Botanique minimaliste : maîtrisez le lavis et peignez un protea gradé en aquarelle

1. Bienvenue, peignez une protéa en utilisant les principales techniques d'aquarelle: Bienvenue dans la botanique minimaliste. Dans ce cours, vous allez peindre une magnifique fleur plus jolie. En fait, je l'ai mis en gras. Et vous avez choisi d'être plus jolie. Si vous souhaitez vous prononcer sur le prochain pouvoir pour le prochain cours, laissez votre vote dans la discussion sur ma page de profil. Mais ce n'est pas le but du cours. Ici, vous vous concentrerez sur la maîtrise de l'une des compétences les plus importantes en matière d'aquarelle. Créez un lavage aggravé. Tant de débutants ont du mal à tirer la couleur vers le bas en douceur sans lignes de connexion nettes. Il faut du temps et de la technique pour obtenir une couleur lisse et extensible. Et je l'ai doublé, surtout je l'ai écouté pour m'entraîner, entraîner, m'entraîner et pratiquer les lavages. Allons-y doucement. Nous allons d'abord travailler à la réalisation d'une couche d'aquarelle transparente. Ensuite, nous passerons d' une couleur concentrée à une couleur transparente, d' où un lavage gradué. Et puis un bureau de bonus. Survolez une couche sur une autre et observez le fonctionnement de la transparence à l'aquarelle. Je m'appelle Yana. Je suis un aquarelliste professionnel avec plus de dix ans d' expérience et également un instructeur ici sur Skillshare. Mes œuvres ont été récompensées lors de concours internationaux et certaines d'entre elles se trouvent dans des collections privées à travers le monde. Mais ma plus grande joie est de partager mes connaissances avec des personnes passionnées par l'aquarelle et désireuses d'en savoir plus. Après avoir organisé des ateliers en direct en Thaïlande et au Vietnam. Retrouvez mes aventures artistiques et de voyage sur mon Instagram. J'ai rassemblé de nombreuses informations sur la manière d'aider non seulement les débutants, mais aussi les artistes expérimentés dans leur parcours à l'aquarelle. J'apporte un soin particulier à expliquer les techniques car je crois que comprendre le comment et le pourquoi sont les points clés pour apprendre la peinture sans faire appel à peinture sans faire appel à un professeur et à la maîtriser. la transparence, la rotation et la superposition sont cruciales dans le monde de l'aquarelle. Un autre point clé est la répétition. C'est là qu'une plus jolie fleur entre en jeu. Vous allez créer un lavage gradué plus de 30 fois car c'est ainsi que vous allez peindre des vantardises de plus jolies. Saviez-vous que ces pétales roses ne sont en fait pas des pétales mais des supports ? J'en parlerai dans une leçon séparée consacrée à l' anatomie de la plus jolie, mais pas pour vous inquiéter pour votre confort et, en fait, pour le mien aussi. Je marque chaque souffle pendant que nous peignons afin qu'aucun de nous ne puisse se perdre. fur et à mesure, vous appliquerez vos nouvelles connaissances en matière de technique de superposition pour peindre des feuilles avec ces beaux bords brillants. Et comme d'habitude, vous pouvez télécharger mon plan et le tracer directement sur votre papier aquarelle. Il suffit de garder la partie dessin et passer directement à l'aquarelle Le premier cours de la série était un stream exotique Lisa, consultez-le dans ma bibliothèque de cours. Vous terminerez ce cours avec un sentiment d'accomplissement, de nouvelles compétences et une belle protéine qui, j'en suis sûr, finira sur le mur. N'attendez plus et rendez-vous à l'intérieur du parcours. 2. Matériaux pour peindre une protéa: Passons rapidement en revue les matériaux dont nous aurons besoin pour peindre notre farine protéinée aujourd'hui. Bien sûr, nous allons commencer par le papier, et j'utilise du papier Saunders Waterford, blanc éclatant, ce qui signifie que la couleur naturelle du papier est un blanc étincelant. Souvent, vous pouvez voir du papier qui a un ton plus crémeux, comme ici. Mon papier n'a pas beaucoup de texture. Il s'agit d'une presse à chaud, ce qui signifie qu'il n'y a pratiquement aucun grain visible à la surface du papier, ce qui est bon pour l'art botanique. Parce que lorsque vous travaillez sur ces jolis pétales tendres, vous voulez vous assurer que votre peinture coule bien sur le papier. Et c'est pourquoi la presse à chaud est plutôt bonne. presse à froid peut également fonctionner. Assurez-vous simplement que la texture n'est pas trop visible et ne ressort pas trop. Nous allons avoir besoin d'un crayon et j'utiliserai crayon automatique comme celui-ci pour assurer que mes lignes sont belles et fines. Lorsque nous esquissons les deux Any, il est très important que la structure anatomique de la fleur soit correcte. Et travailler à la fine ligne de crayon nous aidera à voir clairement les choses sur le croquis, car parfois il se passe beaucoup de choses. Et nous verrons cela dans la leçon. Magnifique croquis pour TEA. Pour supprimer ces lignes, nous aurons besoin d'une gomme et je recommande toujours d'utiliser une gomme à pétrir plutôt qu'une gomme ordinaire. Je recommande toujours d'utiliser une gomme à pétrir car elle éliminera les lignes de crayon sans laisser de poussière. Votre croquis restera beau et propre. De plus, j' utiliserai quatre pinceaux, mais ne vous inquiétez pas. Tu n'as pas vraiment besoin de tous. Techniquement, vous pouvez simplement travailler avec trois et même pour, si vous n'avez pas le pinceau plat comme celui-ci, mien est coupé en angle, ce qui n' est pas le mieux pour cette classe, mais l'autre version que j'ai est trop grande, Donc c'est mieux si c'est juste plat comme ça. Si vous en avez un plus petit qui convient par rapport à la taille de votre papier. Ça va être parfait. Nous allons utiliser ce type de brosse pour effectuer une technique de levage. Et nous allons peindre pas mal de choses avec un pinceau de taille moyenne comme celui-ci. Et le mien est un écureuil de Sibérie. J'ai également un pinceau synthétique pour travailler sur les détails si nécessaire. Et une grande brosse naturelle en forme d'écureuil pour de grands lavages, qui sera très pratique pour les feuilles de notre thé et d'autres grandes parties de la fleur. Bien sûr, vous aurez besoin d'aquarelle. Et j'aime utiliser ma palette où je presse toutes les couleurs dont j'ai besoin et que j' aime utiliser dans mes peintures. La plupart d'entre elles sont Rosa, des aquarelles professionnelles. Et en plus de cela, je ressens certaines des difficultés de Winsor et Newton. Soudain, Shang Han et d'autres marques, mais celle que j'ai sélectionnée spécifiquement pour les couleurs que j'ai aimées de ces marques. Nous allons discuter de la palette de couleurs dont nous aurons besoin pour la farine protéinée dans l'autre leçon de ce cours. Je ne vais donc pas parler spécifiquement des couleurs que nous utiliserons. Vous aurez besoin d'une feuille de papier séparée sur laquelle nous allons faire un exercice. Ce papier n'a donc pas besoin d'être du papier coton, ce que j'ai oublié de mentionner. Le papier que j' utilise est 100 % coton. Et je vous conseille vivement de choisir un papier 100 % coton pour votre peinture. Sinon, la cellulose fonctionnera également bien, mais vous sentirez certainement la différence dans votre processus de peinture. Si vous utilisez un papier 100 % coton. La pratique et le papier n'ont pas besoin d'être sophistiqués, il n'a pas besoin d'être de qualité professionnelle. Il s'agit simplement de papier cellulosique ordinaire sur lequel vous pouvez faire différents exercices et pratiquer votre lavage gradué Transparence et technique de superposition , que vous découvrirez bientôt. Pour une astuce spéciale. Dans ce tableau, j' utiliserai un stylo gel blanc et je vais vous expliquer pourquoi ils gèrent ce cours. Bien sûr, vous aurez besoin d'un bocal contenant l'eau propre et de quelques mouchoirs pour récupérer des pigments ou corriger des erreurs. S'il le faut. À part cela, nous sommes prêts à partir. 