Ce que chaque artiste devrait savoir : apprendre les bases de l'art, trouver votre style, tirer profit et plus encore

1. Bande-annonce: Comme il n'existe pas de guide officiel, être un artiste peut avoir envie de fouiller dans l'obscurité, de ne pas savoir quoi faire ensuite, ou même si des progrès sont faits. Je suis ici pour te dire que ça n'a pas à être comme ça. En fait, j'ai fait ce cours pour éclairer la façon dont le parcours créatif et pour améliorer vos connaissances et vos compétences. Salut, je m'appelle Hismena. Je suis un artiste autodidacte de l'aquarelle, encre et d'autres artistes de médias mixtes. Vous me connaissez peut-être de divers autres cours de Skillshare. Ce cours est un peu différent. Au lieu d'enseigner une certaine technique ou comment utiliser un support, nous allons plonger dans les principes de base qui sont nécessaires pour être un illustrateur à succès. Ce cours est composé de toutes les choses dont tous les artistes nouveaux ou expérimentés devraient être conscients. Essentiellement, ce sont les choses que j'aimerais savoir il y a des années. Je vais entrer en détail sur des tonnes de sujets allant des principes de conception super importants, aux exercices de dessin, à la façon de trouver le bon média pour vous, et même de découvrir votre style et votre créneau personnel. Nous aborderons également des questions pour lesquelles vous avez probablement des questions, comme l'utilisation de références, création de votre audience et de votre marque, et comment monétiser votre art afin que vous puissiez en faire une carrière. Je vais même vous donner des conseils sur des choses comme la jalousie de l'art et le bloc d'art. Que vous soyez amateur ou professionnel, ce cours vous aidera à vous poser les bonnes questions et à comprendre ce que vous devez faire dans votre parcours créatif. Il vous donnera également des tonnes d'idées et espérons-le, vous inspirer à grandir et à pratiquer votre métier. Qu' attendez-vous ? Plongons directement dans. 2. Qu'est-ce que cela signifie, d'être un artiste ?: Qu' est-ce que ça veut dire d'être un artiste ? Eh bien, c'est simple. Pour moi, si vous aimez faire de l'art et que vous le faites souvent, vous êtes un artiste. Pensez-y. Pablo Picasso, dès qu'il a ramassé son pinceau et qu'il a commencé à créer et a adoré le faire, il était déjà artiste. Ce n'était pas comme si quelqu'un venait le voir et lui disait : « Hé, tu sais quoi ? Tu es enfin assez bon. Vous pouvez vous qualifier d'artiste maintenant que vous êtes autorisé à le faire. » Vous avez déjà le pouvoir de vous étiqueter comme un artiste. Même si vous êtes un débutant complet, je veux que vous acceptiez le fait que vous êtes un artiste, parce que vous regardez ce cours, vous consacrez le temps et l'effort et ensuite vous devez vivre à la hauteur. Vous devez mettre le temps, vous devez mettre l'amour dedans, vous devez pratiquer votre métier. Dans les prochaines leçons, je vais vous donner beaucoup d'idées sur la façon de pratiquer votre métier et d'en apprendre davantage sur les fondations dont vous avez besoin en tant qu'artiste pour rendre votre travail présentable et avoir de belles compositions et des choses comme ça. Mais être artiste est une chose personnelle. Vous avez votre propre parcours créatif spécial que vous allez faire. Cela n'a rien à voir avec mon voyage ou celui de quelqu'un d'autre, vous allez savoir ce qui est bon pour vous, si ce que je dis dans cette classe ne vous semble pas juste ou ne vous accompagne pas, prenez le avec un grain de sel. chose la plus importante pour être un artiste, est la persévérance, car au début, vous faites beaucoup d'art laid. Voici mon carnet de croquis d'il y a 7,5 ans. Comme vous pouvez le voir, ce n'était pas très bon, c'est vraiment embarrassant. C' était dans un carnet de croquis privé et je l'ai rempli et j'ai continué dessiner et dessiner et dessiner et dessiner parce que j'aimais dessiner. Alors s'il vous plaît, dessinez. Ne vous inquiétez pas des résultats. Tu t'entraînes, tu vas de mieux en mieux avec le temps. Ce n'est qu'une question de temps jusqu'à ce que vous soyez comme les artistes professionnels que vous attendez. Ne laissez pas la peur de faire de l'art laid vous arrêter. n'y a pas d'erreurs dans l'art, il n'y a pas d'art laid, c'est juste du temps de la pratique. Je fais de l'art tout le temps, même de nos jours, comme vous pouvez le voir ici, il y a juste des trucs que je fais qui ont des erreurs et qui n'ont pas l'air assez bien. Cela arrive tout le temps même maintenant et je pense que ça va continuer à se produire pour toujours et toujours. Je suis reconnaissant pour cela parce que cela me fait vraiment apprécier quand la pièce va bien et j'apprends des leçons de chaque pièce que je fais comme ça. plaît, ne te retiens pas en disant : « Je ne vais plus faire d'art  », juste parce que tu ne penses pas que tu es assez bon pour l'instant. La seule raison pour laquelle vous n'êtes pas encore assez bon, c'est parce que vous devez pratiquer plus. Alors pratiquez, pratiquez, pratiquez, et n'ayez pas peur de faire des erreurs. C' est une partie normale du processus créatif et du parcours. Avant de commencer le cours, prenez un moment pour vous engager dans votre pratique artistique. Prenez un moment pour réfléchir, vous allez travailler dur à cela et vous réussirez. Si vous croyez que vous le ferez, vous le ferez, mais vous devez mettre le travail dans. Plus vous travaillez dur, plus les résultats seront bons et plus vous vous sentirez satisfait. C' est une victoire, une victoire, une victoire, une victoire. Prenez votre temps, faites votre truc et aimez votre métier. Vous n'arrêterez jamais d'apprendre, d' évoluer ou de grandir, et c'est une chose incroyable. J' attends vraiment avec impatience toute une vie de ça. Si vous mettez le temps chaque jour ou presque tous les jours, qui sait à quel point votre travail sera beau, dans un an, deux ans, voire dans 10 ans, peut-être même dans 50 ans. Je ne peux même pas imaginer comment tu affecteras le monde. L' art est une puissante magie. Sérieusement, nous sommes tous des sorciers, et je vous souhaite la bienvenue dans la guilde des artistes du magicien. J'ai inventé ça. Mais le fait est que vous avez tellement de chance d'être mordu par le bug créatif et je suis impatient de voir comment vous allez affecter le monde et votre vie et juste profiter du processus. Regardons tout dans les artistes puisque vous savez pour leur fondation parce que si vous avez cette fondation en bas, alors vous pouvez faire ce que vous voulez, avec le style que vous voulez, mais nous devons abord apprendre les bases. Alors passons à ça. 3. Ligne, forme et formule: L' art est composé de nombreux éléments, mais sans doute le plus important est la ligne, la forme et la forme. La ligne est juste une ligne simple. Il peut être maladroit, droit, divisé en plusieurs lignes ou tout ce que vous pouvez penser. Les lignes peuvent également être épaisses ou minces ou avoir une variation de ligne qui va d'épaisseur à mince, ce qui est ma façon préférée de les utiliser. Ils peuvent même avoir une texture pour eux ou faire la sensation de texture ou d'ombrage ou les deux simplement en étant utilisés d'une certaine manière. Comme voici un exemple étonnant par le super talentueux DZO Olivier, qui réalise des illustrations extrêmement détaillées en utilisant des lignes à tous les égards. Il maîtrise l'illustration à la plume et à l'encre, et cela montre vraiment que la profondeur et le détail de son travail et il fait tout cela se trouve dans des stylos techniques simples. Un autre bon exemple, est l'œuvre de Katie Wolford. Elle utilise des lignes continues pour faire ses illustrations. Ça veut juste dire qu'elle ne lève jamais son stylo de la page. Ses illustrations sont essentiellement, une très longue ligne. N' est-ce pas génial ? Voici un autre exemple d'un maître de ligne, Sara Tepes. Ses lignes sont fluides, pleines de caractère dans la vie, et c'était à l'encre, mais regardez ce dessin au crayon. Il se remplit tout aussi vivant, même s'il s'agit d'un type de ligne différent, ce n'est pas aussi expressif. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup que vous pouvez réaliser avec la ligne. drôle avec les lignes, c'est que si vous regardez le monde qui vous entoure, vous ne pouvez pas voir les lignes décrivant des choses mais seulement dessiner, surtout au début, nous avons tendance à dessiner des dessins de lignes de contour, ce qui est juste un contour style de séchage. C' est une excellente façon d'apprendre à dessiner et à remarquer les détails, mais il peut aussi rendre les choses plus dessinées et moins réalistes. Certains artistes utilisent des contours avec un travail réaliste sur le but pour un contraste cool ou parce que c'est leur style, comme DZO le fait, mais certains ne , par exemple, si vous regardez l'artiste extrêmement habile, Ozabu, vous pouvez voir dans son pièces finies, elle obtient une sensation très réaliste en n'utilisant pas de contours. Mais voici un exemple différent de son carnet de croquis, qui se sent moins réaliste et plus stylisé parce qu'elle a utilisé les contours. Comme vous pouvez le voir, ils ont tous les deux des sentiments différents pour eux. Une autre chose impressionnante à propos de ses pièces réalistes, c'est qu'elle utilise en fait des lignes qui sont proches de l'ombre. Aligner ou ne pas utiliser les contours dépend de vous. n'y a pas de bonne façon de faire de l'art, mais il est bon d'être conscient de l'effet que vous obtenez en incluant ou en excluant les contours. Personnellement, j'utilise les lignes la plus grande partie de mon travail en les séparant et en ne les laissant pas toucher tout le chemin. Ils améliorent le contraste et le détail des pièces, mais c'est juste mon style. Le fait est, je suis conscient de la façon dont les effets de ligne mon art et l'utiliser délibérément, mais ce n'est pas quelque chose que je pense habituellement, comme tous les concepts que je vais vous enseigner au début, vous y penserez beaucoup, mais après un tout en choisissant ce qu'il faut faire, devenir l'expression automatique de votre style, et vous saurez quel effet vous obtiendrez automatiquement. Essayez simplement d'être conscient de la façon dont les différents artistes utilisent la ligne, quand vous regardez leur travail, et vous développerez naturellement une sensation pour les différentes façons dont vous pouvez utiliser la ligne aussi. Soyez aussi créatif que vous le souhaitez, car la ligne est super polyvalente et les possibilités sont infinies. Suivant est la forme. La forme est exactement ce qui se passe quand une ligne se rencontre en arrière commence. Les carrés, les cercles, les triangles, etc. sont toutes des formes. Les formes sont 2D, ce qui signifie qu'elles sont plates. Les formes sont extrêmement utiles, en particulier lors de l'esquisse des proportions de ce que vous voulez dessiner. Vous pouvez dessiner quelque chose de près, je vous ai montré comment décomposer les objets que vous voyez en formes de base. De cette façon, vous pouvez commencer vos croquis avec les proportions de base, et vous n'avez pas à vous inquiéter quand vous ajoutez des détails et qu'il finit par paraître bizarre, parce que vous ne saviez pas où tout est censé aller. Avoir la compétence de regarder autour de vous et de voir les formes de base qui composent les choses, est vraiment essentiel en tant qu'artiste. S' il est difficile pour vous de voir les formes et les objets de tous les jours, je vous recommande d'obtenir des magazines ou des livres avec des images et d' essayer de décomposer les images que vous voyez en formes à l'aide d'un marqueur Sharpie, ou si vous avez une tablette qui est encore mieux, vous pouvez simplement utiliser beaucoup d'images différentes et faire la même chose en traçant. Continuez à le faire jusqu'à ce qu'il devienne, facile de les voir. Assurez-vous de rester simple et vous êtes prêt. Voyant des formes dans des sujets complexes, il sera plus facile de dessiner tout ce que vous voulez. Une autre chose amusante que vous pouvez faire avec les formes est exagérer ou jouer avec elles. Par exemple, l'artiste Eleni Kalorkoti, utilise la forme de la manière intéressante. Elle n'avait prêté attention qu'à la forme de son sujet, mais aussi aux formes faites en arrière-plan ou à l'espace négatif. Remarquez comment votre œil voyage à travers toutes les formes et c'est tellement amusant de les regarder. Elle jouait un rôle énorme dans son style et, comme vous pouvez le voir, ils lui donnent un sentiment vraiment cool. Dans un autre bon exemple est que nous avons mis trois cercles ensemble, vous pensez à un doit célèbres personnages de dessins animés jamais fait. C' est parce que les bons créateurs de personnages connaissent l'importance des formes et prêtent toujours une attention particulière aux silhouettes de leurs personnages. Comme vous pouvez le voir, vous pouvez reconnaître qui est chacun de ces personnages, même si je ne fais que montrer la silhouette. Une silhouette est super importante. Ce ne sont que quelques exemples, mais vous pouvez vraiment faire beaucoup avec des formes simples alors ne les sous-estimez pas et jouez avec eux. Maintenant, les formes sont un peu plus complexes. C' est essentiellement une forme 3D. Cercle est une forme et une sphère est une forme. Même chose avec le carré contre un cube. La forme est importante parce que nous vivons dans un monde 3D et à cause de cela, votre sujet sera généralement un 3D. Vous devez comprendre cela et le considérer comme un sujet 3D, surtout lorsque vous utilisez une référence photo, il peut être facile d'oublier que c'est une vraie chose dont vous avez une photo. C' est pourquoi je vous recommande de commencer à dessiner de la vie, mais quand vous finissez par utiliser des photos, en gardant à l'esprit que c'est une chose 3D que vous regardez. Il rendra votre rendu moraliste et il se sentira juste. Penser votre sujet en 3D signifie que vous portez une attention particulière à l'éclairage, l'angle auquel il fait face et ainsi de suite. Par exemple, si vous regardez le travail de Gabrielle Brickey, la première chose que vous remarquerez, c' est que tous ses portraits se sentent vivants et réels. Même si leurs styles et les bords sont mélangés, dirait que vous regardez une vraie personne parce qu'elle est une maîtresse de voir les choses en 3D, que savoir comment la lumière rebondit sur chaque partie du visage. Heureusement pour vous, elle est aussi professeur de partage de compétences et a une classe sur l'utilisation de l'éclairage et des portraits. Je vous encourage à vérifier si vous voulez dessiner ou peindre des gens, mais ne vous inquiétez pas si cela est devenu un peu trop compliqué pour vous, vous vous habituerez naturellement à penser à la forme avec le temps, et je vais vous montrer un moyen de pratiquer voir et dessiner à partir de la leçon d'exercices de dessin. Parlons de valeur. 