilitent le démarrage d'un projet. Même si c'est juste un petit peu. Une fois que vous les avez trouvées, conservez ces pratiques et intégrez-les à votre flux de travail habituel. L'astuce consiste à trouver le flux de travail qui vous convient le mieux en tant qu'individu. J'ai essayé de faire une collection complète de patrons plusieurs fois par mois et j'ai trouvé que le faire tout le temps était trop stressant pour moi. Je me sens beaucoup plus à l' aise et à l'aise dans ma façon de travailler maintenant, la conception et les collections peuvent également dépendre beaucoup de l'industrie, comme je l'ai mentionné plus tôt. Donc, par exemple, si votre cœur est tourné l'industrie du tissu ou du scrapbooking, c'est une bonne idée de concevoir en collections, mais de nombreuses entreprises de tissus sont également ouvertes à de nombreuses collections. J'y reviendrai plus tard, mais j'ai obtenu un contrat de licence avec une société de tissus avec une soumission de seulement cinq modèles plus un autre qu'ils ont vu sur le site Web. Mais il ne s'agit que de six modèles. C'est toujours une mini collection. Créer une grande collection n' est pas absolument nécessaire, que cela ne l'est pour tout le monde. C'est le travail d' un directeur artistique de voir le potentiel de l'œuvre d'une personne, quel que soit le nombre de motifs que vous avez inclus dans une collection. 6. PI : Avoir un focus de l'industrie est-il important ?: Devriez-vous avoir une idée du ou des produits finaux qui vous guideront dans la création de collections plus cohérentes ? Ou devriez-vous d' abord créer des motifs , puis décider où ils s'intègrent ? C'est une question qui vient en premier, la poule ou l' œuf. À mon avis, je ne pense pas vraiment qu'il y ait une bonne ou une mauvaise réponse. C'est difficile à dire parce que je pense qu'étudier un ou deux secteurs dans lesquels vous voulez voir votre travail et décider s'il ne s' agissait pas de collections ou simplement modèles autonomes et laisser cela être votre approche. créer des motifs. Je pense que cela peut être très utile. Si vous avez à cœur une industrie en particulier, alors oui, vous voudrez probablement essayer d'aborder votre travail en tenant compte de cette industrie. Je suis designer de tissus, j'ai donc appris que répétitions lancées sont utiles pour des choses comme le tissu en vrac. Parce que les solistes et en particulier les filtres trouvent vraiment utile d'avoir des impressions non directionnelles ou multidirectionnelles. est pourquoi je garde ce genre de choses à l'esprit lorsque je travaille sur de nouvelles collections de tissus. Mais je n'ai pas vraiment commencé à le faire avant d'être plutôt un designer intermédiaire. Et jusqu'à ce que j'aie de l'expérience en tant que designer de tissus licencié, cela ne veut pas dire qu'il ne faut pas choisir une industrie et y mettre tout son cœur dès le début. Parce que faire un tel rêve peut être extrêmement motivant. C'était certainement pour moi. Je voulais travailler sur le tissu en vrac. Premièrement, parce que je voulais me remettre à la couture. Et deuxièmement, parce que j'ai vraiment aimé l'idée que mes œuvres soient réalisées sur quelque chose que d'autres artistes et artisans pourraient utiliser pour s'exprimer de manière créative. J'avais raison parce que voir tous les projets incroyables que les gens réalisent avec mon tissu est l'une des choses les plus gratifiantes de ma carrière. Mais il peut être si facile de trop réfléchir, surtout quand on est débutant. Je pense que les débutants devraient vraiment se concentrer davantage sur la création d'un corpus de travail. Créez des motifs autonomes, créez des collections dans toutes les tailles que vous souhaitez expérimenter. Passez beaucoup de temps à faire ce que vous voulez. Et c'est là que tu pourras prendre du recul. Examinez votre travail et vos expériences pour le faire fonctionner. Et cherchez ce qui vous a été le plus facile, ce qui a le mieux fonctionné, ce que vous avez aimé et n'avez pas aimé, etc. Je crois que le fait d'avoir un ensemble de modèles existants peut vous aider à analyser plus facilement ce que vous pensez votre travail s'adapterait et partirait de là. Si vous avez un secteur spécifique en tête, vous pouvez continuer à travailler jusqu'à ce que vous ayez l'impression qu'il s'intégrerait bien dans ce secteur, peut-être. J'ai également créé une tonne de modèles, de collections et de mini-collections autonomes au cours de mon propre voyage. Trouver un style Je me sentais vraiment bien et confiant à l'idée de proposer aux entreprises de tissus. Plus précisément. Comme je l'ai déjà dit, je ne pense pas vraiment qu'il y ait une bonne ou une mauvaise réponse. Je pense que si le fait de se concentrer sur une industrie peut vous motiver, allez-y. Mais si cela fait le contraire, si cela vous paralyse manière ou d'une autre, alors concentrez-vous simplement sur la création d'œuvres d'art. Et finalement, vous arriverez à un point où vous pourrez mieux reconnaître où cela peut s'intégrer. 7. PI : Complexité de la collection : héros, coordonnées et mélangeurs: Pensez à concevoir vos collections comme si vous étiez stylée et habillée. Tout va de pair. Leila Rogers, en général, collections de motifs doivent avoir un équilibre entre des designs complexes et simples. Ils doivent inclure des empreintes de héros ou de points focaux, des coordonnées et des mélangeurs. Les imprimés héros sont les vedettes de la collection. Ils sont le principal point focal. Ils sont généralement les plus grands et les plus étendus, les plus complexes et les plus détaillés et sont généralement ceux qui mettent le plus en valeur votre style. Ce sont les motifs qui ont retenu l'attention du spectateur et l'ont attiré. Ils jettent les bases pour le reste des parents racontant une histoire ou en présentant un thème. Et ils ont aidé à dessiner toutes les empreintes ensemble. Coordonnez les impressions, soutenez et coordonnez-vous avec les empreintes du héros. Ils aident à référencer et à soutenir le thème général. Et leur composition est généralement moins détaillée qu'une empreinte de héros, mais plus détaillée qu'une impression Blender. Les coordonnées ont généralement moins de couleurs que ce qui est généralement inclus dans une impression de héros également. Et ils complètent vraiment une collection. Les impressions Blender font exactement ce que leur nom l'indique. Ils mélangent l'ensemble de la collection. Ils sont généralement de plus petite échelle, les moins complexes et la composition, et n'utilisent généralement deux à trois couleurs qui sont souvent tonales. Je crois que les mélangeurs font le plus gros du travail lorsqu'il s'agit d'apporter un véritable équilibre à une collection. Sans mélangeurs, une collection peut sembler trop chargée visuellement. Ce que font les mélangeurs, c'est qu'ils offrent un endroit l'œil peut se reposer lorsque vous regardez une collection complète. pois, les rayures et les royaumes sont donc de très bons exemples de mélangeurs. Ce concept de héros coordonnées et de mélangeurs peut parfois faire peur aux gens, car cela dépend à la fois de votre style et de la façon dont tous les motifs d'une collection fonctionnent avec et les uns à côté des autres. Tout est donc relatif. Les empreintes sont jugées par rapport aux autres empreintes qui l'entourent. Si vous êtes comme moi et que vous avez un style détaillé et complexe avec de nombreux motifs différents, alors vos imprimés de héros devraient naturellement être les plus complexes et motifs les plus complexes et les plus détaillés de la collection. Mais si votre style est plus minimaliste, vous n'avez pas nécessairement besoin d' imprimés héros super complexes. J'ai vu de nombreuses collections magnifiques et réussies où tous les imprimés pouvaient être classés comme des coordonnées et des mélangeurs s'ils existaient dans une autre collection. Par exemple, Club Road propose une magnifique collection appelée love struck avec des tissus Paintbrush Studio qui, je pense, entrent