3. Anatomie d'une fleur de protéa [aperçu rapide]: Avant de commencer à peindre notre protocole, nous devons comprendre comment il est construit. Jetons donc un coup d'œil à mon petit plan ici. Disons un atlas de farine protéinée. Je ne vais pas décomposer la fleur entière pièce par pièce, mais je tiens à noter quelques points très importants que nous devons prendre en compte lorsque nous allons dessiner notre fleur et éventuellement peint à l'aquarelle. Lorsque vous regardez les protéines, vous voyez qu'il ne s'agit pas réellement d'une fleur, mais d'un capitule. Et ce n'est que cette partie. Donc, cette partie à l'intérieur s'appelle le front et c'est techniquement un groupe de fleurs réunies qui forment cette petite bulle à l'intérieur. Et ce que vous voyez à l'extérieur, ne sont pas des pétales, on les appelle des crochets. Et ici, vous pouvez voir les crochets intérieur et extérieur lorsque vous regardez les protéines sous un angle différent. Par exemple, ici, je n'ai pas fait de croquis détaillés, mais plutôt un schéma. Vous pouvez voir que chaque Brecht se cache en quelque sorte derrière l'autre. Ils poussent en couches comme ça. La plus petite, l'ultra, se vante ici dans le bas et couvre un peu l'endroit d' où apparaissent les gros seins. Et si vous faites appel à la TIA, vous verrez que les grands Brecht sont assez longs comme ça. Et les plus petits qui sont là, ils sont assez courts. Les respirations servent de protection au capitule. Et si vous regardez de plus près le capitule, vous verrez de très petites parties, des capitules de fleurs de couleur rose vif et qui sont des représentants attirants. C'est donc là que se produit l'ancienne pollinisation. Chaque support ressemble à une larme. Et selon la lumière, vous aurez une tonalité différente représentée sur chaque support. Ainsi, dans les protéines que nous allons peindre aujourd'hui, vous verrez qu'en haut de la parenthèse, nous avons un ton plus foncé. Et ces pierres vont s'éclaircir et presque disparaître en blanc au fur et à mesure que nous descendons le support. Pour ce faire à l'aquarelle, nous allons utiliser un lavage gradué. Je vous ai préparé un exercice spécial où vous pouvez pratiquer des lavages gradués, de la transparence et de la superposition. Mais d'abord, parlons de la palette de couleurs. 4. Couleurs vous devrez peindre une protéa: Pour peindre à l'aquarelle, nous n'aurons vraiment besoin que de cinq couleurs. Et trois d'entre elles sont les principales. Alors, bien sûr, la couleur principale , qui sera une sorte de rose ? Je vais utiliser du rouge pour peindre chaque pain. Une variante du rose que j'utiliserai également sera un décalage d'hémoglobine uniquement. Et ce sera la couleur que j'utiliserai pour les parties les plus sombres de notre capitule ici ou ici. Lorsque vous regardez la photo de référence, vous remarquerez que le capitule a des couleurs nettement plus foncées et plus denses. C'est pourquoi je choisis de la quinacridone. Si vous n'avez pas cette couleur, vous pouvez utiliser du violet et le rendre un peu plus foncé pour cette partie. Alors, bien sûr, nous aurons besoin de vert. J'utilise du vert émeraude pour peindre nos feuilles. Et voici un petit schéma où je montre que la couleur rose et la couleur verte équivalent à un ton plus foncé du vert. Alors, comment l'ai-je obtenu ? Si nous regardons la roue chromatique, nous verrons que la couleur rose se trouve quelque part ici, celle que nous utilisons. Donc le rouge ou dans un codon, c'est un peu rouge avec quelques touches de violet dedans. Donc c'est ici. Et pour rendre cette couleur plus sombre et plus calme, nous devons ajouter la couleur complémentaire. Ainsi, lorsque vous regardez vers le bas, la couleur complémentaire est celle qui est opposée. La question de coloriage. Ici, on trouve du vert, mais ce n'est pas du vert pur, c'est du vert qui a une petite goutte de jaune dedans. En parlant de cela, en travaillant sur les feuilles de nos relations publiques là-bas, j'utiliserai également du jaune. Ce sera la principale sous-peinture. Le ton principal. Je peux dire le ton de fond de la feuille. Et au-dessus de quoi nous poserons sur la couleur verte. Ce sera la couche d'une partie de notre cours, que nous aurons également occasion de pratiquer dans la prochaine leçon. Et finissons-en. J'utiliserai également de la terre de Sienne brûlée pour la tige et du jaune gamboge pour le jaune que j'ai mentionné plus tôt, qui sera utilisé dans nos vies. Et aussi ici, sous la baguette, lorsque nous travaillerons sur des vantardises. Certaines d'entre elles ont une toute petite nuance de jaune. Et je pense que ce serait bien de le montrer également dans notre peinture pour la rendre plus intéressante et plus compliquée. Très bien, passons aux exercices. 5. Exercice : Transparence dans l'aquarelle: Commençons par la transparence. La plupart des artistes débutants ont vraiment du mal obtenir une transparence correcte à l'aquarelle, à obtenir une transparence correcte à l'aquarelle, surtout si vous avez travaillé avec de l'acrylique ou de l'huile auparavant, vous pourriez avoir des difficultés à créer cette couche particulière d'aquarelle ne sera ni trop épaisse ni trop légère pour ce que vous voulez peindre. C'est pourquoi je vous propose un exercice simple dans lequel vous pouvez vous entraîner à gérer vos couches et niveaux de transparence. Ce que je veux faire pour vous c'est prendre une feuille de papier sur laquelle vous pouvez vous entraîner et dessiner deux rectangulaires. Nous allons donc partir de la transparence et j'ai préparé les deux rectangles ici. Le secret principal de la transparence à l' aquarelle est de laisser tremper le pinceau dans l'eau, puis d'obtenir la couleur sur laquelle nous voulons travailler. Par exemple, comptez pour voir à quel point la couleur est éclatante et épaisse. On peut le vérifier ici sur le côté. Et aussi pour s'assurer que le dieu peint partout sur les poils du pinceau. Donc, pas seulement sur la pointe, pas seulement sur le côté mais partout. Nous avons donc en quelque sorte trempé le pinceau dans cette couleur. Vous pouvez maintenant voir que la couleur est très vive, très épaisse, pour ainsi dire. Donc, pour le rendre transparent et léger, faut ajouter de l'eau. Le même pinceau, plongez-le dans l'eau. Vous pouvez voir comment il est libéré dans la peinture et le vérifier à nouveau. Maintenant, nous avons plus de couleur rose aquatique ici. Et il est un peu plus léger que celui-ci et moins que. Donc. Essayons de voir à quoi cela ressemble sur le papier. Je vais m'arrêter ici sans recouvrir tout mon rectangle de peinture. Et je veux que tu tendes la ligne de crayon que j'ai tracée auparavant. À l'intérieur du rectangle, vous pouvez voir que ma peinture est suffisamment transparente pour que je puisse vraiment voir la ligne de crayon sinueuse en dessous. Cela signifie que mon objectif a été atteint et ma couche d'aquarelle est suffisamment translucide. Pour le contraste. Je vais prendre une couche très épaisse de la même couleur maintenant et couvrir le reste. Vous pouvez donc voir que l'aquarelle peut être très dense et qu'elle peut réellement couvrir certaines zones. Je plonge mon pinceau directement dans le pigment sans toucher l'eau. Pas d'eau directement sur le papier. Et vous pouvez voir d'abord que mon pinceau peint à peine. C'est vraiment sec. n'y a pas d'eau dans les baristas. La deuxième couche est très foncée. C'est très sombre, dense, très épais. C'est toujours la même couleur, la même valeur, la même teinte. Mais c'est très dense. Et cela a parfaitement couvert mon coup de crayon que j'ai fait juste avant. Et tu ne le vois pas. Ici. Vous pouvez voir une différence très nette entre avoir une couche transparente d'aquarelle, que j'ai diluée avec suffisamment d'eau. Et ici, vous pouvez voir ce qui se passe lorsque vous n'utilisez pas assez d'eau et que vous peignez avec un pinceau très sec sur avec un pinceau très sec sur la zone dont vous avez besoin sur le dessus du crayon dans notre étui. Et il le couvre complètement. Et bien sûr, cela dépend de l' opacité de chaque pigment en question. Certains pigments sont donc opaques, ce qui signifie qu' il y aura naturellement une couverture très, très épaisse, ligne de crayon ou d'autres couches d'aquarelle. Mais la nature de l' aquarelle tend toujours à la transparence et la plupart des pigments sont transparents. Pour