Colibri à l'aquarelle : couleurs vibrantes et superpositions

1. Introduction: Bonjour et bienvenue sur le tutoriel où je vais vous montrer comment peindre le superbe colibri à gorge rubis s'approchant d' une fleur de vigne en forme de trompette gorge rubis s'approchant d' une C'est un projet très agréable avec de belles couleurs et un bel équilibre entre les zones lâches et les pièces plus détaillées. Dans ce projet, j'ai décidé d'utiliser un style de peinture légèrement plus souple, mais le résultat final reste assez détaillé Vous verrez que je l'ai peint d'une manière beaucoup plus décontractée parce que je voulais obtenir le look agréable, transparent et aérien de l'aquarelle Grâce au travail avec des couches transparentes, nous obtiendrons une intensité de couleurs et détails qui capturera magnifiquement cette scène vibrante. Joignez-vous à moi pour peindre cet oiseau incroyable, et amusons-nous avec les couleurs. Si vous êtes prêt à commencer et vous sentez déjà inspiré, commençons. 2. Projet et ressources: J'ai préparé une sélection de ressources utiles pour votre projet, disponibles dans la section projet et ressources. Vous trouverez un fichier PDF contenant la liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture, ainsi qu'une photo de référence et une image de mon œuvre terminée à titre indicatif. Des dessins au trait de différentes tailles sont également fournis afin que vous puissiez les imprimer et les transférer sur votre papier aquarelle au format qui correspond le mieux à vos besoins De plus, vous trouverez des photos de l' avancement des travaux pour vous aider à suivre le processus et à vous concentrer sur des domaines spécifiques. N'hésitez pas à explorer ces matériaux et à les utiliser pour créer votre propre peinture unique et magnifique. Veuillez partager votre peinture finale dans la section des projets et des ressources. Je vous encourage également à prendre le temps de visionner travail de chacun dans la galerie de projets étudiants. C'est toujours une source d'inspiration de voir ce que les autres créent, et le soutien de vos camarades peut être incroyablement réconfortant. N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous permettra de bien comprendre à quoi vous attendre à chaque étape du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous serais très reconnaissant de bien vouloir laisser un commentaire honnête. Vos commentaires m'aideront à améliorer mon contenu et aideront les autres étudiants à décider de rejoindre ce cours. Merci d'avance. 3. Plan de peinture: Comme toujours, je diviserai le processus de peinture en étapes plus faciles à gérer Nous nous concentrerons sur un domaine ou une tâche à la fois afin de mener à bien ce projet. Nous allons commencer par masquer les formes principales et peindre d'abord l'arrière-plan Une fois le fond sec, nous ajouterons des fleurs et des feuilles très délicates et transparentes à l'arrière-plan pour remplir la zone en bas à droite et créer une composition plus complète Ensuite, nous retirerons le liquide de masquage et adoucirons certains bords, en particulier les bords des fleurs de fond Ensuite, nous allons nous concentrer sur les fleurs. Nous allons les peindre en trois étapes principales, commençant par une couche initiale, puis en augmentant progressivement la profondeur de couleur et de texture. Une fois les fleurs terminées, nous passerons à la peinture de l'oiseau. Nous allons commencer par cartographier les couleurs principales, puis nous les approfondirons. Dans la troisième étape, nous nous concentrerons sur des parties spécifiques de l'oiseau, les finissant étape par étape. Tout d'abord, nous compléterons les ailes, puis nous nous concentrerons sur les principales plumes vertes et bleutées du corps Ensuite, nous allons peindre la queue et les zones les plus sombres de la tête. Ensuite, nous ajouterons plus de détails sur les plumes de la gorge. Nous terminerons la peinture en ajoutant les petites pattes, peignant l'œil et en ajoutant la touche finale avec un pinceau à récurer Ce sera notre processus. Si vos fournitures sont prêtes, passons à l' application du liquide de masquage 4. Appliquer le fluide de masquage: Pour le masquage, j'utiliserai le liquide de masquage Windsor Newton, qui a une teinte jaune Au lieu de travailler directement depuis le combat, j'en verse une petite quantité dans un gobelet provenant d'un vieux contenant. Juste assez pour ce dont j'ai besoin. Je garde également un petit morceau de savon à proximité, ce qui est très important lors l'application du liquide de masquage avec un pinceau Pour cette étape, j' utilise toujours un pinceau peu coûteux. Le liquide de masquage peut être très agressif pour les poils, c'est pourquoi je garde généralement quelques pinceaux synthétiques bon marché juste à Utilisez également un petit récipient d'eau séparé pour rincer le pinceau Je n'utilise jamais mon eau de peinture principale. Je commence par verser une petite quantité de liquide de masquage dans le gobelet puis je ferme immédiatement le flacon Cela permet d'éviter qu'il ne se dessèche et de le garder utilisable plus longtemps. J'évite également de plonger mon pinceau directement dans le flacon car c'est moins pratique et cela expose le liquide à l' air trop longtemps. Avant de prélever le liquide cutané, je plonge mon pinceau dans de l'eau propre et je le frotte sur le savon. Cela crée une couche protectrice sur les poils et aide à empêcher de coller ensemble. Ne vous inquiétez pas, le savon n'affectera pas votre papier ou votre peinture plus tard. Je peux maintenant plonger le pinceau dans le liquide de masquage et commencer à l'appliquer Prenez votre temps ici et essayez de respecter les lignes du crayon. Appliquez le liquide de masquage le long des bords des ailes et des fleurs Cela nous permettra de peindre l'arrière-plan librement sans nous soucier de passer en revue le sujet principal. Je n'applique pas de masque sur les jambes car elles sont noires, nous allons donc simplement peindre cette zone plus tard avec une couleur plus foncée Je n'applique pas non plus de masquage aux deux bourgeons en arrière-plan Mon plan est de les peindre en arrière-plan dans un style très lâche, il n'est donc pas nécessaire de les masquer. Dans le matériel pédagogique, vous trouverez une illustration montrant exactement où j'ai appliqué le masquage Cela devrait vous guider tout au long du processus. Une fois que vous avez terminé, rincez soigneusement votre brosse à l'eau et nettoyez-la à nouveau avec du savon. Cela permettra de maintenir les poils en bon état. Sans savon, le liquide de masquage assècherait et les collerait ensemble. Laissez maintenant le liquide de masquage sécher complètement. Une fois qu'il sera sec, nous passerons à la peinture du fond. 5. Arrière-plan: Avant de commencer, permettez-moi de m' excuser d'avoir commencé à ce stade. Comme vous pouvez le constater, mes couleurs sont déjà prêtes et j' ai déjà une couche d' eau sur le papier. Je n'ai pas remarqué que mon appareil photo n'enregistrait pas, j'ai donc raté