Apprendre à peindre des portraits expressifs à l'aquarelle : ton, couleur et caractère acter

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons un portrait de profil à l'aquarelle Ce qui rend ce sujet si passionnant, c'est le contraste entre contrôle et liberté. Le visage est façonné avec des notes chaudes et calmes, tandis que les cheveux et les vêtements se dissolvent pour former des marques picturales lâches d'un bleu violet foncé Nous nous concentrerons sur une silhouette claire, des proportions élégantes et un équilibre doux des bords afin que l'œil se fixe naturellement sur la ligne des sourcils, du nez, des lèvres et de la mâchoire Nous explorerons la douceur, la retenue et le pouvoir de laisser les choses en suspens Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais ou quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et voyons comment la simplicité peut créer une émotion et une profondeur réelles. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours aujourd'hui. Dans ce projet, la vraie beauté réside dans l'équilibre entre suggestion et définition. Le visage exprime une précision discrète, tandis que les cheveux, le décolleté et les vêtements nous donnent la liberté d'être plus picturaux et être plus picturaux Pensez au peu qui est réellement nécessaire pour créer du caractère, à l' inclinaison de la tête, la courbe du nez, à la forme des lèvres, la douceur de la paupière, le reste pouvant rester ouvert, cassé et Laissez les changements de couleur rester subtils, laissez les bords respirer et laissez le blanc du papier faire partie de la composition du portrait. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer ce projet, passons en revue tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour suivre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles telles que le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous aurez besoin pour peindre dans le cours d'aujourd'hui. Mais je vous encourage à explorer votre propre expression et à utiliser les couleurs que vous souhaitez utiliser pour suivre votre propre voix. Maintenant, allons-y et dessinons ce portrait. 4. Preparing The Composition: Donc, au début de la phase de dessin, je trace simplement avec un seul cercle l' emplacement de la tête, et j'utilise ces lignes diagonales pour déterminer les proportions, l'inclinaison et la structure de base de la tête. Et chaque jour, pour m'entraîner, je dessine cette structure en trois parties parce que ce ne sont que des proportions générales que vous pouvez cartographier et adapter à n'importe quel portrait. Je m'entraîne donc à dessiner des têtes sous différents angles, donc je l'ai essentiellement mémorisé Il ne s'agit donc pas tant de se souvenir ou d'essayer de trouver la ressemblance d'une personne en particulier Vous vous souvenez des proportions générales, et vous pouvez les adapter, les modifier pour créer le type de ressemblance que vous Je veux comprendre la forme du crâne, la position de la mâchoire, la ligne du cou, l'emplacement de l'orbite. Et la relation générale entre le nez et la bouche. Mais je n'ai pas besoin que chaque ligne soit fortement engagée. En fait, à ce stade, les lignes plus légères et plus souples sont souvent bien meilleures car elles me permettent de m' ajuster au fur et à mesure. J'essaie également de me déplacer dans le dessin plutôt que de me concentrer trop tôt sur une zone. Et cette habitude m' aide énormément dans portrait, car si je passe trop de temps sur les lèvres, je perds le front ou si je deviens obsédée par les yeux, je risque de ne plus voir comment cela se rapporte au reste du Vous pouvez donc, bien entendu, utiliser le modèle que j'ai fourni. 5. Mélanger les couleurs: Comme toujours, je vais essayer de le diviser en étapes aussi simples que possible pour faciliter le travail, en gros. Je le fais pour moi, pas seulement pour les étudiants. J'essaie de décomposer chaque scène ou portrait en étapes les plus simples possibles pour que cela me soit moins intimidant Commencez donc par utiliser de l'eau pure et mouillez toutes les zones où il y aura de la peau Donc je ne touche pas les vêtements et je ne touche pas les cheveux, juste le cou, les joues, les lèvres, les yeux, le front Ne pas appliquer de pigment pour le moment. Et maintenant, en attendant que l'eau pénètre dans le papier, nous pouvons commencer à mélanger nos tons de peau, ce que j'ai essentiellement sous forme de palette limitée, car les quelques couleurs que je vais utiliser, l'ocre jaune, la sienne brûlée, le cramoisi de zarin, peuvent être moulées dans le teint de votre que l'eau pénètre dans le papier, nous pouvons commencer à mélanger nos tons de peau, nous pouvons commencer à mélanger nos tons de peau, ce que j'ai essentiellement sous palette limitée, car les quelques couleurs que je vais utiliser, l'ocre jaune, la sienne brûlée, le cramoisi de zarin, choix Ce sont les couleurs de base. Je peux également y inclure du rouge de cadmium. En gros, je le divise en trois couleurs. J'ai mes jaunes, mes bruns et mes rouges. Et c'est ce que vous pouvez voir là-bas. Nous avons du marron en haut, du jaune au milieu et du rouge en bas. Et c'est juste un ratio différent selon le visage. Et j'expliquerai un peu plus tard où nous pourrions vouloir un peu plus rouge ou où nous pourrions vouloir un peu plus de jaune ou de brun, etc. 6. Couche de base lumineuse: Pour le moment, ces couleurs sont un peu fortes, donc je les dilue vraiment et je commence très doucement. Comme le papier est mouillé, nous l'avons évidemment déjà mouillé auparavant et nous ne faisons que le laisser tomber dedans Et ce n'est pas comme si j' y réfléchissais trop à ce stade. J'essayais de me procurer une couche de base. Le front, je ne veux pas qu'il soit trop rose, du moins pas à ce stade. C'est donc une belle couleur neutre entre les trois, en gros, ni trop rouge, ni trop marron, ni trop jaune. Et l'application d'un pigment peut sembler un peu forte en ce moment. J'y ai ajouté un peu plus de rouge sur le nez. C'est beaucoup plus léger. Mais juste pour mentionner que j'ajoute une touche plus rouge sur le nez. Mais comme je le disais, il peut être assez intimidant d'appliquer un pigment sur le visage avant d'avoir appliqué les cheveux ou les vêtements, et il peut être facile de passer trop à la lumière à ce stade Bien sûr, nous ne voulons pas faire très, très sombre, mais étant donné qu' au moins avec ce portrait, nous allons peindre des cheveux noirs et des ombres plus foncées sur les vêtements, nous devons réfléchir à l'avance et compenser cela. La peau semble très foncée maintenant, mais croyez-moi, lorsque nous aurons des cheveux noirs unis pour les cheveux plus tard, ils ne seront plus si foncés du tout. C'est pourquoi je compense un peu pour cela. J'ai donc peint le cou et les joues. Vous pouvez voir que la ligne du cou est un peu plus jaune, un peu plus jaune ocre, puis que la joue, surtout le long de la mâchoire pour le moment , est un peu plus chaude Ce sont des tons très subtils, très subtils, et il n'est pas vraiment nécessaire que ce soit précis. Ces petits changements sont presque inconcevables, et je pourrais facilement le dire dans l'autre sens, peut-être un peu plus jaune sur les joues et plus rouge sur le cou Vous pouvez voir que ce n'est pas si précis. Il s'agit essentiellement d'un lavage presque plat avec quelques différences subtiles. Quelques