Transcription
1. Introduction: Bonjour. Je suis Melissa Lee, illustratrice professionnelle, designer de
surfaces et designer de tissus agréée. En juillet 2022,
j'ai publié la première partie de collections de modèles
et de portfolios,
Does Don't and Myths,
et c'est l'un de mes cours les plus populaires
ici sur Skillshare Dans ce cours, je me suis concentré sur
les principes fondamentaux de la création de collections de
motifs et de la création d'un portefeuille de design de surface. Des éléments tels que la taille de la collection, la complexité, les palettes de couleurs et la manière de présenter votre
travail de manière professionnelle. Eh bien, cela fait plus de trois
ans que j'ai suivi ce cours, et j'ai
beaucoup appris pendant ce temps. J'ai concédé des licences pour d'autres collections. J'ai travaillé avec de plus en plus de clients et j'ai eu d'innombrables
conversations avec des étudiants et d'autres artistes
sur ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas et les
questions qui se posent sans cesse. J'ai donc décidé qu'il était
temps de créer la deuxième partie. Dans ce cours, je couvre tout ce que je n'ai
pas abordé dans la première partie, ainsi que des informations actualisées basées sur mon expérience
depuis lors. Nous parlerons de la définition attentes
réalistes en matière de licences, des différents types
de contrats de licence, savoir si vous avez vraiment besoin de
travailler dans le domaine des vecteurs, de la
manière de gérer votre portefeuille auprès sociétés
spécifiques,
et bien plus encore Si vous n'avez pas suivi la première partie, je recommande
vivement de commencer par là, car ces deux cours
fonctionnent vraiment main dans la main pour vous donner une image complète de la
création d' un portfolio de design de
surface réussi. Mais si vous
venez de la première
partie , plongeons-nous directement dans le vif du sujet.
2. Définir des attentes réalistes en matière de licences: Je voulais partager quelques
faits
moins connus en matière de licences afin que vous puissiez définir des
attentes réalistes dès le départ. Une chose que beaucoup de gens
ignorent , c'est qu'en réalité, seul un faible pourcentage de
vos œuvres d'art sera licencié. En moyenne, environ 10 à 40 % de vos œuvres
seront vendues sous licence ou seront vendues. Cela ne reflète votre talent ni la
qualité de votre travail. C'est simplement une réalité
de l'industrie. Chaque client a des besoins
différents et ce qui ne convient pas à l'un
peut être parfait pour un autre De plus, vous pouvez toujours vendre ces
modèles non autorisés par impression la demande ou sur vos propres produits
fabriqués Les modèles que vous licenciez ou vendez ne peuvent jamais être réellement utilisés. Même lorsqu'un client achète une licence
ou achète votre œuvre d'art, il n'est pas toujours garanti qu'elle figurera sur
ses produits. Les entreprises collectionnent souvent plus d'œuvres d'art
qu'elles n'en utilisent car elles créent
une collection parmi laquelle
choisir au fur et à mesure que leurs
gammes de produits se développent. Cela dit, vous devriez
toujours être payé qu'ils
utilisent ou non votre œuvre d'art. C'est une question que beaucoup de
gens semblent ignorer. Il existe donc deux types de licences : les licences à redevances
et les licences à tarif fixe Les licences de redevances sont
celles que nous connaissons le mieux. Une entreprise autorise l'utilisation de votre œuvre d'art pour son
ou ses produits, et vous recevrez un
pourcentage des ventes. Ces paiements de redevances
vous sont versés à intervalles réguliers, généralement tous les trimestres pendant la
durée du contrat La licence forfaitaire,
en revanche,
se produit lorsqu'une entreprise octroie une licence l'utilisation de votre œuvre d'art pour une période
donnée et que vous recevez un
montant forfaitaire unique à l'avance Plus vous leur
accordez de liberté ou
des droits d'utilisation plus étendus,
plus vous devriez leur facturer des frais élevés. Vous conservez les droits d'auteur
de l'œuvre d'art,
vous pouvez donc éventuellement la
concéder sous licence ailleurs. L'un des avantages des
licences forfaitaires est que vous êtes payé beaucoup
plus rapidement qu'avec une licence de redevance Mais les licences de redevances vous offrent les meilleures chances
d'être payé le plus Il y a donc des avantages
et des inconvénients dans les deux, et cela dépend. Enfin, un rachat
se produit lorsque vous vendez votre œuvre d'art et ses droits d'auteur
directement à une entreprise, ce qui signifie que vous n'
avez plus aucun droit sur l'œuvre Les byots devraient avoir
le prix le plus élevé car vous renoncez complètement à
vos droits. N'oubliez pas que ce choix de carrière est un sport d'endurance et
non un sprint. Cela peut être tellement
décourageant de lancer et de lancer et d'avoir l'
impression de ne mener nulle part Vous avez l'impression de sprinter pour
faire bouger les choses et vous vous attendez à
cette récompense à
la fin du sprint, mais vous
ne l'obtenez pas toujours. En fait, il est beaucoup
plus probable les gens aient tendance à
abandonner ou à perdre la course,
si vous voulez, c'est lorsque
leur endurance est épuisée et qu'ils ne peuvent pas ou ne peuvent pas
continuer la course. Lorsque vous sprintez trop fort,
vous devez vous rappeler ralentir et de vous donner de
l'espace pour ressentir vos sentiments, prendre soin de vous et vous ressourcer afin de pouvoir
continuer le marathon Debby Lightman, créatrice de Mindfulnice a dit quelque chose qui m'a
vraiment marqué En fait, elle a dit beaucoup de choses
qui m'ont marqué, mais l'exemple que je
voulais partager ici est qu'elle a dit : « Le
repos est
aussi une action, et c'est une action importante ». faire honte de vous
reposer quand vous en avez besoin ne vous sert à rien et peut
ralentir vos progrès. J'ai lu un article
sur Stephen King, dans lequel il raconte qu'
il a essentiellement créé un jeu en recevant des lettres de
refus. Donc, chaque mois, il avait objectif de collecter un
certain nombre de nos. En le reformulant ainsi pour
moi-même, j'ai eu l'impression que c'était une réussite plutôt qu' un échec, car je
continue à agir Je présente, je
fais le travail et je peux être fière d'avoir atteint
l' objectif de chaque mois En plus, j'aime tout ce
qui est un peu insolent. Et pour être clair, je considère l'absence
de réponse à la
fois à mes e-mails de présentation initiaux et à mes e-mails suivi comme des rejets Donc je peux aussi compter ceux qui sont
dans ma pile. Au fil des ans, j'ai connu de nombreux moments où je me suis sentie bouleversée et
j'ai failli abandonner. Mais j'ai fait tout ce qu'
il fallait pour me
ressourcer et garder le
cap. Tu peux le faire aussi.
