Botanical Brush Marker Painting: Loose & Layered Florals

1. Welcome!: Les marqueurs à pinceau sont l'un des moyens les plus simples d' obtenir un aspect pictural sans trop de configuration Avec juste de la pression, des traits, de la direction et un peu de superposition, vous pouvez créer beaucoup de profondeur et de texture bien plus rapidement que prévu Les utiliser pour des peintures botaniques est particulièrement satisfaisant. Ou du moins je trouve. En quelques couches, les pétales et les feuilles commencent à être pleins de lumière et de volume, et le processus lui-même peut être très relaxant. Je suis Silvia Spina, je suis une artiste designer et éducatrice basée J'ai travaillé pendant des années en tant que designer de motifs de surface, et les plantes ont toujours occupé une place importante dans ma pratique créative Je les ai peintes sur des peintures murales, j'ai travaillé à l'aquarelle et j'ai utilisé mes atouts pour créer des motifs répétitifs, décorer des dessins et, en général, créer des graphiques pour différents projets visuels Dans ce cours, nous allons peindre des fleurs botaniques ensemble, et je vais vous apprendre à obtenir de la profondeur avec seulement quelques couches et une palette de couleurs limitée. Nous commencerons par des exercices d'échauffement simples afin que vous vous sentiez en confiance en utilisant la pression, la direction des mouvements et les superpositions Je vais également vous montrer comment je travaille avec une palette de couleurs limitée afin que vos illustrations soient cohérentes et intentionnelles Ensuite, nous allons commencer à peindre. Nous allons commencer par Natalia pour mettre en pratique les exercices de pression, de direction du trait et de laisser des espaces clairs pour donner du volume Nous passerons ensuite aux fleurs plus petites et plus complexes, où je vous montrerai comment dessiner et peindre des fleurs sous différents angles et renforcer votre confiance grâce à des échauffements, petits tests et à des couches douces Ensuite, vous me verrez appliquer les mêmes concepts dans trois démonstrations de peinture où vous pourrez suivre le processus complet et peindre à mes côtés si vous le souhaitez Bien que les peintures de ce cours puissent sembler avancées, ce cours est adapté aux débutants et je l'ai conçu pour qu'il soit calme et pratique. Il est idéal pour les artistes et les amateurs qui souhaitent peindre des plantes avec moins de pression, pour les concepteurs qui créent des essais peints à la main pour des produits, concepteurs qui créent des essais peints à la main des motifs et des compositions numériques et pour tous ceux qui ont envie de passer un peu de temps à peindre loin des écrans Tout ce dont vous avez besoin pour suivre ce cours, c'est quelques marqueurs de pinceaux de différentes tonalités. Idéalement, quelques tons clairs et foncés, un crayon, une gomme et le papier de votre choix J'espère que c' est quelque chose d'assez abordable pour que vous puissiez vous entraîner autant que vous le souhaitez et soyez prêt à expérimenter et à vous amuser. J'ai ajouté un livre de coloriage imprimable avec mes fleurs dessinées à la main que vous pouvez imprimer à la maison et colorier avec des feutres pour un peu plus de pratique et Si vous souhaitez rester en contact, assurez-vous de me suivre ici sur Skillshare J'aime communiquer avec mes abonnés pour annoncer de nouveaux cadeaux, des cadeaux occasionnels et des tutoriels Et si vous aimez davantage de ressources créatives et de didacticiels, vous pouvez également me trouver grâce aux liens de mon profil, notamment un site Web, une chaîne YouTube , Instagram, une newsletter, une inscription, etc. Très bien, préparez votre matériel et consultez-le en classe. 2. Your Project: Votre projet pour ce cours est de créer une, deux ou autant d' illustrations botaniques que vous le souhaitez à l'aide de marqueurs. Le but de ce projet n'est pas de créer quelque chose de parfait, mais plutôt de comprendre la technique. Et je tiens à vous inviter à travailler avec plaisir et à ne pas vous concentrer uniquement sur les résultats. Mon objectif est de vous aider à vous sentir plus en confiance en créant du volume et de la profondeur, en utilisant seulement quelques couleurs, superposant des couches et en utilisant des coups de pinceau expressifs Tout au long du cours, je vous montrerai mes références botaniques directement à l'écran. Je ne fournirai pas de références téléchargeables, car bon nombre d'entre elles sont des références corporatives. Mais toutes les fleurs qui vous inspirent sont plus que bienvenues. Pour ce cours, je recommande de travailler sur un carnet de croquis ou un carnet de croquis que vous n'hésitez pas Il vaut mieux utiliser plus de papier que moins. Une fois que vous vous sentez à l'aise avec la technique et que vous avez pratiqué les exercices, vous pouvez toujours passer à un meilleur papier pour vos dernières pièces. Votre projet final, j' adorerais voir des photos de vos exercices de pinceau ainsi qu' une ou plusieurs illustrations florales finies. Si vous avez utilisé une palette de couleurs spécifique et que vous souhaitez me montrer comment vous l'avez conçue, vous pouvez également télécharger cette page. De plus, si vous avez fait des croquis au crayon pour explorer les formes ou les positions des fleurs, n'hésitez pas à les inclure. J'aime vraiment suivre toutes les étapes du processus. En prime à ce cours, j'ai inclus trois démonstrations de peinture lesquelles j'enregistre simplement le processus de peinture différentes fleurs sans expliquer chaque étape Elles sont destinées à vous permettre d'observer comment j'applique les concepts de ce cours de manière plus intuitive et en temps réel. S'il y a une fleur en particulier que vous aimeriez voir peinte dans le futur, n'hésitez pas à laisser un commentaire. J'adorerais enregistrer d'autres démos et éventuellement les ajouter au cours Vous trouverez un classeur téléchargeable dans la section des projets et des ressources avec quelques pages à colorier et des photos que j'ai prises moi-même Dans l'ensemble, ce cours est conçu pour être calme, accessible et relaxant La configuration est volontairement simple, vous pouvez donc vous concentrer sur le renforcement confiance et le plaisir du processus. Une fois votre projet terminé, téléchargez-le dans la galerie de projets de ce cours car j'ai hâte de voir ce que vous allez créer. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer les outils dont vous aurez besoin pour ce cours. 3. Tools & Materials : Parlons maintenant du matériel dont vous aurez besoin pour ce cours. Commençons par le type de papier dont vous aurez besoin. Je veux vraiment que tu puisses utiliser ce que tu as chez toi. Le papier blanc pour imprimante convient parfaitement. Et si vous avez un carnet de croquis que vous aimez, utilisez-le aussi. J'ai utilisé du papier aquarelle pressé à froid dans le passé, et cela a bien fonctionné pour moi. Mais pour ce cours, je vais peindre dans ce carnet de croquis en papier recyclé Si vous me connaissez déjà, vous savez à quel point j'aime utiliser des outils abordables, surtout lorsque j'apprends une nouvelle technique. Donc, en utilisant ce carnet de croquis en papier recyclé, me dérangera pas d'utiliser autant de pages que nécessaire pour les études de couleurs, palettes de couleurs et les exercices au marqueur Même si je pense que de nombreux articles peuvent fonctionner avec cette technique, il y a quelque chose que je souhaite partager avec vous. En enregistrant l'une des démos, j'ai réalisé quelque chose d'important Certains papiers fonctionnent mieux avec les marqueurs à pinceau que d'autres. Lorsque j'ai ajouté cette ligne marron foncé à cette petite fleur, l'encre a commencé à couler dans les couleurs plus claires situées à côté, ce qui était tellement ennuyeux. Cela s'est produit parce que j'avais déjà appliqué deux ou trois couches en dessous, sorte que cette zone était un peu humide et que l'encre plus foncée s'est estompée et s'est étalée Voici donc un test rapide que vous pouvez faire avant de vous engager à peindre une œuvre complète. Les différents papiers contiennent des fibres différentes et absorbent les pigments de différentes manières. Peignez deux blocs de couleur, l'un horizontal et l'autre vertical, afin de créer un petit carré au milieu où les couches se chevauchent. Cette zone centrale sera plus opaque et un peu plus humide. Prenez ensuite un marqueur plus foncé et tracez une ligne diagonale dessus. Vous pouvez le faire sur trois ou quatre types de papiers que vous trouverez chez vous. Ici, j'utilise du papier aquarelle, du papier d'impression ordinaire, du papier recyclé, et ce quatrième, qui fait partie d'un carnet de croquis que j' avais sur lequel j'ai peint ma fleur Les couleurs que j'utilise ici sont très contrastées. Normalement, vous ne peindriez pas comme ça, mais c'est un excellent test pour voir comment se comporte votre papier Sur ce premier papier, la ligne foncée semble assez nette. Ce second papier s'appelle papier aquarelle imprimé, et il retient également bien l'encre Ce troisième est du papier d'imprimante ordinaire et, étonnamment, la couleur est principalement contenue. Et sur ce quatrième échantillon où le papier est plus humide, l'encre foncée commence à pénétrer beaucoup dans les zones claires N'y réfléchis pas trop. Il s'agit simplement d'un test rapide qui vous permettra de choisir le papier le plus facile à contrôler. Parlons maintenant des marqueurs. Je ne vais pas encore mentionner de couleurs spécifiques , car nous le ferons dans la prochaine leçon. Mais en