Capturer le mouvement : techniques d'aquarelle dynamiques pour la lumière et le flux

1. Bienvenue au cours !: Bonjour à tous. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous allons peindre une ballerine gracieuse en mouvement à l'aide d'aquarelles douces et fluides C'est un sujet vraiment magnifique plein d'atmosphère, de mouvement et d'élégance. Dans ce cours, nous allons apprendre à combiner un pinceau souple et expressif avec un contrôle délicat pour suggérer le mouvement, la douceur et Qu'il s'agisse de capturer les doux plis d' une robe fluide ou de créer des arrière-plans flous et oniriques , ce projet nous donne l'occasion idéale d' expérimenter liberté et la subtilité Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais ou quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Apprenons donc à mêler technique et émotion , précision et spontanéité. Es-tu prêt ? Commençons. 2. Votre projet: Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce cours. J'ai vraiment hâte de le peindre. Nous allons peindre une ballerine en pleine rotation avec sa robe qui coule autour d'elle, entourée de couleurs douces et C'est un sujet qui peut sembler complexe au premier abord, mais ne vous inquiétez pas. Nous allons procéder étape par étape et faire en sorte que les choses restent légères et agréables tout au long de la procédure. Nous nous concentrerons sur la création d'une silhouette à la fois forte et douce, peignant un tissu doux et fluide en utilisant des techniques de levage et de levage sur sol mouillé. Et nous allons également mélanger arrière-plans oniriques qui complètent le mouvement des danseurs Ce cours porte sur l'expression et non sur la perfection. Il n'est pas nécessaire de bien comprendre tous les détails. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer à peindre, passons en revue tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Elles sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serlean, lavande, violet, vidian, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement Daniel Smith, Windsor et Newton pour les peintures Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles telles que le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Je vous encourage à expérimenter et à explorer les couleurs que vous souhaitez utiliser, matériaux avec lesquels vous souhaitez vous entraîner. Maintenant, allons-y et commençons à peindre. 4. Conseils pour l'ébauche: Ce dessin n'a pas besoin d'être très détaillé ou d'avoir un contour paradisiaque. Nous l'utilisons simplement comme cadre lumineux pour la peinture. Les lignes doivent donc être délicates et minimales, et vous pouvez prendre votre temps pour assurer que tout est correct et vous pouvez utiliser mon modèle de traçage dans la section des ressources pour vous aider à démarrer. Mais avant de penser aux traits ou aux plis de la robe, il est important de saisir le geste, le mouvement général et le flux de la silhouette. Notre objectif est d'obtenir la posture et le mouvement de la ballerine Vous pouvez voir que la tête n'est qu'un simple cercle pour le moment. Donc, plutôt que de tout décrire, essayez de penser en termes de formes simples, de blocs de robe, d'ovales pour les bras et la tête, puis affinez-les progressivement. J'utilise toujours un crayon à mine très doux sur scène, puis nous pourrons passer à une mine plus fine pour obtenir plus de détails une fois que nous serons sûrs que tout est en place, comme c'est le cas actuellement Comme nous utilisons des couleurs douces et des lavis légers, il est très important que vos traits de crayon soient clairs n'y a pas trop de pression ici, car il sera plus difficile de maintenir la qualité d'aération que nous souhaitons pour la peinture finale. 5. Mélanger les couleurs: Pour commencer cette peinture , mélangeons un beau violet aqueux dilué J'utilise du bleu outremer et un peu d'alizarine pourpre Et je le garde bien dilué. J'ai aussi du violet sur ma palette. C'est juste un raccourci, en fait. Vous pouvez facilement mélanger votre propre violet, comme je l'ai fait ici en utilisant l' alizarin cramoisi et Et vous pouvez jouer avec différents types de bleus pour créer votre propre violet, ou si vous en avez déjà un, vous pouvez l'utiliser directement. Nous avons le bleu cérléen et le rouge camen donc y mettre n'importe quel mélange Vous pouvez donc y mettre n'importe quel mélange de rouge ou de bleu, quel que soit le violet de votre choix Une fois que vous l'avez mélangé, mettez votre pinceau sur le côté, et nous pouvons maintenant commencer à préparer le papier. Une bonne façon de le faire rapidement est d'utiliser un pulvérisateur d'eau. Je répartis donc l'eau uniformément sur la page. Vous pouvez également utiliser un très gros pinceau pour saturer complètement le papier Et nous allons lui donner quelques minutes pour absorber complètement, car nous allons ajouter de jolies transitions d' arrière-plan douces, et pour nous assurer que tout est doux, nous devons nous assurer qu'il n'y a pas de zone sèche sur le papier. Prenez donc le temps nécessaire pour vous assurer que tout est complètement mouillé. De plus, vous devez avoir du ruban adhésif très résistant. Même avec du papier en coton de haute qualité, le papier se déformera certainement lorsqu'il est aussi mouillé Vous avez donc besoin d'un ruban adhésif pour vous assurer qu'il redevienne plat lorsqu'il sèche. Cependant, si vous utilisez du papier bon marché, le ruban adhésif peut parfois adhérer au papier lorsque vous le retirez et cela peut le déchirer Il faut donc faire attention à cela à la fin. Mais comme vous pouvez le constater, nous partons du bord, et nous le rendons lentement de plus en plus clair au fur et à mesure que nous nous dirigeons vers le milieu. Nous sommes donc presque en train de créer une petite bordure. Et tant que nous le gardons humide, vous pouvez avoir ce jet d'eau dans votre main, ajouter de l'eau avec le pinceau. Tant que nous le gardons humide, il n'y aura pas de bords durs. Et nous pouvons commencer par la lumière et en ajouter un peu à chaque fois pour ne pas nous laisser impressionner par la couleur Et voyez sur ma palette comment nous avons un violet chaud et un peu de bleu. Nous avons donc une petite plage de température. Nous avons le bleu plus froid et le rouge plus chaud, et il n'est pas très saturé. Nous ne voulons pas que ce soit trop vif ou trop brillant. Ainsi, lorsque nous les mélangeons sur le papier, cela ressemble presque à du gris à ce stade. Et petit à petit, au fur et à mesure qu'il sèche, nous pouvons être un peu plus délibérés avec nos coups de pinceau. Mais si vous n'en êtes pas encore à ce stade , c'est très bien. Vous pouvez simplement continuer à pulvériser le papier ou à ajouter de plus en plus d'eau avec le pinceau jusqu'à obtenir les tons souhaités. Vous pouvez voir à quel point mon papier commence à se déformer maintenant, mais cela ne m'inquiète pas car je sais que le ruban adhésif le maintient enfoncé et qu'il s' aplatit en séchant. 