Au-delà du logo : un logo animé et une vidéo de marque pour votre storytelling

1. Introduction: [MUSIQUE] Quand j'étais enfant, je me rappelle avoir transformé tout ce que je lisais en histoire, qu'il s'agisse d'une encyclopédie, d'une recette tirée des livres de cuisine de ma mère ou d'un article tiré au hasard d'un magazine. J'ai toujours été fascinée par le pouvoir de la narration et par la façon dont elle transforme les choses et les rend encore plus intéressantes. Bonjour, je suis Khadija, mais tout le monde m'appelle Dija. Je suis un professeur de haut niveau sur Skillshare et un graphiste indépendant basé au Caire, en Égypte. J'ai travaillé dans une agence de marque de premier plan pendant trois ans et je suis freelance à plein temps depuis deux ans, spécialisée dans l'image de marque, la conception d' emballages et un peu d'animation. Dans ce cours, je souhaite aller au-delà du logo et concentrer sur l' aspect narratif d'une marque. Pour moi, la finition d'un logo et d'une identité de marque ne représente que la moitié du trajet. Comment racontes-tu cette histoire ? Comment le rendre émotionnel, pertinent et crédible ? C'est là que les vidéos de marque entrent en jeu. Les vidéos de marque aident à donner vie votre marque et à créer un lien émotionnel avec votre public. Dans ce cours, je vais vous apprendre à créer le vôtre. Nous expliquerons pourquoi les vidéos de marque sont importantes en premier lieu à l'aide de quelques exemples utiles. Nous passerons ensuite à la vue d'ensemble d' une marque réelle que j'ai déjà créée pour un client. Je vais vous expliquer étape par étape comment je construis une histoire pour cela. Ensuite, lorsque nous aurons une histoire solide, nous commencerons à la visualiser à l' aide de storyboards classiques, puis à numériser ces storyboards sur Illustrator et à apprendre à les superposer correctement sur After Effects. Nous rechercherons de la musique sur certains sites, puis nous plongerons dans l'univers d' After Effects pour animer le logo, l'identité de la marque et rassembler le message de l'histoire dans une vidéo globale. Les outils dont vous aurez besoin pour ce cours sont un papier et un crayon, Adobe Illustrator et Adobe After Effects. Vous devrez être assez à aise et maîtriser Illustrator et After Effects pour réussir à créer une vidéo de marque à la fin de ce cours. Ce cours est parfait pour deux types de personnes. A, des designers chevronnés qui ont peaufiné identité de marque et qui cherchent à leur donner vie ; et B, des débutants qui débutent dans le domaine de l'image de marque et qui cherchent à élargir l'horizon sur la manière dont sont les vidéos de marque créé. Ce cours vous donnera un aperçu détaillé la façon dont le processus est conçu à partir de zéro. Ensuite, nous vous donnerons également une compréhension réelle de la question. À la fin de ce cours, vous serez en mesure de repartir avec compétences nécessaires pour être conteur, apprendre à faire du storyboard ou même simplement apprendre de nombreux nouveaux outils sur After Des effets pour vos futures animations. Il y en a certainement pour tous les goûts dans ce cours. Revenons donc à l'époque où nous étions enfants et recommençons à raconter des histoires. Je suis tellement contente que tu sois là et j'ai hâte de commencer. 2. Les choses et les raisons: Avant de nous y plonger, qu' est-ce qu'une vidéo de marque ? Une vidéo de marque est l' histoire sonore, visuelle et émotionnelle d'une marque. Il peut avoir de nombreux objectifs, qu'il s'agisse de sensibiliser, d'éduquer, de divertir ou même d' inspirer les gens vers une certaine action. Il peut être utilisé pour présenter une toute nouvelle marque à un public sous forme vidéo de lancement ou de nouvelle campagne pour une marque déjà établie, ou comme vidéo explicative d' un nouveau produit ou service. Contrairement aux publicités traditionnelles, les vidéos de marque se concentrent moins sur ventes inconditionnelles et humanisent une marque grâce à du contenu et à une narration basés sur les émotions. Tout cela est très bien. Mais pourquoi sont-ils importants ? Dans le monde actuel de l'image de marque, le design graphique passe rapidement du design statique au design mobile. C'est pourquoi vous allez probablement voir de nombreuses entreprises et agences animer leurs logos, animer des illustrations, etc. Même sur les réseaux sociaux, les choses passent de plus en plus des photos aux vidéos. vidéos offrent une expérience plus captivante et ne manqueront pas de vous laisser une impression durable. C'est pourquoi je pense personnellement qu'il ne suffit pas d'être un excellent graphiste de nos jours, mais qu'il est également important d' être un excellent conteur. Même si vous ne pouvez pas animer pour l' instant, le simple fait de disposer des outils nécessaires pour construire et créer une histoire pour votre marque signifie que vous êtes déjà à mi-chemin. Vous pouvez toujours collaborer avec des animateurs pour concrétiser votre vision si vous ne disposez pas des outils nécessaires pour le faire. Mais c'est en créant ce lien émotionnel et en le diffusant par le biais de la vidéo de marque que vous intervenez. Essentiellement, c'est ce qu'est réellement l'image de marque. Vous pouvez également utiliser les vidéos de votre marque pour vendre votre concept à un client. Au lieu de leur présenter des centaines de diapositives, vous pouvez leur laisser un impact impressionnant grâce à une vidéo de marque. De même, les clients peuvent ensuite utiliser votre vidéo de marque pour interagir davantage avec leurs consommateurs sur leur plateforme. Dans ce cours, en particulier, je vais vous expliquer comment réaliser une vidéo de lancement de marque, signifie qu'il s'agit d'une nouvelle marque qui est sur le point d'arriver sur le marché et que c'est la première fois que les gens vont le voir et apprendre à connaître la personnalité de la marque. J'utiliserai principalement du motion graphics et de l'animation, car c'est ce qui correspond le mieux à la marque sur laquelle je travaille aujourd'hui. Vous découvrirez pourquoi plus tard dans le processus. Dans la leçon suivante, je vais vous expliquer ma méthode personnelle de création de vidéos de marque, et je vous montrerai également quelques exemples d'autres vidéos de marque pour obtenir des informations et voir comment certains conseils sont appliqués. 3. La méthode à 360 degrés: En général, toute histoire a un début, un milieu et une fin. Lorsque vous essayez de trouver une histoire pour une vidéo de marque, ce n'est peut-être pas toujours la meilleure voie à suivre. Chaque fois que je crée une histoire pour une marque, j'aime toujours utiliser cette méthode particulière que j' aime appeler la méthode à 360 degrés. La méthode à 360 degrés consiste essentiellement à commencer votre histoire avec un certain élément, à faire parcourir à vos spectateurs un voyage, puis à terminer cette histoire avec le même élément en boucle. Par exemple, si vous commencez votre vidéo de marque par une question, vous devez également terminer par une question rhétorique, laissant à votre public la même entrée que celle avec laquelle vous avez commencé. Bien entendu, cela varie d'une marque à l' autre et n'est pas gravé dans le marbre. Par exemple, si vous créez une vidéo de marque pour notre application mobile, vous pouvez toujours commencer par un problème que la marque résout essentiellement. Expliquez au public comment utiliser l'application puis terminez la vidéo avec une solution proposée par votre application. Cela est également considéré comme un moment de boucle complète , car le public peut alors relier la solution que vous lui avez laissée à la fin au problème avec lequel nous avons commencé au début. Le fait est que première impression d'une vidéo de marque est aussi forte que la précédente. Vous voulez toujours trouver un moyen de relier le début de votre vidéo de marque à la fin d'une manière qui soit logique pour votre marque. Maintenant, je voudrais vous montrer [inaudible] vidéos de ma marque préférée qui appliquent cette méthode de différentes manières, afin que vous puissiez comprendre ce que je veux dire et voir comment cette astuce est transférable sur de nombreuses marques. La première vidéo de marque que je souhaite vous montrer est Airbnb. Il s'agit de l'une des premières vidéos de marque qu'ils ont publiées pour la première fois pour expliquer l'histoire de leur symbole, de leur icône et de leur sentiment d'appartenance. [MUSIQUE] qui m' a marqué dans cette vidéo de marque, c'est qu' ils voulaient évidemment s'assurer qu'Airbnb trouve un écho en tant qu'entreprise sûre et digne de confiance. J'adore la façon dont ils ont emprunté la voie humaine, dans cette vidéo de marque pour vraiment montrer, et ils ont joué sur l'un des sentiments les plus innés de la nature humaine, à savoir le sentiment d'appartenance, et C'est même le titre de la vidéo. La méthode à 360 degrés entre ici, où ils jouent sur le mot appartenir et c'est l'introduction de l' ensemble du concept de marque. C'est ainsi qu'ils ont construit l'icône de leur marque. Si nous sautons jusqu'à la fin, vous constaterez qu'ils terminent également la vidéo de la marque avec la même phrase. Où que vous le voyiez, vous saurez que vous êtes à votre place, donc j'aime beaucoup la façon dont ils ont tout lié, même si vous ne le remarquez pas. Mais maintenant que vous le faites et que cela fait une énorme différence, vous pouvez tout relier , et l'histoire se termine en un moment de boucle complète. Ensuite, ils signent simplement leur logo en tant que marque déposée à la fin. Vous verrez que de nombreuses marques et vidéos de marques le font réellement. La prochaine vidéo que je souhaite vous montrer est Pivot. Pivot n'utilise pas d'illustrations photographies ou de quoi que ce soit Ils utilisent juste une bonne vieille typographie et une voix off. Je voulais juste vous montrer un éventail de vidéos de marques différentes afin que vous ne vous sentiez pas obligée de faire quelque chose de très avancé avec des illustrations ou quelque chose de super chic. Cela peut être aussi simple que cela. Les entreprises ne peuvent pas échapper au changement, mais elles peuvent le façonner. Lorsque votre avantage s'érode, vos plans rencontrent de la résistance. Vos compagnons de lancement font la différence. Vous allez, les gens seront désengagés. C'est un signe que quelque chose doit changer. Le meilleur endroit pour démarrer Pivot. Nous aidons les entreprises confrontées un tournant à trouver le point d'ancrage et à l'utiliser pour créer un avantage stratégique et créatif. Pivot vous permet de prendre plus facilement une nouvelle direction tout en restant fidèle à qui vous êtes. Comment ? En vous comprenant et en tirant parti de votre histoire unique, nous travaillons avec vous pour donner vie à des solutions. Vous aider à exécuter lorsque vous savez ce qui fonctionne ou à expérimenter lorsque vous ne le savez pas. De cette façon, nous vous emmenons là où vous devez vous rendre efficacement et en toute confiance. La prochaine fois que vous ferez face à un tournant, passez à Pivot. J'adore la simplicité mais la brillance de cette vidéo de marque en animant chacun des mots et des messages écrits en fonction de leur signification. C'est visuellement très stimulant et cela reflète également la personnalité de la marque. Il est efficace, pratique, intelligent, intelligent, il évolue rapidement, il sait où aller, il sait comment vous aider. Elle possède le savoir-faire. Même le choix de l' animation et la façon dont ils s'y sont pris reflètent la marque . Ce n'est pas tout à fait aléatoire. Encore une fois, avec le concept 360, si nous arrivons à cette partie de la vidéo où il est question de tournant, menant à la signification de la marque Pivot. Il se termine par la même idée, tournant, puis se termine par le nom et le logo de la marque. J'aime vraiment le fait qu' ils l'aient enraciné. Vous le voyez deux fois et vous vous en souviendrez toujours chaque fois que vous le verrez à nouveau. Le suivant est Native Brand. Je voulais également inclure une vidéo de marque qui fonctionne uniquement avec des photos et des images au cas où votre marque n' aurait pas d'illustrations. Vous n'avez pas les moyens de faire une voix off, et c'est aussi simple que possible, mais il y a quelque chose de vraiment intéressant que j' adore dans cette vidéo de marque et nous y reviendrons plus tard dont je voulais que tu aies une note à partir de maintenant. [MUSIQUE] Je ne sais pas si tu as remarqué la même chose que moi. Mais cette marque a pris quelque chose de super basique et simple qui peut être vu dans n'importe quelle autre marque. Ce ne sont que des séquences photographiques moyennes, jolies petites majuscules, mais c'est assez basique. Rien qui se démarque vraiment. Mais ce qui compte dans cette vidéo de marque, c'est la façon dont ils ont associé toutes les transitions et les images de manière exquise à la musique. C'est quelque chose dont je parlerai certainement plus tard, mais la musique est une autre dimension des vidéos de marque. Ce n'est pas juste quelque chose de visuel. La dimension audible apporte également une énorme perception et un facteur important dans le jeu. J'adore la façon dont ils ont pris quelque chose d'aussi simple, mais l'ont complètement amélioré en l' associant à cette musique. Cela le rend super moderne et très rapide, très impertinent, déterminé et très plein d'esprit rien que par cette musique. Vous pouvez déjà vous faire une idée de la personnalité de la marque simplement en regardant cela et en fonction de leurs choix ici. La dernière valeur de marque que je souhaite vous montrer est Zippy. [MUSIQUE] J'aime particulièrement cette vidéo de marque car je la trouve super simple. L'utilisation de formes de base telles que des carrés, des rectangles et des cercles. C'est ça. Messages et typographie de base, photographie de base. Cela peut ressembler à toutes les marques sur lesquelles vous pouvez travailler, mais ils l'ont rehaussée en ajoutant cette ambiance familiale quotidienne heureuse nouveau cette ambiance familiale quotidienne heureuse avec la musique et un style d' animation très joyeux, simple et accueillant. Je voulais juste te montrer une autre idée de ce à quoi ça ressemble. C'est super simple. Cela ne doit pas être compliqué, mais il s'agit de définir votre objectif et la voie que vous souhaitez suivre, ainsi que le ton, la voix et ce que vous essayez de regarder pour apporter toutes ces réponses à ces questions dicterez la musique que vous allez faire. Si vous comptez faire une animation ou une photographie ou quelque chose avec [inaudible] ou quelque chose avec des images. Le 360 degrés vient ici en soulignant également l'essentiel de faciliter la vie des parents et des enfants et de la rendre plus significative pour les familles. Terminez ensuite la vidéo en vous inspirant d' une vie familiale quotidienne et en rassemblant tout le monde, ce qui est leur slogan, nous partons ensemble. Ils signent avec le logo à la fin. Chacune de ces vidéos de marque utilise ce concept dans cette méthode différemment selon votre marque. Je voulais juste que vous jetiez un coup d'œil à un large éventail d'exemples différents, et je lierai probablement beaucoup plus de mes favoris dans les ressources afin que vous puissiez les regarder à votre rythme. Je vous recommande vivement de le faire. Parce que vous aurez simplement une bonne compréhension et une bonne apparence en regardant des exemples très différents, et cela vous aidera à vous enthousiasmer et à vous préparer à créer le vôtre. Cela étant dit, passons à la leçon suivante. 4. Aperçu de la marque: [MUSIQUE] Maintenant que nous avons abordé la compréhension de base et le flux des vidéos de marque, je veux maintenant vous présenter la marque que j'ai créée pour un vrai client et c'est ce que je vais créer une vidéo de marque pour aujourd'hui. Je veux te présenter Skip in Scoop. Comme son nom l'indique, Skip and Scoop est une marque de crème glacée mais avec une touche d'originalité. Il s'agit plutôt d'une expérience magique qui puise dans votre enfance nostalgique. C'est une expérience agréable pour les adultes qui souhaitent se remémorer leur enfance et pour les enfants laisser libre cours à leur imagination, ce qui se traduit par une expérience magique qui a une valeur durable. J'ai créé cette marque en collaboration avec l'agence de branding boutique Ants and Elephants, également basée au Caire. Où ils se sont occupés de la stratégie, des ateliers pour les clients et du brief créatif, et j'ai travaillé à leurs côtés pour créer l'aspect visuel de la marque, du logo aux illustrations de l'identité de marque. Je veux vous présenter certaines des décisions créatives que nous avons prises lors de la création de cette marque afin que vous en décisions créatives que nous avons prises lors de la création ayez une compréhension globale avant de me plonger dans tout le reste. Je vais commencer par une histoire de marque. Une histoire de marque est essentiellement un récit cohérent qui résume les faits et les sentiments créés par votre marque. Contrairement à la vente ou à la publicité d'un produit, l'histoire d'une marque doit susciter une réaction émotionnelle. Vous verrez donc qu' il est écrit de manière à susciter des émotions et certains mots clés appliquer visuellement certains mots clés à l'ensemble de l'identité de la marque. L'histoire de la marque est la suivante : nous croyons à l'imagination, expression personnelle et à la créativité. Chez Skip and Scoop, les expériences interactives sont infinies et vous invitent à laisser libre cours à votre imagination d'enfant conservant vos délicieuses friandises et glaces. Nous sommes là pour vous emmener, vous et vos proches une aventure de dégustation pleine de saveurs uniques pour vos yeux et vos papilles gustatives. Bienvenue dans une destination qui ravira votre esprit et votre appétit. Passons ensuite aux couleurs de marque, les couleurs principales de la marque sont rouge de canne à sucre et la crème laitière. J'aime toujours nommer les couleurs de la marque que j'ai choisies, car cela les rend encore plus uniques à la marque et chaque nom reflète une certaine signification derrière le choix de la couleur. Le rouge canne à sucre est donc une couleur emblématique de la marque qui évoque la lumière, la passion et l'amour. C'est la sensation que vous êtes censée ressentir lorsque vous vous faites plaisir et que vous mangez de la glace. C'est également une couleur très stimulante qui suscite l' appétit, l'excitation et une vague d'émotions C'est donc la couleur principale avec laquelle nous voulions que les gens reconnaissent la marque. D'autre part, la crème laitière est inspirée des produits laitiers de la crème glacée et elle est destinée à équilibrer le rouge et à agir comme une couleur neutre adaptée à la marque. Ensuite, nous avons également des couleurs secondaires. Les couleurs secondaires portent également des prénoms, qui sont bleu ciel, jaune joyeux et rose gomme à bulles. Ils reflètent les mots clés et les valeurs de la marque, et ils apportent également une touche de couleur vive au rouge de canne à sucre et à la crème laitière. Maintenant, les couleurs secondaires ont également une autre dimension, à ces nuances monochromatiques pour chaque