4. Valeur: Maintenant, plongons dans quelque chose d'un peu plus complexe et peut être intimidant, mais ne vous inquiétez pas, comme tout le reste est juste de la pratique. Valeur signifie la légèreté ou l'obscurité d'une couleur ou d'une teinte. Si vous regardez tout autour de vous, vous remarquerez que certaines choses sont plus claires et plus sombres, et dans un objet il y a aussi parties plus claires ou plus sombres selon ce qui est dans la lumière ou ce qui est dans l'ombre. S' il est difficile pour vous de voir la valeur en couleur, vous pouvez toujours commencer par ne faire que des études en niveaux de gris, et une fois que vous l'avez bien compris, passez à essayer de voir la valeur en couleur. Une façon plus facile de comprendre cela est de faire une compétence de valeur dans le support choisi. C' est juste une échelle du blanc pur au noir qui change progressivement. Chaque couleur a également un ton plus clair et plus foncé et vous pouvez également faire une échelle avec eux. La valeur est ce qui rend votre art réaliste car il montre un éclairage sous la forme de l'objet. Ce concept est facile à ignorer, mais il est vraiment important de maîtriser, faire de votre art une réalité particulière, ou même une maladie surréaliste comme se souvenir de l'art de Gabriel. La raison pour laquelle c'est surréaliste est qu'elle est une maîtresse, à voir et à peindre de la valeur. En jouant avec les valeurs, nous pouvons changer un contraste de valeur d'une image. Par exemple, il s'agit d'une image normale avec une échelle de valeur normale. Maintenant, l'image à gauche est une image à contraste élevé car il y a moins de nuances de gris entre le blanc et le noir. Et puis une image à droite est une image à faible contraste parce que son échelle de valeur est dans une plage limitée avec peu de variation. Notez que le blanc et le noir ne sont même pas inclus. Habituellement, les images à contraste élevé sont dramatiques et à faible contraste ou subtiles. Vous pouvez également impliquer des valeurs en ombrageant en utilisant des modèles simples comme j'ai montré, indépendants en classe. Beaucoup d'artistes débutants évitent complètement la valeur parce que c'est si difficile à maîtriser. Mais le simple fait de connaître les bases peut être extrêmement bénéfique. Par exemple, dans cette pièce, j'ai fait sortir le cristal plus et me sentir plus brillant faire un fond plus sombre et de les souligner à l'encre noire. Cela augmente considérablement le contraste avec le cristal plus léger et même les pièces qui sont blanches. C' est une technique simple et efficace. Une autre astuce soignée est de rendre votre art noir et blanc en utilisant Photoshop pour voir si vous faites vos valeurs correctement. Si vous faites une pièce qui a presque les mêmes valeurs tout au long, elle se sentira plate et il y aura ce sentiment sous-jacent de quelque chose qui regarde dehors. Assurez-vous que vos valeurs changent tout au long de votre pièce. Même si vous faites de l'art de la bande dessinée, vous pouvez le faire simplement en choisissant des couleurs avec des valeurs différentes pour différentes parties. Il y a beaucoup plus à apprendre sur la valeur et la meilleure façon de le faire est d'étudier la valeur. Obtenez du charbon de bois ou un crayon et essayez de dessiner en utilisant uniquement des valeurs pour la pratique. Maintenant, étudions les compétences les plus importantes de chaque artiste. 5. L'observation est primordiale: Si vous avez suivi ma classe You Can Draw Anything, alors vous savez déjà que l'observation est la chose la plus importante dans la boîte à outils d'un artiste. Sans la capacité de voir correctement, peu importe à quel point vous êtes à dessiner des cercles parfaits, votre travail en souffrira. L' observation fait beaucoup, mais le plus important, peu importe votre style, elle gardera votre travail à l'aspect unique, crédible et vivant. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Nos cerveaux sont câblés pour faire des raccourcis, et cela est particulièrement vrai quand il s'agit de dessiner. Si vous regardez le travail d'un artiste débutant ou le travail d'un enfant, cela ressemble à ceci. La raison est que le cerveau pense qu'il sait à quoi ressemble tout et qu'il empêche de dessiner réellement ce que vous voyez. Si vous regardez le monde avec des yeux frais au lieu de tout étiqueter, vous remarquerez les détails et comment tout est différent. Un vrai artiste voit la ligne, la forme, la forme et la valeur lorsqu'il ne dessine pas un œil, pas une couverture, pas une plante. Ils voient les détails et les formes. Mémoriser comment dessiner quelque chose n'est pas une mauvaise chose. En fait, c'est une compétence utile pour apprendre des choses comme l'anatomie et autres. Le problème est, vous avez déjà beaucoup de choses défectueuses que vous mémorisez quand vous les avez dessinées comme un enfant ou un débutant. Je suis coupable de ça aussi de temps en temps. C' est pourquoi, quand je dessine, je fais attention aux détails et je me perds en eux un détail à la fois. Il est important de ne pas avoir peur de faire un travail laid. Ton cerveau veut que tu le joues en toute sécurité. Ne l'écoutez pas. Au lieu de cela, soyez honnête avec ce que vous voyez au moins au début. Lorsque vous obtenez vos compétences d'observation à la hauteur et apprenez à bien voir, vous aurez la possibilité de styliser tout ce que vous voulez en utilisant votre propre voix unique. Si l'observation est difficile pour vous, mon conseil est de pratiquer à tirer de la vie autant que vous le pouvez et à vraiment prêter attention aux détails et aux lignes et je vais vous montrer quelques exercices qui vous aideront dans la prochaine leçon. Le fait est, ne laissez pas votre cerveau vous dire ce que vous voyez, écoutez vos yeux à la place. L' observation ne devrait pas être compliquée et devrait en fait rendre le dessin plus facile et pas plus difficile. Au début, il vous sera difficile de faire le changement si vous avez pas déjà fait, mais une fois que vous voyez vraiment, cela deviendra simple. Maintenant que nous avons appris les concepts de base les plus importants dans l'art, passons en revue quelques exercices de dessin qui vous aideront à développer vos compétences rapidement. 6. Exercices de dessin: Maintenant, nous connaissons peut-être les bases du dessin, mais sans le dessin, nous ne nous améliorerons pas. La pratique est la clé pour toute compétence, en particulier dans l'art. Mais je sais à quel point peut être intimidant de regarder une page blanche ou de ne pas savoir par où commencer. C' est pourquoi dans cette leçon, nous allons passer plus de tonnes d'exercices de dessin amusants, de l'amélioration rapide. Ces exercices sont pour n'importe quel niveau de compétence et vous n'avez pas à faire tous ces exercices en une seule séance. Il suffit d'apprendre les exercices et de faire un ou deux lorsque vous avez du temps libre. Mais essayez de faire chacun au moins une fois pour que vous puissiez voir ceux qui sont les plus difficiles. Ce sont ceux sur lesquels vous devez travailler plus. Rappelez-vous, plus il est difficile de faire, plus vous vous améliorez. Prenez les défis en tête. La première chose dont je veux parler, c'est combien il est important de ne pas sous-estimer l'importance d'inscrire des notes sur une page. Peu importe ce que vous dessinez. La pratique, même en faisant des formes de base ou simplement des lignes ondulées, vous profite. C' était un exercice d'échauffement et que vous pouvez dessiner n'importe quoi classe. Je te laisse entrer un secret. Je l'ai inventé. Vous pouvez vous réchauffer de cette façon ou vous pouvez griffonner, ou vous pouvez pratiquer l'éclosion ou même à un petit gribouillis. Fais quelque chose, n'importe quoi. La prochaine fois que vous regarderez une page blanche, sortez un morceau de papier et devenez sauvage. Vous pouvez pratiquer vos compétences de création de marques avec tous les outils que vous voulez expérimenter, ou vous pouvez griffonner des conceptions complexes, même avoir des cours sur cela. Ou vous pouvez même faire des études rapides. Ne sous-estimez pas le fait que chaque fois que vous mettez le stylo sur le papier, vous allez mieux. Faites ce qui flotte votre bateau. Maintenant, entrons dans quelques exercices d'entraînement célèbres qui ont des règles spécifiques. Pour ce premier exercice, j'utiliserai un stylo à pinceau, mais vous pouvez utiliser tout ce que vous voulez, du stylo à bille au stylo micron ou à la sharpie. Je préfère juste qu'il ne soit pas effaçable pour ne pas l'effacer et redessiner les lignes tout le temps. Il ne s'agit pas de le faire. C' est juste un exercice. Ne le prends pas au sérieux. Je vais utiliser ma main comme sujet car les mains sont compliquées, ont beaucoup de détails et sont faciles à obtenir. Je vous recommande de dessiner le vôtre aussi ou de choisir un sujet avec beaucoup de détails comme les mains. Maintenant, je dessine le contour. Je ne suis pas préoccupé par les proportions, l'ombrage ou la couleur, juste les détails étant interprétés en lignes. Vous formez vos détails et vos grandes lignes de l'ITC, et vous l'entraînez également pour dessiner ce que vous voyez plutôt que ce que vous pensez voir. C' est ce qu'on appelle le dessin de contour. Dessinez toutes les rides et les plis et tout autre détail qui apparaît. dessin de contour est la première façon d'apprendre à dessiner et il est extrêmement important de maîtriser. Vous pouvez prendre votre temps et le rendre super détaillé et précis ou le faire rapidement comme moi. L' important est de considérer votre sujet autant ou plus que votre article. Vous apprenez à observer correctement. Faites autant que vous avez besoin jusqu'à ce que cela soit naturel. Une autre chose que vous pouvez faire est le contour aveugle. Cela vous entraîne vraiment à étudier votre sujet. Vous devez obtenir deux morceaux de papier et couvrir votre page avec le second ou simplement dessiner un sujet directement devant vous, à la place. Vous ne pouvez pas regarder votre page du tout. Choisissez un point et commencez à dessiner votre sujet. Essayez simplement de votre mieux, mais ne regardez pas votre page et allez aussi lentement ou aussi vite que vous vous sentez à l'aise. Comme vous pouvez le voir, mon résultat est bizarre, mais c'est un dessin de contour aveugle parfait. C' est tellement amusant de faire ça. Peu importe à quoi ça ressemble à la fin. On s'entraîne juste. Si vous ne savez pas quoi dessiner dans la vraie vie, vous pouvez juste dessiner les choses au hasard sur votre bureau, comme je l'ai fait ici. Notez que je n'esquisse pas les proportions à l'avance parce que, comme je l'ai déjà dit, les résultats n'ont pas d'importance. Il s'agit juste d'avoir une séance d'entraînement rapide. Si vous voulez le lancer d'un cran et vous entraîner à voir la forme aussi, alors vous pouvez faire des dessins croisés. C' est lorsque vous utilisez la ligne pour afficher la forme ou le volume de votre objet. Étudiez d'abord votre objet. C' est pourquoi faire des sujets réalisés est préférable de commencer, puis utiliser la ligne pour montrer pour cela. Par exemple, le pot est plat sur ses côtés, donc j'utilise des lignes droites normales. Mais les tiges de la plante sont arrondies à l'extérieur et légèrement concaves à l'intérieur. J' utilise la ligne pour montrer ça. Voici un autre exemple de ceci. C' est en fait un grand dessin d'une statue sur laquelle j'ai pris mon temps, mais cela nous a aidés à étudier la forme. En voici un autre. Si vous voulez faire de l'art 3D, je vous recommande de pratiquer une compétence beaucoup pour vous assurer que vous comprenez la forme. Vous pouvez également faire des études de valeur, qui ignorent une ligne dans votre sujet et se concentrent plutôt sur les sombres et les lumières. J' ai fait beaucoup de grands dessins d'animaux puisque c'est mon sujet préféré. Ceux-ci ont été faits avec alluded Inc et étaient amusants et lâches. J' ai utilisé des références colorées, mais si c'est difficile pour vous, vous pouvez simplement utiliser un logiciel de retouche d'image pour transformer vos images en noir et blanc ou simplement trouver des images en noir et blanc. Une autre chose que vous pouvez faire est le dessin d'espace négatif. C' est quand vous étudiez l'espace négatif autour de l'objet au lieu de l'objet lui-même. Cela vous fait prendre conscience de l'espace négatif et des formes qu'il crée. Vous pouvez également essayer de chronométrer vos dessins pour vous forcer à se détendre et à le faire rapidement. Essayez quoi que ce soit de 30 secondes à 5 minutes. Ceci est en fait super-utile dans le dessin gestuel, ce qui est juste faire des études rapides de la figure humaine. Il y a des tonnes de sites qui sont faits juste pour cela et si vous voulez attirer des gens, je vous encourage à le regarder et à en faire une partie de votre pratique artistique. J' ai vraiment gratté la surface avec ces exemples. Parce que la vérité est, il y a une infinité de façons de pratiquer. Faites simplement votre truc, trouvez ce qui fonctionne pour vous, mais ne fuyez pas les défis. Au lieu de cela, soyez excité quand vous en rencontrez un. Parce que cela signifie que vous pouvez améliorer beaucoup dans quelque chose. Souviens-toi, c'est de la pratique. Mettez le temps en faisant des exercices et en expérimentant. Maintenant, apprenons des concepts plus avancés mais tout aussi essentiels. 7. Motifs et textures: Les motifs et les textures peuvent être extrêmement amusants à jouer avec. Ils peuvent également être utilisés pour donner beaucoup de dimension à une pièce. Aussi, n'oubliez pas que les textures et les motifs sont interchangeables car un motif est aussi une texture. J' ai montré quelques façons différentes d'ombrage et des exemples de motifs dans ma précédente classe Pen et Ink Basic. mais vous n'êtes pas limité au stylo et à l'encre pour cela. Vous pouvez utiliser des motifs et des textures avec toutes sortes de médias. Vous pouvez le dessiner ou le peindre avec ce que vous voulez, mais n'oubliez pas, vous pouvez prendre la texture au niveau supérieur pour la rendre réelle. C' est plus facile à faire avec de la peinture acrylique ou à l'huile et peut ajouter plus de dimension à votre art. textures et les motifs peuvent rendre votre travail plus tactile même s'il est plat et ils peuvent également le rendre plus intéressant, alors jouez avec et envisagez de l'utiliser dans votre travail. Par exemple, regardez comment l'artiste extrêmement compétente, Daria Hlazatova utilise des motifs et des textures dans son travail pour donner autant de dimension à ses pièces et à d'autres qualités mondaines. Tu n'as pas l'envie de tendre la main et toucher même si tu sais qu'elle est plate ? Un autre excellent exemple est le travail magnifique de Matt Miller qui utilise principalement la texture, mais remarque la quantité de détails qu'il met dans. Aussi les motifs sont très intéressant utilisés tout au long. Ses pièces ont beaucoup de rythme et de détails grâce à des motifs et des textures. Catalina Estrada d'autre part, fait de magnifiques motifs qui ont de la texture à l'intérieur d'eux et des motifs à l'intérieur des motifs. Son travail est tellement amusant à regarder et même s'il y a beaucoup de détails, il n'est pas écrasant à la place, il se sent comme une fête aux yeux. Comme vous pouvez le voir, les motifs et les textures peuvent être super puissants tous seuls, alors ne soyez pas timide en les incorporant même un peu dans votre travail. Regardons les bases de la théorie des couleurs. 