Botanique pour débutants : apprendre à peindre des fleurs à l'aquarelle étape par étape Step

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous allons peindre une magnifique composition florale botanique à l'aquarelle Ce cours est parfait pour les débutants ou pour tous ceux qui souhaitent revenir aux fondamentaux manière calme et créative. fleurs botaniques sont un merveilleux sujet à explorer car elles nous permettent de nous concentrer sur des mélanges doux, formes douces et des techniques simples mais efficaces qui constituent une base solide pour la peinture à l'aquarelle Nous verrons comment peindre des tiges fluides, des pétales délicats et des feuilles aux couleurs variées, tout avec une touche légère et expressive. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Ce cours est conçu pour rendre le processus facile et agréable, alors commençons. 2. Votre projet: Merci de m'avoir rejoint aujourd'hui. Je suis vraiment heureuse de peindre ça avec toi. Nous allons créer une jolie peinture botanique, avec des fleurs douces et gracieuses et des tiges et des feuilles légèrement incurvées Ce projet est l'occasion idéale mettre en pratique les principes fondamentaux de l'aquarelle, notamment le mélange humide sur humide pour des transitions douces entre les pétales, pose et le glaçage pour donner de la profondeur aux feuilles et aux fleurs et le pinceau contrôlé pour peindre les tiges Le meilleur, c'est qu'il n'y a aucune pression pour être parfait. Profitez simplement du flux méditatif peinture de la nature dans ce qu' elle a de plus gracieux Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer à peindre, passons en revue tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand des éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Je vous encourage à essayer différentes couleurs et à explorer les différentes fournitures que vous pourriez avoir envie d'utiliser. Passons maintenant à la peinture. 4. Conseils pour l'ébauche: Donc, avec le croquis, nous allons simplement commencer par placer des cercles à l'endroit où nous voulons placer nos capitules. Je vais en faire trois principales. Ensuite, après avoir fait ces cercles à l'aide d'un crayon à mine souple, nous allons les relier grossièrement à ces tiges. Ensuite, nous pouvons simplement travailler à notre façon et poursuivre sur cette lancée. Ensuite, nous pouvons peindre l'intérieur, définir les pétales, transformer progressivement des formes plus grandes en formes plus détaillées. Ensuite, nous pouvons passer à un crayon plus fin pour un peu plus de précision une fois que nous serons satisfaits de l'essentiel de la composition, et vous pouvez le faire sans même regarder une référence C'est très organique et nous le jouons juste à l'oreille. Nous l'inventons au fur et à mesure. Et c'est assez bien équilibré parce que nous avons trois fleurs, puis nous allons utiliser un équilibre asymétrique pour ajouter des feuilles, bourgeons et donner l' impression que c'est ancré, c'est bien équilibré, mais de manière asymétrique Vous pouvez vraiment mettre ces feuilles n' importe où. J'essaie de garder les nombres impairs parce que, pour une raison ou une autre, les nombres impairs sont visuellement plus intéressants que les nombres pairs. La fleur principale de gauche est ouverte et fait face à nous. Celui du dessus est légèrement orienté vers le haut et celui de droite fait face à la droite. Maintenant, ajoutez quelques tiges latérales avec des feuilles. Et plus vous voulez peindre de feuilles, plus il faudra de temps pour peindre, et moins vous voudrez en mettre, plus la peinture sera rapide. 5. Mélanger les couleurs: Commençons donc par mélanger abord nos couleurs, car nous ne voulons pas commencer à les laver, puis à les faire sécher sur le papier avant d'avoir les faire sécher sur le papier avant préparé notre deuxième couleur. J'utilise ce rose opéra, qui est une jolie couleur, une belle couleur vibrante. Et en fait, je l'ai mis dans ma poêle Lazarin Crimson parce que je n'ai pas besoin d' en utiliser trop. Je n'ai pas besoin de sacrifier une partie entière de ma palette juste pour cette couleur. Donc, je me sers un peu de sa couleur la plus proche, qui est le cramoisi Lazarin Et en fait, ça ne me dérange pas d'avoir mon Lazarin Crimson un peu plus Alors je le mets dedans. Ensuite, après avoir mélangé ce rose, je vais ajouter du bleu cobalt et du bleu serlean Et quand j'y ajoute ce rose, ça donne un joli violet. Ce sont donc les couleurs que je vais essentiellement avoir comme base. J'ai du violet, du rose et du bleu. Et ils sont en harmonie parce que le rose est sa propre couleur d'origine, le bleu est sa propre couleur d'origine et le violet au milieu est composé entre les deux. Ils sont donc tous dans une belle harmonie. Et quand il s'agit de peindre ces fleurs, nous allons presque le faire au hasard. Nous allons prendre un pétale rose, un pétale bleu, un pétale violet, et selon ce que nous voulons, nous allons ajouter un peu de rose où nous voulons, un peu de bleu où Tout dépend donc de vous, et vous pouvez bien sûr me suivre si vous avez besoin de conseils ou si vous voulez les conseils. Mais je vous encourage à expérimenter les couleurs que vous souhaitez utiliser et où les placer, car votre voix unique transparaîtra, et c'est très excitant pour tout le monde de les voir. OK. 6. Les 2 premiers pétales: Je commence donc par pré-mouiller la zone que je veux couvrir car nous allons permettre au pigment de s'écouler dans toutes ces petites zones, et en le prémouillant au départ, nous allons en quelque sorte créer une limite jusqu'où nous voulons que le pigment aille Et si nous avions déjà du pigment sur notre pinceau lorsque nous l'avons fait, si nous faisions une erreur, il serait difficile de revenir en arrière. Et une autre raison, le fait que ce papier soit déjà prémouillé crée simplement un flux naturel esthétique C'est non seulement plus facile, mais c'est aussi plus beau. D'autant plus que nous nous développons à partir de pigments clairs. Si nous utilisons un pigment très épais, je ne me donnerais probablement pas la peine de mouiller à nouveau ou de pré-mouiller le papier et de le mettre directement dedans. J'ai donc commencé avec du rose en haut du pétale, et en bas, du bleu, du bleu serléen Et comme je l'ai déjà dit, lorsque nous mélangeons nos couleurs, ces deux couleurs forment un joli violet. Donc, quand je fais tourner mon pinceau au milieu, ils vont s'harmoniser Cela ne ressemble pas nécessairement violet car c'est un mélange assez faible. Mais vous pouvez voir maintenant que j'ai extrait une partie de mon violet dans ma palette. Il suffit d' ajouter quelques traits sur l'extérieur, le contour du pétale, puis il se fond au centre lorsqu'il est mouillé et mouillé Je vais un peu plus fort avec le rose maintenant, et un peu de bleu, un bleu serlem C'est vraiment une façon très relaxante de peindre, car surtout avec cette peinture botanique, nous n'avons pas à tout peindre en même temps. Nous pouvons le décomposer un pétale