couleur si nous avons besoin que les choses soient légèrement plus réalistes ou 3D, par opposition à des couleurs plates comme ici. Nous voulions simplement utiliser les couleurs de manière flexible dans l'ensemble de l'identité de la marque, comme vous le verrez tout au long. Ensuite, nous plongeons dans le logo. Le logo est ce mot-symbole personnalisé destiné à refléter une époque où nous étions des enfants jeunes et insouciants. Qu'est-ce qui pourrait toujours nous enthousiasmer et illuminer nos yeux ? Eh bien, de la glace, bien sûr. Le mot-symbole a été conçu de manière à ressembler à la sensation de sauter et à évoquer cette sensation enfantine et excitée que nous avons ressentie lorsque nous étions sur le point de manger de la crème glacée en plaçant les lettres individuellement. tournez dans des directions différentes comme s' ils sautaient réellement. Nous avons également choisi des lettres minuscules ensemble, car en général, lettres minuscules et les mots reflètent une atmosphère plus jeune et plus conviviale. Les lignes ajoutées sous certaines lettres sont également destinées à évoquer une sorte de mouvement et à ajouter à l' aspect ludique de la marque. Ensuite, nous avons également créé une sous-marque de logo laquelle nous réduisons le mot symbole en SMS. également joué sur l' illustration du nom Skip and Scoop et, au lieu du et, nous avons ajouté une esperluette, pour que le résultat soit visuellement plus équilibré. Alors c'est le mot marque sur le fond de crème laitière. Nous passons ensuite à l' identité et à l'emballage. Nous avons également donné un nom à l'identité de la marque , qui reflète le concept qui la sous-tend. Comme le nom de la marque est Skip and Scoop, nous avons voulu réfléchir à un concept d'identité qui soit lié à cela, mais qui nous laisse la possibilité de nous en déchaîner. Où irais-tu normalement sauter ? Nous avons pensé, dans une aire de jeux. Nous l'avons baptisé le terrain de jeu magique des rêves. Maintenant, ce terrain de jeu magique propose de nombreux jeux et manèges différents, mais avec une touche d'originalité. Chaque manège ou élément de ce terrain de jeu est repensé sous forme glace ou de désert proposé par Skip and Scoop. Nous nous sommes mis dans la peau d'un enfant et nous nous sommes demandé comment un enfant imaginerait un terrain de jeu magique ? Nous avons cette balade magique en sandwich à la crème glacée , puis un trampoline à biscuits gaufrés avec crème glacée comme boules rebondissantes , puis un toboggan fait de churros et d'une échelle en canne à sucre, puis un toboggan magique pour les milkshakes avec une paille de canne à sucre, un vélo volant fait de roues de poubelle à café et une balançoire magique faite de biscuits gaufrés et d'une structure de canne à sucre. Également, une balançoire faite d'un biscuit gaufrette équilibré par une cuillère à glace géante et deux portions crème glacée molle à chaque extrémité. Nous voulions également que la typographie et les messages de la marque soient inclinés et aient le même effet de saut d'une certaine manière et qu'ils interagissent avec les éléments. Voici donc un exemple où nous avons écrit « Faites un tour dans le ciel et faites tourner deux cerceaux autour de lui ». Le choix de la typographie ici est audacieux, charmant et enfantin, tout en reflétant les valeurs de la marque. Voici l'aperçu général de la marque avec tout combiné. Vous pouvez voir ici que les couleurs principales de la marque dominent partout, mais que les couleurs secondaires agissent comme accentuation et font vraiment ressortir le tout et ajoutent un peu saveur de la marque. Nous avons ensuite voulu que la marque ait des cônes rouges emblématiques pour mettre davantage en valeur la couleur de la marque et que le logo y soit gravé. Nous avons également pensé à appliquer les illustrations sur l'emballage ici sur les cornets de crème glacée. Même chose pour les gobelets à glace mais avec une illustration différente. Ensuite, le vélo poubelle à café passait sur les tasses à café à emporter et les illustrations magiques de diapositives de milk-shake étaient placées sur les tasses à milk-shake. Pour les sacs à emporter, nous voulons qu'il y ait un jeu de mots en écrivant à nouveau swing by us et en incluant l'illustration de la balançoire comme une impression ludique pour laisser au client lorsqu'ils quittent le magasin. Nous avons également fabriqué des autocollants, des uniformes, des tabliers et c'est l'une de mes idées d'activation préférées. Comme il s'agit d'un terrain de jeu imaginaire de bonbons et de glaces, notre esprit s'est immédiatement tourné vers Willy Wonka. Nous voulions créer cette idée d'un ticket doré chaque fois qu'un nouveau client achetait de la crème glacée au magasin, il recevait ce billet et après 10 achats de crème glacée, il J'en obtiendrais un gratuitement. Comme ce que vous voyez normalement dans cafés, mais nous voulions que cela soit un peu plus excitant et pertinent pour les marques. Nous avons donc pensé que cela correspondait à la nature ludique, amusante et magique de la marque . . Ensuite, il s'agit d'une visualisation du tableau de menu à l'intérieur du magasin. Parce que l'ensemble du concept de marque repose sur ce monde imaginaire, nous avons voulu présenter des idées sur la manière dont nous pouvons faire de l'histoire une expérience dans laquelle vous pouvez vous perdre dans embrassez votre enfant intérieur. Nous avons donc voulu inclure des idées d'installations 3D, nuages sur tout le plafond et le sol, grappes de crème glacée faisant fondre et d'ampoules cornets de crème glacée. C'est à peu près ça. C'est l'une de mes marques préférées sur laquelle j'ai travaillé en termes de processus, collaboration et de résultat visuel. Maintenant, il manque quelque chose : raconter l' histoire à travers la vidéo de la marque. Maintenant, pour cette marque en particulier, comme je l'ai déjà dit, j'ai l'impression qu'une vidéo d'animation et de graphisme purement animée avec des illustrations et une écriture de l' histoire à l'écran est parfaite pour cela et cela suffira à cet impact magique que j'essaie de créer. Maintenant, si j'ajoute des images et des photos de crème glacée typiques, j'ai l'impression que cela enlève un peu à la magie et ramène les choses à notre niveau de réalisme, ce que je veux éviter pour ce lancement initial vidéo. Alors sans plus attendre, passons au brief. [MUSIQUE] 5. Le résumé: [MUSIQUE] Comme pour toute tâche liée à l'image de marque, vous devez toujours avoir un brief créatif sur vous. Un brief créatif vous aidera simplement à mettre les choses en place et à clarifier les choses pour vous ou pour toute autre personne avec qui vous allez travailler si vous souhaitez envoyer ce document à un collaborateur. Ce sera un modèle de keynote téléchargeable pour vous. Si vous souhaitez l'utiliser plus tard pour vous-même, je le lierai en bas des ressources. J'ai classé le brief en cinq sections. Objectif, public, contenu, histoire de marque et tonalité. Chaque section contient une série de questions dont les réponses vous aideront à construire vous-même le brief. C'est un excellent exercice pour vous mettre sur bonne voie et savoir exactement ce que vous allez faire avec cette vidéo. Sinon, c'est un bon document à envoyer à une personne avec qui vous pourriez travailler et qui a besoin de connaître certains points clés. commençant par l'objectif, quel type de vidéo de marque s'agit-il ? Dans mon cas, il s'agit d'une vidéo de lancement pour une nouvelle marque. Je vais imaginer ce saut sculpté et lancé encore et je vais réaliser la première vidéo qui arrivera sur le marché et qui façonnera la marque. s'agit d'une information importante car elle déterminera le type de contenu dont vous aurez besoin dans la vidéo. Ensuite, quel est l'objectif ? Dans mon cas, l'objectif est aussi simple que de raconter cette histoire magique de la marque et d'en tirer parti. Je souhaite présenter le concept qui sous-tend le logo et l' identité de la marque , car c'est toujours la première chose que les gens verront. Je veux les emmener dans ce voyage et leur faire comprendre l'histoire se cache derrière tout cela avant de lancer d'autres campagnes pour cette marque. Je veux d'abord mettre en valeur l' épine dorsale de la marque, en intégrant l' image de marque auprès du consommateur. Ensuite, il y a le public. Quel est le public cible de cette vidéo ? Je cible deux types de personnes. Les adolescents, les jeunes adultes et personnes qui aiment se livrer à glaces et qui n'ont pas peur de laisser libre cours à leur imagination d'enfant intérieur, mais aussi les parents de ces enfants qui regarderont la vidéo et veulent découvrir cette marque avec leurs enfants et la voir à travers leurs yeux. Alors, quelle perception est-ce que je veux laisser aux consommateurs avec cette vidéo ? Je veux que les consommateurs soient enthousiastes, intrigués et curieux. Cela signifie que je ne veux pas leur laisser une image complète de la marque. Je veux leur faire un voyage juste assez pour leur laisser un peu d'imagination et un peu de marge de manœuvre pour en juste assez pour leur laisser un peu d'imagination et un peu de savoir plus afin qu'ils puissent rester dans les parages et attendre de voir ce que la marque propose d'autre. Je veux créer une base d'excitation et de joie à travers ce monde imaginaire que je suis en train de créer. Puis vient le contenu. Quel type de contenu comportera cette vidéo de marque ? Comme il s'agit d'une vidéo de lancement et que je souhaite simplement présenter l'histoire de la marque et ce monde magique, je veux juste que ce soit des graphismes purement émotionnels, vidéo animée du logo, des messages, les illustrations, et une musique de fond pour l'instant. Je veux que ce soit aussi magique que possible sans avoir d'images de personnes mangeant la glace ou des maquettes pour l'instant, parce que j'ai l'impression que ce serait plus réaliste, et pour cette vidéo en particulier, Je veux les garder dans ce monde imaginaire et le garder aussi magique et enfantin que possible. Vient ensuite l'histoire de la marque. Quelle est l'histoire que je vais finalement raconter ? Comme je connaissais déjà l' histoire de la marque dès l'étape de la stratégie de marque, je vais la garder telle qu'elle est maintenant et je retrouverai l'histoire plus tard avec des mots spécifiques dans la leçon suivante. Mais si vous n'avez pas encore écrit d'histoire de marque, je vous invite à profiter de ce moment écrire un petit récit qui reflète le sens de votre marque, la solution qu'elle résout le cas échéant, et l'impact émotionnel qu'il est censé avoir sur son public. Cela vous aidera à construire l'histoire de votre vidéo. Enfin et surtout, la tonalité. Quel est le ton et la voix de votre marque ? Cela dictera presque tout. La musique que vous choisirez en arrière-plan, le rythme de la vidéo, les messages que vous allez écrire et à peu près tout. Le ton et la voix prennent la forme de mots clés concis. Dans mon cas, ils sont ludiques, imaginaires, enfantins, édifiants et magiques. Cela m'aidera dans mes choix musicaux, le type d'animation que je choisirai de faire, etc. C'est à peu près la fin de notre mémoire. Vous pouvez utiliser ce document comme modèle pour vous-même et simplement écrire les réponses qui correspondent le mieux à la marque sur laquelle vous avez travaillé, et vous aurez déjà l'impression avoir une feuille de route. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à construire une histoire claire et l'inscrire sur une chronologie pour notre vidéo de marque. 6. Structurer l'histoire: [MUSIQUE]. Dans cette leçon, nous allons apprendre à développer une idée d'animation pour notre logo, mais aussi à l'associer à une vue d'ensemble de l'histoire. Essentiellement, nous ne créons pas simplement une animation de logo, nous créons une vidéo de marque. Nous devons donc tout créer avec une vision à 360°. Je vais vous présenter le modèle de structure que j'ai préparé et il m'aide simplement à mettre en place tout ce qui s'est passé et relier tous les éléments entre eux, logo avec une histoire plus large. Je partagerai ce modèle avec vous et les ressources si vous en avez besoin, vous êtes libre de l'utiliser. Le modèle de structure de l'histoire est divisé en deux parties animation du logo et l'histoire. Nous allons ensuite relier les deux et les inscrire sur un calendrier provisoire afin que tout ait sens lorsqu' ils se rejoignent, et cela vous facilitera les choses plus tard storyboard. Tout d'abord, je veux que vous compiliez un aperçu de votre marque, comme je l'ai fait ici. Afin de créer une histoire pour la vidéo, vous devez savoir avec quoi vous allez travailler. Maintenant, je veux que vous considériez votre marque comme des éléments distincts. Les éléments que j'ai ici sont les illustrations magiques de glaces, les concepts de saut dans le logo et l'idée d'une aventure de dégustation. Cela peut différer de votre marque. Par exemple, vos éléments peuvent être des formes de base, des lignes graphiques, des structures de mise en page dynamiques, photographies au lieu d'illustrations. Travaillez avec ça. Disséquez les éléments et identifiez ce qu'ils sont. À partir de ces éléments, vous souhaitez commencer à identifier les concepts clés. Les concepts clés que je vous ai présentés précédemment dans l'aperçu de la marque sont le terrain de jeu magique des rêves, le concept de saut et l'aventure de dégustation. Le fait que cette marque propose bien plus que de la crème glacée, je souhaite faire voyager le public . Ce sont les trois principaux concepts que je souhaite présenter dans la vidéo. Ensuite, je dois identifier les messages clés que je vais écrire dans la vidéo. Je les ai extraits de l' histoire de la marque et j'ai écrit en cours route pour les adapter et représenter l'histoire que j'essaie de livrer. Les messages clés sont les suivants : imaginez un monde sans frontières et sans destination pour votre esprit et votre appétit. Une aventure gustative pour vos yeux et vos papilles, et notre cuisine est dans les nuages. Vous pouvez toujours ajouter ou supprimer des messages clés en cours de route, mais il s'agit d'une étape importante pour identifier l'étape, afin de vous aider à créer une séquence de base pour la vidéo. Plus vous avez de messagers, plus vous aurez besoin de penser à des cadres, et moins vous aurez à couper. À partir de là, je peux passer à l'animation de mon logo. Maintenant, je suis sûr que je veux l'animation reflète le concept qui sous-tend le logo. Parce que mon logo est conçu pour évoquer le concept de saut et le sentiment de bonheur que l'on ressent lorsque l' on mange une glace. Je pense que les lettres peuvent tomber du haut de l'écran, éparpillées et inégales, et qu'elles rebondissent et se remettent en place. Le logo est simple, donc je veux que l' animation soit tout aussi simple et reflète cela. Mais alors, comment puis-je le relier au terrain de jeu magique des rêves et tout faire passer en douceur avec les illustrations ? Nous revenons aux concepts clés et voyons s'il y a quelque chose qui peut nous aider. Parmi les concepts clés, je peux souligner le mot terrain de jeu magique et aventure gustative. Maintenant, si vous revenez au logo, je peux travailler avec le point du i. Le point du i est la seule forme de base l'ensemble du mot et c'est la seule forme foncée sur toutes les lettres. Il se démarque des autres. Ce point pourrait représenter une balle dans un terrain de jeu en fait. Il pourrait monter en échelle et commencer à rebondir sur le sol, puis glisser et rebondir tout au long de la vidéo, interagissant avec les illustrations, en glissant autour des messages, puis en descendant les glissades et font le tour des balançoires jusqu'à la fin, rejoignent le logo puis rebondissent à sa place sous la forme d'un point. Maintenant, j'ai trouvé quelques références pour ce concept ici. Je viens de me rendre sur Pinterest, de taper une animation rebondissante, de sortir quelques références qui refléteront l'idée que j'essaie d'animer. La référence sur la gauche montre comment j' imagine que je veux que la balle rebondisse. Vous voyez sa forme se transformer lorsqu'il atteint le trampoline et qu' il remonte. Ce sera intéressant car le point se transforme également en boule, puis rebondit à nouveau en point. Ensuite, la référence sur la droite est la façon dont je veux que la balle se déplace à travers la vidéo rebondisse et glisse entre les illustrations, juste pour que les choses restent aussi ludiques et dynamiques que possible. Maintenant, vous pouvez utiliser exactement la même méthode pour le logo sur lequel vous travaillez. Il vous suffit d'identifier le concept qui sous-tend votre logo , puis de penser à une méthode automatisée qui mettrait en valeur ce concept, puis d'examiner l'identité de votre marque et de trouver un élément commun entre les deux que vous pouvez relier entre eux. J'ai examiné mes références à l'aide certains mots clés tels que bounce et skip, et cela m' a certainement aidée à visualiser la façon dont je pouvais voir le déroulement de cette animation. Vous pouvez faire de même dans votre cas en identifiant certains mots clés en fonction de votre concept. Maintenant que nous avons défini une idée d'animation pour le logo et comment le lien avec l'identité de la marque, il est temps d'avoir une vue d'ensemble de l'histoire. Rappelez-vous que lorsque j'ai parlé de la méthode des 360 degrés, c'est là qu'elle entre en jeu. Maintenant, rappelez-vous qu'il n'est pas nécessaire que ce soit un cercle parfait. ne s'agit pas d'une classe de géométrie. Vous pouvez certainement être indulgent avec cela. Je veux juste que vous compreniez le pouvoir de relier le début à la fin, et vous n'avez pas à le faire si vous ne le souhaitez pas ou si cela ne correspond pas à votre marque, c' est juste un conseil supplémentaire ou quelque chose comme ça qui pourrait vous aider à créer une structure pour vous-même. Mon 360 degrés ressemble à ça. J'imagine l'histoire. Nous commencerons par une phrase d'ouverture captivante, inspirée des messages clés tels que « Imaginez un monde sans frontières ». Ensuite, il peut être suivi d'une illustration animée, préférence quelque chose qui reflète cette ligne juste pour la rendre plus pertinente, puis je vais présenter le logo avec l'idée d'animation. Ensuite, je vais séduire le public en emmenant dans une aventure de dégustation. Cette aventure de dégustation passera ensuite en revue les différentes illustrations animées, puis je terminerai la vidéo de la marque par une phrase finale qui se rapporte à ce que j'ai commencé par. Lorsque j'ai commencé à imaginer un monde sans frontières, je voulais terminer mon histoire en vous souhaitant la bienvenue dans une destination. Après avoir présenté la vidéo avec Imagine this World, je vous souhaite la bienvenue. C'est presque comme si tu étais arrivée. Techniquement parlant, je ne finirai exactement par ce que j'ai commencé. C'est pourquoi ce n'est pas un cercle parfaitement fermé, mais je le termine par la même séquence qui relie tout. Je pense toujours que terminer votre vidéo le logo est l'outro la plus forte, afin que les gens puissent toujours se souvenir du nom de la marque, et c'est presque comme un signe, gros une marque de commerce, une signature. Gardez toujours cela à l'esprit. Vous n'avez pas toujours besoin de commencer par le logo tout de suite, mais je vous recommande de terminer par celui-ci. N'oubliez pas que la balle rebondissante forme également un cercle complet à la fin, où elle rebondit sur le logo au début, puis elle termine son voyage à la toute fin. Maintenant que nous avons une animation du logo et une histoire à raconter, nous pouvons désormais tout mettre sur une chronologie visuelle, afin de savoir exactement qui va où. Je vous ai déjà fait gagner un peu de temps en plaçant mes éléments ici sur la chronologie juste pour faire avancer les choses. Cela n'a pas besoin d'être gravé dans le marbre. Je peux toujours revenir en arrière, modifier, réorganiser, réorganiser n'importe quoi à ce stade. Ce ne sont que des points clés de la chronologie pour le moment, juste pour que je puisse connaître une séquence approximative pour la vidéo. Chaque point noir est censé être un cadre. Je vais commencer par un message d'ouverture comme vous l'avez vu plus tôt, puis je passerai par une illustration animée entre chaque message, juste pour que les choses restent visuellement intéressantes. Je veux que le public lise, plutôt que de regarder quelque chose qui s' anime et vice versa. À ce stade, vous pouvez vraiment jouer avec cela, ajouter autant de cadres que vous le souhaitez en fonction de votre histoire et du nombre d'éléments que vous avez. Vous pouvez également les raccourcir et avoir autant de cadres que vous le souhaitez. À partir de là, il est très facile de démarrer le storyboard. Je peux à peu près visualiser ce que je veux voir dans chaque image. Je vais commencer à dessiner le storyboard dans la leçon suivante et voir comment nous pouvons le développer davantage et le préparer pour l'animation. 