3. 3 Une note mise à jour sur l'impression à la demande (POD): Je voulais vous donner
un point de vue actualisé sur l'impression à la demande,
car j'ai appris certaines choses depuis la création du premier
volet de cette série qui mon avis, sont très utiles pour les concepteurs de surfaces. Ce que je ne savais pas à l'
époque, c'est qu'il existe services POD de
livraison directe
tels que Printifi, gelato,
contrado et Printed Mint, etc.,
qui se synchronisent directement avec des
plateformes comme Etsy et qui se synchronisent directement avec des
plateformes comme Eh bien, en vérité, je
savais qu'ils existaient, mais ils étaient réputés depuis longtemps pour leurs produits
de
mauvaise qualité. Ce que je ne savais pas, c'est que la qualité s'est
beaucoup améliorée au fil des ans. Quoi qu'il en soit, cela change la
donne pour de nombreuses personnes car cela signifie que vous pouvez vendre des produits sur
votre propre vitrine, et que la
société de livraison directe s'
occupe de tout le
traitement pour vous Ainsi, lorsqu'un client commande un produit avec
votre design dessus, vous n'avez pas à vous
soucier de l'impression, de l'emballage ou de l'expédition de quoi que ce soit.
Tout est réglé pour toi. C'est un avantage important
car vous pouvez garder contrôle de votre marque et
de vos relations avec les clients, ce que vous n'obtenez
pas de la même manière avec sites POD de type
marketplace. Et si vous vous synchronisez avec Etsy, vous pouvez tirer parti de leur audience
existante et de leur trafic
intégré Lorsque vous fabriquez
vos propres produits, vous avez une marge bénéficiaire plus élevée, mais je
pense qu'une autre chose qui est vraiment utile à propos POD est que vous pouvez tester produits et voir ce qui se
vend et ce qui n'utilise pas POD, ce qui vous permet de ne pas
gaspiller beaucoup d'argent en
achetant des stocks sur un achetant des stocks sur qui ne se vendra peut-être pas très bien. Ensuite, il y a le fait
que certains artistes
tirent la majorité de
leurs revenus des options POD de
type marketplace ,
comme Spoonflower concerne la livraison
directe et le POD sur le marché, vous devez investir du temps dans le marketing et dans le
développement de votre audience, mais c'est vraiment une excellente
option si vous n'avez l'espace ni les fonds nécessaires
pour l'inventaire, et si vous pouvez continuer à obtenir des licences et à présenter des articles en plus de cela.
4. Une note rapide sur la flexibilité: Je vois. Dites-le moi, les gars. licences n'est pas la seule option, et je pense que c'est quelque chose de
vraiment important à retenir lorsque vous bâtissez
votre carrière en design de surfaces. Beaucoup d'artistes considèrent l' obtention
de licences comme
objectif ultime. Bien que l'octroi de licences
soit une bonne chose, la flexibilité dans la façon dont vous travaillez avec
les entreprises peut vous aider à conclure davantage de transactions et à
renforcer vos relations avec vos clients. Voici un exemple très
pratique de la façon dont cela pourrait se passer. Supposons que vous
présentiez votre travail à une entreprise et que vous obteniez
une réponse du genre « J'adore votre style, mais je fais des achats pour
Halloween en ce moment, et je ne vois rien dans votre portfolio qui
corresponde à mes besoins ». Au lieu de simplement
accepter cela comme une impasse et de perdre
le client potentiel, vous pourriez lui proposer de créer
quelque chose de personnalisé pour lui. Vous pourriez dire
quelque chose comme : « J'
adorerais créer une
collection pour Halloween pour vous ». Êtes-vous ouvert à la
commande de travaux personnalisés ? Il se peut qu'ils n'
aient pas le budget ou que le moment
ne soit pas opportun, mais en faisant preuve de flexibilité et en
offrant cette option, vous gardez la porte ouverte. S'ils disent non cette fois-ci, vous avez montré que
vous êtes prêt à collaborer et que vous
n'êtes pas rigide dans votre façon de travailler. Il en va de même pour les rachats
et les licences forfaitaires. Si vous
y êtes ouvert, vous vous
offrez plus d'opportunités
pour faire connaître votre travail. Maintenant, les rachats sont
un peu plus délicats
parce que vous ne voulez pas vendre
les droits de votre œuvre
préférée, Mais s'il y a des œuvres que vous fabriquez auxquelles vous
n'êtes pas très attaché et que vous êtes peut-être
un artiste très prolifique, oubliez pas qu'il est
possible de les vendre carrément êtes également ouvert à la
vente de votre travail via POD ou
en gros sur Etsy, Shopper v, Spoonflower, etc., vous avez le
choix. Être flexible ne
signifie pas que vous devez dire oui à tout ou
compromettre votre valeur. Cela signifie simplement que vous êtes ouvert à
différentes méthodes de travail, et que cette ouverture peut mener à des opportunités que vous n'
auriez peut-être pas envisagées autrement.