dans cette catégorie. La description de la collection se lit comme suit : « Nous avons rencontré notre correspondance avec la première collection de CLIA, Loves frappés, inspirée par la magie du feu. Cette collection abstraite d'une simplicité trompeuse est parfaite pour tous vos projets de bricolage ou de couture. Cette puissante collection d'allumettes comprend six imprimés disponibles dans un coloris chaud et froid qui ne manquera pas de vous éblouir. C'est ainsi que je catégorise les imprimés de cette collection juste en les regardant, l'imprimé à rayures ressemble l'imprimé principal ou au point focal ici. Et puis je pense aussi que l' imprimé Hello you est également un héros. Tandis que le reste ressemble à des coordonnées et à des mélangeurs. Après avoir lu la description, je me suis senti assez validé dans mes hypothèses et j'ai repris tout cela uniquement à partir de visuels. Cette collection fonctionne parce que tous les beaux motifs se marient à merveille. Mais il y a encore de la variété et de la complexité. Donc, même si vous avez un style plus minimaliste, vous avez toujours des imprimés héros par rapport aux autres designs. Le point principal que je veux que vous retiriez de cela est que si votre style est plus minimaliste, adoptez cette qualité. Il n'est pas nécessaire d' essayer de vous forcer à faire quelque chose de plus complexe que ce qui vous semble juste. Si cela ne reflétait pas vraiment le genre de beauté et d' œuvre d'art que vous voulez mettre au monde. Un dernier conseil que je voudrais donner ce qui concerne la complexité est d'essayer de créer des estampes de héros en sachant que cela peut prendre beaucoup de temps. Cet imprimé s'appelle Buzzing Meadow, et c'est l'un des imprimés héros de ma collection Harmony. Il est complexe à coup sûr, ce qui a rendu sa création très chronophage. En fait, je passe en revue mon processus de création de ce patron plus en détail dans mon premier cours de pattern au cas où vous seriez curieux. Mais pour faire court, j'ai passé beaucoup de temps à créer des sections de fleurs, les regrouper et à tester la répétition encore et encore tout au long du processus. Si vous avez un style plus détaillé ou maximaliste et que vous commencez à entendre une répétition, sachant que cela peut prendre beaucoup de temps et beaucoup d'essais et d'erreurs pour le faire correctement. Pour moi, c'est moins frustrant quand il faut inévitablement faut inévitablement environ 10 millions de tests répétés pour qu'il soit parfait. Votre kilométrage peut varier sur ce point, mais j'aime quand même partager ce conseil, juste au cas où certains d'entre vous trouveraient que les tirages ici sont les plus difficiles à créer. Et d'autres trouveront que les impressions Blender sont les plus difficiles. j'avais du mal à utiliser les mélangeurs, parce que j'ai tendance à vouloir simplement en ajouter plus, que ce soit de la couleur, des motifs ou quoi que ce soit d'autre. C'est ça. L'une des raisons pour lesquelles le travail dans collections est si précieux parce que cela vous met vraiment à rude épreuve en tant qu' artiste et vous aide à développer ces compétences. Maintenant, j'aime vraiment faire des mixeurs parce que c'est une belle pause par rapport aux impressions de héros super chronophages que je fais. 8. PI : Pour répéter ou ne pas répéter des motifs ?: autre chose que je rencontre souvent des difficultés chez les designers est la question de savoir s' il est acceptable de répéter des motifs sur plusieurs motifs au sein d'une même collection. Je me souviens avoir appris il y a des années qu'il fallait éviter de faire ça. Et j'ai vu de nombreux commentaires dans les différentes communautés qui ont fait partie au fil des ans suggérant la même chose. Mais le fait est que je vois constamment des motifs utilisés dans les collections sous licence. Je le vois si souvent que j'ai commencé à le chercher et à le noter par habitude. tel point que je peux penser à pas mal de collections qui viennent du haut de ma tête où c'est vrai. Je suis d'accord pour dire qu'il est généralement préférable de ne pas répéter un motif particulièrement accrocheur sur les motifs. Mais je pense qu'il est plus que normal de le faire avec des motifs moins saillants. Et même cela n'est pas une règle stricte. Cela devient un peu plus délicat lorsque l'élément que vous répétez est un motif de héros particulièrement accrocheur, si vous voulez. Il s'agit d'une collection de tissus que j'ai sous licence avec des motifs Riley Blake appelés Harmony. Et ce petit motif de fleur est répété à la fois sur un motif de héros et sur une coordonnée. Dans le motif héros, il y a une tonne d'autres motifs floraux qui l'entourent. Alors que dans les coordonnées, cette fleur est l'étoile. J'ai également un beat design très simple qui se répète sur trois patterns distincts pour les héros et un blender. Le b est la star de l'imprimé Blender, mais pas les deux héros. Ces deux motifs sont de Corinne Wells et font partie de sa belle collection Rocky Mountain wild, également avec des dessins de Riley Blake. Si je ne me trompe pas, il s'agit exactement de la même répétition avec les mêmes motifs. La différence est que la coordonnée n' utilise que deux couleurs et est réduite, alors que la version principale du héros est beaucoup plus colorée et qu'elle est beaucoup plus grande. Je pense que c'est une utilisation très intelligente d'une belle répétition. Et cela fonctionne parfaitement car ces deux imprimés ont toujours une fonction très différente au sein de la collection, même s'ils utilisent les mêmes motifs. C'est un parfait exemple de ce dont je viens de parler. Certains designers peuvent ne pas penser à essayer quelque chose comme ça parce qu'ils craignent d'enfreindre une règle. Mais les motifs peuvent absolument partager des motifs tant que vous vous assurez qu'ils ont tous un objectif différent au sein d'une collection. 9. PI : Palettes de couleurs pour les collections: collections bien équilibrées comprennent généralement de huit à 18 couleurs. Il devrait y avoir des tons neutres. Pensez aux crèmes, aux savons, gris et aux bruns et aux noirs. Je trouve souvent qu'avoir plusieurs nuances de la même couleur est très utile. Donc, dans cette collection, j' ai quelques violets, pas mal de roses et de verts, etc. Vous voulez toujours inclure couleurs sombres et claires pour garantir un contraste important. Non seulement vous voulez vous assurer que chaque motif présente suffisamment de contraste, mais que la collection dans son ensemble présente également suffisamment de contraste. Tout comme la complexité, la couleur est également relative. Ce qui peut être considéré comme une couleur foncée dans une collection peut être un ton moyen ou une couleur claire et une autre. Dans cette collection, je considère le violet prune et le vert chasseur comme des couleurs sombres. Alors cette sorte de couleur terre cuite riche est sombre dans ce coloris. La couleur framboise est une couleur moyenne, trop foncée également. Je pense que la chose la plus importante à retenir est que vous voulez que vos couleurs fournissent suffisamment de contraste. Le fabricant de tissus avec lequel je travaille peut imprimer 18 couleurs par motif. Ne me citez pas là-dessus, mais cela semble être une norme de l'industrie. C'est un chiffre assez courant que j'entends. Mais je tiens à souligner que une des erreurs les plus courantes que nous commettons en tant que nouveaux designers est d'utiliser trop de couleurs dans une collection. Mettez-vous au défi de limiter au maximum votre palette de couleurs. Si vous observez les palettes de couleurs de designers de surfaces plus expérimentés et plus matures, vous constaterez que la plupart d'entre eux utilisent des palettes assez limitées, parfois avec seulement six ou huit couleurs au total. J'ai tendance à en utiliser plus que ça. J'utilise environ 151 coloris et 21 à 22 couleurs au total. Mais c'est là que se trouvent trois coloris. Il y aurait donc moins de couleurs s'il le fallait. Ce motif