7. Storyboard: Dans cette leçon, nous allons commencer à dessiner notre storyboard. storyboards sont très importants car ils constituent votre feuille de route pour l'ensemble de la vidéo. Vous pouvez voir l'intégralité de la vidéo comme un processus devant vous. Ils vous aident également à identifier le concept selon lequel votre vidéo fonctionne ou non et comment se déroulera le flux de votre vidéo. Si vous avez besoin de faire des ajustements ou de réparer quoi que ce soit, nous commandons, nous modifierons tout. C'est le moment idéal pour le faire. Vous avez généralement besoin d'un papier et d'un crayon pour cela mais si vous avez un iPad et que vous préférez l'utiliser, vous pouvez le faire par tous les moyens. Personnellement, j'aime utiliser un bon vieux papier et un crayon. Le processus est super simple et facile. Nous allons simplement dessiner de petites vignettes de chaque image comme storyboard et dessiner ce qui se trouvera dans chaque image. Vous pouvez maintenant utiliser votre règle si vous le souhaitez mais j'aime aussi dessiner à main levée, donc il n'y a aucune pression sur ce que vous voulez faire. Mais pour les besoins de cette vidéo, je pense que je vais abandonner la règle pour l'instant et dessiner à main levée parce que c'est super simple et facile et que vous ne voulez pas perdre trop de temps à créer Assurez-vous que chaque cadre est parfaitement carré ou rectangulaire ; cela n'a pas d'importance pour le moment. Nous pouvons commencer par j'aime utiliser un crayon HB juste pour commencer avec légèreté et facilité et nous devons nous engager à respecter toutes les lignes dès maintenant. Ce que je vais faire, c'est juste dessiner mon premier cadre ici. Je vais le nommer en haut, il suffit de signer sur le cadre 1. Ensuite, je vais regarder la chronologie que j'avais dans la leçon précédente et vérifier ce qui va se passer dans la première image. Dans la première image, je vais avoir quelque chose comme une ligne qui va de pair avec l'idée d'un monde sans frontières. Je pense aussi à des nuages arrondis dans le ciel. Cool. C'est ce qui va se passer dans ma première image. Passons maintenant au second, je vais avoir une échelle et je pense que je peux relier les nuages que nous voyons ici et les faire passer dans celui-ci, juste pour que cela ait du sens. dessinant des storyboards, vous pouvez écrire des annotations pour vous-même, juste pour vous en souvenir. Je vais juste écrire ici des nuages de liens, juste pour comprendre comment je vais passer d'ici à ici. Ensuite, au troisième cadre, nous aurons une autre ligne. Le cadre suivant est l' illustration de la façon dont le biscuit et la cuillère à glace tombent dessus. Je veux en fait illustrer la façon dont cette animation va se réaliser. Pour la première image, je veux que la cuillère à glace tombe de l'écran. Je vais juste dessiner ça pour moi et juste ici, en tombant du haut. Je vais aller ici et tirer ma cinquième corde. La cuillère à glace est déjà tombée du haut de l'écran et maintenant le biscuit gaufrette va tomber dessus et s'équilibrer juste là. Tout cela est vraiment un dessin grossier. Vous n'avez pas besoin d'être artiste pour cela. C'est juste pour que vous puissiez l'utiliser plus tard. Vous êtes le seul à pouvoir comprendre ce que vous dessinez. Sur ce cadre, je vais dessiner les cuillères à glace qui tombent sur le dessus de la balançoire. En général, ces trois cadres constituent un seul fichier Illustrator, et nous y reviendrons plus tard, mais je les dessine simplement dans trois cadres distincts juste pour savoir comment se passe un seul fichier Illustrator, et nous y reviendrons plus tard mais je les dessine simplement dans trois cadres distincts la transition va se produire avec chaque élément. Le premier élément sera la cuillère à glace qui tombera par le haut, puis le biscuit gaufretté, puis les cuillères à glace. Si je devais dessiner tout cela dans un seul cadre, ne serait pas très clair, c'est pourquoi j'ai dû séparer en trois cadres différents. Passons ensuite à la septième image, je vais écrire ici un terrain de jeu magique rempli de rêves. Je pense que dans tous ces cadres, l'arrière-plan sera cohérent, donc peut-être le fond crème, mais en passant à ici, je veux qu'il passe sur le fond rouge. Je vais juste dessiner exactement le même cadre et simplement annoter pour moi que je change la couleur d'arrière-plan ici parce que lorsque nous passerons au logo suivant, je veux que le logo apparaisse d'abord sur le rouge contexte, donc j'ai besoin que cette transition se fasse sur place. maintenant à l'animation du logo, nous allons faire en sorte que chaque lettre tombe du haut de l'écran et soit dispersée. Ensuite, je voulais juste m'accrocher au logo d'origine. Je suis juste en train d'écrire ici et de me mettre en place. Passez ensuite à l'image suivante. Tu te souviens quand nous avons dit que nous allions utiliser le point du I comme balle rebondissante ? Donc je pense que lorsqu' elle sera verrouillée, toutes les lettres tomberont. Ensuite, il ne reste que le point du I qui se transforme ensuite en cette balle rebondissante. Au fur et à mesure que les lettres tombaient, elles rebondissaient également sur le sol comme la référence que nous avons sortie plus tôt. prie, je viens de l'écrire pour moi, toutes les lettres qui tombent et pointent deviennent une boule tout de suite. Ensuite, le point passe dans la boule et je dessine juste cela pour me dire que cela va continuer tout au long des autres images. Le ballon va juste me suivre partout. J'ai 12 cadres ici, je vais juste les mettre de côté et continuer sur un papier séparé. J'ai le cadre 13 à côté. Ensuite, laissez-moi vous emmener dans une aventure de dégustation J'ai l'illustration du swing, donc je vais juste la dessiner. J'ai deux éléments ici, donc la balle qui entre et interagit avec le swing, et puis j'ai l'animation du swing lui-même ici. Ensuite, passez à autre chose. Ensuite, j'ai le trampoline de crème glacée, qui possède déjà ces cuillères rebondissantes, donc ce serait vraiment cool que la balle rebondisse sur le dessus du trampoline, puis rebondisse. Nous avons la gamme pour vos yeux et vos papilles. Ensuite, nous avons le toboggan. C'est aussi très bien parce que la balle pourrait glisser littéralement vers le bas puis glisser ici. Ensuite, nous avons la file d'attente ou une cuisine se trouve dans la cour. Ensuite, nous avons également quelques nuages ici. Peut-être une sorte de hula hoop donc je vais juste écrire des nuages de hula hoop, juste pour savoir si je veux mettre d'autres éléments intéressants ici. Ce sera le vélo à grains de café. Je suis juste là pour annoter pour moi-même que je veux que les roues du vélo soient animées au fur et à mesure que la balle passe, et puis nous avons le slogan de la marque, le scoop de rêves servi avec imagination, et puis nous avons un autre toboggan, le toboggan à churro. C'est une partie importante où je vais décider de ce que sera l'outro. Ma dernière diapositive sera la bienvenue une destination pour votre esprit et votre appétit. Je veux que la balle arrive ici sur un fond et des limites vides pour la toute dernière fois puis soit le logo soit là, prêt sans les points. Ensuite, il est arrivé et littéralement, il suffit de revenir à sa place ici et puis ce serait mon dernier cadre à la fin, ou je pourrais le terminer de la même manière que j'ai introduit le logo donc je devrais quand même sauter et des lettres en forme de boule tombent de l'écran en même temps que la balle, de sorte que la balle revient en haut de l'écran et que les lettres tombent ici , puis le tout se verrouille à nouveau après avoir sauté et le ballon rebondi. Je vais juste prendre sa place ici au lieu d'avoir le logo déjà statique ici. Mais je vais simplement laisser cette option ouverte pour moi parce que je veux d'abord l'essayer sur After Effects et voir lequel aura le meilleur résultat au final, donc c'est juste quelque chose à avoir pour moi pour voir plus tard . Je vais juste annoter cette partie pour moi, pour m'en souvenir. C'est à peu près tout donc voici à quoi ressemble un storyboard. C'est assez rudimentaire, simple et facile à faire. Cela ne devrait pas prendre de temps, il vous suffit d'imaginer quelle sera la séquence de toute l' histoire. N'oubliez pas que cela facilitera grandement votre processus plus tard lorsque vous les ajouterez à Illustrator , et même pour vous guider lorsque vous animez, vous pouvez toujours le regarder et regardez vos annotations. Il suffit de regarder ce que vous avez dessiné et vous pouvez toujours revenir en arrière, rééditer, réorganiser , tout ce que vous voulez, super facile et simple, ne devrait pas vous prendre beaucoup de temps, ne passez pas trop de temps là-dessus. Ce devrait être un processus rapide et facile, devrait vous faciliter la tâche plus tard. Une fois que vous êtes satisfait du flux des choses et que vous vous sentez prêt à passer à autre chose, l'étape suivante consiste à numériser chaque image, afin de prendre tout ce que vous avez créé pour votre et commencez à le mettre sur Illustrator dans chaque image ici Dans la leçon suivante, nous comment superposer ces éléments sur vos fichiers Illustrator pour les préparer à l'animation. 8. Superposition sur Illustrator: Lorsque vous préparez un fichier sur Illustrator à des fins d'animation, vous souhaitez essentiellement que chaque calque de votre fichier se trouve sur un calque distinct afin de faciliter l' animation ultérieure. C'est ce que nous allons faire dans cette leçon, en regardant simplement notre storyboard sous forme numérique. Ce que j'aime faire personnellement, c'est d'avoir chaque image dans un fichier Illustrator distinct, comme vous le voyez ici. Ensuite, je les importerai individuellement dans After Effects, où il pourra ensuite les regrouper et compiler des compositions. Nous y reviendrons plus tard. Mais c'est ce que j'aime faire personnellement. Si vous avez une autre méthode avec laquelle vous êtes à l'aise , allez-y. Ce que j'ai devant moi est un de 1 920 x 1 080 pixels. Ce sera la taille principale de mon plan de travail. Il s'agit généralement des dimensions de divertissement HD standard , en particulier pour les écrans d'ordinateurs portables. Je l'utilise dans des présentations et des vidéos et presque tout comme orientation paysage. J'ai nommé ce fichier Frame 1, et ce ne sera pas la première image selon mon storyboard. Ensuite, je vais juste suivre l' ordre chronologique comme ceci. C'est le cadre 2 et c'est le cadre 3, c'est le cadre 4. Mais par exemple, dans le storyboard, j'ai découpé cette partie en trois images différentes juste pour que je sache quelle sera l' animation, sache quelle sera l' animation, mais je n'ai pas besoin de le faire ici. Je peux avoir tout cela sur un seul plan de travail car je vais séparer tous ces éléments sur différentes couches. Je n'ai pas besoin d' une seule image pour chaque animation lorsque la cuillère à glace tombe de l'écran. Je n'ai pas besoin de l'avoir comme écran séparé. Je peux tout avoir ici et je vais pouvoir l'animer. Dans certains cadres, je les aurais regroupés en un seul plan de travail et d'autres cadres, ils seront séparés, comme ici. J'ai un total de 18 images par opposition au storyboard sur papier, ce qui est très bien. C'est juste quelque chose que nous faisons en déplacement, et si j'ai besoin d'ajouter quelque chose plus tard dans After Effects, je pourrais le faire. Retour au cadre 1. Tout ce qui contient du texte ici ne sera qu'un espace réservé. Je vais réécrire ce texte dans After Effects. Parce que si je l'importe dans After Effects, After Effects lira les textes sous forme de calque de forme, ce pour quoi nous ne pourrons pas animer le texte. Je vais devoir le réécrire avec celui-ci sur After Effects, mais j'aime juste le mettre ici pour l' instant juste pour connaître la taille, quoi il ressemble avec tout le reste, quoi il ressemble comme en général. J'aime l'avoir comme espace réservé, puis je le supprimerai une fois que nous l'aurons importé dans After Effects. Ce que nous allons faire maintenant dans cette leçon, c'est que nous devons tout superposer sur une couche distincte. Si vous le voyez sur votre panneau de calques, vous pouvez accéder à la fenêtre et cliquer sur « Calques » si ce n'est pas déjà fait. Sur mon panneau Calques, tout se trouve dans une seule couche. Maintenant, c'est interdit dans After Effects, il ne reconnaîtra pas chaque élément individuel et vous devez les séparer. C'est également très utile si vous travaillez avec un animateur et que vous êtes un illustrateur et que vous souhaitez leur envoyer les fichiers, ils vous remercieront d'avoir envoyé les fichiers nommés et superposés correctement. Cela leur facilitera beaucoup la tâche. Si dans mon cas c'est toi qui anime, tu veux te faciliter la vie, fais-moi confiance. La première chose que je vais faire, c'est super facile et cela ne prend presque pas de temps. Ce que vous voulez faire, c'est commencer à couper chaque élément de votre plan de travail et le coller sur un nouveau calque. Je vais juste faire la commande X et couper l'arrière-plan. Ensuite, je vais aller ici et cliquer sur « Créer une nouvelle couche ». Je vais avoir la couche 2 ici. Ensuite, je vais faire Shift Command V. Cela va simplement coller sur place, et je l'ai ajouté à une nouvelle couche. Je pourrais simplement le faire glisser ici pour que l'arrière-plan soit ma première couche et qu'il se trouve derrière tout. Je vais juste renommer ce BG. J'aime toujours donner un nom à mes couches, même si c'est comme une mèche de cheveux, le numéro 37. J'aime toujours donner un nom à mes couches, car elles sont beaucoup plus faciles à retrouver plus tard lorsque vous animez. Je ne veux pas parcourir un milliard de couches pour essayer de savoir où se trouve l'étoile ou où se trouve le lacet. Je voudrais qu'il soit nommé. C'est une chose. Alors je vais faire de même pour le reste. Je vais juste découper ce nuage, Command X, créer une nouvelle couche, Shift Command V, coller sur place. Je vais nommer ce Cloud 1. On y va. Tout est placé dans une couche séparée. Je veux juste recommander Save et enregistrer cela, puis passer à mon image suivante. Exactement comme je l'ai fait auparavant, je vais découper l' arrière-plan sur une nouvelle couche, renommer et couper le nuage, et être très précis. Je vais l'appeler le cloud central, au moins pour savoir de quel cloud il s'agit. Je vais juste continuer à répéter toutes ces étapes . Je vais juste être très minutieux sur ce que je vais superposer. Au lieu de découper toute cette échelle, je vais littéralement découper chaque étape si je choisis d'animer chaque étape seule. Je vais juste le répéter pour la plupart des images, et je vais m'arrêter entre quelques points juste pour vous montrer quelques trucs et astuces. Mais c'est essentiellement ce que nous faisons. Nous voulons placer nos illustrations ou nos cadres dans des fichiers Illustrator distincts comme je l'ai fait ici, et vous allez superposer chaque élément ces fichiers sur son propre calque. C'est à peu près ça. Je voulais juste vous montrer un exemple de fichier contenant beaucoup de couches comme celui-ci. Vous pouvez voir ici sur la droite, tout cela comme des couches à saupoudrer de Sprinkle 1 à Sprinkle 27 sont ces petites paillettes sur la crème glacée. Chacun d'eux se trouve dans une couche distincte. Bien sûr, tu n'es pas obligée de le faire, mais je te montre juste une idée si tu veux l'animer. Si je veux que cette cuillère à glace tombe du haut de l'écran et que toutes ces paillettes tombent ensuite , il faudrait qu'elles soient sur des couches séparées pour pouvoir les déposer individuellement, si vous voulez, comme si vous laissiez tomber des pépites individuelles. C'est un peu fastidieux, mais le couper-coller en place ne prend pas beaucoup de temps . Mais c'est quelque chose que vous devez savoir si vous souhaitez animer chacun d'entre eux. Voici à quoi ressemblera généralement votre panneau de couches. Ensuite, j'ai simplement séparé tout le reste, de sorte que le biscuit gaufrette et les cuillères à glace individuellement, chaque étoile, les lignes de rotation, l'ombre et même la garniture de crème glacée soient séparés. Ce n'est pas parce que cela facilite l'animation, si vous voulez que tout soit dans un fichier séparé, vous serez en mesure de le déplacer de cette façon. On passe à autre chose. C'est le cadre du logo. Ce que je vais faire, c'est que le logo va tomber sous forme de lettres individuelles en haut de l'écran. Je dois dissocier mon logo, incluant le point au début. Je vais juste faire exactement les mêmes étapes. J'ai séparé chacune des lettres du logo sur une couche séparée maintenant, vous avez le point ici et P, des lignes courbes, toutes séparées. J'ai également ajouté une autre couche du logo complet en rouge, mais il ne s'affichera pas maintenant car les lettres sont au-dessus. Mais c'est exactement comme le logo complet parce qu'une fois qu' ils auront fini de les ignorer, je voulais me reconnecter à leur place, et je vais utiliser le logo complet ici. Ensuite, j'ai également ajouté une version de fond crème, mais aussi une version de fond rouge car fois les journaux locaux remis en place, je souhaite afficher la version sur fond rouge. Je les ai juste ici sous forme de couches en dessous de tout, et après avoir montré tout cela et animé tout cela, je passerai au fond rouge à la fin. C'est juste important de les avoir en couches, et je les mets tout en bas pour l'instant. Nous en avons terminé avec cette partie. Passons à la suivante. J'en ai presque fini ici. Je viens de séparer chaque élément sur sa propre couche ici pour chaque image, et plus vous faites de couches, plus votre animation sera compliquée, probablement difficile ou détaillée. C'est à vous de décider de ce que vous imaginez pour l'animation, du nombre de couches que vous souhaitez séparer, car c'est ce qui déterminera la nature de l' animation. Certains cadres ne comportent pas beaucoup de couches. Je vais juste faire un mélange entre des animations très détaillées et des animations assez simples juste parce que je ne veux pas que ce soit trop exagéré et trop stimulant, je trouve cela simple les animations sont également tout aussi sympas. C'est à peu près tout pour configurer vos fichiers dans Illustrator. Une fois que vous avez vos images et votre séquence issues de votre storyboard, il est très simple de les placer sur des fichiers et de les superposer comme je vous l'ai montré. Maintenant, dans la leçon suivante, je voudrais juste faire une petite pause et vous faire découvrir certains de mes sites préférés pour choisir de la musique. 