à la fois, une feuille à la fois, une tige à la fois Et ce qui unit cette composition sont les couleurs, les couleurs. Ils n'ont donc pas besoin d'être tous peints en même temps pour qu'ils s'unissent et soient beaux ensemble Tout va être connecté. Tout va être unifié, mais nous pouvons toujours prendre notre temps et peindre une pièce à la fois, donc pas de stress. Vous pouvez prendre votre temps, faire une pause si vous êtes anxieux ou si vous débutez dans le domaine de l'aquarelle. Il n'y a aucune pression. Passons au deuxième pétale, je commence par une base violette Et vous verrez dans ce tableau je peins presque chaque pétale d'une manière différente Ce n'est pas comme si je le faisais exprès. C'est juste qu'il y a tellement de façons de s'y prendre. Donc je ne pense même pas avoir pré-mouillé ce pétale. Je suis juste allée droit au but. Et maintenant, j'ajoute quelques traits verticaux dans la direction du pétale. Et comme c'est humide et mouillé, ils vont s'estomper. J' utilise ce pinceau de taille moyenne à petite. Il est inutile de vous donner un numéro de pinceau, car chaque marque a un numéro différent en fonction de sa gamme de tailles Mais c'est un pinceau rond synthétique. Et je vais utiliser même pinceau pour tout ce tableau. C'est le seul pinceau que je vais utiliser. Comme il ne s'agit pas d'un petit pinceau, nous pouvons donc l'utiliser pour de plus grandes surfaces. Ces pétales sont les plus grandes formes que nous allons peindre. Donc, tant qu'il est assez grand pour couvrir cette zone, c'est bon. Et ce n'est pas trop petit pour que je doive toujours prendre plus de liquide. Il est suffisamment grand pour contenir suffisamment de liquide. Et c'est toujours ce point. Ces pinceaux ont de jolis points fins pour les détails que nous peindrons plus tard. 7. Couleurs complémentaires: Sur le deuxième pétale que nous venons de peindre, vous pouvez voir en haut que le violet est légèrement plus foncé , ce qui n'était pas nécessairement intentionnel, mais il y a beaucoup de place pour les accidents avec cette peinture car lorsque nous regardons cette forme où il y a peut-être des taches de couleur indésirables, cela ne semble pas nécessairement incorrect que nous venons de peindre, vous pouvez voir en haut que le violet est légèrement plus foncé , ce qui n'était pas nécessairement intentionnel, mais il y a beaucoup de place pour les accidents avec cette peinture, car lorsque nous regardons cette forme où il y a peut-être des taches de couleur indésirables, cela ne semble pas nécessairement incorrect car pétales et fleurs, ils ont tous de petits plis, la lumière les frappe et ils ont des ombres à différents endroits Cela lui donne donc un aspect organique. Vous pouvez vous en tirer avec beaucoup d'erreurs avec ce tableau. J'ai remarqué que ce deuxième pétale n'avait pas vraiment de rose en violet et en bleu Et ce troisième est bleu avec une influence violette et il y a même un peu de vert dedans maintenant, de cette couleur turquoise J'essaie de ne pas submerger chaque pétale. Donc, pour chaque pétale, je ne m'en tiens qu'à deux ou trois couleurs au maximum Donc rose et bleu pour le premier, bleu et violet. Et puis, oui. Avec celui-ci, c'est une sorte de rose violet. Si je ne prémouille pas ce pétale, c'est parce que je veux que cette pointe, la partie gauche du pétale, soit un peu plus foncée, et que le bord soit un peu plus dur Je peins donc cette zone, puis je la frotte rapidement avec ce pinceau, puis je fais ressortir le lavis au fur et à mesure qu'il se décolore, et de l'autre côté, nous pouvons commencer à mélanger cette couleur bleu-verdâtre La plupart des couleurs fonctionneront en harmonie ensemble, et vous n'avez pas à vous soucier les mélanger les unes aux autres. Mais il y a quelques exceptions dont vous devrez peut-être vous méfier, à savoir vert et le rouge ou même le rose et le turquoise, ce que je fais ici sur ce pétale, le vert et le rouge ou même le rose et le turquoise, ce que je fais ici sur ce pétale, car ce sont des couleurs complémentaires opposées l'une à l'autre sur la roue chromatique Donc, si vous en mélangez trop , cela deviendra gris. Ce n'est pas grave quand c'est beau et léger comme ça et qu'il y a une fine distinction entre le rose et le vert. Mais s'ils se chevauchent et se mélangent, ils paraîtront légèrement gris, ce qui pourrait convenir. En fait, ce ne sera pas un gris ennuyeux car il est composé de pigments colorés plutôt que de noir. Mais si vous recherchez de l'éclat, vous voudrez peut-être éviter de mélanger des couleurs complémentaires ou de les superposer Et plus tard, nous voudrons peut-être ajouter de l'orange parce qu' il y a beaucoup de bleu, et si vous avez vu mes autres cours, vous savez à quel point j'aime utiliser le bleu et l'orange ensemble parce que je pense que c'est la paire de couleurs la plus forte. Ce sont des couleurs complémentaires qui se marient vraiment bien ensemble. Mais s'ils sont mélangés, ils deviendront eux aussi gris. Je ne pense pas que je vais utiliser le jaune dans cette peinture, mais le jaune et le violet sont une autre paire de couleurs complémentaires qui, lorsqu'elles mélangées, peuvent paraître floues. J'utilise du violet, beaucoup dans ce cours, mais pas nécessairement du jaune. Un, 8. Utiliser une roue chromatique: C'est toujours une bonne idée d'avoir une roue chromatique, qu'elle soit imprimée ou installée sur votre téléphone. Il est utile de l'avoir comme référence , car vous pouvez ainsi voir ce qui se trouve de l'autre côté de la roue chromatique lorsque vous utilisez une couleur pour voir en quoi elle est complémentaire. Et vous pouvez utiliser cela à votre avantage pour faire ressortir chacune de ces couleurs , car elles sont complémentaires. Ils sont très beaux ensemble. Mais c'est aussi utile car vous savez que si vous les mélangez, ils auront un aspect boueux et gris et que vous devez les utiliser avec prudence lorsque vous les appliquez ensemble. Avoir une roue chromatique est donc une référence utile. Et puis au bout d'un moment, vous aurez une sorte de souvenir de ce qui est le contraire. Vous savez que le jaune et le violet sont opposés, rouge et le vert sont opposés au bleu et à l'orange, etc. Le rose, bien sûr, fait partie de la famille des rouges. J'ai donc fait très attention en utilisant mon rose et mon vert ensemble. le moment, je fais très attention à ne pas superposer le vert au rose qui se trouve juste à côté. Mais les avoir si proches les uns des autres les fait vraiment ressortir et les rend beaux. Et pour ce qui est du mélange des couleurs jusqu'à présent, à part le vert turquoise et le rose que nous utilisons, et le rose que nous utilisons, tout est de couleur insignifiante Cela signifie simplement qu'au lieu de se faire face sur la roue chromatique, ils sont adjacents ou côte à côte. Ils partagent donc la teinte, leur teinte voisine. Ils s'harmonisent donc ensemble. Et cela semble cohérent visuellement parce qu'ils font presque partie de la même famille, le voisin le plus