5. Est-il obligatoire ? Pré-: Bonne soirée. Dans
le
monde de
la conception de surfaces, il existe une idée fausse très répandue qui m'inquiète, savoir que les entreprises
n'acceptent que les fichiers vectoriels Permettez-moi de démonter
ce mythe pour vous. Cela n'est tout simplement pas vrai. Il n'est pas nécessaire de maîtriser
Adobe Illustrator ou tout autre
programme vectoriel pour devenir un designer de
surface professionnel. Maintenant, c'est un
outil incroyable à avoir dans votre boîte à outils qui peut ouvrir un large éventail d'opportunités de
carrière,
et personnellement, je préfère de loin
créer des motifs répétitifs dans Illustrator ou Affinity
plutôt que Photoshop et Procreate De plus, ils sont vraiment
bons pour les logos, les graphismes de
mascottes et toutes sortes de choses. Les vecteurs sont géniaux. J'adore les vecteurs, mais
vous avez le choix. J'aime beaucoup la façon dont l'
illustratrice professionnelle Sarah
Watts l'a écrit dans sa newsletter Pattern plus
process Substack Le but d'
être artiste est d'exprimer sa vision, et il existe de nombreux programmes parmi
lesquels choisir qui correspondent le mieux à
votre vision. J'ai créé un lien vers Sarah's
Substack sous l'onglet Projets et ressources Je connais de nombreux
artistes professionnels qui ont indiqué que, dans leur expérience en tant qu' illustrateurs
indépendants
et concepteurs de surfaces, leurs clients étaient heureux
d'utiliser l'art raster créé dans des programmes tels que
Procreate Les entreprises
achètent souvent de l'art raster ainsi que de l'art vectoriel. Bien entendu, il existe
des exceptions à chaque règle, et
certaines entreprises préfèrent le vecteur. Si c'est quelque chose que
vous souhaitez explorer, vous pouvez envisager de vous
familiariser avec Affinity Designer ou Adobe Illustrator, mais ce n'est absolument
pas la seule voie. Personnellement, j'utilise
Illustrator pour ordinateur
de bureau et Affinity
Designer pour iPad, et j'adore travailler avec des vecteurs. Mais il s'agit d'un
processus et d'un
médium complexes qui sont très
différents de l'art matriciel, c'est-à-dire de l'art basé sur le pixel, que la plupart des personnes novices le monde de l'art numérique
ont l'habitude d'utiliser. Procreate et Photoshop sont tous deux des programmes
Raster.
Par exemple, cela ne vise pas à vous
décourager d'
apprendre à utiliser des vecteurs, mais simplement à définir des attentes
plus réalistes .
J'adore les vecteurs. Comme je l'ai dit, ils peuvent être un outil
formidable à votre actif, mais c'est une toute
autre bête, et vous n'avez pas besoin de
savoir comment travailler avec eux pour être un designer de surface
performant.
6. Quelques réflexions supplémentaires sur la taille de la collection: Bonne soirée. Je voulais parler un peu plus de la taille
de la collection. Comme je l'ai mentionné dans la première
partie de cette série, de nombreux artistes
travaillent principalement dans des mini-collections de trois à quatre motifs, avec un motif de héros et deux
coordonnées ou mélangeurs beaucoup plus simples Et voici quelque chose d'
intéressant. Certains artistes ne réalisent que des
tirages de
héros, car les tirages de héros sont les
plus susceptibles de se vendre dans la plus large gamme
de catégories de produits Et c'est
une stratégie absolument valable. Vous n'avez pas vraiment besoin de travailler sur des collections
complètes de patrons à moins d'avoir cœur le matelassage
et le tissu à coudre. Cela dit, je m'en
tiens à ce que j'ai dit dans la première partie, à
savoir que le travail dans collections
est extrêmement utile pour développer vos compétences en
tant qu'artiste et designer. À travers le design et
collection après collection, vous développez essentiellement
votre compréhension de la couleur, de
la complexité, de la composition
et de l'équilibre, ce qui conduit à une
œuvre plus cohérente et plus raffinée dans son ensemble Essayez de créer une plus grande collection, et si vous aimez
travailler de cette façon, vous saurez quoi faire
à l'avenir. Et si vous ne savez toujours
pas quoi faire,
réfléchissez à la manière dont vous voyez votre
travail et à ce qu'il faut faire à partir de là. Essayez d'étudier un ou deux
secteurs dans lesquels vous souhaitez voir votre travail, puis déterminez s'ils justifient des collections
complètes, des
mini-collections ou simplement des modèles
indépendants Si vous avez envie de
revenir sur de vieux travaux et transformer des motifs indépendants en collections, tant mieux. Mais si cela ne vous intéresse pas ou si cela ne
vous semble pas trop intéressant, ne vous inquiétez pas
trop, car le concevoir dans collections dépend de
l'industrie
et n'est pas absolument nécessaire Je pense que l'objectif
global de votre portfolio consiste vraiment à présenter
un style cohérent. C'est le travail d'un directeur
artistique de voir le potentiel de vos œuvres peu
importe ce que
vous avez créé. J'inclurais donc absolument pièces
autonomes
dans votre portfolio si elles correspondent à votre style de
signature et si vous aimez les
voir sous licence.