savoir si votre peinture est opaque ou non. Vous pouvez d'abord regarder le dos de votre peinture sur le dessus du tube et vous pouvez voir le signe du fabricant, de la marque qui indique si la peinture est opaque ou non. Ici, par exemple, j'ai un petit carré vide, ce qui signifie que la couleur est translucide et non opaque. Maintenant, j'ai un deuxième rectangle, que nous utiliserons pour le même exercice. Cependant, la différence est que mon trait de crayon ici est beaucoup plus clair que celui-ci. Ici, je le fais exprès pour que la première tentative d' obtenir une couche transparente soit plus facile pour vous. Ici, nous allons passer au niveau suivant et rendre les choses un peu plus difficiles. La ligne au crayon est donc très légère. Et maintenant, nous pouvons essayer exactement la même chose dans le même ordre, mais avec une ligne de crayon plus claire pour couvrir. abord, vous devez laver votre pinceau pour vous assurer qu'il ne reste aucun résidu de peinture précédente. Quels sont mes pinceaux ? Maintenant ? Je vais choisir une couleur différente juste pour changer. Alors prenons le bleu. Du bleu par ici. C'est plutôt sec. J'ai besoin de le faire revivre. Je vais donc jeter de l'eau directement dans ma peinture , ici, sur le côté. Je vérifie si le pigment est aqueux ou non. Donc, si je pense que le pigment est trop concentré, je dois ajouter de l'eau. J'ai donc mis mon pinceau dans l'eau. Revenez et revérifiez à nouveau ici, sur le côté. Cela me semble assez transparent. Et même si sur la palette en plastique, il peut sembler que la couleur est éclatante et très concentrée. En fait, lorsque vous voyez qu'il y a une goutte d'eau et que vous pouvez littéralement la déplacer. Cela signifie que vous avez peu près assez d'eau dans votre consistance ici. Maintenant, je recommence, seulement à mi-chemin vers le bas puis vers le haut. Une autre chose que je veux faire maintenant est de prendre mon pinceau, mettre un peu dans l'eau. Et avec ce pinceau humide, je vais étendre la couleur restante vers le bas, rendre encore plus claire qu'avant. Vous avez dit la différence quand j'ai pris couleur assez diluée avec l'eau ici dans la première moitié de mon rectangle. Et vous pouvez déjà voir les lignes au crayon. La tâche est donc accomplie, l'objectif est atteint. Et ci-dessous, je l'ai encore dilué avec de l'eau pour le rendre encore plus léger. Le secret est donc d' ajouter suffisamment d'eau pour obtenir un ton plus clair, plus vous ajoutez d'eau, plus vous une couche d'aquarelle plus claire aurez une couche d'aquarelle plus claire et vice versa. Cela nous amène donc au prochain exercice où nous pratiquerons un lavage gradué. 6. Exercice : lavis gradé dans l'aquarelle: Si vous avez regardé mon cours précédent sur la stérilité, vous savez déjà ce qu'est un lavage. Un lavage, c'est. Littéralement n'importe quelle couche d' aquarelle que vous posez sur du papier. Il peut prendre n'importe quelle forme, mais c'est un morceau de couche que vous posez. C'est un lavage, c'est un lavage. Et maintenant, nous allons créer un autre lavage. Ils peuvent être différents, mélangés, gradués et intégrés à plat grâce au cours Lisa, nous maîtrisons déjà le lavage mixte. Aujourd'hui, nous allons travailler sur le lavage graduel. La différence est qu'en lavage mixte, vous avez différents types de couleurs en une seule couche en un seul lavage. Aujourd'hui, nous allons essayer de réaliser une belle grille datée de changement de ton, passant d'une couleur concentrée, trop diluée à une couleur presque blanche. Et souvenez-vous de ce dont nous discutions à propos des ruptures de protéase Lorsque nous partons du haut, la couleur est très concentrée et ensuite nous descendons, descendons, descendons, descendons entre crochets. Et en bas, la couleur devient presque blanche et elle change très doucement, très progressivement. Cela signifie que le lavage gradué est l'outil idéal pour obtenir cet effet sur la largeur de notre prototype. Il est plus facile de pratiquer des lavages gradués et des lavages à plat en utilisant du coton, du papier 100 % coton. Mais pour les besoins de l' exercice, bien sûr, il vaut mieux jouer avec du papier cellulosique. C'est plus abordable et vous ne vous sentez pas si mal lorsque vous utilisez autant de feuilles de papier pour obtenir le résultat souhaité. Cependant, je tiens simplement à vous faire savoir que si vous appliquez lavis gradué sur du papier Encelade, vous serez certainement en mesure de peindre incroyables lavages gradués ou plats sur un papier 100 % coton. Juste une petite note d'encouragement. D'accord, donc pour vous faciliter la tâche, je vais prendre le papier à un angle de 45 degrés comme ceci, afin que la peinture ait plus de liberté pour couler, tomber et se déplacer d'elle-même en douceur. Maintenant, je vais mettre mon pinceau dans l'eau, puis le tremper dans ma peinture rose. La même peinture que nous avons utilisée ici. Au début. J'en prendrai beaucoup. Donc ça va être très, très épais. Je plonge beaucoup mon pinceau dans cette peinture. C'est assez épais et je commence par un simple trait. Il est préférable de terminer votre trait avec une petite goutte de peinture. Maintenant, sans perdre de temps, vous devez laisser tomber votre brosse dans l'eau, rincer un peu et votre bocal et continuer juste en dessous. Et puis de nouveau dans l'eau, il pleut et continue le passé. Si vous avez ces petites gouttes comme celles-ci, elles sont vivantes, elles bougent. Encore une fois, je mets mon pinceau dans le bocal et je continue. Brossez le pot d'eau, pleut, ramassez la goutte qui s' y trouve et continuez. Et encore une fois, nous le faisons à chaque fois, donc nous avons de moins en moins de pigments dans le pinceau. Et logiquement, cela nous donne de moins en moins de pigments sur le papier. Donc, à la fin de ce rectangle, nous n'avons presque plus de couleur. Au final, c'est presque blanc. Et nous y voilà. Nous avons réalisé une belle transition du haut vers le bas, de la couleur concentrée à une couleur plus claire, plus claire, plus claire et presque blanche. Confusion de Lego avec les erreurs. Coloré dyslexique dans ce rectangle. Nous allons essayer de faire de même, mais de bas en haut, pour certains artistes, cela peut être plus difficile, mais qui n'aime pas le défi, essayons-le. Je prends donc un pigment concentré très épais. Il y a encore de l'eau. Mon pinceau va libérer une belle goutte qui va s'y accrocher. Mais je capte quand même beaucoup de pigments. Nous commençons très concentrés. Ensuite, j'ai nettoyé mon pinceau dans le bocal avec de l'eau. J'ai une jolie figurine accrochée là. Et je continue vers le bas. Lavez à nouveau mon pinceau, rincez-le pour qu'il ne transporte pas trop d'eau. Parce que si vous avez trop d'eau, le pinceau va la libérer ici et créer un effet de chou-fleur, ce que nous ne voulons pas pour le moment. Et encore une fois. Et maintenant, je vais juste laver complètement le pinceau pour qu' il ne reste plus rien dessus, aucun pigment. C'est un peu humide. J'ai rincé l'excès d'eau et j'ai fini mon lavage graduel comme ça avec presque aucun pigment dedans, presque blanc. Et la dernière goutte, je vais juste la ramasser avec le pinceau comme ça. On y va. Nous venons de faire un lavage graduel dans les deux sens, de haut en bas, ce qui est assez difficile. Vos projets de coûts consisteront donc à pratiquer des lavages gradués et une translucidité. Autant que tu veux. Vous pouvez avoir le même modèle que celui que j'ai ici, ou vous pouvez avoir plus de formes différentes. Tu peux faire des cercles et des triangles, comme tu veux. Et essayez de créer d'abord une couche transparente, une couche qui ne couvrira les lignes du crayon afin que le choc du crayon soit toujours visible. Et pour essayer de créer un joli lavage gradué afin que votre couleur passe de concentrée à presque blanche en douceur. Ce sera parfait pour notre protéome. 