proche, pour ainsi dire Et cela rend les choses très confortables pour quelqu'un qui a du mal à choisir les couleurs et à les mélanger car elles ont , car elles ont cet effet harmonisant naturel, et vous n'avez pas à vous soucier de les salir. En général, un bon plan pour déterminer un schéma de couleurs est de choisir votre couleur principale, la couleur préférée que vous souhaitez pour une peinture, puis d'utiliser les couleurs voisines qui se trouvent juste à côté sur la roue chromatique Ensuite, dans certaines zones, utilisez de petites étincelles de la couleur complémentaire située en face de la roue chromatique De cette façon, non seulement la peinture est bien harmonisée, mais la couleur complémentaire présente également un intérêt supplémentaire . C'est pourquoi je pense que peindre ces fleurs botaniques est un très bon exercice car cela nous permet explorer les couleurs à un rythme confortable, sans avoir à nous fier à une quelconque référence. Nous pouvons être un peu plus imaginatifs et il y a moins de marge d'erreur De plus, ce sont des formes très organiques et ouvertes. Vous n'avez donc besoin que de quelques références simples. Vous pouvez simplement taper des fleurs dans Google Images et simplement dessiner un simple croquis. Ces fleurs ne sont pas jolies du tout. Ils ne sont pas symétriques, mais il y a une certaine beauté dans leur imperfection et leur caractère aléatoire Et ce caractère aléatoire ne fait qu' ajouter à l'intrigue d' une peinture comme celle-ci. Si elles étaient toutes très structurées et basées sur la précision, je les divisais mathématiquement en cinq pétales et que je leur donnais des proportions égales, cela leur ôterait une grande partie de cette magie UN 9. La deuxième fleur: Comme vous pouvez le voir maintenant, j' ajoute de nouvelles couches. Nous avons donc créé une couche de base avec de belles transitions de couleurs. Je l'ai laissé sécher, et maintenant je vais en plus pour augmenter les valeurs tonales Ensuite, ajoutez quelques lignes, quelques coups de pinceau directionnels venant du centre du pétale vers l'extérieur, juste pour lui donner sensation de tirer vers le Et encore une fois, ce rose contrastant avec le vert turquoise le fait vraiment ressortir Vous souhaitez utiliser vos couleurs complémentaires là où le contraste est le plus élevé. Je ne voulais donc pas que la transition se fasse en douceur là où se trouvent le vert et le rose. Parce que s'ils doivent faire une transition, cela signifie qu'il va y avoir un mélange, et vous ne pouvez pas mélanger des couleurs complémentaires dans ce contexte, car elles s'annuleront et paraîtront grises ou boueuses, comme je l'ai déjà dit Avec cette prochaine fleur, je vais peindre, je vais créer une palette de couleurs différente. Mais les mêmes principes s'appliquent. Je vais choisir une couleur de base et contourner ce problème. En fait, je vais utiliser cette sienne brune brûlée, que je considère brune ou brune comme une orange, en fait, parce que c'est une orange légèrement sourde Ensuite, je peux utiliser mon esprit ou ma mémoire pour réfléchir à ce qui se trouve à côté de l' orange ou du brun sur la roue chromatique. Eh bien, ça va être rouge, donc je peux y mélanger un peu de rose parce que le rose se trouve du côté rouge de la roue chromatique. Faites toujours en sorte que le centre de ces pétales soit légèrement plus clair et un peu plus foncé vers l'extérieur. Nous pouvons maintenant ajouter un peu plus de rouge. En y ajoutant un peu d'ocre jaune, en fait. J'ai déjà dit que je n' allais pas utiliser le jaune. Mais techniquement, l'ocre jaune ressemble presque au brun. Ce n'est pas un jaune pur. Et malgré tout, je le mélange avec ce brun et ce rouge, donc ce n'est pas un jaune pur. Très subtil, en fait. Passons au pétale suivant, qui sera violet Je pense que le violet est en fait la couleur principale de cette peinture, celle qui finira par tout lier. Cela ne veut pas dire que le violet doit être partout, mais je vais utiliser le violet comme petit motif. Peut-être que je l'ajouterai dans certaines feuilles plus tard, la tige de l'autre côté, juste pour qu'il soit bien équilibré dans toute la composition. Et c'est ce avec quoi vous pouvez aussi jouer. Peut-être que vous voulez que le violet soit votre couleur principale. Donc, quand il s' agit de peindre ceci, vous pouvez remplacer le violet par bleu ou peut-être que vous voulez du rose ou du vert. J'ai du violet dans ma palette, mais ce n'est qu'un raccourci pour moi. Je peux facilement mélanger le même violet avec ce rose, cramoisi Azaren et Avec celui-ci, je vais faire beaucoup plus sombre sur le bord du pétale. 10. Freiner les règles être respect: Et puis au centre, c'est encore humide, même s'il n'y a pas beaucoup de pigment, je vais juste y déposer un peu de brun. Et comme il fait mouillé sur mouillé, il va y avoir une belle transition. La première fleur que nous avons dessinée sur la gauche, c'est vraiment le point central. C'est la principale caractéristique accrocheuse. C'est pourquoi j'ai incorporé autant de couleurs et je l' ai rendue un peu plus complexe à mesure, car vous ne voulez pas que plusieurs fleurs se disputent l'attention Vous en voulez un principal , puis deux secondaires. Et dans le premier, nous avons, bien sûr, le violet, puis nous avons joué avec le rose, le bleu et le vert. Celui-ci, nous l'avons rendu encore plus simple. Nous avons le violet comme couleur principale, puis nous jouons avec le brun et l'orange avec cela. violet et l'orange sont une paire de couleurs assez étrange à associer. Et c'est un bon exemple de violation des règles que nous considérons parfois comme des règles parce qu'elles ne sont ni complémentaires ni insignifiantes. Ils ne sont donc pas côte à côte sur la roue chromatique et ils ne sont pas en face l'un de l'autre. Mais ils ont une sorte d'harmonie inattendue, et c'est parce qu'ils se situent chaque côté du rouge sur la roue chromatique. Il y a donc une bonne distance entre elles, mais certains diront que c'est une couleur complémentaire divisée, car elles ne sont pas opposées, mais elles présentent tout de même un fort contraste car elles ne se mélangent pas aussi facilement Le rouge est sans doute la couleur la plus puissante. Ainsi, le fait d'avoir les couleurs qui se trouvent juste à côté sur la roue chromatique les rend à la fois riches et éclatantes. La chaleur de l' orange pousse vers l'avant, tandis le violet plus froid tend à reculer Cette poussée et cette traction créent donc une sorte d' énergie dans la composition. Et enfreindre les règles n'est pas nécessairement une mauvaise chose, surtout lorsque nous le faisons intentionnellement car le but de l'art est d'exprimer des sentiments, et c'est en faisant ce genre de choses qu'ils créent des sentiments, les rendent excitants. C'est une sensation différente. C'est vraiment unique. Et lorsque nous nous éloignons des attentes, nous tombons sur des combinaisons fraîches ou chargées d'émotions, voire un peu Ça nous fait réfléchir un peu