traits jaunes en bas. 7. Humide sur humide: C'est donc la première couche de base, en gros. Et il est encore humide parce que, bien sûr, nous avons ajouté ce pigment qui contient plus d'eau, afin qu'il ne sèche pas de sitôt. Nous pourrions donc toujours jouer mouillé sur mouillé. Je n'ai qu'à tester quelques coups là-bas. C'était un peu trop jaune en haut, un peu trop fort. J'ai donc créé un peu plus de chaleur et je l'ai mélangée. Je pense aux plans du visage où les plis et la trouveraient les plis et la courbure du crâne. Il va donc faire un peu plus foncé sous les sourcils, peut-être un peu d'ombre sur l'arête du nez. J'ai choisi d'y aller un peu plus en rose. Bien sûr, je vous explique ce que je fais pendant que je peins parce que je réagis au pigment présent sur mon papier. Par exemple, je fais tomber beaucoup plus de rouge, un peu de lysarine cramoisie sur la joue parce que c'est généralement là qu' il y a une lueur rouge sur la joue et cela Mais je vois comment les pigments réagissent sur le papier, et je m'adapte à cela, et votre peinture est peut-être un peu différente. De même, si je devais le peindre à nouveau plusieurs fois, il pourrait réagir différemment à chaque fois. Les instructions que je donne étape par étape ne sont donc pas nécessairement aussi pertinentes. Je pense donc parfois qu' il est plus utile de parler de concepts plus généraux ou, en gros, de la stratégie, du plan plutôt que de parler directement de ce que je peins, car il peut parfois être trompeur si votre peinture est trop claire ou trop foncée par rapport à la mienne. Je ne voudrais pas dire que j' ajoute plus de pigment maintenant parce que c'est trop clair. Si le vôtre est déjà assez bon ou si je dois enlever un peu de pigment parce qu' il fait trop foncé, encore une fois, le vôtre est déjà assez clair. Je pense donc que je devrais parler un peu des principales stratégies. De même, si ma couleur, mon teint sont un peu trop jaunes et que je veux ajouter un peu plus de chaleur, peut-être que les vôtres sont déjà bien équilibrés. Je dois donc parler des objectifs que nous voulons atteindre en matière teint plutôt que de me référer directement à mon œuvre, car au fur et à mesure que nous avançons dans la peinture, la peinture changera naturellement. Nous avons donc juste besoin d' un objectif indépendant de mon résultat ici afin que vous puissiez également l'utiliser dans de futurs tableaux. C'est un peu une ombre car elle se courbe sous le tibia, alors je vais juste appliquer un peu plus de pigment 8. Light: J'ai donc complètement séché la peinture maintenant, donc c'est la première couche terminée. Donc, avant de poursuivre, essayez de faire correspondre le plus possible ce que vous voyez à l'écran que vous avant de passer à la deuxième étape. À l'étape suivante, nous n'allons pas laver complètement la peau comme nous venons de le faire . Nous allons le séparer en différentes sections. Je commence donc par quelques ombres chaudes sur le cou. Zone maintenant. Vous pouvez voir qu'avec cette pâte nettoyante, nous avons commencé très légèrement, et c'est toujours ainsi que je travaille. Je préfère toujours commencer doucement. Je veux que la peinture s' ouvre progressivement plutôt que d'arriver trop fort ou trop vite car l'aquarelle, surtout dans les portraits, récompense cette patience La peau peut perdre sa fraîcheur très rapidement si on la force trop tôt. moment où la peinture devient lourde au début, il est souvent difficile de retrouver cette sensation de lumière délicate, cette douceur, car il n'y a pas changements subtils Il n'y a que le léger lavage, la première couche. Ma première pensée porte donc généralement sur la protection de la luminosité Où se trouve la zone la plus claire du visage ? Où est-ce que je veux que le blanc du papier reste actif ? Vous pouvez voir les zones les plus claires autour du nez, la zone des lèvres au-dessus du menton. Ce genre de zones. Quels sont les domaines qui n'ont besoin que de la moindre suggestion pour se sentir vivants ? Je n'essaie pas de modéliser chaque avion à ce stade, une base sur laquelle je peux m'appuyer. Et c'est là que le médium fait quelque chose de très spécial pour nous. L'aquarelle nous donne la possibilité de créer une peau à travers couches transparentes plutôt qu'à travers de l'épaisseur Cela signifie que le papier lui-même participe à la peinture. 9. Étendre les ombres vers le haut: Je vais donc faire des allers-retours entre ma stratégie globale et ce que je fais spécifiquement pendant que je peins en ce moment. J'ai donc simplement peint la zone d'ombre claire au-dessus du cou pour donner un peu de forme, et les couleurs que j' utilisais étaient le violet, violet et l'ocre jaune Et un peu de Sienne brûlée, mais surtout de l'ocre jaune et violet, car ce sont des couleurs complémentaires, et elles se mélangent pour créer une sorte de gris neutre, je ne dirais pas de boue, mais elles ajoutent un ton sans que cela soit trop fort et en maintenant l'harmonie C'est très subtil. On ne peut pas vraiment y détecter le violet parce qu'il se mélange au jaune, et le jaune semble assez naturel en tant que teint. Ensuite, nous avons ajouté un peu de Sienne brûlée car la Sienne brûlée est mon pigment préféré Pour les carnations. Et nous suivons ce lavage jusqu'à la mâchoire. Et puis ça devient un peu plus fort quand on atteint l'oreille. Je vais tricher un peu et ne pas me peindre l'oreille. Je vais garder cette partie assez abstraite dans l'ombre et un peu derrière les cheveux Encore une fois, nous construisons en utilisant des couches de lumière à la fois, et il n'y a pas vraiment beaucoup d' ombres dures dans ce portrait. Nous n'avons pas de fortes ténèbres. Dans ces premiers lavages, je pense donc moins aux détails qu' à la présence Je veux que le portrait commence à respirer, pour ainsi dire. J'ai besoin d'une légère chaleur dans certaines zones d'ombre, d'un soupçon de structure autour de la mâchoire, peut-être d'un petit décalage autour du cou lorsqu'il se courbe. Je ne veux pas qu'on se sente enfermé trop tôt. Un état d'esprit utile ici est de traiter les premiers lavages comme un petit murmure pour vous aider à démarrer . Ils introduisent le tableau et ne le terminent pas, ils ne devraient donc pas se sentir trop stressés. Ils sont là simplement pour suggérer où les choses vont aller plus tard, et ils établissent la température, la douceur et la direction Ils n'ont pas besoin de porter seuls l' intégralité du portrait. Et si j'aime décomposer toutes les étapes, c'est parce qu'il ne devrait jamais un moment où tout devient chaotique et maîtrisé. Nous essayons de le décomposer petit à petit. Je suis juste en train d'atténuer certains contours de cette ombre pour le moment 10. Ombres autour de l'œil: Je pense que l'une des raisons pour lesquelles les étudiants et parfois moi oublions c'est parce que je dois souvent me le rappeler. L'une des raisons pour lesquelles nous sommes inquiets au début d'un tableau, en particulier d'un portrait, est que nous pensons que chaque trait est trop important. Et bien sûr, c'est important d'une manière ou d'une autre. Mais les premières couches n' ont pas besoin de tout résoudre. Il ne s'agit que d'une ou deux couches simples, peuvent être simples et qui sont censées être incomplètes à dessein. Et cela nous encourage ou nous permet de laisser des questions pour les étapes ultérieures. Nous