7. Exercice bonus : technique de mise en couche: Et voici un dernier petit exercice avec Star, qui n'est pas obligatoire, mais je pense que c'est très utile à faire. Et il s'agit de couches. Feuilles de protons de pétain. Nous allons utiliser la technique de superposition. Et nous allons commencer par le ton le plus clair qui sera, le fond sera jaune. Ensuite, nous allons attendre que cette couche sèche complètement et appliquer la couche suivante de couleur verte. Et parce que l'aquarelle est transparente et que nous savons maintenant comment obtenir la transparence dont nous avons besoin. Je vais prendre un peu de jaune, de gamboge, de jaune. C'est assez transparent, assez léger. J'ai beaucoup d' eau dans ma brosse, mais je m' assure également de ne pas mettre trop d'eau dans cette couche pour éviter le chou-fleur. Et maintenant, nous avons juste besoin de patience pour attendre que cette couche soit complètement sèche. Ensuite, nous appliquerons du vert pour qu' il soit temps de prendre du Coby. Ma première, une couche jaune est complètement sèche. Vous pouvez le tester vous-même en le touchant doucement avec le dessous de votre poème. Comme ça. S'il ne fait ni froid ni mouillé, cela signifie qu'il est prêt à être utilisé. J'obtiens donc une couche transparente de vert. Voilà, la couleur est assez diluée. Il y a de l'eau dans mon pinceau. Pas trop, ce n'est pas mouillé. Et maintenant, je vais créer un autre rectangle au-dessus de notre jaune. Ici, il est important de travailler rapidement et de ne pas revenir à votre couche précédente précédemment peinte. Parce que vous allez le diluer avec la couche jaune. Et nous y voilà. Nous avons notre green. J'ai du chou-fleur ici parce que j'ai un peu trop d' eau de ma brosse qui tombe dans ma couche. Vous avez donc ici une petite forme comme celle-ci. Cela se produit parce que nous avons trop d'eau sur la brosse. Il faut donc de la pratique pour obtenir la quantité de peinture et d'eau souhaitée dans votre pinceau. Cependant, ce n'est pas un problème car nous allons peindre la nature et les feuilles. Donc, avoir quelques textures là, c'est tout à fait normal. Nous n'avons pas besoin de réaliser des transitions parfaitement fluides dans nos vies. Nous aurons également de petites veines à l'intérieur. Donc, pour peindre la veine de la feuille, nous aurons besoin d'une couleur jaune concentrée. Et nous allons faire quelque chose comme ça. Agréable et concentré. Maintenant, si vous peignez sur une couche très humide, votre trait jaune se diluera complètement et se répandra partout. Si vous le faites sur une couche relativement sèche, presque sèche ou complètement sèche, votre combat sera plus maîtrisé plus fin et plus spécifique. Cela ne va donc pas se propager partout. Vous pouvez donc voir ici comment une couche transparente de vert sur une belle couleur jaune clair crée cette belle combinaison de tons verts où vous pouvez voir le jaune briller à travers. Pour le prouver, je peux juste créer une ligne verte pure ici pour que vous puissiez voir la différence. Vous pouvez donc voir ici que la couleur vert émeraude pure ressemble à ceci. Et lorsque nous avons une sous-peinture jaune, la couleur change de manière significative et devient plus scintillante et translucide et brille dans le globe des couleurs. Et je pense que c'est le meilleur mot. Donc oui, c'est exactement ce que nous allons faire en peignant nos feuilles plus belles car elles ont une très belle lueur jaune. Si vous regardez la photo de référence, vous remarquerez que le jaune est plus fin que celui-ci, bien sûr, mais que chaque feuille brille de jaune. Et c'est exactement comme cela que nous allons procéder. 8. Votre projet de cours: Votre projet de classe consistera à faire trois choses. La première chose à faire est de pratiquer la transparence des couches d' aquarelle. Et ici, nous avons deux rectangulaires où vous devrez dessiner une ligne de crayon très foncée ou un zigzag ou n'importe quelle forme que vous voulez à l'intérieur et une très claire. Et la tâche ici sera d'atteindre le niveau de transparence de votre vernis à l'aquarelle, la même manière que votre trait de crayon soit toujours visible. Et dans le second rectangle, parce que la ligne, la ligne au crayon est beaucoup plus claire, la tâche sera un peu plus difficile. La tâche numéro deux consiste à pratiquer le lavage gradué. Nous avons également deux rectangulaires ici où vous pouvez pratiquer le lavage gradué. allant du haut vers le bas et en sens inverse du bas vers le haut. Pour de nombreux artistes, faire l' inverse est plus compliqué. Alors prends ton temps. Peut-être en faire plus que deux rectangulaires, c'est peut-être avoir une plus grande feuille de papier et créer différentes formes, comme des triangles ou cercles , là où vous le souhaitez. Et la troisième tâche, qui n'est pas obligatoire, c'est un bonus, un bonus au crépuscule, pour ainsi dire, est de pratiquer la superposition. Avec cette tâche, vous serez témoin du pouvoir de translucidité de l'aquarelle, ce qui est très naturel pour ce médium. Et pour ce faire, vous allez devoir appliquer une première couche jaune, belle et transparente, ce que vous savez déjà faire , et attendre qu'elle soit complètement sèche. Une fois qu'il est complètement sec et que vous le savez, vous devrez appliquer une deuxième couche transparente de vert un peu plus petite et rectangulaire, afin de pouvoir voir les deux couleurs. Ensuite, observez simplement comment la première couche jaune brille à travers la seconde. Et c'est votre projet de classe pour aujourd'hui. Merci de le partager ci-dessous dans la section des projets. 9. Dessinons notre protéa: Enfin, il est temps de dessiner notre farine protéinée. Un petit mot sur la façon dont nous abordons notre croquis. Donc, si vous regardez l'ensemble du protium avec le capitule et les supports, la forme totale ressemble à une sorte de tasse. Nous avons donc un ovale qui a une petite ouverture et la tasse. Plus la fleur nous regarde et s'ouvre à nous, plus l'ouverture ovale sera grande. Et si nous le regardons droit vers le bas à 90 degrés, comme un plan plat, évidemment, cette partie formera un cercle parfait parce que nous la regardons sous un angle de 90 degrés, nous voyons une petite ouverture ici. Et c'est pourquoi nous voyons aussi qu'une petite partie de la fleur n'avait pas tout connu , tout. Cela va être utile. Notez pour nous quand nous allons esquisser les détails. Alors réfléchissons d'abord à la position de la fleur entière. Je dirais que le front sera quelque part où il est assez grand, mais que les feuilles sont également très longues. Marquons donc où se terminera le suiveur. Ce sera donc le tout haut, la pointe des crochets intérieurs. Et voici le bas. Et créons le cercle, ovale et la coupe. Comme vous pouvez le voir, mes traits sont très, très, très légers. Vous ne les voyez probablement même pas sur la vidéo, ce qui est bien. Parce que tu veux vraiment que ton croquis soit très léger. votre dessin est foncé, plus il y a de chances que le trait au crayon soit visible, désolé, à travers la couche d'aquarelle. Il est également important d' utiliser votre gomme le moins possible pour ne pas endommager la texture du papier. Je pense que cette ouverture devrait suffire, peut-être même un peu plus grande comme celle-ci. Maintenant, nous avons notre tasse pour nous assurer que tout est proportionné. Je vais tracer une ligne et comparer que les deux moitiés ont un peu la même largeur. Je peux donc procéder ainsi et supprimer les lignes qui ne me servent plus. C'est la tasse. Maintenant, nous allons avoir des feuilles et sur la photo de référence, les feuilles sont assez longues et recouvrent en quelque sorte certaines parties de la fleur qui se trouvent devant. Nous avons donc une feuille comme celle-ci, une autre jolie feuille rubanée ici. C'est très schématique. Je ne montre pas parfaitement chaque détail de la feuille. Je suis juste en train de déterminer la composition pour m'assurer que ma fleur ne penche pas vers la gauche ou la droite pour correspondre. Il est donc bien placé au milieu de ma feuille de papier. Alors maintenant, découvrons les détails. abord, nous devons marquer où se trouve le capitule, quelque part ici. Et sur la référence, on n'en voit que le bout. Le reste se cache donc en quelque sorte derrière les crochets. Maintenant, commençons par le plus grand Brex et augmentons lentement un par un en descendant. Si nous avons