plus. Malgré tout, nous pensons à l'équilibre, la prédominance de ces couleurs et au contraste. C'est donc un bon rappel que la théorie des couleurs n'est qu'un outil. Ce n'est pas une cage dans laquelle nous sommes piégés et que nous devons suivre directement. Une fois que nous avons compris ces fondements, après avoir joué avec eux, nous pouvons apprendre à les déformer ou même à les briser pour dire quelque chose de personnel ou d'expressif. UN 11. La troisième fleur: J'y ai donc juste peint quelques boutons, juste une sous-couche souple pour le moment Nous pouvons maintenant commencer à travailler sur notre dernière fleur en utilisant ce joli rose, le rose opéra à nouveau. Celui-ci est un peu plus complexe, du moins dans ses grandes lignes, parce que nous le voyons sous un angle, les fleurs tournées vers la droite Nous voyons donc les bords du pétale et cela rend la perspective un peu étrange. Mais le même principe s'applique. Nous incorporons ces belles couleurs éclatantes et nous n'en abusons avec la quantité de couleurs que nous utilisons, deux ou trois au maximum J'utilise un bleu avec du turquoise. Il y a donc un peu de vert là-dedans, mais ce n'est évidemment pas vert. Ce n'est pas vert évident. Il y a un vert subtil à l'intérieur de ce bleu. Je peins donc un côté, puis j'utilise de l'eau pure sur mon pinceau juste pour le frotter et le ramener vers le bord de l'autre côté Vous pouvez utiliser le même pinceau dilué pour commencer à peindre le prochain pétale. Comme nous observons ce pétale, cette fleur sur le côté, les pétales vont se chevaucher. C'est pourquoi cela peut être un peu plus complexe, C'est pourquoi cela peut être un peu plus complexe car nous allons devoir créer un peu de contraste pour différencier facilement le pétale qui se connecte aux autres et qui se trouve derrière ou devant Et nous pouvons utiliser la couleur et le ton pour créer ce contraste. Je vais vous montrer ce qui se passe lorsque vous peignez du rose sur du vert. Ce n'est donc pas un vert très fort. Encore une fois, c'est un vert turquoise bleuté. Mais je vais prendre un peu de rose maintenant, peindre l'autre côté de ce pétale pour permettre à la partie verte de sécher un peu Et puis, quand je peindrai dessus, vous verrez à quel point c'est beaucoup plus foncé. Ce n'est pas le cas, il s'annule tout seul et le rend presque gris ou boueux Mais je suis d'accord avec cela dans ce contexte , car cela fonctionne vraiment comme une ombre. Cela lui donne du ton et de la profondeur, et je ne voudrais pas utiliser rose pour créer du ton parce que ça paraîtra trop vif. Et je ne veux pas utiliser le noir parce que ça aurait l'air trop terne. Donc, utiliser ce vert pour créer des ombres est une bonne façon de le faire. Vous pouvez utiliser des couleurs complémentaires pour créer des ombres. Le bord de ce pétale central est assez compliqué ou un peu pas compliqué, il faut juste un peu plus de précision Je commence donc par remplir le bord, puis je reviens pour l'étaler. Encore une fois, utilisez le même pinceau car il a un joli petit bout. Il peut suivre le bord de cette ligne de crayon. Mais il peut également contenir suffisamment de pigment pour remplir toute la zone. Si vous utilisez un pinceau trop petit, c'est en fait plus difficile car vous devrez constamment faire des allers-retours pour recharger votre pinceau, de sorte que vos marques de pinceau n'auront aucune consistance . Et ironiquement, une fois la brosse plus petite que cette brosse, l'eau arrête de rassembler les mèches de cheveux les cheveux synthétiques de votre brosse pour créer une belle pointe Il y a un peu de résistance ou de magnétisme. Je ne sais pas quel est le mot. La pression de l'eau réunit tous ces poils pour créer une pointe fine. Et si vous avez un pinceau trop petit, l'eau ne les réunit plus. 12. Transitions en couches: Sur ce pétale vert, vous pouvez voir que la première couche était verte, puis nous l'avons effacée et nous avons attendu qu'elle sèche. Maintenant, je vais y retourner et la mélanger le sens inverse en utilisant ce violet dans le sens inverse en utilisant ce violet et en le mélangeant doucement au milieu Je ne voulais pas les faire tous les deux mouillés sur mouillés. Et si vous n'êtes pas à l' aise avec le mouillé ou mouillé, si vous ne voulez pas expérimenter avec cette peinture ou l'essayer, vous pouvez toujours le mélanger jusqu'au blanc , puis le sécher complètement, puis, de l'autre côté, de l'autre couleur au blanc ou à l'autre couleur déjà peinte sur la première couche. Ce n'est pas idéal, mais sur une forme plus petite comme celle-ci, c'est plus facile. Sur une forme plus grande, cela peut être difficile car vous réveillez le pigment qui se trouve en dessous et les transitions ne seront pas harmonieuses et fluides. Si vous pouvez vous en tirer en mélangeant mouillé sur mouillé, c'est bien mieux Maintenant, je reviens à la farine précédente, maintenant qu'elle est complètement sèche avec une deuxième couche pour donner un peu plus de forme et de tridimensionnalité Et maintenant j'utilise une orange éclatante. Elle n'est pas aussi éclatante que les oranges, mais c'est une sienne brûlée qui est éclatante À chaque lavage, même cette petite forme, j'essaie de le rendre intéressant en variant un peu le ton. Ce n'est pas une orange pure. Il y a un peu de rose là-dedans, et même le ton est un peu plus clair. Pour celui du milieu, je vais peut-être ajouter quelques brins. Peut-être que pour ce pétale en bas à gauche, nous pouvons mélanger un peu les couleurs et avoir une couleur violet rougeâtre ou marron Quelques coups de pinceau scriptifs lignes gonflées, en Parce que vous pouvez imaginer le pétale. Nous le voyons sous un angle, donc toutes ces ombres seront très nettes. Il faut donc plus de texture pour ceux-ci. Encore une fois, des marques de pinceau sèches plus subtiles. est peu si vous imaginez où le pétale se froisse un peu à mesure qu' il se rapproche Ces petites lignes indiquent donc les ombres des parties froissées au bas du pétale J'utilise essentiellement les mêmes couleurs que celles que nous utilisons pour la sous-couche, mais un peu plus riches, et cette fois, il n'y a ni mouillé ni mouillé. Nous avons donc des bords beaucoup plus durs et un peu plus de contraste Utilisez un peu de pigment épais ici pour qu' il disparaisse lentement et crée une ombre douce 13. Bords aigus: Je pense que je dois définir un peu plus le bord de ce pétale n'y a pas assez d'ombre, alors j'ai utilisé le bout de mon pinceau, utilisé ce violet foncé puis j'ai utilisé de l'eau juste pour l'étaler et le lisser Prendre un peu de rouge et le mélanger avec cette orange là-haut, rouge cadmium et du jaune de cadmium. Peut-être y mettre un peu de violet. Maintenant, peignez les pétales de ce petit bourgeon. Et j'utilise de la peinture négative, je laisse de côté une petite ligne blanche entre les deux. Vous pouvez voir où les deux pétales sont séparés. Bien sûr, à la fin, nous aurions pu utiliser du guash blanc, mais c'est assez simple de laisser