9. Choisir la musique: [MUSIQUE] En plus d'être graphiste je danse sur le côté. L'un des aspects les plus importants de la danse est la musicalité. C'est l'harmonie du mouvement avec la musique. Il fait entendre ces rythmes exactement sur la mélodie. J'aime penser l' animation de la même manière. J'aime déplacer et animer mes éléments en fonction de la musique. C'est pourquoi il est si important de choisir les chansons, car je vais baser tous mes mouvements en fonction de la chanson. Je n'aime pas l' utiliser comme musique de fond. En fait, je le considère comme un élément principal parce que j'ai l'impression vidéo de marque est tout autant une vidéo de marque est tout autant une expérience sonore que visuelle. Maintenant, tout doit être choisi intentionnellement et associé pour une raison précise. Mais je dois vous prévenir, c'est la tâche la plus longue de toute la classe. Parfois, cela peut prendre des heures et parfois des jours. Mais je vous conseille vivement de vous asseoir, de prendre vos écouteurs préférés et de vous asseoir 24 heures sur 24 pour écouter de la musique. Tout le monde le fait différemment. Certaines personnes aiment animer d'abord, puis trouver de la musique. Personnellement, j'aime trouver la musique abord, puis l'animer en fonction de la musique, donc je ne la traite pas simplement comme de la musique de fond. Le candidat numéro 1 est Bensound. J'aime beaucoup ce site Web car il contient la musique gratuite que vous pouvez télécharger, mais vous devez accréditer l'artiste ou simplement écrire bensound.com lorsque vous utilisez la musique pour l'une des vidéos de votre marque. Mais encore une fois, comme le droit d'auteur concerne tout , si vous voulez l'utiliser pour un client, vous devrez probablement créer cette licence et elle serait sous son nom si vous êtes Je vais l'utiliser pour un projet commercial, ce qui est tout à fait normal. Vous pouvez le télécharger gratuitement sans filigrane dans le son. Mais si un client devait acheter cette licence et qu'elle est prête à être utilisée, qu'elle est approuvée et qu'elle doit être utilisée commercialement dans une marque, alors vous devrez lui envoyer cette licence. Mais si vous réalisez une vidéo de marque pour vous entraîner ou pour un projet passionné, c'est techniquement ce que j'aime faire. Ils ont vraiment de la bonne musique ici. Vous avez juste besoin de passer un peu de temps à trouver ce que vous aimez. Ce que j'aime aussi beaucoup, c' est qu'ils le classent selon ces mots-clés, ces vibrations et ces humeurs. C'est parfait car vous pouvez alors vous référer aux mots clés que vous avez utilisés dans la leçon précédente et voir quelle catégorie convient le mieux à votre marque. Par exemple, pour moi, pour le skip and scoop, je choisirais probablement de la musique positive, inspirante, énergisante et heureuse, et moins du hip hop, électronique ou du calme, ou cinématographique ou quelque chose comme ça. Il vous suffit de choisir l'ambiance qui correspond le mieux à votre marque. Comme je l'ai dit, cela prend beaucoup de temps, alors soyez patient, investissez dedans, mettez vos écouteurs et plongez-vous dans la musique. Chaque fois que j'entends une certaine chanson, j'essaie de l'imaginer avec mon storyboard afin voir la séquence dans laquelle tout va se mettre en place. Vraiment, c'est la musique qui dictera le rythme de cette vidéo et où tout va commencer et où tout va se terminer. C'est une chose. Ensuite, vous avez Purple Planet Music. Il a le même concept où vous pouvez choisir toutes ces catégories. Il est également téléchargeable gratuitement sans aucun filigrane. Mais encore une fois, vous devez accréditer le site Web, mais si vous en avez besoin pour un client, vous devrez probablement acheter une licence. Par exemple, si je dois cliquer sur un rythme ici, je vais voir apparaître un tas de chansons ici. Ce que j'aime aussi, c'est qu'il vous indique les battements par minute pour que vous sachiez qu'il s'agit d'une chanson rapide ou lente ou du type de rythme que vous souhaitez. Vous pouvez simplement le télécharger ici et il se téléchargera instantanément. Ou si vous devez acheter la licence, elle vous indiquera de quelle licence est chacune, s'il s'agit d'un usage commercial ou s'il s'agit d'autre chose, comme pour la radio ou la télévision, prix est différent et vous ajoutez-le au panier et vous pourrez concéder sous licence au client pour lequel vous travaillez. Mais encore une fois, s'il est réservé vous et à un usage personnel, vous pouvez simplement le télécharger ici et accréditer le site Web si vous comptez le publier sur les réseaux sociaux ou quelque chose du genre. Alors vous avez un bon vieux SoundCloud. SoundCloud propose également une section pour la musique libre de droits, que vous pouvez également télécharger facilement, mais vous devriez vérifier auprès de chaque artiste de chaque chanson quels sont ses termes. Habituellement, vous l'aurez dans la légende ici si je devais cliquer dessus par exemple. L'artiste lui-même écrirait ce titre et peut être utilisé gratuitement sur les réseaux sociaux. Lorsque vous me donnez du crédit, il suffit de le copier-coller dans la description de votre contenu et taguer ma chaîne pour qu'elle ait besoin d'une certaine reconnaissance. Tout simplement parfait. Tu peux absolument le faire. Vous pouvez simplement le télécharger ici. J'adore SoundCloud parce qu'il contient moins de musique générique et quelque chose qui semblerait un peu plus adapté à votre marque et quelque chose qui est fait par quelqu'un de la région, mais ce n'est pas le cas quelque chose de générique que vous devriez normalement voir. J'aimerais aussi faire défiler cela et simplement mélanger et faire correspondre, voir ce que je trouve. La prochaine étape est Free Stock Music. Encore une fois, le téléchargement est totalement gratuit. Si une chanson possède une licence spécifique, elle vous indiquera qu'il s' agit d'une musique sous licence et que vous devrez l'acheter. Mais encore une fois, les prix sont très raisonnables, si vous pensez que la chanson est absolument la bonne, alors vous n' aurez pas à payer une jambe et un bras pour cela. Mais à part cela, ils proposent musique téléchargeable à peu près gratuitement n'importe où, et encore une fois, ils ont ici des catégories pour que vous puissiez parcourir ces différentes catégories. Vous pouvez effectuer une recherche par humeur, par longueur, par tempo et vous pouvez écrire vos propres mots clés ici si vous ne trouvez rien qui vous intéresse dans la section de la catégorie. J'aime beaucoup utiliser Free Stock Music aussi. Ensuite, vous avez quelque chose comme Envato Elements, pour lequel vous aurez certainement besoin d'un abonnement. Mais dès que vous avez un abonnement, vous pouvez certainement jouer avec tous ces éléments. Vérifiez leurs licences, bien sûr, d'abord, mais elles sont assez faciles à télécharger une fois que vous avez un abonnement. Oui. C'est donc aussi une autre chose. Maintenant, Musicbed est plutôt un site web professionnel pour les chansons et la musique, mais je dois juste vous le montrer car ils proposent la meilleure musique que vous pouvez normalement voir sur des films ou des publicités, ou quelque chose qui est vraiment adapté à la marque. Ils ont également toutes ces catégories. Mais ce sont en fait très bonnes chansons et de la musique qui en vaut vraiment peine si vous choisissez de vous abonner. Mais c'est quelque chose que vous feriez normalement. Si c'est quelque chose que vous faites pour vivre à plein temps ou travailler à plein temps, l'investissement en vaut vraiment la peine. Mais si vous débutez et que vous commencez tout juste à jouer avec des vidéos de marque et que vous les faites juste pour le fun, alors je resterais dans la section des sites Web gratuits. Ensuite, un autre est Music Vine. Même chose. Il vous suffit de consulter les licences, mais elles contiennent un tas de musique ici, vous montrant simplement toutes les options, au cas où vous ne trouveriez pas encore ce qui fonctionne pour vous. Ensuite, vous avez Pixabay. J'adore Pixabay en général pour les photos et les vidéos, vidéos de stock avec de la musique dans les vidéos de ma marque, et je l'ai déjà utilisé dans une vidéo de marque. Ils contiennent des tonnes de photos et de vidéos que vous pouvez utiliser gratuitement. Super sympa. Ils ont également une section de musique. Avec toutes les catégories, le mouvement et les thèmes, vous pouvez tous les consulter et ils sont gratuits. Si je clique sur celui-ci, par exemple, l'artiste vous dit généralement d'utiliser la chanson pour les réseaux sociaux, et tout ce que vous avez à faire est de leur donner crédit et de ne pas la revendre ni la distribuer ; juste des règles de droit d'auteur normales comme vous le savez probablement déjà. D'habitude, si j'ai besoin de quelque chose avec des effets sonores, je navigue aussi sur ces sites Web ou je me dirige vers bon vieux YouTube et j'écris effets sonores gratuits et je les télécharge quelque chose en dehors de ça. Je voulais juste vous montrer un éventail de sites différents. Si vous choisissez d'utiliser les sites gratuits et de créditer l'artiste, ou si vous souhaitez investir dans l'un de ces sites Web où vous vous abonnez quelque chose de raisonnable, à quelque chose que vous savez, vous utiliserez sur sur une base mensuelle, si c'est votre travail ou quelque chose dans lequel vous voulez vous lancer, ils sont incroyables par tous les moyens. Je voulais juste vous montrer certains des sites que j'utilise personnellement pour la musique. Généralement, si vous êtes encore débutant, vous allez vous rendre sur les sites de musique libres de droits, comme j'ai commencé. C'est ça. Le processus est vraiment passionnant à partir de maintenant, vous êtes assis à écouter de la musique toute la journée. Un conseil à garder à l'esprit lorsque vous choisissez les chansons est d'avoir votre storyboard quelque part à côté de vous comme aide visuelle. Lorsque vous écoutez la chanson, si vous avez vos images devant vous, cela vous aidera à déterminer où vous imaginez la transition, comment la chanson s'adaptera aux images que vous avez. Cela peut même vous donner des idées d' animation. Si vous écoutez certaines mélodies, vous pouvez faire le lien entre la mélodie et l'animation. Nous y reviendrons plus tard, mais c'est un conseil à garder à l'esprit. Ayez votre storyboard devant vous. Ensuite, lorsque quelque chose clique, il suffit de le télécharger et je vous verrai dans After Effects, où nous commencerons à animer dans la leçon suivante. 10. Animer sur AE : la configuration de fichiers: [MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons apprendre à configurer notre fichier dans After Effects, importer nos fichiers depuis Illustrator, et je vais également vous montrer comment configurer mon morceau dans After Effects pour être prêt pour l'animation. Vous voulez ouvrir After Effects, et voici ce qui s'affichera pour vous. Ensuite, vous devez accéder à Nouveau projet ici surligné en bleu et cliquer sur « Nouveau projet ». Alors tu auras cette fenêtre ici. Nous voulons commencer par cliquer sur « Nouvelle composition », et je vais juste donner un nom à ma vidéo de marque de composition, et je vais conserver le préréglage tel quel pour le moment, et vous voulez vous assurer que les dimensions sont équivalentes à la taille de votre tableau d'art. La taille de notre tableau d'art était de 1920 pixels par 1080. Je vais juste garder la fréquence d' images telle qu'elle est, 29,97, résolution pleine, et ce que je vais changer , c'est la durée. Ma durée ici est de deux minutes et neuf secondes. C'est la durée de la chanson que j'ai choisie. Bien entendu, la vidéo de la marque ne sera pas si longue. Nous allons certainement le raccourcir et le couper. Mais si je mets la durée de la chanson en ce moment, c'est parce que je dois l' écouter complètement et commencer à disséquer les parties de mon intro, pour l'ensemble de l'histoire, et quelle partie je vais découper pour l'outro. Je veux utiliser la fin de la chanson et l'associer à la fin de ma vidéo, afin qu'elle ne se termine pas brusquement. Je veux que ça se termine exactement comme si la chanson se terminait exactement pour qu'elle soit belle, douce et logique. Nous allons juste écouter la chanson importée, écouter et voir où nous pouvons placer toutes les images que nous avons dessinées, ce qui est logique, puis nous allons dupliquer la chanson, la découper, et joignez-le pour obtenir une version plus courte et cohérente de l'ensemble de la chanson. Si cela a du sens, tu verras. Je mettrais simplement la durée complète de ma chanson ici, puis je la raccourcirai plus tard avant d'importer mes fichiers Illustrator. Je vais juste appuyer sur « OK », et vous verrez ici que la chronologie est de deux minutes et neuf secondes. Je vais juste enregistrer ça pour l'instant, la vidéo de la marque, et nous allons commencer à importer notre chanson. Un moyen rapide de le faire est simplement d'appuyer sur Command I, et vous allez utiliser la chanson que vous avez choisie. Je l'ai choisi sur Pixabay, et c'est un mix pour piano édifiant et juste quand je l'ai entendu, il a cliqué avec la marque et la façon dont je voulais que la pièce soit, a commencé un peu lentement pendant les huit ou neuf premiers. secondes qui s'accélèrent, et il a cette sensation magique et enfantine, alors j'ai pensé qu'il conviendrait le mieux à la marque. Je vais simplement cliquer sur « Ouvrir », et cela va être importé ici dans vos projets. Ce sera en bas de la chronologie, donc la chanson entière est juste là. Nous allons l'écouter ensemble et je vais vous montrer quand je m' arrête et quand je veux que nos images soient affichées, et cela m' aidera plus tard lorsque j'importerai mes fichiers savoir exactement combien de temps chaque image va prendre. est la musique qui le dicte. [MUSIQUE] cette première partie lente, je peux totalement imaginer les phrases. Imaginez un monde sans frontières, et ce dernier avec un nuage, et au moins pour embrasser l'enfant qui sommeille en vous. Il s'agit des trois premières images de l'endroit où cela va se dérouler. Cela représente un total de 13 secondes. Je dois juste m'assurer que mes trois montures rentrent bien ici. Elles peuvent être égales ou l'une peut être plus longue que l'autre. Mais je veux m' assurer que mon introduction, les trois premières images, correspond à cette durée. Alors, juste ici, la chanson reprend le rythme que vous allez voir. [MUSIQUE] Juste là où la chanson prend le rythme, c'est là que je veux que ma cuillère à glace tombe du haut de l'écran parce que c'est un changement de rythme rapide et ça devient Excitant, les garnitures tombent, cuillères à glace tombent, quatre biscuits se balancent les uns sur les autres. C'est l'effet que je voulais avoir. [MUSIQUE] Ensuite, passer à un terrain de jeu magique rempli de rêves peut commencer à arriver. [MUSIQUE] See a un rythme spécifique comme [inaudible] Ces rythmes vont m'aider à savoir quand changer de cadre, donc à chaque ton qui se termine, une nouvelle image va commencer, si cela fait sens. Je ne suis pas un producteur de musique ou quoi que ce soit d'autre, mais c'est exactement comme ça que je trouve esthétique et logique lorsque vous déplacez le cadre, donc rien ne bouge au hasard. Elle bouge au rythme de la chanson. [MUSIQUE] Vous voyez comment ça s'y prend. J'imagine ce micro [MUSIQUE] juste là à la 28e seconde, j'imagine que c' est là que la balle commence à rebondir sur le logo et à m' emmener dans cette aventure de test parce que les choses commencent à devenir plus aventureuses, plus dynamiques, et c'est là que je pense que la balle va entrer en jeu, donc à la 28e seconde. [MUSIQUE] La chanson continue avec exactement le même rythme, c'est ce que je veux, afin de pouvoir constamment passer de l' illustration à la phrase, illustration et phrase, et a le même ton et rythme et ne change pas trop. Si je fais défiler la page vers le haut, presque jusqu'à la fin , comme ici, par exemple, [MUSIQUE] vous verrez comment cela ralentit soudainement maintenant. La partie qui ralentit va être le début de mon outro. Cela peut être, par exemple, la dernière illustration, donc cette diapositive, par exemple. Alors bienvenue dans une destination pour mon esprit et mon appétit. [MUSIQUE] Ensuite, c'est peut-être là que la balle commence à rebondir sur la dernière image, [MUSIQUE] et à voir comment la chanson se termine par du shoo-sh, ce dernier souffle. C'est là que je veux que se trouve le cadre final de mon logo. C'est là que la balle reviendra enfin sous la forme d'un point sur le dessus de l' œil pour sauter et ramasser. Il est très important d' imaginer comment vous allez terminer la vidéo et ce qui est logique. [MUSIQUE] Oui, je pense que c'est parfait. Ce que je veux faire, c'est le milieu de la chanson, tout a le même rythme ici [MUSIQUE] et ça continue, ça continue, ça continue de la même façon jusqu'à la toute fin. La partie métallique sera constituée de mes illustrations et de mes phrases, et je vais continuer à alterner entre cela. Mais je ne vais pas avoir besoin d'utiliser toute la chanson, ce serait trop. Je vais juste utiliser au maximum deux ou trois secondes pour chaque illustration, deux ou trois secondes pour chaque phrase, juste pour qu'elle puisse être lue confortablement. Mais je ne veux pas que ça dure trop longtemps. Comme la partie métal est à peu près la même, je peux la couper à un moment donné, comme au dernier rythme, par exemple, et ensuite on la lie à l'outro. L'outro a également le même rythme, puis il ralentit à la fin. Avant qu'il ne ralentisse, je vais le relier à l'une des parties centrales afin que nous puissions avoir une version plus courte de la chanson sans qu'elle ne s'arrête brusquement au milieu. Je vais essayer de faire en sorte que la transition se fasse en douceur sans donner l'impression que quelqu'un vient de la découper au milieu. Je vais juste en prendre une autre, réécouter la chanson en entier et vraiment m'arrêter à chaque seconde pour dicter la durée de chaque image. Ensuite, cela m'aidera à décider où je vais couper la chanson au milieu afin de pouvoir commencer mon outro. Je vais juste aller de l'avant et le faire. J'ai