général, tous les marqueurs ou stylos à lettres peuvent très bien fonctionner La principale chose à rechercher est une pointe souple et flexible, qui permet de créer des marques plus épaisses lorsque vous appliquez plus de pression et des lignes fines lorsque vous appliquez moins de pression. Certains marqueurs ont une pointe plus dure, et même si vous appuyez dessus, vous ne pouvez pas vraiment obtenir de lignes épaisses. Vous pouvez obtenir une certaine variété, mais pour cette classe, nous voulons des marqueurs qui peuvent se comporter comme un pinceau. Donc, tant que vos marqueurs ont une pointe de brosse souple, vous êtes prêt à partir. Peu importe la marque. Cela dit, certaines marques sont meilleures que d'autres. Par exemple, il s' agit de marqueurs tumbo. Je les ai beaucoup utilisés lorsque je travaillais comme designer de motifs de surface à Londres, et il me reste encore de nombreuses couleurs. Ils ne sont pas les moins chers, mais ils sont très durables. Ils sont également dotés d'une double pointe, une pointe de brosse plus épaisse à une extrémité et une pointe fine à l'autre. La pointe du pinceau est idéale pour couvrir de grandes surfaces, et la pointe fine peut être utilisée pour les détails, même si personnellement, je ne l'utilise pas souvent. Celui-ci est un château fabuleux. La pointe semble fine, mais elle est très douce. Donc, si j'appuie, je peux créer des traits plus épais ou utiliser une touche légère pour les ridules. Beaucoup de stylos à lettres sont de ce type, donc si vous en avez déjà un à la maison, je pense qu'ils fonctionneront à merveille Et celui-ci est une marque colombienne appelée Pelican. Même s'ils sont vraiment bons, je dois dire qu' ils ne sont pas aussi durables qu' un tumbo, mais je les adore quand même Une fois de plus, en fonction de la pression je peux obtenir des lignes épaisses ou fines. Vous aurez également besoin d'un crayon pour vos premières esquisses. Je recommande d'utiliser un crayon doux. Voici pourquoi. Un crayon plus dur comme celui-ci en H reste très léger Vous finissez par appuyer plus fort pour le voir, ce qui peut endommager le papier. Un crayon plus doux comme le HB ou deux B permet d'obtenir des lignes plus sombres avec moins de pression, ce qui facilite l'esquisse et l'effacent plus tard HB or to B est parfait. Tout ce qui est plus doux que cela convient aussi, mais si vous optez pour un produit très doux, comme quatre B et plus, cela peut commencer à tacher le papier. Donc, HB or two B est un excellent endroit idéal. Vous aurez également besoin d'une gomme propre. Le mien est un peu sale parce qu'il est dans mon étui à crayons depuis des lustres, mais il fonctionne très bien. L'un d'eux est un Stetler. Certaines gommes à effacer sont vraiment nulles Ils se contentent, laissent de la couleur derrière eux et s'effacent à peine. Alors petit conseil, testez votre gomme avant de commencer. Un taille-crayon est également pratique. Dans la leçon suivante, nous allons parler palettes de couleurs et du type de tons que vous souhaitez utiliser pour ce cours, afin que vous puissiez choisir vos couleurs en toute confiance. 4. Gathering Inspiration: Dans cette leçon, je vais vous montrer mes deux ou trois principales sources d' inspiration lorsqu'il s'agit de peindre des œuvres d'art botaniques. Je vais commencer par le plus accessible, et c'est la nature. La nature est partout. Vous pouvez sortir à peu près n'importe quelle saison. Et lorsque vous voyez une fleur ou une plante qui attire votre attention, oubliez pas de sortir votre téléphone et de prendre une photo. Au fil des ans, je me suis créé un dossier dans la galerie de caméras de mon téléphone. Je garde des photos de fleurs, de feuilles, de kilos. Certaines de ces photographies ont été prises dans des jardins botaniques. C'est un jour où nous sommes allés visiter un magnifique jardin botanique lors de notre voyage. Mais je n'ai pas mis à jour ce dossier depuis longtemps. Parfois, je cherche simplement le mot fleurs, puis mon iPad ou mon téléphone rassemble toutes les photographies et œuvres d'art contenant des fleurs Actuellement, j'ai plus de 1 300 photos florales dans ma galerie, ce qui est assez amusant Il y a probablement aussi des peintures là-bas. Je suis pressée, j'ai l'habitude prendre une photo puis de partir. Mais quand j'ai un peu de temps, c'est généralement ce que j'aime faire. Je commence par prendre une photo plus frontale où je peux voir clairement tous les détails, le centre de la fleur, la forme des pétales et la façon dont tout est structuré. Si je vois une autre fleur frontale, j'aime aussi la photographier pour avoir un peu plus de variété. Ensuite, j'aime prendre quelques photos supplémentaires de la même plante sous différents angles. Particulièrement intéressé à voir à quoi ressemble la fleur dans différentes positions, certaines tournées vers l'avant, d'autres sur le côté, et aussi quelques boutons floraux, s'il y en a. Cette variété me donne beaucoup plus d'informations sur lesquelles travailler plus tard. Par exemple, j'ai pris ces photos de roses à Londres parce que je les trouvais tellement belles. J'ai photographié le bouton, la fleur complètement ouverte, la fleur vue de côté, ainsi que les feuilles. J'ai même pris quelques photos de la même rose sous différents angles. Ainsi, si j'ai envie de peindre ou de concevoir quelque chose avec ces roses, j'ai déjà des références montrant quoi ressemble la plante sous de multiples angles. C'est essentiellement ce que je fais lorsque je trouve l'inspiration. Prenez simplement votre téléphone, et chaque fois que vous voyez une fleur que vous aimez, prenez quelques photos prises dans différentes directions, enregistrez-les ensemble dans un dossier et, au fil du temps, vous créerez une très belle bibliothèque de références. Et souvent, ils vous rappelleront aussi l'endroit où vous les avez emmenés. OK, je vais mettre mon iPad de côté et passer à ma deuxième source d'inspiration préférée , les livres. En préparant ce cours, je me suis rendu compte du nombre de livres que j'avais. Je crois que lorsque je vivais à Londres, je travaillais beaucoup dans le secteur de la conception de motifs de surface, et je suis devenue accro à l'achat de livres floraux Une fois, je me suis offert ce magnifique ensemble de cartes postales créées et illustrées par Katie Scott et Kathy Willis J'avais l'habitude de décorer mon studio avec ces cartes postales et en inspirer parfois pour représenter certaines Et puis j'ai tous ces livres. J'en ai collectionné un certain nombre lorsque je vivais à Londres, et j'adore y revenir pour m'inspirer. La plupart de ces illustrations ont été réalisées avant que la photographie ne soit vraiment une réalité. artistes et les botanistes étaient donc littéralement assis avec les plantes, les observaient attentivement, puis les peignaient à la main. Ce que je trouve vraiment intéressant c'est que ces dessins n'étaient pas censés être décoratifs au sens où nous pensons aujourd'hui à l' illustration COVI C'était une façon d'étudier et de comprendre les plantes. Même dans ce but, ils sont toujours très expressifs et beaux. Quand j'utilise des livres comme celui-ci, je n'essaie pas de copier exactement une plante. Je m'intéresse davantage aux formes, à la façon dont les éléments sont composés sur la page et à la façon dont les couleurs sont utilisées. Il s'agit plutôt de laisser ces références éclairer mon œil plutôt que d'avoir envie de reproduire exactement ce que je vois. En fait, lorsque je cherche l'inspiration, je préfère me concentrer sur les petites planches ou les illustrations en miniature Voir les œuvres d'art à plus petite échelle m'aide à prendre du recul et à m' imprégner de la composition globale et des formes principales sans trop me laisser emporter par les petits détails. Cela me permet également de ne pas copier les choses exactement telles qu'elles sont représentées. Au lieu de cela, je peux absorber la structure et le sentiment de l'illustration, de la composition et des couleurs, puis les traduire dans mon propre style d'une manière beaucoup plus naturelle. Et bien sûr, Internet est également un excellent endroit pour trouver l'inspiration, en particulier pour les plantes que je n'ai pas dans ma photothèque ou dans mes livres. J'utilise souvent des sites comme Pinterest ou Pexels pour trouver rapidement des références, et j'ai créé un petit tableau d'inspiration que vous pouvez télécharger et utiliser comme point de départ pour ce cours si vous 5. Defining a Colour Palette: Bon, parlons maintenant des tonalités. Pour créer des nuances sur vos fleurs, il est très important d'avoir quelques tons de la même couleur Donc, certains plus clairs et d'autres plus foncés. Beaucoup de ces emballages sont proposés avec couleurs très saturées et fortes, mais il est essentiel d'avoir une variété entre une teinte très claire et une teinte plus foncée de la même couleur. Donc, par exemple, je vais prendre cette couleur menthe, ce vert clair, et en appliquant une certaine pression sur la pointe, je vais peindre cette zone. Ce serait donc la couleur claire, la teinte claire, puis je vais prendre ce vert, et ce serait la couleur que j'utiliserais pour commencer à donner du volume et des ombres à mes éléments botaniques. La couleur est en fait assez contrastée, je vais donc tester un autre vert, qui est également foncé, mais qui pourrait être un peu plus clair. Je crois que je préfère celui-ci. Ainsi, par exemple, si vous voulez dessiner une feuille, vous utilisez la couleur la plus claire pour la base, puis vous utilisez un ton plus foncé pour créer des ombres et du