créé cette tasse auparavant, c'est parce que maintenant il sera plus facile pour nous de placer chaque emballage dans ce type de cadre. Veillez donc à ce que vos marques ne sortent pas trop du cadre ou qu'elles sortent un peu du cadre, mais simplement de manière harmonieuse afin qu'elles ne ressortent pas trop. Et cette tasse va nous aider à garder la forme intacte. Les crochets intérieurs vont donc monter jusqu' à ligne de l'autel de notre ovale. Une partie du Brexit en tête, une plus grande. Je le montre donc également dans mon croquis. La plupart d'entre elles ressemblent à une larme. Mais étendu. Et c'est un moment important pour se rappeler que chaque Brecht couvre le bas du prac précédent, sorte que nous ne voyons jamais la fin réelle du bracket. Ici. J'ai oublié de marquer la feuille et de cacher le reste du Brexit derrière elle, donc je n'ai pas vraiment besoin de les dessiner. Et le Brex extérieur se trouve en bas de l'échelle. Nous voyons ici la partie inférieure, le petit triangle ici et là qui dépasse sur le côté. Encore une fois, nous n'avons pas besoin de nous adapter parfaitement au contour de la tasse , car elle aura alors l' air découpée, n'est-ce pas ? Ainsi, les pointes de chaque rack peuvent en quelque sorte ressortir de notre schéma de composition principal. Je ne veux pas que tu finisses par placer chaque support à l'intérieur de la tasse parce que ça va avoir l'air un peu bizarre. Nous devons donc nous assurer que certaines des vantardises sortent tout en suivant leur forme principale. Encore une fois. Plus les seins sont gros, l'intérieur se vante, ils sont plus larges et plus gros. Et les supports intérieurs en bas sont plus petits. Nous devons garder les bonnes proportions ? Cette grande feuille dépasse en quelque sorte. Celle-là, à l'arrière. Je peux l'agrandir encore. À ce stade, j'ai beaucoup de lignes aléatoires que je dois nettoyer, bien sûr, avant de peindre à l'aquarelle. Ensuite, cette feuille frontale courbée marque la ligne centrale. Quelques feuilles à l'intérieur de la tige Et celui-ci, de ce côté. C'est un peu incurvé. Voici le centre. Très bien. Nous avons ici quelques feuilles complémentaires qui ne sont pas très importantes, mais marquons-les simplement. Très bien, nous avons donc la coupe principale. Chaque Brecht s'adapte à la forme principale de la coupe, de sorte que nous maintenons la proportionnalité de notre pré-mandat. Aucune partie du pétiole n'est plus large ou plus grande que la partie, il est assez symétrique. Maintenant, certains crochets se détachent et nous pouvons les voir un peu en dehors de notre ligne de capitalisation principale, ce qui rend le dessin plus réaliste. Et bien sûr, les vantaux de la porte sont assez grands et larges, qui recouvrent certains supports frontaux. Et maintenant, nous devons supprimer toutes les lignes que nous n'avons pas besoin pour pouvoir peindre à l'aquarelle. Et bien sûr, si vous ne vous sentez pas à l'aise et que vous n'avez pas conduit votre propre sketch de protestation , ce qui est tout à fait normal. J'ai joint le plan téléchargeable de ce croquis exact de Pretoria, que vous pouvez télécharger, tracer sur votre papier aquarelle ou même imprimer si vous en avez envie et simplement colorier, pas de stress. Passons à autre chose. 10. Premières couches : jaune sur les feuilles: J'ai retiré mes lignes de crayon pour qu'elles soient presque invisibles. Et j'espère que vous ne le voyez pas parce que c'est important. Il est important de garder le croquis très, très léger. Et maintenant, je voudrais commencer par peindre les feuilles, ce qui n'est pas habituel pour moi car d'habitude je préfère commencer par la fleur principale et les feuilles sont la dernière chose à faire. Mais aujourd'hui, je voudrais surtout commencer par les feuilles. C'est parce que je pense que la plupart du temps, en particulier les artistes débutants, ils n'ont pas beaucoup de patients. Moi aussi, je n'ai pas vraiment beaucoup de patients à attendre la couche, sécher et vous vous souvenez que nous allons utiliser une technique de superposition pour nos feuilles. Et si nous commencions à préparer notre sous-peinture, notre première couche jaune de feuilles auparavant. Et pendant que ces gars s'assèchent, nous travaillerons sur le reste. Je pense que ça ressemble à un plan. Maintenant, je reprends mon gamboge, le jaune. Il suffit de s'assurer que c'est transparent. Légèrement. Préparez ma belle sous-peinture jaune. Sur chaque feuille. J'utilise un grand mur sur un très grand mur, mais je suis assez grand. Pinceau Nitro Et cela me permet de créer de plus grands lavages. Je dois faire attention à ne pas sortir de mon croquis sur le côté de ma ligne pour chaque feuille. Avec une belle couche légère et presque transparente de couleur jaune. Je couvre presque toutes mes feuilles. Je pense que nous ne devrions pas recouvrir ces feuilles de jaune car après cela, nous allons commencer à travailler sur les freins et la fleur en général. Vous ne voulez donc pas avoir quelque chose de mouillé ici et risquer de le détruire et de le maculer avec votre paume. Alors gardons cet endroit exempt de douleur afin de pouvoir peindre librement le reste et de ne préparer que le côté gauche de notre vie. Il vaut mieux que votre lavis jaune ne soit pas trop concentré. Je veux dire, ça ne va pas être un gros problème parce que nous allons peindre en vert dessus de toute façon. Mais vous ne voulez pas l' avoir comme un jaune très vif et couleur toxique en dessous, vous voulez qu'elle soit un peu plus claire et transparente. Cependant, souvenez-vous que l'aquarelle devient plus claire lorsqu'elle sèche. Donc, quoi que je fasse ici, je sais qu'une fois sèche, la couleur perdra de son intensité. D'accord, je ne vais pas aller plus loin sur la droite parce que je ne veux pas risquer de le tacher de ma propre main. Je vais donc le garder tel quel maintenant. Et nous pouvons commencer à travailler sur les supports et le capitule. 11. bracts: intérieurs : pratiquer les lavages classés: N'oubliez pas le lavage graduel. Nous allons maintenant utiliser cette technique pour peindre chaque pratique. Nous allons partir du côté gauche et nous déplacer vers la droite. Et des découpes intérieures aux supports extérieurs, j'ai remplacé le pinceau par des pinceaux plus petits afin de contrôler plus facilement l'espace, les couches. Et maintenant, je vais me procurer de la peinture rose. Lundi lu dans mon cas, comme nous en avons discuté dans la section palette de du cours. Je vais commencer. Maintenant, je voudrais expliquer ce que je viens de faire. Je me suis vanté, mais j'ai laissé le petit contour blanc de papiers blancs purs. Je n'ai donc colorié avec rien. Parce que lorsque nous en regardons le dessin correct et schématique, nous pouvons voir que oui, en haut, il commence par un ton sombre puis devient plus clair. Mais si nous regardons le contour général du pain, il a un très beau contour blanc semblable à un Oreo qui brille autour de lui. Nous avons ce contour blanc, que vous pouvez voir en fonction de la manière dont ce support est plié. Celui-ci nous permet de le voir, à part, disons comme ça. Pas comme ça, mais comme ça. C'est pourquoi la ligne blanche est visible ici sur la côte, pour ainsi dire. Normalement, quand nous avons payé, faites Brecht. Ainsi, la vue de face, le contour blanc sera tellement arrondi. Donc ça va être très intéressant parce que la plupart du temps, nous devrons laisser des espaces entre chaque direct. Comme je viens de commencer avec celui-ci, je veux le laisser sécher et travailler sur un autre qui ne touche pas celui-ci , celui-ci ou quoi que ce soit d'autre qui est mouillé. Et si on peignait celui-ci ? Ce Bragg a également un contour blanc, brillant. Mais je ne vais pas vraiment le montrer car notre arrière-plan dans un style minimaliste sera blanc. Et comme le fond est blanc, on ne voit pas vraiment le contour blanc. Cela nous facilite donc la tâche. Sur la photo de référence, le fond est noir. C'est pourquoi le blanc, brillant et Oreo est très, très visible. Ici. Vous pouvez voir que j'ai commencé par un rose concentré et que je descends en lavant l'intensité de la couleur à l'aide d'un lavage