7. Les collections de conception de surface doivent-elles inclure uniquement des motifs répétitifs ?: collections de
design de surface devraient-elles donc inclure
uniquement des motifs répétitifs ? Eh bien, en vérité, moins que vous ne vous
soumettiez à une industrie qui nécessite
des motifs techniquement répétitifs tels que le tissu, le
papier peint et certains produits de
décoration intérieure, pour n'en nommer
que quelques-uns, alors non, votre collection n'a pas
besoin d'être entièrement composée de motifs. En fait, c'est
une très bonne idée inclure également des illustrations
qui ne se répètent pas. Et ce n'est qu'un conseil de pro, lettrage à la
main
améliorera également votre portfolio. Il existe cette idée
répandue chez les modélistes
débutants selon
laquelle les collections ne
doivent inclure que des modèles. Mais la vérité est
qu'en réalité, autant de produits ou surfaces ne nécessitent pas de
motifs répétitifs que ceux qui en ont besoin. Au cours des cinq dernières années, j'ai enseigné
ou participé à nombreux
cours de création en ligne dans le domaine de la conception
de surfaces sur Internet. Et je trouve vraiment
choquant le nombre de personnes qui m'ont demandé, à
moi ou à d'autres membres de l'équipe d'assistance,
s'il était acceptable d'inclure
des illustrations à côté de motifs dans leurs portfolios de design de surfaces Bien sûr, ça va. Cartes de vœux, t-shirts, torchons, autocollants, puzzles. Ce ne sont là que quelques-unes des
choses que je peux nommer du haut de ma tête et qui
utilisent couramment ou nécessitent des illustrations non
répétitives. J'ai une théorie à ce sujet. Ainsi, certaines des voix
pédagogiques les plus connues et les plus respectées l'industrie mettent l'accent sur le design de
motifs de surface, qui est essentiellement
le sous-ensemble du design de surface qui
fait spécifiquement référence aux motifs répétitifs Pour être clair, je
ne critique aucun
cas l'accent mis sur le
design de motifs création de motifs répétitifs est une
compétence technique complexe qui est extrêmement bénéfique
pour les artistes qui souhaitent vendre leur travail sur des
produits Alors, bien sûr, les gens l'
enseignent. Mais je pense que ce qui se passe, c'est ces leaders de l'industrie enseignent ce qu'ils ont fait
pour réussir, et la plupart du temps, ils proposent collections
complètes de modèles qui remportent un franc succès. Et puis les étudiants ont tendance à vouloir
imiter leurs mentors Ensuite, ils
craignent de faire quelque chose de mal s'ils ne
font pas exactement ce que
font leurs mentors . Maintenant, imiter vos mentors n'
est pas une mauvaise chose. De toute évidence, non. C'est
pourquoi nous les avons. Nous avons besoin d'eux. Et nous avons
besoin d'eux pour nous guider. Mais je pense que ce que beaucoup d'artistes oublient, c'est
qu'il s'agit d'un guide, et
non d'un ensemble de règles
strictes à suivre. Je l'ai fait moi-même.
J'ai fait la même chose que quelques designers de
surfaces que j'admire et respectais, c'
est-à-dire me rendre au Quilt Market et organiser des réunions avec les représentants des entreprises de
tissus
afin de leur montrer mon
portefeuille dans l'
espoir de pouvoir obtenir un contrat de licence
immédiatement En fait, je n'ai pas conclu d'
accord pendant la convention, mais cela m'a finalement permis de signer mon
premier contrat de licence. J'ai donc littéralement suivi
les traces de mes
mentors, et cela a porté ses fruits. Mais je
recherchais aussi le tissu, lequel
les collections de motifs complets conviennent parfaitement. Je suis un étudiant en série. Je collectionne les cours en ligne comme certains
collectionnent les Funko Pops Je sais donc avec certitude que
les éducateurs dont je
parle le présentent toujours
comme s'il s' agissait de bonnes
pratiques. Et aussi, voici d'autres
exemples
d' autres artistes qui font
les choses un peu différemment. Mais ce que j'ai appris au cours des cinq
dernières années en la position unique d'
un rôle d' équipe de soutien,
c'est que les étudiants s'inquiéteront
toujours s'ils ne
suivent pas ces directives
établies par l'enseignant à un ou s'ils se sentiront dépassés
par toutes les options et choisiront donc la voie
la plus simple,
qui est de
les suivre jusqu'à ce que j'ai dit, ce n'est pas nécessairement le cas
une mauvaise chose. Cela a finalement conduit à de
grandes choses pour moi. Je veux juste que vous en soyez
conscient afin que vous puissiez faire les meilleurs choix pour
vous-même et votre carrière. Maintenant, l'un des
choix importants que vous devez faire est de savoir comment organiser
votre portefeuille. organisez-vous par catégorie ou par collections
complètes ? Supposons, par exemple, que vous ayez une collection florale
avec un imprimé représentant un héros, des coordonnées
et des mélangeurs Conservez-vous cette
collection
en un seul groupe cohérent,
ou retirez-vous toutes vos œuvres florales
de
différentes collections et les
regroupez-vous en un seul groupe cohérent, ou retirez-vous toutes vos œuvres florales
de plutôt Il n'y a pas de bonne réponse. Cela dépend vraiment de ce que
vous présentez et à qui. Lorsque vous présentez votre candidature pour le développement général
d'un produit ou pour
toute catégorie de produits ne
nécessitant pas nécessairement de collections, je vous recommande d'organiser
votre portfolio par catégorie, comme les fleurs, les
fêtes, les animaux abstraits, les crèches
et les illustrations éditoriales
complètes Mais si je cherche à obtenir des
licences de tissus ou de
papeterie en particulier, je réorganise tout en créant collections
complètes
composées de motifs de héros, coordonnées, de mélangeurs
et même Donc, en conclusion,
n'hésitez pas à inclure des illustrations
non répétitives dans votre portfolio si vous
le souhaitez. Même les
fabricants de tissus Bolt les utilisent
parce que les panneaux en tissu et les notions de
couture sont monnaie courante.