volume sur le dessus. Passons maintenant à la palette de couleurs. Vous n'avez pas besoin d'un million de couleurs pour ce verre. Si vous avez deux ou trois couleurs pour vos fleurs et une pour vos feuilles, vous serez prêt à partir. Dans mon cas, je veux avoir un jaune clair, un rose clair et un bleu clair pour mes fleurs, et je vais utiliser cette couleur menthe pour mes feuilles. Pour sélectionner les tons les plus sombres, je vais utiliser une nouvelle page et vous montrer un bon exercice que vous pouvez faire pour commencer à tester si vous aimez les combinaisons de couleurs. Je vais commencer par créer quatre rectangles en utilisant les quatre couleurs claires que je souhaite utiliser pour cette classe Comme vous pouvez le constater, il est très facile de couvrir grandes surfaces lorsque vous appliquez une pression sur la pointe de ce type de feutre-pinceau. À la maison, vous pouvez commencer par sélectionner quatre couleurs claires et quatre nuances plus foncées de la même couleur. Je vais donc commencer par le jaune, en testant celui-ci. Il est un peu plus saturé, mais il n'est pas assez sombre pour créer des ombres ou du volume. Je vais donc tester cette ocre superposant une ligne au-dessus du rectangle Cette couleur, bien qu' elle soit assez foncée, conviendra beaucoup mieux aux nuances et au volume. J'ai aussi ce ton pêche, qui est également joli quand je le superpose au jaune. Je pense que n'importe laquelle de ces deux couleurs peut très bien fonctionner pour l'ombrage, et je vais les mettre ici et passer à l'essai du rose Je vais voir comment la couleur pêche superpose à ce rose Je ne pense pas que ce soit assez contrasté et que cela change le ton du rose. Je vais donc le jeter. J'ai cet autre rose plus foncé ici, qui, je pense, pourrait très bien fonctionner. Et j'ai aussi trouvé ce rouge plus foncé dans mon tumbo pack, mais je trouve que celui-ci est trop foncé, un peu froid et qu'il crée beaucoup trop de contraste J'ai aussi cet orange foncé, qui est un peu plus chaud, pas aussi froid que ce rouge, et je trouve qu'il fonctionne très bien avec le reste du ton. Alors enregistrez-le également. Passons au bleu, j'ai cette teinte foncée et désaturée, qui est vraiment sympa, qui est vraiment sympa, ou j'ai ce bleu plus saturé et plus clair C'est également très sympa, mais à mon goût, aujourd'hui c'est un peu saturé, et je penche plutôt vers les couleurs désaturées. Je vais donc utiliser le premier bleu. OK, enfin, je vais passer sur le green et voir ce que j'ai. Ce vert est sympa, mais je trouve qu'il fait encore une fois un peu trop sombre. Je vais donc tester cet autre et voir s'il me plaît. Il est également très sombre, mais je trouve qu'il dégage une certaine chaleur qui pourrait très bien se combiner avec le reste des tons. Je vais donc sélectionner ce second sans trop y réfléchir Bon, enfin, au bas de ma page, je vais créer quatre échantillons en utilisant les plus claires et mettre les couleurs les plus foncées en dessous. En ce qui concerne le choix des couleurs, je vous encourage vivement à suivre votre intuition. n'y a pas de bonnes ou de mauvaises combinaisons ici et il n'est pas nécessaire de trop y réfléchir Prenez un moment pour regarder vos marqueurs et vos crayons et remarquez les couleurs qui vous attirent naturellement Quels sont les tons qui attirent votre attention en premier. Quelles combinaisons sont agréables ou excitantes à essayer. Faites confiance à cette réponse, elle fait déjà partie de votre langage visuel. La seule chose que je recommande est d'avoir au moins un ton plus clair et un ton plus foncé pour chaque couleur que vous choisissez. Cela vous donnera suffisamment de profondeur, de superposition et de contraste sans avoir besoin de beaucoup de matériaux Et n'oubliez pas que rien n'est réglé. Si à mi-chemin du cours, vous vous rendez compte qu'une couleur ne vous convient pas, vous pouvez toujours l'échanger contre une autre. Cette flexibilité fait partie du processus. En faisant ces petits choix intuitifs et en vous permettant de changer d'avis, vous apprenez non seulement la technique mais vous développez également lentement votre propre style. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à faire quelques exercices que vous commenciez à vous habituer à la technique qui consiste à ombrer et à donner du volume 6. Warm-Up: Pressure, Speed & Layering: Avant de commencer à peindre des fleurs, nous allons faire quelques exercices rapides pour nous familiariser avec les marqueurs à pinceaux. Considérez ces exercices comme un échauffement relaxant. Vous explorerez la pression, la vitesse et la superposition. Nous allons commencer par quelques exercices simples vous aider à vous familiariser avec le fonctionnement des marqueurs à pinceaux. Voyons d'abord comment tenir le pinceau. Pour créer des marques plus épaisses, essayez de tenir le marqueur un peu plus loin de la pointe et d'appliquer une légère pression. Appliquez généralement une pression en posant ma main sur la table et en appuyant légèrement vers le bas. Cela aide à relâcher la tension de mes doigts et de mon coude et me donne beaucoup plus de contrôle. Au lieu de tracer une ligne épaisse du début à la fin, essayez ceci. Appliquez une pression au début du trait, puis soulevez le stylo au fur et à mesure que vous avancez. Cela crée une variation naturelle d'épaisseur. Je vais changer de couleur maintenant juste pour que les choses restent ludiques et répéter le même exercice. Cette fois, en commençant par le bas et en remontant, appliquez à nouveau une pression au début du trait, puis soulevez le stylo au fur et à mesure que vous vous déplacez vers le haut. Il est très important que votre main reste appuyée sur la table pendant que vous faites cela. Je ne dessine pas avec ma main en l'air car cela rendrait le contrôle du pinceau beaucoup plus difficile. Posez votre main sur le papier, exercez une pression, puis soulevez-le au fur et à mesure que vous vous déplacez. Pour la ligne suivante, nous allons commencer à ajouter des courbes. Essayez de tracer des courbes dans une direction, puis changez de direction. Le principe reste le même. Appuyez au début, soulevez le pinceau au fur et à mesure. Vous pouvez répéter cet exercice en commençant par le bas et en remontant également. Vous n'avez pas besoin de beaucoup de coups. Même trois ou quatre à la fois suffisent. C'est bon. Passons maintenant à la superposition. Je vais introduire une deuxième couleur et répéter le même type de traits. Mais cette fois, je vais varier un peu plus la direction et l' épaisseur. Certains traits peuvent être plus larges, d'autres plus fins. Avec cette couleur plus foncée, essayez de ne pas recouvrir complètement la première couche. Laissez transparaître la couleur initiale. C'est ainsi que nous commençons à créer de l'ombrage et du volume, en particulier lorsque nous peignons des pétales et des feuilles Pour une troisième couleur, vous pouvez encore plus mélanger les directions. Traitez donc de haut en bas, d'autres de bas en haut et gardez-les légèrement plus légers. Pour le dernier set, essayez d'appliquer globalement moins de pression. Commencez tout de même le trait plus épais et soulevez doucement le stylo. Cet exercice consiste en fait à tester niveau de pression et voir comment les différentes couches interagissent. Vous pouvez déjà voir le volume que vous pouvez créer en utilisant seulement deux couleurs. Tiens bon. Essayons maintenant quelque chose de légèrement différent. Cette fois, maintenez le marqueur plus près de la pointe. Encore une fois, posez votre main sur la table pour rester détendue. Au lieu d'utiliser la pression, concentrez-vous davantage sur la vitesse. traits légers et rapides pour créer des lignes plus fines et une texture subtile. Vous pouvez expérimenter avec différentes couleurs ici ou même introduire une troisième couleur comme cette orange. L'objectif est simplement d' explorer l' impact des différentes poignées, pressions et vitesses sur vos marques Remarquez à quel point la sensation est différente lorsque vous maintenez le stylo plus près de la pointe ou plus en arrière, et comment cela change la texture et le ton que vous créez. Avant de passer à autre chose, n'oubliez pas que vous pouvez pratiquer ces exercices autant que vous le souhaitez. n'y a pas de limite, et honnêtement, c'est l'une de ces choses qui devient plus facile et plus efficace que si vous la répétez. Personnellement, j'adore vraiment faire ce genre d'échauffement. J'essaie de rester présente pendant que je le fais, sentant la texture du papier, écoutant le son des coups de pinceau et en remarquant le comportement du marqueur lorsque je modifie la pression ou la vitesse C'est une pratique très simple, mais elle peut être étonnamment relaxante. C'est également un excellent endroit pour tester les couleurs. Même si deux marqueurs se ressemblent dans la boîte, ils peuvent sembler complètement différents sur le papier. Ces petits échantillons vous apprennent donc beaucoup de choses très rapidement. Dans la prochaine leçon, nous utiliserons tout ce que nous avons pratiqué ici et l'appliquerons directement sur les pétales et les feuilles afin que vous puissiez commencer à utiliser ces traits d'une manière plus botanique. 7. Practice: Painting Petals & Leaves.mp4: Entraînez-vous à peindre des pétales et des feuilles. Nous allons commencer par esquisser quelques éléments à utiliser comme guides Je vais dessiner une goutte ovale inversée sinon c'est peut-être déjà un pétale Et pour le troisième, nous n' utiliserons qu'une ligne comme guide. Pour les feuilles, dessinons une longue feuille. Et puis peut-être trois lignes qui se rejoignent ci-dessous. Ensuite, nous pouvons dessiner une tige en bas. N'oubliez pas qu'il s'agit d'un exercice. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait et il n'y a pas de bien ou de mal. Pour le premier pétale, nous allons essentiellement répéter cet exercice tout en restant dans cet ovale Je vais donc commencer par appliquer une pression sur mon marqueur, puis le soulever au fur et à mesure que je descends. Peu importe si vous surpassez la marque du crayon et que vous montez ensuite Pour le second, je vais commencer par appliquer une pression dès le début. Essayez de faire varier la pression et rester dans les limites des marques de crayon. Et puis, à partir du bas, tracez des lignes allant vers le haut. Et puis pour celui-ci, je ne vais le prendre que comme référence. Je vais donc essayer d' imiter ce que j'ai fait ici, mais sans marques de crayon Avant de faire l'ombrage, je vais effacer cette première marque C'est donc pour vous montrer que même si j' ai utilisé un crayon doux pour cela, je peux toujours l'effacer une fois que j'ai peint avec mes feutres à pinceaux. Maintenant, je vais utiliser la deuxième couleur pour affiner la forme des pétales Je vais commencer par le haut. Je ne vais pas couvrir la couche ci-dessous, mais appliquer des nuances en haut et en bas et définir la forme du pétale Je vais faire de même avec celui-ci. Je vais commencer par effacer la marque de crayon et utiliser la couleur contrastante pour ajouter des nuances Cette couleur a beaucoup plus de contraste et pourrait vous rendre plus nerveuse. Mais il ne s'agit que d'un exercice pratique, et il est bon de commencer à tester l'apparence des choses. Habituellement, lorsque les couleurs sont plus foncées, j'ai tendance à les utiliser un peu moins, et je fais également un peu plus attention lorsque j' applique la deuxième couche. Vous pouvez également commencer à jouer avec différentes textures pour adoucir les transitions d' une couleur à l'autre. Je ne fais pas ça très souvent, avec les points, mais c'est sympa d'essayer. Et maintenant, pour ce troisième, je vais commencer à faire de même. Avant de passer aux feuilles, je veux juste vous montrer comment vous pouvez utiliser le crayon pour commencer à ajouter des nuances à vos éléments botaniques Lorsque j'utilise des couleurs claires et mes fleurs, j'utilise parfois le crayon pour donner des nuances Si vous êtes curieux plus tard, vous pourrez également les tester. Et si vous le faites doucement, le mieux est que si vous ne l'aimez pas, vous pouvez simplement l'effacer OK, passons aux feuilles. Sur cette feuille, nous allons utiliser des traits plus fins et plus longs qui iront du haut vers le bas de la feuille. Et je vais les amincir haut et en bas et essayer d'épaissir la ligne vers le milieu de la feuille Vous pouvez constater qu'avec ces exercices au pinceau, nous nous entraînons non seulement à utiliser le stylo, mais aussi à commencer à obtenir du volume. Vous commencez à maigrir en appliquant moins de pression et vers le milieu, vous commencez à appliquer plus de pression. Passons à la deuxième feuille. Dans ce cas, nous allons commencer par le côté et passer au centre en utilisant des courbes. Appliquez une légère pression au début et épaississez le pinceau au fur et à mesure que je me déplace vers le centre , puis je répète le même exercice de l'autre côté Maintenant, je trouve toujours un côté plus difficile que l'autre pour une raison ou une autre. Je pense que c'est à cause de la position de ma main. Vous me verrez faire pivoter mon papier lorsque je peindrai mes plantes. Avec ces marqueurs en forme de pinceau, vous pouvez commencer à créer un peu d' ombrage en ajoutant des couches secondaires Vous pouvez voir que lorsque je superpose ces nouveaux traits, je crée instantanément du volume en assombrissant certaines zones de la feuille Bien, passons à la pratique pour ajouter du volume en utilisant un ton plus foncé. Nous allons faire quelque chose de similaire aux pétales, mais en utilisant le pinceau dans des directions différentes, suivant ce que nous avons déjà fait sur la première couche. Donc, pour ce premier feuillet, je vais commencer par le bas, en remontant, en appliquant très peu de pression au début, puis en essayant de lever mon stylo en remontant. Je vais d' abord faire un côté de la feuille , puis passer de l'autre côté. Il est très important de ne pas recouvrir complètement la première couche. Essayez de varier la façon dont vous utilisez votre feutre-pinceau pour chaque feuille. Utilisez plus de vitesse, moins de pression. Soulevez votre stylo. Vous pouvez assombrir certaines feuilles plus que d'autres. Pour le second, je vais commencer par le centre. J'ai appliqué très peu de pression cette veine centrale et j'ai saisi mon marqueur plus près de la pointe pour avoir plus J'applique donc une pression sur ma main vers la table afin que mes doigts puissent manipuler le pinceau de manière plus contrôlée. Pour ajouter un intérêt visuel et obtenir encore plus de volume, vous pouvez assombrir certaines zones de la feuille plus que d'autres Enfin, nous allons utiliser ces lignes comme guides. Je vais redessiner ce second pour mieux le voir et imaginer qu'il s' agissait d'une nervure centrale de ma feuille J'aime beaucoup faire ces exercices sans tout dessiner au crayon au préalable car cela vous donnera l'assurance nécessaire pour vraiment peindre avec votre pinceau au lieu de toujours colorier des formes prédessinées. Comme ces feuilles sont assez longues, je vais revenir à l'ombrage par le haut et par le bas et non par les côtés Enfin, je vais m' entraîner à dessiner cette tige. Avec ces lignes plus longues, vous devrez vous entraîner à utiliser votre poignet et ensemble de votre bras pour pouvoir les dessiner en une seule fois. Je vais effacer les marques de crayon. Je sais qu'il s'agit d'un exercice, il n'est donc pas nécessaire de le faire. Mais parfois, j'aime scanner ces pétales et ces feuilles et les manipuler numériquement pour créer des compositions sur Procrit ou avec Photoshop Prenez votre temps avec ces exercices car ils vous aideront vraiment à comprendre comment utiliser vos marqueurs à pinceaux. Et une fois que vous serez en confiance, retrouvez-moi lors de la prochaine leçon où nous allons commencer à dessiner la composition sur la première fleur 8. Dahlia: Sketching the Composition: Pour cette première fleur, je vais utiliser un de mes magnifiques livres, et sans trop y réfléchir, je vais choisir l'une de ces fleurs à peindre En termes de simplicité et de composition, je pense que cela pourrait être un bon choix car il ne s'agit que d'une seule fleur. Celui-ci attire également mon attention. Je vais poursuivre avec cette référence. C'est une grande fleur, puis elle a quelques feuilles dans différentes positions. Ce rectangle a un ratio un peu différent de celui de ma page, mais cela n'a pas d'importance. Je vais commencer par tracer quelques lignes, en laissant une distance similaire sur chacun des côtés. Je peux également en ajouter quelques-uns sur ces coins, ce qui m'aidera à respecter cette bordure et à créer une composition plus équilibrée. Bon, maintenant je vais commencer à créer quelques formes de base pour déterminer la taille de chacun de mes éléments, en commençant par dessiner un cercle pour la fleur jaune. Pour le moment, je dessine très doucement sur mon papier pour ne pas laisser de traces, car je ne travaille que sur l'emplacement de mes éléments Il y a donc une grosse fleur là-haut. Ensuite, il y a une tige qui prend la forme d'une courbe. Il y a une deuxième tige parce que l'une de ces tiges se trouve derrière la fleur, mais je n'ai pas beaucoup d'espace ici pour mettre cette fleur. Mais à cause de la proportion de papier que j'utilise, j'ai moins d'espace dedans. Il est important de ne pas être trop obsédé par la copie de la composition, mais de l'utiliser comme guide pour placer les principaux éléments. Je peux voir qu'il y a une grande feuille ici, alors je vais la placer sur mon papier, puis il y a cette autre branche qui passe de l'autre côté avec quelques feuilles plus petites qui sortent de cette tige principale. Et puis il y a une autre tige ici, donc je vais la faire beaucoup plus petite et avoir moins de feuilles. Comme vous pouvez le constater, je suis déjà en train de modifier beaucoup la taille de chaque élément et d'adapter le tout à mon papier. Cette composition est bonne telle quelle, mais j'ai voulu essayer différentes choses et j'ai fini par trop compliquer les choses. Vous pouvez rester aussi simple que vous le souhaitez, mais comme il s'agit de votre composition, vous êtes autorisé à tester les choses autant que vous le souhaitez. Je vais placer le reste de la vidéo à une vitesse plus élevée afin que vous puissiez voir le passage d'une composition à l'autre. J'essayais essentiellement de rentrer dans le parterre de fleurs, que je n'ai même pas peint au final. Mais cela fait partie du processus de création, et c'est pourquoi il est bon de commencer par placer vos éléments avec le crayon avant de passer aux marqueurs. Bon, maintenant je vais vous montrer comment je développe la fleur. Je commence donc par dessiner un cercle plus grand, que j'ai déjà, puis je place le centre de la fleur, qui dans ce cas se trouve au milieu du cercle extérieur Ensuite, je trace quelques marques à l'aide ces lignes courbes qui m' aideront à placer chacun des pétales Ensuite, j'utiliserai mes marqueurs pour les compléter. Je comprends que cela demande un peu plus de pratique et de confiance. Donc, si tu te sens mieux, tu peux dessiner le pétale entier. Dans la prochaine leçon, nous allons commencer à peindre notre fleur. 