cette étape initiale, mais je vais vous expliquer exactement ce que j'ai fait. Peignez le fond en utilisant la technique humide sur humide. Pour cela, nous devons d'abord appliquer une couche d'eau propre. Il arrive souvent que cette couche sèche assez rapidement. Dans ce cas, j'ai donc décidé d'utiliser la méthode d'amorçage. C'est très simple. Il ne s'agit que d'une couche d'eau supplémentaire. J'ai appliqué de l'eau sur tout le fond et je l'ai laissé pénétrer. Pendant qu'il s'imprégnait dans les fibres du papier, j'ai préparé mes couleurs J'ai mélangé du jaune transparent avec du rouge quinacridone sur le côté gauche de ma palette et sur le côté droit, j'ai du jaune transparent avec une teinte bleu-vert Windsor J'ai créé des dégradés sur ma palette afin de pouvoir facilement choisir n'importe quelle nuance entre les deux couleurs composant chaque dégradé Voici les principaux mixages que je vais utiliser pour le fond. Maintenant que la première couche d'eau a déjà pénétré dans le papier, vous pouvez voir que la surface a une peau mate, ce qui signifie que la surface est humide mais pas trop mouillée. À ce stade, j'applique une deuxième couche d'eau. Vous pouvez penser que la première couche trouve à l'intérieur des fibres du papier. Comme elle ne s'est pas encore évaporée, la deuxième couche ne s' imprégnera pas aussi rapidement. C'est tout simplement moins de place pour cela. C'est ainsi que nous augmentons le temps de travail et maintenons le papier humide plus longtemps. Cette méthode est particulièrement utile par temps chaud ou par temps chaud. L'essentiel est de laisser pénétrer la première couche et appliquer la deuxième couche lorsque la surface est juste humide. J'utilise un pinceau plat de 1 po pour appliquer l'eau, et pour peindre, j' utiliserai un pinceau rond de taille 12. Je commence par un vert plus jaunâtre en alternant entre le ton du slider et le vert plus foncé de mon mix J'ai appliqué la peinture sur de plus grandes surfaces, en laissant quelques espaces entre les taches pour varier, soit pour obtenir des tons plus foncés soit pour que certaines zones restent plus claires. Sur la photo de référence, il y a un effet bouque avec des formes circulaires douces J'ai envisagé de le créer, mais j'ai décidé de simplifier l' arrière-plan. Je vais me concentrer sur les couleurs principales et plus tard sur la texture en éclaboussant de l'eau et Pour assombrir le vert, j'ajoute des peintures grises à mon mix Grâce à la double couche d'eau, la surface reste humide plus longtemps, ce qui me laisse suffisamment de temps pour appliquer et ajuster les couleurs. Une étape très importante de cette étape consiste à incliner le tableau dans différentes directions Cela permet de répartir le pigment uniformément et de créer des transitions plus douces entre les couleurs. Je continue d'incliner le tableau tant qu' il bouge encore J'ai également envisagé d'éclaircir le ton de l' arrière-plan. Le mien n'est pas très sombre et je trouve qu'il est bien équilibré, mais un fond plus clair pourrait aussi très bien fonctionner puisque l'oiseau lui-même est assez sombre. Ce contraste pourrait faire ressortir encore plus le sujet. Vous pouvez expérimenter, ajuster les couleurs, ajouter du bleu, du rouge ou orange pour suggérer d' autres fleurs. Comme il ne s'agit que d'un arrière-plan, il y a ici une grande liberté de création. Sur le côté droit, j' ajoute un mélange orange jaune transparent et de rouge quinacudon Je ne peins pas directement des fleurs, mais cette couleur suggère leur présence au loin. La répétition de la couleur du sujet principal crée également une belle harmonie entre le premier plan et l'arrière-plan Une fois que j'ai appliqué toutes les couleurs, j'incline à nouveau le tableau pour qu' elles se fondent harmonieusement. À ce stade, le pire serait de laisser le tableau à plat. La peinture et l'eau se déposent dans les vallées naturelles du papier et peuvent créer des traînées indésirables en séchant L'inclinaison garantit un résultat naturel plus uniforme. Maintenant, je continue à m' incliner et à regarder la surface perdre progressivement de son éclat. J'attends le bon moment pour éclabousser des gouttelettes d'eau C'est assez délicat. Tout est dans le timing. Si je le fais trop tard, lorsque la surface est trop sèche, les taches seront dures et bien définies. Si je le fais trop tôt, les gouttelettes se répandront trop et créeront des fleurs plus grosses que prévu C'est toujours un peu risqué. Je passe à une brosse plus petite de taille 6 remplie d'eau propre et j'éclabousse des gouttelettes sur Un pinceau plus petit permet de créer plus petites gouttelettes qui continueront de se dilater une fois qu'elles auront touché le papier Je pense que c'est le bon moment, alors je jette de l'eau, même si, comme cela arrive souvent, fleurs se répandent plus que je ne le souhaiterais idéalement C'est un signe que j'aurais pu attendre encore un peu. Vous pouvez remarquer la différence entre ces marques à ce stade, lorsque la surface est encore légèrement humide, et leur apparence sur la peinture finale. Sur le côté droit, j'éclabousse également peinture verte et un peu de jaune et d'orange en bas Mon idée était d'ajouter un mouvement subtil autour des ailes en utilisant ces textures compléter le mouvement de l'oiseau Je ne voulais pas un arrière-plan complètement lisse, mais si vous préférez ce look, vous pouvez éviter complètement les éclaboussures et laisser le linge sécher Un arrière-plan lisse permettrait également à l'oiseau de se démarquer magnifiquement. Personnellement, lorsque je travaille avec des zones d'arrière-plan plus grandes comme celle-ci, j'aime introduire de la texture pour rendre la peinture plus dynamique et plus intéressante. Nous pouvons maintenant laisser le fond sécher complètement. Une fois qu'il sera sec, nous ajouterons des formes transparentes en bas à droite. 6. Les formes de l'arrière-plan: Une fois que le fond est complètement sec, nous pouvons éventuellement ajouter des formes supplémentaires. J'utiliserai les mêmes oranges et verts pour peindre silhouettes très simples de fleurs et de quelques feuilles Ce sont des formes légèrement transparentes qui aident à remplir l'espace et à créer un aspect légèrement plus complet dans cette zone. De telles formes sont appelées formes positives. C'est du moins ainsi que je les appelle , par opposition aux formes négatives. En peinture négative, on crée une forme en peignant autour d'elle. Avec des formes positives, nous les créons directement en peignant leur forme. Alors, en quoi diffèrent-elles des fleurs principales au premier plan, que nous peignons également directement La différence réside dans la façon dont ils sont peints. Ce sont des silhouettes très simples créées avec une seule couche transparente Ils ne contiennent aucun détail et nous ne les ajouterons pas de couches supplémentaires. Ce sont simplement des suggestions minimales et souples des objets que nous voulons inclure. Une fois ces formes sèches, nous pouvons passer à l'étape suivante. 