6. Fond humide sur humide: Je ne pense toujours pas que ce soit assez foncé à mon goût, et je ne veux pas le rendre trop foncé Je vais donc continuer à ajouter du pigment petit à petit. Et je ne vais pas vraiment le mélanger à ma palette tant que ce n'est pas parfait. Je vais commencer par l'ajouter directement sur le papier, un peu de bleu ici, un peu de rouge là, puis avec le mélange humide sur humide sur le papier, ils se mélangeront pour créer leurs propres mélanges uniques de violet Lorsque vous utilisez des techniques comme celle-ci qui permettent de mouiller le papier très fortement, vous devez vous assurer qu'il est toujours mouillé, car lorsqu' il se déforme ainsi et que vous avez zones où le papier se plie vers le haut, l'eau s'écoule, comme dans une montagne dans la vraie vie, dans les vallées, et c'est là que cela crée Vous devez donc incliner la tête à nouveau et vous assurer qu'il n'y a pas d'accumulation d'eau excessive Vous pouvez utiliser la brosse pour aider à uniformiser la situation. Heureusement, je ne remarque ni ne vois de grandes flaques d'eau La nature du papier à base de coton facilite en fait la propagation de l'eau beaucoup plus facilement. j'ai appris à peindre à l'aquarelle pour la première fois, j'ai découvert qu'avec de la vapeur Lorsque j'ai appris à peindre à l'aquarelle pour la première fois, j'ai découvert qu'avec de la vapeur bon marché, il était très difficile d'arrêter l'accumulation d'eau et les zones d'eau inégales Donc, si vous êtes prêt à essayer le papier à base de coton, cela fait vraiment passer cela fait vraiment passer votre travail au niveau supérieur et cela vous aide. Cela facilite le travail avec ce support. Vous pouvez voir que le centre du papier commence à sécher maintenant, et c'est pourquoi je suis un peu plus consciente de mes marques de pinceau. Et j'ajoute des coups de pinceau directionnels et j'utilise un cramoisi elsuan très dilué, qui ressemble à du rose quand il est si dilué comme ça Mais vous pouvez également utiliser du rouge de cadmium. Et comme le papier est en train de sécher, il conserve la forme de ces marques de pinceau. Ce ne sera donc plus un lavage. Ce seront plutôt de belles lignes douces. Et j'ajoute progressivement une touche d'ocre jaune à ce mélange Augmenter la quantité de pigment et le rendre légèrement plus épais, en utilisant également le bout de mon pinceau pour affiner beaucoup de ces lignes. Et il y aura une belle transition entre les lavages doux les lignes moyennement douces une fois le papier complètement sec, des lignes très dures Et nous tirons parti de cette transition du papier humide au papier dur. Et je n'ai mélangé aucune autre couleur à celle-ci. J'utilise juste cette alizarine cramoisie, mais pendant que je l'utilise, elle mélange et ramasse d'autres pigments sur le papier pour créer cette harmonie Je ne veux pas faire trop sombre car cette robe en particulier doit être légèrement blanche C'est une robe blanche avec des ombres roses. Et ces petites transitions douces renforcent la sensation de volume grâce à un tissu doux et soyeux. 7. L'humidité du papier: J'évalue toujours le degré d' humidité du papier, et je pense qu'il est toujours prudent d'ajouter du pigment à l'arrière-plan environnant, en gros, aux gros, Et je veux qu'il y ait un contraste parce que les bords doivent avoir cette atmosphère, cette sensation d'espace et de profondeur. Mais je veux que la figurine elle-même soit à contre-jour. Nous avons donc une sorte d'élément dynamique intéressant où l'arrière-plan passe du foncé au clair puis au foncé à nouveau. Et cela doit être une transition. Nous ne voulons pas vraiment de lignes dures en arrière-plan. Nous devons le rendre plus aéré et plus atmosphérique. Et encore une fois, vous pouvez voir sur ma palette qu'il y a de légères touches de bleu, violet et de rouge, et même de gris, en y ajoutant des éléments de gris, en commençant à devenir un peu plus délibérée, de plus en plus délibérée avec mes blagues au pinceau au fur et à mesure que le pinceau sèche parce que, comme je l'ai déjà dit , plus c'est sec, plus les marques de pinceau seront dures et évidentes De plus, même s'il est difficile voir exactement où se trouve ma main sur le pinceau, vous pouvez voir que je le tiens au bout, pas à l'avant. Et c'est parce que je n' essaie pas d'être aussi précis. Je suis délibéré mais je ne suis pas précis. Et le fait de tenir le pinceau au bout permet d'obtenir des marques de pinceau lâches et gestuelles plus expressives, plus excitantes, plus vives et plus vivantes Nous ressentons. Lorsque je tiens un pinceau sur le bout, ce sera pour tous les petits détails du visage et les détails du laçage de plus tard, pour les détails du laçage de la robe, où nous aurons besoin de précision Mais pour le moment, je veux que les choses restent souples et expressives. C'est pourquoi je le tiens à la fin. 8. Mettre la lumière en valeur: Maintenant, nous avons complètement séché le papier, et comme vous pouvez le voir, il est à nouveau complètement aplati parce que nous avons un ruban adhésif résistant, et c'est du papier à base de coton Et je suis passé à un pinceau plus petit parce que nous allons être un peu plus précis maintenant. Je prémouille le papier juste au-dessus du coude du bras gauche, vu de notre point de vue, et j'ajoute une transition un peu plus contrôlée Je veux qu'il y ait un peu plus de teinte ou un ton plus foncé à l'arrière-plan et qu'il disparaisse progressivement en arrière-plan J'utilise un gris violacé pour cela. Si j'utilise le gris, c'est parce que je ne veux pas qu'il soit submergé de couleurs vives et éclatantes. J'adore les couleurs vives et j'essaie d' utiliser des couleurs vives dans toutes mes peintures, mais il faut un élément de gris, de monotone ou de terne pour contraster avec cette vivacité. Si tout est vibrant partout, il n'y aura aucune tension dans le tableau, ce qui le rend passionnant. Il s'égalisera tout seul, pour ainsi dire. Et maintenant, je peins à nouveau très soigneusement le contour de sa main, pour augmenter le contraste. Elle y gardera sa robe ou sa jupe. J'ajoute un peu de sous-couche. Je trouve que l'utilisation du rouge en lui-même le rend un peu trop cool. J'ai ajouté un jaune ocre à ce rose pour lui apporter un peu de chaleur, car c'est un fond plutôt cool Je veux donc que la silhouette et la robe soient un peu plus chaudes Hum, et maintenant que le papier est complètement sec, nous pouvons commencer à ajouter des lignes très frappantes, mais nous voulons être très prudents avec elles. Nous ne voulons pas ajouter trop de lignes nettes. Donc, juste quelques-uns pour aider à guider l'œil, dirigeant vers le centre, suivant le sens des rides de la robe. Découvrez comment j'utilise les lignes de balayage. Encore une fois, je tiens le pinceau loin vers le haut, pas devant. Je bouge tout mon bras, pas seulement mon poignet , ma main ou mes doigts, en utilisant également le bout de mon pinceau. Augmentez le contraste juste en dessous de la main et entre les deux pour faire ressortir la robe là où elle la tient. 