n'avons pas à tout décider d'un seul coup. Et en fait, c'est l'une des choses les plus utiles à retenir avec l' aquarelle en général Nous ne peignons pas toutes les réponses en une seule fois. Nous construisons en fonction d'eux, nous nous donnons de quoi réagir et nous laissons le tableau se déployer C'est là que nous tirons parti du médium. Je reste donc assez léger. Et vous pouvez constater que le premier lavage commence à paraître beaucoup plus clair maintenant que nous travaillons sur des tons moyens tout en travaillant sur les ombres à cheveux, les ombres à cheveux qui remontent vers le côté du visage. Je ne veux toujours pas faire trop noir. Il est beaucoup plus facile d'ajouter de la force plus tard que d'éliminer toute cette lourdeur. Et la fraîcheur est l'une des choses les plus précieuses de l'aquarelle Et ce sont ces premières décisions qui contribuent dans une large mesure à préserver cette énergie. Même lorsque je travaille sur l'œil, je ne fais que regarder la forme générale de l' ombre, les zones de lumière que je dois protéger et la manière dont elles se connectent les unes aux autres. Cela reste donc techniquement lié aux ombres souples nous avons peintes en bas de page, plutôt qu'à un ensemble de fonctionnalités distinctes, essayant de les relier entre elles. Surtout avec ce type de vue de profil, cette vue latérale, essayer de faire en sorte que ce flux peigne une vue latérale comme celle-ci est une stratégie différente, bien sûr, que de peindre une vue de face du visage. Nous avons un portrait orienté vers l'avant. Le spectateur lit souvent d' abord les yeux ou la symétrie entre les traits. Mais dans un profil, le contour extérieur, le front, l' arête du nez, les lèvres, le menton , etc., font beaucoup plus de travail Tout ce mouvement qui descend et que nous affinerons plus tard. Si ce rythme extérieur fonctionne, alors tous ces petits détails n' ont pas besoin d'être aussi importants car ils ne constituent pas vraiment le point vocal. Cela aide également que le sujet ne nous regarde pas directement. Le portrait semble plus réfléchissant. L'ambiance est plus paisible parce qu'elle regarde vers le bas. 11. Ombres de menton: Parlons un peu de la stratégie des couleurs lorsqu'il s'agit de sélectionner des pigments et des couleurs pour peindre des portraits. Parce qu'une fois que vous aurez une idée générale de ce qui fonctionne ou de la voie à suivre, cela vous aidera à prendre vos propres décisions concernant les futurs tableaux, ainsi qu'à savoir si vous vous sentez un peu perdu dans celui-ci. L'un des principaux changements qui peuvent vraiment aider à peindre la peau est d' arrêter de rechercher une seule couleur de chair et de commencer à penser davantage en termes de température Parce que la peau n'est jamais vraiment un mélange plat. Il regorge de petits changements subtils, passages plus chauds, de passages plus froids, zones un peu rouges comme sur les joues, couleurs qui s'estompent légèrement et de zones qui captent la lumière d'une manière complètement différente, selon le réglage ou la nature de la lumière qui éclaire le Donc, dans un portrait comme celui-ci, je ne me demande pas quelle couleur de peau dois-je utiliser ? Je demande : où le visage est-il chaud ? Où est-ce que l'on se sent le plus calme ? Où passe la lumière dans une zone plus mince ? Parce qu'il y a parfois de petits capillaires, même si on n'en voit pas le détail, cela affecte la composition générale de la peau Où la structure devient-elle plus ferme et plus froide ? Cette façon de penser donne à la peinture une sensation beaucoup plus vivante, car la peau a évidemment une nature transparente, donc il ne s'agit pas simplement d' une sorte de peau. La joue peut contenir une chaleur magnifique qui lui donne vie et douceur, surtout lors du premier lavage, où elle est mouillée sur mouillée et où la transition se fait en douceur Ensuite, le nez peut passer à travers les roses plus chauds et peut-être même les couleurs plus douces de la terre en fonction de la lumière La mâchoire et le cou peuvent être légèrement plus froids ou au moins neutres. Même les ombres peuvent contenir de la chaleur si l'ensemble du portrait a besoin de cette sensation, car nous pensons généralement que les ombres sont froides. Si la chair elle-même est chaude, alors pour compléter cela, nous utilisons des ombres froides, ce que nous avons fait un peu là-bas. Sur le cou et la mâchoire, nous avons utilisé ce violet, mais autour des yeux, sont toujours des ombres chaudes, en fait. C'est donc le genre de décision que vous pouvez prendre. Ce n'est pas nécessairement une règle stricte. Donc plutôt que de mélanger un ton fixe et de l'utiliser partout, je préfère laisser la peau bouger et s'adapter et ce n'est pas strict. C'est flexible. 12. Ombres de cou: Nous avons en fait peint la majorité des ombres ici. Bien sûr, il nous reste encore le nez, les lèvres et l'un des yeux à peindre. Mais le travail sur les ombres est principalement effectué, juste un peu plus d'ajustement, juste une touche de brun, un ton similaire à celui de l'ombre chaude au-dessus de l'œil. Parce que je dois souligner un peu plus cette courbe. Vous pouvez voir que ce n'est pas du tout réaliste jusqu'à présent. Ce n'est pas du tout censé être du super réalisme. C'est en fait assez abstrait. Nous n'avons donc besoin que de quelques détails pour ancrer le tableau et donner cette illusion de détails complets. Je réutilise en quelque sorte les pigments que j' ai déjà sur ma palette. J'aime considérer ces couleurs comme une sorte de petite famille de teintes plutôt que d'utiliser l'ensemble ou toutes les collections de peinture que j'ai. Je n'ai que quelques rouges chauds, un jaune ou un jaune terre, de la sienne brûlée, comme je l'ai dit, une sienne brûlée, comme je l'ai dit, grande partie de cette œuvre d'ombres n'est que de la pure sienne brûlée, Peut-être quelques notes plus sympas. Je n'ai pas encore utilisé de bleu, juste du violet, mais tu peux jouer avec ça. Si je n'ai pas vraiment utilisé bleu, c'est parce que je vais utiliser beaucoup de bleu dans leurs cheveux plus tard. J'ai donc ce contraste avec lequel jouer. Mais à part ça, ça suffit. Ce qui compte, c'est de ne pas avoir une infinité d'options. Ce qui compte vraiment, c'est la façon dont ces couleurs sont équilibrées. Comme je l'ai déjà mentionné, je pense que la température est l'un des meilleurs moyens de donner vie à un portrait de manière expressive et réaliste. Parfois, un portrait peut être bien réalisé techniquement, mais la peau peut tout de même ressentir de la vitalité parce que tout a été traité de manière trop uniforme. Ainsi, une fois que nous commençons à introduire de la chaleur et de la fraîcheur dans la peinture, le visage commence à devenir un peu plus humain Il suffit d'utiliser un peu de sensibilité pour atténuer ces contrastes entre le froid et le chaud. 