7. Suppression du masquage et de l'adoucissement des bords ges: Le fond étant terminé, nous pouvons maintenant passer à la peinture des fleurs principales et de l'oiseau. Tout d'abord, retirons le liquide de masquage. J'utilise un outil de collecte de masques en caoutchouc. Si le liquide de masquage est frais et appliqué correctement, il devrait apparaître en gros morceaux comme celui-ci Assurez-vous de bien les avoir toutes supprimées. J'aime passer doucement le dos de mon petit doigt sur le papier pour voir s'il reste des points masqués C'est ce que j'ai fait ici, mais il m' a quand même manqué un petit point sur l'aile. Tu le remarqueras plus tard. Avant de commencer à peindre, c'est le meilleur moment pour lisser les bords si nécessaire. Pour cela, j'utilise mon pinceau plat Galeria taille 4 de Windsor Newton, initialement destiné à la peinture acrylique Je le plonge dans de l'eau propre et enroule doucement le long du bord de la fleur. Normalement, je le fais très légèrement juste assez pour activer un peu de peinture le long du bord. Mais dans ce cas, je veux créer des bords flous très doux pour placer ces fleurs plus loin en arrière-plan J'applique donc un peu plus de pression que d'habitude pour créer une transition plus large et plus douce. Je n'ai pas peur de faire entrer le vert dans la fleur. Ces couleurs se mélangeront naturellement et accentueront cet effet doux. Je répète le même processus sur la farine inférieure, adoucissant au maximum les bords J'enlève la peinture soulevée à l'aide d'un essuie-tout que je tiens dans l'autre main. J'ai également remarqué que le long du bord de l'aile, pigment vert plus foncé se déposait et créait un contour légèrement rugueux. Je voudrais aussi adoucir cela, mais cette fois, je suis plus doux. Je soulève simplement l'excès de pigment sans trop déranger cette zone. Nous adoucirons également les bords des ailes plus tard , ce qui aidera à suggérer mouvement et à améliorer l'effet de ceinture arrière Nous sommes maintenant prêts à peindre les fleurs. 8. Flowers - Initial Layer: La première couche sur les fleurs sera un premier lavage. Nous voulons créer une feuille de route générale des couleurs et les placer plus ou moins là où nous voulons qu'elles soient. Cela nous donnera une base solide pour créer des tons et des textures plus profonds ultérieurement. également un avantage supplémentaire Cette approche présente également un avantage supplémentaire, d' ordre psychologique. Regarder une forme blanche peut être intimidant. Mais une fois que nous avons appliqué cette couche initiale, la peinture commence à devenir plus réalisable et nous avons une impression de progrès J'utiliserai toujours les mêmes couleurs, un mélange de jaune transparent et de rouge quinacridon, et un mélange vert de jaune transparent et de teinte bleu-vert Windsor J'applique une couche d' eau propre sur les fleurs en haut à droite. Je souhaite utiliser la technique humide sur humide afin que les couleurs puissent se mélanger en douceur. J'utilise un pinceau plus grand de taille 12. Un pinceau plus gros est utile ici, car nous remplissons simplement des formes avec de la couleur. Si vous utilisez un pinceau plus petit, vous serez peut-être tenté de trop vous concentrer sur les détails, mais ce n'est pas le moment pour cela. Je laisse les couleurs s'étaler et se mélanger naturellement sur le papier Je peins également les lignes au crayon sur le fond des fleurs dont j'ai préalablement adouci les bords La couleur rouge orangé se fond dans le vert et crée parfois un bord légèrement plus dur, mais ce n'est pas grave. Je l'accepte. L'aquarelle a sa propre imprévisibilité et nous ne pouvons pas Je répète le même processus pour la farine et les bourgeons en bas à droite. J'applique d'abord une couche d'eau sur l'ensemble de la forme, puis j'ajoute des couleurs. J'utilise plus de jaune dans les zones jaune-orange plus clair et plus de rouge quinacridone dans les parties rougeâtres plus profondes Sur les chauves-souris, j' ajoute également des touches de vert. Dans le tableau final, vous remarquerez que certaines zones des fleurs restent plus claires. Au fur et à mesure que nous accumulons des couches et que nous approfondissons les couleurs, cette première couche deviendra notre ton le plus clair. Plus tard, nous peindrons certaines zones pour préserver ces points forts. À la toute fin, nous ajouterons également peu de couleur à l'aide d'un pinceau à récurer, qui ajoutera une belle touche finale et mettra en valeur à la fois les fleurs et l'oiseau Laissez maintenant cette couche initiale sécher complètement, et une fois qu'elle sera sèche, nous passerons à l' approfondissement des couleurs. 9. Fleurs - Valeurs moyennes: Dans cette partie, nous n'allons pas encore ajouter de détails, mais nous allons commencer à créer des formes et à approfondir les couleurs. La couche initiale est maintenant complètement sèche et, comme vous pouvez le constater, elle est assez pâle. Nous devons donc à présent développer ces valeurs. J'aime penser au processus de peinture en trois couches. La première couche crée les tons clairs, la seconde crée les tons moyens et la troisième ajoute les valeurs et les détails les plus sombres Bien entendu, il ne s'agit pas d'une règle stricte. Parfois, moins ou plus de couches sont nécessaires. Mais trois semblent souvent être un bon équilibre. Je vais d'abord préparer plus de peinture. Encore une fois, j'utiliserai un mélange de jaune transparent et de rouge quinacradon Mais cette fois, j'ai aussi besoin d'un rouge plus foncé. Au bas de ma zone de mixage, j'utiliserai le même mélange jaune-rouge et j'ajouterai du bleu outremer pour l'assombrir me demande peut-être pourquoi j'utilise bleu outremer au lieu du gris pâle. Eh bien, le bleu outremer est un bleu chaud qui penche légèrement vers le rouge, tandis que le gris de Pain est plus froid et plus neutre Je veux garder ce mélange plus chaud. Il ne sera pas aussi foncé que si j'utilisais du gris pâle, mais c'est suffisant pour approfondir la couleur. De plus, comme l'orange et le bleu sont des couleurs complémentaires, ils fonctionnent très bien ensemble et créent des ombres naturelles riches. Je vais maintenant peindre en utilisant la technique humide sur sec. C'est important car je souhaite créer des arêtes plus nettes pour définir les formes Si je peignais mouillé sur mouillé, tout serait trop flou. À ce stade, je recherche les zones plus sombres que la première couche. La première couche représente désormais les tons les plus clairs. Donc, avec la deuxième couche, j'approfondis les zones sélectionnées tout en laissant certaines parties intactes Ces zones non peintes préserveront les tons plus clairs et agiront comme reflets J'utilise également des mélanges plus puissants et plus riches en pigments. Pour de nombreux domaines, cela sera déjà proche de la valeur finale, même si je garde à l'esprit qu' il me reste encore une couche pour ajouter détails et éventuellement approfondir certains domaines. Cette couche crée non seulement des tons moyens, mais augmente également la