9. Pinceaux abstraits: Nous avons maintenant presque terminé la section des sous-couches claires, les couleurs claires Nous allons maintenant passer à la gamme tonale suivante, les tons moyens Pour cela, il nous faut un peu de noir et je vais utiliser le rouge du chauffeur de taxi avec l'ocre jaune C'est la même couleur que celle que nous utilisions auparavant, juste beaucoup plus riche et nous devons en mélanger beaucoup plus. Il est intéressant de voir comment vous pouvez simplement créer deux couleurs différentes en fonction de la force du pigment. C'est une couleur rouge très riche lorsqu'elle est beaucoup utilisée, mais elle a l'air rose lorsqu' elle est utilisée si légèrement. Maintenant, j'utilise du bleu serléen avec un mélange de vert viridien pour créer une jolie couleur turquoise qui borde le côté bleu plutôt que le côté C'est une turquoise bleutée. En commençant par le gris, en ajoutant quelques marques de pinceau abstraites qui évoquent la robe, mais elles sont floues. Elles n'ont pas besoin d' être raffinées ou détaillées car c'est là que la robe se fond dans l'arrière-plan Donc, juste quelques formes organiques. En utilisant une variété d'épaisseurs. Certains d'entre eux sont plus épais, et d' autres j'utilise juste le bout de mon pinceau. Parce que lorsque nous pensons à une robe soyeuse dans notre tête ou lorsque nous regardons des références, il y a toutes sortes de plis et de reflets Certains d'entre eux vont donc être mous. Je suis juste en train d'adoucir les petits détails. Vous avez de petits plis fins, des virages et des transitions épais Et il y a une nature zigzaguée là-dedans. J'essaie donc d'ajouter un élément de zigzaggy, mais je n'essaie pas d'être trop précis ou trop net C'est un marquage au pinceau très abstrait. Je n'essaie pas d'y penser trop consciemment non plus. J'utilise ce violet grisâtre comme couleur d'ombre principale parce que c'est un joli ton neutre Plus tard, nous pourrons commencer à être un peu plus aventureux et peut-être ajouter des ombres bleues, des ombres roses, des ombres vertes, même Mais comme couleur de fond neutre, nous pouvons utiliser ce violet Sur le bord supérieur gauche de la robe, sous le bras, je vais devoir la rendre un peu plus foncée qu'elle soit foncée sur un fond clair. Parce que, bien entendu, ton transmet le message et explique ce qui se passe avec les formes. Et nous pouvons avoir soit un fond sombre avec une robe claire, soit un fond clair avec une robe foncée, et le fond y est clair, donc c'est ce que nous devons faire. Nous devons assombrir légèrement la robe. Cela ne veut pas dire que nous devons assombrir toute la robe, cette petite zone, puis mélanger. A. 10. Clair sur foncé, ombrage sur claire: Maintenant, sur ce bord, je vais juste ajouter une petite ligne nette haut pour qu'il y ait une définition claire sur le bord de cette robe. Mais je veux le lisser à la baisse. Je veux donc un bord dur en haut , puis un bord lisse lorsque nous descendons pour indiquer cette forme, la courbure de la robe. Ensuite, nous pouvons commencer à ajouter quelques ombres supplémentaires à cette robe pour lui donner une sensation de tissu. Et lorsqu'il s'agit de ces marques de pinceau expressives, il vaut mieux faire une erreur et passer que de trop travailler ces zones pour les raidir , car nous essayons de créer une sensation de fluidité et de liberté gestuelle Et surtout dans les premières étapes d'une peinture comme celle-ci, nous commençons tout juste à suggérer le mouvement et la douceur de la robe avec ces marques de pinceau abstraites amples À ce stade, nous n' essayons pas de définir les détails. Nous essayons simplement de capturer sentiment de cette légèreté et de cette grâce. Et pour ce faire, nous devons peindre avec une sorte de liberté qui ne laisse pas place à des doutes constants. Et cela peut sembler très peu naturel, notamment parce que l'aquarelle en particulier demande beaucoup de planification, mais vous planifiez votre peinture de manière à pouvoir vous laisser aller dans ces moments Et cette liberté ne signifie pas négligence. Cela signifie être présent, intuitif et prêt à accepter que ce qui se passe sur la page, même si ce n'est pas exactement ce que nous avions imaginé, fonctionne toujours pour la peinture en revenir à l' autre bras, je vais faire le contraire de ce que nous faisons de l'autre côté. Je vais légèrement assombrir le fond et rendre la robe blanche, afin que nous puissions voir les deux manières de procéder Nous avions un fond clair avec une robe foncée de l'autre côté, et maintenant nous assombrissons le fond pour faire ressortir la robe de ce côté Cela le rend donc très dynamique. Mais nous ne voulons pas faire trop sombre là où se trouve le torse car si vous regardez l'image finale, nous avons en fait assombri le Et lorsque nous le peindrons, le torse sera beaucoup plus foncé que le fond Nous ne pouvons donc pas trop assombrir l' arrière-plan. C'est là que l'intuition et la prévoyance entrent en jeu, car nous devons réfléchir aux multiples couches que nous allons ajouter mais si vous regardez le tableau final que j'ai téléchargé dans la section des ressources, vous pouvez voir comment j'ai organisé les différentes couches et les différents tons Alors essayez de l'assortir. Et vous pouvez également assombrir le torse. S'il fait trop sombre ici, tu peux le faire. Et je peins juste au-dessus du bras pour faciliter cette transition vers l'obscurité , car il y a un peu d' obscurité sous le bras Il serait donc étrange qu'il s' arrête soudainement au-dessus du bras. Nous devons donc peindre l'autre côté pour aider cette illusion. Quand un coup de pinceau tourne mal, et c'est le cas, c'est le cas tout le temps. Dans ce tableau, j'ai fait de nombreux mauvais coups de pinceau. Il suffit de le laisser vivre. Laissez-le reposer là et faire partie du tableau. Parce que les parties les plus mémorables d' une peinture sont souvent celles qui n'ont pas été planifiées, en particulier dans le cas de l'aquarelle qui regorge de spontanéité et magie provient de choses qui n'ont pas été directement peintes ou éclaboussures étranges, ces fleurs, oscillations dans les lignes, ces prétendues erreurs donnent vie et authenticité à la peinture, même si cela peut vous sembler faux fois que vous vous êtes déconnectée et que vous y êtes revenue ou si quelqu'un d'autre n'a jamais vu le tableau auparavant, cela lui donne cette sensation intéressante et c'est ce qu'est l'art, ce message, Ces éclaboussures étranges, ces fleurs, ces oscillations dans les lignes, ces prétendues erreurs donnent vie et authenticité à la peinture, même si cela peut vous sembler faux une fois que vous vous êtes déconnectée et que vous y êtes revenue ou si quelqu'un d'autre n'a jamais vu le tableau auparavant, cela lui donne cette sensation intéressante et c'est ce qu'est l'art, ce message, cette expression unique que vous avez créée. 