une petite ligne À une extrémité, nous avons le point, puis il se courbe, s'étend, puis revient également au point situé sur le côté droit. Et cette courbure, cette forme lui confèrent une dimension libre Et cette petite ligne blanche au milieu permet également de transmettre cette forme. Parce qu'il n'y en a pas beaucoup. Eh bien, il n'y a aucun historique. Nous sommes littéralement en train de peindre le sujet de ces fleurs et de ces tiges. Donc, pour lui donner une impression de trois D et de profondeur, nous devons utiliser beaucoup d'ombre et de ton pour créer cela. Et aussi le contrôle des contours, je parlais en ce moment même, nous créons une belle arête nette, car le contrôle des bords est lié aux valeurs étroitement lié aux valeurs. La façon dont nous utilisons les arêtes et les valeurs décrit à nos spectateurs où se trouvent la lumière et les ombres et comment cela est lié à la forme et à la forme du sujet. Par exemple, lorsque nous plaçons une arête foncée et nette à côté d'une zone claire, cela indique au spectateur qu'il y a une forte transition en profondeur, presque comme une crête ou un pli. C'est une façon de montrer le contraste à la fois dans la lumière et dans la forme. Ainsi, dans ces petits boutons, vous remarquerez que les bords autour la base des pétales sont souvent plus nets et plus foncés explique par le fait que les pétales se replient vers l'intérieur ou se transforment en ombre, et nous utilisons à la fois une valeur et un bord défini pour mettre en valeur cette forme C'est notre façon de dire que cette partie se courbe à l'abri de la lumière D'autre part, les zones situées à l'intérieur des pétales des fleurs s'estompent pour devenir plus douces, les zones plus claires sont plus mélangées et présentent des transitions plus douces Cela donne l'impression que ces zones font directement face à la lumière et se courbent vers l'extérieur en direction du spectateur Ce contraste entre les bords durs et souples est quelque chose que nous pouvons vraiment faire intentionnellement. Même dans une composition florale aussi simple que celle-ci, nous pouvons utiliser des variations de bord pour sculpter les formes et suggérer un jeu de lumière sans avoir besoin de trop de détails C'est l'un des outils d'aquarelle les plus subtils et les plus expressifs aquarelle les plus subtils et les que nous ayons Euh, 14. Influencer l'attention: Il est également intéressant de voir comment contrôle des bords peut influencer la mise au point. Nos yeux sont naturellement attirés par les zones de fort contraste et de netteté Donc, si nous voulons attirer l'attention du spectateur sur une certaine partie du tableau, par exemple le centre de la fleur, nous pouvons aiguiser les bords à cet endroit et les adoucir ailleurs. Nous créons ainsi une sorte de hiérarchie, une hiérarchie visuelle dans laquelle certaines parties apparaissent et d'autres se fondent dans la périphérie ou dans l'arrière-plan Et c'est incroyablement utile lorsque nous travaillons sans arrière-plan comme cette pièce, car nous utilisons le sujet lui-même pour raconter une histoire d'espace, de lumière et de forme. Une autre chose à garder à l'esprit est que les arêtes ne sont pas seulement une question de contour. Ils existent également dans le formulaire. Par exemple, lorsque nous peignons ces bords ou ces pétales sous forme d'angle, ils ressemblent à des bords ou lorsque deux couleurs se rencontrent pour former un pétale, par exemple rose qui se fond dans le bleu, nous pouvons choisir de les laisser se fondre doucement ou sécher légèrement le papier pour maintenir une transition nette Et cette décision change toucher dimensionnel du pétale Les transitions douces ont tendance à suggérer courbes graduelles ou des surfaces lisses, tandis que les transitions plus nettes évoquent des plans et des changements de structure Tout cela fonctionne en harmonie avec les valeurs. Plus la valeur est foncée, plus l'ombre est profonde et plus elle est repoussée dans l'espace Les valeurs de lumière, en revanche, ont tendance à augmenter, et en gérant la netteté avec laquelle elles répondent aux tons voisins, nous communiquons constamment quelque chose à propos de la forme, même si nous ne peignons pas chaque détail. Un, 15. Storytelling: Bien que cela puisse sembler un petit choix technique, cette arête soit souple ou dure, il s'agit en fait de l'un des outils de narration les plus puissants d'une peinture à l'aquarelle C'est ainsi que nous insufflons de la vie à une feuille de papier plate. C'est ainsi que nous guidons le spectateur sans dire un mot. Et lorsque nous commençons vraiment à remarquer et à contrôler intentionnellement ces transitions, notre travail devient plus sophistiqué et expressif. contrôle des contours, de cette façon, ressemble presque à la ponctuation écrite C'est ce qui donne cette forme et ce rythme à notre langage visuel. Et vous vous demandez peut-être : que voulez-vous dire par « narration » ? C'est juste une peinture représentant des fleurs. Mais en fait, toutes les peintures racontent une histoire, même les plus calmes et les plus simples, et par narration, je ne parle pas d'un récit littéral Il ne s'agit pas toujours de personnages ou d'événements. Parfois, il s'agit de l'humeur, du mouvement, de la lumière, émotion ou de la façon dont nous guidons le regard du spectateur à travers une œuvre. Même une seule fleur peut exprimer toute une gamme de choses différentes, de la force à la joie, en passant par la mélancolie, selon la façon dont nous voulons la peindre C'est un message, en fait. Dans ce cas, nous utilisons des outils de couleur, de forme et de composition pour guider l'expérience des spectateurs. Cette utilisation douce des transitions contrastait avec les arêtes dures, les lignes fluides suggèrent quelque chose de doux et d'élégant Et la façon dont les pétales s'ouvrent vers l'extérieur peut l'impression d'atteindre, de fleurir Et l'équilibre entre les tons chauds et froids peut suggérer l'harmonie, le contraste. Et ce sont ces éléments subtils qui donnent au tableau son poids émotionnel. Il ne s'agit pas simplement de ce que nous peignons. C'est ainsi que nous le peignons. Parce qu'il existe des milliers de manières différentes d' interpréter les fleurs et que chaque élément peut être modifié. Même si vous suivez cela, vous pouvez prendre n'importe lequel des concepts dont nous avons parlé et les modifier en fonction de votre message personnel ou de ce que vous voulez dire ou dire. Vous pouvez remplacer le vert par du rouge ou autre. Vous pouvez déplacer la roue chromatique. Peut-être que vous voulez utiliser des couleurs plus foncées, des couleurs plus claires. Pour être plus doux, vous voulez peut-être que ce soit un peu plus organisé et géométrique. Peut-être que vous voulez qu'il soit plus souple et demande moins de précision. Chaque fois que nous décidons où placer un bord tranchant, quelles couleurs mélanger, quelle quantité de blanc, nous voulons laisser. Tout cela fait partie de cette communication. C'est ainsi que nous voulons exprimer nos sentiments. Ainsi, lorsque quelqu'un regarde votre œuvre ou cette œuvre, il se peut qu'il ne pense pas que cela raconte une histoire, mais il ressent certainement quelque chose et il peut ressentir une sensation de calme, de beauté ou de mouvement. Et parfois, vous ne pouvez même pas utiliser de mots pour décrire ce sentiment. Cela vous fait juste vous sentir étrange ou excité. Et c'est ce qu'il y a de beau dans l'art. Tu n'as pas besoin de l'expliquer. C'est juste une sensation. 