s'appelle Living Wall et c'est probablement le motif le plus complexe que j'ai jamais réalisé. Quand j'ai revisité ce patron pour ce cours, j'ai été plutôt surpris de découvrir qu'il n' a que neuf couleurs. On dirait presque qu'il en utilise plus, du moins pour moi. Mais effectivement, ce sont les seules couleurs incluses dans cette répétition très complexe. Un moyen rapide de le comprendre est de sélectionner le rectangle auquel il est appliqué. Accédez à l'un des trois échantillons et cliquez sur le motif et faites-le glisser sur votre tableau. Et puis, toujours sélectionné, cliquez sur Nouveau groupe de couleurs. Cliquez. OK, et il les affichera tous dans votre panneau d' échantillons. C'est juste quelque chose que je n'ai pas dit dans mon autre cours. Et c'est un bon moyen de savoir quelles couleurs sont présentes dans un motif particulier. Je pense qu'il est utile de savoir que vous pouvez inclure des nuances, des tons ou des teintes de la même couleur. Et vous n' avez pas nécessairement à les compter tous dans votre palette de couleurs ou à les utiliser tous dans le reste de la collection. Ce que je veux dire par là , c'est que parfois vous avez un motif qui nécessite plusieurs tons de la même couleur. Donc, si vous optez pour une aquarelle ou un look pictural, vous aurez souvent besoin trois à cinq tons de la même couleur. Ce modèle a été conçu par Bonnie Christine, qui est l'une de mes mentors et également mentor et enseignante pour des milliers d'autres personnes. Et si vous n'avez pas consulté ses cours sur Skillshare, vous devez absolument le faire. Ces fleurs ont donc été créées par numérisation dans des aquarelles. Et elle a utilisé, je crois, cinq tons de rose pour les pétales et quatre ou cinq tons de vert pour les feuilles. Donc, avec la couleur crème de fond et l'or jaune dans les étamines, il y a techniquement environ 13 couleurs dans ce seul motif. Cependant, elle n'a utilisé que peut-être deux des roses et deux des verts dans le reste de cette collection. Sa palette de couleurs globale est donc encore assez limitée. Le retour d'information le plus courant que j'ai donné sur les collections de motifs est probablement qu'un ou plusieurs motifs ont besoin de plus de contraste. Si deux couleurs trop similaires et de valeur se touchent, il est difficile de les différencier visuellement. Vous ne voulez pas que votre spectateur doive plisser les yeux pour voir certains des motifs. Donc, si vous essayez de vous en tenir à une certaine quantité de couleurs dans une palette de couleurs limitée existante. Et vous craignez d'ajouter un autre ton ou une autre nuance à l'une de vos couleurs. Afin de corriger un problème de contraste. Mon conseil est de ne pas trop s'inquiéter à ce sujet et de ne pas le laisser dicter ce changement de couleur. J'avais l'habitude de m' inquiéter d'augmenter le nombre total de couleurs dans la palette tout le temps. Maintenant que j' ai travaillé avec une entreprise de tissus, j' ai découvert qu'il est plus important de s'assurer que les couleurs ont suffisamment de contraste que de créer sûr que techniquement, vous n' utilisez qu'une certaine quantité de couleurs dans une collection, tant qu'il n'y a pas plus de 18 couleurs dans un motif, généralement, la sérigraphie le fabricant peut y parvenir. Les entreprises font souvent des changements de couleur mineurs de toute façon, et elles ont toujours travaillé avec moi pour s'assurer que les couleurs fonctionnent bien et qu'il n'y en a pas trop. Cela étant dit, je voulais juste vous rappeler encore une fois que limiter votre jeu de couleurs principal est une très bonne pratique, l' exception différents tons ou nuances. lorsque cela est nécessaire. J'espère que c'est logique. Je sais juste que c'est quelque chose que j'ai stressé pour moi-même. J'ai donc voulu en parler, espérons-le , pour alléger le stress des autres. 10. PI : Collection de colorways: Parlons maintenant des couleurs. Comme je l'ai déjà dit, j'ai toujours eu à cœur de devenir designer de tissus, j'ai toujours créé toutes mes collections de motifs et au moins deux coloris pour commencer. J'essaie toujours de finaliser mon premier coloris avant de passer au second. Mais parfois, je m'inspire d'une idée de couleur au milieu du processus de création d'une collection. Et j'atterris sur quelque chose que je finis par utiliser dans un second coloris. Donc c'est très bien. Mais il peut être très utile de bien cerner un coloris avant de passer à un autre. D'ailleurs, mes palettes de couleurs subissent souvent de nombreux changements tout au long du processus de création de collection. Et c'est tout à fait correct aussi. Parfois, vous pensez avoir un palais parfait pour commencer. Ensuite, au fur et à mesure que vous créez des modèles, il devient évident que vous devez apporter des modifications. L'entreprise de tissus avec laquelle je travaille propose trois coloris par collection. J'ai donc dû créer une troisième couleur pour eux avant de mettre mes fichiers Illustrator, j'étais vraiment excité à l' idée de le faire, mais je ne savais tout simplement pas vraiment ce que je faisais. C'est donc à cela que ressemblait à l'origine ma première collection de tissus Harmony. J'ai soumis à Riley des designs avec seulement cinq de ces motifs dans ce premier coloris. Parce qu'à l' époque, c'était ce demandaient leurs directives de soumission , seulement cinq modèles. Ensuite, ils ont également voulu imprimer cette ruche que je n'ai pas incluse dans la soumission des cinq modèles. Plus tard, ils m'ont demandé de faire un autre mixeur avec des abeilles. Voici donc un aperçu général des trois coloris que j' ai proposés pour les sept derniers motifs choisis. Je les ai rendus et j'ai dit au directeur du design que j'étais ouvert à 100 % aux changements de couleur qu'ils souhaitaient apporter. Ils m'ont répondu avec ça. Ils ont donc changé celui-ci. Celui-là, et celui-ci. Je pense que parce que j' avais plus de bleu dans mon ensemble de motifs d'origine, j'avais en tête que je devais garder ce bleu. J'y ai ressenti un attachement. Je suppose. Maintenant, je trouve fou que je n'aie même pas pensé à m'en débarrasser. Ce n'était pas une option pour moi maintenant parce que je n'étais pas disposé à le changer, mais parce que je n'y avais pas pensé. Heureusement, l'équipe créative de Riley Blake Designs reconnaît à juste titre qu'il s'agissait d'une couleur supplémentaire qui n'avait plus vraiment besoin d'être présente. Ils ont donc créé cette magnifique version vert sauge en utilisant un vert qui existait déjà dans la collection et qui limitait un peu plus le palais. J'adore cette version verte deux, donc je suis tellement contente qu'ils l'aient fait. Bref. Je pense que changer ces deux couleurs Honey et avoir plus de cette couleur ocre jaune foncé était également une excellente décision. Je crois qu'ils ont également changé le rose de ce B Blender d'un rose bébé à un rose plus pêche comme je l'ai fait ici. Encore une fois, limitez un peu plus les couleurs. Et puis avec cet imprimé en nid d'abeille, ils ont changé celui-ci en gris violet. Maintenant, avec un peu plus d'expérience, je me suis rendu compte que ces deux versions étaient bien trop similaires auparavant, ce qui les a fait qu' elles avaient le même objectif au sein de la collection. Donc s'ils étaient dans un magasin côte à côte, personne n'aurait besoin des deux, non ? C'est une bonne question à te poser. Lorsque vous créez un deuxième coloris, est-ce que les deux versions couleur d' même imprimé apportent quelque chose de différent à la collection ? Si un client ou un propriétaire de magasin se voyait proposer les deux options, voudrait-il acheter les deux ? S'ils sont trop similaires, est fort probable qu'ils n'en choisiraient qu'un seul. Vous voulez vous assurer que chaque impression est nécessaire d'une manière ou d'une autre. En donnant à celui-ci un fond de ton moyen, ces deux imprimés remplissent désormais automatiquement une mission différente au sein de la collection. L'équipe créative de Riley