11. Peindre le corsage: Maintenant, nous l'avons à nouveau séché, juste pour pouvoir le cocher, pour ainsi dire. Nous pouvons commencer par cette section suivante de peinture du torse. J'utilise des marques de pinceau en diagonale, des hachures croisées. Je vais donc d'un côté à l' autre, puis comme un X, je vais également dans l'autre sens, vais également dans l'autre sens utilisant des lignes très fines pour donner l'impression d' une tapisserie complexe de dentelles qui se produit dans le bras. Nous pouvons également le construire Donc, si nous voulons avoir plus de texture, nous pouvons peindre une couche, la sécher et revenir en arrière. J'utilise principalement du rose. Notez que je n'ai pas utilisé le rose opéra, qui est le rose vif typique, voyez-vous, et je l'ai utilisé dans plusieurs de mes cours. J'ai juste trouvé que c'était trop dynamique pour l'ambiance et le décor que je voulais transmettre. Je voulais y ajouter un peu de couleur tamisée. Parce que je trouvais que le rose opéra était un peu trop fort, mais cela ne veut pas dire que tu ne peux pas l'utiliser. Vous voulez peut-être exprimer quelque chose fort. C'est un choix personnel, et c'est intéressant de voir si les élèves choisissent d' utiliser différentes couleurs. Je ne veux pas que les marques de pinceau soient trop nettes. Donc, de temps en temps, je fais simplement glisser mon doigt dessus pour rendre les bords un peu rugueux La première chose que je fais est de créer la texture, et c'est ce que nous venons de faire. Ensuite, une fois que nous avons créé la texture, nous devons ajouter de la forme et lui donner l'impression d'un torse Je commence donc à revenir sur le bord, à le rendre un peu plus sombre, là où le corps se courbe dans l'ombre. R Le côté gauche du corps se trouve dans cette douce transition d'ombre, que nous venons de peindre et que nous venons de terminer. Et pour contraster cela, d'un autre côté, nous pouvons toujours ajouter de l'ombre, mais nous pouvons le faire différemment. Nous pouvons le rendre plus net, y ajouter plus de texture, ridules plutôt qu'une ombre lisse, nous pouvons essayer de définir la texture et la sensation de la dentelle. Mais même ici, je n'essaie pas d' exagérer les détails. Je n'essaie pas de corriger chaque marque, de lisser chaque bord. Je n'essaie pas de tout contrôler , car cela va nous faire perdre de l'énergie et nous nous retrouverons avec quelque chose de serré, prudent et un peu surchargé Et dans un tableau comme celui-ci où la ballerine tourne en plein mouvement, cette raideur nous fait perdre tout ce que nous essayons de transmettre Donc, au lieu de vous demander si ce coup de pinceau était le bon, vous pouvez vous demander si vous vous sentez vivant. Parce qu'au final, c'est ce que nous recherchons vraiment. Nous voulons que nos peintures respirent, qu'elles soient faciles à réaliser, même si elles n'ont pas été faciles à réaliser, nous voulons qu'elles soient vivantes sur Alors donnez-vous la permission d' avancer et de continuer à peindre, continuez à faire confiance. Même si quelque chose ne va pas maintenant, cela pourrait devenir la partie la plus intéressante de la peinture plus tard. Laissez donc l'eau et pigment faire ce dont ils ont besoin pour faire le mieux. Laissez-les être lâches et laissez-les être légers s'ils doivent être légers ou lourds s'ils doivent être lourds. 12. Sous-couche de la peau: Nous pouvons maintenant commencer à travailler sur le visage en utilisant Sienne brûlée et de l' ocre jaune comme base La Sienne brûlée, l'ocre jaune et le rouge Caban sont de bonnes couleurs de base pour les tons de peau, et vous pouvez en utiliser une variété pour obtenir la couleur que En gros, la Sienne brûlée avec une touche d'ocre jaune et de rouge camim est un bon point de départ Et je commence très légèrement, comme vous pouvez le voir, une influence subtile de l' endroit où se trouvent ces pigments sur le visage, un peu plus chaud en haut, un peu plus rouge en haut, tout en restant très subtil. Et nous pouvons utiliser le pinceau pour contrôler la quantité de pigments présents. Nous pouvons l'étaler sur le pinceau, et de temps en temps, j'utilise un mouchoir en papier pour absorber une partie de ce pigment là où il se trouve au mauvais endroit ou s'il est trop lourd. Et c'est tout ce dont nous avons besoin pour le visage pour le moment, juste une sous-couche Vous pouvez voir à quel point il est plus fort en haut , puis s'estomper au fur et à mesure qu'il descend vers le bas du visage. Mais j'utilise ce mouchoir pour créer ce petit point sur le front où la lumière se refléterait sur le dessus. L'avantage du mouchoir, c'est qu'il crée également un joli bord doux. J'utilise le même ton pour remplir le bras, gros. Bloquez-le. Il n'y a pas beaucoup de travail de tonalité à effectuer à ce stade. Il faut faire attention ici. Nous ne peignons pas sur la robe blanche. Assurez-vous d'avoir suffisamment de pigment sur votre pinceau et sur l'endroit où vous peignez la zone à peindre, car s' il n'y en a pas assez, commencera à sécher au fur et à mesure que vous appliquerez la peinture et il commencera à devenir salissant. Mais si vous avez assez d'eau et de peinture, vous pouvez remplir la zone assez proprement. L'intérieur de ce coude, en y ajoutant un peu plus de pigment. Ensuite, remplissez soigneusement les doigts et le pouce ici. Maintenant, pendant qu'il est encore sec, nous pouvons nettoyer notre pinceau avec le mouchoir et commencer à un peu plus de pigment là où nous voulons qu'il soit légèrement plus foncé, car il est mouillé sur mouillé Tant qu'il est encore humide, il suffit appliquer cette couleur dessus et elle se fondra doucement Et il y a un petit rebord ou un petit surlignage sur le bord de ce bras. J'essaie de le souligner. Et puis vous pouvez même aspirer le pigment de votre pinceau. Après avoir nettoyé le pinceau, vous pouvez l'utiliser pour aspirer un peu de pigment du papier 13. Ajouter un formulaire: C'est donc la première étape, et maintenant nous pouvons revenir en arrière et l'affiner un peu plus. C'est déjà assez convaincant en l'état. Donc, en faisant preuve de subtilité et en ajoutant quelques tons supplémentaires , juste pour créer une illusion de forme sur les aisselles vous devez penser que si la lumière vient du haut, l'ombre se trouvera en bas, alors faites en sorte qu'elle soit un peu plus foncée en dessous Pensez à l'endroit où se situent les autres courbes sur le coude, et nous pourrons ajouter l'ombre correspondant à la zone des aisselles située sous l'épaule plus tard, c'est une autre chose. Nous pouvons le décomposer étape par étape. Si vous remarquez que vos papiers deviennent trop secs, vous devez les arrêter et les faire sécher complètement, puis les retravailler uniformément Parce que si certaines zones sèchent, vous n'obtiendrez pas les transitions douces dont vous avez besoin. Vous devez attendre que le tout soit sec , puis le mouiller soigneusement avec de l'eau pure sans toucher les pigments. Mais en fait, au fur et à mesure que le produit commence à sécher, vous pouvez mieux contrôler l'emplacement des ridules. Vous pouvez donc voir que sur les bords, j'ajoute une petite ligne fine le long du bras droit. Juste sur le bord. Il a donc un bord défini, mais il y a un léger gradient vers le centre du bras. Nous pouvons maintenant commencer à sous-entendre que les doigts les mains ne sont pas l' objectif principal de cette peinture Et comme ils sont si petits, il n'est pas nécessaire d'ajouter trop de détails. Nous devons juste les rendre crédibles en tant que mains. Donc, en les simplifiant assez, légèrement varier les tons, en les rendant plus roses, en définissant peut-être le parfum et en cachant le reste sous le tissu de la robe Maintenant, en ce qui concerne le bras gauche, je voudrais ajouter une ombre à l'endroit où le biceps descend et rejoint le poignet ou le coude C'est donc un peu trop dur, donc je dois l'adoucir un peu. Encore une fois, il s'agit de créer ce bord dur, puis de l'adoucir au fur et à mesure qu'il se courbe vers le bras Mettons un peu plus de définition entre ces mains. 