8. La théorie des couleurs: Les couleurs que vous utilisez dans votre composition peuvent faire ou casser votre pièce. Ils peuvent également être utilisés pour montrer votre style unique ou transmettre l'émotion. Personnellement, je choisis mes couleurs intuitivement, mais il faut du temps pour y arriver. Tu devais d'abord apprendre les bases de la théorie des couleurs. Un très bon exemple d'artiste qui utilise fortement les couleurs dans sa marque est Leigh Ellexson. Si vous regardez son Instagram, vous pouvez voir qu'elle utilise des couleurs similaires dans la plupart de ses pièces, et ils ont tous une ambiance pastel douce et rêvée. Elle a une couleur principale qu'elle utilise partout pour sa marque et est presque incluse dans chaque pièce. Peux-tu deviner ce que c'est ? C' est vrai, rose ; et vous pensez aussi au jaune pastel et au bleu. Si vous regardez ses miniatures YouTube, elle utilise des superpositions roses sur chacune d'elles. C' est tellement cohérent avec sa marque. Le fait est qu'elle utilise les couleurs très efficacement pour transmettre un certain sentiment non seulement pour son travail, mais aussi pour toute sa marque, et nous en parlerons plus tard. Maintenant, passons d'abord à quelle émotion chaque couleur est habituellement associée. Le rouge est la colère, la passion ou l'attention. Comme par exemple, chaque fois que vous allez faire du shopping, tous les panneaux à vendre sont rouges. Le rose est la douceur, la romance, ou la jeunesse. Je pense à des fleurs de cerisier ou des vêtements de bébé filles. L' orange est le bonheur, l'énergie ou la confiance. Le jaune est la positivité, la motivation, et aussi l'énergie. jaune et l'orange sont des couleurs heureuses très puissantes. Le vert est naturel, guérissant et reposant. C' est parce que le vert est relié à la nature et nous pensons aux arbres, à l'herbe et aux plantes, c'est une couleur très relaxante. Le bleu est calme, stable et paisible. Parce que le ciel est bleu partout dans le monde. C' est une couleur très stable. Le violet est royal, luxueux et spirituel. Le violet est très rare dans la nature, seules certaines fleurs ont cette couleur pour eux, c'est pourquoi c'est une couleur si mystérieuse et spéciale. Le noir est sophistiqué, mystérieux et fort. La connotation négative au noir est la mort dans la culture occidentale, mais c'est drôle parce que dans d'autres cultures, cette couleur est blanche, mais le noir est une couleur vraiment classique et c'est pourquoi vous voyez toujours beaucoup d'artistes utilisant simplement le noir et blanc dans leur art et aucune couleur. Le blanc est la pureté, la sainteté et la fraîcheur. Noir et blanc ensemble fonctionnent bien. Ce ne sont que des mots généraux qui décrivent ce que la plupart des gens ressentent habituellement quand ils regardent une couleur et comment je pense d'eux. Ce ne sont pas des règles, ce sont juste un consensus général sur ce que chaque couleur fait. Tout le monde aura une association différente avec chaque couleur. Ne vous inquiétez pas trop. Ce n'est pas vraiment quelque chose que je pense, je choisis inconsciemment les couleurs que je fais. Voyons maintenant les bases de la théorie des couleurs. La roue de couleur est un outil super utile pour comprendre la couleur, et je vous recommande soit d'en faire un comme nous le faisons dans ma classe de couleur d'aquarelle, soit vous pouvez trouver des tonnes de pré-fabriqués en ligne et en imprimer un et le mettre quelque part que vous pouvez voir c'est ça. Nous avons des couleurs primaires, qui sont les trois couleurs qui peuvent être utilisées pour mélanger n'importe quelle couleur que vous voulez. Dans les médias traditionnels ou imprimés, ils sont cyan, magenta et jaune. Mais dans les médias numériques, ils sont bleus, rouges et jaunes. Quel que soit le média dans lequel vous travaillez, choisissez la roue de couleur qui vous convient. Les couleurs secondaires sont les bébés ou les mélanges des couleurs primaires ; et les couleurs tertiaires sont les dernières couleurs qui entourent les primaires. Les mots n'ont pas d'importance, mais c'est une bonne idée de connaître la terminologie. Une autre chose à souligner est qu'il y a des couleurs fraîches et chaudes. Les couleurs fraîches ont tendance à reculer et à se sentir calme, et les couleurs chaudes surgissent à vous et se sentent vivantes. Il peut vraiment aider à définir l'ambiance de choisir vos couleurs en fonction de la température et d' utiliser des couleurs fraîches et chaudes ensemble pour faire ressortir différentes parties de la composition. Cela fait également un très beau contraste. Nous avons également des couleurs complémentaires qui sont opposées sur la roue de couleur. Si ces deux couleurs sont utilisées dans une compétition ensemble, elles se font vraiment pop. Vous devez faire attention à ne pas exagérer l'effet et diluer au moins l'un d'entre eux. Mais vous pouvez créer de magnifiques pièces avec ces deux combinaisons de couleurs, surtout si une couleur domine une pièce et que l'autre est utilisée pour attirer l'attention sur une zone spécifique et petite. Les compléments de vert et rouge sont célèbres dans mon préféré est les vacances. Quand vous regardez cette image, vous vous sentez haute énergie et l'esprit des fêtes. Les couleurs analogues sont des couleurs qui sont à côté de l'autre sur la roue de couleur. L' une de mes combinaisons de couleurs préférées est le rose, le violet et le bleu. Quand j'utilise ces couleurs, cela rend les pièces très cohésives et agréables à l'œil. Cette approche est meilleure pour les pièces plus calmes. Il n'a pas ce facteur pop que les combinaisons de couleurs complémentaires font, mais vous pouvez ajouter un compliment à partir du milieu du groupe de couleurs pour faire éclater les choses un peu. Un schéma de couleurs triadiques est fait avec des couleurs qui sont uniformément espacées autour de la roue de couleur, comme nos primaires. Ce combo de couleurs a tendance à faire des pièces très vibrantes. Il y a plus de combinaisons comme un complément split, mais je ne veux pas que cela semble trop technique ou complexe. C' est vraiment à vous de décider quelles couleurs vous utilisez. Votre objectif final devrait être d'avoir une idée des couleurs et de créer avec votre propre style et règles. Les pièces les plus uniques et originales ont leurs propres combinaisons de couleurs uniques. Si vous souhaitez créer un monochrome ou noir et blanc, faites-le. Si vous aimez utiliser toutes les couleurs pour faire effet arc-en-ciel, alors allez-y. Ça ne fait jamais mal à aucune théorie des couleurs, mais faites votre propre truc. Si vous voulez collecter des combinaisons de couleurs que vous aimez, je vous recommande de démarrer un tableau Pinterest et de le faire, et j'en ai un que vous pouvez suivre et vérifier. Mais comme n'importe quoi d'autre dans l'art, n'y réfléchis pas ou ne deviens pas fou. Les règles sont censées être enfreintes, en particulier dans l'art. Mais pour les briser, il faut d'abord les connaître. Maintenant, apprenons les principes ultimes et les plus importants dont il faut être conscient. 9. Les principes de design: Maintenant, nous allons passer en revue les principes de conception qui sont super importants à comprendre. Je vous encourage non seulement à regarder cette leçon jusqu'à ce que vous l'obteniez, mais aussi à en apprendre davantage partout où vous le pouvez, ce soit un cours sur les principes du design ou un livre de bibliothèque dans votre bibliothèque locale, ou même simplement en regardant d'autres l'art des gens juste après avoir cette leçon et essayer de voir comment ils les utilisent. Avoir une base solide et comprendre les principes de conception montrera dans votre travail en tant que compositions équilibrées un ensemble harmonieux et agréable à regarder les œuvres d'art. Le premier principe est l'équilibre. L' équilibre est exactement ce qu'il semble, un poids visuel égal des deux côtés de la composition. Par exemple, une pièce symétrique est parfaitement équilibrée parce que si vous mettez une ligne au milieu, Elle est reflétée des deux côtés. C' est l'un des moyens les plus faciles d'atteindre l'équilibre. Si vous faites cela, vous obtenez automatiquement une pièce parfaitement équilibrée. équilibre asymétrique est un peu plus difficile à atteindre parce qu'il faut de la pratique, mais c'est essentiellement le regard de la pièce jusqu'à ce que les deux côtés se sentent équilibrés même s'ils ne sont pas symétriques. Par exemple, si je mets un cercle en bas à gauche de cette pièce, le côté droit est vide, donc il est déséquilibré. Mais si j'ajoute un plus petit en haut à droite, il se sent un peu mieux, mais pas complètement équilibré en raison de la différence de taille. Maintenant, si je remplit ce cercle, si je me sens équilibré parce que même si c'est plus petit, c'est plus lourd. C' est ce qu'on appelle le poids visuel, et c'est quelque chose que vous devez apprendre à équilibrer dans votre composition. Vous atteignez l'équilibre en utilisant des formes, des couleurs, des lignes, des contrastes et beaucoup de façons différentes. C' est une observation de compétence intégrée. Même si ce genre d'équilibre est plus difficile, ce sont des illustrations plus courantes. Dans l'ensemble, la symétrie se sent généralement stable et l'asymétrie se sent dynamique et instable. La symétrie est également très limitante et se sent généralement en sécurité. symétrie est généralement plus intéressante, dynamique et les possibilités de ce qu'elle peut faire sont infinies. Ce principe est super simple à apprendre, mais difficile à maîtriser. Gardez un œil sur les artistes qui rebondissent vos compositions de manière intéressante. Le principe suivant est l'unité ou l'harmonie. Cela veut juste dire que les choses ont l'air d'appartenir ensemble. Par exemple, cela semble bizarre car il y a trop de techniques différentes dans chaque petit élément. Ils ne correspondent pas ou n'ont pas de sens à être ensemble. Maintenant, cela nous semble normal parce que nous utilisons techniques similaires dans chaque pièce et nous passons progressivement à une manière plus lâche, du haut à gauche au bas à droite. Même si la façon dont nous faisons la composition est en train de changer, elle se sent harmonieuse parce qu'elle est progressive et bien pensée. Une autre façon facile d'unifier est de mettre les objets à proximité en utilisant la proximité. Nous associons automatiquement ce que nous considérons comme une chose. Remarquez comment vous voyez trois groupes différents simplement parce que les formes sont proches dans chacun d'eux. Un autre moyen facile est d'utiliser la répétition, ce qui signifie simplement répéter un certain élément, comme la couleur ou la texture dans toute la pièce. Cela se traduit simplement par faire la pièce dans le même style tout au long et vous pouvez la voir dans le groupe points et lignes. Le groupe de points et de lignes est beaucoup plus harmonieux et unifié que celui avec les formes aléatoires. Vous pouvez également utiliser la répétition pour faire du rythme visuel, ce qui est juste une utilisation d'éléments similaires qui se répètent pour une sensation rythmique qui ressemble aux notes de la musique. Le principe suivant est d'avoir un point focal. C' est super important et signifie juste un sujet qui est le centre d'attention dans votre pièce. Le premier endroit où les yeux d'un spectateur atterrissent est le point focal. Par exemple, cette pièce de Sam Yong capte votre attention et la concentre sur la coupe de la queue juste parce qu'il y a ajouté de la couleur et nulle part ailleurs. Cela peut également être fait en utilisant le contraste d'échelle , les détails, etc. Le point focal est juste quelque chose à prendre en compte parce que vous avez généralement à l'esprit ce qu'il est et pour vous assurer que rien au hasard ne vole le projecteur. Une autre chose importante qui est liée à cela est la continuation, qui signifie juste que les yeux des spectateurs sont attirés vers la prochaine chose, et les choses suivantes par les lignes et les formes dans la composition. Par exemple, cette pièce de Michelle Wolfskulljack utilise un point focal dans la continuité d'une manière géniale. La première chose que vous regardez est une sculpture, cause du contraste, puisqu'il n'a pas de blanc dans cette zone, puis le bec vous guide à regarder plus bas parce qu'il pointe là et vous regardez la flèche, le crâne et l'air sont les deux éléments les plus importants de la composition et nous les examinons d'abord. Ensuite, vous regardez en prenant tout le corps du corbeau parce que la flèche monte, et très probablement vos yeux finissent au sommet du triangle, puis suivez la ligne jusqu'aux pieds, puis remonter le crâne et le bec à nouveau. L' inclusion du triangle en arrière-plan aide vraiment à guider les yeux du spectateur. Avoir un point focal fort aide parce que vous savez où les yeux vont atterrir en premier. Tout cela se fait soudainement et peut-être inconsciemment, mais parce que vos yeux ont des chemins pour voyager, nous trouvons plus facile de regarder enjoin, même d'étudier la composition. Pour vous entraîner à voir cela, regardez un autre art que vous aimeriez, faites attention à la façon dont vos yeux voyagent et pourquoi. Un autre principe est l'échelle et la proportion, qui est juste combien grand ou petit quelque chose est comparé aux autres parties de la composition. Jouer avec la proportion d'échelle est super utile en illustration. Par exemple, dans mes cours Qt, je montre qu'avoir une grosse tête et un petit corps rend les choses mignonnes. Ce que nous avons fait c'est que nous avons observé un animal ou une personne, puis simplifié et rendu le corps petit et la tête plus grande pour un look mignon. Cela a été réalisé en jouant avec l'échelle et le contraste en simplifiant simplement. Aussi en jouant avec l'échelle, vous pouvez recadrer les choses d'une manière plus amusante, soit en zoomant avant ou arrière. Une autre chose super importante à être conscient est l'espace négatif et positif dans votre travail. espace négatif est l'arrière-plan, et l'espace positif est le premier plan, ou votre sujet. Vous pouvez inverser votre perspective pour afficher l'espace négatif. Un bon exemple de ceci est la fameuse illusion de vase de visage. Pouvez-vous voir les visages se regardant, si le noir est le premier plan ? Maintenant, pouvez-vous voir le vase si le blanc est le premier plan ? Juste en jouant avec ce qui est l'arrière-plan ou ce qui est le premier plan, nous retournons notre perception de ce qui est l'espace positif et négatif. Il est facile d'oublier l'espace négatif autour de votre objet. Awesome fait des formes et vous devez faire attention à ces formes autant que vous le faites à l'espace positif près du travail. Il est important de remarquer la silhouette du sujet dans vos pièces, une silhouette forte qui est facilement reconnaissable. C' est particulièrement important design de personnage comme je l'ai montré avant. Je viens de voir beaucoup de directeurs. Un moyen facile d'implémenter tous ces éléments dans votre travail est d'utiliser des croquis miniatures avant de commencer. Avoir une classe super courte et le sujet si vous voulez vérifier. Mais c'est essentiellement de minuscules croquis de ce que vous allez faire. Vous pouvez jouer avec tous les concepts rapidement et essayer de nombreuses idées différentes sans perdre de temps ou de fournitures jusqu'à ce que vous trouviez la composition parfaite. Je vous recommande fortement de l'essayer et de l'incorporer dans votre pratique artistique. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup de choses à penser quand il s'agit de faire votre art. Mais ne vous laissez pas submerger, essayez simplement d'apprendre ces concepts du mieux que vous pouvez et vous les appliquerez automatiquement à votre travail. En sachant tout cela, vous aurez un œil plus critique sur toutes les erreurs. Heures supplémentaires, vous aurez inconsciemment une idée de ce que le look est bon et rendra votre art agréable sans lui donner beaucoup de réflexion. Maintenant que nous avons pour la conception des fondations, parlons de la façon de trouver le bon support pour vous et pourquoi il est si important d'expérimenter. 10. Le médium qui vous convient: Vous savez peut-être déjà quel médium vous préférez utiliser, mais si vous ne le faites pas, cette leçon vous aidera à le réduire. Avant d'entrer dans les détails, je veux que vous sachiez que j'ai personnellement essayé presque tous les supports là-bas et seulement en les essayant physiquement j'ai découvert ce qui était mon préféré à utiliser. Je vous recommande d'essayer de faire de même. Il peut être coûteux de les essayer tous, mais il suffit d' essayer des fournitures bon marché ou même peut-être en emprunter à un ami. Les deux catégories principales sont l'art traditionnel et l'art numérique. L' art numérique coûte plus cher pour commencer, mais une fois que vous achetez la tablette, vous n'avez plus besoin d'acheter quoi que ce soit d'autre. Un bon comprimé moins cher est le Wacom Intuos. J' en ai un et ils sont plutôt bons. Ou vous pouvez opter pour un Wacom Cintiq de la manière la plus chère et professionnelle. Un Wacom Cintiq est très cher. Je recommande plutôt que vous obtenez un iPad Pro. Il a les mêmes capacités que Wacom, et il peut faire beaucoup plus, et est entièrement portable. Tout ce que tu as à faire, c'est chercher un crayon et tu es dorée. Si vous utilisez un ordinateur, vous aurez besoin d'un logiciel. Vous pouvez en trouver gratuitement, ou vous pouvez obtenir le standard de l'industrie de Photoshop, qui est également très utile pour faire vos propres graphiques pour un site Web ou autre chose. Ou si vous êtes sur l'iPad Pro, vous pouvez obtenir Procreate, ce qui est beaucoup moins cher que Photoshop. La chose cool à propos de l'art numérique est une fois que vous avez le logiciel et la tablette, vous n'aurez pas besoin d'acheter quoi que ce soit d'autre. Vous pouvez faire de l'art dans tant de styles différents et l'art numérique est super pardonneur parce que vous pouvez travailler en couches, et annuler toutes les erreurs chaque fois que vous les faites. Cela ne signifie pas que l'art numérique est plus facile, c'est juste différent. Si vous voulez être un artiste numérique, mon conseil est d'essayer beaucoup de pinceaux différents jusqu'à ce que vous trouviez vos favoris. Avec l'art numérique, vous pouvez travailler plus rapidement et faire plus de pièces polies que les supports traditionnels. Si la plupart des artistes que vous admirez sont des artistes numériques, alors vous serez probablement un artiste numérique. Vous êtes généralement attirés par le type de travail que vous aimerez faire. Mais si vous décidez d'être un artiste numérique, ne tombez pas dans le piège de ne plus jamais ramasser un crayon. Par exemple, ce sont des pièces numériques impressionnantes de l'artiste Bobby Chiu. Mais si vous regardez son Instagram, vous verrez qu'il fait aussi des dessins au crayon et utilise le moyen traditionnel de temps en temps. Paper to Crayon est toujours la meilleure façon de planifier vos compositions et de faire des croquis rapides. En outre, les carnets de croquis sont super portables. Vous pouvez toujours entrer dans vos croquis ou prendre une photo pour les rendre numériques. Comme vous pouvez le voir, Bobby l'a fait avec ce tableau super mignon. Maintenant, sur l'art traditionnel. Alors que l'art traditionnel peut être beaucoup moins cher à commencer par des choses simples comme le papier et le crayon, il peut devenir cher à long terme, surtout si vous obtenez des fournitures de qualité professionnelle parce que vous utilisez des des choses. Vous devez donc remplacer vos fournitures régulièrement et avec des choses comme l'aquarelle, le papier ou le crayon. Il peut être assez cher si vous utilisez des fournitures de qualité professionnelle. Mais ne vous inquiétez pas, vous pouvez toujours vous en sortir avec des fournitures moins chères au début. Par exemple, voici une peinture que j'ai faite en utilisant des peintures et des pinceaux Crayola vraiment bon marché. Ce n'était pas idéal, mais cela montre qu'il ne s'agit pas des fournitures, plutôt de l'artiste. De plus, si vous voulez faire des impressions de votre travail, vous aurez besoin d'un très bon scanner pour les petites pièces, ou d'un très bon appareil photo et éclairage pour les plus grandes œuvres d'art ou d'art avec texture, alors que les artistes numériques n'ont pas à s'inquiéter à ce sujet. Vous aurez également besoin d'un bureau physique pour stocker toutes vos fournitures et les utiliser. Une bonne source de lumière est également nécessaire, mais vous pouvez vous en sortir avec simplement en utilisant la lumière naturelle d'une fenêtre. En outre, faire des erreurs dans l'art traditionnel est beaucoup moins indulgent, mais cela dépend du support que vous utilisez. Par exemple, les erreurs dans l'aquarelle ou l'encre sont vraiment difficiles à corriger, mais les erreurs dans l'huile, l' acrylique ou la jauge sont faciles. Cela dit, je suis un artiste traditionnel qui se spécialise dans aquarelle et l'encre parce que c'est mon truc préféré pour travailler avec. Je les aime. Les aquarelles ont une vie propre et j'embrasse les erreurs. Pour moi, il n'y a rien de mieux que de travailler avec mes mains, de toucher toutes les différentes fournitures et de les voir interagir avec le papier et les uns avec les autres. Cela va bien avec ma personnalité et c'est ma façon de travailler préférée. Quand j'étais enfant, j'ai utilisé des crayons de couleur et des crayons, plupart du temps fait des livres à colorier, puis j'ai fait des peintures acryliques qui étaient grandes et abstraites, puis j'ai essayé différentes choses comme des pastels à l'huile, des encres, et enfin aquarelles. Je ne saurais pas que les aquarelles étaient mes préférées si je n'avais rien à comparer. Donc, mon conseil est d'essayer autant de supports différents que vous pouvez mettre la main sur, parce que nous aimons tous les choses différentes, et vous ne saurez pas ce que c'est tant que vous n'avez pas essayé. Une autre façon de trouver votre favori est de regarder vos artistes préférés et de trouver le médium que la plupart d'entre eux ont en commun. D' habitude, tu préfères ce médium toi-même. Mais voici une brève explication de divers médiums traditionnels pour vous aider à faire votre choix. Les crayons sont parfaits parce que vous pouvez obtenir des valeurs différentes facilement. Je vous recommande de dessiner avec des crayons même si ce n'est pas votre support préféré et surtout si vous êtes un artiste numérique, parce qu'il n'y a rien d'autre de semblable pour obtenir facilement des idées, et une bonne gomme est votre meilleur ami. Les crayons de couleur sont tout aussi amusants, mais les pigmentés sont généralement ineffaçables. Mais ils ont une texture super amusante pour eux et vous pouvez même les mélanger. marqueurs Copic sont très chers, mais ils sont parfaits pour fabriquer des pièces contrôlées et toutes les pièces mélangées. Ils ont une sensation de peinture super soignée pour eux et vous pouvez faire des pièces n-dimensionnelles superclasse facilement. Si elles sont trop coûteuses pour vous, vous pouvez trouver des alternatives moins chères et les essayer pour nous, puis voir si vous l'aimez, puis obtenir quelques copics à la fois. Il y a beaucoup de façons d'utiliser l'encre et d'avoir un cours sur le sujet, mais c'est surtout avec des stylos techniques ou des stylos profonds pour des pièces super détaillées ou simplement pour faire des contours. Ou vous pouvez l'utiliser comme un support de peinture avec de l'encre diluée. L' encre et l'aquarelle réagissent de façon très similaire à l'eau. Donc, ils ont un effet très similaire quand ils sont utilisés. Humide et humide résument vraiment les aquarelles et les encres pour moi. Regarde comme ça sèche magnifique. C' est pourquoi ces deux-là sont mes médiums préférés avec lesquels travailler. Mais ils peuvent être difficiles à maîtriser et nécessitent beaucoup de pratique. Lorsque vous peignez à l'encre ou à l'aquarelle, préparez-vous à de nombreux accidents heureux et à une texture. Si vous voulez apprendre à peindre à l'aquarelle, j'ai déjà un cours à ce sujet. pastels à l'huile sont comme des crayons de table qui peuvent faire super pendant les pièces ou même un travail hyper-réaliste. Ils sont vraiment amusants, d'autant plus que vous pouvez les mélanger avec vos doigts. Les peintures à l'huile peuvent également avoir le même effet, mais elles peuvent être plus compliquées à utiliser que d'autres médiums en raison de leur temps de séchage très lent, et vous devez utiliser un solvant comme la térébenthine, qui peut être toxique et puant. Mais de nos jours, ce n'est pas un gros problème parce que vous pouvez acheter des peintures à l'huile solubles dans l'eau. Les peintures acryliques, d'autre part, sont plus faciles à utiliser car elles conduisent très rapidement dans tout ce dont vous avez besoin est l'eau. En outre, la peinture acrylique est beaucoup moins cher que l'huile. Mais sur cette note, c'est une préférence personnelle. Certains artistes préfèrent l'huile, et un peu d'acrylique. J' ai remarqué que les artistes qui ont tendance à attirer les gens utilisent de l'huile parce que le temps de séchage lent les aide à mélanger la peau plus. Mais certains préfèrent l'acrylique parce qu'il est plus facile travailler avec et ils n'aiment pas le temps de séchage lent. Si vous voulez peindre sur toile, je vous recommande de commencer avec de l'acrylique, puis peut-être peut travailler jusqu'à votre chemin à la peinture à l'huile. Essayez à la fois de voir lequel vous préférez vraiment. Les peintures acryliques et à l'huile ont tendance à sécher plus brillante. Une fois que les peintures acryliques et à l'huile sont complètement sèches, elles ne peuvent pas être réactivées avec de l'eau, mais au lieu de cela, vous devez ajouter plus de couches pour corriger les erreurs. gouache est plus délicate car elle agit un peu comme des peintures acryliques, un peu comme des aquarelles. La plus grande différence entre la gouache et l'acrylique est qu'il sèche mat, plus rapidement, et il peut être réactivé avec de l'eau. Le fait qu'il puisse se réactiver avec de l'eau est ce qui le rend si difficile à utiliser. Si vous détestez le fait qu'il se remette après avoir été sec, vous pouvez toujours acheter un lavage acrylique. C' est une nouvelle chose et cela signifie juste qu'une fois qu'il est sec, il est sec. Moi, j'ai moi-même tamponné Gouache récemment et c'est vraiment dur mais amusant. Un artiste qui maîtrise vraiment ce médium est Audra Auclair. Son travail est magnifique. Donc c'est tout pour cette liste. Mais ce n'est pas tout là-bas. Il y a une tonne de façons de faire de l'art, et n'oubliez pas, vous pouvez mélanger différents médiums ensemble. C' est ce qu'on appelle un milieu mixte. Habituellement, quand les gens disent ce mot, ils pensent aux collages, mais c'est vraiment le mélange de n'importe quel support que vous voulez. Le fait est, il n'y a pas de limites, mais vous devez essayer autant de choses que vous pouvez pour trouver vos façons préférées de faire de l'art. Comme je l'ai déjà dit, regardez le travail d'artistes que vous admirez, pour un indice de ce que sera votre médium préféré. Ensuite, parlons de pourquoi il est stupide d'être gêné d'utiliser des références, et à quel point elles sont importantes. 11. Utiliser des références: Pour quelque raison que ce soit, beaucoup de gens ont l'idée fausse que l'utilisation de photos de référence est erronée ou trompeuse. Ce n'est pas vrai. Les références sont l'un des atouts les plus essentiels que vous pouvez avoir en tant qu'artiste. Même si votre objectif est de puiser dans votre imagination, cela prendra des années et des années de pratique d'étude et oui, en utilisant des milliers et des milliers de références en cours de route. Il y a eu des cas d'artistes qui ont des ennuis parce qu'ils tirent des références, qui sont protégées par le droit d'auteur par le photographe et ne les attribuent pas. Je pense que rare un artiste débutant. L' astuce n'est pas de simplement copier une référence, mais d'utiliser un couple pour faire votre propre image, ou si vous choisissez d'en utiliser une, assurez-vous de le faire dans votre propre style. Une fois que vous stylisez quelque chose assez, il devient le vôtre car il ne ressemble rien à la référence, ou vous pouvez vraiment prendre l'initiative et prendre vos propres photos ou utiliser des références en direct quand vous le pouvez. Si vous voulez faire des copies exactes d'une photo parce que peut-être vous êtes un peintre réaliste et que vous voulez vendre ce travail, alors vous pouvez toujours soit modèle supérieur, prendre la photo vous-même ou peindre sur scène, ou si vous voulez plutôt dépenser quelques $ pour faire ce travail, vous pouvez utiliser un site d'image stock. Il y a des milliers d'images sur ces sites et ils ne vous coûtent que quelques $ pour en obtenir un. Vous pouvez même trouver des sites d'images libres, mais ils sont plus limités. Si vous dessinez simplement pour étudier et que vous n'allez pas les vendre ou en profiter , peu importe les références que vous utilisez. J' ai tendance à utiliser toutes les images que je trouve même sur Pinterest, mais mes pièces finies ne ressemblent jamais à la référence. Je change généralement les formes à mon goût, utilise différentes couleurs et change une compétition et juste le faire dans mon propre style unique. Les seules choses que j'ai tendance à copier sont la pose et peut-être l'éclairage, mais cela ne peut pas être protégé par des droits d'auteur. J' utilise essentiellement des références pour m'assurer que la lumière du contremaître sur mon sujet est exacte. Maintenant, si votre objectif est de puiser dans l'imagination, vous pouvez. Il vous faudra juste beaucoup de temps pour y arriver et vous aurez besoin d'étudier votre sujet énormément. Les références seront toujours nécessaires, peu importe à quel point vous obtenez, même si vous arrivez au point de dessiner de votre tête, car il y a tellement de choses que vous pouvez dessiner et vous ne pouvez pas les mémoriser toutes. Faites-vous des amis avec des références et jetez l'idée stupide de tricher. Si vous ne les utilisez pas, votre travail souffrira grandement parce que si vous n'avez pas de mémoire photographique, vous ne pouvez pas imaginer ou vous souvenir de quoi tout ressemble ou agit sans être exposé à la même chose plusieurs fois. Maintenant c'est hors du chemin, parlons style. 