Blake Designs m'a aidée à finaliser la couleur des deux collections que j'ai avec elle jusqu'à présent, ce qui a été une expérience d'apprentissage vraiment formidable pour moi. C'est clair. J'aime partager cela parce que je trouve réconfortant de savoir que vos couleurs n'ont pas besoin d'être absolument parfaites pour obtenir une licence. Et que la plupart des entreprises, sinon toutes, travailleront avec vous pour finaliser les coloris. Je veux maintenant regarder de plus près ces deux coloris et expliquer pourquoi ils fonctionnent. N'oubliez pas que si vous allez créer plus d'un Calloway, c'est bien de vous en tenir à deux pour commencer, et de n'en créer qu'un troisième si une entreprise vous en demande un, je ne veux pas que vous en créiez un un travail supplémentaire pour vous-même. Dans Calloway 1, j' ai deux couleurs sombres, le violet et le marron, que j'ai utilisées tout au long de la collection. Chaque fois que j'ai besoin d'une touche de contraste très nette. J'ai des tons moyens et le rouge, orange, le gris et ces violets. Puis quelques teintes plus claires. J'ai environ quatre tons neutres dans les crèmes, les joues, et aussi le gris et le brun. Dans le deuxième coloris, je n'ai pratiquement utilisé que différentes nuances de vert foncé pour tous mes tons foncés. Donc, dans l'imprimé ruche, il y a en fait une ou deux autres nuances de vert que je n'ai pas retirées dans la palette de couleurs. Il y a moins de tons neutres dans ce Calloway, juste les couleurs gris, blush et crème. Mais ce n'est pas grave parce qu'ils font très bien le travail. Je pense qu'il y a aussi une couleur blanc cassé que je n'ai pas retirée dans la palette. C'est dans les oreilles des chers et dans le rayon de miel. Je ne le considère pas vraiment comme faisant partie de la palette de couleurs globale parce qu'il est juste là pour créer du contraste là où j'en ai besoin. Mais même avec cette couleur incluse, il n'y a toujours que 16 couleurs de cette façon. Les rectangles les plus longs sont les couleurs utilisées dans les deux coloris. C'est une bonne idée de porter plusieurs couleurs de votre premier coloris au second. Parce que cela aidera les deux coloris se sentir équilibrés et cohérents. En général, vous voulez que vos manières bicolores impression qu'elles se coordonnent bien, tout en étant différentes. C'est un peu comme un partenariat ou un mariage sain. Vous allez bien ensemble, mais vous êtes toujours deux individus distincts. Ma suggestion est de transférer une partie ou la totalité des neutres et également de faire en sorte que certaines des couleurs primaires du premier coloris soient des couleurs secondaires dans le second coloris, puis d'introduire de nouvelles couleurs tout à fait. Donc les couleurs vedettes du premier coloris, ou les violets et les pêches. Alors que les étoiles du deuxième coloris sont clairement les verts. Mais les tons neutres, dorés et pêches qui sont partagés permettent aux deux coloris de vraiment ressembler. Maintenant, je veux revenir sur mon troisième coloris. Parce que les trois premiers coloris ont essentiellement la même palette de couleurs avec peut-être une ou deux différences. Et puis certaines couleurs sont un peu plus mises en valeur dans l'une que dans l'autre. Cependant, je pense que ces deux coloris sont beaucoup plus similaires que ce qui est généralement conseillé. Je voulais en parler parce que je pense qu' il est important de signaler les exceptions aux règles. Vous ne voudriez généralement pas que vos couleurs soient aussi similaires, mais parfois c'est normal de le faire. Et même parfois, les collections complètes n' ont qu'un seul grand coloris. Cette jolie collection s'appelle Blue Gene et est signée Christopher Thompson. Présente du bleu dans presque toutes les nuances, car c'est une grande partie du thème lui-même. Ce que je vois souvent chez les nouveaux designers, c'est qu'ils utilisent la même couleur de fond dans de nombreux imprimés. Je me souviens d'un cas où quelqu'un qui utilisait la même couleur d'arrière-plan pour des motifs de deux couleurs, pour des champs comme un-à-plusieurs pour moi, en particulier pour ingérer des méthodes bicolores. Il n'y a qu'un seul exemple de la même couleur de fond utilisée pour les impressions 3D dans cette collection. Il s'agit d'une collection de trois coloris. Il y a donc plus de place pour cela. Mais même avec trois coloris, je n'inclurais pas quatre imprimés avec la même couleur de fond. Curieusement, il y a également trois arrière-plans identiques dans cette collection, les autres couleurs d'arrière-plan ne revendiquant qu'un ou deux motifs. Encore une fois, la couleur de fond la plus utilisée dans cette collection est également le violet. Je ne savais vraiment pas que j'étais aussi attiré par ce violet prune avant de faire autant d'œuvres d'art. Une dernière chose concernant la couleur que je souhaite partager est de savoir si vous concevez en pensant à un secteur d'activité spécifique. Et si cette industrie utilise la sérigraphie, vous voulez vous assurer que tous les éléments sont des motifs de la même couleur d' un coloris correspondent aux mêmes éléments de l'autre couleur. Lors de la sérigraphie, un écran est découpé pour chaque couleur distincte. Les faire correspondre permet donc d' utiliser les mêmes écrans entre les coloris. Ainsi, par exemple, les cœurs roses sur le tableau d' art a correspondent aux cœurs violets du tableau d'art B et aux cœurs blancs des plans de travail. Voir. Vous pouvez cependant réduire les couleurs d'un Calloway à l'autre. Ainsi, dans ce premier coloris, les cœurs sont multicolores, tandis que dans les deuxième et troisième coloris, les cœurs sont tous d'une seule couleur unie. Ils n'auraient pas besoin de découper un autre écran pour les deux autres coloris car ils peuvent toujours utiliser les mêmes écrans que ceux qui ont été découpés pour la version multicolore. 11. PI : Une note rapide sur les couleurs de pantone: Tout d'abord, si vous ne le savez pas, Pantone est un système de coloration global qui a été créé pour simplifier la coloration dans le monde entier. En 1962. ton panoramique définit la norme en matière gestion des couleurs grâce à un système de numérotation standardisé, qui permet aux artistes, aux entreprises et aux fabricants de communiquer plus facilement les couleurs entre eux. Il existe deux systèmes Pantone. Le système graphique a été créé pour l'impression et l'emballage, et le système de mode et de maison a été créé pour les textiles, vêtements et les articles ménagers. Je vois beaucoup de nouveaux designers s'inquiéter de savoir s' ils ont besoin d'acheter un fan deck couleur Pantone et, dans l'affirmative, lequel ? Ils sont chers. Vous voulez donc être sûr de choisir le bon. Eh bien, laissez-moi juste vous dire que vous n'avez pas à vous inquiéter à ce sujet jusqu'à ce qu' une entreprise vous demande de convertir votre illustration en couleurs Pantone. Si ladite entreprise est une entreprise de tissus, vous voudrez alors vous procurer le système de mode et de maison. Alors que si ladite entreprise est une société de cartes de vœux, vous voudrez alors obtenir le système graphique. Si vous n'êtes toujours pas sûr, demandez poliment et ils vous indiqueront quel fan deck vous devez commander. Tout cela dit, on ne m'a pas encore demandé de fournir les couleurs Pantone en accompagnement Je suis sous licence J'ai commandé le fan deck mode et maison dès que j'ai signé mon contrat de licence avec Riley aimé parce que je voulais pour des raisons personnelles et parce que c'est plutôt cool de pouvoir assortir les couleurs soi-même et de faire une partie du travail pour elles. Mais ils ne m'ont pas demandé de le faire. Alors ne t'inquiète pas pour ça. Si jamais vous en avez besoin, vous pouvez simplement le commander. 