16. Commencer les feuilles: Nous avons terminé les fleurs maintenant, et vous pouvez voir que j'ai accéléré le tournage car la partie suivante est assez répétitive Nous ne faisons que peindre les tiges et les feuilles. Et je vais les peindre exactement de la même manière angles différents variant un peu les couleurs et les tons. Nous terminons les fleurs en ajoutant quelques points au centre où le pollen est collecté et maintenu ensemble. Et c'est aussi un joli petit contraste. fait d'avoir ces petits points pointus qui Le fait d'avoir ces petits points pointus qui contrastent avec les transitions douces des pétales est comme le contraste ultime de texture. Donc, selon mon concept, en peignant ces tiges et ces feuilles, ces tiges, je veux qu'il y ait une transition générale de couleur Pas avec chaque feuille individuelle, mais vous pouvez commencer par la gauche avec cette couleur vert turquoise. Et au fur et à mesure que nous nous déplaçons, nous allons varier le type de vert. Donc celui-ci, ce vert que nous sommes en train de peindre, devient un peu plus jaune ocre au fur et à mesure que nous descendons Ensuite, nous pouvons simplement continuer à parcourir la roue chromatique, au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers la droite. n'y a pas de meilleure pratique pour le travail au pinceau que de peindre ces feuilles, car elles sont visibles sous tous les angles. Ils sont pivotés d'environ 360 degrés, ce qui signifie que vous devrez vous entraîner avec votre pinceau, comment faire pivoter votre main, et la dextérité de votre main sera considérablement améliorée Cela peut sembler un peu fatiguant, mais ce n'est pas le cas. C'est une étrange forme de concentration, car vous pouvez facilement écouter de la musique, revoir ce cours ou écouter n'importe quoi en arrière-plan sur des livres audio ou à la un autre de mes cours, tu peux toujours te concentrer sur mes mots pendant que tu peins ceci. Cela provient d'une autre partie de notre cerveau. Cela ne demande pas beaucoup de concentration, mais nous devons tout de même être précis dans notre travail au pinceau. Mais nous sommes en train de colorier. Nous ne pensons à rien de trop technique. Il n'y a aucune technique difficile que nous utilisons pour remplir ce formulaire. Il vous suffit de vous mordre la langue, de retenir votre souffle et de vous assurer de ne pas peindre en dehors des lignes. 17. Apprécier le processus: C'est en fait une excellente méditation car ce n'est pas une concentration stressante, mais elle concentre l'esprit et nous fait entrer dans le moment présent. Nous suivons simplement les formes que nous avons déjà dessinées, en restant dans les bords et en laissant le pinceau glisser. Il y a un rythme. C'est presque comme un livre à colorier quand on est enfant, mais avec un sens plus profond de la conscience et fluidité et une expression plus créative et unique. Cette partie du processus n' exige pas vraiment de compétences techniques. C'est juste de la constance, de la patience et un toucher doux. C'est l'un de ces moments de la peinture où vous pouvez abandonner la prise de décision et simplement profiter de l'acte d'appliquer de la couleur. Et les enjeux sont minimes dans cette partie du tableau. Mais le résultat est apaisant et satisfaisant. Et d'une certaine manière, c' est cette concentration discrète qui rend l'aquarelle si thérapeutique Nous ne nous précipitons pas et ne doutons pas. Nous sommes simplement avec le pinceau, le pigment et le papier, et cela devient une sorte de méditation émouvante où le temps ralentit et où nous nous sentons plus connectés à ce que nous faisons. Il ne s'agit pas simplement de créer un tableau fini. Il s'agit de profiter de l'ensemble du processus. Et vous pouvez vraiment y prendre votre temps, prendre une tasse de thé ou de café ou quoi que ce soit d'autre et écouter de la musique en arrière-plan. Donc, comme je l'ai déjà dit, même si cette peinture n' a pas de fond, nous pouvons toujours créer une forte impression de profondeur et forme tridimensionnelle simplement en utilisant la couleur, la valeur et le contrôle des contours. Et permettez-moi de passer en revue quelques façons dont nous pouvons le faire. Vous pouvez voir maintenant que je peins ce petit bouton situé sous la fleur dans un ton beaucoup plus foncé que celui que nous avons utilisé auparavant. Et l'un des moyens les plus efficaces de créer de profondeur est le contraste des valeurs. Remarquez comment les pétales passent doucement du clair au foncé, en particulier vers leur base. Ces subtils changements ton indiquent où la lumière frappe et où elle tombe, donnant à chaque pétale une sensation de courbure plutôt que de plat Il en va de même pour les feuilles. Certaines sont plus claires et plus translucides. D'autres vont devenir un peu plus riches et plus sombres au fur et à mesure que nous continuerons à les peindre. Et ces variations aident à créer une impression d' espace, comme si certaines feuilles captaient plus de lumière tandis que d'autres étaient détournées. Et cela affecte vraiment le sentiment de liberté et de forme. Le chevauchement des éléments est un autre élément important. Vous pouvez voir comment certains pétales et boutons sont disposés de telle sorte qu'ils semblent se trouver devant d' autres simplement par la façon dont ils sont superposés. Et ce type de relation spatiale donne une illusion de profondeur, même sans arrière-plan ni ombres projetées derrière eux. C'est ainsi que nous pouvons créer une hiérarchie de l'espace simplement grâce à une composition soignée et à un ordre de peinture. 