12. Comment trouver votre style: Trouver votre style peut sembler intimidant et effrayant lorsque vous commencez à dessiner pour la première fois. C' est comme l'ingrédient secret que tout le monde a sauf toi. Je suis ici pour te dire que ce n'est pas quelque chose dont tu dois t'inquiéter. Votre style viendra naturellement avec le temps. Cela dit, il y a certaines choses que vous devriez faire en cours de route pour accélérer le processus de développement. Ce que je vais te dire sera tabou, mais donne-moi une chance. Le secret pour trouver votre style est de trouver beaucoup d'artistes qui vous inspirent et que vous admirez beaucoup, puis de les copier. À des fins d'étude seulement, bien sûr, ne partagez jamais leur travail et revendiquez-le comme le vôtre. copie devient mauvaise représentation, mais c'est probablement l'outil le plus important pour vous d'apprendre comment artistes préférés pensent et font utiliser la couleur, ligne et ainsi de suite. En essayant de reproduire leur travail, vous apprendrez beaucoup non seulement sur les principes que nous avons déjà couverts, mais aussi sur la façon dont ils bougent la main, comment ils utilisent leurs médias. Vous découvrirez même vos faiblesses et vos forces. Vous verrez ce qui fonctionne et pourquoi et vous développerez vos compétences en même temps. chose la plus importante à cet égard est d'être sûr de copier beaucoup d'artistes, pas seulement un, deux ou trois, parce que si vous copiez seulement un ou deux artistes, vous risquez de devenir une copie de l'un d'eux. Ce n'est pas quelque chose que vous voulez, c'est exactement le contraire. Votre style doit être complètement unique, pas une copie de quelqu'un d'autre. Si vous copiez 20 artistes à la place, ou même 10, ils influenceront tous votre style. Vous allez prendre les meilleures parties de chacun et y mettre vos propres rebondissements. En faisant cela, vous développerez un style totalement unique et magique. C' est ainsi que naît chaque style original. Nous sommes tous influencés par les artistes qui nous ont précédés. Quand je commençais à apprendre à dessiner, chaque fois que je voyais une œuvre d'art que je copiais au crayon et laissais un peu de NM à côté de lui pour montrer qu'elle n'est pas la mienne. Les moyens les plus avancés de copier avec les mêmes médias que les artistes utilisaient pour apprendre davantage le médium et voir comment ils le font. Cela vous apprendra beaucoup sur le médium aussi. Le fait est que la copie est totalement correcte et vous devriez le faire pour accélérer votre processus d'apprentissage. Assurez-vous juste de le faire seulement pour la pratique et ne faites pas le tour de partager cela comme votre propre travail et votre or. La raison pour laquelle cette méthode fonctionne est que tout ce que vous trouvez inspirant dans l'art est probablement à quoi votre style finira par ressembler, parce que vous êtes style est juste ce que vous aimez créer et comment vous aimez. Ce que vous aimez le plus, c'est ce que vous allez aimer pour créer le plus. Je vous promets que chaque artiste là-bas est inspiré été beaucoup d'autres artistes et en fait continuer à être inspiré même pendant les carrières professionnelles et au-delà. Surtout quand ils commençaient, ils avaient beaucoup d'artistes qui les avaient motivés à faire de l'art qu'ils regardaient et qu'ils voulaient ressembler. Ces artistes ont grandement influencé leur style. Par exemple, une de mes artistes préférés quand je commençais avec Katie Daisy, elle a un sentiment fantaisiste et heureux à son travail. Même si nous utilisons des médiums différents et illustrons différemment, vous pouvez dire que mon travail est influencé par le sien, mais mon style est loin de la copie du sien. Nous avons juste eu le même sentiment positif et notre art et aime peindre des thèmes similaires. J' aimais tellement son art parce que c'était le style que j'allais vers. Je suis sûr qu'elle a aussi des artistes qui l'ont inspirée avant et ainsi de suite et ainsi de suite. Une autre chose que je recommande de faire est d'obtenir un compte Pinterest ou Instagram et de recueillir de l'art inspirant là-bas. Cela vous aidera à trouver vos artistes préférés et il alimentera également votre subconscient avec de nombreuses idées et styles différents. Quand je ne me sens pas inspiré, j'aime regarder à travers mes planches et en voyant beaucoup d'art magnifique, j'ai l'impression de vouloir peindre à nouveau. Dans l'ensemble, ne transpire pas vous trouver trop. Il va toujours grandir et se développer et continuer à évoluer pour toute votre vie ne se cache pas quelque part et de savoir que vous n'êtes pas sur la malchanceuse qui ne le trouvera jamais. Il vous suffit de continuer à le créer et à le développer en faisant ce que vous aimez. Je me souviens quand j'avais l'habitude de m'inquiéter pour le style et je pense juste, wow, que c'était tellement stupide de ma part parce qu'à la fin je l'ai trouvé et c'était toujours là et ça évoluait lentement. Suivez simplement votre passion et votre cœur et vous découvrirez que c'était avec vous tout le temps. 13. Remplir les espaces: Nous avons passé en revue beaucoup de compétences et de concepts essentiels que vous devez connaître pour être un artiste à succès et pour être bon dans votre métier, mais ce n'est pas tout. Vous êtes le maître de votre parcours créatif. Vous devez comprendre ce que vous devez apprendre pour faire de votre art le meilleur qu'il peut être. Pensez-y comme si vous étiez le professeur et l'élève. Vous devez déterminer quel programme d'études vous avez besoin, particulier vous, juste pour faire grandir votre art et le rendre meilleur. Par exemple, si vous voulez faire le caractère, c'est comme vraiment les faire vous-même à partir de zéro, vous devez apprendre l'anatomie et je ferais beaucoup de dessins gestuelle, je ferais beaucoup de gens études et vous devez apprendre comment vêtements fonctionne et comment il coule sur le corps. Comme vous pouvez le voir spécifiquement pour moi, je voudrais dessiner comme des objets naturels comme des aliments, comme kiwis ou comme des animaux ou des fleurs et des oiseaux. Pour moi, c'est plus comme le dessin d'observation. C' est ce que je pratique le plus. J' ai fait beaucoup d'études réalistes et je prêterais vraiment attention à l'éclairage et à ombrage et à la façon dont le corps d'un animal est composé de formes et de choses comme ça. Je pourrais aller plus loin là-dedans, si, par exemple, j' étais obsédé par les chevaux, je pourrais apprendre l'anatomie d'un cheval et ensuite faire mes propres poses de cheval, si je faisais comme un livre d'enfants de cheval ou quelque chose comme ça. En outre, les médias que j'utilise et le style que j'utilise sont également très importants. Par exemple, pour mon style, je dois essayer de me détendre autant que je peux et c'est juste quelque chose que je dois pratiquer. Ce n'est pas quelque chose que je peux lire dans un livre. C' est juste quelque chose que vous devez vous asseoir et le mettre à l' entraînement tous les jours et c'est comme ça que je m'améliore. C' est pour ça que je continue d'évoluer. La même chose pour toi. Vous devez pratiquer ce que vous savez, mais en même temps vous défier. Il peut être vraiment mauvais d'avoir des lacunes dans vos connaissances. Par exemple, si vous voulez attirer des gens et que vous ne savez pas comment dessiner la main, ce qui est assez difficile. Je ne vais pas mentir. Ils sont assez difficiles à dessiner. Je les dessine rarement. Mais pour moi, c'est vraiment une observation à chaque fois et je ne peux pas faire mes propres pauses de stylo, parce que je dois juste regarder mes mains, elles sont là, vos références sont ici. Mais le fait est si vous voulez attirer des gens et que vous ne savez pas comment dessiner la main, vous pouvez toujours avoir vos gens avec leurs mains dans leurs poches ou quelque chose comme ça. Ou si vous voulez dessiner des gens, mais vous savez seulement comment dessiner la pose droite, vous n'allez pas avoir une grande variation dans votre style artistique de différentes poses et choses comme ça. Vous pouvez trouver des poses en ligne, vous n'avez pas à tout mémoriser. Vous pouvez trouver des photos de référence en ligne et tout ce dont vous avez besoin, mais le but est de mettre le temps d'entraînement dans n'importe quel ensemble de compétences que vous avez à avoir. Un autre exemple est si vous voulez, disons, faire des esquisses urbaines ou vous voulez faire des paysages urbains, vous devez apprendre le dessin en perspective et vous devez vraiment regarder beaucoup de paysages urbains et vous devez pratiquer les dessiner tout le temps pour obtenir le coup d'eux et de comprendre à quoi ils ressemblent. C' est exactement comme ça avec n'importe quel style que vous avez là-bas avec tout ce que vous voulez faire. Mais tout le monde a une chose différente qu'ils aiment dessiner et ils ont une façon différente de le faire. Vous devez comprendre ce qu'il vous manque à votre connaissance, où avez-vous des lacunes dans ? Qu' est-ce qui est difficile pour toi de dessiner ? Qu' est-ce que tu es toujours coincé ? Est-ce les yeux, est-ce le nez, est-ce que c'est des fleurs et vous aimez vraiment dessiner des fleurs, mais vous craignez, vous devez comprendre ça. Ensuite, vous devez consacrer le temps et étudier beaucoup ce sujet. Ce que je ferais est soit obtenir un petit planificateur ou un morceau de papier et juste écrire ce que vous avez besoin d'apprendre plus et ensuite consacrer un certain jour à chaque chose, ou vous pouvez simplement consacrer un mois entier à une chose comme les mains et ensuite aller à la prochaine chose. Quelle que soit la façon qui fonctionne le mieux pour vous, ou peut-être juste avoir une liste devant vous et ensuite vous pouvez choisir ce que vous voulez que cette liste fonctionne ce jour-là. Mais l'important est de toujours vous défier parce que si vous ne le faites pas, vous deviendrez rassis et vos progrès seront très lents. Si vous vous défiez, c'est beaucoup plus rapide. Vous verrez les résultats beaucoup plus rapidement et ils seront beaucoup meilleurs. Assurez-vous de vous défier, assurez-vous de dessiner autant que vous le pouvez et c'est votre responsabilité que peut-être vous êtes artiste autodidacte, peut-être que vous êtes allé à l'école, peut-être que c'est un passe-temps, mais il est de votre responsabilité de comprendre sur ce que vous voulez être en mesure de dessiner et d'apprendre à le faire. Une fois que vous aurez fait ça, vous vous sentirez puissant et vous pourrez faire tout ce que vous voulez. Vous ne serez jamais blessé d'avoir trop de connaissances, mais vous pouvez être d'avoir trop peu. Assurez-vous de couvrir toutes vos bases et ensuite vous pouvez le rendre aussi stylisé que vous souhaitez et dès que vous avez une base vers le bas et que vous apprenez toutes ces compétences différentes, votre travail sera beaucoup mieux même si vous l'avez super stylisé parce que vous connaissez des choses comme les valeurs, la forme des choses ou tout ce que votre style a besoin de savoir. Même si vous allez être vraiment caricature comme moi, vous devez connaître les bases parce que si vous ne le faites pas, votre travail en souffrira. Prenez du temps tous les jours et apprenez un peu. Tu sais, tu es sur la meilleure plateforme d'apprentissage sur Internet à mon avis. Sculpture a tellement d'enseignants sur tant de sujets différents et vous pouvez apprendre tout ce que vous avez besoin d'apprendre. Mon conseil est de ne jamais cesser d'apprendre, regarder autant de cours que vous le pouvez. Mais mettez le temps d'entraînement, parce que si vous ne la pratiquez pas, vous l'oublierez et vous n'allez pas mémoriser et vous n'allez pas vraiment l'apprendre. Pratiquez, apprenez et votre travail continuera de croître de plus en plus. Il suffit de mettre le temps. Mon conseil est d'avoir un carnet de croquis pour garder tout votre travail. Vous pouvez même le rendre complètement privé ne jamais montrer quelqu'un comme un journal. Ensuite, vous pouvez toujours voir vos progrès et juste remplir chaque page et juste pratiquer tous les jours. Peut-être avoir un but lors d'un sketch par page par jour, peut-être mettre de côté 20 minutes le matin pour l'art. Peut-être, le week-end une demi-heure chaque semaine et jour ou si vous essayez réellement de devenir un artiste professionnel, vous devez mettre du temps dans presque tous les jours. Assurez-vous de trouver un moyen de mettre votre pratique artistique dans votre vie, d'étudier, d'apprendre et de grandir et simplement profiter du processus de devenir meilleur dans ce que vous faites et juste d'expérimenter et de grandir. C' est un sentiment incroyable et c'est extrêmement gratifiant. Parlons maintenant de la chose la plus importante dont chaque artiste a besoin pour profiter de son travail. 14. Développer votre public: Parlons maintenant de créer votre audience et de trouver votre créneau. Peu importe ce qu'il voulait faire en tant qu'artiste, si vous n'avez pas de public, beaucoup plus difficile de réussir. Si vous regardez tous les artistes qui réussissent là-bas, vous remarquerez que la plupart d'entre eux ont un énorme réseau social suivant. ne font pas tous ça. Certains d'entre eux ont juste des agents d'art et des pigistes, mais avoir un énorme suivi peut vraiment aider. Il peut simplement être Instagram ou YouTube, ou Pinterest, ou Twitter, ou Facebook. Vous pouvez utiliser un couple d'entre eux, seulement un ou deux d'entre eux. Je pense qu'en ce moment de 2018, Instagram et YouTube sont les plateformes de médias sociaux les plus puissantes pour les artistes. Mais si quelque chose d'autre fonctionne mieux pour vous, alors utilisez que d'autres idées sont Tumblr ou Dribbble ou tout autre média social qui est largement utilisé. Une autre chose que vous pouvez faire est de développer des listes de diffusion simplement en mettant un formulaire simple sur votre site Web. Cela vous garantira un accès personnel et direct à votre audience. Une autre chose que vous pouvez faire est de démarrer un blog sur votre site lié à l'art. Écrivez juste ce qui vous passionne. Il peut s'agir de votre processus de création, critiques pour les fournitures, ou vous pouvez même faire des tutoriels. Avoir un blog est un excellent moyen de vous développer parce que les gens vous trouveront à travers Google et vous pouvez même monétiser cela avec des affiliés. Je vais en parler dans la prochaine leçon. Ce ne sont que quelques exemples de raisons pour lesquelles il est bénéfique d'avoir un site Web. Vous en avez particulièrement besoin si vous voulez avoir l'air professionnel et gagner de l'argent en tant qu'artiste, car il est important d'en avoir un et de mettre en valeur votre meilleur et le plus récent art. C' est ce qu'on appelle votre portefeuille. Cela va non seulement vous faire regarder un vrai artiste à votre public, mais aussi augmenter considérablement la probabilité que le client vous contacte pour travailler sur un projet. Même si vous n'êtes pas intéressé par le travail indépendant, il est toujours bon d'avoir un endroit où vous pouvez rassembler tout ce que vous êtes ensemble. Il y a de nombreux avantages à avoir votre propre site et vous n'avez pas besoin de savoir comment entraîner pour en créer un. Personnellement, j'utilise Squarespace. Je trouve qu'il est si facile de faire ce que je veux mon site sans aucune connaissance de codage. Mais vous ne pouvez pas conserver de données sur un site tant que vous n'avez pas déjà un portefeuille