13. Ombres de nez: Il se peut que certaines peintures demandent des contrastes exagérés C'est peut-être ton style. Vous voulez une peinture plus forte et plus profondément expressive plutôt qu'une peinture plus silencieuse Je dirais que ce tableau est un peu plus discret dans son expression. Je n'exagère pas vraiment le contraste pour le plaisir J'essaie d'être un peu plus attentive ou consciente de la subtilité D'autres portraits, les cours sont évidemment beaucoup bruyants et demandent plus d'attention Mais ici, par exemple, peut-être qu' une petite note chaude près de la joue peut faire tant C'est un détail très subtil ou une ombre plus froide autour la tempe peut rendre la chaleur qui se trouve à côté de la tempe plus lumineuse. Et puis les parties du tableau interagissent ou entretiennent une sorte de relation avec l'autre partie. Cela semble un peu plus harmonieux car chaque zone influence la suivante. Donc, si vous voulez que votre peau soit plus vivante, la réponse n'est souvent pas plus détaillée. Il s'agit souvent d'une plus grande sensibilité ou d'une expérimentation avec la température de la couleur. C'est ce qui donne à la peau sa variété sa délicatesse et son mouvement intérieur Lorsque je peins des zones comme le nez, par exemple, cette petite zone d'ombre située sous le nez, je la considère au départ comme une forme complète, plutôt que comme un mélange de tons différents, pour ainsi dire. Il s'agit donc d'une forme plate, puis je la développe progressivement et je la définis. Je le considère donc comme un avion plutôt que comme un élément. C'est donc presque comme une zone plate sous le nez. Parce que dès que nous commençons à trop nous concentrer sur l'idée d'un nez , d'un œil ou d'une bouche, nous pouvons commencer à les traiter comme des objets séparés collés sur le visage alors qu'en réalité, le visage entier est connecté par un ensemble de plans passant par la lumière et l'ombre 14. Échauffer la joue: En ce qui concerne la lumière, les ombres et l'angle des différents plans, les différentes sections sont particulièrement utiles dans un profil latéral comme celui-ci. Bien sûr, c'est utile pour chaque portrait, mais plus particulièrement pour celui-ci, car le front, le nez, la lèvre supérieure, la lèvre inférieure, le menton , la mâchoire font tous partie d'une structure changeante. La lumière se déplace sur ces plans de différentes manières, même s'il s'agit de la même source lumineuse. Et notre travail consiste à observer où ce changement se produit, où il est progressif ou soudain, et comment les valeurs changent en conséquence. C'est pourquoi vous avez des lignes dures et des lignes douces là où c'est soudain, vous allez avoir une ligne dure comme le nez, où c'est progressif, elle va être douce comme le bas du menton ou même la joue Donc, lorsque je peins le nez, comme nous venons de le faire, je ne pense pas uniquement aux narines et aux contours C'est la dernière chose à laquelle je pense. Je l'ajoute à la fin. Je n'ai toujours pas peint le noir profond des narines Je pense à la façon dont le pont capte la lumière. Et ensuite, comment les plans latéraux sont affectés par l' ombre ou la lumière, comment le dessous se fond dans l'ombre et si les transitions sont nettes ou Et très souvent, ce qui convainc un nez , ce ne sont pas tous ces petits détails, mais la relation entre quelques plans et arêtes soigneusement évalués. Et puis cette narine n'est qu' une ligne épaisse et ondulée, en gros Et après l'entraînement et les répétitions, bien sûr, on ne peut s'attendre à ce que personne apprenne tout cela en une ou deux fois. Mais grâce à l'entraînement répété grâce à la mémoire musculaire, vous pouvez reconnaître des formes similaires, des plans similaires, car la lumière vient probablement du haut vers le bas, sorte que tous les nez auront ce type d'avion en dessous et sur le pont C'est donc appris. 15. Peindre les lèvres: Il en va de même pour la bouche, que nous allons commencer à peindre maintenant. J'utilise le rose opéra pour cela parce que j'aime son éclat, et encore une fois, ce n'est pas essentiel Vous pouvez simplement utiliser un sarin cramoisi ou opter pour une couleur plus naturelle si vous Mais même lorsque vous peignez des lèvres, elles peuvent très vite se tromper si nous les considérons comme des formes colorées entourées d'une ligne. Mais si nous pensons plutôt au volume, la façon dont le plan supérieur s'éloigne de la lumière, le plan inférieur, plein, capte une plus grande partie de la lumière et que les coins se calment. Ils se sont en quelque sorte aspirés dans l'ombre. Vous avez donc des zones sombres d' ombres aux coins de la bouche La bouche semble alors plus intégrée au visage. Et comme je le disais tout à l'heure, même si nous allons au-delà des traits principaux, chaque zone du visage possède une sorte de plan, une sorte de relation avec la lumière et l'ombre. Même la joue est vraiment le point de rencontre de ces avions. joues doux ou une chemise chaude peuvent faire beaucoup, car ils reposent sur une large surface de rotation La porte, surtout lorsqu'elle présente un profil comme celui-ci, peut être si élégante lorsqu' elle est manipulée comme une sorte de changement progressif plutôt que comme une forme découpée. Cette façon de penser nous aide également à éviter de trop peindre. Si je sais que le spectateur n' a vraiment besoin que de quelques plans clairement définis, je ne ressens pas le besoin de tout expliquer. Je peux être sélectif et laisser le tableau suggérer le reste. Et c'est important parce que l'un des plus grands dangers portrait et souvent de nombreuses peintures des sujets différents nous avons tellement peur de nous tromper que nous sur des sujets différents est que nous avons tellement peur de nous tromper que nous ajoutons toujours plus d'informations pour compenser Mais trop d'informations n'est pas synonyme de clarté. Donc, l'une des façons dont j'essaie d'éviter cela est de toujours revenir à cette question. Où tourne l'avion ? Est-ce un virage fort ou doux ? A-t-il besoin d'une arête dure ou souple ou d'une transition ? Ce type de pensée permet à la peinture de rester ancrée dans forme plutôt que dans des symboles simplement collés, comme un nez, un œil ou une joue 16. cheveux du côté droit: Maintenant, avant de peindre la zone d' ombre de l'œil droit, l'œil situé derrière le nez, je vais juste peindre une petite partie des cheveux parce que je ne veux pas agiter l'œil une fois que je les ai déjà peints, peignant les cheveux sur le dessus, alors qu'ils se trouvent en fait sous l'œil en termes de perspective Je mélange mon propre gris juste parce qu'il y avait du brun dans cette partie de la palette Au lieu de le nettoyer, j'utilise juste du bleu pour le neutraliser et créer mon propre gris, mais vous pouvez facilement utiliser du noir, une teinte neutre ou le ton que vous voulez Je veux obtenir une marque de pinceau sèche pour que vous puissiez voir que ce n'est pas un pinceau très humide. J'utilise un mouchoir en papier pour le tamponner et mon éponge pour obtenir cet effet de brosse sèche lorsqu' il effleure la texture du papier, c'est-à-dire la dent du du papier, c'est-à-dire Ensuite, je peux l' adoucir un peu si je veux avec un peu d'eau sur mon pinceau. En utilisant des coups de pinceau rapides, j'ai impression que cela facilite un peu la fluidité. Si je vais lentement, ils sont un peu irréguliers et ils ne sont pas si lisses et souples. Ils ne coulent pas comme les cheveux le font naturellement. Et je garde toujours le contour des yeux intact. J'y ajoute aussi un peu de chaleur. voyez, je ne considère pas les cheveux comme des centaines de traits différents, alors je suggère les cheveux, en utilisant simplement la texture du papier. Il y a une petite mèche qui coule sur cette mèche de cheveux, et pour la plupart, je vais juste garder ce crayon et personne ne verra la