12. PII : Portefeuilles physiques ou numériques : Est-il nécessaire d'envoyer les deux ?: Si vous ne diffusez pas votre travail, vous ne donnez pas aux gens la possibilité de vous trouver et de vous trouver plus haut. Toi. Rappelez-vous comment j'ai décroché un contrat de licence de rêve en un an après avoir commencé à soumettre mon travail. Eh bien, j'ai réussi à le faire avec seulement cinq modèles configurés dans un PDF de 11 x 8,5 pouces. Pas de fioritures, pas d'image de couverture ou de table des matières, pas de portfolio imprimé physique envoyé. Juste un e-mail poli et concis me présentant avec des liens vers mon site web et Instagram et un PDF de cinq pages complètes de patrons. La directrice du design pour les designs de la jambe droite m'a dit qu' elle aimait beaucoup la mini collection que j'ai soumise, ainsi que certains modèles d' une autre collection que j' avais sur le site. Ils ont donc certainement jeté un coup d'œil à mon site Web, engageant probablement mon ensemble de travail. Mais ce que je veux que vous retiriez de cela, c'est qu'ils étaient assez amoureux des cinq modèles que j'ai partagés avec eux au départ pour examiner le reste de mon travail. C'est donc un bon passage à la première chose dont je veux parler en ce qui concerne les portfolios de design de surface. C'est la question des portefeuilles physiques ou numériques et savoir s'il vaut la peine d'envoyer les deux. Je suis quelque part au milieu de tout ça. Je ne pense pas qu'il y ait de bonne ou de mauvaise réponse ici. Lorsque j'ai commencé à présenter des présentations aux entreprises en 2019, j'ai envoyé un portfolio numérique et un portfolio physique dans la mesure du possible, sauf si cela est spécifié dans leurs directives de soumission pour envoyer uniquement un copie numérique. Comme je l'ai déjà mentionné, j'ai passé pas mal de temps à concevoir et constituer mon portfolio de design de surface. J'ai imprimé deux versions. Le premier dans ce format archer, afin que je puisse créer cette belle version fantaisie faite à la main avec du tissu imprimé à partir de Spoonflower et mon logo brodé. La deuxième version dans un format magazine plus standard, que j'ai commandé auprès des livres Blurb. J'en ai commandé environ 25. Je pense qu'ils ont rapporté environ sept ou huit dollars par livre. Je les ai imprimés spécifiquement pouvoir les donner aux entreprises. Je t'ai lancé un pitch et je ne me sens pas si précieuse de ne plus jamais les revoir. Sur le blurb. Vous pouvez faire imprimer des livres ou des magazines commerciaux pour environ trois à 5$ pour, je crois, 24 pages. Je pense que si je devais reprendre cette voie, je m'assurerais que mon portfolio ne comporte que 24 pages ou quel que soit le nombre maximum de pages afin qu'il y ait un peu plus abordable ensuite heure. Donc, premier conseil, si vous envisagez d'imprimer un portfolio physique, examinez les dimensions et prix des différents formats et tailles avant de commencer à concevoir votre portfolio numérique. De cette façon, vous pouvez le concevoir dans le format spécifique que vous avez choisi. Et vous n'aurez pas à le reformater pour l'imprimer. J'ai accidentellement formaté l'un des miens dans la mauvaise taille de page, donc j'ai perdu beaucoup de temps à le reformater. J'étais déjà en train de le concevoir en deux tailles parce que je voulais que ma version reliée soit dans un format différent de celui de la version magazine. J'ai donc dû le formater trois tailles au lieu des deux que j'avais prévues. suffit donc de vous préparer avec le ou les bons formats lorsque vous créez votre portfolio. livres Blurb sont géniaux au fait. J'étais vraiment content la qualité et vous ne pouvez pas battre leur prix. J'ai inclus un PDF avec toutes les recommandations indépendantes de mon portfolio que vous pouvez télécharger sous l'onglet Projets et ressources. Si vous vous demandez quel programme utiliser pour créer un portfolio, vous pouvez créer le portfolio dans Illustrator si vous n'êtes pas familier avec InDesign. Mais je ne le recommanderais pas nécessairement car j'ai créé mon propre Illustrator. Et même en utilisant un ordinateur avec 32 Go de RAM, mon portfolio Illustrator est devenu super énorme et a commencé à prendre du retard et à devenir vraiment difficile à travailler. Si vous utilisez Illustrator, je vous suggère de créer quelques pages dans des documents séparés, plutôt que d'avoir 20 à 30 tableaux dans un seul document avec un ensemble de motifs appliqués dessus. C'est un moyen rapide de créer un document trop volumineux avec lequel il est difficile de travailler. Ainsi, 123 ou quatre pages par document sont beaucoup plus faciles à gérer. À partir de là, vous pouvez les exporter PDF ou JPEG et les combiner en un seul PDF à l'aide de l'application d'aperçu sur un Mac ou en utilisant Photoshop ou Adobe Acrobat. J'ai créé mon portfolio original pour avoir quelque chose de vraiment beau à emporter avec moi salons professionnels et à montrer à des collaborateurs potentiels. Je l'ai utilisé pour satisfaire le marché en 2019 et je l'ai montré à 6%. Donc les entreprises, et cela m' a vraiment bien servi. J'ai également donné six ou sept de mes portfolios au format magazine aux mêmes entreprises et j'ai envoyé le reste à différentes entreprises et industries tout au long de l'année 2019. Je ne regrette rien de tout cela. Cependant, j'avais décidé qu'à l'avenir, je compterais principalement sur mon portfolio numérique. J'ai consacré beaucoup d'argent et de temps l'impression et à l' envoi de mes portfolios. Et le seul contrat de licence que j'ai pu obtenir à ce moment-là était une simple soumission numérique et un lien vers mon site Web. J'ai décidé que je préférerais économiser de l'argent et consacrer plus de temps à la création qu'à l'envoi de portfolios physiques. D'après mon expérience, vous êtes tout aussi susceptible de saisir des opportunités par le biais de soumissions numériques que par l'envoi de portfolios physiques. C'est ça. J'aime avoir un portfolio physique juste pour moi et aussi pour montrer aux gens que si je vais à d'autres salons à l'avenir, je prévois de faire imprimer des portfolios mis à jour à partir d'une société appelée Soulèvement des artefacts ou encore des livres flous. Mais je ne prévois d' imprimer qu' un seul très bel exemplaire un seul très bel exemplaire à la fois que je ne donnerai pas. Il est également possible d'utiliser simplement un classeur à trois anneaux avec vos motifs et illustrations présentés proprement et magnifiquement à l'intérieur. C'est vraiment une excellente option. Je sais que cela a fonctionné à merveille pour de nombreuses personnes. Un autre avantage de cela est que vous pouvez facilement sortir d'anciennes œuvres d'art et en mettre une nouvelle, ou organiser votre portfolio en fonction de la personne que vous rencontrez, votre lecture avec un société de papier peint, par exemple, vous pouvez choisir de n'inclure que les œuvres d'art qui, selon vous, conviendraient bien à l'industrie du papier peint. Si vous voulez essayer des copies physiques moins chères de Dean et les envoyer à des entreprises, si cela vous enthousiasme, alors allez-y. Je sais que cela a fait des merveilles pour beaucoup de gens, mais sachez simplement que vous n'êtes pas obligé de le faire pour réussir. 