saturation des couleurs. Pour la fleur dans le coin supérieur droit, j'ajoute également de la rose permanente pour modifier légèrement la teinte et rendre le rouge plus éclatant. Gardez à l'esprit que l'aquarelle semble toujours plus intense lorsqu'elle est mouillée Une fois sèche, les couleurs paraîtront moins éclatantes. Je vais laisser cette fleur pour le moment et passer à celle du bas. Ici, j'applique d'abord une couche d' eau propre à l'intérieur de la forme de trompette J'essaie de laisser un petit espace entre cette zone et le pétale droite car je vais peindre ce pétale dans une minute et je ne veux pas que une minute et je ne veux pas les couleurs se mélangent La couche d'eau permet à la peinture de s'écouler plus facilement et de se fondre en douceur. Si des bords durs apparaissent, c'est bon. Je veux juste un peu plus de contrôle sur les transitions. Ensuite, je commence par le mélange plus foncé, en ajoutant une touche de rose permanente et l' appliquant sur les zones les plus sombres que je peux voir Je fais en sorte que la partie intérieure de la trompette soit plus claire tout en plaçant les tons plus foncés là où le pétale Ensuite, je reprends le mélange le plus foncé et je peins l'ombre sur le pétale à droite Ici, je veux un bord tranchant pour ne pas appliquer d'eau d'abord. C'est pourquoi j'ai laissé cette petite lacune plus tôt. S'il y avait eu de l'eau, la peinture aurait coulé dans la zone des trompettes Je continue à peindre la zone ombragée du pétale enroulé, en laissant La couche précédente fait désormais office de surlignage. Ensuite, je passe au mauvais. Je commence par des tons orange à l'extrémité et progressivement au vert au fur et à mesure que je me dirige vers la tige. Je laisse également de petits espaces en pointe pour suggérer des points forts. À ce stade, je dois tout laisser sécher avant de continuer. Si je descends immédiatement, la peinture fraîche commencera à se mélanger aux zones suivantes et je perdrai le contrôle des bords. Je sèche donc d' abord cette section, puis je continue. Je reviens à la forme inférieure de la trompette en utilisant un mélange de jaune et d'orange, j'ajoute des ombres simples qui passent progressivement à un ton plus foncé au fur et à mesure que je me déplace vers Encore une fois, je laisse les zones plus claires du calque précédent pour les surligner. Plus près de la chauve-souris, j' introduis un peu de vert. Lorsque le vert se mélange à l'orange et au rouge, il crée des tons plus neutres, légèrement brunâtres Nous pouvons maintenant passer à la fleur principale, et ici je divise le processus en étapes plus petites. abord, j'applique une couche d' eau sur les pétales du côté gauche. À l'aide d'un mélange puissant de rouge quinaquadon, j'applique les couleurs en partant du centre de la trompette et en allant vers l'extérieur Je peins soigneusement autour des petites étamines. Je leur ajouterai du jaune plus tard. Près du bord, je commence à suggérer la forme du pétale à l'aide de coups de pinceau directionnels Vous pouvez voir que mes traits suivent la forme du pétale pointant vers l'extérieur vers les bords Ensuite, je me concentre sur la zone située sous le bec. J'applique une couche d'eau, puis j'introduis des tons jaune-orange, ainsi qu'une touche de lysarin cramoisi permanent dans les zones les plus profondes Encore une fois, je peins autour de l'étamine. Je ne peux pas peindre tous les pétales en même temps, alors je saute certaines zones pour moment et je passe au corps principal de la trompette Ici, j'applique simplement de la couleur sur le formulaire, en laissant un espace plus clair le long du bord supérieur pour créer un surlignage. Et avec cela, nous pouvons terminer cette étape. Dans la partie suivante, nous ajouterons des détails et compléterons les fleurs. 10. Fleurs - Détails Details: Après l'étape précédente, les fleurs sont déjà bien meilleures. Les couleurs sont plus riches et plus éclatantes, mais ce sont les détails qui leur donneront vraiment vie. Dans cette partie, nous allons ajouter des ombres, des veines et des plis plus petits pour augmenter le réalisme et l'intérêt visuel Je vaporise mes peintures avec l'eau car tout est sec, et je vais commencer par préparer mes couleurs. Nous aurons certainement besoin d'un rouge plus foncé pour les ombres Je mélange donc du rouge quinacrodon avec du cramoisi permanent à la lizarine dessous, je garde le mélange brunâtre plus neutre que j'ai utilisé plus tôt, une combinaison de jaune transparent, de rouge quinacrodon et de bleu outremer Dans la partie supérieure de ma palette, je conserve également le jaune transparent et le rouge quinacrodon séparément Je vais commencer par la fleur dans le coin supérieur droit à l'aide d'un petit pinceau de taille 8. Il y a deux objectifs principaux à ce stade. Tout d'abord, nous voulons approfondir les ombres là où c'est nécessaire. La première couche définissait les tons clairs, la seconde les tons moyens, et maintenant nous ajoutons les valeurs les plus sombres Ensuite, nous voulons introduire de la texture. C'est pourquoi je travaille principalement sur sol mouillé et sec, ce qui me permet de conserver des arêtes plus nettes. Mes coups de pinceau créeront des marques plus foncées avec des bords définis qui suggèrent une texture, ainsi que de petites indentations et plis sur les Si nécessaire, je peux toujours adoucir les bords, mais commencer par le mouillé sur le sec me permet de mieux contrôler. Si j'utilisais mouillé sur mouillé ici, tout serait trop flou. Ces coups de pinceau allongés créent une texture visuelle qui rehausse le réalisme de la farine. Sur les pétales enroulés, il est important de suivre leur forme naturelle J'aime imaginer que je peins directement sur une vraie fleur, déplaçant mon pinceau dans la direction qui suit sa structure. Sur les pétales à gauche, j'imagine les coups de pinceau rayonnant du centre de la trompette vers les bords Elles se courbent légèrement en suivant la forme des pétales. Je passe maintenant aux pétales sur la droite. Je peux les peindre en toute sécurité car leurs bords gauches sont teintés plus tard n'y a donc aucun risque que la peinture fraîche ne se mélange aux zones sur lesquelles je viens de travailler J'applique des oranges et des rouges plus près bords extérieurs, sur le côté droit, encore une fois, en laissant de petits espaces qui font désormais office de reflets. Ensuite, j'applique une autre couche épaisse de jaune transparent et de rouge quinacrodon, qui intensifie la saturation Les rouges deviennent très vifs à ce stade. J'ajoute également un peu de pourpre azarin permanent sous les pétales et près du bord inférieur de la trompette en utilisant des traits légèrement allongés Maintenant, je laisse cette fleur sécher complètement. Une fois qu'il est sec, je passe à un pinceau à doublure de taille zéro, semblable à un pinceau de rigueur Donc, si vous avez un pinceau de rigueur, il fonctionnera parfaitement bien. Ses poils plus longs sont parfaits pour peindre les lignes fines et les détails Avec ce pinceau, j'ajoute