différence. Mais je vais utiliser le bout de mon pinceau juste pour le souligner un peu et encore une fois, essayer d'obtenir une marque de pinceau sèche. Si vous constatez que vous n'obtenez pas de marques sèches au pinceau. Cela signifie que votre pigment est manifestement trop dilué ou que votre pinceau est trop plein d'eau. Vous devez donc prendre un mouchoir, Vous devez donc prendre un mouchoir tamponner et expérimenter Il est plus facile de sécher le pinceau plus que vous ne pensez plutôt que d'avoir accidentellement une marque de pinceau solide lorsque vous voulez obtenir un pinceau sec, c'est-à-dire. Nous commençons maintenant à travailler sur les yeux, et c'est le même mélange de Sienne brûlée , légèrement chaud, que j'ai préparé pour qu'il soit en harmonie avec les autres tons d'ombres que j'ai Et même si l' œil est moins frontal, en perspective, dans ce type de vue latérale, c'est toujours l'une des zones les plus sensibles d'un portrait, car les yeux attirent naturellement l'attention. Pour le moment, on dirait que les yeux sont fermés, mais je pense que je vais suggérer qu'ils seront ouverts plus tard, mais comme ils sont dans l'ombre, je vais être un peu plus insaisissable En général, lorsque je peins des objets, qu'il s'agisse d'un portrait ou d'une scène de rue, et que je pense que dans l'ombre, je reste humide face aux transitions douces et humides, et je pense que c'est en lumière directe, je reste assez dure. En général. Et comme ces yeux sont dans l'ombre, je vais être un peu plus lâche avec eux. Mais malgré tout, un petit changement ici ou là peut changer l'expression, pas nécessairement dans le mauvais sens. C'est pourquoi toutes ces peintures seront uniques et c'est pourquoi j'aime peindre des portraits, car vous ne savez vraiment quelle expression va apparaître avant de l'avoir atteinte. C'est ce qui est passionnant pour moi. De petits changements ici et là peuvent affecter tout cela, même l'âge, l'humeur ou l' élégance du visage. 17. Peindre l'œil: Ainsi, même s'il occupe moins d'espace le contour des yeux que dans un portrait orienté vers l' avant, il mérite tout de même beaucoup d'attention, en particulier les sourcils. Ils sont très expressifs, même s'il s' agit essentiellement de deux lignes simples. Dans un profil comme celui-ci, une vue latérale, l' un des yeux est partiellement masqué, bien sûr, par l'angle, ce qui peut être très utile pour de nombreuses raisons, car cela signifie que nous n'avons pas besoin trop l'expliquer parce que c'est hors de vue, mais nous ne traitons pas non deux yeux et de leur symétrie complète ensemble et de toutes les complications qui peuvent survenir avec un regard direct. Nous pouvons plutôt travailler avec un œil plus discret. Celui de gauche peut contribuer à l'ambiance. Plutôt que de le dominer. Les yeux ne sont pas nécessairement la partie la plus forte de cette peinture, car ils seront plutôt doux et discrets Mais les sourcils, même s'ils sont simples, sont une caractéristique importante. Parce qu'ils encadrent le regard. Il aide également à établir le rythme du front et de l' arête du nez. Dans ce portrait, le front a une sorte de simplicité Il a besoin de suffisamment de force pour tenir sa place, mais pas au point de devenir lourd. Je veux que le sourcil soit intentionnel, restant suffisamment doux pour convenir à l'ensemble du portrait L'œil lui-même devient alors davantage une question de forme et de valeur que de détail, comme toutes les autres formes et sections que nous avons peintes. Je pense au poids de la paupière supérieure, la douceur qui se trouve en dessous, l'ombre à l'intérieur de la cavité et à l'indication délicate, très délicate et subtile des cils et des ombres de ces En fait, les ombres des cils sont plus prononcées que les cils eux-mêmes, car les ombres des cils se situent dans les ombres Je les ai donc légèrement adoucies, et j'utilise l'ombre des cils pour définir et exprimer Bien entendu, le blanc des yeux jamais vraiment blanc, surtout pas lorsqu'ils sont dans l'ombre comme celle-ci. Mais je ne vais pas simplement les peindre en gris parce qu'ils sont affectés par la couleur environnante. Par la chaleur ou la fraîcheur du visage. J'allais leur donner le même type de couleur foncée que même type de couleur foncée que les autres pour qu'ils soient un peu plus intégrés plutôt qu'isolés Et c'est l'un des moyens les plus simples de donner à l'œil une apparence naturelle, ne pas rendre la partie la plus claire trop lumineuse trop tôt, mais de la laisser appartenir au visage. Dans cette vue de profil, je trouve que l'œil est un excellent endroit pour faire preuve de modération, car il serait très facile de surdéfinir cette zone 18. L'importance des valeurs: Maintenant, je vais appliquer des ombres plus foncées sous le cou et le menton, gros, sur la zone des épaules. Même dans un portrait où la couleur est l'aspect le plus important, la valeur fait toujours le gros du travail, car elle nous indique où se trouve la lumière, où la structure est la plus forte et où les nous indique où se trouve la lumière, où la structure est la formes se séparent. Les valeurs permettent également d'unifier les formes et d'établir une hiérarchie dans laquelle vous souhaitez placer vos zones focales fait, c'est juste une façon de dire où le tableau veut que le spectateur regarde en premier ou en second, puis en troisième. Le principal contraste tonal de cette peinture sera en fait les cheveux foncés et le visage plus clair Ce sera la relation de valeur la plus claire. Ce contraste met immédiatement le visage en avant et donne à la peau une qualité lumineuse car elle est assise à côté d'un objet beaucoup, beaucoup plus lourd. C'est notamment pour cela que j'ai voulu utiliser un noir aussi fort plus tard dans le tableau. Et c'est l'une des choses les plus utiles on puisse faire dans le portrait charge des passages plus clairs avec des formes environnantes plus fortes. Si vous peignez quelqu'un aux cheveux blonds, il faudrait assombrir le fond, pas un fond blanc pour vraiment augmenter le contraste À l'intérieur du visage, cependant, les valeurs restent un peu plus modérées, même si elles semblent assez contrastées pour le moment entre la lumière et l'obscurité des 19. Sous-couche expressive de cheveux: Maintenant, nous allons commencer à peindre les cheveux, et même avec les cheveux, nous allons les décomposer et en faire une étape amusante et expressive de la peinture. Je vais donc juste mélanger quelques couleurs pour commencer, en utilisant de l'ocre jaune et la sienne brûlée, et autour des oreilles, je vais mélanger le même ton que l'ombre sur le visage, cette ombre chaude pour qu' elle passe dans les cheveux parce la plupart des cheveux seront de couleur froide et que je ne suis pas propre En fait, j'essaie d' être très rugueuse avec mes formes pour essayer de créer beaucoup d'énergie dans ces cheveux, car en créant beaucoup d'expression et des textures excitantes dans les cheveux, nous rendons les détails du visage encore plus nets et sophistiqués Je ne suis donc pas vraiment en train de suivre une stratégie. J'essaie de penser à créer des traits fluides, peut-être à créer des rythmes que l'œil puisse suivre. Mais en gros, pour le moment, tout sera dissimulé. Ce ne sera qu'une sous-couche qui laissera passer un peu de lumière Je souhaite également obtenir beaucoup de marques sèches au pinceau sur