13. IPI : Que devriez-vous inclure dans votre portefeuille ?: Je vois que beaucoup de personnes ont du mal à savoir ce que vous devriez inclure dans votre portfolio de patrons. Est-il acceptable d'inclure des modèles autonomes et des mini-collections ? Ou devriez-vous attendre d'avoir deux ou trois collections complètes avant de commencer à soumettre votre demande ? Devriez-vous avoir au moins 100 modèles avant de commencer à les soumettre ? La réponse courte est qu' il est plus que correct d' inclure de nombreuses collections comme des modèles autonomes. Si vous les aimez, elles correspondent à votre style et vous aimeriez les voir sous licence. C'est aussi simple que cela. Vous n'avez pas besoin de 100 modèles. Mon portfolio n'en compte qu'une trentaine, et je pense que celui de mon site Web en compte encore moins de 50. Souvenez-vous, j'ai décroché un contrat de licence avec une mini collection de seulement cinq modèles. Je pense que tant que vous avez, disons dix à 15 pièces de portefeuille solides qui vous font vraiment du bien. Vous en avez assez pour commencer à vous adresser aux entreprises. Si vous travaillez dans des mini-collections, ce format de présentation d' un imprimé de héros avec une ou deux coordonnées est un moyen populaire de mettre en valeur. Ne l'êtes pas. De nombreux artistes emballent leurs œuvres d'art de surface de cette façon vers un grand succès. Cela dépend de l' industrie, bien sûr, mais de nombreuses entreprises n' achètent souvent qu' un ou deux modèles à la fois de toute façon. Encore une fois, non, si vous aimez travailler dans des collections complètes, allez-y. n'y a rien de mal à cela. Bien sûr. Ce n'est tout simplement pas absolument nécessaire. Je souhaite partager un conseil extrêmement utile que Bonnie Christine m'a appris. Et c'est pour n'inclure que le travail que vous voudriez acheter, ou du moins être tenté d'acheter si vous l'avez vu dans un magasin. Cela vaut aussi bien pour les collections que pour les portfolios. Est-ce que je l'achèterais ou est-ce que je me sens bien à ce sujet ? Ce sont toujours de bonnes questions à se poser. Si la réponse est non, vous devriez soit supprimer ce schéma dont vous n'êtes pas sûr soit travailler pour le transformer en un oui. J'ai attendu pour commencer à présenter aux entreprises tous les modèles de mon portefeuille ou oui pour moi. J'ai donc attendu de me sentir en confiance dans mon travail de patron. Même s'il m'a fallu beaucoup de temps pour y arriver, je suis content d'avoir attendu car cela m'a fait recevoir tous les inévitables rejets que j'ai reçus et que vous recevrez une fois que vous aurez commencé à mettre votre travail. n'y a aucun moyen de contourner cela. Cela m'a beaucoup facilité la gestion de ces refus. Je pense que j'ai pu reconnaître que ce n'était pas une question de qualité de travail. Tant qu'il s'agissait de timing, de goût ou d'accompagnement, ne pas chercher de travail dans mon style ou d'un certain nombre de choses qui n'ont rien à voir avec ma valeur et mes capacités en tant qu'artiste et designer. Si vous aimez ce que vous créez, c'est la chose la plus importante. Si j'avais accéléré le processus et commencé à envoyer mon portfolio auparavant, je me sentais vraiment bien dans mon travail. Je pense que j' aurais dû faire face à beaucoup plus de doutes concernant mes compétences en tant que designer. Bien sûr, je ressens encore du doute et de l'insécurité parfois, car c'est tout à fait naturel pour nous, artistes, de ressentir cela. J'ai toujours souffert du syndrome de l'imposteur. Je demande toujours des commentaires à ma communauté créative, à ma famille et à mes amis. J'ai encore souvent besoin de cette validation de la part des autres. Mais malgré ces doutes, je savais finalement que mon œuvre était belle et j'avais juste besoin de trouver les bonnes personnes qui s'y connecteraient et reconnaîtraient son potentiel. Je savais que je devais être patient et continuer à persévérer. Et finalement, le moment serait venu pour moi. J'avais raison. Je ne pourrais pas être plus heureuse de la tournure des choses pour moi chez un designer de tissus, pour l'un de mes meilleurs choix d'entreprise de tissus. Et qui sait si cela serait arrivé si je n'avais pas attendu ? Mes seuls regrets et j'hésite même à appeler cela un regret parce que c'est un mot trop fort. Mais je crois que j'aurais pu prendre plus d' élan un peu plus rapidement si j'avais commencé soumettre dès que je me sentais bien dans mon travail et que je n'avais pas attendu d'avoir un portfolio impeccable avec tous les fioritures sophistiquées qui me semblaient si importantes à l'époque. Le directeur du design de Riley Blake Designs m'a dit qu'ils étaient intéressés par certains des imprimés une autre collection que j'avais sur mon site web, ce qui était tellement passionnant. Je voulais partager, car cette collection a subi plusieurs modifications avant d'être finalisée. Ils m'ont demandé de changer l'impression principale de ceci à ceci. Ils n'étaient pas sûrs des empreintes de ce héros. Je l'ai donc changé de ceci à ceci, pour le transformer d'une bande à un motif beaucoup plus dynamique. Et heureusement, après cela, ils ont décidé qu'ils voulaient vraiment l'imprimer. Ils étaient intéressés par l'impression de certains des mélangeurs que j' avais déjà fabriqués m'en ont demandé un de plus. J'ai donc fabriqué ce mixeur. Ce que je veux dire, c'est que les directeurs artistiques travaillent souvent avec vous pour finaliser une collection. Donc, si vous vous sentez intimidé par les belles parfaites collections que vous voyez, sachez simplement que beaucoup d'entre elles sont grandement améliorées grâce à la collaboration. Et les artistes nous ont souvent aidés. Donc, que vous souhaitiez attendre d'avoir trois collections ou que vous prépariez un portfolio rempli de magnifiques mini-collections et de modèles autonomes. Je pense que le facteur le plus important est que vous vous sentiez bien dans votre travail et que vous avez l'impression qu'il vous représente vraiment en tant qu'artiste. 14. PII : Une note rapide sur les tendances: Je ne suis en aucun cas un expert en tendances. Je ne vais pas en parler en profondeur. Mais mon sentiment sur les tendances est que je ne créerai deux tendances si c'est quelque chose que j' déjà envie d'illustrer, je ne m' en préoccupe pas trop ai déjà envie d'illustrer, je ne m' en préoccupe pas trop pour être honnête. Par exemple, je ne m'inquiète pas de créer la couleur Pantone de l'année, sauf si c'est une couleur qui m'attire déjà. Donc, une fois que le ton panoramique annonce la ou les couleurs, parfois, s'il s'agit d'une couleur déjà présente dans mon travail, je peux essayer de la mettre en avant un peu plus sur Instagram ou sur mon site web. Mais sinon, je ne m' inquiète pas trop. S'il y a un thème tendance qui me parle vraiment , je vais le concevoir. Mais je l' aurais probablement déjà conçu à un moment donné de toute façon. Si une entreprise m'a demandé de créer quelque chose à tendance ou demande Si j'ai un travail préexistant qui est à deux tendances, alors bien sûr, je leur indiquerai ce travail ou ce travail pour créer quelque chose pour eux si cela m'inspire. Mais ma philosophie générale sur les tendances est plutôt détendue. Cela me stresse trop pour y penser. Je préfère donc simplement protéger ma santé mentale et créer ce que je veux créer. Il est également très difficile d' être au top des tendances, surtout quand on est débutant et qu' on essaie de mettre le pied dans la porte, pour ainsi dire. Parce qu'il faut tellement de temps pour que les produits soient imprimés et qu'ils soient réellement mis en rayon. Il est difficile de mettre votre travail sur ces étagères assez rapidement, sauf si vous avez déjà une relation préexistante avec une société de licence. Et même dans ce cas, cela dépend l'industrie et de la rapidité avec laquelle le produit peut être imprimé. Il existe également une tonne de tendances persistantes. En d'autres termes, semble dans des motifs qui seront presque toujours populaires. Juste dans ma tête, c'est Noël et Halloween. Anniversaires. Les chats, les chiens, les hiboux, les fleurs, bien sûr. Succulentes et cactus, plantes Gangnam, pois, champignons tropicaux, fils, lunes et étoiles , etc. Ce sont donc des thèmes que nous vendrons toujours. Les gens n' arrêteront jamais de vouloir des fleurs. Un conseil que j'ai est que si jamais vous vous sentez coincé et que vous pouvez probablement trouver des listes de tendances de design à feuilles persistantes en ligne assez facilement avec quelques recherches sur Google. Ensuite, vous pouvez choisir dans la liste pour vous aider à trouver votre prochain thème de design. Et elle serait automatiquement à la mode. Il existe de nombreux designers qui ont une perception différente des tendances et qui ont connu beaucoup de succès en les suivant de plus près. Mais je ne suis pas l'un d'entre eux. Donc je ne peux vraiment pas en parler. Si vous êtes curieux d' en savoir plus, je vous encourage à faire une recherche ici sur Skillshare, car je suis sûr que de nombreux professeurs peuvent vous donner des conseils plus expérimentés sur les tendances. 