8. Conseil de portfolio ! ! N'incluez pas cela: Il peut être tentant d'inclure tout ce que vous avez créé dans votre portfolio au cas où quelque chose
attirerait l'attention d'un directeur artistique
.
Mais voilà le truc. Si vous avez conçu, par
exemple, des invitations de mariage, et que vous ne voulez plus en
faire, ne les mettez pas dans
votre portfolio. Vous allez juste
potentiellement attirer la mauvaise personne et le mauvais travail qui ne vous convient plus. Par exemple, j'avais
l'habitude de créer
des logos, mais je n'ai jamais
vraiment aimé ça. J'en ai plusieurs
dont je suis assez fière, mais je ne
les présente nulle part parce que ne m'
intéresse tout simplement genre
de travail ne m'
intéresse tout simplement plus. Cela me stresse. Ça gâche tout le plaisir de
faire ce travail. Et tu sais quoi ? C'est bon. Votre portefeuille
doit refléter la direction que
vous souhaitez prendre, et non le
chemin que vous avez parcouru. Si vous proposez des œuvres que
vous souhaitez créer davantage, vous aurez de
bien meilleures chances
de réaliser
davantage de ce type d'œuvres. Votre portfolio consiste essentiellement à
dire aux directeurs artistiques C'est ce que j'aime faire et c'est
ce pour quoi je suis vraiment doué ». Soyez donc intentionnel quant à
ce que vous incluez. Pensez-y comme si vous
organisez votre avenir, non simplement comme une exposition de votre passé Voici quelque
chose que vous souhaitez inclure. Au bas de chaque
page de votre portfolio, incluez votre site Web, les informations sur les
droits d'auteur et le meilleur e-mail pour vous joindre. Ainsi, si un
client potentiel feuillette votre PDF de plusieurs pages et
voit quelque chose qu'il aime, peut immédiatement noter comment vous
joindre sans avoir
à le rechercher Je ne l'ai pas fait pour mon
premier ou mon deuxième portfolio, et je le regrette. C'est tellement simple et c'est une bonne chose
facile à mettre
dedans pour que les gens leur
facilitent la tâche.
9. Échelle et maquettes poster: Bien. Dans la première partie, j'ai brièvement parlé des
différents coloris et de la nécessité de veiller à ce que l'échelle et le positionnement de chaque motif soient
cohérents dans tous les coloris de votre portefeuille Mais je voudrais parler un
peu plus de l'échelle. Tout d'abord, vos modèles
peuvent être présentés dans votre portfolio à l'
échelle qui vous convient le mieux. Si vous incluez une
collection de modèles, vous souhaitez les afficher
à différentes échelles pour montrer comment vous les imaginez
fonctionner les uns avec les autres Même si l'échelle finale
finit par être différente
, comme c'est généralement le cas,
vous devez toujours les présenter
à acheteurs potentiels à des échelles
différentes, car vous voulez qu'elles reflètent
le plus fidèlement
possible leur apparence les unes
par rapport aux autres. C'est pourquoi de nombreux
artistes incluent une page entière
ou une demi-page des estampes de leurs héros dans leur portfolio
afin de pouvoir présenter l'intégralité de la reprise à une
échelle ou à une échelle proche
de la façon dont ils l'imaginent J'aime parfois inclure un motif à plus grande échelle dans le carré ou le rectangle et à
plus petite échelle sur une maquette. Ainsi, vous pouvez voir les détails et la répétition complète.
Le ciel est la seule limite. Les entreprises travailleront toujours avec vous pour s'assurer que cette
évolutivité fonctionne. si vous vendez sur POD ou si vous le produisez
vous-même, il est conseillé de commander des échantillons pour tester
l'échelle et la couleur. Et en parlant de cela, les maquettes peuvent être un très bon moyen de présenter votre travail dans votre portfolio, en particulier si vous essayez d' aider des collaborateurs potentiels
à visualiser à quoi pourrait
ressembler votre œuvre sur leurs produits Voir votre motif sur un
coussin, un sac en tissu ou un pyjama peut avoir
un impact bien plus important que le simple fait de le
voir se répéter Cela aide les directeurs artistiques à comprendre
immédiatement le potentiel de votre travail et manière dont il pourrait s'intégrer à
leur gamme de produits. Cela dit, les maquettes
ne sont pas absolument nécessaires et vous n'avez pas besoin d'en
faire trop Quelques maquettes bien placées dans votre portfolio
peuvent être efficaces, mais vous ne voulez pas
qu'elles éclipsent les motifs ou
les
illustrations eux-mêmes Les motifs doivent
toujours être la vedette. Si vous utilisez des maquettes, assurez-vous qu'elles sont propres, professionnelles
et adaptées aux secteurs que
vous ciblez Il existe des tonnes d'
excellents modèles de maquettes disponibles en ligne, certains gratuits, autres payants. Il est donc
assez facile de créer des maquettes
soignées sans avoir
à être un expert de Photoshop J'ai lié l'une de mes sources de maquettes
préférées sous l'onglet Projets
et ressources
10. RVB ou CMYK ?: Bonsoir Au revoir
Bonsoir Votre portfolio doit-il
être en RGB ou en CMYK ? Cela dépend de l'application. Le CMYK est idéal pour l'impression, tandis que le RGB est idéal
pour les écrans numériques. Si vous avez besoin de versions papier
et numérique, je suggère généralement de
créer d'abord votre portfolio en CMYK, puis convertir une
version numérique en RGB spécialement pour l'affichage de
votre portfolio en ligne, sur des sites Web, sur
les réseaux sociaux, par courrier électronique, etc. Je travaille presque toujours en CMYK et je les convertis en
RGB lorsque cela est nécessaire, car il est beaucoup
plus facile de convertir le
CMYK en RGB que l'
inverse, car il y a beaucoup plus de couleurs
dans la gamme de couleurs RGB RGB peut correspondre neuf fois sur dix aux couleurs CMJN de manière
extrêmement précise. Personnellement, je n'ai
eu aucun problème avec les changements de profil
chromatique qui font une énorme différence
lorsque je commence en CMYK, mais j'ai connu des changements radicaux lorsque
je commençais en RGB. Cela dit, c'était
il y a quelques
années , et la technologie évolue. Et je n'ai pas remarqué de
grande différence couleur lorsque je commence à utiliser le mode RGB sur mon iPad dans des applications comme