bien écouté la chanson et encore et j'avais mon storyboard à côté de moi où j'ai commencé annoter où chaque image allait commencer, à quelle seconde et quand est-ce que ça va fin. Lorsque j'anime, je sais combien de temps chaque image va prendre Je sais donc où placer mes images-clés et je ne suis pas perdu. Tout cela est guidé par la musique. Lorsque j'anime, je vais continuer à jouer la timeline encore et encore, juste pour m' assurer que la musique commence et s'arrête exactement là où je le souhaite. Mais dans mon cas, la chanson était bien trop longue et elle ne pourrait pas s'adapter à toutes les images que j'ai. J'ai dû le découper et le raccourcir de manière à ce qu'il corresponde à mon storyboard. Ce que j'ai ici, ce sont trois versions de la chanson, le début et le milieu, qui constituent la partie la plus longue ici. La musique d'outro où elle contient probablement les deux dernières illustrations. Ensuite, le cadre final, qui porte le logo final où il revient et termine la chanson ici. que j'écoutais, j'ai noté la longueur chaque image que je voulais qu'elle soit en fonction de la musique. Cela va jusqu' aux premières minutes où je vais réaliser ma dernière illustration . Ma dernière illustration date de la première minute. Ensuite, la dernière phrase de bienvenue dans une destination adaptée à votre esprit et appétit se termine en quelques minutes et quatre secondes ici. Ensuite, la dernière partie est celle où la masse rebondit une dernière fois et se termine avec le logo environ une minute et neuf secondes. Ensuite, le reste des secondes est juste là où la musique s' éteint complètement et se termine et je vais garder le cadre tel quel. Oui, j'ai juste écouté où se trouve le rythme final et j'ai essayé séparer pour qu' il passe en douceur, donc si nous devons écouter ça. [MUSIQUE] Si vous l'avez entendu, j'ai simplement lié le dernier rythme la première partie de la chanson ici et je l'ai lié au dernier morceau de la chanson ici quand il commence à se terminer pour que le son soit le même. Ensuite, j'ai fait la même chose pour la dernière partie de la chanson ici. La dernière [MUSIQUE] et moi venons de la relier ici. On y va. Bien sûr, je ne suis pas un professionnel. Je suis sûr que les producteurs de musique doivent pleurer à cause de ce que je fais. Mais j'essaie de trouver le moyen le plus simple qui me semble logique et qui s'intègre bien à la vidéo de ma marque. C'est exactement ce que j'ai trouvé être des œuvres. Je le fais à peu près avec chaque vidéo de diffusion que je fais. J'essaie de découper la chanson. et je l'intègre au storyboard que j'ai. À partir de maintenant, nous sommes prêts à commencer à importer nos fichiers. C'est la même chose qu'avant. Nous allons simplement cliquer sur Importer des commandes. Nous allons accéder à nos cadres d'animation ici où nous avons enregistré sur Illustrator par ordre chronologique en chiffres. Nous allons simplement sélectionner également Shift, descendre jusqu'en bas et les laisser tous. Ensuite, nous allons passer à l'importation car la composition conserve la taille des couches, vous devez cliquer dessus et cliquer sur « Ouvrir ». Il va importer tous vos fichiers. Ensuite, vous pouvez accéder à la composition vidéo de la marque ici. Il contient déjà la composition ou la musique pré-comp que nous avons. Nous voulons juste le renommer en musique. Si vous double-cliquez dessus, vous trouverez la composition musicale que j'ai faite. Considérez cela comme un dossier groupé dans le cadre principal de la composition. Notre principal parapluie de composition est la vidéo de marque et à l'intérieur, vous trouverez de la musique. Si vous double-cliquez sur la musique, vous trouverez les fichiers musicaux réels ici. Ensuite, nous voulons faire la même chose pour les cadres. Vous devez cliquer sur toutes les images , puis les faire glisser vers votre chronologie. Chaque image est alors un groupe à part entière. Si vous double-cliquez sur Frame-1, vous trouverez tous les calques que nous avons placés sur Illustrator afin qu'ils soient simplement regroupés. parcourant l'animation proprement dite, nous allons les regrouper encore plus, afin de ne pas avoir un million de couches. Nous allons les regrouper par intro, par illustrations, par outro, mais c'est pour une étape ultérieure. Ensuite, la dernière chose que nous voulons faire est réajuster la durée de notre composition Je vais donc passer aux paramètres de composition. Souvenez-vous qu'à l'origine, la chanson était dans sa version complète pendant deux minutes et neuf secondes . Mais après l'avoir coupé, je vais juste le réduire à une minute et 13 secondes. Vous pouvez toujours revenir en arrière et modifier cette durée. Ce n'est pas grave du tout, mais j'aime le faire juste savoir exactement où commence et se termine mon calendrier . On y va. Si vous écoutez de la musique maintenant, [MUSIC] jouera au-dessus de toute l'image. Ainsi, lorsque vous commencerez à animer, la musique vous guidera les annotations que j'ai faites, sorte que vous êtes pas perdu sur le point de départ et de fin de chaque image. Je vais juste cliquer sur « Command S » et nous pouvons commencer à animer l'intro. 11. Animer sur les AE : cadre 1: Au cours des prochaines leçons, nous allons vraiment nous retrousser les manches et nous mettre au travail. Je vais vous montrer étape par étape comment j'anime la vidéo de marque de A à Z jusqu'à la fin. Maintenant, j'ai divisé la vidéo de la marque en images pour les leçons à venir. Chaque leçon dure 15 à 20 minutes traite de l' animation de chaque image. Tout au long des leçons, nous allons apprendre un ensemble complet de compétences liées aux outils After Effects. Je trouve que la meilleure façon d'apprendre ces outils est de les appliquer directement à la pratique. Maintenant, votre vidéo de marque animée sera différente de la mienne, mais vous pouvez utiliser ces outils pour améliorer vos animations et susciter des idées. Alors sans plus attendre, que le plaisir commence. Donc, la première chose que je vais faire est de passer de la résolution complète à la moitié ou à la troisième. Parce qu'en pleine résolution, le rendu prend beaucoup plus de temps, comme cette ligne verte ici, et parce que nous avons beaucoup de cadres, d' illustrations et d' animations sur le point de se produire, Je ne veux pas qu' After Effects soit à la traîne. Cela permet donc de rendre les choses plus fluides et plus rapides. En fait, je vais le faire ne serait-ce qu'un quart juste pour que ça fonctionne plus vite. Ensuite, je voudrais commencer par Frame 1. Je vais juste double-cliquer dessus. Tout d'abord, je remarque que mes couches de nuages seront coupées lorsque je les déplacerai. Je veux également qu'ils soient à pleine opacité, puis je réduirai l'opacité dans After Effects. Vous pouvez donc corriger cela en cliquant simplement sur la couche qui doit être corrigée ou importe quelle couche et vous allez cliquer sur la commande E. C'est juste l'abréviation de « modifier l' original » et elle s'ouvrira le plan de travail qui se trouve sur Illustrator lorsque vous le faites, afin que vous puissiez tout modifier. Je vais donc simplement faire glisser ces nuages vers l'intérieur pour qu'ils soient dans le plan de travail et non pas coupés, et je vais changer leur opacité à 100. Je vais juste le sauvegarder. Ensuite, si je reviens à After Effects, c'est fait. Les nuages sont donc des nuages pleins maintenant et ils parfaitement opaciques, comme je le souhaitais. C'est donc la première chose à faire. La deuxième chose est que vous vous souvenez quand j'ai dit que je mettais le texte comme espace réservé, mais que j' écrirais le texte réel dans After Effects afin de pouvoir l'animer, sinon, pour le moment c'est juste une couche de forme. Je vais donc faire Layer, New, Text. Tu y vas. Donc c'est plus ou moins. Je vais juste l'aligner au centre. Vous pouvez maintenant supprimer la couche Illustrator d'Imagine a World Without Boundaries, et vous n'avez plus qu'à le faire. C'est important car si vous réduisez Imagine Boundaries ici, vous constaterez qu'il propose une option d'animation. Donc, si vous cliquez sur cette petite flèche blanche, vous aurez des tonnes d' options pour l'animer, et c' est vraiment cool juste pour ajouter de la saveur à votre animation plutôt que si c'était juste une couche de forme. Notre animation devrait donc se terminer vers la quatrième seconde et demie. Je vais le réviser plus tard avec la musique, mais je pense que notre heure limite est de 4h23 ici, mais nous pouvons toujours la modifier. Je veux donc zoomer un peu sur ma chronologie, juste pour que ce soit mon espace de travail, pour ne pas aller au-delà de cela et pour qu'il soit facile de travailler ici. Donc, la première chose que je veux faire est commencer l'animation avec les nuages superposés les uns aux autres ici, et je veux les agrandir un peu pour que tout l'arrière-plan soit en fait blanc, puis il effectue un zoom arrière et les nuages se séparent, donc vous pouvez lire ce qui est écrit. Je vais choisir un effet dramatique. J'ai donc simplement cliqué sur mes deux couches et sur le raccourci S pour la mise à l'échelle, et je vais vraiment les redimensionner. Je vais juste cliquer sur mon image-clé, peut-être qu'ici, ils peuvent réduire la taille et raccourcir P pour la position. Inscrivons leurs positions ici, puis une fois qu'ils y arriveront, nous pourrons les remettre là où ils étaient. Pour le texte, je pense que je voudrais y ajouter un effet de machine à écrire. Je vais donc aller dans Effets et préréglages ici et je vais écrire Machine à écrire , et c'est l'effet que nous voulons donner. Je vais donc double-cliquer dessus. Cela va l'ajouter à la couche de texte. Ensuite, vous devez accéder à Animator, Range Selector, et vous allez trouver les images-clés de début et de fin pour l'effet machine à écrire. Ainsi, à la seconde, un et demi commence , puis continue à écrire et se termine jusqu'aux quatre secondes. Il vous suffit donc de contrôler où vous voulez commencer et où vous voulez que cela se termine. Donc ce que je viens de faire, c'est jouer avec l'étoile jaune ici. Ce que je voulais faire, c'était simplement redimensionner de haut en bas, de haut en bas, et faire pivoter un peu pendant les quelques secondes pendant lesquelles il apparaît, et je voulais que cela commence au fur et à mesure que le mot est écrit, qu'il n'apparaisse pas au commençant et cela commence juste au moment où le mot est écrit. Je suis donc passé à l'échelle et rotation ici et je joue avec son échelle. Il descend et monte, descend et monte, descend et tourne d'un cercle complet à chaque fois. C'est tout simplement super simple. Je vais simplement répéter cette étape pour le reste des étoiles au fur et à mesure que le mot est écrit. Voilà à quoi ressemblent les étoiles. Tout simplement super simple et subtil. Ensuite, je veux animer les oiseaux ici. Donc je vais juste les prendre tous, prendre P, les amener ici. Ensuite, en utilisant l'outil de marionnette, je vais cliquer sur l'outil ici, et c'est comme un maître de marionnettes. Vous devez donc indiquer où vous voulez que votre marionnette se déplace, si cela a du sens. Je vais donc juste l' épingler aux ailes de chaque côté des ailes ici et ajouter le bas de l'oiseau pour qu'il soit épinglé de manière égale sur tout le long. Donc, je vais juste placer mes épingles ici, puis je vais descendre ici vers Puppet, Mesh 1, Deform, et puis vous avez Puppet 3, Pup 2 et Puppet 1. Ainsi, dans Puppet 1, vous allez découvrir qu'une image-clé y a déjà été insérée une fois que nous avons cliqué dessus. Ce que je veux faire ici, c'est ne pas battre des ailes. Je vais donc simplement déplacer les ailes vers le milieu, et je vais faire de même avec Puppet 3. Ensuite, je vais le déplacer vers l'arrière. Je vais juste copier-coller la première image et éventuellement la réduire un peu. Donc, si tu joues à ça, on dirait qu'il bat des ailes ici. Je veux donc mettre ça en boucle, donc ce que je vais faire, c'est aller au chronomètre où mon épinglette de marionnette est déposée ici. Je vais le parcourir et sur mon clavier, je vais appuyer sur Option, puis je vais cliquer. Voici donc où vous mettez les expressions, et nous y reviendrons dans un instant. Mais la première expression que je veux mettre est très simple et il suffit de la taper en boucle. Vous l'avez déjà dans votre menu déroulant, vous cliquez dessus et vous le quittez. Cela va juste garder l'expression que vous avez mise. Donc, quelles que soient les images-clés que vous avez, elles resteront en boucle donc je n'ai pas à copier-coller toutes les images-clés encore et encore. Tu y vas. Ils sont tous en train de battre des ailes maintenant. Je viens donc d'ajouter une image Easy Ease ici à partir de Animation Keyframe Assistant, Easy Ease. Cela donne juste au battement un aspect un peu plus doux et moins rigide, et c'est tout. Ils sont juste au courant ici. Je veux vraiment les regrouper. Donc, pour ce faire, il suffit de cliquer avec le bouton droit et de pré-composer. Je vais l'appeler Birds. Il va simplement le regrouper dans une autre couche. Maintenant, vous les avez quasiment isolés. Je vais donc revenir au cadre ici et maintenant vous pouvez déplacer les oiseaux en une seule couche groupée. Je pense donc que j'aime leur position au-dessus de la phrase ici, puis ils se déplacent légèrement vers la droite. Parce que je pense que tout mouvement long ou soudain donne aux oiseaux un air un peu gênant. Je veux que ce soit très rêveur et lent pour correspondre à l' idée de la musique. ce propos, maintenant que je le regarde, je trouve que les nuages se déplacent beaucoup trop vite. Donc je pense que je ne vais pas les laisser se déplacer dans le cadre comme ça. C'est juste trop rapide pour les nuages. Presque aucun nuage ne bouge aussi vite, c'est en time-lapse. Donc je pense que je vais juste que ça s'arrête là déplace plus lentement et que les nuages fassent un zoom arrière. Alors laisse-moi faire ça et voir à quoi ça ressemble. J'aime beaucoup plus le mouvement lent des nuages ici et je pense que nous devons maintenant ajuster l'endroit où la machine à écrire entre en jeu. Maintenant que je suis satisfait de l'animation générale, je vais toujours revenir en arrière et peaufiner des bribes, mais ce n'est que le squelette de l'animation. J'aime la vitesse, les petits éléments, la façon dont tout commence et finit. Alors maintenant, environ quatre secondes et 20 secondes, je veux commencer puis passer à l'image suivante. Je n'ai donc jamais aimé commencer le cadre suivant suffit de le couper et de passer à celui-ci, il faut que ce soit fluide. Si nous regardons la vidéo de la marque ici, vous verrez que l'image suivante montre l'échelle avec le cloud. Donc, ce que je veux faire, c'est je veux vraiment que la prochaine image commence avec un zoom en rouge. En effectuant un zoom arrière, vous avez commencé à remarquer qu'il s'agissait d'une échelle. Ensuite, je peux zoomer à nouveau et gravir les échelons et pénétrer dans les nuages. Mais c'est la transition à laquelle je pense. Donc, pour en revenir à l'image 1, je veux commencer à déplacer les nuages , les textes, les oiseaux et tout le reste vers le bas et hors du cadre. reste donc que le fond rouge. Ensuite, la transition se fera en douceur avec l'image suivante. J'aime donc utiliser les personnages qui pleuvent. Il vous suffit donc d'entrer dans vos effets et vos préréglages et d'écrire. Ce dossier va sortir, s' animer et vous allez découvrir des personnages qui pleuvent. Toutes les lettres vont donc pleuvoir, parce que je pense que c'est ce qui se passe tout au long de la vidéo où lettres semblent pleuvoir sur l'écran. Je vais juste m'en servir , double-cliquer dessus. C'est l'effet que cela va se produire il mélange les lettres et il pleut en bas de l'écran. Cependant, nous pourrions jouer un peu avec elle. Je vais juste cliquer sur Animator 2, Range Selector 1. Vous pouvez voir les images-clés ici parce que c'est beaucoup trop lent, elles entrent dans la troisième image. Je vais peut-être en avoir besoin pour m' arrêter ici. Si vous descendez encore plus loin, vous aurez des effets et des échos. Je veux réduire l'écho parce que je ne veux pas que ces traces de lettres apparaissent, je veux juste que ce soit beau et propre. Command S. Essayons-y avec la musique pour voir à quoi tout ressemble. Je pense que cette image peut durer jusqu'à la 6ème seconde et 22 millisecondes si vous écoutez attentivement. Il y a donc une belle petite transition ici avant de passer à l'autre image et nous aurons encore assez de temps, aurons environ sept secondes pour les deux autres images puissent passer de là à une autre image. Je vais donc juste régler la vitesse ici jusqu'à 6h22 et voir comment cela affecte la lecture de la phrase. Maintenant, jetons un coup d'œil à cela. Ce que je ressens est beaucoup plus confortable . Ensuite, une dernière chose que je voudrais ajouter, c'est une couche de caméra, donc ça va donner l'impression que tout va vraiment comme du cinéma et se déplace dans des directions différentes. Donc, ce que je veux faire, c'est sélectionner toutes mes couches ici, et je vais cliquer avec le bouton droit, puis cliquer sur la couche 3D. Maintenant, toutes mes couches sont en 3D en étant entourées d'une boîte 3D, ce qui va nous permettre d'ajouter une caméra. Je vais donc poursuivre ici tout en haut, et je vais ajouter une couche de caméra. J'aime donc utiliser une caméra à un nœud, elle est tout simplement facile à utiliser pour moi. J'ai l'habitude de faire un zoom avant ou arrière ou de me déplacer vers droite ou la gauche avec mes calques. Je ne fais donc rien de fou, mais c'est juste quelque chose qui donne un petit plus [inaudible]. Une couche de caméra est donc très simple. Il a également une position, une orientation, une rotation supplémentaire, rotation y, une rotation z, c'est super facile. Vous cliquez sur l'image-clé pour modifier les valeurs comme vous le souhaitez. Vous voulez aller vers la droite, vous voulez aller vers la gauche, vous voulez zoomer et vous voulez dézoomer, tout à fait faisable à partir d'ici. Je vais juste les faire, te montrer à quoi ça ressemble. J'ai donc épinglé toutes mes images-clés ici, au milieu toutes les valeurs, juste pour savoir que c' est là que je veux qu'elles se trouvent dans leur cadre le plus complet. J'ai reproduit la même idée des nuages ici juste pour vraiment souligner cet effet. Donc, à la position ici, j'ai zoomé sur cette valeur ici. J'ai donc mis une image-clé ici quand elle est super zoomée. Il effectue simplement un zoom arrière avec les nuages et a un très bel effet panoramique, puis il s'arrête ici en plein écran. Puis quand les lettres commencent à tomber, je fais glisser le tout vers le bas. Pendant que je le faisais glisser vers le bas, j'ai aussi fait un petit zoom avant pour obtenir un petit effet afin qu'il ne soit pas complètement statique. Lorsque je fais un zoom vers le bas, cela m' aide simplement à passer à image suivante lorsque je zoome sur le rouge de l'échelle juste pour que cela ne semble pas trop statique. Voyons maintenant à quoi cela ressemble dans la composition complète. Au fur et à mesure que le cadre tombe, il tombe sur un fond rouge, non sur le fond de la reine ici. Cela va juste nous donner l'effet que nous tombons avec l' écran si cela a du sens. Je suis plutôt content de la première manche du rythme et de tout. Tant que tout est regroupé ici, je peux toujours revenir dans le cadre 1 et changer quoi que ce soit si nécessaire. 