15. PII : Comment avez-vous noté votre travail ?: Une fois que vous êtes prêt à le montrer, comment faites-vous pour que votre travail soit remarqué ? Je vais lire quelques paragraphes de l'interview de Leila Rogers et numéro 49 de Uppercase Magazine, dans lequel Little donne ses conseils sur façon d'obtenir du travail dans la conception de surface. Citation, une fois que vous avez un tas d'images fabuleuses, affichez-les sur votre site, publiez-les sur Instagram et Pinterest, et commencez à contacter des entreprises. Vous pouvez trouver des entreprises en retournant les produits que vous possédez déjà ou en trouvant les noms des fabricants. Visitez vos boutiques préférées et notez les noms des fabricants des produits que vous aimez. Ensuite, recherchez à qui envoyer votre œuvre en vous rendant sur son site Web. Certaines entreprises ont des politiques de soumission sur leurs sites Web. Ou en appelant l' entreprise, dites simplement «  Bonjour, je suis un artiste, un illustrateur ou un designer, c'est votre choix. Et j'adorerais envoyer mon travail au directeur artistique ou à quiconque octroie une licence pour de nouvelles œuvres d'art. Voici la formule magique. Ajoutez toutes ces personnes à votre liste de diffusion. Continuez à créer des œuvres inspirées plus magnifiques et continuez à envoyer votre travail. Ce n'est pas une chose instantanée. Cela demande du temps et de l'engagement. Mais si vous voulez vraiment que cela se produise et que vous suivez le processus ci-dessus, nous y arriverons. Vous aurez une carrière brillante et une citation, je pense que cela résume merveilleusement et succinctement ce processus en cours. Le fait est que vous devez y mettre le travail, mais cela ne doit pas nécessairement se faire en une seule fois. N'oubliez pas que si vous vous sentez dépassé, divisez vos recherches en blocs plus petits et plus faciles à gérer. Faites de votre mieux pour ne pas vous enliser dans le tableau d'ensemble et faites simplement un petit pas à la fois. Il peut être effrayant de partager votre travail en ligne pour plusieurs raisons. Peut-être que vous avez peur de ce qu' un directeur artistique ou même un inconnu sur Internet peut dire. Vous craignez peut-être que votre œuvre soit copiée. Je pense que ce sont tous des sentiments auxquels la plupart des gens peuvent s'identifier. Et c'est normal de les sentir. Mais tu ne veux pas te laisser dominer par cette peur. Si vous ne partagez pas votre travail avec le monde entier, comment allez-vous le présenter aux yeux des personnes qui ont besoin de le voir ? J'ai des amis qui ont été contactés par des entreprises de rêve uniquement via leurs Instagram. Cela ne signifie pas nécessairement que vous devez donner la priorité aux réseaux sociaux plutôt qu'à vos œuvres d'art. Certainement pas, mais je l' utilise et je partage mon travail assez régulièrement. Alors prends-le-moi. Les risques liés au partage de votre travail valent la peine, les récompenses. Cela demande du travail, du temps et du courage, mais avec suffisamment de patience et de persévérance cultivées, vous y arriverez. 16. IVP : Présentation du portefeuille: Donc, comme vous l'avez sûrement compris, je pense que la plupart des règles sont beaucoup plus flexibles que ce que nous avons tendance à supposer qu'il existe nombreuses manières différentes de réussir en tant que concepteur de surface. Il existe cependant un ensemble de directives qui, à mon avis, devraient toujours être suivies. Il s'agit des meilleures pratiques sur la façon présenter des modèles au sein d'un portfolio, que ce soit sur votre site Web, dans un PDF numérique ou dans un portfolio imprimé. abord, n'incluez pas de barrette ou de bordure autour de vos carrés ou rectangles. Cela peut détourner l'attention du modèle ou parfois embrouiller les spectateurs. Est-ce que cela fait partie du modèle lui-même ou non ? Présenter vos motifs sur un fond blanc épuré sans bordure leur permet d'être les stars de la page. Et c'est ce que tu veux. Vous voulez que vos modèles et les maquettes que vous pouvez inclure avec vos modèles appliqués se démarquent d'eux-mêmes. Si vous incluez un logo de collection, assurez-vous que la police ou les textes du logo sont l'étoile du logo et que les motifs utilisés, le cas échéant, soutiennent le texte et non l' autre tout autour. Si vous incluez plusieurs coloris d'une collection dans votre portefeuille, assurez-vous que l'échelle et le positionnement de chaque motif sont cohérents entre les coloris. Vous voulez qu'il soit facile pour les directeurs artistiques de trouver le motif sœur dans le deuxième coloris. Quand il s'agit de présenter vos modèles sur un site Web, vous avez un peu plus de liberté car vous n'êtes pas limité par la taille et le format d'un PDF numérique ou d'un portfolio physique. Cela dit, toutes les directives dont je viens de parler s'appliquent toujours. Il s'agit de ma page portfolio et c'est ainsi que je leur fais afficher mon travail de design de surface depuis 2018, date à laquelle j'ai créé mon site Web Squarespace pour la première fois. J'ai une bannière rotative en haut. Et là, le fond est blanc. Il n'y a aucune bordure autour des motifs et chaque motif dupliqué et un autre coloris sont définis à la même échelle. Je dois en fait faire une mise à jour parce qu'il y a des modèles plus anciens que je veux supprimer et d'autres que je veux mettre en place. Ensuite, je peux les organiser par collection ou par thème. Je n'ai pas encore décidé. Cela dit, il n'y a rien de mal à présenter vos modèles comme ça, je veux juste changer. Mais ce style de présentation de patron est celui que j'utilise depuis 2018. Et quelques directeurs artistiques sont venus sur mon site Web et ont choisi d'autres modèles pour obtenir une licence sur cette page. Vous pouvez utiliser ce format si vous l'aimez. Mais si ce n'est pas le cas, je vous suggère de consulter les sites Web des modélistes que vous admirez et voir comment ils affichent leur travail de patron. Il peut être très difficile de créer un site Web de portfolio. est donc extrêmement utile d'obtenir des idées d'autres artistes. J'ai moi-même été inspiré par les sites Web de plusieurs artistes différents que je regarde. Essentiellement, lorsqu'il s'agit de présentation de portfolio, souvent moins c'est mieux. 17. PII : Une note rapide sur les sites d'impression à la demande (POD): Encore une fois, je ne suis nullement un expert dans la vente d' œuvres d'art sur demande ou sur des sites d'impression à la demande. Mais j'ai une certaine expérience et je voulais en parler brièvement. J'obtiens des ventes mensuelles sur Society Six, alors que mes ventes de Spoonflower et d' arts case sont plus rares. Et c'est parce que j'investis le plus de temps dans mon magasin Society Six. Cela dit, ce n'est toujours pas très lucratif pour moi, surtout pour le temps que je passe à télécharger des œuvres d'art. Je ne le mets pas à jour régulièrement parce que je préfère créer et soumettre mon portfolio en priorité créer et soumettre mon portfolio aux entreprises auprès desquelles je souhaite obtenir une licence. Certains artistes réussissent très bien sur les sites POD, mais cela demande beaucoup d'efforts, de temps et de marketing personnel. D'une manière générale, les acheteurs sur les sites POD sont des particuliers. J'ai entendu parler d'entreprises et revendeurs trouvant des artistes Society Six et les contactant par e-mail pour leur demander de travailler avec eux. Les sites POD ne sont donc pas une mauvaise option pour faire voir votre travail. Mais gardez à l'esprit qu'il y a des milliers d'artistes sur les sites POD. Il peut donc être difficile de se démarquer dans la foule. Cela n'a pas pour but de vous décourager d' implémenter des sites POD dans votre entreprise. Je ne regrette pas le travail que j'ai fait dans Society Six et Arts Case. Mais juste pour vous informer des réalités de ce processus, une partie de ce qui est génial avec les licences, même si vous avez souvent un pourcentage de redevance inférieur vous avez sur les sites POD, c'est que l'entreprise est sous licence, effectue également la majorité du marketing pour vous. Ils ont généralement un public beaucoup plus large. Et ils ne vendent que les œuvres d'art de 40 à 100 artistes, par exemple , contre des milliers sur Society Six, par exemple. 