9. Dahlia: Painting the Base Color Layer: Je n'ai pas de dessin très détaillé ci-dessous, et je le fais exprès. J'aime que l'esquisse soit assez souple, car cela me donne plus de liberté pour ajuster les formes lorsque je travaille avec les pinceaux. Je vais commencer par la fleur, et avant de peindre, j'introduis quelques tons jaunes différents dans ma palette. Cela me donne plus de variété entre le centre et les pétales. Les pétales resteront plus jaunes et le centre penchera un peu plus vers le ton ocre fait de préparer cette petite gamme de couleurs à l'avance peut vraiment vous aider à prendre des décisions lors du développement de vos peintures. Je vais commencer par peindre les pétales. Comme nous nous entraînons pendant la leçon d'exercices, je commence par le bord extérieur du pétale, puis je soulève mon stylo en me déplaçant vers l'intérieur Vous pouvez toujours voir certaines de mes lignes de crayon ici. Donc, avant de continuer avec le reste de la fleur, je vais les nettoyer doucement. J'aime à peine voir le croquis ci-dessous. Cela me donne une structure suffisante pour être suivie, mais laisse également de la place aux marqueurs à pinceau pour faire leur travail. C'est exprès que je garde la photo de référence assez petite. Je ne veux pas que tu te concentres sur la copie de la fleur telle qu'elle apparaît. Je veux plutôt que vous l' ayez comme guide, principalement pour la forme générale et la couleur. Pendant que je peins, remarquez que je laisse de petits espaces blancs entre mes traits. C'est vraiment important. Ces zones blanches créent de la lumière et du volume, et une fois qu'elles sont recouvertes, il est presque impossible de les rétablir. Il est donc toujours préférable d'être un peu conservateur dans cette première couche. Je fais également en sorte que les pétales soient légèrement plus pointus que la référence. C'est l'un de ces moments où vous pouvez commencer à fabriquer vous-même la farine, en ajustant les formes d'une manière qui vous semble naturelle. Je vais maintenant passer au centre de la farine. Je tape le papier avec le marqueur plutôt que d' utiliser de longs traits, ce qui permet de suggérer de la texture et du volume. Je passe à une tonalité tonale afin qu'il y ait un contraste clair entre les pétales et le centre. Encore une fois, je laisse beaucoup d'espace blanc ici. Dans la deuxième couche, je déciderai dans quelle mesure je veux faire plus sombre. Mais pour le moment, je préfère faire les choses tard. Il est toujours plus facile d'ajouter un peu plus de profondeur par la suite que de la supprimer. C'est tout pour la première couche de farine. Ensuite, je vais passer à la création de la couleur de base pour les feuilles et la tige, en gardant tout doux et flexible à ce stade. Comme nous avons déjà fait les exercices au marqueur plus tôt dans ce cours, j'espère que vous commencez à vous sentir plus en confiance lorsqu'il s'agit de peindre les différentes parties de ce dahlia N'oubliez pas que cette première couche n' est qu'une base. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. N'oubliez pas de faire pivoter votre papier s'il vous difficile de créer ces courbes. Comme je l'ai dit, je trouve toujours qu'il est plus facile de peindre l'un des côtés des feuilles que l'autre pour une raison ou une autre. Vous remarquerez également que je ne suis pas exactement le dessin au crayon tel que je l'ai esquissé au début Je ne l'utilise vraiment que comme référence vague. Cela me donne la liberté d' ajuster les formes au fur et à mesure et de répondre au marqueur au lieu d'essayer de trop le contrôler. Si, à tout moment, vous avez l' impression d'avoir des difficultés, n'hésitez pas à faire une pause et à passer à une autre page. Vous pouvez toujours créer quelques exercices supplémentaires, par exemple remplissant une page uniquement avec des feuilles et une autre avec des pétales de différentes formes. Ce type de répétition est incroyablement utile et soulage beaucoup le dessin final. Une autre option consiste à continuer et à terminer la farine sur laquelle vous travaillez actuellement, en sachant que la deuxième couche vous donnera l'occasion d' affiner les formes, d' ajouter de la profondeur et d'améliorer ce qui existe déjà La couche de base n'a pas besoin d'être parfaite. Ce n'est qu'un point de départ. Et si au final, vous n'aimez pas le résultat, c'est tout à fait normal. Ce qui compte vraiment, c'est que tu t'es entraîné. Vous avez terminé la pièce et vous avez passé du temps à apprendre comment se comportent ces marqueurs à pinceau. Chaque page que vous complétez vous aide à gagner en confiance et à vous améliorer globalement. Enfin, je vais passer à la peinture de la tige. C'est marrant comme j'ai fini par modifier toute la composition pour l'adapter à un bouton floral que je ne vais pas peindre au final. Mais tu sais quoi ? C'est exact. La meilleure chose à propos de la peinture pour l'entraînement ou pour le plaisir, c'est que nous pouvons choisir ces choses. Alors, choisissez ce qui vous convient le mieux. Dans la leçon suivante, nous allons développer le volume et le contraste en ajoutant une deuxième couche avec des couleurs plus foncées. 10. Dahlia: Adding Volume and Depth: Je viens de me rendre compte que je n'ai pas appuyé sur Enregistrer lorsque j'ai fait la deuxième couche pour ma fleur, ce qui est très ennuyeux. Mais je vais vous expliquer ce que j'ai fait pour que vous puissiez me rattraper. En gros, j'ai légèrement assombri le centre en utilisant le jaune initial parce que j'avais laissé trop de zones blanches ici J'ai donc juste assombri cette zone. Veillez toujours à laisser des lignes blanches entre les pétales, car cette lumière donne vraiment beaucoup de volume. J'ai ensuite développé le centre en utilisant le ton ocre. J'ai analysé un peu la référence, en observant le centre, par exemple, qui a une zone plus foncée vers le milieu, puis un anneau de points plus sombres vers la partie extérieure du cercle. J'ai donc commencé à tapoter ces zones, en faisant attention à la pression que j'applique sur mon pinceau. OK, je vais prendre une autre page pour vous montrer exactement ce que j'ai fait avec les pétales. J'ai donc eu la base dans cette couleur jaune. Et puis j'ai utilisé cette couleur pêche que j'avais testée ici parce que je me suis rendu compte qu'en nuançant uniquement avec de l'ocre, la farine serait devenue bien trop foncée. Ainsi, en superposant une autre couleur de lumière, je peux obtenir des nuances beaucoup plus douces Comme je vous l'ai montré en faisant les exercices, j'ai commencé du haut vers le bas , puis j'ai fait quelques lignes du bas vers le haut. Enfin, j'utilise la couleur ocre pour dessiner des lignes très, très fines Si vous le souhaitez, vous pouvez pratiquer ce pétale avant de peindre votre fleur C'est l'une des raisons pour lesquelles j'aime ce carnet de croquis très abordable car cela ne me dérange pas d'utiliser plusieurs pages pour m'entraîner lorsque j' apprends une nouvelle technique Je vais donc maintenant revenir à la fleur et terminer d'appliquer cette troisième couche de couleur ocre Notez que je n' utilise cette couleur pour ajouter quelques petits traits au centre, sur les côtés du pétale, et au bout du pétale, des lignes très fines Et maintenant, je vais commencer à développer les parties vertes de ma plante. En regardant la référence, je constate qu'il n'y a que quelques zones plus sombres et qu'elles ont tendance à se diriger vers le centre des feuilles. Certaines tiges sont plus foncées que d'autres, ce qui donne vraiment beaucoup de volume à la plante. Mais en général, les feuilles sont très molles et ne présentent pas beaucoup de contraste. C'est dans cet esprit que je vais aller de l'avant et essayer d' interpréter ces choses à ma façon. Je vais développer cette deuxième couche très, très doucement. Très doucement. Au lieu de lignes épaisses, je vais utiliser des lignes très fines, saisissant le marqueur le plus près de la pointe, en appuyant sur ma main sur la table pour développer ce type de mouvement rapide Je n'exerce donc pas de pression sur le stylo, mais je libère simplement mes doigts pour faire ce type de geste de la main Je vais laisser la photo de référence ici au cas où vous voudriez la regarder également. Je vais donc assombrir un peu plus cette partie de la feuille que l'autre Vous me verrez développer les zones les plus sombres parfois à partir du centre, mais parfois je dessine davantage des côtés vers le centre. Et si vous ne vous sentez pas à l'aise, faites simplement pivoter votre papier. OK, ça suffit pour cette feuille. vais assombrir la zone située derrière la fleur pour Je vais assombrir la zone située derrière la fleur pour y créer du volume, puis peut-être décider laquelle de ces tiges va se placer au-dessus Je trouve que le développement des feuilles est un peu plus difficile que celui des pétales, et je ne sais pas pourquoi, mais il y a toujours une direction qui me semble plus facile. me semble donc un peu plus difficile de monter que de descendre. Parfois, je monte, mais le geste de descendre me semble plus naturel. C'est pourquoi je fais autant pivoter mon papier. Dans ce cas, par exemple, si je développais les ombres des feuilles, partant de la nervure centrale vers l'extérieur, cette rotation du papier serait confortable Mais dans ce cas, par exemple, je veux développer les ombres, partant de la partie extérieure, puis en me déplaçant vers l'intérieur, cette position serait beaucoup plus confortable car je fais