Procreate ou Adobe Il y a aussi le fait que
de nombreuses imprimantes en ligne, en particulier pour l'
impression à la demande, utilisent l'impression numérique, qui peut généralement très bien gérer le
RGB. Les livres de couleurs Pantom peuvent être très utiles pour faire correspondre le CMYK, mais même ceux-ci ne donnent pas toujours la représentation
la plus précise du résultat final en
couleurs À titre d'exemple, les tissus en coton blanc
cassé et crème varient. Par conséquent, les couleurs imprimées dessus varieront également
légèrement. Ainsi, peu importe par
quoi vous commencez, vous devez toujours
commander des tirages d'essai toute façon pour vous assurer
que les couleurs vous conviennent. la plupart des applications d'art numérique de bureau, vous pouvez toujours exporter des éléments dans différents modes de couleur
ou convertir vos documents différents modes de couleur si ces modes de couleur spécifiques
sont requis par une entreprise. Cela dit, la
règle générale est la suivante. Utilisez le format RGB pour créer un portfolio numérique ou un
PDF à consulter en ligne, pour afficher votre portfolio
sur des sites Web, sur les réseaux
sociaux, par courrier électronique, ou pour afficher des œuvres sur des écrans, des
tablettes ou des téléphones. Utilisez le CMYK lorsque votre portfolio sera imprimé de manière professionnelle. Vous présentez spécifiquement un
design d'impression pour lequel le destinataire
demande explicitement des fichiers prêts à imprimer
11. Une note rapide sur les contrats: Une autre question que je vois
se poser de temps en temps est de savoir si vous devez inclure un contrat
lorsque vous présentez votre portefeuille. Ce n'est pas quelque chose que vous
devez inclure dans votre portefeuille car les contrats ne sont pas vraiment nécessaires avant la prochaine
étape du processus. Chaque entreprise est différente, et la plupart des entreprises, à
moins
qu'elles ne soient nouvelles ou moins établies, auront leurs propres contrats
que vous pourrez lire, poser des questions de clarification et négocier, si nécessaire Il est judicieux d'avoir un
contrat à portée de main pour les
cas moins courants où une entreprise intéressée à travailler avec vous n'a pas
son propre contrat. Et même dans ce cas, n'incluez pas ce contrat dans la soumission
de votre portfolio. N'oubliez pas que vous devrez
peut-être également adapter ces contrats
à l'entreprise avec laquelle
vous êtes potentiellement
en partenariat. Je ne sais pas par où
commencer avec les contrats. Voici quelques recommandations
contractuelles, spécialement conçues pour les créatifs et les concepteurs de surfaces J'ai inclus ces liens sous l'onglet Projets et
ressources selon l'utilisation.
12. Conseil de portfolio ! ! Curiez-le à l'entreprise à laquelle vous vous adressez: Bien. Vous vous souvenez de mon histoire sur le fait que je suis allée au Quilt
Market et que j'ai finalement obtenu un contrat de licence
avec une entreprise de tissus ? Avec le recul, je me suis rendu compte que mon
succès s'explique en
partie par le fait
que mon portefeuille était spécifiquement adapté à l'industrie des
tissus de courtepointe industrie des
tissus C'était mon objectif numéro
un en matière de licence. Je rêvais de devenir créatrice de
tissus depuis 2015, est-ce
que je le regrette
vraiment ? Absolument pas. Mais ce que j'ai
remarqué au cours des années suivi, c'
est qu'il
m'est beaucoup plus difficile de conclure des contrats de licence dans pratiquement tous
les autres secteurs. Mon travail était tellement
adapté au tissu qu'il ne
convenait presque à rien d'autre, ou du moins il était difficile pour les directeurs
artistiques
d'autres industries de le voir sur leurs produits. qui m'amène à comprendre pourquoi il est si important de préparer vos argumentaires auprès des entreprises auxquelles
vous vous adressez. Je souhaite partager quelques informations
très précieuses que j'ai apprises auprès de l'artiste et ancienne directrice artistique
Corinne Wells, qui a une
perspective vraiment unique en étant des deux côtés
du processus de présentation. Comme d'habitude, ses coordonnées sont liées sous l'onglet Projets
et ressources. Lorsqu'elle travaillait
en tant que directrice artistique, l'
une des plus grandes
erreurs qu'elle a vues commettre par des
artistes a été d'envoyer œuvres d'art
génériques non pertinentes qui ne correspondaient pas du tout à la marque pour laquelle
elle travaillait. L'entreprise pour laquelle Karin a travaillé en
tant que directrice artistique avait un
style original et axé sur les
personnages et se concentrait
sur les pyjamas vendus dans
les boutiques de cadeaux, etc. Il s'agissait d'un marché de niche, mais
presque tous les arguments qu'elle a reçus étaient des répétitions de modèles assez génériques
et polyvalents Elle n'en avait pas besoin pour la plupart. Même si quelque chose avait
pu fonctionner, elle aurait dû le retravailler
pour y ajouter typographie et un spot print
accrocheur, et cela lui aurait demandé
plus de travail que cela n'en
valait la peine pour elle Voici ce dont elle avait vraiment besoin. Un spot print prêt à l'emploi, c'
est-à-dire une
illustration non répétitive ou impression par
placement associée à
un motif coordonné. C'est ce qui
aurait attiré
son attention et lui aurait fait gagner du temps, mais cela apparaissait rarement dans
sa boîte de réception, car les artistes n'adaptaient pas leurs argumentaires aux besoins
spécifiques de l'entreprise Les directeurs artistiques sont très occupés, alors tout ce que vous pouvez
faire pour leur
faciliter la tâche les rendra plus enclins à vous donner
l'heure de la journée. La leçon à tirer est claire. Fais tes devoirs. Scannez rapidement le site Web d'une
marque et faites-vous une idée du type
d'illustration qu'elle utilise
réellement sur ses produits. Si cela ne correspond pas à votre
style artistique , ne vous embêtez pas à le présenter. Mais si votre œuvre d'art
peut réellement les
aider à vendre plus de produits, commencez à travailler sur un argumentaire qui attirera leur attention. Tout est pertinent.