14. Main gauche: C'est l'une des parties les plus détaillées et les plus expressives de la silhouette, et elle mérite une attention particulière car elle est un peu plus complexe que les marques expressives plus ambiguës de la robe ou de l'arrière-plan. Parce que même s'il est petit, chaque petite courbe et chaque changement subtil valeur contribuent à donner vie au geste. Je me déplace donc assez lentement, en observant attentivement et en faisant preuve prudence à chaque coup de pinceau Et c'est là que l'on ressent vraiment ce beau contraste entre contrôle et liberté à l'aquarelle Des parties comme la main et le visage demandent un peu plus de patience et de précision. Ils fondent le tableau et ajoutent une touche de réalisme. Ce sont les moments où nous durcissons légèrement et nous nous appuyons sur le contrôle technique. Mais plus tard, nous reviendrons sur les plis souples de la robe et peut-être un peu plus sur le fond. C'est une sensation complètement différente. Nous pouvons nous détendre un peu, laisser couler l'eau et le pigment et profiter du côté expressif plus intuitif du médium. Mais nous ne cherchons toujours pas la perfection. Nous recherchons cette sensation, le mouvement de l'atmosphère. Et je pense que c'est la vraie magie de l'aquarelle apprend à jouer entre ces deux extrêmes savoir quand ralentir et affiner quelque chose et quand prendre du recul, relâcher son emprise et laisser le médium parler Ce contraste rend non seulement le processus intéressant, mais il donne à la peinture finale un sentiment de vie, un équilibre, contraste entre immobilité, contrôle du mouvement et liberté Quand il s'agit de mains, il vaut mieux ne pas les considérer comme des mains. Je ne pense pas, voici un pouce, voici un doigt. Je pense juste aux tons et aux formes. Parce que c'est intimidant de peindre les mains. C'est tout à fait normal. Ce sont des formes complexes, mais elles n'ont pas besoin d' être surchargées de En fin de compte, il est encore une fois plus important de capturer le geste et les proportions que de restituer chaque petit détail. Commencez par les grandes formes. Avant de nous concentrer sur les doigts ou les jointures, nous avons peint le ton général sous-jacent, le ton de Sienne brûlé, la silhouette générale, l'angle du poignet, la position du pouce et la façon dont la main sort du bras Je pense qu'il s'agit d'une forme expressive unique, non de cinq doigts distincts car cela permet d'éviter les raideurs. Ensuite, j'essaie de garder les bords aussi souples que possible, car ils sont rarement complètement délimités. 15. Main droite: Maintenant, je vais peindre l' ombre principale sous l' aisselle, encore une fois, en utilisant cette sienne brûlée, puis en y mélangeant ce violet pour l'assombrir plutôt que de simplement utiliser du noir, commençant par mince, puis suivant cette courbe et en la remplissant Lorsque je regarde différentes références, j'essaie de penser à leur forme générale. Je ne le vois pas comme une aisselle, comme les mains, je ne les vois pas comme Cela fait partie de l'illusion. Je regarde la forme générale et l'obscurité du ton, ce qui crée une sensation de profondeur. Lorsqu'il s'agit de peindre la figure, elle mérite notre attention et notre attention, mais nous devons faire attention à ne pas la surdéfinir La ballerine ne doit pas avoir l'impression d' être simplement collée sur le fond Elle doit sentir qu'elle en fait partie et qu'elle émerge naturellement de l'atmosphère qui l'entoure. Alors que nous travaillons sur le reste d'elle, le décolleté et le visage, nous nous concentrons sur des transitions subtiles J'y ajoute des points ambigus de pigment foncé, des ombres douces à l'intérieur. Nous n'avons pas besoin de décrire tous les détails. En fait, trop de contours durciraient la silhouette et lui donneraient l'impression d'être assez statique Suggérez plutôt la forme en changeant de ton, en laissant la lumière et l'ombre définir la forme plutôt que de vous fier à des bordures rigides. Parfois, je mélange même une section que je viens peindre pour conserver cette douceur. Le maintien de la douceur ne signifie pas que nous perdons de la structure. Nous pensons toujours à l'anatomie générale, l'équilibre et aux proportions, mais nous le décrivons avec une touche plus légère. C'est une danse entre précision et suggestion. Et lorsque nous faisons les choses correctement , cela demande de l'entraînement, et c'est pourquoi nous faisons ces cours ensemble. Lorsque nous faisons les choses correctement, cela donne la peinture une élégance fidèle au sujet. Et cette main de droite est en fait un peu plus simple que celle de l' autre côté à cause de la direction vers laquelle elle est tournée Ajoutez le bout rose du doigt et le pouce pour l' estomper lorsqu' elle atteint le poignet. Ensuite, nous pouvons entrer avec une pointe très fine du pinceau et souligner le bord ombré bas, à l'endroit où il rencontre le tissu. Ajoutez ensuite ce rouge riche sous le pouce. Un, 16. Commencer le visage: Passons maintenant aux ombres situées sous le menton et sur le cou. Même lorsque je peins ces détails, j'essaie de me rappeler que nous peignons une danseuse, et pas seulement un corps, ce qui signifie que l'émotion compte plus que l'exactitude. Nous ne sommes pas là pour rendre parfaitement chaque muscle ou chaque os. Nous sommes là pour immortaliser un moment, une ambiance et un mouvement. Quelque chose de fugace et de gracieux qui, espérons-le, parle au spectateur sur le plan émotionnel Et la beauté de ce sujet réside dans l'atmosphère qu'il crée, la douceur de la robe, le soulèvement des bras vers le haut, l'inclinaison délicate de la tête, toutes ces invitations à ressentir quelque chose Donc, si les proportions ne sont pas parfaites ou l'anatomie est légèrement décalée, cela n'a pas vraiment d'importance. Ce qui compte, c'est de savoir si le geste semble vrai ou authentique, et vrai et authentique ne veut pas dire exact. Ou c'est correct. Vous pouvez vous poser des questions telles que : est-ce que la silhouette semble légère ? Y a-t-il une sensation de mouvement ? La peinture communique-t-elle élégance, grâce ou équilibre ? Si la réponse est oui, alors le tableau