12. Animer sur les AE : cadre 2-3: La première chose que je veux faire comme l'image précédente et je veux sélectionner toutes ces images et les transformer en couches 3D. Ajoutez ensuite une couche de caméra afin que nous puissions commencer l'image lorsqu' elle est complètement zoomée sur la lettre rouge , puis effectuer un zoom arrière. En utilisant les images-clés de position ici, j'ai en quelque sorte zoomé sur le rouge de l'échelle, zoomé complètement, puis j'ai continué à zoomer en arrière, en zoomant en arrière, en zoomant en arrière pour pouvoir voir l'échelle. Ensuite, j'ai déplacé la position pour monter. Je suis l'échelle jusqu'en haut, et je vois le nuage, puis tout l'arrière-plan redescend, prêt à passer à l'image suivante, qui sera également sur fond crème. Il ne sera pas noir. Ce sera juste une belle transition en douceur vers la prochaine image. La seule chose que je veux faire maintenant, c'est faire des spectacles étape par étape pour les échelles, donc je ne veux pas qu'ils apparaissent tous en même temps. Lorsque je fais un zoom arrière, je veux que le pas bleu apparaisse d'abord, puis le jaune, puis le rose, puis le bleu et enfin le nuage. Je vais simplement continuer et le faire en utilisant des couches de séquences et je vais vous montrer comment faire. En effectuant un zoom arrière, je vois d'abord le pas bleu, puis le pas jaune entre ici. Je vais juste faire sortir la couche. suffit de le déplacer comme ça. Vous trouverez deux flèches ici et vous n'aurez qu'à les déplacer jusqu'à l'endroit où vous souhaitez placer le curseur. Je vais juste continuer et le faire pour le reste des étapes. Ensuite, dès que le nuage apparaît, j'ai juste eu envie de planer dessus pour ne pas le déplacer frénétiquement. Je voulais juste planer de la même manière qu'un nuage plane à sa place. Juste pour que ce ne soit pas si statique et qu'il ne soit pas extrêmement dynamique. Je viens d'ajouter quelques images-clés de position ici, rien de trop sophistiqué ou avancé. Je voulais juste un mouvement subtil pour le Cloud alors que je déplace l'arrière-plan vers le bas. Si tu redeviens juste ça. Oui, je pense que c'est bon. Maintenant, révisons cela avec la musique et la date de la dernière image et voyons comment les deux passent bien ensemble. Cela a bien fonctionné. Regardons-y un autre coup d'œil. Comme vous pouvez le voir, il tombe un peu sur un arrière-plan rouge et passe à l'image suivante, puis l'arrière-plan rouge effectue un zoom arrière à partir de l'échelle. Ensuite, je vois les marches. Ensuite, je passe dans le Cloud, puis à partir de là, la troisième image se transforme en un fond entièrement crème, donc nous n'avons pas de découpes aussi nettes. Et quand il disparaît complètement, le texte peut apparaître au milieu. Allons-y et commençons par le Frame-3. Je vais simplement consulter ma chronologie générale ici et voir exactement où la dernière image commence à descendre en dehors de l'écran. Je pense que ça commence à la 9e seconde ici, puis ça commence à descendre, descendre, descendre jusqu'à la 10e seconde et à la 10e milliseconde. J'ai juste besoin de cette information pour chronométrer ma transition avec l'image suivante en conséquence. Je pense que lorsque le nuage est à ce stade, donc aux alentours de la neuvième seconde et de la 22e milliseconde, je peux faire en sorte que les nuages de la prochaine image commencent à se déplacer autour de lui ou à côté de lui, juste pour que la transition soit sans faille et les choses bougent toujours lorsque vous passez d'une image à l'autre. Ce n'est pas comme une transition statique. Je pense que je vais également utiliser l'animation de la machine à écrire pour cela, juste pour que tout soit cohérent. Je ne veux pas ajouter un million d' animations différentes pour chaque texte. Je veux qu'ils soient cohérents et cohérents tout au long du processus. Je pense que je vais juste le faire et utiliser les personnages principaux pour l'animer, juste pour que cela soit cohérent avec cette première image. Je vais juste commencer à la neuvième seconde et à la 15e milliseconde ici pour commencer à déplacer mon nuage droit ici, car c'est à ce moment-là que l'image précédente se trouve juste au milieu. Je pense que ce serait bien de commencer à déplacer le Cloud à partir de là. Je pense que je peux juste le déplacer en rond et voir à quoi ça ressemble. Si je dois le changer de droite à gauche, je pourrais le faire. Je veux juste un mouvement très subtil qui ne soit pas trop, mais qui soit assez agréable pour me donner impression d'être dans le ciel avec des nuages qui bougent. Quelque chose comme ça pour les deux nuages. J'ai juste placé des images-clés de position pour les faire bouger en demi-cercle ici, mais nous verrons comment cela se passe une fois que cela sera testé avec la musique. Pour l'instant, je vais simplement poursuivre avec le reste de mes éléments. Je vais faire la même chose que nous avons fait pour la première image avec les étoiles. Redimensionnez-les de haut en bas, haut en bas et faites-les pivoter. Ajoutez également l'effet d'animation de machine à écrire au texte ici. Jetons un coup d'œil à tout maintenant. Comme je l'ai dit, j'utilise la même technique d'animation par pluie que celle que j'ai utilisée dès la première image, juste à partir des effets et des préréglages, lisant les personnages et n'oubliez pas de modifier couche de forme de votre texte en une véritable couche de texte pour ce faire. Maintenant, ce que je veux faire, c'est simplement le tester avec la musique, voir la transition avec la dernière image, puis vérifier avec la musique où se termine cette image parce que la suivante est où la cuillère à glace tombera au rythme de la chanson. Je dois m'assurer que cette transition soit très nette et fluide. Allons y jeter un œil. Cool. Je pense que ça a marché pour le mieux. Maintenant, je pense que la seule chose que je peux changer ici , c'est que je peux faire descendre l' échelle de l'image précédente un peu plus lentement. Tout simplement parce que j'ai l' impression que c'est un peu trop rapide avec le rythme de la musique. Si c'est un peu plus lent, la machine à écrire aura encore assez de temps pour apparaître et vous ne pourrez pas lire la phrase. Je vais juste m' y prendre et ajuster un peu ce détail. Je déplace simplement l'image-clé un peu plus loin juste pour la rendre un peu plus lente et vérifions-le. Parfait. Alors maintenant, je dois vérifier à quelle seconde intervient exactement le prochain battement du drop ? Juste là, tu l'entends ? Là où tombe le prochain instrument , c'est là que je veux que ma cuillère à glace tombe. J'aurais besoin de déplacer tout mon cadre vers le bas comme le reste d'entre eux avant que ce temps ne baisse. Voyons voir, je pense à la 13e seconde et à la 27e milliseconde. Revenons à Frame-3 et comme il tombe, c'est à ce moment-là que je veux que l'image entière se déplace également vers le bas. Je vais faire exactement la même chose que les autres images, et je vais ajouter une couche de caméra. Comme il descend en fait vers le bas, donc à peu près ici, je vais couper mon fond crème car l'image suivante aura également un fond crème. Je le découpe ici pour que l'image suivante tombe ou passe en douceur, sans coupures étranges. Allons y jeter un coup d'œil. Ce serait un fond de crème vide et juste au moment où les 10 premiers apparaissent, cette cuillère à glace tombera et roulera un peu. Je vais simplement appuyer sur « Command Save » et nous sommes prêts à passer à la quatrième image. [MUSIQUE] 13. Animer sur les AE : cadre 4-5: Cadre 4. Je pense que je vais commencer l'image 4 à la 13e seconde et à la 23e milliseconde, juste là où les lettres tombent et où les nuages tombent. C'est là que la cuillère à glace va tomber dans la direction opposée. Je ne veux donc pas qu'il attende que toutes les lettres soient déposées. Je veux le faire simultanément, juste pour que cela ressemble à une situation de poussée et de traction. Je vais juste double-cliquer dessus. Je vais supprimer pour l'instant toutes les couches inutiles que je ne vais pas animer pour le moment. Ma principale préoccupation en ce moment, c'est la cuillère à crème glacée, et nous passerons aux gaufrettes et aux cuillères molles plus tard. Donc, j'aimerais simplement mettre de côté toutes ces couches que je ne vais pas utiliser pour le moment, puis j'y reviendrai plus tard. Mais cela m'aide simplement à me concentrer et ne pas avoir un million de couches devant moi qui ne font que me distraire. Tout d'abord, voici ma cuillère à glace ici. Donc, au niveau du curseur, c'est exactement à ce moment que je veux qu'il commence à tomber. Je vais donc l'avoir un peu avant les 13e et 23e secondes, peut-être juste là. Je vais le faire glisser hors de l'écran. Ensuite, P pour position, je vais le mettre là. Ensuite, je vais prendre une goutte pendant une seconde, peut-être, jusqu'ici. Cool Ensuite, raccourci R pour rotation, je voulais aussi avoir une certaine rotation. Je vais donc juste aller ici cliquer sur mon chronomètre et avoir la rotation à zéro ici. Puis, en atterrissant, j'ai voulu boucler la boucle. Donc je vais juste aller là où il est écrit zéro ici, zéro fois et je vais dire une fois. Cela signifie qu'il va tourner sur un cercle entier, et il suffit de voir à quoi cela ressemble. Je place donc mes images-clés ici là où je veux que les boules à glace commencent. C'est donc ici que les lettres vont tomber à mi-chemin, et c'est là que la cuillère à glace va entrer et atterrir ici. J'ai ajouté une image-clé de rotation à partir de son point de départ, puis de l' endroit où elle atterrit au sol. Je pense que c'est peut-être un peu trop lent. Je pourrais donc l'accélérer un peu. Donc, au lieu d'avoir un seul tour, je vais en écrire deux, ce qui signifie que je vais dépenser deux fois dans un cercle complet. Je trouve que quatre fois, c'est marrant. Je pense que ça tombe peut-être un peu trop lentement pour moi aussi, j'aimerais que ce soit plus rapide. Alors peut-être que je pourrais les rapprocher un peu. Quelque chose comme ça. Alors peut-être que nous pouvons y ajouter un rebond pour qu' il ne soit pas si plat et statique. J'aime donc ajouter généralement un rebond en tant qu'expression. Je l'ai trouvé en ligne, je vais le lier ici pour que vous puissiez le voir. Vous pouvez trouver de nombreuses expressions utiliser dans After Effects en ligne. Donc, je prends juste celui-ci et il a fonctionné pour moi et il a cet effet de rebond. Vous pouvez donc l'utiliser si vous le souhaitez. Donc, en gros, je copie-colle ça et je clique sur Option. Ensuite, sur mon chronomètre, je copie-colle l'expression, et tu peux jouer avec l' expression si tu veux. Vous pouvez donc jouer avec la décadence et la fréquence à laquelle elle rebondit. Au fur et à mesure que vous jouez avec elle, vous verrez comment elle affecte l'animation. Voyons donc à quoi cela ressemble. Vous voyez, dans le rebond, il rebondit un peu trop que je ne le souhaiterais. Je veux juste que ce soit un peu subtil parce qu' heure actuelle, cela ressemble presque à un trampoline. Je voulais juste avoir un petit bruit sourd, comme s' il touchait le sol. Donc je vais juste jouer avec ça, jouer avec les valeurs présentes dans l'expression jusqu'à ce que quelque chose clique. Donc je suis d'accord avec ça pour l'instant. juste joué un peu avec les valeurs ici et je voulais juste ai juste joué un peu avec les valeurs ici et je voulais juste qu'il ait un rebond très subtil pour que ce ne soit pas complètement statique. Mais je peux revenir en arrière et le peaufiner plus tard. Je veux juste refaire l' épine dorsale de ce cadre. Donc, la prochaine chose que je veux ajouter est l'ombre. Je l'ai juste mis de côté , juste pour pouvoir travailler sur le scoop pour l'instant. Je veux que l'ombre entre également en jeu, mais pas uniquement de l'électricité statique ici. Je veux qu'elle bouge aussi, donc je pense que lorsque la balle tombe, elle peut avoir une certaine taille. Elle s'élargit ou se réduit à mesure que la balle s'approche du sol. Donc je vais juste jouer avec ça et voir à quoi ça ressemble. J'ai donc juste joué avec les valeurs d'échelle de l'ombre. Je l'ai élargie au fur et à mesure que la cuillère à glace commence à tomber , puis elle se rétrécit jusqu'à atteindre la largeur de la cuillère. Maintenant, la prochaine chose que je veux faire est de rouler un peu la cuillère à glace. Donc, lorsqu'il atterrit sur le sol, je veux juste qu'il fasse un petit roulis, ce rouleau d'équilibrage. Rien de trop extravagant, juste de petits morceaux pour que cela soit plus naturel et plus réaliste. Donc, en utilisant simplement des images-clés de rotation et des images-clés de position, j'ai fait rouler la cuillère à crème glacée un peu vers la droite, puis la rouler un peu vers la gauche, puis revenir au milieu comme si elle essaie de s' équilibrer. Je veux que cela continue jusqu'à ce que le cadre se termine, puis que le biscuit à gaufrettes tombe. Parce que normalement, c'est une balançoire, donc elle doit toujours trouver équilibre entre les deux extrémités et je ne resterais pas à sa place. C'est donc là que je joue avec ça. Maintenant qu'elle roule, je veux que la garniture de crème glacée commence à rouler ici, fondre vers le bas. Cela se produirait donc dès qu' il commence à rouler sur le côté, dès qu'il a atterri. Alors laisse-moi voir. Juste là. Je vais donc passer à la garniture de crème glacée et cliquer avec le bouton droit sur Créer, créer des formes à partir de Vector Layer. Cela va juste créer une forme à partir de ma couche afin que je puisse la manipuler comme je le souhaite. Il y aura ici certains points tangents que je pourrai contourner et vous verrez ce que je vais en faire. Tout d'abord, je veux juste refléter la position et la rotation des images-clés la cuillère à glace pour qu'elle roule avec elle. Ensuite, je vais vous montrer comment je fais fondre cette glace à partir de zéro. Il me suffit donc de placer les images-clés de position et de rotation et de les faire correspondre à l'endroit où se trouve la cuillère à glace pour qu'elle roule avec elle d'un côté à l'autre. Il ne nous reste plus qu' à masquer le chemin pour qu'il commence à fondre lentement mais sûrement tout au long du rouleau. Je vais donc passer au contenu ici dans le premier groupe, puis au chemin. Je vais juste me tenir debout sur l'image-clé, et je vais dire que je veux que la crème glacée termine le processus de fusion juste ici. Je vais donc juste chronométrer cette partie. Ensuite, allez au début et commencez à jouer avec Path. Ainsi, en cliquant sur cet outil de sélection, vous découvrirez qu' il contient des tracés avec des outils tangents, comme si vous étiez dans Illustrator. Je vais donc juste les déplacer un peu et jouer avec eux. Il va enregistrer cette phase au début, puis elle se calmera d' elle-même jusqu'à ce que la fusion d'origine ressemble à la fin. Maintenant, si nous l' essayons juste pour vous montrer, voici à quoi cela ressemblerait. Plutôt cool, non ? Il enregistre donc simplement le chemin que vous avez créé au début et enregistre le chemin que vous avez créé à la fin, et il se chargera de l'animer. Alors peut-être que quand il sortira, c'est le dernier arrêt ici. Je peux changer le chemin une dernière fois, juste pour qu'il paraisse un peu plus naturel quand il bouge. Alors c'est ça. Maintenant, faisons un zoom arrière et voyons à quoi cela ressemble depuis le début. Je suis donc plutôt content de la sensation que j'ai ressentie jusqu'à présent. Maintenant, je veux juste réduire ces couches. Ainsi, un raccourci rapide pour réduire vos couches sans sélectionner individuellement est de les sélectionner individuellement est de cliquer dessus, en dehors de vos couches complètement et de simplement appuyer sur le U de votre clavier, et c'est tout. Tout est à peu près effondré juste pour que je puisse tout voir clairement. Maintenant, souvenez-vous que dans notre fichier Illustrator, le fichier qui contenait tant de couches, il se trouve que c'est celui-ci. Donc, si vous vous en souvenez, nous avons environ 27 paillettes prêtes à tomber du ciel. C'est en fait beaucoup plus simple que vous ne le pensez. C'est juste une tâche fastidieuse car vous devez tout répéter à chaque saupoudrage, mais l'animation proprement dite est super facile, rien de trop difficile ou quoi que ce soit d'autre. Donc, ce que je veux faire, c'est que les pastilles tombent avec la cuillère à glace vue du ciel, nous aurons un effet bien plus spectaculaire. Donc, tout d'abord, permettez-moi de rapprocher les couches de saupoudrage de notre chronologie. J'aime donc toujours commencer à reculons , puis me frayer un chemin jusqu'au début. Donc, en reculant je veux placer l'image-clé sur la dernière partie où les paillettes vont atterrir. Je pense donc qu'ils vont atterrir ici. Juste là. Ensuite, je veux vraiment regrouper les pépites. Je vais commander puis coller. Je veux regrouper ces paillettes, donc c'est comme une version dupliquée de celles-ci. Ensuite, je vais les précomposer et écrire paillettes ensemble. Juste pour que je le sache. Ce que les paillettes ensemble feront, c'est fois que chaque poudre sera tombée du ciel, je couperai ces couches. En utilisant des pépites pour les rassembler, celles groupées, ce sera beaucoup plus facile à rouler avec la cuillère à glace car elle roule d'un côté à l'autre parce que si je décide de rouler 27 pépites chacune, cela va prendre des heures et des heures. Donc, c'est juste quelque chose de plus simple. Dès qu'elle atterrit et qu'elle reste là pendant une seconde, cette couche va entrer, celle groupée, et se rouler avec la cuillère à glace. Mais, pour l'instant, je vais juste le cacher en cliquant sur l' œil à gauche. Je vais maintenant concentrer mon énergie sur le déposer chaque individu saupoudré sur la cuillère à glace. Je veux donc le faire au hasard. Ils doivent juste avoir l'air très aléatoires, comme si vous le feriez lorsque vous déposez des paillettes individuelles. Je vais donc aller jusqu'en haut de ma cuillère à glace et voir où se trouve la première image-clé. La première image-clé est donc là, ce qui signifie que toutes mes touches doivent également commencer à partir d'ici. Ensuite, vous devez sélectionner toutes vos couches de gicleurs, puis sélectionner le raccourci P. Cela va ouvrir toutes les images-clés de position sur toutes les saupoudrées. Ensuite, en appuyant sur Shift et sur la flèche vers le haut de mon clavier, je vais simplement supprimer tout cela de mon écran. Ensuite, je vais cliquer sur n'importe quel chronomètre ici. Peu importe lequel. Il cliquera sur tous les chronomètres pour vous tant que vous aurez sélectionné toutes les couches. Cela signifie que je veux que les pépites commencent à partir d'ici. Ensuite, si je descends dans ma cuillère à glace, c'est ici qu'elle atterrit. C'est donc à ce moment-là que j'aurais besoin que toutes mes paillettes soient à leur place. Je vais donc laisser mon curseur juste sur cette partie ici , puis cliquer dessus. Ensuite, je vais prendre chaque saupoudrage individuel, donc disons