l' ombrage du haut vers le bas du papier Je ne sais pas si vous comprenez ce que j'essaie de dire, mais c'est en quelque sorte la logique de faire autant tourner mon journal. Et il y a des feuilles que je vais naturellement rendre plus foncées que d'autres. Si vous avez un tumbo ou l'un de ces marqueurs à deux pointes, vous pouvez utiliser la pointe la plus fine vers la fin pour ajouter quelques détails supplémentaires, comme veines latérales, sans en faire trop. Donc, juste quelques-uns. Et pareil pour la fleur, vous pouvez ajouter quelques derniers détails si vous le souhaitez. Prenez votre temps pour développer votre fleur et ne vous précipitez pas. Si vous avez déjà terminé un étage, c'est le moment idéal pour faire une pause et le télécharger dans votre projet de classe. Vous n'avez pas besoin d'attendre que tout soit terminé ou parfait. Votre projet peut évoluer au fil du temps, et vous pouvez le mettre à jour à tout moment. Vous pouvez toujours y revenir plus tard et mettre à jour avec de nouvelles fleurs au fur et à mesure que vous les créez. En communiquant tôt, je peux commencer à vous faire part de mes commentaires au fur et à mesure, et vous pouvez également regarder en arrière et voir comment votre confiance en vous et vos médicaments pour le brossage des dents évoluent. Considérez votre projet comme un endroit où documenter votre processus, vos progrès, et pas seulement vos résultats finaux. Ainsi, dès que vous serez prêt, téléchargez ce que vous avez sur le projet et revenez ensuite en classe pour que nous puissions continuer à peindre. Mm. 11. Practice: Sketching Flowers the Simple Way: La fleur que nous utilisons comme référence ici s' appelle num grandi pleum , un nom un peu long et difficile Et comme notre objectif n'est pas de le copier exactement tel qu'il apparaît, je vais simplement les appeler petites fleurs. Nous allons les examiner d' une manière très simple et accessible Nous allons commencer par les dessiner à l'aide de formes de base, puis nous ajouterons un peu de couleur tout reste souple et souple Je vais commencer par vous montrer la fleur qui est frontale. Commençons par dessiner deux cercles. Si la fleur était entièrement frontale, le centre serait exactement au centre. Cette fleur, cependant, n' est pas exactement frontale et son centre se trouve quelque part ici. C'est donc un peu plus bas que le centre de la fleur frontale. Elle possède cinq pétales. Dans ce cas, comme la fleur est légèrement inclinée, je peux faire ces lignes, mais un peu sinueuses Ces lignes seraient le centre de nos pétales. Si je marque le milieu, c'est ici que le pétale va commencer Et une fois que vous avez ces marques en place, dessiner les pétales devient très facile. Et pour la deuxième fleur, le cercle extérieur peut beaucoup aider, surtout avec ces pétales qui se trouvent de chaque côté. Voyez comment je respecte le bord du cercle et comment je m'en sers comme guide pour dessiner mon pétale incliné, la même manière que celui du bas Dessinons maintenant une fleur encore plus inclinée. Pour varier ces exercices, je vais dessiner cet ovale en diagonale. Cela pourrait être plus facile si vous commencez par tracer la ligne diagonale, puis l'ovale au-dessus. Maintenant, je ne vais pas placer le centre droit au milieu, mais en dessous de la ligne. Il sera donc au centre de cette distance. Il s'agira d'un ovale incliné en dessous de la ligne séparant le plus grand ovale en deux moitiés. Maintenant, je vais marquer les repères des cinq pétales. Marquer le milieu de chacun de ces espaces. Et à partir de là, j'utiliserai le cercle extérieur pour compléter les pétales. Comme ce pétale se trouve en bas, il dépassera probablement un peu le centre Maintenant allons-y et dessinons une de ces fleurs qui regardent vers le haut. Je vais commencer par tracer une ligne qui marquera la direction de cette fleur. Le centre serait caché ici, puis les pétales se dirigeraient vers ce cercle. Je ne vais pas dessiner le cercle entier, mais plutôt la partie qui marque la fin de la fleur. Cette fleur a un très grand réceptacle, puis je vais marquer quelques pétales Et à partir de là, il sera très facile de continuer à définir la forme de cette fleur. Enfin, entraînons-nous à dessiner quelques boutons floraux. Celles de ces fleurs pourraient être représentées sous forme de coupes. Et puis un qui est complètement fermé et qui a les feuilles sur le dessus. Ce sont des exercices que vous pouvez créer ou non, mais j'aime bien les enseigner car ils vous permettront de commencer à vous habituer à représenter des fleurs dans différentes positions. Et le mieux, c' est que si vous nettoyez un peu ces dessins, vous pourrez continuer à pratiquer vos techniques de marqueur et même choisir les couleurs de votre prochain tableau. Je dessinais intentionnellement pour que vous puissiez voir clairement les lignes, mais j'ai l'habitude de rendre mes dessins beaucoup plus doux pour ne pas marquer le papier. Après avoir créé l'exercice, vous pouvez colorier ces fleurs afin de mettre en vos compétences en matière de marqueur pratique vos compétences en matière de marqueur et même utiliser des couleurs différentes. C'est grâce à ces exercices que vous vous améliorerez et gagnerez en confiance. Vous pouvez essayer différentes couleurs de base pour vos fleurs, puis superposer d'autres couleurs que vous n'avez peut-être pas choisies dans votre palette de couleurs initiale Peut-être trouverez-vous une combinaison de couleurs vraiment cool qui vous rend très confiante et heureuse, et vous pouvez l'appliquer à notre prochain tableau. Mon objectif pour ce cours est de vous faire jouer avec différentes couleurs, différentes formes et d'apprendre à représenter différents types de fleurs. Notre objectif n'est pas de créer une fleur réaliste ou de copier un spécimen spécifique, mais plutôt de nous en inspirer. Utilisez donc cette leçon pour expérimenter et jouer autant que vous le souhaitez, tester différentes couleurs, en superposant trois ou quatre couches à la fois si c'est ce que vous voulez. Et si vous découvrez que vous préférez une certaine combinaison de couleurs, indiquez-la à la leçon où nous peindrons notre prochaine fleur. 12. Small Flowers: Sketching the Composition: Dans cette leçon, nous allons nous concentrer sur l' esquisse de la composition en utilisant la référence comme guide plutôt que quelque chose à reproduire parfaitement Nous verrons comment les fleurs reposent sur la tige, comment elles sont espacées et nous concentrerons sur l'orientation des fleurs J'espère qu'après l'entraînement que nous avons fait lors de la dernière séance, vous commencerez à vous sentir un peu plus confiante face ces formes florales étouffantes Comme nous l'avons fait au début de notre composition précédente, je vais tracer ces repères pour m'assurer laisser une bordure afin de garantir une composition équilibrée dès le début. Je vais commencer par dessiner quelques formes simples et très douces de l'endroit où chaque fleur va aller. Vous pouvez voir que j' utilise des ovales et des cercles mettre en pratique ce que nous avons vu dans la leçon précédente Je vais maintenant tracer quelques lignes pour les tiges. Je m' inspire de cette référence pour la direction et la longueur des tiges, mais j'essaie de ne pas être trop obsédée par le fait de les copier exactement. Je vois qu'il y a un long bouton floral ici, ce que j' aime beaucoup, puis je vais dessiner cette branche. Je ne vais pas dessiner les feuilles car je vais les faire directement avec les feutres. Avec cette composition à l'esprit, je peux effacer mes marques et commencer à définir les directions des fleurs d'une manière plus précise. Je vais donc commencer par celle-ci au coin de la rue et continuer à penser à ces fleurs en termes de formes très simples. Il est très utile de savoir où elles vont être placées, puis je me fiche d' effacer la forme initiale pour développer la fleur de manière plus définie Je peux tracer une ligne indiquant où la tige va aller, puis tracer une ligne horizontale perpendiculaire pour définir où va aller le centre. À partir de là, je peux commencer marquer l'endroit où vont aller les pétales avec ces lignes et suivre ce que nous avons fait pendant la leçon d'exercices. Je vais passer à celui-ci dont le réceptacle est assez long J'espère avoir bien prononcé ce mot. J'essaie généralement de garder les formes très simples à ce stade. Pour celui-ci, je vais également commencer par marquer la tige, puis dessiner le récipient, puis marquer le cercle où les pétales vont être placés Vous pouvez voir qu'au fur et à mesure que je développe mes fleurs, j'essaie également d' effacer les guides que je n'utilise plus pour garder la composition propre. Je vais maintenant développer cette fleur frontale légèrement inclinée Je vais commencer par marquer l' endroit où va aller la tige, dessiner l'ovale pour le centre de la fleur et marquer l'endroit où vont aller les pétales avec des lignes légèrement incurvées. À partir de là, je peux compléter la fleur. OK, maintenant que toutes mes fleurs sont bien placées et définies, je vais continuer à nettoyer et à ranger cette composition pour qu' elle paraisse un peu plus définie et finie Prenez le temps de développer votre composition et de dessiner vos fleurs. Et quand tu auras terminé, retrouve-moi à la prochaine leçon. Nous allons commencer à leur ajouter la première couche de couleur. 