cette sous-couche Ce ne sera donc pas un lavage à plat, beaucoup de texture. J'utilise maintenant un pinceau plus grand, un pinceau à balai, car il m' aide à obtenir des coups de pinceau plus larges, bien sûr, parce qu'il est plus grand Et pendant que nous y sommes, je vais ajouter certaines de ces marques de pinceau sèches à l'endroit où seront placés les vêtements. Maintenant, du violet ou du violet. À côté de ce bleu. Quand il s'agit de peindre un portrait, avant même de consulter mon carnet de croquis pour élaborer une composition, j'ai besoin d'une certaine vision, sorte d'élément clé qui constitue le moteur de la peinture avant que tout le reste ne soit élaboré En fait, le point de départ de l'ensemble de ce portrait était l'idée de couleurs froides dans les cheveux et de chaleur dans les tons de peau Je voulais qu'il y ait des tons de cheveux bleutés et violacés. Et puis complétez cela d'une manière ou d'une autre dans les tons de peau. La relation entre chaleur et fraîcheur est donc pour moi l'objectif ou le résultat le plus important que je voulais atteindre dans ce portrait. La peau est chaude, délicate et légèrement éclairée, tandis que les cheveux retiennent ces notes bleu-noir plus froides et plus profondes, notes bleu-noir plus froides et plus profondes, et cette relation représente un énorme travail à la fois émotionnellement et structurellement 20. Ajouter les tons froids: La température de couleur va juste au-delà des tons de chair que nous avons peints auparavant. C'est un outil tellement puissant dans l'ensemble de la composition, qu'il s'agisse de portraits, de scènes urbaines ou de tout ce que vous peignez, qu'il est toujours vivant, car il peut décrire à la fois la forme et l'ambiance Une joue chaude donne l'impression de vivre, et une ombre plus froide ou une mèche de cheveux plus fraîche peuvent créer de la profondeur Une masse noire ou une masse de poils bleus ou violets peut rendre le visage plus lumineux, plus éclatant La température de couleur n' est pas qu'une question réalisme, car les cheveux bleus , eh bien, vous pouvez évidemment avoir des cheveux bleus tout en les rendant réalistes. Mais dans ces circonstances, le bleu sert davantage à stimuler l'énergie et l'atmosphère. Dans ce portrait, la fraîcheur des cheveux crée un drame discret, qui semble un peu contradictoire, un drame discret Parce que, bien sûr, les couleurs chaudes semblent plus vivantes et les couleurs actives et froides semblent un peu plus tamisées La température de la couleur sera donc apaisante, mais son expressivité sera très abstraite, comme vous pouvez le constater, en utilisant de nombreuses marques abstraites, assez désordonnées, et en essayant délibérément de créer des zones de laideur, pour ainsi dire d' mais son expressivité sera très abstraite, comme vous pouvez le constater, en utilisant de nombreuses marques abstraites, assez désordonnées, et en essayant délibérément de créer des zones de laideur, pour ainsi dire d'abstraction. Des parties molles, des parties dures, des bords superposés et laids, essayent délibérément créer ces marques de fleurs ou de chou-fleur Je me sens incontrôlable dans cette section et c'est intentionnel. J'essaie de le rendre ambitieux parce que cela donne un sentiment de confiance Même si je n'ai pas l' impression d'avoir le contrôle, je perds personnellement le contrôle en ce moment parce que cela transmet un sentiment de force et de confiance, même si ce n'est pas ce que c'est réellement C'est une illusion parce que nous sommes désordonnés, cela semble courageux Mais uniquement parce que cela contraste avec la zone plus détaillée du visage sur laquelle nous avons eu plus de contrôle. En fait, ils travaillent ensemble, car sans ces ténèbres froides, le portrait serait beaucoup plus clair et peut-être aussi un peu moins ancré Mais sans la peau chaude, les tons foncés peuvent sembler trop lourds et ils seront certainement beaucoup trop abstraits. C'est la relation et la conversation entre eux qui font que tout fonctionne. Vous avez besoin de cette section abstraite avec la section la plus raffinée. Pour que la palette soit limitée et harmonieuse, les vêtements reprendront également certaines de ces notes plus froides sans être trop précis. fait, nous avons ajouté un peu de turquoise, une autre couleur cool. Nous avons donc des bleus, des violets et des verts. Turquois ou Vidian. Tu peux utiliser du viridian si tu veux. 21. Peindre les vêtements: Il est très utile de réfléchir à cette question avec les cours de portrait en général. Mais encore une fois, cela concerne tous les sujets, car sujets, car les gens sont souvent curieux de savoir pourquoi je prends mes décisions ou veulent voir une photo de référence alors pourquoi je prends mes décisions ou veulent voir une photo de référence j' ai en fait des centaines de photos de référence différentes. Ce n'est pas une référence spécifique que je copie. Ce n'est pas comme si je regardais un visage et que j'essayais de l'égaler. J'ai fait des croquis, j'ai essayé d'élaborer un plan d'éclairage, un plan d' ombre, et ce ne sont pas ces éléments qui ont guidé ma décision. Donc, ce qui peut vous aider à aller de l'avant c'est qu'au lieu de vous demander de quelle couleur est un produit, il peut être plus utile de vous demander quel est son rôle en termes de température. Je pense en termes de température plutôt qu'en termes de couleurs spécifiques. Est-ce que cette zone réchauffe ou refroidit le tableau ? Est-ce qu'il soutient le point focal, s'éloigne-t-il ou relie-t-il un passage à un autre ? Ce genre de raisonnement donne à la couleur un aspect beaucoup plus intentionnel, car nous arrêtons choisir les couleurs uniquement parce qu'elles semblent correspondre. Nous commençons à les choisir parce qu'ils soutiennent l' ambiance et le design généraux. Et encore une fois, cela peut être changé tout au long d'une peinture car l'aquarelle est imprévisible Peut-être que vous mélangez une couleur et qu'elle devient trop forte dans une direction différente. Ainsi, dans votre peinture personnelle ou dans ma variation d'une peinture, cela prend une racine différente. Il faut donc s'y adapter. C'est l'une des raisons pour lesquelles un portrait peut paraître plus convaincant même s'il n'est pas réellement littéral ou réaliste en couleur Nous ne peignons pas seulement la surface, nous peignons les relations. Une note froide à côté d' une note chaleureuse change les deux. Ou une zone sourde, une zone désaturée, peut vraiment faire chanter une zone saturée. Les vêtements que je peins en ce moment, j'essaie d'obtenir une couleur trouble , une couleur boueuse et froide Je commence donc par ce vert , puis je passe par ce bleu. Je ne veux pas du tout que ce soit dynamique. Et la raison en est que le fait d'avoir ces vêtements discrets ajoute de l'éclat au visage Ainsi, les cheveux, cette masse fraîche et foncée, redonnent vraiment de la clarté à un visage pâle. La couleur de ce portrait n' est pas vraiment une question de copie. C'est plutôt une question de design ou d'orchestration. Ce que j'essaie de réaliser dans mes portraits ou dans le type de portraits que je vise sont ceux qui nous donnent l'occasion de travailler avec audace et sensibilité à la fois Donc, d'habitude, le visage demande cette définition, un peu plus de soin. Les fonctionnalités demandent plus de précision et les proportions, bien sûr, sont importantes. Mais heureusement, vous pouvez utiliser le modèle pour vous y aider. Les arêtes sont également importantes. Et, bien sûr, le timing avec l'aquarelle. Mais dans tout cela, il y a encore beaucoup de place pour la suggestion, l'abstraction, la douceur et l' expressivité au pinceau En fait, sur le plan spatial, la majeure partie de la peinture est expressive et abstraite La peinture est donc plus qu'une simple ressemblance. Je ne cherche pas la ressemblance, en fait. Cela commence à créer de l'humeur. C'est ce que je vise, et cela peut sembler être une personne complètement différente. 