13. Présenter votre portfolio: Au revoir. Bonsoir Très bien, vous avez donc
fait vos recherches. Vous avez adapté votre portefeuille à l'entreprise à laquelle vous
souhaitez présenter un pitch. Maintenant quoi ? À quoi ressemble
le
processus de présentation proprement dit Alors, comment trouvez-vous les directives
de soumission des entreprises ou coordonnées des directeurs
artistiques ? Je vois cette question
revenir tout le temps. C'est délicat.
Il faut absolument que tu fasses des recherches. Consultez les pages d'informations et de
FAQ des entreprises sur leur site Web. Si ce n'est pas sur leur site Web, j'aime consulter LinkedIn. Je vais d'abord chercher
l'entreprise, puis employés de l'entreprise. Même dans ce cas, il se peut que le directeur
artistique ne soit pas sur Linktn ou qu'il ait
un titre différent, tel que directeur du design
ou directeur de création Et même si
vous les trouvez, se peut qu'ils n'incluent pas
leur e-mail. Cependant, regardez attentivement
leur profil car ils peuvent inclure des instructions de
soumission. Utilisez LinkedIn uniquement pour trouver
les informations de contact. N'utilisez pas le système de messagerie
interne de Linktn pour transmettre votre portfolio
directement à vos contacts Si tout échoue, demandez les directives de soumission. Je n'aime pas utiliser
cette méthode très souvent, mais vous pouvez parfois trouver des informations de
contact
sur les réseaux sociaux. Recherchez l'entreprise à
laquelle vous souhaitez présenter un projet, puis envoyez-lui
un message direct et demandez-lui si elle directives de soumission
pour les artistes qui souhaitent potentiellement
collaborer à un projet licence d'
art ou de rachat d'œuvres d'art
si vous y êtes ouvert Cependant, si je dois demander des directives de
soumission, je préfère envoyer un e-mail e-mail d'
assistance général de
l'entreprise et demander
poliment les directives de
soumission
ou les informations de contact pertinentes m'ont envoyé des directives de
soumission ou coordonnées du directeur
artistique par Quelques entreprises m'ont envoyé des directives de
soumission ou les coordonnées du directeur
artistique par
e-mail leur adresse e-mail de
contact général Et dans l'un de ces cas, j'ai été recruté en
tant que nouveau designer. Voyons donc exactement à quoi ressemble
un
e-mail de présentation efficace. Votre objectif est de
permettre à un
directeur artistique de vous dire oui le plus facilement possible. Cela signifie que vous ne vous
contentez pas de présenter votre art, vous vous présentez en
tant que collaborateur,
quelqu'un de professionnel, quelqu'un de professionnel, fiable et avec lequel il est facile de travailler Je veux que tu possèdes ta
valeur en tant qu'artiste. Sois ta plus grande pom-pom girl. Personne d'autre ne
défendra vos intérêts comme vous pouvez
le faire pour vous-même. Alors, comment rédiger
un e-mail de présentation qui donne des résultats ? Tout d'abord, n'oubliez pas que la personne à qui vous envoyez un e-mail n'
est qu'une personne Ils ont beaucoup de choses
à faire dans leur vie et leur travail consiste à trouver des œuvres d'art
incroyables à mettre sur des produits. Ils veulent te retrouver. Ils veulent découvrir de nouveaux
artistes dont les œuvres se vendront. Dans cet esprit, voici les éléments clés
d'un e-mail de présentation réussi. Veillez à ce que votre ligne d'objet soit
claire et professionnelle. Personnalisez votre message d'accueil, utilisez leur nom, si
vous le trouvez. Cela montre que vous avez
fait vos devoirs. Présentez-vous brièvement et mettez en évidence ce qui rend
votre art unique. Quel est ton style ? votre travail
correspondrait-il bien à leur marque ? Partagez des liens vers votre portfolio ou un PDF personnalisé plutôt que de
partager des pièces jointes volumineuses, à
moins, bien sûr, qu'ils n'aient
spécifiquement demandé des fichiers Terminez poliment en
vous remerciant sincèrement. Gardez-le au chaud tout en restant professionnel. Si vous n'avez pas de réponse, faites un
suivi dans quelques semaines. S'ils ne répondent pas
au suivi, envisagez un autre contact doux
deux à trois semaines plus tard. À partir de là,
vous pourriez passer
à nouveau à un
nouveau poste dans,
disons, deux à six mois. Le suivi joue un
rôle essentiel dans le succès des licences. Les artistes qui
réussissent vraiment sont ceux
qui présentent fréquemment et assurent le
suivi à plusieurs reprises. Ils ne considèrent pas
le silence comme un rejet. Ils le prennent comme un
signe pour réessayer. N'oubliez pas, collectez ces notes
et la cohérence est essentielle. J'ai inclus un PDF de modèles d'
e-mails très
pratique à télécharger et à personnaliser, que vous pouvez trouver dans la section
Télécharger des ressources sous l'onglet Projets
et ressources
14. Avez-vous besoin d'une marque établie ou d'un grand public pour obtenir des accords de licence ?: Bonsoir Je vois souvent des étudiants s'
inquiéter de devoir s' établir ou
d'avoir un large public. C'est une question à
laquelle j'ai répondu de la part d'un étudiant participant à l'un des cours
auxquels j'ai apporté mon soutien. Ils ont donc demandé : si vous