18. Température de couleur: Au début du cours, j'ai parlé du choix des couleurs, couleurs adjacentes les unes aux autres sur la roue chromatique ou opposées unes aux autres sur la roue chromatique. Et un autre élément de couleur est la température car elle joue un rôle plus important. Les couleurs chaudes, comme le rose pêche que nous avons ici et les bruns chauds, ont tendance à s'accentuer, tandis que les couleurs plus froides comme le lilas, les bleus doux et les verts ont tendance à s' estomper Et en plaçant stratégiquement des couleurs chaudes sur certains pétales et des couleurs plus froides sur d'autres, nous pouvons faire avancer ou reculer certains éléments de la composition pour ajouter une sensation d'espace Vous voyez comment cette feuille que je suis en train de peindre, la feuille bleutée, a l' impression de reculer un peu plus que la feuille verte qui est légèrement Et nous avons parlé du contrôle des contours et façon dont cela affecte la sensation de forme. Et aussi le détail et la taille. C'est un sens naturel de la perspective. Lorsque nous essayons de faire varier l'échelle et le niveau de détail. Remarquez que certaines fleurs sont plus grandes et plus détaillées, tandis que les boutons sont plus petits et beaucoup plus simplifiés. Cela imite ce qui se passe dans la vie réelle lorsque nous observons quelque chose de près plutôt que de plus loin. Et nous pouvons utiliser cela à notre avantage pour guider le spectateur dans sa perception de la profondeur. Et un autre élément qui est assez évident, en fait, parce qu'il n'y a ni arrière-plan ni ombres, juste du blanc pur. Nous devons donc être conscients de l'espace négatif impliqué et du placement des fleurs dans cet espace négatif. L'espacement entre les éléments et leur extension vers l'extérieur créent une impression de mouvement et de dimensionnalité Nous ne voulons donc pas vraiment penser que l'espace blanc est vide, mais qu' il fait également partie du design. Elle permet aux formes de respirer et de ressortir. C'est plutôt comme s'ils étaient suspendus en l'air plutôt que collés sur une page plate. Ainsi, même sans aucun arrière-plan, nous travaillons toujours dans un sens invisible de la lumière, de l'espace et de la structure. Et nous utilisons les valeurs, la température, le chevauchement, le contrôle des bords et d'autres outils de composition pour donner à ces fleurs une impression de vie et de forme Et nous pouvons garder ces choses vraiment minimales tout en évoquant une forte impression des trois D et de la profondeur Remarquez que je peins d' abord les feuilles , puis les tiges ensuite, parce que si je devais peindre les tiges d'abord, je pourrais me piéger ou me forcer à peindre ces feuilles d'une manière que je ne veux pas. Mais si je peins d'abord les feuilles, je peux les peindre exactement comme je le souhaite, puis je peux simplement les relier très facilement avec une seule ligne de balayage dans les tiges. 19. Flux et gestuelle: Maintenant que la peinture commence à prendre forme, elle montre vraiment l'une des choses que j'aime le plus elle montre vraiment l'une des choses que j'aime le plus dans ce style de peinture, ce style botanique. Il y a beaucoup de fluidité et de gestes tout au long de la composition. Même si nous peignons quelque chose d'immobile, juste une coupe de fleurs, c'est plein de mouvement. Et c'est le véritable objectif de ce type de peinture botanique : donner vie et énergie à quelque chose qui reste statique grâce à la façon dont nous plaçons nos traits et guidons le regard du spectateur. Nous ne peignons pas ces feuilles ou les tiges qui les relieront de manière rigide. Nous ne suivons aucune ligne droite dans aucune de ces compositions. Il n'y a pas une seule ligne droite. Il est entièrement incurvé et se déplace principalement doucement vers le haut. Et lorsqu'il s'agit de faire des croquis pour ce cours, d'essayer d'élaborer une composition, les dessins les plus forts sont toujours ceux qui sont asymétriques et qui ont cette fluidité. Ce n'est pas une ligne droite. C'était donc intentionnel. Je ne pense pas seulement à l'endroit où placer chaque élément, mais à la façon dont il se déplace. Et je participe également à des cours de dessin hebdomadaires , ce qui permet simplement d'améliorer votre dessin d'une manière très gestuelle, car vous n'avez pas beaucoup de temps pour dessiner votre modèle, et vous n'avez pas besoin de vous lancer ce qui permet simplement d'améliorer votre dessin d'une manière très gestuelle , car vous n'avez pas beaucoup de temps pour dessiner votre modèle, et vous n'avez pas besoin de vous dessin animé pour pratiquer le dessin gestuel Vous pouvez aller dans la rue et peindre des gens qui marchent. Et l'idée n'est pas de peindre ou de dessiner de façon réaliste Il s'agit de capturer l'esprit, le geste, le sentiment, le flux. Il capture la sensation d'une chose plus qu'elle n' en a l'apparence. Et le flux est une question de connexion, manière à ce qu'une partie mène à la suivante sans interruption. Et ici, les lignes des tiges nous mènent simplement d'une fleur à une autre feuille. Tout cela est un rythme connecté. Ces lignes sont également reliées par des lignes implicites. Si vous regardez n'importe quelle feuille ici, elle a une courbure et vous pouvez suivre cette courbure tout autour, et elle va se connecter à une autre partie. Nous ne nous contentons pas de mettre des éléments en pointillés sur la page. Nous essayons de créer un chemin visuel, un sentiment de continuité qui donne à l'ensemble de la pièce un sentiment d' unité et d'harmonie. Pour y parvenir, il est utile de réfléchir d' un coup de pinceau long et fluide, même si nous utilisons ici de petits coups de pinceau courts. Mon esprit pense à un grand flux. Vous pouvez voir comment, maintenant que la plupart des éléments sont peints, cet élément violet apparaît partout. Je ne dirais pas que c'est une peinture violette, mais c'est ce violet qui touche l' ensemble de la composition, même si c'est assez subtilement, qui lui donne un sentiment d'unité 20. Variation de couleur: L'une des choses qui donnent vraiment vie à ces feuilles est la variation de couleur Plutôt que de nous en tenir à un seul vert, nous avons laissé émerger toute une gamme de tons organiques terreux Bien sûr, nous avons plusieurs sortes de légumes verts. Nous avons aussi des ocres, bruns et même des notes de bleu et un peu de Et ce type de variation ajoute beaucoup de richesse et de profondeur à la peinture. Nous ne voulons pas que les peintures soient trop plates ou trop uniformes, car dans la nature, elles le sont rarement. Ils captent la lumière différemment. Certains sont plus frais, d'autres sont plus vieux ou se dessèchent. Nous reflétons donc cela en changeant soudainement les couleurs d'une feuille à l' autre ou même à l'intérieur d'une seule feuille, en ajoutant ce rouge vif au-dessus du vert précédent, par exemple, dès maintenant. Et certaines couleurs ne sont pas naturelles, comme les turquoises vives, les bleus et les violets Je veux dire, c'est ce que l'on trouve dans la nature, mais pas dans une seule fleur. Mais nous n'essayons pas de copier. Nous essayons de nous exprimer et d'être ludiques avec les couleurs parce que c'est tellement amusant. Donc, même si je vais revenir sur beaucoup de feuilles maintenant, nous avons commencé par une seule couche et, juste pour m' intéresser un peu , à quelques-unes d' entre elles, je vais passer en revue. Mais la plupart de ces feuilles sont obtenues par mélange humide et humide, en laissant deux ou trois pigments fusionner lentement sur le papier sans les mélanger complètement sur la palette J'aime ajouter une touche de couleur plus chaude, comme sienne brûlée ou un rouge sourd à la base ou le long d'un bord, juste pour suggérer un peu de Et avec cette tige, vous pouvez voir comment je commence par le rouge, et d'une manière ou d'une autre, je vais le