Sprinkle 1. Je vais prendre Shift et cette fois la flèche vers le bas de mon clavier et commencer à le baisser. Ça va juste faire tomber le jus avec la cuillère à glace. Ensuite, je vais appuyer sur ma couche et le raccourci R pour passer en rotation. Je veux donc aussi que les paillettes tournent. Je ne veux pas juste qu'ils prennent les devants et c'est tout. Donc je vais juste cliquer sur mon chronomètre ici à zéro, puis là où il se termine ici, je vais peut-être cliquer sur 3x et voir à quoi ça ressemble. C'est exactement ce que j'avais en tête. Alors c'est ça. Je vais juste répéter le même processus pour chaque saupoudrage. C'est tout simplement super simple. Nous allons simplement mettre une position, déplacer de haut en bas, de haut en bas, et jouer avec la rotation ici. C'est à peu près ça. La seule chose que je vais faire, c'est de ne pas placer chaque image-clé exactement au même moment, sinon vous allez trouver 27 paillettes tombent exactement à la même seconde et ça aura juste l'air bizarre. Donc, ce que je vais faire, c'est juste jouer un peu avec mon curseur. Ainsi, par exemple, Sprinkle 2 tombera un peu plus tôt que Sprinkle 1. Sprinkle 7 tombera un peu plus tôt ou plus tard que les précédentes, de sorte que nous pouvons avoir une chute aléatoire en gros. Je vais donc simplement le faire et nous verrons à quoi cela ressemble ensemble. Voyons donc à quoi ressemblent les paillettes une fois que j'ai défini toutes les images-clés de position et de rotation pour chacune d'elles. Maintenant, j'ai coupé les cadres individuels juste au moment où ils atterrissent et je vais maintenant prendre mon joueur de groupe et commencer à le déplacer et à le rouler avec la cuillère à glace , comme nous l'avons fait la garniture. J'ai donc simplement placé les images-clés de position et de rotation pour les pépites de groupe ici en fonction du mouvement de la cuillère à glace ici. Jetons-y donc un coup d'œil. Génial. Nous pouvons maintenant examiner cela avec la musique juste pour évaluer à quoi tout ressemble jusqu'à présent et voir si nous devons apporter des modifications. Parfait J'aime la façon dont tout se déroule au rythme de la musique. Tout a un bon rythme et un bon rythme. J'aime bien la façon dont la cuillère à glace roule d'un côté à l'autre avec la petite mélodie, comme si elle se balançait d' avant en arrière. Donc j'aime beaucoup ce passage ici. Génial. Ensuite, il y a le biscuit gaufretté qui tombera également et se mettra en équilibre sur le dessus de la cuillère à crème glacée. Je veux donc que le biscuit à gaufrettes tombe du haut de l'écran une seconde ou même une demi-seconde après la chute de la cuillère à crème glacée. Alors peut-être juste ici. Je vais donc simplement mettre mon image-clé ici et je voudrais qu'elle tombe à partir d'ici. Donc je vais juste faire glisser ça vers le haut. Oui, parfait. Parce que dès qu'elle tombe, la cuillère à glace commence à rouler, ce qui aurait du sens. À partir de maintenant, dès qu'elle touche la cuillère à glace, j'ai besoin qu'elle soit en équilibre sur le côté droit. Je l'ai donc simplement inclinée vers la droite alors que la cuillère à glace roule vers la droite. Je vais faire la même chose alors que la cuillère à glace roule à nouveau vers la gauche. Jetons-y donc un coup d'œil. C'est très bien pour moi. Maintenant, la dernière chose à faire, ce sont les deux petites glaces molles que nous allons mettre et équilibrer sur le dessus du biscuit gaufrette et elles devraient également tomber dès que le biscuit gaufretté touche le scoop. Je viens donc d'ajouter ces cuillères à crème glacée molle. Dès que le biscuit à gaufrettes tombe, ils tombent juste après, s' équilibrent et se déplacent avec le biscuit gaufrette. Ce ne sont que des images-clés de position et de rotation, comme vous pouvez le voir ici. J'ai donc juste mes images-clés de rotation de position et je fais simplement pivoter le biscuit à gaufrettes à droite et à gauche, à droite et à gauche. Donc, idéalement, cette image devrait se terminer à 18 secondes et 20 millisecondes, car nous devons ensuite passer à l'image suivante qui dit un terrain de jeu magique de rêves, juste assez avant de partir dans l'animation du logo. Réécoutons donc bien la musique, que tout va bien, et nous passerons à l'image suivante. Parfait Maintenant, je pense que la façon dont cela devrait passer à l'image suivante n'est pas de tomber du ciel parce qu'il y a un mouvement de gauche à droite. Je pense donc que la transition devrait être la boule à glace roule vers la gauche ou la droite et qui sort de l'écran. C'est donc la dernière chose que je vais faire avant de passer à l'image suivante. J'ai donc ajusté l'animation de sortie en faisant rouler la cuillère à crème glacée vers la gauche et en ajustant simplement tout ce qui va avec, de sorte que le biscuit gaufrette roule également vers la gauche. La garniture, les paillettes, tout roule et puis je suis sortie des nuages de chaque côté. En guise de dernière touche, je viens d'ajouter ces étoiles ici, juste pour un petit champ de magie supplémentaire. Je viens de copier-coller le même effet de mise à l'échelle depuis Frame 3. Je récupère donc ces images-clés de la source précédente et je les ai simplement copiées et collées ici pour ne pas avoir à les refaire individuellement. Oui, c'est à peu près ça. Jetons donc un dernier coup d'œil à la musique et à la façon dont tout s'intègre, puis nous pouvons passer à Frame 5. Je pense que c'est bien, nous pouvons commencer à animer Frame 5. Maintenant, nous voulons commencer le cadre numéro 5. trame numéro 5 devrait donc commencer ici, donc à la 19e seconde et à la 14e millisecondes. Je vais juste double-cliquer dessus. Nous voulons porter notre curseur à 19 secondes. Donc, c'est aussi très simple. Encore une fois, nous allons faire l' animation du texte à la machine à écrire animation du texte à la déplacer légèrement les nuages et simplement copier-coller les mêmes images-clés pour les étoiles. Ensuite, nous allons passer à l'arrière-plan rouge afin de pouvoir ensuite passer au logo. C'était donc assez simple. J'ai donc commencé par taper The Magical Playground of Dreams à l'aide l' animation de la machine à écrire et j'ai copié collé l'échelle, les images-clés et les images-clés d'opacité pour les magasins à partir du cadres précédents. Ensuite, à peu près ici, j'ai juste ajouté un fond rouge dessus, puis j'ai simplement copié et collé le même texte exactement, mais je l'ai créé en crème. C'est à peu près ça. Ensuite, je viens de quitter la transition de texte en utilisant les caractères dominants, afin que nous soyons cohérents avec le reste des animations. C'est à peu près ça. Donc, à partir de ce moment, à partir de la 22e seconde, c' est à ce moment que le logo va apparaître sur fond rouge. Au fur et à mesure que les lettres pleuvent, les lettres du logo vont pleuvoir par le haut. C'est ainsi que j'imagine la transition qui se produira. Alors oui, jetons un coup d'œil à tout, encore une fois, depuis le début. J'aime toujours le faire parce que plus vous le rejouez et plus vous le voyez, plus vous remarquez quelques problèmes de rythme ou de vitesse ou quelque chose qui ne va pas, donc vous pouvez toujours y aller revenir en arrière et modifier avant de passer à l'image suivante. C'est ça Nous sommes donc prêts à commencer l'animation de notre logo. 14. Animer sur les AE : le logo: [MUSIQUE] Dans les leçons précédentes, nous avons travaillé sur les images 1 à 5 et nous pouvons maintenant commencer à travailler sur l'animation du logo. Tout d'abord, je veux accéder à ma chronologie ici et regrouper trois premières images en cliquant sur le bouton droit de la souris, puis sur Précomposer, puis je les nommerai Intro. Maintenant, j'ai tout regroupé ici et je peux simplement cliquer dessus trouver les cadres à l'intérieur. Cela ne fera que rendre les choses plus faciles et beaucoup plus organisées. J'aime juste le faire au lieu d'avoir un million d'images ici. Nous ferons de même pour le logo , puis de même pour l'outro et nous allons simplement tout regrouper pour que vous ayez moins de cadres ici. Je veux juste l'écouter la dernière fois, mais encore une fois pour savoir exactement où mon logo va commencer à apparaître. [MUSIQUE] Alors que les lettres tombent du terrain de jeu magique des rêves, comme elles tombent littéralement, je veux que les lettres du logo tombent de la direction opposée il y a là une transition harmonieuse. Je dirais que cela va commencer vers les 22 et 10 millisecondes ici sur ma chronologie. Je vais juste aller ici à Frame-6, double-cliquer dessus et j'ai mes couches de logo ici dans les deux versions, une sur fond rouge et une sur fond vert, qui passeront ensuite à transition vers le cadre suivant. Je voudrais commencer par le fond rouge car c'est ce qui lien avec le cadre précédent. Nous allons commencer là où se trouve mon curseur. Comme vous l'avez déjà vu, j'ai isolé toutes les lettres du mot-symbole ici afin qu'elles puissent apparaître individuellement en haut de l'écran. J'ai également ajouté le logo complet, afin qu'il se remette parfaitement en place et soit prêt à passer au suivant. Je vais juste cacher les logos complets pour l'instant. Je vais cacher le logo rouge et le fond crème pour l'instant et je les mettrai plus tard. Je veux juste tout ce que je vais utiliser en ce moment devant moi. On y va. Si nous changeons simplement d'œil, vous constaterez que toutes les lettres sont complètement séparées. Ce que je veux faire, c'est prendre toutes mes lettres ici et appuyer sur P pour me positionner. Je vais juste les faire glisser hors de mon écran et appuyer sur le chronomètre. Alors je veux y aller à la 22e seconde. Comme nous l'avons fait avec les pastilles de la cuillère à glace dans les images précédentes, nous allons simplement commencer à déposer chaque lettre individuellement et à jouer avec leur direction et la rotation donne l'impression qu' elle saute jusqu'à ce qu'ils tombent tous éparpillés sur le sol et qu'ils rebondissent ensuite dans le logo. Laissez-moi essayer une lettre et voir à quoi cela ressemble, puis nous pourrons continuer à faire le reste. [MUSIQUE] Voici à quoi ressemble le S. Je l'ai simplement poussé vers le bas de l'écran et j'ai joué avec sa rotation. [MUSIQUE] Je vais juste m'occuper du reste des lettres du logo, mais je ne vais pas les faire tomber exactement au même instant. Le même concept que la garniture pour crème glacée, je veux qu'elles présentent juste de légères différences afin qu'elles ne tombent pas toutes en même temps. Je veux qu'ils tombent l'un après l' autre et qu'ils aient l'air éparpillés et aléatoires. Laisse-moi juste essayer et voir à quoi ça ressemble. [MUSIQUE] À ce stade, je suis content de la façon dont l'introduction de l' animation se fait sentir jusqu'à présent. Les lettres tombent de l'écran au hasard , comme ça. En utilisant simplement les images-clés de position et de rotation, je les ai fait trébucher les unes sur les autres comme ça. Je l'associe également la musique d'ici, alors écoutons-la. [MUSIQUE] Dans cette boîte, vous êtes là où le logo tombe complètement. Je veux vraiment que ça colle bien avec la musique. [MUSIQUE] Ensuite, l'étape suivante est que je veux vraiment que les lettres éparpillées retombent de l'écran et reviennent , mais cette fois, quand elles reviendront , elles se mettront en place. Ils vont se placer dans la bonne position du logo et aussi avec le son de l'étain comme guide. Écoutons-le ici. [MUSIQUE] Cette deuxième boîte ici, [MUSIQUE], c'est à ce moment-là qu'elle va tomber. [MUSIQUE] Ces deux dernières mélodies, [MUSIQUE], c'est à ce moment que nous allons les fixer en place avec le point sur dessus de l'œil afin que le point puisse partir d'ici et commencer à rebondir. [MUSIQUE] Cette grande entrée ici. [MUSIQUE] C' est à ce moment-là que les points se transforment en boule et commencent rebondir, puis nous pouvons passer aux images suivantes. Je vais juste revenir en arrière. Vers la 24e seconde, c'est à ce moment-là que toutes les lettres devraient remonter et commencer à se formuler en place. Allons-y et faisons-le. Je veux juste regrouper ici mes lettres afin de pouvoir les déplacer facilement. Je vais écrire un mot-symbole. [MUSIQUE] Je viens de prendre toutes mes lettres ici, de les faire glisser l'écran et de les amener jusqu'en haut, où je veux qu'elles retombent. Cette fois, j'ai copié et collé mon logo complet ici en crème, de sorte que lorsque je fais glisser les lettres individuellement vers le bas, je l'utilise comme guide pour savoir exactement où je vais le faire glisser vers le bas , car alors quand Il se verrouille, les lettres ne sont pas éparpillées partout. Cette fois, je veux que toutes les lettres tombent à leur juste place. [MUSIQUE] Je suis plutôt content de la façon dont cela s'est terminé. Revenons en arrière pendant une seconde. Après avoir fait tomber toutes les lettres de l'écran, comme je l'ai dit, je les regroupe toutes ici et je les fais glisser hors de l'écran jusqu'en haut. Quand ils atteindront le sommet, regardons simplement les P ici. Quand ils atteignent le sommet, je les fais simplement glisser un par un jusqu'à leur place ici et j'utilise le logo ici, le logo entièrement crème, comme guide, juste pour savoir exactement où ils doivent déposer, puis je clique dessus à la fin. Puis, après que toutes les lettres soient tombées, je les ai laissées tomber à la toute dernière seconde. Lorsqu'il tombe, il crée un petit mouvement ici juste pour le garder un peu plus dynamique. Lorsqu'il tombe ici, j'appuie légèrement sur la position des images-clés de toutes les lettres juste à l'extérieur de toutes les lettres juste à l'extérieur pour qu'il se déplace au fur et à mesure que le et tombe. À partir de maintenant, si vous écoutez de la musique, comme nous l'avons dit, il y en a une tonne. Écoutons juste. [MUSIQUE] La première boîte est endroit où les lignes courbes entrent en jeu et où se trouve la marque TM. Ensuite, la deuxième boîte est l'endroit où le point tombe par le haut. Regardons cela à nouveau. [MUSIQUE] Tu vois ça ? Faisons-le encore une fois à partir d'ici. [MUSIQUE] J'aime associer certains mouvements la musique et aux mélodies ici, cela fait une grande différence. C'est à peu près ça. le point du i va commencer à se transformer en boule sur un terrain de jeu, il va prendre de l'ampleur et il va commencer à rebondir sur le sol. [MUSIQUE] À partir de là, et les lettres vont tout simplement retomber . C'est ça. C'était une animation de logo assez simple, je dirais, utilisait simplement des images-clés de position et de rotation de manière créative et juste de petits bouts ici et là, mais rien de trop fou. C'est tout simplement simple parce que nous avons beaucoup d'illustrations animées à venir , donc je ne voulais pas que l'animation du logo soit trop folle ou trop exagérée. Si vous le souhaitez, nous pouvons commencer à regarder l' intégralité de la vidéo de Brown par le haut, juste pour tout récapituler et voir si tout va bien. [MUSIQUE] Ça me fait du bien. Je pense qu'à ce stade, nous sommes prêts à passer à autre chose. [MUSIQUE] 15. Animer sur les AE : cadre 7: [MUSIQUE] Maintenant, dans l'image 7, nous voulons faire passer le logo en point et se transformer en une boule qui rebondit sur le sol puis passe dans l'image suivante. Laissez-moi vous emmener dans une aventure de dégustation. Cool. Maintenant, je voudrais juste avoir une autre écoute ici pour savoir exactement quand je dois commencer à redimensionner le point et à le transformer en boule, et ensuite quand les lettres d'ici doivent tomber et savoir exactement quel point C'est ça ? C'est la 27, deuxième et la 20e milliseconde. Cool. Cela signifie que les lettres doivent tomber et sortir de l'écran juste avant que cette partie ne s'affiche. Je vais juste le faire ici. Je vais ouvrir à nouveau mes lettres et j'ai cliqué sur P pour la position. Ici, je vais simplement cliquer sur mon image-clé de position sur toutes les lettres et y placer une image-clé de position. Ensuite, je vais faire défiler la page vers le haut jusqu'aux 27 et 28 secondes, et commencer à les faire glisser vers le bas, un par un. Voyons maintenant à quoi cela ressemble. Oui, c'est bien mieux. Oui, au fur et à mesure de la mélodie , la balle tombera. Cool. Maintenant, nous pouvons réellement commencer par le point. J'ai juste pris un peu d'avance sur les choses ici. Je vais vous expliquer exactement ce que j'ai fait et continuer à vous montrer le processus tout au long de la procédure. C'est juste pour gagner un peu de temps parce que j'avais besoin d' expérimenter un peu choses et de bien faire les choses, puis de vous montrer la meilleure façon de procéder. Tout d'abord, je n'ai pas utilisé le point de l'œil. Après tout, je pense que ce sera beaucoup plus facile à manipuler en utilisant simplement des cercles blancs irréguliers. C'est exactement ce que j'ai fait. Juste après que le point apparaisse sur le logo et que les battements commencent à baisser, j'ai juste ajouté un cercle blanc de couleur crème juste au-dessus du point de l'œil. Ensuite, le point se transforme en boule ici, utilisant simplement l' image-clé de mise à l'échelle ici. Je suis passé à sa position un peu plus haut. Ensuite, la balle tombe simplement sur le sol ici. Quelque chose à noter, donc ça a l'air un peu plus réaliste. Ici, la balle forme un cercle parfait. Mais en tombant, si vous pouvez le voir, il ressemble presque à un ovale. J'ai juste joué ici avec la balance. J'ai dissocié les contraintes de proportion ici. Je l'ai rendu un peu disproportionné. Il ressemble à un ovale lorsqu'il tombe sur le sol, puis lorsqu' il atteint le sol, il devient un peu plus plat ici, donc c'est aussi un jeu sur les contraintes ici. Cela semble juste un peu plus naturel et contrastant avec un cercle parfait, alors il aura juste l'air un peu plat ici. Puis je l'ai fait rebondir un peu sur le côté en fonction de la mélodie. Puis encore une fois au milieu. Puis encore une fois sur le côté gauche. Je viens d'ajouter ici une ombre que je n'ai pas encore déplacée. Je veux que l'ombre bouge avec le ballon. Cela donne juste un peu de contexte au lieu d'avoir un simple cercle blanc qui saute sur l'écran et ressemble une balle ou à un objet qui saute partout. Je veux juste vous montrer à quoi cela ressemble avec la musique et à quoi ressemble le flow jusqu'à présent. C'est exactement ce que j'ai fait ici et j'ai essayé de faire rebondir la balle en fonction de la mélodie de la musique si vous entendez bien. Il rebondit à chaque [MUSIQUE] Je vais essayer de le faire tout au long de la vidéo, juste pour qu'elle reste aussi nette que possible. Mais je ferai de mon mieux. [MUSIQUE] Maintenant, je veux juste déplacer l'ombre ici, comme je l'ai fait. Je viens de dessiner une ellipse régulière ici à partir de la couche new shape layer. Ensuite, vous aurez le choix entre un carré une ellipse ou l'une de ces formes. Vous pouvez y remplir la couleur que vous souhaitez. Je veux juste déplacer l'ombre avec la balle pour qu'elle reste constante. Ensuite, il y a un dernier battement, les drops. [MUSIQUE] Celui-ci date de la 29e seconde. [MUSIQUE] C'est le rythme qui va passer à l'image suivante parce que l'image suivante commence juste là. [MUSIQUE] Nous y voilà. [MUSIQUE] J'imagine que la balle