des lignes plus longues le long des trompettes et des veines subtiles sur les pétales J'utilise les mêmes couleurs légèrement plus foncées, pour m'assurer que les lignes sont visibles mais pas trop dominantes. Sur les pétales, je continue de suivre leur forme. Les lignes se courbent doucement et ramifient vers les bords Si vous comparez ma peinture à la photo de référence, vous remarquerez que je ne la copie pas exactement. Je m'en sers comme guide. J'observe où les ombres situent et où devraient se trouver les zones plus claires, mais je m'accorde une certaine liberté artistique. L'objectif est de créer un résultat crédible et visuellement agréable, non une réplique parfaite Vous remarquerez peut-être également qu' à chaque couche supplémentaire, la surface des pétales paraît un peu plus lisse. Les couches interagissent et contribuent à créer des transitions plus douces entre les zones claires et sombres. Pour en revenir au pinceau taille 8, j'utilise de l' alizarin cramoisi permanent pour approfondir certaines des zones les plus sombres avec des coups de pinceau supplémentaires J'ajoute également du jaune transparent aux étamines. Ensuite, je passe à nouveau à la fleur à boutons, en approfondissant les ombres. Je continue à suivre la forme des pétales avec mes coups de pinceau, simplifiant les formes là où c'est nécessaire. Je réchauffe le centre de la fleur en ajoutant plus jaune, puis en introduisant plus de rouge quinacrodon C'est une couleur extrêmement éclatante, surtout lorsqu'elle est mouillée. Et même si l'appareil photo ne le capture pas complètement, il paraîtra plus équilibré une fois sec. Je travaille également sur la mauvaise tige, accentuant le rouge à l'extrémité, en ajoutant du vert vers la tige et en remplissant le milieu de jaune. J'utilise un mélange de rouge plus foncé avec de l'ultra en bleu pour intensifier l' ombre à la pointe. Une fois que tout est sec, j'ajoute quelques veines subtiles ici et là avec le pinceau à doublure et approfondis les ombres sur la trompette, introduisant même une touche de vert près de la base En guise de touche finale, lorsque tout est complètement sec, je prépare un mélange très dilué de jaune transparent. À l'aide du pinceau que j'envoie, j'applique ce vernis à quelques endroits pour réchauffer doucement les couleurs Le jaune transparent fonctionne parfaitement pour cela. Il est léger, transparent et ajoute un effet lumineux doux. Cette technique, appelée glaçage, consiste à appliquer une fine couche de couleur transparente pour unifier le tableau et ajuster sa tonalité générale Et avec ça, les fleurs sont complètes. Nous pouvons maintenant passer à la peinture du colibri. 11. Colibri - Couche initiale: Dans cette partie, nous allons appliquer la couche initiale à l'oiseau. Malheureusement, je ne peux pas vous montrer ma palette à ce stade car mon deuxième appareil photo a arrêté d'enregistrer, et je ne l'ai pas remarqué. Mais je n'utilise pas de nouvelles couleurs. J'ai préparé une illustration utile montrant approximativement les couleurs que j'ai utilisées. Je vais peindre en utilisant la technique humide sur sec, mais nous voulons tout de même obtenir des transitions de couleurs douces. Pour ce faire, nous devons utiliser une consistance de peinture très aqueuse Assurez-vous d'utiliser un pinceau plus gros afin de pouvoir appliquer la peinture rapidement sans entrer dans les détails. Une brosse plus grande retient également plus d'eau, ce qui est très utile à ce stade. Je commence par une version légèrement diluée de la Sienne brûlée, légèrement atténuée avec un petit ajout de bleu outremer Remarquez à quel point la peinture est pâle et aqueuse. J'applique cette couleur en commençant par le haut de l'aile principale. Sur l'aile arrière, j'ajoute également du vert, un mélange de jaune transparent et de bleu Windsor. Je suggère une zone plus grisâtre sur l'aile en utilisant à nouveau un mélange de bleu de sienne brûlé et de bleu outremer, mais cette fois avec plus de bleu outremer dans le mélange. Puis je reviens au mélange vert et remarque que je laisse le bord de l'aile non peint En utilisant ce mélange vert, je continue à appliquer de la couleur sur les plumes principales. Au verso, j'utilise davantage la teinte bleu-vert Windsor pour créer une transition douce entre le vert et le bleu. J'adoucis également le bord le vert et le ton plus neutre du ventre, lorsque j'utilise un mélange de bleu de Sienne brûlé et de bleu outremer J'applique des tons bruns sur l'aile, puis je passe à la tête, commençant par le vert sur le dessus, puis en passant au brun et au gris foncé La gorge sera peinte en rouge quinacrodon. J'aimerais attirer votre attention deux zones lumineuses importantes, l'une à côté de l'œil et l' autre au niveau du cou. Essayez de ne pas peindre ces zones. Vous pouvez voir dans le tableau final qu'ils restent les points forts les plus brillants Pensez également à laisser une petite touche blanche sur le bec Si les couleurs se mélangent, ne vous inquiétez pas. Il ne s'agit que de la base de couche initiale. Plus tard, nous définirons plus clairement les formes et les couleurs. Alors maintenant, laissez cette première couche sécher complètement. Une fois qu'il sera sec, nous passerons à l'étape suivante. 12. - Approfondir les couleurs: Dans cette partie, nous nous concentrerons davantage sur les ailes tout en approfondissant les couleurs que nous avons appliquées précédemment. Nous allons continuer à créer des couches transparentes pour augmenter progressivement l'intensité des couleurs, les valeurs du tunnel et la définition. Vous pouvez maintenant jeter un œil à ma palette. Sur le côté gauche, j' ai un gros mélange de brun neutre pâle fait Sienne brûlée et de bleu outremer. Sur le côté droit, en bas, j'ai aussi du bleu outremer, légèrement mélangé à de la sienne brûlée. Ce n'est donc pas un bleu pur, mais c' est parfaitement bien vu que nous voulons des J'utilise un pinceau taille 10 et je travaille humide sur sec. Je prends le mélange brun et commence à travailler sur les longues plumes des ailes. J'applique le brun sur les côtés gauche et droit de chaque plume, laissant le milieu plus clair Cela crée une transition douce plus foncée sur les bords et plus claire au centre. Je le répète sur la plume suivante, laissant un petit espace entre elles afin que les couleurs ne se mélangent pas Je dois avouer que ces ailes étaient assez délicates et très confuses. Je les simplifie donc plutôt que de suivre exactement la référence. Mais je pense que le résultat semble toujours très convaincant. Je continue ce processus sur les cinq premières plumes. Pour les plumes inférieures, je suggère uniquement les séparations entre les plumes par des lignes simples L'aile gauche est plus à l' arrière et dans l'ombre, donc je veux m'assurer qu'il fait suffisamment sombre. J'applique du brun, du gris et du vert sur l'aile, laissant juste le bord plus clair pour suggérer une lumière réfléchie Ensuite, je prends un CNM brûlé plus intense et je l'applique sur la queue Ensuite, j'utilise du