22. Commencer les tons foncés des cheveux: Nous avons maintenant créé la sous-couche expressive qui sous-tend les cheveux. Il est temps de revenir aux pigments noirs foncés profonds. Et je commence par les petites mèches qui sortent sur les côtés, puis je vais m'y frayer un chemin par la suite. J'essaie d'obtenir une marque de pinceau sèche, et j'utilise un pinceau légèrement petit maintenant, pour revenir à mon pinceau synthétique avec une belle pointe et ces petits bouts vaporeux Je voulais juste ajouter à cette sensation de fluidité et de mouvement. En ce qui concerne les cheveux, c'est l'un de ces domaines où il est très facile de se perdre dans les détails. Nous voyons toutes les petites mèches, toutes les petites torsions, peut-être les petites formes volantes que nous ajoutons maintenant, et nous sommes tentés de les capturer ou de les transmettre une par une Mais généralement, c'est exactement ce qui rend les cheveux peints moins convaincants. Plus nous poursuivons chaque mèche, plus les cheveux risquent de devenir touffus, plats ou trop expliqués Donc, presque toujours, je commence par considérer les cheveux comme une masse. Quelle en est la forme générale ? Où se trouve le noir principal ? Où est également le mouvement principal ? Dans quelle direction coulent les cheveux ? Et où sont les plus grandes divisions avant même de penser aux plus petites ? Parce que c'est assez chaotique en ce moment. Donc, même si nous peignons de manière très abstraite, je passe souvent plus de temps à réfléchir à la manière de donner un sens aux cheveux qu'aux traits du visage, non pas parce que nous peignons plus de détails, mais parce que j'essaie peindre quelque chose d'abstrait d'une manière qui a du sens. Les cheveux de ce portrait et la plupart des portraits constituent un élément de design important. Il ne s'agit pas simplement d'un accessoire pour le visage. Cela fonctionne généralement comme une sorte de cadre. Il fournit la plage de valeurs la plus foncée la peinture, c'est là que se situeront nos noirs les plus profonds Et comme je le disais tout à l'heure, cela nous donne un bleu frais contre la chaleur de la peau. Cela donne donc du poids et du contraste à la composition. Pour le moment, je bloque simplement certaines zones très sombres, puis je trouverai comment les connecter plus tard, comment les faire circuler facilement. Il n'y a donc pas beaucoup de points faibles pour le moment. J'utilise juste un pigment très épais et je le colle dessus en gros Pour y parvenir, je dois parfois m' en remettre, comme je le fais maintenant. Je veux aussi des sections de brosse sèche. Ce n'est donc pas facile. 23. Pinceau sec: Parce que je veux que ce bleu passe à travers. Donc, s'il s'agit d'un nettoyant très dilué, il va quand même le griser. Mais au moins avec le pinceau sec, ce sont les trous dans le pigment qui laissent transparaître ce bleu, cette vivacité Donc, même si cette texture n' existe pas réellement dans la vie réelle, elle nous permet d'avoir un noir plus coloré, pour ainsi dire. Et il va y avoir beaucoup de concessions mutuelles, de pousser et de tirer, parce que je vais créer des bords durs , puis les adoucir ou je vais peindre noir et ensuite frotter un peu jusqu' à ce que cela me convienne. En gros, j'utilise mon imagination pour essayer de le faire fonctionner correctement, pour le tester et jouer pendant que je le fais réellement Mais jusqu'à ce stade, pour le moment, nous utilisons simplement des marques de pinceau sèches très épaisses. Ensuite, nous pouvons le réactiver plus tard avec l'eau pure. Même si c'est assez difficile à voir parce qu'il est tellement texturé avec les marques de pinceau sèches, il y a essentiellement une grosse courbure descend sur le côté du visage, et je commence à la définir un peu plus maintenant que les pigments se diluent un peu plus, essayant de ne pas nécessairement éliminer les mèches de l'eau pure. Même si c'est assez difficile à voir parce qu'il est tellement texturé avec les marques de pinceau sèches, il y a essentiellement une grosse courbure qui descend sur le côté du visage, et je commence à la définir un peu plus maintenant que les pigments se diluent un peu plus, en essayant de ne pas nécessairement éliminer les mèches, mais juste le flux général à partir duquel travailler. Je suis un peu plus sélectif maintenant. Je ne veux certainement pas être littéral à chaque ligne. Je pense simplement à des formes plus grandes. Cela ressemble plus à une sculpture qu'à une vraie chevelure, une masse solide pour le moment. Encore une fois, je ne voulais pas peindre l'oreille, donc je vais l'abstraire avec cette ombre brun foncé en gros. Peut-être pourrons-nous le dire un peu plus tard. Et en mélangeant cela aux noirs foncés au fur quelques mèches bien choisies font souvent bien plus que des centaines de peintes uniformément, car le spectateur lit la suggestion et complète le reste. Donc, même si cela semble très incomplet pour le moment, une fois que nous aurons tout connecté, nous laisserons l'eau et le pigment se mêler et nous occuperons de nombreux détails insaisissables Bien entendu, nous devons également penser à la lumière, à la façon dont la lumière capte le dessus des cheveux plus que le bas, de sorte que les zones d'ombre situées en dessous peuvent être beaucoup plus sombres Il est intéressant de constater que les parties les plus abstraites peuvent parfois être plus difficiles à corriger que les parties détaillées. Les cheveux peuvent conserver à la fois douceur et texture. Ils essaient donc de trouver cet équilibre, essaient donc de trouver car certains passages, pas des mèches, mais des courbes, peuvent rester larges et atmosphériques, tandis que d'autres peuvent être affûtés plus tard avec cette marque de brosse sèche, ou même des accents plus foncés C'est donc la variété qui lui donne vie. Nous avons donc commencé avec cette sous-couche très expressive et nous nous en éloignons petit à petit , en essayant de lui donner un peu plus de sens, mais pas au point de perdre toute cette expression Il y a donc une question de jugement ou de solution idéale lorsque nous commençons à éliminer ces marques texturées en utilisant de l'eau pour les adoucir. 