13. Small Flowers: Colour Studies: Bon, maintenant j'ai travaillé sur ma composition, mais pour être honnête, en regardant ces fleurs rouges, je ne sais pas trop quelles couleurs utiliser Je ne m'y attendais pas vraiment car nous avons déjà créé une palette de couleurs plus tôt, mais honnêtement, c'est une partie tout à fait normale du processus de création. Donc, au lieu de le forcer, je vais faire une pause ici et faire un rapide test de couleur supplémentaire. C'est généralement ce que je fais dans mon propre travail lorsque je me sens incertaine avant de m'engager dans la couleur. De plus, je pensais n'avoir qu'un seul rouge, mais en regardant ma boîte à marqueurs, il s'avère que j' ai en fait pas mal de tons rouges. Je vais donc tester quelques combinaisons et voir lesquelles me donnent la richesse et la profondeur souhaitées avant de passer à autre chose. L'une des choses que j'aime ce carnet de croquis très abordable, c'est que cela ne me dérange pas d'utiliser une autre page pour continuer à réaliser ces études de couleurs. Parfois, la meilleure chose que nous puissions faire avant de commencer une dernière pièce est simplement de tester. Réaliser ces petites études de couleur à l'aide d'outils abordables tels que ces marqueurs, crayons et bloc-notes permet de réduire considérablement la pression Cela vous rappelle que vous êtes autorisé à expérimenter et que rien n'est encore permanent. Et la vérité est que plus vous vous entraînez avec un seul outil, plus vous le comprenez. Dans ce cas, comment saisir vos pinceaux, quelle pression ou quelle vitesse utiliser et quelles couleurs vous aimez le plus. C'est aussi ainsi que vous commencez lentement à définir votre style. Vous remarquez les combinaisons de couleurs auxquelles vous revenez régulièrement, contrastes que vous aimez et ce qui vous semble le plus naturel. Donc, même si cela ressemble à un simple échauffement, c'est en fait un élément très important pour s'améliorer Après avoir réalisé cette étude de couleur, j'ai décidé d'utiliser le rouge plus foncé pour la base de mes fleurs, et de garder le centre bleu. Prenez votre temps pour définir vos couleurs, et une fois que vous serez sûr de ce que vous voulez utiliser, retrouvez-moi lors de la prochaine leçon où nous allons commencer à peindre la couche de base sur de petites fleurs. 14. Small Flowers: Painting the Base Layer: Si vous avez fait une étude de couleur, j'espère que vous êtes prêt à commencer la couche de base. faire une m'a certainement aidée à me sentir beaucoup plus confiante et détendue à l'idée de démarrer mon usine. Cette couche consiste à placer la lumière et la structure. Nous n'essayons pas encore de terminer quoi que ce soit. Nous créons simplement une base souple sur laquelle nous pourrons travailler plus tard. Donc, si vous éprouvez des difficultés, essayez de croire que lorsque vous appliquerez les deuxième et troisième couches, vous serez en mesure d'affiner ce que vous appliquerez dans cette leçon. Je vais commencer par ce rouge moyen et peindre chaque petite fleur en utilisant le même mouvement que nous avons pratiqué plus tôt. Je commence par le bord extérieur du pétale, applique un peu plus de pression au début, puis je soulève le stylo en me dirigeant vers le centre Je fais en sorte que mes traits soient assez légers et je laisse de petits espaces blancs entre les deux. Ces espaces blancs sont importants. Ils créent automatiquement une sensation de volume et de lumière, et ils nous permettent de calculer les valeurs plus tard, du clair au foncé, sans la farine ne devienne plate ou ne soit surchargée Nous pouvons toujours ajouter de la couleur, mais une fois que les blancs ont disparu, il est très difficile de les ramener. Pendant que vous travaillez, essayez de garder cette couche de base légère. Et si vous n'êtes pas sûr, laissez plus de blanc que vous ne le pensez nécessaire. Nous aurons de nombreuses occasions d'approfondir les ombres et d'ajouter de la richesse dans la couche suivante. Une fois cette couche de base terminée, nous aurons une base vraiment solide, et la deuxième couche deviendra beaucoup plus facile car toute la structure est déjà là. À ce stade, je vais utiliser une gomme pour atténuer les marques de crayon J'aime que le croquis soit à peine visible, juste assez pour me guider, mais pas au point devoir le suivre à la perfection. Pour moi, la suppression de certaines de ces lignes rend la peinture beaucoup plus détendue et m'aide à rester dans un flux plus intuitif lorsque je continue à superposer des couches avec les marqueurs Vous remarquerez que je n'ai pas dessiné toutes les feuilles en détail, et c'est intentionnel. Ces feuilles sont courtes, incurvées et un peu éparpillées autour de la tige. Je préfère donc garder cette partie libre et les dessiner directement avec les feutres à pinceaux. Cela me donne plus de liberté pour ajuster la direction, espacement et le mouvement au fur et à Une autre chose que j' aime beaucoup dans le fait d'avoir une page supplémentaire comme celle-ci , c'est qu'à chaque fois que je me sens un peu incertaine, je peux y revenir et m' entraîner avant de passer à la pièce finale. Cela soulage la pression car cela me rappelle que je peux toujours m'échauffer à nouveau. Dans ce cas, je m'en sers pour pratiquer les gestes du pinceau sur les petites feuilles, peignant d'abord un côté, puis sur l'autre et en testant la sensation que l'on ressent lorsque l'on tire le trait dans différentes directions. Je n'ai pas dessiné les feuilles. Ce que j'ai dessiné, ce sont les tiges principales , car cette structure m' aide à tout placer. Si vous n'êtes pas sûr, vous pouvez tracer quelques lignes courbes et les utiliser comme guides pour peindre vos feuilles Lorsque vous peignez avec des marqueurs à pinceau, il est vraiment utile de réfléchir à l'ordre : quels éléments se trouvent à l'avant et lesquels appartiennent à l'arrière. Dans ce cas, la plupart des feuilles se trouvent devant les tiges, j'aime donc peindre les feuilles en premier. Une fois les feuilles en place, j'y retourne et je peins les parties des tiges qui se trouvent derrière elles en utilisant le croquis au crayon comme référence. Cela s'explique par le fait que les marqueurs à pinceaux sont transparents. Si je peignais d' abord les tiges , puis les feuilles sur le dessus, les tiges apparaîtraient à travers les feuilles, ce qui n'a généralement pas l' air très naturel. En peignant d'abord les feuilles, je peux me concentrer sur leur bonne forme , puis avec soin sur les tiges uniquement là où elles sont visibles. C'est un petit décalage, mais cela fait une grande différence dans le résultat final. J'ai été tenté de cracher cette partie de la vidéo, mais j'ai décidé de ne pas le faire Ce cours n'est pas une question de précipitation. Il s'agit de profiter du processus, ralentir et de rester concentré sur ce que vous faites. Je pense également qu'il est important de vous montrer le vrai timing. temps qu'il me faut pour peindre ces fleurs et le temps que je prends réellement pour dessiner chaque trait. J'aime vraiment prendre mon temps pour peindre ce type d'œuvres d'art, et c'est en partie ce qui le rend si relaxant. L'avantage de cette technique est que même lorsque vous travaillez lentement, vous pouvez toujours créer quelque chose qui semble terminé assez rapidement, sans trop d'effort et sans créer de désordre. Comme nous l'avons déjà mentionné, les marqueurs à pinceaux sont naturellement transparents. De ce fait, une fois que vous avez terminé votre première couche, vous pouvez commencer à peindre sur des zones spécifiques pour commencer à augmenter la profondeur. Cela signifie généralement assombrir les parties situées derrière d'autres éléments, comme les tiges qui disparaissent derrière les feuilles ou d'autres fleurs ou le centre de certaines feuilles et pétales En superposant à nouveau la même couleur, vous remarquerez que le volume commence à apparaître presque immédiatement C'est un moyen très efficace de créer de profondeur avant d'introduire une couleur plus contrastée. L'accumulation progressive permet de garder l'illustration souple et cohérente tout en lui donnant Enfin, je vais peindre le centre des fleurs avec cette couleur bleu clair. La référence originale semble un peu différente, mais cela fait partie de la beauté de peindre nos propres fleurs. Nous sommes libres de faire nos propres choix. Comme j'ai déjà réalisé une étude de couleur, j'ai pris certaines de ces décisions à l'avance. Cela me donne la confiance nécessaire pour leur faire confiance maintenant et aller de l'avant sans trop réfléchir Une fois que vous aurez fini de peindre votre première couche, retrouvez-moi lors de la leçon suivante. 