fait ce qu'il est censé faire. Parfois, nous pouvons nous laisser emporter par les détails techniques liés à la courbe, à l'épaule ou au placement de l' ombre sous le cou Et nous perdons de vue la situation dans son ensemble. Ce que nous faisons ici, c'est évoquer une présence. Nous suggérons de la personnalité, de la douceur, voire du souffle. Et cela ne peut pas toujours être atteint uniquement grâce à la précision. En fait, une recherche trop rigoureuse de la précision peut souvent nuire à la vie d'une pièce Passons donc à la suggestion et laissons certaines parties du tableau rester ouvertes, lâches et irrésolues Ce sont souvent les zones qui semblent les plus vivantes, car elles donnent au spectateur un espace d'imagination. Et c'est là que le véritable lien se produit. Alors, pendant que vous peignez, n' ayez pas peur de perdre le contrôle, de vous fier à votre instinct et de laisser votre pinceau danser un peu. Laissez l'eau et le pigment se déplacer de façon inattendue. C'est ce qui rend l'aquarelle si belle, sa capacité à refléter la spontanéité et la légèreté du sujet lui-même Et en fin de compte, notre objectif n'est pas une figure parfaitement rendue. Notre objectif est de créer une peinture qui donne l'impression de toujours bouger, respirer, de flotter dans les airs. Et parfois, cela vient du fait de lâcher prise et de se concentrer sur la sensation, et non sur la précision. Vous pouvez voir comment je décompose les ombres en différentes formes. Nous avons tout d'abord ajouté cette couche très légère. Maintenant, nous avons ajouté ce ton moyen qui forme une sorte de zigzag sur le visage Et maintenant, nous utilisons le bout de notre pinceau pour peindre l'ombre située sous l'œil ou le sourcil Ensuite, même au sein de ces sourcils ou de ces orbites, il y a une légère variation. Je fais en sorte que l'extérieur soit un peu plus foncé là où se trouvent les ombres plus foncé là où se trouvent les ombres puis là où se trouvent les paupières, je le fais juste un peu plus clair parce que si vous pensez à la forme, les paupières ressortent et réfléchissent la lumière 17. Les finitions du visage: Passons maintenant aux détails du visage, et c'est en fait le point central. est donc dans ce domaine que nous voulons vraiment ralentir les choses. Et j'utilise un petit pinceau rond avec une belle pointe, quelque chose qui me donne le contrôle sans être trop rigide. La première chose que je recherche, ce sont les zones les plus claires. Et nous l'avons fait sur le front, les pommettes et l' arête du nez Et je laisse ces zones claires, laissant le papier agir comme un surligneur. Ensuite, pour le ton de base, nous avons utilisé une montre très diluée. Juste une touche de chaleur. Peut-être que vous voulez utiliser quelque chose de doux. J'ai utilisé beaucoup d'eau de Sienne brûlée, et je l'ai appliquée doucement en la laissant s'installer naturellement sur le visage sans trop frotter ni faire traîner le pigment Et nous avions un peu plat cette première sous-couche. Mais il y a eu quelques variations dans le lavage. Il faisait un peu plus sombre sur le côté gauche, comme vous pouvez le voir. Alors que le papier est encore humide, nous avons commencé à utiliser des tons légèrement plus foncés pour suggérer des zones éclatées Et nous avons juste fait l' orbite et le tour du cou. Si quelque chose semble trop dur, je l'ai nettoyé avec mon pinceau, légèrement tamponné pour adoucir le bord avec de l'eau propre Mais il y a certains bords que nous voulons durcir, comme les bords des orbites et des lèvres. En ce qui concerne des traits tels que les yeux, le nez et les lèvres, je suggère plutôt que de définir. Il suffit de quelques points minimaux, mais vous devez vous concentrer pour obtenir les bonnes notes. Un trait doux pour l' ombre du nez, un trait léger pour les paupières fermées, car les paupières fermées ajoutent un peu de mystère à mon avis et elles sont plus faciles 18. Commencer la coiffure: Maintenant, je suis presque sûre que le visage est prêt pour que nous puissions passer aux cheveux. Et je veux créer une sorte de blond cendré, pas un blond vif, donc je vais devoir le modérer un peu Je mélange donc de l' ocre jaune avec un peu de bleu. Et du violet aussi. Et ça donne un jaune grisâtre, sorte de blond cendré que je préfère, et je commence très légèrement par de fines lignes de pinceau ondulées. C'est l'un de ces domaines où nous voulons garder un bon équilibre entre forme et douceur. Gardez-le bien dilué, pas trop lourd, juste pour bloquer la première couche ainsi que la forme et la direction de base des cheveux. Je ne pense pas aux mèches individuelles ou aux détails fins, mais plutôt à la fluidité globale, la façon dont les cheveux se courbent autour de la tête et à la façon dont ils réagissent à la composition et au mouvement de danse. plupart du temps, je laisse le pinceau suivre le rythme. C'est un peu comme si je sculptais la forme de petits traits J'utilise également un petit pinceau, mais il a toujours un point intéressant, quelque chose qui peut me donner à la fois des formes larges et des lignes plus fines lorsque j'en ai besoin. Mais le plus important, c'est de contrôler l'eau, trop d'eau, et les bords fleuriront ou se répandront dans les zones environnantes, et trop peu, et le coup de pinceau peut sembler un peu raide ou irrégulier. Je suis donc toujours en train d'ajuster, chargeant le pinceau juste assez pour obtenir un flux fluide et uniforme. Et maintenant, nous passons à un ton plus sombre dans lequel nous pouvons éventuellement mélanger pour faire passer la lumière à l'obscurité. Je reviens avec ce mix un peu plus fort. Cela ajoute de la profondeur, en particulier au niveau des racines ou en dessous, là où la lumière ne frappe pas aussi directement. Ces touches donnent de la dimension et rendent les cheveux plus naturels au toucher. L'une des choses à éviter, c'est de devenir trop serré ou trop difficile, ce qui, je le sais, est une habitude facile à prendre Mais si nous les travaillons trop, les cheveux peuvent commencer à paraître plats et anormaux Laissez donc certains bords s'estomper en arrière-plan, en particulier près des pointes. On a donc l'impression qu'il capte la lumière ou qu'il se fond doucement dans la couleur environnante Parce que ce relâchement contribue à donner à l'ensemble une sensation d'élégance et de légèreté Tout comme le thème et le mouvement, nous essayons de capturer le reste du tableau. Maman, hum. Remarquez qu' en haut de la tête, j'ai opté pour une couleur légèrement plus chaude, un brun un peu plus saturé, puis elle se fond dans un brun plus foncé en bas. Et cela ajoute une sorte de brillance aux cheveux réfléchissants , car lorsque les cheveux sont attachés comme ça, on ne les considère pas vraiment comme des tas de mèches Il prend sa propre forme et crée la forme de la tête lorsqu'il se courbe vers l' arrière. Maintenant, et crée la forme de la tête lorsqu'il se courbe vers l' nous pouvons commencer à peindre les ombres profondes situées à l' arrière de l'oreille, là où le moins