souhaitez créer des produits sous votre
marque et que vous êtes un débutant, les
sites POD ou d'impression à la demande sont-ils vraiment votre seule option, en supposant que le coût de
fabrication soit trop élevé ? Y a-t-il
des sociétés de licence intéressées par les co-labs
slash C Branding, ou est-ce
réservé aux designers plus expérimentés ? J'ai obtenu un contrat de licence avec l'entreprise de tissus
Riley Blake Designs, sans
marque établie, avec très peu followers, moins de deux K sur
Instagram à l'époque, et moins d'
abonnés à la newsletter Donc non, les opportunités de licence ne
sont pas réservées aux designers
chevronnés. Les directeurs artistiques s'
intéressent à la qualité de votre travail
bien plus qu'
à votre audience. Il peut être utile d'avoir de
l'expérience en matière de licences, car cela indique
automatiquement aux directeurs
artistiques que vous êtes un professionnel qui sait
ce qu'ils font. Mais ce n'est pas le seul moyen de
réussir en matière de licences. Ne pas avoir cette expérience n'
est pas un obstacle à l'entrée. C'est un domaine différent, qui concerne
toujours l'illustration, mais pas le design de surface, mais
je pense toujours que c'est pertinent. J'ai un livre à paraître l'année
prochaine avec David et Charles sur la
façon de dessiner des caricatures manière générale, les éditeurs de
livres aiment que vous
ayez un public à vendre, mais le mien est
encore relativement restreint. J'ai environ
2 700 abonnés sur Instagram et environ 1 600 abonnés à la
newsletter Mais mes œuvres et
le fait que
j'aie donné un court
cours à ce sujet ici
sur Skillshare leur ont suffi pour donner
leur feu vert au livre Ne laissez pas le manque de followers ou expérience
professionnelle vous
empêcher de poursuivre vos objectifs de carrière
créatifs. Il est également important de se
rappeler que vous n'êtes pas obligé d'inclure toutes vos
œuvres d'art dans votre portfolio. La qualité de votre travail est
bien plus importante que la quantité. Surtout si vous n'en êtes
qu'à vos débuts. Ce que vous
incluez dans votre portefeuille
dépend vraiment du type d'emplois de
licence que vous souhaitez obtenir, mais vous devez inclure le meilleur de ce que vous avez à offrir
actuellement. Lorsque je mets à jour mon portfolio, j'alterne toujours les éléments de manière à
ce que mes œuvres les plus récentes soient placées au premier plan, là où les futurs directeurs
artistiques les verront en premier.
15. Dernières réflexions: Pour votre
projet de classe, j'aimerais que vous
fassiez la même chose que
je vous ai demandé dans la première partie. Partagez une capture
d'écran de votre œuvre
actuelle ou un lien vers le portfolio de votre
site Web, Instagram ou Contrast,
et je serais heureuse vous
faire part de mes
commentaires. Ensuite, dites-moi quelle sera votre
prochaine étape. Si vous n'avez pas
encore de travail à partager, c'est très bien. Entrez simplement une phrase ou
deux concernant les prochaines étapes. N'oubliez pas que ces étapes peuvent être aussi simples que de rechercher
une entreprise, d'envoyer un e-mail de présentation ou de faire un croquis pendant 5 minutes. Concentrez-vous sur les tâches les plus petites et les
plus faciles qui vous mèneront éventuellement à
des objectifs plus ambitieux. J'ai également créé un lien vers des ressources
supplémentaires dans le corps principal de l'onglet
Projets et ressources. Tous les PDF sont identiques
à ceux téléchargeables de P one, l'
exception du pitch
Email Templates PDF, qui est totalement
unique à la deuxième partie, alors assurez-vous de le télécharger Lorsque vous êtes prêt à
partager votre projet, il vous suffit de cliquer sur le bouton Big Blue
Submit Project. Il
est important de noter que vous ne pouvez créer un projet de classe que via un ordinateur de
bureau ou un ordinateur portable. Vous ne pouvez pas en créer un via un appareil mobile ou via l'application mobile
Skillshare Si vous êtes bloqué ou
rencontrez des problèmes, veuillez poster vos questions dans la
section des discussions du cours, et je ferai de mon mieux pour y répondre le plus
rapidement possible. J'espère que vous avez apprécié ce
cours et que vous l'avez trouvé utile. Quoi qu'il en soit, veuillez laisser un commentaire afin que vous puissiez m'aider,
ainsi que vos camarades de classe. Je ne peux vraiment pas exprimer à quel point je suis
reconnaissante aux personnes
qui laissent des avis. J'aime bien les lire tous. Si vous voulez rester au
courant de ce que j'organise ici, exemple si vous voulez savoir quand aura lieu
mon prochain cours, quand je
publierai des mises à jour sur les anciens cours
ou si je fais des cadeaux aux membres, n'oubliez pas de cliquer sur
le bouton suivre Vous pouvez également me
suivre sur Melissa Lee Design sur Instagram ou vous inscrire à mon bulletin
éducatif mensuel,
HueSMHS, sur mon site Web,
Melissa Merci encore de m'avoir rejoint. J'espère que vous avez trouvé
cette série de cours inspirante et encourageante. Comme toujours, je vous
souhaite bonne chance et j'ai hâte de voir où vous mènera
votre carrière. Bonjour.
Melissa Lee, allow yourself to fail before you succeed