24. mélanger les cheveux: À ce stade, je ne cesse donc de me demander si je pense toujours en masse. Si j'arrête de penser en masse et que je ne commence que par petites étapes, c'est généralement le moment où je dois prendre du recul ou reconsidérer ma position. Je veux vraiment y laisser ce petit bord bleu. En fait, je peins l'ombre sur le visage un peu plus en utilisant violet comme une sorte de surlignage, en utilisant le bleu clair comme surlignage. Parce que c'est vraiment à ce moment-là que le bleu des cheveux entre en contact avec la chaleur de la peau qu' il y a un fort contraste de température C'est là que la hiérarchie devient très importante car tous les contrastes ne doivent pas nécessairement être égaux. Le contraste le plus fort peut se situer entre les cheveux et le visage, puis il peut y avoir contrastes plus faibles autour des lèvres et des yeux, et les vêtements peuvent alors simplement rester silencieux. Idéalement, je ne veux pas que quelqu'un regarde les vêtements, peigne juste assez pour que cela ait du sens, mais ce n' est certainement pas le point central. Bien entendu, il contient toujours de la couleur et du mouvement, mais il reste secondaire car les contrastes de valeurs ne cherchent pas à rivaliser avec le visage. C'est un élément très moyen de la peinture. Il devrait donc soutenir le portrait sans crier. Encore une fois, c'est pourquoi les valeurs sont très importantes et pourquoi lorsque je m'entraîne pour les cours, que je peins mes compositions et même quotidiennement dans mes carnets de croquis, je ne peins qu'en monochrome J'ai une variété de petites encres monochromes amusantes que je m'entraîne simplement à étudier les relations tonales entre les objets D'ailleurs, cette petite mèche que j'ai ajoutée, une petite mèche circulaire qui descend et dépasse l'oreille, attire vraiment l'attention. Il ne s'agit que d'un seul trait, mais pour une raison une autre, chaque fois que je vérifie une composition mais pour une raison ou une autre, chaque fois que je vérifie une composition, elle est nette, peut-être parce que c'est aussi un pinceau sec qui facilite la fluidité de la peinture C'est pourquoi le design axé sur la valeur est si important. Il ne s'agit pas seulement de réalisme, mais aussi d' accent, car cela indique au spectateur ce qui compte et donne à l'œil un chemin. Comme je l'ai dit tout à l'heure, les tons de peau sont très adaptables et la palette est assez limitée. Nous pouvons donc trouver une solution tout à fait spontanément au fur et à mesure. Donc, pendant que je peins, je ne me demande pas seulement si une certaine forme est correcte ou si la couleur elle-même, la teinte sont correctes. Je demande également s' il est trop fort ou trop faible par rapport au reste du portrait. Parce qu'un portrait n'est jamais simplement un ensemble de parties correctes, il doit bien entendu fonctionner comme un tout visuel. Je suis juste en train d'ajouter quelques mèches de cheveux à la nuque Encore une fois, il ne faut pas peindre des mèches individuelles, mais simplement généraliser Et maintenant que les tons profonds des cheveux sont peints, vous pouvez voir à quel point la peau semble claire maintenant. Souvenez-vous que j'ai dit au tout début les tons paraissaient trop foncés au début, mais maintenant qu'ils contrastent avec les cheveux, ils ont plus de sens en fonction du contexte Donc, quand il s'agit de le peindre vous-même, assurez-vous de compenser en peignant plus foncé que vous ne le pensez. OK. 25. Le rendre vivant: L'un des aspects les plus difficiles d'un tableau, bien sûr, est de savoir quand il est terminé. n'est pas terminé dans un sens absolu, car les peintures peuvent presque toujours être ajustées d'une manière ou d'une autre, mais elles sont terminées dans le sens où elles disent déjà ce qu'elles ont besoin de dire. Et cela peut être particulièrement difficile dans portraits, car les enjeux semblent assez élevés. Apparemment, il reste encore tant de choses à dire, mais le message est-il passé ? Nous voyons chaque petite chose. Nous remarquons chaque petite asymétrie, chaque arête ou chaque changement de valeur Il y a donc beaucoup de tentation de continuer à affiner et à corriger, dans l'espoir d'obtenir un état final parfait Mais souvent, un portrait atteint son point culminant avant que nous ne le réalisions réellement. Et si nous continuons à dépasser ce moment, nous commençons à perdre la fraîcheur qui lui a donné vie au départ. Donc, quand j'arrive à la fin, je change les questions que je me pose. Au lieu de demander, que puis-je ajouter ? Je demande : qu'est-ce qui a encore besoin d'attention ? quels domaines le portrait semble-t-il encore Dans quels domaines le portrait semble-t-il encore irrésolu de manière significative ? Ou qu'est-ce qui est distrayant ? Y a-t-il un élément qui ne devrait pas attirer l'attention ou qui manque structurellement ? Y a-t-il des accents finaux ? C'est ce que je fais maintenant. J'ajoute ces petits accents aux cheveux parce que les cheveux restent une pièce très abstraite, mais ces petits reflets vaporeux contextualisent un peu mieux Ce sont de meilleures questions finales que vous pouvez aborder. Parfois, la réponse est simplement un bord, ramollissant ou en le durcissant Parfois, une note légèrement plus profonde dans les cheveux, ou parfois la bouche a besoin d'être un peu plus intégrée au visage. Et parfois, cela n'a besoin de presque rien du tout, et vous vous déconnectez pendant quelques jours, et vous vous rendez compte qu'en fait vous ne voyez pas les problèmes que vous avez vus auparavant, et vous êtes heureuse de l'avoir laissé de côté, qu' il est tel qu'il est et que vous pouvez il est tel qu'il est et que vous pouvez appliquer ce que vous avez appris à un autre endroit. J'essaie de conserver la différence entre les zones principales et les zones secondaires dès la fin. Le visage peut recevoir quelques derniers accents soignés, les cheveux peuvent une ou deux lignes plus fortes ou des passages plus profonds, ou les vêtements peuvent avoir besoin d'un peu d'adoucissement ou d'un léger toucher juste pour rester connectés, mais toutes les zones ne méritent pas la même attention ou le même niveau de détail Et c'est ce genre de retenue qui donne souvent confiance à un tableau. J'ai simplement éclaboussé de l'eau pure principalement sur le contour des oreilles, mais aussi spontanément sur les cheveux, et je les ai laissés absorber et réactiver la peinture, puis j'ai juste utilisé un mouchoir en papier pour les essuyer rapidement afin d'extraire cette zone et, encore une fois, lui donner un peu d'atmosphère Ces éclaboussures ont quelque chose qui donne une illusion de détail ou qui n'en ajoute pas plus, mais cela élimine en quelque sorte le besoin d'ajouter des détails C'est un peu une excuse pour ne pas entrer dans les détails, mais pas d'une manière trichante, mais d'une manière intrigante Certains des accents que j'ai ajoutés sont un peu trop forts, donc je ne fais que les adoucir, et en général, la dernière chose n' est pas d'ajouter mais d'adoucir 26. Réflexions finales !: Bon retour. Et félicitations pour avoir terminé ce cours de peinture de portrait à l'aquarelle Dans cette étude, nous avons examiné comment l'humeur peut découler autant de la forme, l'espacement et de certains détails de l'espacement et de certains détails que de la ressemblance elle-même Le profil nous a donné une structure solide et élégante, tandis que le traitement souple des cheveux et des vêtements a conféré à la peinture un aspect vivant et contemporain. Nous avons également exploré la façon dont l'obscurité et la lumière fonctionnent ensemble, non seulement pour modeler la forme, mais aussi pour attirer l'attention et créer une atmosphère. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que ce cours ouvre la porte à une approche plus poétique de la peinture de portrait. J'ai hâte de tous vous revoir dans les prochains cours, happy painting et bifanw