mélanger au vert que j'ai commencé de l'autre côté. Même si ces feuilles sont des éléments de soutien de la composition, elles ne constituent pas l'objectif principal. Ce type de jeu de couleurs leur donne de la personnalité. Cela donne à la peinture des éléments visuellement intéressants à regarder et encourage l'œil à se déplacer sur la page. Il ne s'agit pas de les rendre réalistes. Il s'agit de les faire se sentir vivants, texturés et crédibles à leur manière expressive Alors, pendant que vous peignez vos propres feuilles, n'hésitez pas à expérimenter. Laissez votre pinceau passer d'une couleur à l'autre et confiez à l'eau le soin de le mélanger à votre place, car ce sont ces transitions inattendues et petites irrégularités qui rendent la peinture plus naturelle et plus facile 21. Simplifier les formes: Lorsque nous peignons des détails tels que ces feuilles à l'aquarelle et, plus tôt, avec les pétales, l' une des compétences les plus précieuses que nous puissions développer est d'apprendre à simplifier, car il est facile de se laisser entraîner à essayer de reproduire chaque petit détail, les veines, les bords dentelés, les changements de couleur subtils, mais ce faisant, nous perdons souvent l'élégance cette aquarelle est en fait si bonne à capturer. Dans ce tableau, nous prenons délibérément du recul par rapport au réalisme. Au lieu de peindre les feuilles exactement telles qu'elles apparaissent dans la nature, nous les réduisons à leurs formes essentielles. Leur forme élancée. Ils ressemblent à des ovales pointus, regroupés le long de la tige selon une sorte de schéma rythmique fluide Cette simplification nous permet de conserver la sensation de la composition sans la submerger. Nous utilisons également la variation tonale à notre avantage. Remarquez que certaines feuilles sont peintes en un seul lavage à plat, tandis que d'autres présentent de légers dégradés ou une teinte légèrement plus foncée sur un bord de la pointe Encore une fois, cela permet de suggérer la lumière et la forme sans avoir besoin d' ombrer ou de dessiner des détails complexes Nous visons des détails implicites, juste assez d'informations pour que l'œil du spectateur puisse saisir le reste. Et c'est un concept utilisé dans styles de peinture minimalistes plus expressifs. Où quelques formes soigneusement placées et changements de couleur peuvent en dire plus qu'un rendu très détaillé. Un autre avantage de la simplification est qu'elle permet aux fleurs de rester les vedettes du spectacle. Si les feuilles étaient trop détaillées ou trop colorées, elles commenceraient à se disputer l'attention. En les gardant subtils ou stylisés, nous soutenons la composition au lieu de la distraire L'une des techniques que j'aime utiliser consiste à travailler rapidement et avec un pinceau légèrement plus sec, car cela permet la texture du papier de casser la peinture à certains endroits Et même si le pinceau sec ne joue pas vraiment un rôle dans cette peinture, lorsqu'il s'agit de simplifier en général, si vous voulez aller au-delà de cette peinture, cela peut être très utile car pinceau sec crée un bel effet naturaliste, presque comme une lumière tachetée À la surface des objets, cela renforce cette idée de suggestion plutôt que de précision N'ayez donc pas peur de renoncer à la précision. Considérez-le plutôt comme le geste de la feuille, la direction qu'elle pointe, la façon dont elle se courbe, façon dont elle interagit avec les autres éléments entourent, les autres feuilles Pensez également à la variation, en mélangeant l'angle, la longueur, la couleur des feuilles, en ajoutant du rythme et en évitant aux choses de paraître trop mécaniques. 22. Touches finales: Je dois maintenant mettre l'accent sur certaines de ces tiges et tiges. C'est donc également une bonne pratique avec le pinceau. Lorsque nous peignons les feuilles, nous avons dû utiliser différents angles et leur forme est différente, mais peindre des lignes comme celles-ci nous permet de vraiment exercer la pression de notre pinceau car plus nous appuyons fort sur le pinceau, bien sûr, plus le trait sera épais. Et ces coups de pinceau doivent être longs et sinueux et, idéalement, ils doivent conserver la même largeur. Nous ne voulons pas qu'il devienne de plus en plus épais ou qu'il soit bancal Cela facilite donc la circulation de notre bras. Je commence le coup de pinceau. Eh bien, avant même de commencer, je regarde les points A et B, où je vais commencer, où je vais terminer et j'essaie faire un long mouvement de balayage. Et c'est là qu'une grande partie se superpose. Vous l'avez fait se chevaucher. Certaines tiges sont en haut, d' autres feuilles en dessous, et cela donne cette sensation de profondeur Plusieurs couleurs s'y trouvent également. Et vous pouvez jouer avec ce qui se chevauche et ce qui se trouve en dessous, vous n'avez pas besoin d'être à la hauteur de ce que je fais Parce que je suis sûre que ton dessin sera unique et que tu devras l'adapter. Mais si vous utilisez un crayon doux, vous pouvez tout dessiner pour commencer et assurer que tout a du sens vous assurer que tout a du sens avant de mettre la peinture sur le papier. Alors que nous atteignons les dernières étapes de la peinture, prenons un petit moment pour réfléchir aux principales idées que nous avons explorées tout au long de ce cours. L'un des éléments les plus importants nous venons de parler était la simplification, ne pas trop les décrire, mais de suggérer des formes. Nous avons également découvert les forces uniques de l'aquarelle, les transitions douces et les mélanges inattendus, ou la façon dont nous pouvons laisser le pigment et l'eau faire une partie du travail à notre Vous pouvez également voir le contrôle des contours, savoir quand utiliser des lignes définies avec précision plutôt que des décolorations douces, humides ou humides Cela nous aide à diriger le regard du spectateur et créer une sensation de légèreté et d'atmosphère. Bien entendu, nous avons beaucoup parlé des transitions de couleurs et de la façon dont le passage doux du chaud au froid peut ajouter de la profondeur. C'est grâce à ces petites décisions que le tableau compte et donne à la peinture une sensation de vie. 23. Réflexions finales: Bon retour et félicitations à Johnson terminé son aquarelle florale botanique J'espère que ce cours vous a donné l'occasion de vous détendre, pratiquer certaines techniques essentielles et d'être fier de ce que vous avez créé. Qu'il s'agisse de mélanger en douceur ou de superposer des couleurs douces, vous avez appris de précieux principes fondamentaux qui vous aideront dans tous vos futurs projets d'aquarelle Même si vous débutez, ce type de peinture florale est une belle façon de renforcer votre confiance et de profiter du processus. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton de suivi en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Merci d'avoir participé à ce cours. J'espère pouvoir peindre avec vous très bientôt, jusqu'à la prochaine fois. Au revoir pour le moment.