graduel. Et en bas, il est devenu un peu plus léger. Celui-ci sera assez concentré, donc pas besoin d'en faire un lavage graduel. Mais elle est très proche de notre capitule qui se trouve ici. Ensuite, celui-ci, je le concentre. Rincez mon pinceau dans un bocal d' eau et diluez l'aperçu. La prochaine, je vais commencer par la couleur rose concentrée. Lavez mon pinceau, rincez-le et le reste, je vais juste le diluer avec le reste de l'eau. Il y en a dans mes poils. Et comme mon papier est 100 % coton, cela me permet d'avoir un lavage gradué agréable et doux sans chou-fleur ni bords tranchants. Supposons également que cette pointe de pain concentrée s'étend ici sur le côté et près du Brecht suivant. Je vais donc le montrer attentivement ici. Et comme ma couche était humide, le pigment s' enfonce et crée un bel effet comme ma couche était humide, le pigment s' enfonce et crée de lavage ici. Je peux le diluer si je veux. Rends-le encore plus lisse et passe au suivant, je ne veux pas peindre celui-ci car il va toucher celui de gauche. Je passe donc à celui qui n'est pas directement lié à la largeur que je viens de peindre. Ici. Je vais créer ce contour blanc moi-même. Parce que ce petit déjeuner a un peu changé. Et avec la brosse rincée qui ne contient presque pas d'eau, juste un peu d'humidité. Je dilue la couleur concentrée comme nous l'avons fait pour notre lavage gradué. Le prochain sera le tout petit sur la droite. Il a ce vaste plan de formation que je vais également montrer. Et laisse-le faire. 12. Continuez à peindre des bracts internes: Maintenant, je pense que ce côté commence à s'assécher, donc je peux peindre ceux qui sont côte à côte. Ici, vous pouvez voir que ma couche ne touche pas directement à la vantardise précédente. Je laisse une petite ligne blanche, une bande de papier blanc pour montrer à nouveau ce contour blanc brillant. Et puis, le crochet suivant laissera également un contour blanc. Maintenant, il est important qu'à chaque fois que tu fais ça, tu sois blanc. Zone que vous laissez découverte. Et peindre sans peinture est très fin. Si elle doit faire un centimètre de large, elle aura un aspect vraiment bizarre sur votre peinture. Assurez-vous donc qu'à chaque fois que vous créez ce petit Oreo blanc en papier brillant, vous le laissez à découvert. Nous allons le laisser propre. C'est très, très fin. Sinon, si vous ne pouvez pas améliorer la tache, ne le faites pas du tout. Ici, le fond doit être très clair, presque blanc et j'ai mis trop de pigment. Maintenant, je suis en train de le soulever avec mon pinceau et de le retirer. Dans le même temps, en travaillant sur la texture du support. Alors maintenant, par exemple, celle-ci, je commence par la couleur très concentrée. Il ne peint presque même pas. Ensuite, je nettoie mon pinceau, rince et j'étend ma couleur concentrée, tire vers le bas et je crée un bon lavage crédité. Ne prenez pas trop de temps à le faire , sinon la peinture sèchera assez rapidement. Et vous finirez par avoir une ligne de connexion nette entre la partie concentrée et la partie légère. Le processus devrait donc être assez rapide. Vous pouvez également ajouter un peu de texture, comme un trait ici. Si vous pensez que cela sera bénéfique pour votre peinture. Maintenant, le suivant sera intéressé car nous ne partirons pas du tout en haut, mais laisserons un espace blanc. Pour l'Oreo blanc. L'angélique qui brille. Ensuite, le pigment concentré sera abaissé à l'aide d'une brosse propre, ne transportant qu'un tout petit peu d'eau. Il suffit donc de diluer et créer un beau lavage gradué. Ici, en plus, nous pouvons en quelque sorte créer la texture de notre Brecht ou la diluer pour que nos lignes soient belles et douces. Avec le pigment concentré en haut, je peux ajouter quelques traits pour montrer la texture du Brecht. Ici. Cela ressemble beaucoup aux pétales des tulipes pour moi. Et n'oubliez pas que nous allons tout près de notre feuille et que nous ne la touchons pas directement vers le haut pendant que la couche est encore humide, nous pouvons ajouter un peu de pigment plus concentré et le laisser se mélanger naturellement, créez un bon dextrose qui ressemble davantage à ce que l' on trouve dans la nature. Sur ce point, chaque souffle que je peins a exactement la même chronologie des mouvements. Je fais la même chose, essayant de garder à l'esprit le contour blanc brillant. Et je compare ce que je fais avec les photos de référence pour que tout soit logique et correct. Mais à part cela, l'approche est toujours la même. Délavage gradué et contour blanc brillant du papier essentiellement blanc et sans aucune peinture. 13. Remplir les bracts entre: Parfois, le Brexit se chevauchera et créera une couche encore plus sombre. qui est bien vu parce que cela nous donne l'impression deux crochets se chevauchent et l'un est visible à travers l'autre, ce qui est également possible. Grâce à l'incroyable translucidité de l'aquarelle. Je vais descendre jusqu'au prochain brac qui se cache ici sans le toucher. Parce que je me souviens que j'ai contour blanc brillant là-bas que je dois garder propre et blanc. N'oubliez pas que si cette partie est encore humide, faites attention à l'endroit où vous placez votre main. Peut-être voudriez-vous mettre votre petit doigt ici pour protéger la zone et ne pas toucher de toute votre main. Celui-ci est pareil, il est un peu en retard. Nous pouvons donc superposer le support ici avec le support frontal et créer cette sensation de translucidité de chaque prac, car vous pouvez voir l'un à travers l'autre. Avec ce Brecht, je me rappelle que j'ai un petit contour blanc ici. Je peins donc très soigneusement, en gardant cela à l'esprit. lavant mon pinceau et en diluant la couche, je le lave de manière graduelle. En même temps, en allant de très près, en m'assurant que mon contour blanc soit très fin. Ces lignes blanches nous donnent également l' occasion de séparer la somme des rangs les uns des autres et donnent une impression encore plus réaliste. Il y en a un autre ici entre les deux. Il se chevauche avec l'autre ici. Et un peu avec celui de gauche. Et parce que notre couche est si légère et que nous l'avons placée avec soin, la transparence de l' aquarelle nous permet d'obtenir cette sensation qu'un Brecht est visible à travers l'autre. Je veux juste le rendre un peu plus concentré pour qu' il soit plus compréhensible qu'il soit en retard, voire qu'il soit plus sombre. J'ai donc mis du vert dans ma banque. Et Dieu moi-même, plutôt gentil, sombre, calme-toi. Il est important de rester modéré. Donc, n'adoptez pas un ton trop sombre ici. Je vais donc trop me démarquer. Alors, ici. Je vais vouloir rendre mon Brecht assez léger et translucide. Je vais donc le diluer avec de l'eau tout de suite. Et en même temps, ajouter un ton concentré ici. Juste un peu tard, laisse-le couler. nous en reste donc deux autres ici entre les deux. Je ne les touche pas parce que les autres supports sont encore mouillés, donc je ne veux pas qu'ils fuient à l'intérieur. Et nous pouvons le faire. Avec celui-ci. Je me rappelle que j'ai ce joli contour blanc. Je garde donc un trait blanc et brillant. Ici sur la gauche et aux alentours. 