de lumière entre en contact avec le moins de lumière, d'où il fait plus sombre 19. Finition des cheveux: Lorsqu'il s'agit de peindre des cheveux, en particulier dans une pièce comme celle-ci, nous ne pensons pas seulement à l'anatomie ou à la texture, nous pensons au mouvement, au rythme et au caractère. Ce sont souvent ces éléments qui déterminent la façon dont nous allons exécuter ou planifier nos coups de pinceau, car chaque coup de pinceau doit être planifié dans notre esprit, comment nous allons le faire, qu'il soit expressif ou serré, les cheveux d'un tableau ne sont pas simplement un accessoire ou un détail à cocher. Cela fait partie de l'expression du personnage. Cela permet de raconter qui ils sont et ce qu'ils font dans le moment présent. Dans ce cas, les cheveux de la ballerine contribuent à la sensation de fluidité et de grâce Même s'il s'agit d'une zone relativement petite, elle reflète la même énergie que nous avons essayé de capter dans le reste de la composition de la robe, cette sensation de mouvement, de douceur en action. Nous n'essayons donc pas de peindre chaque mèche. Nous peignons une impression, un geste, une suggestion de mouvement prise en pleine rotation. Lorsque vous travaillez avec de tels pigments foncés, comme vous en avez sûrement fait l' expérience dans d'autres cours, lorsqu'ils sont mouillés, ils paraissent beaucoup plus foncés qu'ils ne le seront lorsqu'ils sèchent. Vous devez donc en tenir compte. Et voilà à quoi ça ressemble quand ça sèche. Vous y voyez le changement. Donc ce n'est pas le cas, il avait l' air noir avant, mais il a séché plus clair, c'est ce que nous voulons. Nous ne voulons pas un noir complet. À moins que ce ne soit la couleur des cheveux que vous voulez qu'elle ait. Et je vais y retourner avec peinture à la gouache surlignée, de la peinture blanche opaque, juste pour ajouter quelques lignes fines au-dessus du noir, car cela aurait été impossible avant que le seul moyen d'obtenir ces textures surlignées soit revenir après avoir Il y a aussi quelque chose dans la relation entre les cheveux et la tête qui donne des indices subtils sur la posture et l'équilibre du danseur. La façon dont les cheveux se courbent autour de la tête ou se fondent dans les ombres peut aider à définir l' inclinaison, la tension et la grâce de la danse du personnage, le tout sans trop l'expliquer. Un, 20. Coups de pinceau intentionnels: Maintenant, nous avons fait le plus dur. Nous pouvons revenir au style ample et expressif en peignant les ombres de la robe. Et je trouve que le thème principal de ce cours concerne en fait les coups de pinceau, car il existe toute une gamme de types de coups de pinceau. Nous en avons déjà fait des plus expressifs pour le fond. Nous avons choisi toutes les caractéristiques définies pour les mains et le visage, traits qui demandent un peu plus de concentration, et maintenant nous revenons aux traits lâches et l'intention de nos coups de pinceau est tellement puissante, vous devriez souvent faire une pause et vous demander quelle est mon intention avec ce coup de pinceau ? Parce que c'est une question simple, mais elle peut complètement changer notre façon d'aborder un tableau. L'aquarelle est un médium tellement expressif et fluide qu'il est facile de prendre l'habitude de faire des marques juste pour faire bouger les choses Mais si nous ne faisons pas attention, nous pouvons finir par réagir plutôt que de créer ou de corriger , de nous embrouiller ou de rechercher un résultat sans vraiment savoir pourquoi nous faisons les choix que nous faisons Chaque marque a le potentiel de renforcer ou de brouiller votre vision Cela peut apporter de la clarté ou créer de la confusion. Et c'est parfois ce que nous voulons. Avec ce style ample et expressif que nous peignons actuellement, nous ajoutons un peu plus de confusion pour contraster avec la clarté des détails du visage. C'est pourquoi il est parfois important de respirer, prendre un moment avant chaque coup de pinceau significatif et de se demander : «  Qu'est-ce que j'essaie de dire ici Est-ce que je renforce ? Qu'est-ce que j'essaie d'adoucir ou quoi j'essaie d' attirer l'attention ? Lorsque nos traits sont guidés par un objectif plutôt que par une impulsion, quelque chose de très puissant se produit et la peinture commence à être unifiée. Chaque partie commence à se rapporter à l'ensemble. Vous ne remplissez plus d'espace ou n'essayez plus de copier ce que vous voyez, vous composez et vous prenez des décisions Et cela apporte force et cohérence à l'œuvre. Mais cela ne signifie pas que chaque coup doit être rigide ou surcalculé, pas du tout En fait, c'est le contraire qui est vrai. Même nos marques les plus lâches et les plus expressives peuvent véhiculer une intention Parfois, l'intention est simplement de créer du mouvement, d'équilibrer la composition ou d'introduire un peu de légèreté ou de contraste. Mais l'essentiel est que nous sachions pourquoi nous le faisons. L'aquarelle récompense ce type de pleine conscience parce que c'est un médium si impitoyable Cela nous apprend à être délibérés. Nous apprenons à observer plus attentivement pour agir avec détermination, puis à accepter les résultats avec grâce, même s'ils ne se déroulent pas exactement comme prévu. Traitez donc chaque coup de pinceau avec respect, même les plus petits, surtout les plus petits. Demandez-vous si cette marque aide la peinture. Est-ce que cela renforce le sentiment que je souhaite exprimer ? Est-ce que cela me rapproche de l'image que j'ai en tête ou est-ce que cela m'éloigne ? 21. Abandonner sa peur: Au fur et à mesure que nous ajoutons ces ombres expressives , essayez de laisser tomber la peur. Parce que si vous peignez avec hésitation ou doute, cela se reflétera dans votre peinture, vous le verrez dans la rigidité des lignes, dans le pinceau timide ou zones surcorrigées où la vie a pris de l' Et il est naturel de ressentir de l'hésitation et de la peur lorsque vous apprenez à peindre. C'est une chose à laquelle la plupart des artistes doivent faire face. La peur apparaît dans le tableau aussi clairement que la couleur ou la composition. Il a une façon de désactiver tout le reste. Cela limite votre expression, j'émousse votre instinct et peut même rendre incertain le plus beau sujet, et cela m'affecte Et en particulier avec cette peinture, c'est quelque chose qui doit être reconnu et contesté. L'aquarelle se nourrit de confiance . Cela nous demande de faire confiance non seulement au processus, mais surtout à nous-mêmes. Laisser l'eau et le pigment faire ce qu'ils font le mieux sans essayer de contrôler chaque goutte. Et lorsque vous peignez avec audace, même vos erreurs restent vivantes. C'est ce qui est magique. Il y a une sorte d' énergie qui se dégage du pinceau expressif, une intention claire n'apparaît que lorsque vous ne remettez pas en question chaque mouvement Et bien sûr, cela signifie qu'il y aura encore plus de désordre et plus de peintures ratées, en fait. Mais c'est le seul moyen de capturer la magie. Il faut donc en perdre pour en