bleu outremer qui, lorsqu'il est mélangé sienne brûlée, crée un ton gris plus foncé Je l'utilise pour peindre les plumes les plus longues et les plus foncées. À ce stade, nous n'ajoutons toujours pas de détails précis. Nous nous concentrons sur le renforcement des valeurs globales et des couleurs établies dans la première couche. J'utilise le même mélange brun grisâtre pour peindre la zone de l'aile avec de plus petites plumes et j'ajoute également une autre couche de vert à la section triangulaire de l'aile qui se trouve dans l'ombre En utilisant le même mélange de gris, je peins également les plus grands. Maintenant, je prends du rouge de quinacridone pur et je l'applique sur les plumes de la gorge J'ajoute également une touche de jaune transparent pour lui donner un éclat subtil. Cela crée également une belle connexion de couleur entre l'oiseau et les fleurs. Maintenant, séchons complètement cette couche. Après séchage, laissez le papier refroidir à température ambiante. Pendant que nous attendons, nous pouvons préparer des mélanges verts et bleus frais. Je mélange le jaune transparent à teinte bleu-vert Windsor pour créer mon vert principal, ajustant entre un ton plus jaunâtre et un ton bleuté plus profond. Je garde également une petite zone de teinte bleu-vert Windsor propre sur ma palette. Maintenant, nous pouvons continuer. Je commence par le mélange vert et l' applique sur la tête en variant la teinte, plus de jaune-vert vers le bas et plus de bleu-vert vers le haut. OK. J'utilise ces légumes pour renforcer les plumes des ailes et du corps. Sur le corps, je commence par un vert jaune plus clair, puis je passe à un vert plus foncé et plus saturé. Au dos, j'utilise plus de vents ou de bleu. La première couche était essentielle pour bloquer la blancheur du papier L'aquarelle étant transparente, une seule couche apparaît souvent trop claire. Maintenant, avec la deuxième couche, les couleurs deviennent plus riches car le blanc du papier n'est plus entièrement visible en dessous. Sur le ventre, j'ajoute des tons gris doux en utilisant un mélange de sienne brûlée et de bleu outremer. Plus près de la gorge, j'introduis également une touche de rouge quinacrédon Les plumes plus claires reflètent les couleurs environnantes, ce qui contribue à unifier l' oiseau avec la fleur Enfin, j'ajoute un mélange de sienne brûlée et de jaune transparent près de la queue pour créer un effet vermifuge. La chaleur subtile le lie parfaitement au reste de la palette de couleurs. Nous pouvons maintenant laisser cette couche sécher complètement. Dans la partie suivante, nous finirons les ailes. 13. Colibri - Finition des ailes: Mais dans cette partie, nous allons nous concentrer entièrement sur les ailes et nous allons presque les terminer. Je dis presque car nous y reviendrons dans la dernière étape pour adoucir certaines arêtes. Mais pour l'instant, nous voulons terminer leur structure et leur couleur. Je commence par pulvériser à nouveau mes peintures avec de l'eau propre pour les rendre plus faciles à utiliser. Ensuite, je prépare un mélange brun frais Sienne brûlée et de bleu outremer. Je garde également un peu de bleu outremer sur le côté, et mon mélange vert de jaune transparent et de bleu Windsor sera également utile Je suis passé à un pinceau plus petit de taille 6. La structure de l'aile peut sembler un peu confuse, alors je simplifie. Tout d'abord, je me concentre sur la peinture des lignes entre les longues plumes. J'assombrit ces lignes vers le côté droit. Sur la gauche, j'utilise Morburn CNM, et sur la droite, je passe à la couleur gris à base de bleu outremer Vers le bas, je remarque des tons rougeâtres et violacés. J'ai donc introduit le rouge quinacradon, J'ai donc introduit le rouge quinacradon mélangeant au bleu outremer pour créer un violet atténué. Maintenant, j'ai besoin d'une valeur beaucoup plus foncée, alors j'utilise des peintures grises mélangées à de la Sienne brûlée Avec ce ton plus profond, je prolonge les lignes que j' ai déjà peintes. J'utilise également un gris neutre pour définir les séparations entre les plumes de l'aile arrière Deux à ce stade, je sèche tout complètement. Après séchage, je laisse le papier refroidir un moment. Nous avons maintenant la structure en place, mais l'aile manque encore de richesse et de variation de couleur. Ensuite, nous appliquerons un vernis unificateur et améliorerons la couleur. Pour ce faire, je passe à un pinceau de taille 10 plus grand, qui permet de travailler plus rapidement sur de plus grandes surfaces. Je commence par un mélange de brun jaune chaud, sienne brûlée avec du jaune transparent, puis je passe progressivement à un vert chaud Je me suis déplacée vers le bas, en appliquant ces couleurs sur les plumes. Le centre des plumes doit rester plus clair, donc j'essaie de le préserver, mais ne vous inquiétez pas si vous en couvrez trop. Nous pourrons corriger certains points forts plus tard à l'aide d'une brosse à récurer Sur les petites plumes situées près du bas, je vois des tons plus rougeâtres et violacés, c'est ce que je reflète dans Je peux même améliorer ou légèrement décaler les couleurs. Je n'ai pas besoin de suivre exactement la référence. Vous remarquerez peut-être un petit point blanc sur l'aile qui est en fait un reste de liquide de masquage que je n'ai pas Ce n'est pas un problème. Je l' enlèverai plus tard et repeindrai cette zone. Après séchage à nouveau, j'assombrit légèrement l'aile arrière avec un simple lavage de tons bruns et verts Maintenant que je reviens à un mélange plus foncé de sienne brûlée et de bleu outremer, je commence à marquer les formes les plus importantes dans la zone triangulaire de l' Cette zone étant assez complexe, je me concentre sur les formes sombres les plus visibles que je puisse voir dans la référence. Elles correspondent généralement aux ombres les plus profondes entre les plumes. En même temps, j'évite dessiner complètement chaque plume Cela paraîtrait trop dur et peu naturel. Je suggère plutôt la structure en plaçant les ombres de manière sélective à certains endroits. Ensuite, je passe au vert plus foncé et je commence à définir les plumes individuelles. Je pense que ce motif ressemble presque à des écailles de poisson, simplifiant la structure pour en faire des formes répétitives Sur chacune de ces formes, j'ajoute des lignes parallèles pour suggérer la texture de la plume Les verts et bleus plus foncés créent de la profondeur et de l'ombre, tandis que le vert plus clair de la couche précédente fait office de surlignage. Et je mélange également le rouge quinacrodon avec le bleu outremer pour peindre une rangée de plumes plus petites et plus foncées. Et je mélange également le rouge quinacrodon avec le bleu outremer pour peindre une rangée de plumes plus petites et plus foncées M Enfin, j'affine quelques lignes plus longues sur l'aile arrière en utilisant un vert plus foncé. À ce stade, les ailes sont terminées. Ils ont une plus grande profondeur, une variation de couleur et des formes clairement définies. Nous pouvons maintenant passer à la peinture des plumes vertes et bleues du corps. 