18. Quelques mots d'encouragement: Fabriquez des choses parce que vous le voulez, pas parce que vous le devez. Bonnie Christine, que je parle de design de personnage, caricature, d'aquarelle ou de motifs. J'aime rappeler gentiment à mes étudiants mes connaissances créatives et à mes amis de se rappeler pourquoi vous faites cela en premier lieu. C'est parce que nous aimons l'art, non ? Nous adorons faire de l'art. Nous adorons être créatifs. Nous voulons améliorer nos compétences créatives. Non seulement parce que nous voulons gagner notre vie, mais parce que la créativité est gratifiante en soi, en toute honnêteté, j'aurais aimé qu'elle n'ait pas à gagner sa vie. Mais malheureusement, nous sommes pris au piège d'un système qui nous oblige à gagner l'argent pour prendre soin de nous. Mais je n'expliquerai pas plus en détail je ressens là-dessus, ne vous inquiétez pas. Le fait est que parfois nous nous enlisons tellement dans toute l'anxiété qui entoure la créativité. Nous sommes tellement distraits par le stress et le souci de si nous sommes assez bons pour réussir, qu'est-ce que le succès pour nous ? Ce projet ne tourne pas comme je le vois dans ma tête, et cetera. Nous sommes tellement distraits par tous ces aspects négatifs que nous oublions le vrai. Pourquoi. Pourquoi sommes-nous ici ? Pourquoi suivons-nous cette voie alors qu'elle peut se sentir si difficile et vulnérable parfois, ou souvent ? Oui, la réponse peut également être que nous voulons une carrière plus épanouissante ou que nous voulons travailler à domicile. Mais le véritable cœur de tout cela, la raison pour laquelle nous sommes ici est parce que nous aimons faire de l'art, n'est-ce pas ? Et tout le reste en découle. Essayez de ne pas perdre de vue le fait que vous aimez être créatif. Il peut être très difficile de rester motivé tout au long d'un projet stressant ou décevant. Parfois, quand je suis au milieu d'un de ces projets, je prends du recul et je dis : « D'accord, Melissa, souviens-toi que tu aimes vraiment que l'art se calme et prenne une profonde inspiration. Cela ne fait pas disparaître complètement l'anxiété ou l' inquiétude, mais cela aide à la terre. Et ça me rappelle que je peux m'en sortir. Et qu'il y a toujours un milieu désordonné dans chaque œuvre d'art ou chaque projet que nous réalisons. De plus, si quelque chose ne se passe pas comme vous le souhaitez, ce n'est pas la fin du monde. Passez au projet suivant et réessayez. Le soutien est énorme. C'est pourquoi la communauté est si importante pour moi. Comme je l'ai déjà dit, j'ai des périodes de doute sur moi-même et j'ai lutté contre le syndrome de l' imposteur. Et l'une des choses qui m' a le plus aidée à surmonter ces sentiments est l'amour, soutien, les commentaires et les encouragements que je reçois de ma communauté créative et/ou de mes proches. Mais surtout, j'ai atteint un point que je pense que vous serez tous en mesure d'atteindre également. C'est-à-dire qu'en fin de compte, je crois en moi et au pouvoir de la prophétie auto-réalisatrice. Si je dis que cela va se produire et que j' y consacre des efforts et du temps, je vais y arriver. C'est une attitude. Il m'a fallu des années pour le cultiver et l'embrasser. Et parfois c'est encore très dur de le faire, mais depuis que j'ai commencé à l'accepter, des choses ont commencé à se produire pour moi. Tu y arriveras aussi. Permets-toi d'échouer avant de réussir est mon slogan de carrière, qu'as-tu ? Parce que je pense qu'il est très important de se rappeler que vous échouerez dans votre cheminement vers le succès et que, ce n'est pas grave, et que vous n'êtes jamais seul dans cette lutte. Tu te souviens des quatre P ? Pratique, persévérance, patience et persévérance. Tenez compte des hauts et des bas de vos humeurs, de vos doutes et de votre confiance, et soyez gentil avec vous-même face à ces sentiments naturels. Mais tant que vous maintenez toujours ces quatre P, vous trouverez le succès. 19. Partie 1 Montage final: Je sais que je t'ai donné pas mal de matière à réflexion. Donc, si vous vous sentez dépassé par toutes ces informations, tout d' abord, c'est tout à fait compréhensible. C'est beaucoup à assimiler. Mais j'espère que vous pouvez retenir de ces leçons, c'est qu'il n'est pas nécessaire d'être un professionnel parfait qui sait ce qu'il fait à chaque étape pour réussir. C'est normal de poser des questions. C'est normal de demander de l'aide. Ce n'est pas grave si vos couleurs ne sont pas absolument parfaites. Vous n'avez pas besoin d'internaliser et de mémoriser toutes ces informations Premièrement, parce que vous pouvez télécharger le PDS que j'ai créé pour ce cours Et deuxièmement, parce que l'apprentissage fait partie du processus. Même ou surtout lorsque l' on devient professionnel. m'a appris tellement de choses expérience pratique m'a appris tellement de choses dont je n'étais pas au courant avant d'obtenir mon premier contrat de licence. Plus vous pratiquez et plus vous travaillez, plus vous intériorisez ces connaissances et vous commencez vraiment à développer un sixième sens et une intuition pour tout ce que j'enseigne Essayez donc de procéder étape par étape. concentrer sur chaque petit pas plutôt que sur le tableau d' ensemble est la chose la plus importante qui m'a aidée à ne pas me sentir totalement dépassée tout le temps. Maintenant, avant d'entrer dans les détails du projet, je voulais vous faire savoir que ce cours est désormais une série en deux parties. Cela fait plus de trois ans que j'ai suivi ce cours, et j'ai beaucoup appris au cours de cette période. J'ai concédé des licences pour d'autres collections. J'ai travaillé avec de plus en plus de clients et j'ai eu d'innombrables conversations avec des étudiants et d'autres artistes sur ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas et les questions qui se posent sans cesse. J'ai donc créé P two pour partager toutes ces informations et leçons mises à jour. Le projet de classe est le même dans la deuxième partie. Donc, si vous prévoyez de suivre les deux cours et que vous devriez vraiment le faire, n'hésitez pas à ignorer le projet pour celui-ci et le reste de cette vidéo et à le terminer dans la deuxième partie. trouverez un lien vers la deuxième partie dans une note épinglée à cette vidéo sur la page À propos de ce cours et la page Projets et ressources. Je t'y verrai. Pour votre projet de classe. Tout ce que j'aimerais que vous fassiez, c'est partager une capture d'écran de votre œuvre actuelle ou un lien vers portfolio de votre site Web, Instagram ou Pinterest. J'aimerais également que vous partagiez ce que seront vos prochaines activités. Si vous n' avez pas encore d'œuvre que vous aimeriez partager, c'est bon. N'hésitez pas à simplement saisir une phrase ou deux concernant les prochaines étapes. Et n'oubliez pas que ces étapes peuvent être aussi simples que d' envoyer un e-mail, rechercher une entreprise ou de dessiner pendant 5 minutes. Concentrez-vous sur les tâches les plus petites et les plus faciles qui vous mèneront éventuellement à des objectifs plus ambitieux. Si vous aimez ce cours, veuillez me laisser un commentaire. Et si vous voulez rester au courant de ce que je publie ici, n'oubliez pas de cliquer sur le bouton suivre. Vous pouvez également me suivre sur Melissa Lee Design sur Instagram ou vous inscrire à ma newsletter sur mon site Web. Merci beaucoup de m' avoir rejoint. J'espère que vous avez trouvé ce cours inspirant et encourageant. Je vous souhaite bonne chance et j'ai hâte de voir où vous mènera votre carrière.