14. Commencer par des bracts externes: Il est important de diluer votre montre le plus rapidement possible. Sinon, l'aquarelle sèchera assez vite et laissera des arêtes vives comme je l'ai fait ici, que nous pouvons toujours corriger en jouant avec des couleurs légèrement plus foncées, plus foncées mais légèrement plus concentrées. Et en quelque sorte masquer cette arête tranchante indésirable. En même temps, j'ajoute cette même couleur concentrée sur le dessus. Et peut-être même créer une sorte de texture. En tirant la ligne vers le bas, juste au milieu. Encore une fois, cela ressemble à un pétale de fleur de tulipe. En bas, je vais introduire un ton jaune très clair, qui se mêlera doucement au duvet rose très clair que je viens de retirer. Je laisse délicatement un tout petit contour blanc sur le bord et je dilue. Mon lavage en créant là où ils se sont lavés, c'est que nous savons déjà comment faire. Pendant que votre couche est encore humide. Vous pouvez ajouter des morceaux de texture et les diluer doucement, diluer le trait avec de l'eau et une sorte de pinceau aqueux. Si vous avez l'impression que le coup est trop vif ou qu'il détourne l'attention. Maintenant, on a retrouvé toute la première ligne et je n'ai rien raté à part celle-ci. Par ici, quelques-uns en fait par ici, sur la droite. Mais comme cette couche est encore humide, je ne veux pas risquer que la peinture coule dans notre nouvelle couche, alors je vais la garder ici pour conduire. Je vais le laisser ici pour essayer travailler sur le reste. Couche de lumière transparente entièrement en duvet. Et en même temps, j' ajoute un peu de jaune. Mais il est important que la transparence et l'épaisseur du jaune et du rose soient les mêmes. La transition des couleurs semble donc naturelle. Si l'épaisseur du jaune, par exemple, doit être plus élevée, le jaune sera plus épais que le rose, par exemple. Ensuite, vous le verrez certainement sur du papier et il aura l'air découpé. On dirait que ça fait partie d'une feuille différente de feuille différente de la fleur ou que quelque chose ne va pas paraître harmonieux. Je ne fais rien de nouveau, les étapes sont toujours les mêmes. D'abord. Concentrez le pigment sur le dessus, puis lavez le pinceau, rincez l'eau et abaissez la couleur jusqu'à ce qu'elle devienne transparente. Même chose encore et encore. La conservation, les métadonnées, je dirais, mais vous donnent également le temps de réfléchir. Peut-être jouer avec un angle ou une perspective différents. Nous le changeons donc ici et là. Peut-être vivre dans un petit coin blanc entre les deux. Mais dans l'ensemble, il s'agit toujours du même ensemble d'actions. Je pense qu'il y a trop d' espaces blancs dans ce domaine. Je vais donc corriger ce problème avec soin en remplissant la zone vide avec la couleur rose. Ici aussi. Je vais rendre la couleur un peu plus adaptée pour que notre espace blanc ressemble au contour. Et pas seulement des zones blanches aléatoires. J'introduis de plus en plus de jaune au fur et à mesure que nous descendons et que nous nous dirigeons vers le bas de la Parthie. Lorsque vous regardez ici chaque jour, vous devez évaluer l'espace restant et comment le remplir avec notre peinture en conséquence. Parce qu'ici, nous avons beaucoup de zones vides et nous devons décider si elles vont être recouvertes de verdure. Ou nous ajouterons soigneusement d' autres Bragg. De plus, en allant au bas de la plus jolie, nous pouvons voir que l'autel se vante, qu' ils semblent légèrement plus foncés et qu'ils sont dans l'ombre. Alors naturellement, les feuilles projettent l'ombre sur nos supports. Et nous devons également le décrire. Ici, nous avons un petit désordre, que je vais corriger une fois qu'il sera sec. Parce que maintenant, plus j'y vais, plus je vais faire de la masse. Une autre chose que je voudrais corriger pour l'instant, c'est parce que je trouve que c'est un peu trop fin et qu'il laisse trop de place pour celui-ci. Quand on regarde la fleur dans son ensemble, il y a beaucoup d' espace vide à cause de cela. J'ai donc agrandi celui-ci et réduit naturellement cette zone blanchâtre. Ici, on peut le remplir avec un ton jaunâtre. Et encore une fois, je vais corriger la masse qui se déroule ici. 15. Peindre une tête de fleurs: Maintenant, que diriez-vous de travailler sur notre tête ? Pour cela, je pense que je vais utiliser la technique humide sur sol mouillé. J'ai donc d' abord mis de l'eau propre sur la zone du capitule, en évitant soigneusement de toucher les supports. Et faites-le mécaniquement et laissez-le aller. Nous sommes des mouvements semblables à ceux d'un chien. Je veux rendre la texture de ce capitule moins lisse et plus naturelle. De plus, lorsque nous regardons vers le bas, ou au milieu, le ton change légèrement entre le rose et le jaune. Je vais donc introduire avec soin un peu de jaune. Maintenant, avec ce pinceau molaire et pointu, je vais avoir la même chance à la quinacridone, mais en le mélangeant à une petite goutte de vert pour obtenir un ton encore plus foncé pour les ombres ici. Et il est préférable de les présenter dès maintenant. Pendant que la couche est encore humide notre toucher est agréable et lisse et se fond dans cette couche générale que nous venons de disposer. Ici. Nous devons également nous souvenir garder la forme correcte du Bragg et de peindre très soigneusement autour de celui-ci. Maintenant, j'aimerais laisser tomber et y revenir plus tard, lorsque nous pourrons travailler sur parties plus spécifiques de notre capitule. 16. Appliquer une technique de stratification en pratique: Pendant que nous laissons sécher le capitule, je pense que c'est une bonne occasion de terminer ce que nous avons commencé en couvrant notre vie d'une sous-peinture jaune. Tu connais déjà la procédure. Il suffit de peindre très légèrement. Couche transparente de jaune sur les feuilles. Je vais prendre ma couche verte, assez légère. Donc pas dense, pas épais. Tout comme nous l'avons fait lors de notre exercice. Et je vais commencer à l' introduire avec soin dans nos vies. La seule différence est que notre vert va être légèrement plus foncé parce que je vais y ajouter notre couleur rose. Et en même temps, j'aimerais rendre le bord un peu plus doux. Ainsi, le contour des heures ne soit pas trop net pour que cette partie jaune brillante de la feuille ne ressorte pas trop. Pendant que nous sommes ici. J'aimerais ajouter un peu de cervelet. Je sais que nous n'avons pas discuté de cette couleur parce que j' aimerais qu'elle reste facultative. Et en gros, je viens de décider tout de suite que je peux peut-être l'utiliser. plupart du temps, lorsque vous peignez, beaucoup de choses se produisent en cours de route sans que vous n'ayez prévu. Mais au cours du processus, vous réalisez que cela peut être bénéfique pour vous et votre peinture. Maintenant, j'ai pensé qu'avoir certaines parties d'une belle couleur bleue fraîche, nous ferions du bien. Sur les feuilles. J'ai également laissé un peu de jaune, jaune naturel, qui brille à travers. Je ne l'ai pas couvert. Qui va jouer le rôle de, euh, la veine de la feuille. Ici, la feuille est légèrement courbée et crée naturellement plus d'ombre. J'ajoute donc un peu de vert plus foncé. En même temps, en marquant certaines des textures ici. J'aimerais étendre la feuille que j'ai peinte ici avec une couleur bleue fraîche. Dans mon cas, c'est céruléen. Et cela ne me pose aucun problème de relier ce bleu au jaune comme je l'ai fait plus tôt, parce que le jaune est un ton plus clair. En même temps, j' aimerais créer des tons un peu plus foncés tout de suite. Mais je ne vais pas peindre cette feuille maintenant parce que les couleurs vont se fondre les unes dans les autres. Je vais donc choisir une autre feuille, par exemple. Ou que diriez-vous de la grande de devant ? 17. Feuilles de couchage: Alors je prends mon green directement vers le haut, je vais nettoyer le pinceau, rincer soigneusement, diluer le bord pour qu'il ne soit pas si net. En même temps, en laissant tomber un ton un peu plus sombre ici et là. Juste pour rendre la texture de cette feuille plus naturelle. Et écris. Déplacez-vous sur le côté droit de la feuille. Soigneusement. N'oubliez pas de laisser une ligne intacte, exactement la même ligne au milieu, qui sera la nervure de la feuille. Permet d'obtenir des tons plus foncés tout de suite. Et avec précaution avec un pinceau humide, il suffit de diluer ce bord vert sur la droite. Encore une fois, en mélangeant un ton plus foncé de vert et en laissant tomber ici et là. Pour rendre la texture de notre feuille plus réaliste. Et intéressant. Nous passons à la feuille suivante. Il contient beaucoup de tons sombres. Je peins donc d'abord notre vert clair normal. Nettoie et rince mon pinceau. Diluez le bord dur et introduisez immédiatement une couche plus foncée. Comme notre couche est encore humide. Cela nous permet d'obtenir ce mélange agréable et naturel sans lignes nettes. Mais vous pouvez déjà voir à quel point couleur jaune brille à travers le vert ici. Et même ici. Et plus tard quand nous aurons fini de travailler sur cette peinture, vous, nous ajouterons. Les tons les plus sombres les plus profonds et donnez vie à ce tableau. J'ai fini par rendre les bords beaux et doux. Et en ajoutant un ton plus sombre. Nettoyez la brosse, il pleut. Adoucissez le bord. Répétez le ton plus foncé. Et ici, nous pouvons même ajouter une petite goutte de terre de Sienne brûlée. Exactement comme on le voit sur la photo de référence. La ligne épaisse que vous avez ici, il suffit de la diluer avec un pinceau semi-humide et d' obtenir une texture lisse. Laver. 