d'illustrations solide et certains abonnés. Le meilleur moment pour faire un site est quand vous êtes prêt à commencer à profiter. Parce qu'une fois que vous en faites un profit, vous pouvez retirer vos dépenses sur votre site Web de vos impôts, vous serez travailleur indépendant. Cette leçon n'est pas là pour vous montrer comment utiliser Instagram ou YouTube. Il y a des tonnes de trucs et astuces là-bas avec une recherche rapide sur Google et il y a beaucoup de cours sur le sujet trouvé ici sur Skillshare. Mais il y a quelques conseils que je peux partager avec vous. abord, choisissez une ou deux plateformes et réfléchissez à la fréquence à laquelle vous voulez créer de nouveaux contenus. Peut-être qu'un Instagram publie tous les deux jours et une vidéo YouTube une fois par semaine ou deux. Ensuite, faites du contenu de haute qualité. La qualité l'emporte toujours sur la quantité. Faire beaucoup de choses de haute qualité est la meilleure façon d'y arriver, mais cela peut accabler pour la plupart. Faites le meilleur de ça pour que vous puissiez le mettre là-bas. Si vos affaires sont bonnes, les gens le trouveront et ils s'abonneront ou vous suivront. Cela dit, c'est un processus lent et ne vous découragez pas de regarder les chiffres au début. Célébrez chaque nouveau disciple parce que c'est une autre personne qui s'intéresse à votre travail et à votre style en vous. Je ne recommande pas non plus de penser à qui votre public est trop au début. Cela se fera clairement avec le temps. Vous attirerez votre public naturellement grâce au travail que vous faites dans les médias sociaux pour vous montrer des statistiques et qui suit votre travail. Ne vous inquiétez pas trop pour commencer. C' est également important pour comprendre votre créneau et votre marque. Une bonne façon d'obtenir le cœur de cela est de vous poser des questions comme celles-ci. Pourquoi tu fais de l'art ? Pourquoi veux-tu le partager ? Qu' est-ce qui rend votre art spécial ? Comment voulez-vous que le spectateur se sent ? Quelle est votre chose préférée à illustrer et pourquoi ? Répondre à ces questions vous aidera à rendre votre marque plus claire. Peut-être que tu aimes faire des choses vraiment mignonnes et que tu veux juste que les gens soient heureux. Peut-être que vous aimez les détails extrêmes et quand les gens d'être dans la crainte. Ou peut-être que vous faites des bandes dessinées qui se spécialisent dans les années 90 et l'histologie et font rire tant de gens. Le fait est que vous avez des chances beaucoup plus grandes d'être rappelé et de réussir si vous connaissez votre marque. Pensez-y, la plupart des artistes sont connus pour quelque chose de spécifique. Comme Katie Daisy mélange l'art posit qui est lié à la nature et le rend Si vous êtes heureux et optimiste. Si vous faites défiler son flux Instagram, vous pouvez voir comment tout est lié à la nature et à quel point sa marque est forte. Ou que diriez-vous de Peggy Dean, qui était aussi un Skillshare, professeur. Remarquez comment son fœtus est propre et vous pouvez dire tout suite qu'elle fait des tutoriels et des dessins étape par étape. L' une de ses passions est l'enseignement. Elle se spécialise dans trois domaines : le lettrage, l'encrage et l'aquarelle. Elle essaie de rendre l'art plus facile comme moi. Vous pouvez voir tout cela juste en faisant défiler et aussi remarquer comment Peggy aime vraiment les fleurs et le travail botanique et le lettrage au pinceau. Ce sont ses principaux thèmes. Vous pouvez dire le sentiment de son plan juste en regardant à travers et vous pouvez voir que c'est pour les gens qui veulent apprendre et développer leur art. Souvenez-vous aussi de Lee Erickson de la leçon de théorie des couleurs. Remarquez comment son travail est si cohésif et vous obtenez un certain sentiment en le regardant aussi. Certains mots que j'utiliserais pour décrire son travail sont rêveurs, mignons, heureux et magiques. Elle a aussi un thème qui est son préféré pour peindre les animaux. N' oublions pas les couleurs impressionnantes qui se répètent et composent sa marque. Voyez-vous pourquoi l'image de marque est si importante. Il est normal d'expérimenter autant que vous le pouvez lorsque vous cherchez votre style. Au fil du temps, vous avez gagné vous-même jusqu'à une certaine essence et vous êtes prêt à le partager avec le monde entier. Je vous recommande de prendre un moment pour obtenir un morceau de papier, et il suffit de réfléchir sur ce que vous pensez que votre marque sera à propos. Quels mots décrivez-vous votre art ? Quels mots voulez-vous décrire votre art ? Une autre façon de regarder est de vous demander, quelle est ma mission personnelle avec mon art ? Faire de l'art pour l'amour de l'art est génial, mais il y a quelque chose de beaucoup plus profond que cela. Il y a une raison pour laquelle vous voulez être artiste et il y a quelque chose de spécifique qui est votre mission. Mon créneau et ma mission est d'apprendre aux autres à faire de l'art. Mais si vous allez plus loin, je veux que tout le monde ait l'impression qu'ils peuvent faire n'importe quoi. Je veux que l'art soit facile pour les gens, aussi cliché que ça puisse paraître. Je veux changer le monde et faire en sorte que plus de gens fassent art et l'autre côté de l'art est de remonter le moral des gens. J' aime utiliser des couleurs vives et peindre des sujets légers et heureux et parfois j'utilise des lettres au pinceau avec des messages positifs pour rendre cela encore plus fort. En fait, quand j'ai commencé à mettre mon art là-bas, je l'ai fait sur Tumblr avec beaucoup de petites pièces qui m'ont pris environ 15 minutes par jour. Mon but était de rendre les gens plus heureux et de changer le monde pour le mieux. Je ne me suis pas fait de l'argent pour obtenir beaucoup de messages de gens qui inspirent ensuite, ils ont grandi assez lourd suivi. En regardant en arrière, c'est ainsi que j'ai construit la marque et le style de mon public au début. Mets-toi là et fais ce que tu aimes faire. Votre mission deviendra plus claire et vous comprendrez à quoi ressemble votre marque et votre niche si vous n'avez toujours aucune idée de ce qu'est votre marque, jetez un oeil à vos forces et à votre personnalité, et peut-être même demandez à un être cher quels mots ils utiliseraient pour décrire votre art ou vous. Mon plus gros conseil est de faire ce que tu aimes, dessiner ce que tu aimes, et d'essayer tout ce que tu veux. Vous êtes sur un voyage de découverte de soi et c'est une belle chose. Le chemin sera plus clair à chaque étape. La prochaine leçon, je vais partager mon histoire pour vous montrer comment tout ce que vous faites se connecte. 15. L'histoire de mon art: Avant d'examiner une liste de la façon de gagner de l'argent en tant qu'artiste, je veux partager mon histoire avec vous, juste pour que vous puissiez voir ce que je vois quand je regarde en arrière et que je connecte les points, parce que je pense qu'il y a quelques leçons précieuses là-dedans. Une chose que je tiens à souligner est que je ne vais pas mentionner tout le temps que j'ai passé à étudier mon métier, tous les livres que j'ai lus, tout le temps que j'ai consacré à la pratique, et je me suis juste amélioré dans ce que je fais. Je ne vais pas mentionner tout ça, je vais juste mentionner les choses que j'ai réellement essayées. Comme vous le savez pour la dernière leçon quand je commençais, j'ai fait un gobelet d'œuvres d'art positives, et je le mettais à jour tous les jours. J' ai vraiment adoré faire ça. C'était tellement amusant. Je n'en ai pas fait d'argent, mais c' était tellement gratifiant parce que je me sentais comme si j'avais fait une différence dans la vie des gens, parce que j'ai reçu des e-mails de leur part, et je vois comme parfois mes messages recevaient des milliers de notes et je suis genre, Eh bien, je ne sais pas combien de personnes ont vu ça, combien de personnes auraient été élevées, et ça se sentait vraiment bien, et j'adore faire ça. Je savais que quelque chose avec ces trucs était ce que je devais faire. À cette époque, j'ai aussi commencé à apprendre le graphisme parce que je pensais on ne pouvait pas vraiment gagner de l'argent en tant qu'artiste, et qu'il fallait être graphiste si on voulait être dans ce domaine. Je voulais l'être, je ne suis pas le genre de personne qui aime vraiment un environnement d'apprentissage structuré, j'aime apprendre par moi-même et choisir mes propres choses à faire, mais tout le monde est différent. Je l'apprenais, puis j'ai commencé à faire du travail indépendant. J' aimais les logos et les brochures et je détestais ça. n'y a rien de mal à travailler avec les clients, tout le monde est différent. Mais j'ai réalisé que ce n'est pas ce que je voulais faire. Je suis censé faire mon propre contenu. Je n'aime pas qu'on me dise quoi faire et qu'on me dise que ce n'est pas mon truc. Mais peut-être que c'est ton truc, je ne dis pas que c'est une mauvaise chose, je dis juste que j'ai réalisé quelque chose sur moi, et c'est pourquoi je t'encourage vraiment à essayer différentes choses. J' ai aussi commencé à faire comme de petites commissions artistiques à cette époque et à facturer un peu d'argent pour cela. Ça m'a vraiment aidé à développer mes compétences et à sortir de ma boîte. Aussi à ce moment, j'ai commencé à faire Threadless. Threadless est un T-shirt comme la compétition de design, et vous faites une sorte de graphismes drôles sur eux comme des chats et juste des trucs drôles. J' ai adoré le défi, et je vais toujours en faire une illustration avec le numérique, et j'ai réalisé que je n'aimais pas vraiment travailler dans Illustrator autant que j'ai fait mon petit post de tumbler. J' ai réalisé que les médias traditionnels étaient plus pour moi. En même temps, je me suis rendu compte qu'ils avaient mené à différentes compétitions, que des compétitions ouvertes où vous pouviez faire ce que vous voulez, et des thématiques où ils ont un thème pour vous. Je me rends compte que je n'aimais pas faire les thèmes, donc j'aime vraiment être ouvert et ne pas être mis dans une boîte du tout. Je ne sais pas pourquoi, mais ma créativité en découle toujours et c'est comme si je ne la contrôlais pas. Quelque chose me dit quoi faire, quelque chose en dehors de moi. C' est ce que ça ressent. Si quelque chose me dit quoi faire, je ne peux pas être créatif. En faisant tout cela, j'apprenais de plus en plus sur moi-même. Je ne voulais pas de concours Threadless, mais je rivalisais avec les meilleurs artistes du monde entier. Je ne suis pas surpris. Je n'étais pas super à l'époque, cette époque, j'ai décidé d'essayer la fac il y a. Je viens d'aller dans une université communautaire qui avait des cours d'art. J' ai pris des cours d'art juste pour voir ce que c'était. J' ai réalisé que je détestais les stylos texturé environnement d'apprentissage à nouveau, je veux dire, quelque chose sur vous-même étant comme répété quelques fois pour comprendre cela. Mais quelque chose de vraiment bon en est sorti, parce que j'ai été mis au défi de faire très grandes œuvres d'art réalistes comme des études de vie des choses. Parce que j'ai fait ça, je me suis rendu compte que j'étais plus habile que je ne le pensais et j'ai vraiment peur des compétences d'observation. Cela m'a aidé à me défier, et nous avons fait ces exercices de dessin qui m'ont également aidée à me détendre. J' ai réalisé l'importance d'essayer des exercices, et c'est pour ça que je vous ai dit que c'était super important. Il y avait aussi un indice sur ce que je devrais faire ensuite quand j'étais à l'école, j'ai expliqué quelque chose à un élève sur le fait d'être un Watercolorer. Puis un autre élève m'a dit, tu devrais enseigner, et j'ai dit : « Ooh, non, c'est une idée terrible. Je serais un prof terrible ». Oui, nous y voilà. Mais c'est drôle parce que j'avais cette allusion et je l'ai juste haussé. Et si je n'essayais jamais d'enseigner ? Juste parce que je me suis limité. C' est pourquoi ne vous limitez pas et essayez tout. Tu ne sais pas ce que tu aimes avant de l'essayer, tu ne sais pas à quoi tu seras bon jusqu'à ce que tu essaies. Essaie tout. Après quelques cours, j'ai réalisé que ce n'était pas pour moi et j'ai démissionné. Puis j'ai essayé le streaming sur Twitch.tv. Ils ont une section créative où vous pouvez poster des peintures et de l'art. Il y avait beaucoup de plaisir. Je ferais comme des œuvres d'art tout en parlant aux gens pendant des heures. Je ferais des œuvres d'art qui m'ont pris plus de temps à faire que mes petits morceaux de gobelet. J' étais plus sérieux à leur sujet. En fait, je ne sais pas si je construisais mon portfolio d'illustrations tout en faisant cela, et aussi ma confiance en parler devant un appareil photo. J' ai aussi tout le matériel dont j'avais besoin pour remplir ma première classe de Skillshare. Je travaillais aussi avec des vidéos, comment comprendre, comment savoir où placer mes caméras, quand j'ai fait mon art, et des choses comme ça, et j'apprenais beaucoup. C' était amusant et ils m'ont fait construire ma confiance parce que, 40 personnes écoutaient à la fois et regardaient la peinture. J' ai réalisé, peut-être que je ne suis pas enfin capable de suffire. Peut-être que le critique dans ma tête peut être silencieux maintenant, et je sais ce que je fais. J' en ai fait un an, puis j'ai démissionné parce que ça a cessé d'être amusant, et c'est toujours tombé la passion. Je sais que je suis un lâcheur, mais je suis juste en train de suivre ma passion et de perdre quelque chose. Mais à ce moment, je ne savais pas vraiment quoi faire. Je me suis souvenu que Skillshare m'avait envoyé un courriel il y a quelques années pour donner un cours, et je les ai ignorés parce que je pensais que je ne suis pas encore assez bon. Je suis allé sur leur site web et j'ai vu qu'ils avaient un défi d'enseigner et je me suis dit, peut-être que je devrais essayer d'enseigner un cours d'aquarelle parce que les gens compliquent trop et je voulais le rendre simple et montrer que tout le monde peut le faire. J' ai fait mon premier cours et j'ai à peine dormi, et j'étais obsédée par ça. Quand j'ai fini, j'ai mis tellement de travail, et maintenant c'est comme penser, si personne ne regarde ça, et si je faisais vraiment un mauvais travail ? Il a obtenu une très bonne réponse. J' étais si heureuse parce que j'étais si passionnée par le faire, et j'ai réalisé que j'ai enfin trouvé ma passion et ma niche. Après ça, j'ai continué à faire de plus en plus de cours. Je veux retourner à tout le truc du public. La raison pour laquelle j'ai eu mon premier couple d'étudiants que vous avez besoin de tendances sur Skillshare était parce que j'avais un assez grand public sur tumbler et j'ai fait un cadeau là-bas. Mais la plupart d'entre eux n'ont pas rejoint la classe, comme peut-être 20 personnes l'ont fait. Le problème était que j'avais 13 000 adeptes, mais ils n'étaient pas tous intéressés à apprendre l'art. C' est pourquoi il est important de créer une audience spécifique à ce que vous voulez faire et à ce que vous voulez fournir. Mais à ce moment-là, je ne savais pas que j'allais enseigner. Donc je ne peux pas me blâmer. Mais avoir ce public, même si seulement quelques personnes se sont jointes, m'a vraiment aidé parce que c'était la seule raison pour laquelle je pouvais essayer. La seule raison pour laquelle