15. Small Flowers: Adding Volume and Depth: Oh. Il est maintenant temps de commencer à développer notre deuxième couche. Encore une fois, en cas de doute, je vous recommande vivement d'utiliser votre feuille de pratique pour tester d'abord vos couleurs. Vous pouvez également l'utiliser pour vous entraîner à ombrager les pétales avant de passer à votre pièce principale En commençant par un rouge plus foncé, je vais augmenter le volume lentement et prudemment. L'essentiel ici est de ne pas recouvrir complètement la première couche. Il est important de laisser quelques petites zones blanches ou plus claires, même si elles sont minimes, car elles apportent lumière dans les pétales et les aident à se sentir vivants. Pour cette couche, je tiens mon marqueur plus près de la pointe et j' applique moins de pression. Je travaille également avec plus de vitesse que de pression, en appuyant légèrement au début de chaque coup, puis en soulevant au fur et à mesure. Vous remarquerez que les pétales placés derrière les autres, dans ce cas, les pétales latéraux ont tendance à être plus foncés. En gardant le pétale central plus léger, on a naturellement l'impression qu'il avance J'assombrit généralement les zones les plus proches du centre de la fleur et légèrement vers les bords Lorsque je peins, je suis également la courbe naturelle des pétales avec mes traits. Cela m'aide à créer du volume, non seulement par la couleur, mais aussi par le mouvement et la direction. Une chose que j'aime dans la peinture avec des marqueurs à pinceaux, c'est qu' on vous encourage d'une manière ou d'une autre à commencer à utiliser une palette de couleurs limitée. Vous travaillez avec un petit ensemble de tons, et cette limitation rend instantanément votre pièce plus cohérente Cela crée également un look légèrement vintage, à mon avis. Et en passant du temps à étudier les couleurs, les couleurs paraissent naturellement un peu plus soignées et intemporelles Je vais maintenant ajouter quelques touches plus sombres en utilisant ce ton bordeaux. Même si je veux que ces fleurs plus rouges que roses, je dois faire attention. Le rouge est une couleur très intense. Et si j'en couche trop vite, les fleurs s'assombriront rapidement et perdront leur intérêt Lorsque vous utilisez des couleurs plus fortes, il est essentiel d' ajouter lentement les deuxième et troisième couches. Voyez comment j' ajoute principalement cette troisième couleur plus foncée vers les bords intérieur et extérieur de chaque pétale OK, une fois que tu auras fini avec ton pétale, passons à nos tiges et à nos feuilles En utilisant un vert plus foncé, je vais me concentrer sur l'assombrissement uniquement des zones situées derrière les autres éléments Par exemple, dans ce bouton floral, simple fait d'assombrir la partie inférieure ajoute instantanément de la profondeur et du volume Comme ces tiges sont assez fines et que la peinture est de taille moyenne, je passe ici à la plus petite pointe de mon feutre-pinceau. Je ne l'utilise pas souvent. J'adore le relâchement de la pointe épaisse, mais dans ce cas, cela me donne plus de contrôle Encore une fois, remarquez à quel point, en noircissant, seules les parties de la tige situées derrière les feuilles poussent immédiatement les feuilles vers l'avant Je vais maintenant développer les feuilles à l'aide du bout épais de mon pinceau. Lors du développement des feuilles, je n'assombrit généralement que la moitié de chaque feuille, commençant par la nervure centrale Je ne couvre pas toute la surface, juste la zone centrale. Ce simple choix crée déjà une forte impression de profondeur et de structure. Je ne suis pas en train de suivre strictement où se trouve la source de lumière et de travailler de manière plus intuitive. Il suffit souvent d'assombrir un seul côté du centre de la feuille pour lui donner une impression dimensionnelle Avec la pointe la plus fine, vous pouvez également ajouter un peu de texture supplémentaire, par exemple en affinant la nervure centrale ou en dessinant les nervures latérales pour indiquer l'orientation de la feuille. Enfin, je vais tester quelques tons de bleu pour décider de la manière dont je veux assombrir le centre des fleurs Je suis une approche similaire à celle de la fleur précédente, assombrissant le centre puis en ajoutant un doux anneau de points autour de la fleur pour suggérer du pollen Pour terminer, j'utiliserai ce brun plus foncé pour ajouter quelques détails très fins aux pétales et au centre des fleurs, assemblant le tout en douceur. À. Ce cours n'est pas une question de précipitation. Il s'agit de profiter du processus, ralentir et de rester concentré sur ce que vous faites. Je pense également qu'il est important de vous montrer le moment exact, le temps qu'il me faut pour peindre ces fleurs et lenteur avec laquelle je crée chaque trait. J'aime vraiment prendre mon temps pour peindre ce type d'œuvres d'art, et c'est en partie ce qui le rend si relaxant. L'avantage de cette technique est que même lorsque vous travaillez lentement, vous pouvez toujours créer quelque chose qui semble terminé assez rapidement, sans trop d'effort et sans créer de désordre. Les marqueurs à pinceau sont très propres et directs, ce qui vous permet d'obtenir une sensation de peinture satisfaisante, mais avec beaucoup moins de configuration et de nettoyage que les autres supports Lorsque je termine une peinture réalisée à partir de références, j'aime parfois placer les deux côte à côte et observer à quel point elles sont devenues similaires ou différentes. Dans ce cas, ma plante s'est clairement inspirée de cette illustration, mais j'ai fait plusieurs choix conscients en cours de route. Par exemple, j'ai changé le centre floral et j'ai également utilisé une technique différente pour développer la pièce. Certaines décisions à elles seules donnent déjà au résultat final un aspect et une sensation très différents. Comme je l'ai mentionné dans la leçon sur la collecte d'inspiration, cette illustration de référence a été créée il y a longtemps et j'ai intégré mon propre style, mes propres choix de couleurs et ma propre technique à cette œuvre, je me sens à l'aise de l'utiliser comme source d'inspiration sans me soucier du droit d'auteur. Dans ma propre pratique, je fais attention à ne pas copier les illustrations d'artistes contemporains. Lorsque je travaille à partir de références, je préfère soit des illustrations plus anciennes, soit des photographies, soit des sources multiples combinées. Cela m'aide à apprendre de ce que je vois tout en développant un travail personnel, original et fidèle à mon propre langage visuel. Prenez votre temps pour terminer votre plante. Si vous avez déjà terminé un étage, c'est le moment idéal pour faire une pause et le télécharger dans votre projet de classe. Votre projet peut évoluer au fil du temps et vous pouvez le mettre à jour à tout moment. Considérez votre projet comme un endroit où documenter votre processus, vos progrès, et pas seulement vos résultats finaux. Ainsi, dès que vous serez prêt, téléchargez ce que vous avez sur le projet et revenez ensuite en classe pour que nous puissions continuer à peindre. 16. Introduction to the Painting Demos: D'accord. Avant de passer aux démonstrations de peinture, je voudrais expliquer brièvement pourquoi je les ai incluses dans ce cours et pourquoi elles sont un peu différentes des autres leçons Jusqu'à présent, nous nous sommes attachés à comprendre les outils et à nous familiariser avec les superpositions et les choix de couleurs Cette structure est très importante car elle vous donne confiance et clarté. Mais lorsqu'il s'agit de peinture, en particulier de plantes, il est également très utile de simplement observer le processus de peinture Donc, dans les prochaines leçons, je ne vais pas expliquer chaque étape. Vous pouvez considérer ces démos comme une invitation à observer et à remarquer comment les couches se sont construites, comment je représente les lumières et les ombres Comment j'utilise le blanc du papier pour créer du volume. Dans ces démonstrations de peinture, je me suis lancé le défi de n'utiliser que trois ou quatre couleurs Ces marqueurs sont un peu transparents. Ainsi, en les superposant, vous pouvez obtenir nouveaux tons avec ceux que vous avez déjà Je vais accélérer mes vidéos pour qu'elles ne prennent pas trop de temps, mais sachez que je ne peux pas peindre aussi vite. Vous pouvez peindre avec moi, mettre la vidéo en pause, revenir ou simplement la regarder à une vitesse plus lente n'y a pas de bonne façon d'utiliser ces démos, et vous pouvez les regarder ou ne pas les regarder du tout et passer à la dernière leçon de réflexion OK, donc dans cet esprit, passons aux démonstrations de peinture J'espère qu'ils vous plairont. 17. Painting Demo: Cosmos Flower: [Pas de discours] 18. Painting Demo: African Lilac Daisy: [Pas de discours] 19. Painting Demo: Tulip: Co. Non. 20. Final Thoughts: Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce cours. J'espère vraiment que vous avez apprécié de ralentir, travailler avec des marqueurs à pinceau et d'explorer comment, avec seulement quelques couches et une palette de couleurs limitée, vous pouvez créer une telle profondeur et de belles fleurs. Si, après avoir regardé le cours, vous l'avez apprécié et avez appris quelque chose de nouveau, veuillez le relire. Cela signifierait beaucoup pour moi, car critiques m'aident à savoir ce que je fais bien, ce que je peux améliorer à l'avenir et aussi ce que mes étudiants apprécient le plus. Vous recherchez encore plus de ressources pour continuer à apprendre, oubliez pas de consulter ma chaîne YouTube. J'aime publier de courts tutoriels, des blogs artistiques, des coulisses et des extraits de mon processus de création qui pourraient vous inciter à expérimenter davantage d'idées Si vous voulez rester en contact, assurez-vous de me suivre ici sur Skillshare pour rester au courant des nouveaux cours, cadeaux offerts par un hôte et Et j'adore rester en contact avec les gens par e-mail. J'adore partager des nouvelles dans les coulisses des projets sur lesquels je travaille. Vous serez informé des nouveaux cours, aurez accès à des remises sur mes produits numériques, découvrirez des cadeaux et des prochaines étapes. Si vous souhaitez consulter mes autres projets personnels, qui incluent des motifs, des peintures murales, des peintures utilisant différentes techniques ou simplement des coulisses, j'adorerais que vous me suiviez sur Instagram à ilspina C'était un réel plaisir de peindre avec vous. J'ai hâte de voir vos illustrations botaniques et de voir en quoi vous pouvez renforcer votre confiance à l'aide de marqueurs à pinceaux. Passez une bonne journée où que vous soyez et à bientôt dans mon prochain cours.