14. Colibri - Plumes vertes et bleues: Dans cette partie, nous allons continuer à travailler sur les plumes. Nous allons nous concentrer sur les plumes vertes et bleues du corps, commençant par la tête et en descendant vers la queue. Je vais d'abord préparer quelques couleurs. Je commence par un mélange de jaune transparent et de bleu Windsor, qui donne un vert chaud et frais. J'ajoute ensuite du bleu outremer sur le côté droit de ce mélange, créer une gamme de couleurs allant du jaune au vert moyen en passant par le vert bleuté plus foncé dessous, je mélange un autre vert en utilisant du jaune transparent et du bleu Windsor, mais cette fois avec plus de bleu. Cela me donne un vert plus foncé et plus riche, presque un turquoise profond. Je commence à peindre avec ce turquoise profond à l'aide d'un pinceau de taille 4 plus petit. À ce stade, nous nous concentrons sur les détails, c'est pourquoi un pinceau plus petit fonctionne mieux. Le processus de peinture de ces plumes peut sembler un peu aléatoire et chaotique. Il n'y a pas de structure stricte ici, mais je vais expliquer mon approche. Je regarde la photo de référence et j' identifie d'abord les points les plus sombres qui ressortent le plus. Ces zones m'aident à construire une structure générale pour les plumes. Et je ne suis pas exactement la référence. J'imagine chaque plume comme une petite forme, presque comme une écaille de poisson Je commence par suggérer ces formes, mais j'évite de dessiner complètement chaque plume, car cela paraîtrait trop dur ou artificiel, un peu trop J'indique plutôt la structure en plaçant des ombres ici et là. Je ressens ensuite ces formes avec des coups de pinceau courts et droits qui créent une texture plumeuse. Sur le bord de la tête, j'introduis des bruns et des rouges Les plumes du dessus sont plus bleutées. J'utilise donc plus de bleu Windsor, plus bas, plus près de l'œil, les tons deviennent plus chauds Je passe donc à un mélange plus vert avec plus Je continue de remplir de plus grandes zones avec ces petits traits pour augmenter la texture et la variation. Je répète ce processus sur les plumes restantes du corps. Je suggère d'abord les formes avec un vert plus clair, puis je les remplis de lignes. Je varie les couleurs en passant du turquoise profond au bleu, vert et même à des touches de jaune. J'ajoute également des tons plus foncés dans les zones les plus sombres, généralement dans les coins de ces formes Une fois les formes remplies, je prends du jaune transparent et je l'applique à quelques endroits pour introduire plus de variation et faire ressortir de subtils reflets jaunes. Pour les plumes du dos, je passe au bleu Windsor. Je suggère d'abord les formes principales , puis j'ajoute des ombres subtiles dans chacune d'elles. Ensuite, j'utilise un vert plus foncé pour peindre la zone ombragée située sous l'aile Cela permet de séparer l'aile du corps et ajoute une sensation de profondeur. J'approfondirai cette ombre plus tard. J'ajoute également du jaune plus transparent dans la partie inférieure des plumes. Même si la photo de référence ne montre pas beaucoup de jaune, je pense que cette combinaison de jaune, de vert et de bleu crée un effet plus vibrant et harmonieux. J'adoucis les bords de cette glaçure pour qu'elle se mélange parfaitement sans laisser de traces. Quelques touches finales et ces plumes sont complètes. Dans la partie suivante, nous nous concentrerons sur les éléments les plus sombres et les plumes de la poitrine. 15. Queue, accents foncés et plumes de poitrine: Cette partie nous rapproche de l'étape finale. Nous allons maintenant introduire les valeurs les plus sombres en noir, ce qui ajoutera du contraste et donnera plus de caractère à l'oiseau Nous laisserons l'œil pour plus tard. abord, nous avons besoin de deux couleurs principales, sienne brûlée comme brun principal et un mélange plus foncé pour le noir Et pour le noir, je mélange du Sienna brûlé avec du gris Pains. C'est une combinaison que j'utilise très souvent. J'utilise un pinceau taille 4 et je commence par le noir. Je peins tous les éléments les plus sombres de la queue. Certaines de ces lignes sont assez longues et s'étendent vers le haut, plus ou moins au niveau des jambes. Quant aux jambes, nous les laisserons pour plus tard. Ils sont noirs, il est donc plus facile de les peindre à la toute fin une fois que tout le reste est fini et sec. J'utilise également ce mélange foncé sous l'aile pour approfondir l'ombre. Ensuite, je prends de la sienne brûlée et je sens les zones situées entre les lignes sombres de la queue La peinture noire est encore humide, mais c'est parfait. Lorsque les couleurs se mélangent, elles créent des transitions plus douces et plus naturelles. Puis je passe au bec. J'utilise le même mélange foncé pour peindre le bec et la zone triangulaire près de l'œil Je laisse une petite partie du bec non peinte pour le moment. Je vais ajouter plus de couleur bleutée ici. Je veille également à préserver les reflets blancs. Je mélange le rouge quinacradon avec le bleu outremer pour créer un violet atténué et je m'en sers pour peindre la zone située sous les yeux Au bas de cette zone, j'ajoute une touche de noir pour approfondir l'ombre. En utilisant de la Sienne brûlée, j'ajoute quelques petites marques au-dessus l'œil pour suggérer une texture plumeuse À ce stade, je fais tout sécher. Une fois sec, je reprends le mélange foncé pour obtenir une texture de plume subtile sur la zone des joues, sous les yeux La dernière étape de cette partie consiste à créer une texture de plume douce sur le ventre Nous avons déjà une couche de base, alors j'utilise maintenant un ton gris très clair pour ajouter de nombreux coups de pinceau courts et délicats. Je ne dessine pas des plumes individuelles, simplement de la texture grâce à des marques répétées Au fur et à mesure que je descends, je varie légèrement la couleur en introduisant des bruns plus chauds et de subtils tons verdâtres, tout en gardant le tout assez clair Près de la queue, j'applique de la sienne brûlée, puis j'ajoute un peu de mélange foncé pour en approfondir la valeur J'utilise également un gris neutre pour assombrir légèrement le bord du ventre près des jambes Enfin, avec un pinceau plus large, alors que je me tiens debout, j'applique un vernis rougeâtre très clair près plumes rouges et je l' estompe doucement sur le ventre Maintenant, nous pouvons tout sécher, et dans la prochaine partie, nous allons peindre la gorge rouge. 