beaucoup de gens ont vu ma classe de Skillshare plus tard. Après mon succès en première classe, j'ai continué à faire des cours, faire des cours, et à faire des cours. J' étais obsédée. J' ai tellement aimé le faire. Je pourrais enfin faire un revenu normal en tant qu'artiste et ne pas m'inquiéter à ce sujet. En regardant en arrière, j'ai réalisé que tout ce que j'ai fait pour lequel j'ai échoué ou arrêté, était en fait des compétences super importantes, et c' était en fait des compétences super importantes, était la raison pour laquelle j'ai fait un cours de Skillshare si réussi. Pensez-y. J'apprends le design graphique, ce qui est super important pour faire des petites vignettes pour les classes, et les images de couverture, et comment encadrer vos photos et tout ça. Le graphisme est également très important dans l'art lui-même. C' est pour ça que je vous ai appris les principes de base. J' ai ensuite appris comment utiliser Adobe Photoshop et les effets secondaires illustrés. cette raison, je pourrais apprendre à utiliser Premier beaucoup plus facilement parce qu'ils sont tous très similaires. Donc le montage vidéo n'était pas une courbe d'apprentissage aussi abrupte pour moi, comme pour quelqu'un d'autre. C' est tout nouveau à ça. Aussi, j'ai eu tout l'équipement de streaming et qui a aidé. Aussi, je construis mon portfolio à partir de streaming que je pourrais montrer mon travail. quels efforts ils font classe je vais montrer que, je sais faire de l'art. C' est juste tout construit à partir de tout ce que j'ai essayé de passer. Parce que j'ai essayé toutes ces choses différentes, j'en apprends de plus en plus sur moi-même, qui je suis et ce que j'aime faire, ce que je n'aime pas faire, et à cause de cela, je sais où concentrer mon énergie. La seule façon d'apprendre tout cela est d'essayer différentes choses. Je vous encourage à essayer tout ce qui vous intéresse à tout moment, être passionné, à l'essayer. Si ça ne vous plaît pas, vous voulez quelque chose de nouveau. Si vous n'aimez pas quelque chose que vous avez appris sur ce que vous aimez, parce que je n'aime pas par exemple. Je n'aime pas avoir un mémoire créatif. Je n'aime pas qu'on me dise quoi faire. Je sais que pour un fait que j'aime la liberté, j'aime travailler pour moi-même, j'aime être un cratère complètement et que personne ne me dise quoi faire. En sachant ce que vous ne voulez pas, vous savez ce que vous ne voulez pas. Donnez tout ce que vous pouvez essayer. Vous profiterez beaucoup de chaque expérience, vous apprendrez quelque chose de nouveau. En fin de compte, vous ne savez jamais comment les points se connecteront et ce que vous ferez à l'avenir à partir des compétences que vous apprendrez dans votre passé, en essayant des choses différentes. Quelle est la prochaine étape de mon voyage ? Je ne sais pas que je pensais à faire une application iPad, des livres pour enfants, il y a beaucoup de choses à faire. Je suis tellement obsédé par faire des cours, et je vais toujours le faire, mais je vais commencer à essayer de ramifier plus, et parce que j'ai la stabilité de Skillshare, et c'est un revenu, je n'ai pas à m'inquiéter à ce sujet autant. Ça peut être aussi créatif que je veux, tout ce que je veux faire. Je suis si reconnaissante de donner une chance à enseigner et je ne me suis pas contenté de me faire douter de moi-même et que je viens de l'essayer. Essayez autant de choses que vous pouvez les gars. Je ne peux pas insister sur l'importance de ça parce que si je n'avais pas essayé d'enseigner, je ne serais pas là en ce moment. Ce serait un monde très triste pour moi. Peut-être certains d'entre vous qui sont inspirés par mon style d'enseignement, et je ne savais pas que j'avais l'habileté. Donne-le juste un coup d'envoi. Votre voyage sera différent du mien, de n'importe qui d'autre, mais vous devez commencer quelque part. Fais juste des choses qui comptent. Essayez autant de choses que vous pouvez et amusez-vous. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer différentes façons de gagner de l'argent, et ce sont toutes des choses que vous pouvez essayer et voir ce qui fonctionne pour vous. 16. Différents moyens de gagner de l'argent: Cette leçon s'adresse à ceux qui aspirent à être artistes professionnels ou qui sont déjà des artistes professionnels, ou même si vous êtes simplement curieux de savoir comment les artistes peuvent gagner de l'argent. La vérité est que, grâce à Internet, il y a une multitude de façons de profiter de votre art. Tous les artistes qui réussissent ont leur propre chemin qu'ils ont tracé en fonction de leur marque et de ce qu'ils aiment faire. La plupart de ces façons exigent un public établi. C' est généralement la première étape, mais certains n'aiment pas le travail indépendant. Mon conseil est de commencer dès maintenant et d'essayer autant de façons différentes vous pouvez pour savoir ce que vous aimez faire. Quand vous trouvez cette chose qui vous passionne et que vous aimez faire, chose qui n'a pas l'impression de travailler et que vous pourriez faire toute la journée, alors concentrez-vous complètement dessus. Ça n'a pas besoin d'être juste une chose non plus. La plupart des artistes font diverses choses à la fois. Cette leçon, je vais vous donner des tonnes d'idées et comment faire de l'argent. J' ai eu ça en observant comment d'autres artistes gagnent leur vie. Je vous encourage à observer comment vos artistes préférés le font également. La plupart des artistes se mélangent et s'associent de différentes façons et ils s'additionnent tous. Gardez votre esprit ouvert et essayez beaucoup comme vous le pouvez. Rappelez-vous que je ne savais pas si je serais un bon professeur, mais je suis si contente de l'avoir essayé. De la même manière, vous ne savez peut-être pas quoi faire, mais une fois que vous l'aurez essayé, vous serez sûr si c'est la bonne chose pour vous, et si ce n'est pas le cas, vous pouvez essayer autre chose jusqu'à ce que vous trouviez cette chose que vous aimez vraiment faire. Avant de commencer la liste, je veux dire encore une chose. N' oubliez pas que toutes ces façons exigent beaucoup de persévérance, de dévouement, de travail acharné et d'habileté. Vous devez arriver au point où vous êtes assez bon pour charger votre métier. Ça ne veut pas dire que tu devrais attendre ton parfait. Ça veut juste dire que vous ne devriez pas être déçu si vous ne réussissez pas et que vous n'êtes pas prêt. Vous apprenez de tout ce que vous essayez. chose la plus importante est la persévérance, car un jour vous serez plus que suffisant et vous accomplirez tout ce dont vous rêvez et plus encore. La première est lorsque la plupart des artistes offrent sur le côté ou comme principale source de revenus, est de vendre des estampes ou des originaux de leur travail. Il y a deux façons principales de vendre des impressions. Le premier est d'obtenir une imprimante et de l'imprimer vous-même et de la vendre sur un site comme Etsy, Bigcartel, ou votre propre site. Si vous avez un grand suivant le faire vous-même est viable à travers votre propre site. Si vous ne faites pas avec récite comme S8 parce que vous avez de grandes chances les gens découvrent vos empreintes et votre travail lorsqu'ils effectuent des recherches sur le site. Vous aurez juste à payer un petit pourcentage à Etsy pour chaque vente. vente des articles est gratuite. Si vous ne voulez pas faire face à l'agitation de l'impression et de l'expédition, vous pouvez toujours vendre sur un site d'impression à la demande comme Société six, vous ne recevez que quelques dollars pour chaque vente et les profits sont beaucoup plus lents, mais tout ce que vous avez à faire est de télécharger votre travail et a également eu la même commodité d'être interrogeable comme Etsy et Société six, vous pouvez également imprimer sur des autocollants, sacs, des tasses, et ainsi de suite. Ils détiennent également des ventes très souvent vous envoyer un e-mail à leur sujet afin que vous puissiez informer vos abonnés si vous voulez en savoir plus sur Société six, ils ont déjà fait une classe juste pour partager les compétences à leur sujet. Si vous ne voulez pas de Société six, il existe d'autres sites Web et il y a des tonnes d'autres classes sur les sites d'impression à la demande. Vous voulez vendre des œuvres originales, regarder d'autres artistes avec leur public évolutif et le même médium et chimistes et voir comment ils évaluent leur travail. Les peintures à l'aquarelle, par exemple, vendent généralement entre 50 et 300$, mais les peintures acryliques Euler sur une grande toile, vendent beaucoup plus de centaines à des milliers de dollars. Cela dépend aussi de la notoriété de l'artiste. Si vous voulez devenir un artiste de galerie d'art, vous pouvez essayer de montrer votre travail dans des galeries, surtout si vous avez une collection et vous pouvez même le faire localement. Le problème, c'est que c'est très compétitif. La bonne nouvelle, c'est qu'il y a beaucoup de sites d'art. Je vais vous laisser lister votre travail gratuitement et sont un excellent moyen de se faire découvrir par les collectionneurs si c'est ce que vous voulez faire, vous pouvez fixer le prix de votre travail au prix de la galerie et beaucoup de gens ont vu leur travail de cette façon. N' ayez pas peur de profiter d'Internet. Vous seriez surpris de voir combien de collectionneurs trouvent leur art en ligne. Si vous décidez de vendre de gros morceaux en ligne, assurez-vous de savoir comment expédier vos plus gros morceaux en toute sécurité. Une autre chose dans cette catégorie est les commissions. Les commissions sont un excellent moyen de faire des revenus supplémentaires et d'obtenir du temps de pratique et avec votre style personnel, les commissions sont généralement plus cher que les originaux parce qu'ils sont faits sur mesure. Certains artistes font certains thèmes comme les portraits d'animaux de compagnie ou les portraits de personnes, ou vous pouvez le laisser ouvert. La prochaine chose dont je parlerai est liée à ça. Patreon est un excellent moyen pour les artistes de gagner des revenus supplémentaires de leurs fans et supporters. Les artistes peuvent offrir des larmes et les supporters font des paiements mensuels et obtenir les avantages de ces larmes. Vous pouvez également offrir des coupons prince , des coupons ou des commissions, ou même un abonnement à la newsletter uniquement pour les clients ou même seulement des vidéos uniquement pour les clients ou les tutoriels. Vous pouvez également spécifier le nombre de spots disponibles dans chaque niveau. S' il s'agit d'une commission, le patron représente une grande partie des revenus de nombreux artistes. Il est important de se rendre compte que ce n'est pas aussi efficace si vous n'avez pas déjà la taille moyenne ou grande qui est dédiée à votre travail. Comme je l'ai déjà dit, avoir un public est la chose la plus importante. Si vous n'en avez pas, faites cela votre objectif numéro 1 en faisant beaucoup de contenu gratuit au début. Si vous voulez en savoir plus sur patria heureusement pour vous, ils sont déjà fait une classe de partage de compétences. Vous le savez probablement déjà, mais YouTube est une autre façon de gagner des revenus supplémentaires. Habituellement, le paiement est d'un dollar pour 1 000 vues. Cela signifie que pour gagner 1 000$, vous devez obtenir un million de vues, ce qui est beaucoup, surtout pour les vidéos liées à l'art. Ce n'est pas la meilleure façon de gagner un revenu, mais c'est une façon incroyable de bâtir un public. Je vous recommande d'en commencer un. Vous pouvez également faire du marketing d'affiliation, qui est quand une entreprise vous paie pour générer du trafic ou de la vente à leur entreprise. Un moyen facile de le faire est d'utiliser les liens produits Amazon. Tout ce que vous avez à faire est de devenir un athlète en postant et vous obtiendrez un petit pourcentage de chaque vente. Vous verrez que presque tous les YouTube font cela. Je l'ai fait aussi parce que je reçois toutes mes fournitures sur Amazon. Une fois que vous obtenez assez grand sur YouTube, vous pouvez également être parrainé par des entreprises qui donnent un lien spécial qui donne au spectateur un rabais et les artistes qui commandent ou ils paient les artistes en fonction de la quantité de vues sur la vidéo obtient ou les deux. Si vous allez dans cette voie, assurez-vous de travailler uniquement avec des entreprises en lesquelles vous croyez vous-même. Le YouTube [inaudible] peut prendre un certain temps pour créer un public dans. Une fois que vous le faites, il peut être rentable. Ne vous inquiétez pas si vous n'en avez pas encore. Il y a d'autres choses que vous pouvez essayer en attendant. Les concours d'art de designer sont un excellent moyen de mettre vos compétences à l'épreuve. Si vous faites des choses comme Threadless et que vous soyez publié, vous aurez un flux de revenus passifs récurrents venant avec chaque chemise vendue chaque mois. Troisième liste pourrait être votre itinéraire si vous aimez les tees graphiques, mais surtout les drôles avec des mots [inaudible] art, mais aussi ils font imprimer un travail sérieux à, ils ont généralement un couple de compétitions d'équipe ou vous pouvez juste entrer dans une chose ouverte. Parfois, les grandes entreprises organisent des concours de design et si vous les gagnez, vous obtenez un énorme client. Assurez-vous juste de garder un œil pour ceux. Ces choses sont extrêmement compétitives, mais cela ne fait pas de mal d'essayer et vous développerez vos compétences dans le processus. Le travail des clients est aussi quelque chose que vous pouvez rechercher activement. Différents clients se spécialisent dans différentes choses comme parfois ils cherchent quelqu'un pour illustrer quelque chose pour une bouteille de vin ou pour illustrer un livre pour enfants, ou même des modèles de vêtements. Ou vous pourriez même travailler avec une entreprise qui fabrique des fournitures d'art. Quand vous allez faire du shopping, regardez autour de vous et voyez tout l'art que certains produits et pensez à vous-même que quelqu'un a fait ça. Si vous voulez faire de même, assurez-vous d'avoir un portefeuille solide d'abord. Une fois que vous avez un portefeuille solide qui met en valeur votre travail dans, a un style fort, vous pouvez alors obtenir un agent artistique. L' inconvénient, c'est qu'ils prendront une commission pour chaque travail que vous obtenez, mais ils vous feront travailler. Ou vous pouvez même prendre les choses en main et les clients de courriel directement et leur dire pourquoi ils devraient travailler avec vous et qui vous êtes. J' ai reçu des e-mails de clients si je suis sur Instagram ou YouTube dernièrement. Assurez-vous de vous y mettre activement et de créer votre audience en même temps parce que les clients vous trouveront aussi de cette façon. L' autre chose que vous pouvez faire est de vendre des actifs sur des sites Web qui marché créatif. Une ressource peut être n'importe quoi, qu'il s'agisse d'illustrations, de modèles de logo ou même de polices. Vous obtenez de l'argent à chaque fois que quelqu'un l'achète et cela peut additionner. L' autre idée dont nous avons parlé plus tôt est de commencer un blog, surtout si vous aimez écrire. Non seulement cela sera rentable grâce au marketing d'affiliation, mais vous pouvez construire votre audience