18. Terminez la couche des feuilles: La feuille sur laquelle je travaille actuellement comporte en quelque sorte deux parties. Et comme c'est un pli comme celui-ci, on voit la partie supérieure et la partie inférieure, et celle qui est la partie inférieure sur laquelle je travaille en ce moment a un ton plus foncé parce que celle qui est dessus naturellement fait de l'ombre. Dans cette feuille. J'ai décidé d' ajouter un peu de sienne brûlée pour ce type de tache que l'on voit également sur l'exposition de référence du tableau. Maintenant, il y a certaines zones intermédiaires qui doivent également être prises en charge et je vais simplement les remplir avec un ton de vert plus foncé. Il vaut mieux ne pas utiliser de noir ici et essayer d' obtenir les tons les plus foncés dont vous avez besoin simplement en mélangeant des couleurs complémentaires, comme je le fais actuellement avec du vert mélangé au rose. N'oubliez pas que nous avons une tige ici, donc nous devons la conserver pour la préserver. Nous allons le peindre plus tard. Alors continuez simplement le vol spatial. Ce sont les feuilles restantes que nous avons ici. C'est presque terminé. 19. Veines sur les feuilles: Maintenant, pendant que nous sommes dans la zone feuillue, j'aimerais souligner certaines zones de couleur jaune. Souvenez-vous donc de la façon dont nous discutions dans la vidéo précédente du fait que nous pouvons littéralement colorier avec du jaune pour montrer la nervure de la feuille. C'est donc ce que je veux faire maintenant. Mais je ne vais pas le faire partout, juste dans certains domaines où je pense que cela va s'intégrer. Par exemple, ici, je pense que cela fonctionnera mieux parce que j'ai littéralement oublié de laisser une zone vide. Je vais donc le peindre. Je vais prendre un pinceau plat et passer en revue certaines zones, en soulevant le pigment. J'essaie d'atteindre exactement le même endroit où je viens de peindre en jaune. Et ça va faire l'affaire en soulevant un peu le jaune, mais pas complètement, en le rendant plus pâle et en le faisant rentrer dans nos feuilles de manière plus organique. Mais je peux aimer à quoi ressemble celui-ci. Je ne vais donc pas y toucher, mais celui-ci a l'air bien trop orange. Je vais donc travailler sur toutes les veines ici. Lorsque vous soulevez le pigment, assurez-vous que vos pinceaux sont identiques. Cela ne supprime donc pas trop d'espace. Trop de pigment. 20. Travailler sur des textures: Maintenant détenu. Revenons donc à notre capitule et travaillons sur la texture des fleurs qui s'y trouvent. Avec un ton foncé d'hémoglobine. Et pas comme des mouvements comme ça. Je crée la texture qui donne l'impression qu' il y a un milliard de ces petites fleurs à l'intérieur du capitule. Parce que n'oubliez pas que le capitule est en fait un groupe de fleurs. La pollinisation n' est pas une seule fleur . Il y en a donc beaucoup là-bas. Et pour créer l'illusion, nous devons travailler avec des ombres. Assurez-vous que vos lignes sont très belles et fines. Et que votre contact n' est concentré qu'ici. Mais en descendant, c'est un accident vasculaire cérébral. Nous avons donc des taupes ici en haut et suivant une fine ligne vers le bas. Maintenant, nous créons un ton de rose plus foncé, comme nous l'utilisons ici pour le projet. Mais en ajoutant un peu de vert pour le rendre un peu plus foncé. À certains endroits, j'aimerais ajouter de la texture au pain. C'est pareil. Essayez d' utiliser un trait très, très fin. Et si l'amortisseur de votre brosse s'avère plus épais que vous ne le souhaitez, vous pouvez le diluer avec soin avec la brosse semi-humide. Par exemple, à l'heure actuelle, mon trait est trop épais à mon avis, alors je rince mon pinceau pour qu'il soit un peu humide mais pas trop humide. Et diluez soigneusement ma ligne épaisse. Comme vous pouvez le voir, je ne fais pas ça chaque Brecht. Je veux le faire manière sélective pour que la peinture ne paraisse pas trop lourde. Souvenez-vous également qu'ici, en bas, nous avons le Brex extérieur que je n'ai pas terminé. C'est donc une bonne occasion de le faire. Et pensez également à assombrir un peu les VAX ici, en bas, en ville, car ils se cachent derrière les feuilles qui projettent naturellement de l'ombre. Les fissures dans le bas seraient donc légèrement plus sombres en ville. Et voilà, je pense que nous devrions maintenant prendre du recul et évaluer s'il manque quelque chose. Maintenant, la vraie fleur, le tout, le tout. Et je pense que pour moi, probablement en termes de textures, c'est suffisant. Je préfèrerais rester léger plutôt que d' être submergé par les détails. Parce que n'oubliez pas qu' avec l'aquarelle, vous ne pouvez pas vraiment retracer et enlever. Je fais un pas. Vous ne pouvez pas vraiment réparer une erreur si vous en avez fait une. Il faut du temps et de la pratique pour savoir comment corriger les erreurs. Et franchement, certaines d'entre elles ne sont tout simplement pas réalisables. Mais c'est un tout, un autre sujet de discussion. Maintenant, nous allons faire de même, mais pour les feuilles, suffit d'ajouter de la texture et des tons plus foncés sur les feuilles. Et ce sera fini pour aujourd'hui. 21. Ajouter du volume aux feuilles: Ainsi, avec un ton de vert plus foncé, nous pouvons commencer à ajouter des ombres sur la feuille. Et chaque fois que je fais un trait, je dilue le bord presque immédiatement. Pour le rendre agréable et lisse. Rincez mon pinceau. Et une fine couche lisse. Comme vous l'avez probablement remarqué, chaque fois que j'ajoute un ton plus foncé, j'essaie de passer entre les veines pour garder les veines claires et ne pas les recouvrir d'ombre. Et en même temps, diluez immédiatement la couche que je viens de mettre. Pas la couche entière, mais les bords de mon trait pour qu'il s'adapte naturellement à la feuille. Travailler ainsi sur les ombres est également une bonne occasion de séparer certaines feuilles les unes des autres. Si ce n'était pas clair avant. Et bien sûr, j'ai presque oublié de peindre une tige. Alors que diriez-vous de le faire maintenant avec beau brun clair au début, puis un peu de brun foncé, Sienne brûlée dans mon cas, sur un côté pour une ombre. J'ai aussi l'impression qu'en regardant ce tableau, la feuille verte est absente ici. Donc, même si elle n' existe pas sur la photo de référence, je peux toujours la modifier. 22. Dernier toucher étincelant: Prenons donc un peu de recul , regardons notre plus jolie et évaluons s'il manque quelque chose ou si nous devons ajouter quelque chose. Par exemple, je vais poursuivre et ajouter certaines d'entre elles. De jolies taches blanches scintillantes tout en haut du capitule. Avec mon stylo. Lorsque vous travaillez avec le Japon, il est très important de ne pas en faire trop. Parce qu'alors il sera très visible que c'est un stylo. Et ça va se démarquer dans le tableau à gérer. Peut-être quelque part sur la feuille. Vous voudriez mettre en évidence certains domaines auxquels vous devez également faire très attention. Et en cas de problème, vous pouvez toujours supprimer ou lisser la ligne que vous venez de faire vous pouvez toujours supprimer ou lisser la ligne que vous venez avec le stylo avec votre doigt ? Parce qu'avant, nous étions littéralement soulever le pigment, trois coups, une certaine blancheur du papier et un ton jaune clair très terne. Ensuite, la blancheur du stylo gel ne sera pas trop étrange si vous le faites modérément. Bon, maintenant, je pense que c'est terminé. Et je suis très heureuse de voir ta belle per TEA. Alors, ne soyez pas timide et soumettez vos peintures si vous souhaitez recevoir des commentaires de ma part. Et si vous avez des questions, hésitez pas à les poser. Je suis là pour vous aider en cours de route.