gagner. Et cela ne signifie pas que vous devez être ou avoir confiance en vous tout le temps. Cela signifie simplement être prêt à avancer de toute façon, à laisser le pinceau danser un peu, à faire confiance à votre œil, à votre main, votre instinct, à être honnête dans vos notes. Même s'ils sont imparfaits, ils véhiculeront une sorte de vérité sur le message ou ce que vous voulez transmettre, sur ce que vous voulez ressentir, et ils vous guideront Vos émotions vous guideront et elles porteront votre peinture. Peindre est un acte émotionnel autant que technique. Si vous apportez de la nervosité, cela renforcera Et c'est en fait la réponse la plus naturelle à peinture, parce que c'est à l'extérieur. C'est l'inconnu. Il est donc naturel de ressentir cela. Il faut donc un peu d'exercice et de pratique pour s'en libérer, ou du moins il ne s'agit pas de s'en libérer, en fait. Il s'agit de l'accepter et de s'y habituer . Être présent avec elle. est ainsi que naissent la curiosité, et avec elle, le courage. Tout cela se reflétera dans votre travail, et votre travail sera plus libre, plus expressif et plus connecté N'attendez donc pas de vous sentir prêt. N'attendez pas que chaque décision soit réellement sûre. Il suffit de commencer. Et n'oubliez pas que votre confiance est en fait une partie de votre brosse, et que vous pouvez la laisser parler et ressortir. 22. Oublier la perfection: L'une des causes de la peur est due à notre quête de perfection. Et une chose que vous pouvez essayer de faire, moi aussi, c'est oublier la perfection, car la rechercher peut en fait étouffer votre créativité Et dès que nous nous efforçons de faire en sorte que tout soit parfait, chaque bord soit propre, que chaque proportion soit exacte, chaque détail soit parfait, nous commençons à perdre l'ouverture qui permet la découverte, la spontanéité En fait, si vous comparez le médium de l'aquarelle à d'autres médiums, cela ne récompense pas du tout le perfectionnisme Cela va à l'encontre de cela. Elle récompense la confiance, même la souplesse et la réactivité Et la beauté de ce médium réside dans cette imprévisibilité, dans la façon dont les couleurs se décolorent, la façon dont les bords souples se forment et dans la façon dont les accidents heureux deviennent souvent parties les plus expressives de Ce sont ces parties que nous essayons de capturer à l'aquarelle qui le rendent si unique Lorsque nous visons la perfection, nous avons tendance à trop travailler, nous perdons de la fraîcheur Nous commençons à corriger les choses qui n'ont pas besoin d'être réparées et lentement, l'énergie commence à disparaître de la pièce Mais lorsque nous relâchons cette pression, lorsque nous nous rappelons que nous ne sommes pas là pour produire quelque chose d'impeccable, mais quelque chose d'authentique, quelque chose qui semble vrai, alors l'expérience dans son ensemble devient plus légère, plus joyeuse, plus gratifiante et plus honnête O. Ce qui compte le plus, ce n'est donc pas la précision technique, mais le toucher de la peinture. Des questions assez abstraites. Est-ce qu'il respire, est-ce qu'il bouge ? Est-ce qu'il se connecte ? Ce sont les questions que vous devez vous poser et qui, à leur tour, vous indiqueront comment aller de l'avant avec votre peinture lorsqu'il s'agit de peindre vos propres originaux et comment vous pourriez vouloir les modifier selon votre propre point de vue Parce que ce sont ces aspects qui retiennent l'attention de quelqu'un lorsqu'il regarde votre travail. Et ce n'est pas que je veux dire, il y a un aspect technique impressionnant que les gens voient dans les œuvres d'art et qu'ils admirent Mais ce ne sont pas nécessairement ces aspects qui les retiennent qui les incitent à réfléchir à un niveau plus profond, au niveau émotionnel. Et ils ne cherchent pas à savoir si vous avez parfaitement saisi chaque ligne ou ombre. S'il y a un message émotionnel, ce sera une peinture beaucoup plus réussie, et vous pouvez faire une peinture comme celle-ci avec des milliers d'erreurs et d'inexactitudes. Donnez-vous donc la permission d'être imparfait pour expérimenter et jouer Certaines zones peuvent être compliquées, autres peuvent ne pas fonctionner comme prévu C'est parfaitement normal. Cela fait partie du processus. Et le plus souvent, vous constaterez que c'est dans ces endroits imparfaits que la vraie magie opère N'oubliez pas que nous ne peignons pas pour impressionner. Nous peignons pour exprimer, et l'expression vit dans la liberté, pas dans le contrôle. 23. Touches finales: J'ai complètement séché le tableau maintenant, et voici la dernière étape de la peinture, reprenant avec de la gouache blanche, juste pour ajouter quelques reflets, affiner quelques bords Rien d'important. Nous avons été expressifs avec nos marques de pinceau, et cette gouache blanche aidera à mieux comprendre le chaos C'est l'un de ces moments où une petite quantité peut faire une grande différence. Ces dernières petites marques assemblent le tableau et apportent une touche de lumière et de clarté aux zones clés. Cela peut sembler contradictoire avec ce que je disais tout à l'heure à propos de l'exagération des détails, mais je n'essaie pas d'en faire trop, en fait J'essaie de l'ancrer plutôt que d'en faire trop. Et si j'utilise la gouache c'est parce qu'elle est plus opaque que l'aquarelle Il se trouve au-dessus des couches inférieures, ce qui le rend parfait pour capter les bords de la robe les reflets des cheveux ou le doux bord de lumière le long de la silhouette Et je suis très sélectif quant à où je place ces reflets, juste assez pour suggérer un scintillement ou pour guider l'œil tout au long de la composition Il est important de ne pas en faire trop, car quelques touches de blanc bien placées peuvent être incroyablement efficaces, mais une trop grande quantité peut commencer à aplatir le tableau ou transparence qui fait la magie de l' aquarelle Traitez donc la gouache ou la gouache plutôt comme un accent, un léger coup de pouce pour améliorer le mouvement ou le rythme de la pièce là où il serait impossible d' éviter avec ces petits bouts sinueux sur le bord de la robe , nous En utilisant le blanc du papier, nous pourrions utiliser un liquide de masquage Mais le but est simplement d' ajouter une petite touche de lumière, juste pour donner un dernier souffle à la peinture. 24. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé cette peinture de ballerine J'espère que ce cours vous a montré à quel point il peut être magique de peindre des personnages à l'aquarelle, surtout lorsque vous lâchez prise et que vous laissez couler la peinture Nous nous sommes attachés à créer du mouvement, de la douceur et de l'élégance grâce à des pinceaux lâches, à des lavages en couches et à des techniques de lifting, tout en gardant le processus de peinture léger et agréable N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous les donner. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'ai hâte de peindre à nouveau avec vous très bientôt, jusqu'à la prochaine fois. Bonne peinture.