de cette façon. Cela vous ouvrira beaucoup de portes car les gens vont chercher votre travail. Ou vous pouvez enseigner des cours en ligne comme moi. Ou peut-être même enseigner des ateliers dans votre région. Ou si vous avez un diplôme d'art, vous pouvez enseigner dans une école ou un collège. Il y a aussi des façons de tirer profit de compétences spécifiques lors des combinaisons. Comme si vous êtes plus grand dans le lettrage au pinceau et la coloration à l'eau, vous pouvez faire des invitations de mariage à la main. Si vous avez un rêve particulier en travaillant chez Pixar, je veux dire, ce type est une limite. Si c'est votre objectif, allez-y. Bien sûr, ce ne sera pas facile parce que le meilleur des meilleurs travaux là-bas. Mais si vous trouvez votre passion et mettez le travail et vous pouvez faire n'importe quoi, mon conseil est de ne pas vous soucier du succès, surtout au début. Si vous aimez faire ce que vous faites et persévérer, vous réussirez à la fin. Prenons l'exemple des artistes Dallas Clayton. Il a écrit et illustré un livre pour enfants intitulé An Awesome Book. C' est super excentrique et a un message doux. C' est différent de tout ce que j'ai jamais vu auparavant. Il a essayé de le faire publier, mais il a été refusé par plusieurs maisons d'édition. Il n'a pas abandonné. Il l'a auto-publié et l'a offert gratuitement en ligne. Il a vendu des milliers de livres, et maintenant il a un contrat avec Harper Collins et Kindle Book Press. Depuis, il a fait beaucoup d'autres livres qui touchent et inspirent les gens du monde entier. Il vit sa mission personnelle et son rêve. Tout a commencé par suivre sa passion et ne pas abandonner, même quand les gens lui ont dit qu'il n'était pas assez bon. Ce n'est qu'un exemple et vous pouvez dire, « Oh, il a eu de la chance », mais je ne crois pas à la chance. Je crois en toi et en faisant ce que tu aimes faire. Va le faire et ne t'inquiète pas si tu ne sais pas ce que tu vas faire à la fin, essaie de faire des choses incroyables que tu peux, qui sait ? Peut-être que vous allez également auto-publier un livre pour enfants et a touché d'innombrables vies. Ou peut-être que vous allez commencer un podcasts de créativité et faire la même chose. Peut-être que vous organiserez des ateliers d'art partout dans le monde. Les possibilités sont infinies. Il y a d'innombrables façons de construire une carrière artistique et le chemin de chacun est unique. Rappelez-vous mon histoire et combien de choses différentes j'ai essayé avant de trouver mon chemin et je suis toujours en train de trouver mon chemin. Ne vous inquiétez pas trop. Vivez dans le moment, profitez de la balade et essayez autant de choses que vous le pouvez. Vous y arriverez avec le temps. Continuez, ne vous limitez pas et faites ce que vous aimez. Finissons la classe avec des conseils de séparation sur des choses comme notre bloc et la jalousie. 17. Derniers conseils: Maintenant que la classe touche à sa fin, parlons de sujets super importants, comme la jalousie. J' étais tellement jalouse des artistes que je voyais sur Instagram. Je me dis : « Comment ça a l'air si beau ? Comment ont-ils fait ça ? Ils sont nés de cette façon, je ne peux jamais être aussi bon qu'eux. » C' était tellement stupide de regarder en arrière parce qu'ils ont mis tant de temps à ce qu'ils font pour arriver à ce niveau. Je suis jalouse, c'est ridicule parce que je peux obtenir ce niveau aussi si je mets le temps. Rappelez-vous que tous les artistes là-bas, peu importe leur talent, ils regardaient un jour Instagram ou tout ce qu'il y avait à l'époque et pensaient  : « Mec, regarde ces artistes, je ne peux jamais être aussi bon que eux. » Mais au lieu d'être jaloux et déprimés à ce sujet et d'abandonner l'art, ils ont pris leur pinceau et leur crayon et ils ont travaillé plus fort. Ils ont été motivés pour être aussi bons que cette personne. C'est pour ça qu'ils le sont. Vous devez donc être motivé par d'autres artistes, être inspiré par d'autres artistes. Ne soyez pas jaloux d'eux parce que c'est stupide, parce que nous avons tous quelque chose de spécial et unique à offrir au monde. Nous sommes tous dans ce voyage ensemble, nous faisons tous une différence dans le monde et nous sommes tous frères et sœurs qui s'intéressent mêmes sujets et font les mêmes choses, mais d'une manière totalement unique. Vous avez quelque chose d'unique que personne d'autre ne peut offrir au monde, mais vous devez le découvrir en y travaillant et y travaillant, en y travaillant et en y travaillant. Crois-moi, ce n'est pas une compétition. Il y a plus qu'assez de tout pour faire tour et vous devez juste devenir bon dans votre métier. C' est tout ce que votre objectif doit être. Laissez-vous inspirer par d'autres artistes. Ne laissez pas ça vous démotiver. Laissez-vous inspirer par la qualité et la qualité que vous pouvez être un jour. La prochaine chose dont on parlera, c'est l'épuisement professionnel. J' ai eu une très mauvaise expérience avec l'épuisement professionnel il y a un mois et demi. Comme vous le savez, j' ai fait beaucoup de cours et j'étais tellement obsédée par ça. Parfois, je faisais deux cours par mois, une fois je faisais trois cours par mois, mais ils étaient courts. Mais j'étais fou parce que j'ai adoré ça. C' est arrivé au point où c'est devenu une habitude et j'ai commencé à me brûler et je me forçais à faire des cours. C' est devenu un travail au lieu de ma passion. Je me sentais brûlé, mais je ne ferais pas de pause et je me forcerais à le faire. Si j'avais juste fait une pause, si j'avais pris une semaine ou deux semaines de congé, j'aurais été bien. Mais je ne l'ai pas fait, donc j'ai continué à le repousser et repousser et à l'ignorer, à ignorer mon intuition, ce que je ressentais. Jusqu' à un jour, je ne pouvais pas ramasser un pinceau, un crayon ou quoi que ce soit parce que je me sentais comme si je ne voulais plus jamais faire de l'art. C' était terrifiant parce que j'ai entendu des histoires de gens qui se brûlent et changent leur carrière ou changent leur vie, et je ne voulais pas être l'un de ces gens parce que art est mon tout et sans elle, je suis incomplète. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai complètement arrêté de faire de l'art de toutes les manières. Je n'y ai pas pensé, je n'ai rien fait en rapport avec ça et j'ai fait tout autre chose. Je l'ai complètement oublié. J' étais déprimée. J' étais si déprimée parce que j'étais terrifiée que c'était tout pour moi. Mais j'ai continué à croire que ça passera, ça passera. Ça m'a pris un mois et une semaine, mais je me suis finalement senti tellement mieux. Je me suis réveillé un matin et j'ai dit  : « Je peux penser à l'art et je me sens excité à ce sujet. » C' est parti parce que j'ai laissé mon esprit se reposer complètement d'être créatif. Je sais que ça a l'air productif. Pensez-y, votre esprit est comme votre corps. C' est comme un muscle. Si vous continuez à travailler tout le temps sans faire de pause, vous allez être épuisé, vous ne vous sentirez pas bien. Vous devez prendre des pauses pour digérer ce que vous apprenez, traiter, et juste guérir. En fait, la recherche le montre, ils montrent que les gens créatifs doivent prendre pauses pour avoir une vie épanouissante et éviter l'épuisement professionnel. Donc, si vous avez besoin d'une pause, si vous pensez que ça commence à se produire, faites cette pause. Ne sois pas comme moi et je dois prendre un mois de congé et ne rien faire d'autre. Ne le forcez pas parce que vous risquez de perdre votre passion pour elle. Je remercie Dieu, je l'ai perdu temporairement, mais c'était terrifiant de penser que ça aurait pu être permanent. Alors ne le forcez pas, prenez votre temps libre et faites ce que vous voulez. Ce qui est drôle, c'est que ma créativité est revenue et avec elle j'ai rêvé de cette classe. Je me disais : « Je suis prêt à refaire des cours », parce que j'avais un rêve à ce sujet et ça ne s'est jamais produit auparavant. C' est drôle de voir comment la créativité fonctionne et comment fonctionne l'épuisement professionnel, et comment votre subconscient fonctionne toujours même si vous ne pouvez pas le voir. Vous obtenez des idées générées là tout le temps. Si vous essayez de forcer une idée, ça ne marchera pas. Vous devez marcher votre chien ou prendre une douche pour que cette idée vienne à vous. Si tu restes assis là à regarder une page blanche, ça ne marchera pas. Ce n'est pas comme ça que ça marche. La créativité est super mystérieuse et étrange et vous ne pouvez pas la forcer. Vous avez juste à rouler avec, et vous devez l'accepter, et vous devez l'écouter. Habituellement bloc d'art est burnout. Mais si vous avez un bloc d'art et que vous ne faites pas beaucoup d'art, vous ne devriez pas être fatigué, alors c'est probablement autre chose. Ce que vous devriez faire, c'est juste dessiner n'importe quoi. Faites une étude de la vie, faites un croquis, faites un exercice, et c'est comme ça que vous allez vous améliorer. Vous allez améliorer vos compétences et pendant ce temps, votre cerveau commencera à être plus créatif lentement et les roues tournent à nouveau toutes vos bonnes idées. Tu le débloques juste un peu. La prochaine chose dont je veux parler est la confiance et le syndrome de l'imposteur, et des choses comme ça. Le syndrome de l'imposteur est quand les gens qui sont professionnels, au sommet de leur domaine, ils sont incroyables, ne pensent pas qu'ils sont assez bons. Je pense que c'est une escroquerie. Pensez qu'ils vont être pris un jour, qu'ils ne savent pas ce qu'ils font. Mais la vérité, c'est que personne ne sait ce qu'ils font dans le domaine de la création parce que c'est tellement allusion, et étrange, et aléatoire. La créativité n'est pas quelque chose que nous pouvons contrôler. Mon conseil est d'être confiant, car quand vous manquez de confiance, vous pouvez vous empêcher de faire beaucoup de choses. Ça ne fait jamais mal d'en avoir trop, mais ça fait mal d'en avoir du tout. Je ne dis pas de ne pas être humble, bien sûr être humble, mais croyez en vous-même. Croyez en votre art, en votre capacité, votre voyage et en votre esprit. Tu dois croire en toi. Si vous ne le faites pas, personne d'autre ne le fera, et vous ne ferez jamais ce que vous voulez faire. Mon conseil est juste de faire semblant jusqu'à ce que tu le fasses. Pensez à ce que ressentent vos artistes préférés. Est-ce qu'ils ont l'impression d'avoir accompli quelque chose d'incroyable ? Est-ce qu'ils ont l'impression qu'ils sont les meilleurs ? Peut-être qu'ils ne le disent pas, mais ils se sentent comme ça ? Se sentent-ils excités de s'asseoir et de travailler sur une page blanche ? Fais semblant d'être cette personne. Fais semblant d'être assez bon. Fais semblant d'être comme, tu sais quoi ? Je suis le meilleur dans ce que je fais. Même si c'est un mensonge, tu vas te sentir mieux et tu vas accroître ta confiance. Parce qu'un manque d'estime de soi est vraiment difficile de réussir en tant qu'artiste avec elle, et vous allez probablement prendre du travail libre et des choses comme ça que vous ne devriez pas faire. Croyez-moi, je n'ai pas cru en moi pendant le plus long temps et seulement avec certaines de mes expériences que j'ai finalement commencé à croire en moi et avec les gens qui me le disent. Mais ça n'aurait pas dû être comme ça. J'aurais dû croire en moi dès le début. Je n'ai pas besoin que quelqu'un d'autre me dise quelque chose. Même si je n'étais pas assez bon, je devrais savoir qu'un jour je le serai parce que j'ai mis le dur travail et j'y arriverai. Tu dois croire en toi. Si vous êtes l'artiste le plus talentueux au monde, mais que vous ne croyez pas en vous-même, vous n'allez pas partager votre travail. Tu n'essaieras pas de choses différentes et personne ne te découvrira jamais parce que tu te caches. Vous devez sortir de votre coquille et montrer votre travail au monde et simplement faire de votre mieux. Je sais que parfois tu as des problèmes psychologiques comme des gens dans le passé t'ont dit que tu n'es pas assez bon ou que les artistes meurent de faim ou quelque chose comme ça. Croyez-moi, beaucoup de gens m'ont dit que les artistes ne peuvent pas gagner de l'argent et que je devrais repenser mes choix de carrière et que je ne suis pas assez bon et que je ne les ai pas écoutés. Je continuais à faire ce que je voulais faire parce que je savais que c'était ce que je voulais faire. J' étais si passionnée par ça. Alors suivez simplement votre passion, faites ce que vous aimez et croyez en vous-même. C' est pour mon conseil que je pensais profiter au plus grand nombre de gens. Mais si vous avez quelque chose de spécifique que vous voulez demander, laissez-le dans la section communauté de la classe ou envoyez-moi un e-mail et je vous répondrai. Avec ça, finissons le cours. 18. Votre projet et conclusion: Donc la classe touche à sa fin et j'espère que vous l'avez apprécié et que vous en avez pris beaucoup. Je sais qu'être artiste peut être difficile et ne pas savoir où aller ensuite et quoi pas. Mais j'espère que je t'ai aidé et j'espère que tu as une meilleure idée de ce qu'il faut faire ensuite et que tu crois en toi et que tu es excité d'être dans ce voyage. Si vous voulez partager un voyage créatif avec le reste de la classe, d'autres artistes en herbe, vous pouvez faire un projet dans la galerie de projets, et y mettre tout ce que vous voulez. Vous pouvez partager vos carnets de croquis, montrer comment votre style a évolué au fil des ans, donner vos propres conseils. Parlez des luttes artistiques que vous traversez, tout ce que vous voulez faire. Vous pouvez le mettre dans la galerie du projet et il y aura un endroit si amusant pour apprendre et partager et voir comment les autres artistes agissent et pensent comme vous. Vous pouvez également partager vos réseaux sociaux. Exercice de dessin si vous les suivez beaucoup dans la classe ou tout ce que vous voulez faire, même vos propres conseils et astuces que vous avez appris de votre métier. Je veux que les projets de tout le monde s'inspirent mutuellement et s'élèvent mutuellement, mais ne vous inquiétez pas si vous êtes trop timide pour partager quoi que ce soit. C' est tout à fait bien. Mon conseil est juste de vérifier affaires des autres parce que vous allez peut-être vous rendre assez courageux pour partager. Mais si vous ne l'êtes pas, ne vous inquiétez pas. Peut-être que tu n'es pas prêt et c'est bon, mais j'espère qu'un jour tu le seras parce que crois-moi, partage est tellement enrichissant. Nos voyages personnels seulement. Tu sais quand tu seras prêt. Donc avec ça, j'espère que vous avez apprécié la classe. Si vous avez des questions, laissez-les dans la section communautaire la classe et si vous voulez en apprendre plus de moi, vous pouvez vérifier mes nombreux autres cours sur différents supports de l'encre, à l'aquarelle, au dessin et ainsi de suite. Je vais juste [inaudible]. N'oubliez pas que vous avez également accès à des milliers d'autres classes de professeurs incroyablement talentueux. Assurez-vous d'en prendre autant que possible, mais n'oubliez pas de pratiquer ce que vous apprenez. Tu ne peux apprendre qu'en faisant des mecs. Alors mettez le temps et vous verrez les résultats. Donc avec ça, je vais dire au revoir, j'espère que vous avez apprécié la classe et je vous verrai dans la prochaine.