16. Gorge rouge: Dans cette très courte partie, nous allons nous concentrer sur la peinture des plumes rouges sur la gorge. Pour cela, nous utiliserons quelques nuances de rouge, le rouge quinacrodon et le rouge permanent Alyzarin Je commence par marquer les formes générales des plumes. Remarquez que les plumes deviennent plus petites à mesure qu'elles s' approchent du bec Si votre rouge semble trop clair, vous pouvez l'approfondir en ajoutant lazarin plus permanent Une fois la structure en place, nous pouvons commencer à remplir les plumes en utilisant courtes lignes droites pour créer de la texture. Mélangez ensuite le rouge avec une touche de noir et utilisez ce ton foncé sur les bords et dans la partie inférieure pour approfondir les ombres et une dimension. Et cela complète cette partie. Dans la prochaine, nous peindrons les pieds, l'œil et ajouterons la touche finale pour terminer la peinture. Non 17. Jambes, yeux et touches finales: Cette partie est particulièrement satisfaisante car nous allons enfin donner vie au colibri en peignant l'œil C'est toujours un moment très excitant. Nous ajouterons également plus de lumière à la peinture en augmentant la couleur des zones sélectionnées. J'utiliserai un pinceau taille 4. Pour les tons foncés, j'utilise à nouveau un mélange de Sienne brûlée et de peintures grises Nous aurons également besoin d'un bleu outremer propre pour les yeux. Commençons par les jambes. Prenez le mélange foncé et peignez-le. À ce stade, mes traits de crayon sont à peine visibles. Si les vôtres ont disparu et que vous ne vous sentez pas à l'aise pour peindre à main levée, vous pouvez d'abord les redessiner légèrement Je peux encore voir quelques lignes floues, donc je vais les suivre J'utilise ici un seul ton foncé sans me soucier des variations. Plus tard, nous soulèverons un peu de peinture pour créer des reflets subtils. Il est maintenant temps de passer à la partie la plus excitante, l'œil. Commencez par appliquer du bleu outremer dans la zone de surbrillance, mais laissez une petite section de papier blanc pur Dans un instant, nous ajouterons des tons plus foncés, et il est important de conserver un espace blanc clair entre la zone bleue et la zone plus foncée. Maintenant, laissez le bleu sécher complètement. Ne précipitez pas cette étape. Nous ne voulons pas que les couleurs se mélangent. L'œil est une surface brillante, et pour créer cet effet, nous avons besoin de bords nets et d' un fort contraste de valeur tunnel. Une fois que le bleu est sec, commencez par le mélange de Sienne brûlé avec une touche de mélange foncé Utilisez ce brun foncé pour peindre l'iris, façonnant ainsi la forme ronde de l'œil. N'oubliez pas de laisser intacte cette touche blanche entre le bleu et le marron Prenez ensuite un noir profond, votre mélange foncé, et peignez la pupille en renforçant les zones les plus sombres Commencer par le brun au lieu du noir pur permet d'éviter un look plat et sans vie. Même une chaleur subtile rend l'œil plus naturel et accentue la profondeur du noir. Vous peignez l'œil, ajoutez un anneau légèrement irrégulier autour de celui-ci et affinez les plumes environnantes si nécessaire. Si le reflet bleu semble trop clair, vous pouvez appliquer une autre fine couche une fois que tout est complètement sec. Le bleu représente le reflet du ciel. J'ai envisagé d'ajouter une autre couche bleue, mais finalement j'ai décidé que tout allait bien, alors je l'ai laissé comme ça. Il y a une dernière étape pour terminer le tableau. Nous allons ramener plus de lumière. Pour cela, j'utilise ma brosse à récurer, galeria taille 4. Je le plonge dans l'eau, je tamponne le S sur une serviette en papier, puis je soulève la couleur sur les zones sélectionnées Je commence par adoucir les bords des ailes. Après avoir légèrement frotté, j' éponge la zone avec une serviette en papier, soulevant le pigment et révélant des tons plus clairs Ces bords souples évoquent non seulement la lumière, mais contribuent également à transmettre le mouvement des ailes. Ils étaient en acier, les arêtes paraissaient plus nettes. Je soulève également de la peinture sur les plumes bleues du dos et de la tête pour suggérer la lumière réfléchie. Ensuite, j'adoucis légèrement le reflet du bec. Je passe ensuite aux fleurs, rehaussant la couleur à quelques endroits pour mettre en valeur les reflets et adoucir les bords trop durs. Sur la fleur du bas, j'adoucis un bord plus foncé pour faire revenir plus de lumière. Enfin, à l'aide d'un pinceau de taille quatre légèrement humide, je soulève doucement les petits reflets sur les jambes. W Et avec cela, le tableau est terminé. Vous pouvez maintenant signer votre œuvre, retirer le ruban adhésif et prendre un moment pour profiter du résultat Les couleurs sont éclatantes et l'effet est renforcé par la palette de couleurs complémentaire. Le rouge et le vert sont placés l'un en face de l' autre sur la roue chromatique, créant un contraste énergique et vivant. Dans la dernière partie, nous allons résumer brièvement ce que nous avons appris dans ce didacticiel. 18. Résumé: Félicitations pour avoir terminé cette peinture de colibris. C'était un projet dynamique et j'espère que vous avez non seulement apprécié le processus, mais aussi que vous êtes fier de ce que vous avez créé. Récapitulons rapidement points les plus importants que nous avons explorés Nous avons commencé par diviser le tableau en étapes claires et faciles à gérer, commençant par le fond, puis les fleurs et enfin l'oiseau L'ensemble du processus semblait structuré et plus facile à suivre Au lieu d'essayer d'obtenir des couleurs fortes tout de suite, nous les accumulons progressivement en utilisant plusieurs couches transparentes. Cela nous a permis de créer de la profondeur, la richesse et un effet d'aquarelle lumineux Nous nous sommes entraînés à travailler à la fois avec techniques mouillé sur mouillé et mouillé sur sec, en portant une attention particulière au timing. Comprendre le degré d'humidité du papier nous a permis de contrôler plus efficacement les mélanges souples, les bords et les textures. À l'aide de couches de lavage, en inclinant le papier et en ajoutant des textures subtiles telles que des éclaboussures d'eau, nous avons créé un arrière-plan doux et aéré qui soutient le sujet principal sans le submerger Qu'il s'agisse des ailes ou de la plume, nous avons simplifié les formes complexes pour en faire des formes et des motifs faciles à gérer, concentrant sur les ombres et les reflets les plus importants plutôt que sur le moindre détail. agisse de fines veines sur les pétales ou de textures de plumes superposées, nous avons utilisé des coups de pinceau contrôlés pour ajouter progressivement des détails, donnant ainsi vie à la peinture sans trop la travailler Nous avons travaillé avec une palette de couleurs vives et complémentaires, le rouge et le vert, qui contribuent à créer de l'énergie et intérêt visuel tout en maintenant l'équilibre de la peinture. Au cours de la dernière étape, nous améliorons le tableau en approfondissant les valeurs les plus sombres et en soulevant les reflets De petits détails tels que l' œil, les glaçures subtiles et les bords adoucis ont fait une grande différence dans le résultat final Merci beaucoup d'avoir peint avec moi. J'espère que ce projet vous a aidé à vous sentir plus à l'aise avec la superposition, le contrôle des couleurs et la peinture de sujets plus dynamiques tels que Bird Intégrez ce que vous avez appris ici dans vos futures peintures et , surtout, appréciez le processus. Bonne peinture et j'espère vous voir la prochaine fois