traversera l'écran lors de la prochaine transition. Allons-y et faisons-le. Voyons à quoi ça ressemble avec l'ombre. [MUSIQUE] Vous voyez à quel point l'ombre a fait la différence ici, vous avez simplement ajouté un peu de contexte et votre œil s'entraîne à voir le mouvement lorsque vous voyez les deux éléments bouger ensemble. J'aime aussi la façon dont l'ombre change de taille ici, car la balle s' éloigne du sol et s' élargit un peu lorsque la balle atteint le sol. Cela se fait en ellipse dans la couche de forme, vous pouvez le trouver sous n'importe quel lecteur de formes de votre choix. C'est beaucoup plus facile à manipuler. C'est pourquoi je laisse tomber le point. C'est simplement plus facile à manipuler lorsque vous avez une forme dans les effets secondaires. C'est super facile lorsque vous jouez simplement avec un cercle. Je suis très content de l'ombre en ce moment. Il ne reste plus qu'à faire rebondir le ballon à partir de cette seconde et à le faire passer au cadre suivant. Je veux juste vous montrer quelque chose lorsque vous travaillez avec des chemins. Ce n'est pas la seule façon de manipuler un chemin. Vous pouvez en fait tracer un chemin et le faire contourner par un objet. Mais je vais vous montrer comment procéder plus tard dans un autre élément. Pour l'instant, j'utilise juste de bonnes vieilles positions. Mais par exemple, je ne veux pas que la balle rebondisse dans ces lignes droites très pointues. Ce que je fais, c'est aller dans mon stylo ici, et je vais cliquer sur la tangente ou sur les points d'ancrage au milieu qui joignent les deux directions. Je vais juste cliquer dessus. [ÉTRANGER] Vous pouvez accéder à votre outil de sélection ici et appuyer légèrement sur les flèches pour ajuster le chemin que vous souhaitez. Si je veux que ce soit un demi-cercle plus élaboré, je vais simplement le pousser vers le haut ou je peux simplement le rendre aussi simple que possible et c'est tout. Je voulais donc vous montrer cette petite partie ici parce qu' elle me simplifie la vie et c'est ainsi que j'ai fait tous les autres petits sauts autour du cadre. [CONTEXTE] [CONTEXTE] OK, passons en revue cela une seconde. [MUSIQUE] Vous voyez à quel point limites correspondent parfaitement à la mélodie [MUSIQUE] et cela aide vraiment lorsque vous modifiez la forme de la balle, qu'elle change de forme et qu'elle la fait rebondir beaucoup ici qu'un cercle parfaitement statique. J'ai juste ajusté l'ombre pour qu'elle se déplace avec elle [MUSIQUE] et nous sommes prêts à la faire passer à l'image suivante. [MUSIQUE] Ce que je vais faire, c'est parce que l'image suivante, le texte apparaît juste ici, juste sur les 10 autres ici, je vais en fait copier la couche de balle ici, donc Command C Command V, Ball 2 et je vais couper la couche ici de la première balle donc option support ouvert. Cela coupera le côté droit de votre couche. De même, je veux couper le côté gauche de mes couches, donc je vais simplement appuyer sur « Option fermer le crochet ». On y va. Je vais faire en sorte que Ball 2 commence à partir d'ici, comme s'il venait du côté gauche et qu'il atterrissait par la droite. Je vais juste cliquer sur une image-clé de position pour cela, mon échelle et ma rotation. Ensuite, je vais le faire voler dans l'un des hula hoops ici. Alors que je travaille dessus en ce moment, je pense simplement au timing et, en fonction de la musique que je devrais peut-être apporter, laissez-moi vous emmener dans une aventure de dégustation plus tôt dans cette partie. Au lieu de le faire rebondir sur un écran vide ou plein, je demanderais à la machine à écrire cette ligne, puis quand elle rebondit et s'envole loin de l'écran, elle tomberait dans cadre après cela, qui est l'illustration. Je pense que c'est plus logique avec la musique donc j'aimerais juste l' essayer si ça me semble bizarre, si ça ne me convient pas, on peut toujours revenir au plan initial et c'est ce que j'adore la plupart sur l'animation. Tu dois toujours essayer. Vous pouvez créer de nombreux storyboards. Vous pouvez avoir quelque chose de très précis, la fin de la journée, il suffit de faire ce qui convient le mieux à la musique, ce qui convient le mieux, ce qui va bien avec le flow et oui, vous pouvez simplement éditer en fonction de cela. Laissez-moi juste essayer ceci et nous verrons à quoi cela ressemble. Je pense que j'aime beaucoup mieux cette configuration , celle où nous écrivons, laissez-moi vous emmener dans une aventure de dégustation pendant que la balle rebondit, puis elle passe à l'illustration du swing. Je viens de mettre le cadre de let me take you dans une aventure gustative un peu plus tôt, alors que la balle rebondit et comme vous l'avez vu auparavant, tout comme l'effet d' animation machine à écrire depuis la section des effets et des préréglages et c'est tout. Je n'ai juste rien fait d'autre. La seule chose que j'ai faite a été de préparer l'illustration suivante au fur et à mesure que la balle passe à l'illustration suivante. Cette fois, parce que notre balle est un joueur de forme, j'ai coloré Ball 2 juste pour qu'elle soit rouge parce que si elle est verte, elle n' apparaîtra évidemment pas en arrière-plan. La seule chose que je veux faire, c' est commencer à animer les hula hoops et les étoiles. Les étoiles utiliseront simplement la même technique que celle que nous utilisions plus tôt. Je vais juste copier-coller les images-clés de la balance sur les étoiles. Cependant, pour les hula hoops, je veux qu'ils tournent autour de la phrase, alors allons-y. Je vais double-cliquer sur le cadre « Laissez-moi vous emmener » et commençons par le hula hoop 2. Je vais juste commencer mon image-clé de position ici, puis la déplacer d'un côté à l'autre. Ensuite, je vais également ajouter un effet d'échelle juste pour lui donner l'illusion qu'il va de l' avant et de l'arrière, et pas seulement d'un côté à l'autre. Je vais juste mettre ma balance ici et quand elle va bien, je vais la baisser un peu , et c'est parti. Je vais juste le mettre en boucle, donc cliquez sur l'option sur le chronomètre, écrivez la boucle. Cliquez dessus et faites la même expression pour l'échelle. [MUSIQUE] Maintenant, nous voulons masquer le hula hoop parce que je veux vraiment qu'il bouge autour du mot et qu'il ne soit pas simplement posé dessus. Ce que nous allons faire, c'est simplement commander et coller et créer une copie de votre hula hoop, votre premier, le bleu. Ensuite, vous allez le faire glisser jusqu'en bas. Ensuite, vous voulez aller ici pour parent pick whip, cette petite icône tourbillonnante ici et vous voulez parentaliser le hula hoop 3 avec le hula hoop 2. vous suffit de cliquer dessus et de continuer à appuyer dessus, puis de le faire glisser jusqu'à la couche dans laquelle vous souhaitez vous associer , puis de relâcher. Être parent signifie simplement que tout ce dont vous êtes parent aura la même valeur tous les autres éléments que vous voulez avec la couche parent donc c'est la couche enfant en gros, et c'est la couche parent et elle va juste refléter tout ce que vous voulez avec la première. C'est vraiment bénéfique si vous animez vos doigts vos mains, votre corps ou vos yeux et que vous souhaitez simplement tout gérer en utilisant le même mouvement avec un parent, au lieu de revenir en arrière et en créant à nouveau individuellement toutes ces images-clés à partir de zéro. Après cela, nous allons cliquer sur notre hula hoop 2, et maintenant je veux mon outil de rectangle, alors allez-y, cliquez dessus et je vais juste dessiner un rectangle, juste là où la phrase apparaît. Ensuite, avec l'outil de sélection, vous pouvez mettre le masque de côté ici et c'est à peu près tout. Maintenant, le hula hoop entoure une partie de la phrase , puis ça sort de dessous. Jetons donc un coup d'œil à quoi cela ressemble. Génial. Maintenant, je veux juste faire exactement la même chose pour le cerceau jaune. Je vais simplement dupliquer la couche d'origine, supprimer toutes les images clés, puis ajouter un masque et ajuster où vous souhaitez que votre masque commence et se termine. Tu y vas. C'est ainsi que l'on masque un objet. Super, super facile. Maintenant, ce que je veux faire maintenant, c'est trouver comment je vais réellement introduire les cerceaux dans le cadre, parce que l' instant, le message apparaît comme une machine à écrire quand le ballon rebondit et puis les cerceaux apparaissent. Maintenant, je dois trouver un moyen les introduire dans le cadre , qu'ils tombent, qu'ils partent du haut ou qu'ils viennent de côté, ou qu'ils passent qu'ils tombent, qu'ils partent du haut ou qu'ils viennent de côté, ou de très petits à grands et qu'ils tournent. autour de la phrase. Nous allons voir. C'est ce que je pensais. La meilleure façon de faire la transition entre cela et les hula hoops et tout est de le faire tomber du ciel et de ne pas utiliser la machine à écrire Je l'ai donc fait avec mes images-clés de position. J'ai simplement fait glisser le texte depuis le haut de l'écran avec les hula hoops, puis pour sortir, je l'ai gardé pareil. Les textes vont vers la droite et les hula hoops tombent simplement en dessous, puis ils passent à l'image suivante. J'ai trouvé que la meilleure façon de faire la transition entre tout et les étoiles utiliser exactement les mêmes images-clés que les images précédentes. Je les ai juste copiés, collés d'ici et collés là et c'est à peu près tout. Voyons à quoi cela ressemble avec l'ensemble de l'animation. Je vais juste le ramener à l' endroit où se trouve le logo et voir à quoi ressemble le flux dans son ensemble. [MUSIQUE] Ensuite, les textes soulignent la direction dans laquelle la balle va vous mener à la prochaine image qui se présente ici. Maintenant, la seule chose que je veux faire est peut-être ralentir un peu le texte au fur et à mesure qu' il tombe parce que cela me semble un peu trop rapide [MUSIQUE] alors voyons ce que nous pouvons faire à ce sujet. J'ai un peu ralenti la mise en page du texte ici, alors voyons à quoi cela ressemble. [MUSIQUE] C'est tellement mieux maintenant et maintenant, c'est juste une transition fluide, comme si quelqu'un baissait un rideau pour que le logo tombe, que la balle tombe et que le texte suit. n'y a pas de pause, ce que j'aime bien, et c'est moins une chute abrupte, ça prend un peu de temps et ça arrive quand même avec de la musique. [MUSIQUE] C'est ça. Nous sommes maintenant prêts à animer Frame 8 [MUSIC] 16. Animer sur les AE : cadre 8-9: Pour l'image 8, nous voulons commencer à animer ces swing ici et aussi faire rebondir la balle un peu jusqu'à ce que la mélodie change pour l'image suivante. Je vais juste passer à l'illustration de mon swing ici et j'ai déjà précomposé le swing réel ici. Si nous double-cliquons dessus, vous verrez que je regroupe la corde droite, la corde gauche et le siège du biscuit, juste pour que nous puissions avoir le biscuit entier en tant que joueur de groupe. J'ai déjà précomposé mon swing ici. J'ai simplement regroupé la corde droite, la corde gauche et le siège à biscuits, donc je peux jouer avec une balançoire complète. Maintenant, si je veux plier la balançoire ou la déplacer, je l'ai sous forme de couche séparée. Ce que nous voulons faire ici, c'est ajouter un effet CC Bend It à partir de Effects & Presets ici. Cela va juste faire pivoter la balançoire de droite à gauche. En fait, nous allons le réduire un peu au fur et à mesure. Cela donne l'illusion que cela va réellement de l' avant et de l' arrière. Nous allons le faire ensemble. À ce stade, je voudrais simplement double-cliquer sur mon option « CC Bend It ». Ensuite, je veux prendre ce point juste ici, autour et en haut, et ce point ici, il suffit de le faire descendre , puis j' ouvrirai ma couche Swing , puis je réduirai la couche CC Bend It. C'est là que vous voulez jouer avec les choses au niveau du virage. Il s'agit de la valeur que vous allez insérer. Je veux que mon swing commence un petit virage vers la gauche comme ça et je vais juste le saisir. Ensuite, je vais faire défiler ma chronologie un peu ici, peut-être là, puis la plier vers la droite , puis la ramener ici et copier et coller ce cadre. Ensuite, je vais y ajouter une boucle, alors maintenez l'option enfoncée, cliquez sur « Chronomètre » et écrivez LoopOut puis cliquez sur « Out ». Ensuite, je veux y ajouter un effet Easy Ease pour Animation, Keyframe Assistant, Easy Ease, juste pour que le swing soit fluide. Voyons à quoi ça ressemble. Peut-être que nous pouvons l'accélérer un tout petit peu. Ça, c'est bien. Vous pouvez voir à quel point c' est fluide grâce à l'Easy Ease. Maintenant, je veux y ajouter un effet d'échelle pour que nous ayons ce mouvement de va-et-vient. Je vais simplement cliquer sur « Transformer » ici et je veux que l'échelle soit peut-être comme ça à 106 et qu'elle soit imagée au clavier, puis au fur et à mesure qu'elle revient, nous réduisons la valeur comme ça. Ensuite, il suffit de copier-coller la première image-clé ici. Ajoutez ensuite un chronomètre, LoopOut et ajoutez Easy Ease , puis voyons à quoi cela ressemble. Vous voyez comment l' effet de mise à l'échelle nous a simplement donné l' illusion que cela va de l'avant et de l'arrière. J'en suis plutôt content. Maintenant, la prochaine chose que je veux faire est de masquer cette partie de la corde gauche parce qu'elle sort de la structure pivotante et nous voulons qu'elle s'arrête là. C'est exactement la même technique que nous avons les hula hoops et c'est quelque chose que vous utilisez tout le temps sur Photoshop. Je vais juste aller ici pour balancer et saisir mon outil rectangulaire et dessiner un rectangle sur cette partie. Maintenant, vous voyez qu'il masquait la partie supérieure de la corde et non la partie pivotante. Je vais donc aller ici à Masques sous ma couche et cliquer sur la case à côté de Inversé. C'est ça Maintenant, si vous pouvez voir le masque la balançoire va vers la droite, le masque va vers la gauche. C'est presque comme s' il était épinglé. Nous voulons vraiment que le masque bouge avec nous lorsque la balançoire se balance de gauche à droite. Pour ce faire, nous allons simplement faire défiler ce menu , faire défiler la couche du masque et ajouter la première image-clé. Je vais juste passer à Keyframe Mask Expansion et Mask Path. Copiez-les et collez-les sur la dernière image-clé car c'est à ce moment-là que tout semble correct. Ensuite, l'image-clé du milieu, quand le swing se tourne vers la droite, je vais jouer avec elle pour que vous puissiez accéder à Mask Expansion ici et réduire la valeur de Mask Expansion. Maintenant, il ne masquera que la partie supérieure à partir d'ici. Essayons-y et voyons à quoi cela ressemble. C'est tout pour la balançoire, c'est aussi simple que cela. Maintenant, nous voulons faire la même chose pour l'ombre de la balançoire afin qu'elle se balance en même temps que la balançoire. Je vais juste récupérer mon image-clé, placer mon curseur ici. Ensuite, je vais ouvrir mon ombre ici et je vais aussi aller à CC Bend It. Je veux juste compléter la ligne de l'ombre ici parce qu'elle est coupée ici donc je vais juste le faire dans la commande E d'Illustrator et corriger cette ligne pour la faire durer jusqu'à la fin. de la structure afin de ne pas avoir de limites. Je reviens à mon CC Bend It et je vais jouer avec les valeurs ici jusqu'à ce qu'elles correspondent au mouvement du swing. Jetons un coup d'œil à cela. Parfait Maintenant, l'ombre oscille également avec la balançoire. Ensuite, je souhaite également copier-coller les mêmes images-clés de mise à l'échelle pour les étoiles ici, donc juste à partir de l'image précédente également. On y va. Les étoiles s'étendent également vers l'avant et vers l'arrière. Maintenant, nous voulons revenir à la vidéo de la marque et commencer à voir ce que nous allons faire pour le bal et le timing de tout. Donnons-y une pièce de théâtre. Ça va se terminer vers la 34e seconde ici. À ce tournant, c'est là que la balle sortira enfin de l'écran pour passer au cadre suivant. Le mur arrive ici à la 30e seconde. Nous avons environ quatre secondes pendant lesquelles la balle rebondit, ou plutôt trois secondes et la quatrième elle rebondira. La première fois qu'il rebondira, ce sera là, à la 31e seconde. Cela signifie que nous avons environ trois rebonds avant qu'il ne doive rebondir à nouveau. Allons-y et faisons-le. J'ai juste utilisé exactement la même chose que le cadre auparavant pour déplacer le ballon. J'ai simplement placé des images-clés de rotation de position ici , puis j'ai cliqué sur mon stylo pour que le tracé soit incurvé et non pas des lignes droites. J'ai juste continué à jouer avec ça ici, juste pour faire correspondre la musique, parce que je pense que cela le rendra encore plus agréable à regarder et à sentir. Regardons-y avec la musique. Voici l'idée de faire rebondir la balle à chaque coup de mélodie afin que vos yeux et vos oreilles aient le même mouvement dans votre esprit. La balançoire se balance juste en arrière-plan. À ce stade, le ballon entrera dans le cadre suivant et nous créerons une autre couche pour que le ballon entre en jeu depuis la gauche, comme nous l'avons fait la dernière fois. Chaque fois que la balle rebondissait sur le sol, vous remarquerez que je l' ai mise à plat ici juste pour souligner davantage l'effet de rebond. Au fur et à mesure qu'il monte dans les airs, je l'ai rétréci un peu pour donner l'impression qu' il est plus rebondissant. Maintenant, la seule chose que je souhaite ajouter ici, c'est l'ombre sur le terrain juste pour donner un peu de contexte. Comme nous l'avons vu précédemment, cela lui donne un aspect un peu plus dimensionnel et moins plat. Je vais simplement le faire et nous serons prêts à passer au cadre 9. C'est ça Je déplace simplement l'ombre avec le même mouvement que la balle. J'ai réduit sa taille d'échelle juste en fonction du moment où la balle était plus haute et quand elle était plus proche du sol. Jetons un coup d'œil à cela. Je pense que nous sommes prêts à passer au cadre 9. Nous voulons maintenant passer au Frame 9, qui est celui-ci ici. C'est juste un simple bloc de texte, rien à voir. Nous allons juste faire entrer la balle par la gauche et continuer à rebondir sur le sol, comme nous l'avons fait dans toutes les autres images en fonction de la musique, puis sortir lorsque la mélodie sonne pour la suivante cadre. Écoutons juste pour voir exactement quand nous allons passer à l'image suivante. Nous allons entrer vers la 34e et la 10e seconde. La balle va commencer à rebondir à la 36e seconde et sortir pour passer à la manche suivante. Je vais juste amener mon curseur ici. Je vais nommer ce cadre saveurs uniques et double-cliquer dessus. Je pense que pour ce cadre, je vais juste faire quelque chose de très simple, comme l'effet machine à écrire , puis la phrase peut sortir de l'écran vers la droite avec la balle. Je vais juste faire de cette couche une couche de texte. Ça va juste ressembler à ça. Maintenant, je voudrais juste revenir à ma chronologie principale ici et écrire au fur et à mesure que la balle sort du cadre, je veux ajouter une couche de caméra à cette couche, l'illustration du swing. Je vais juste accéder à ma boîte 3D ici et cliquer dessus. Ensuite, je vais ajouter une couche de caméra par-dessus. Ensuite, alors que la balle approche de la fin de l'écran, je veux repousser la totalité du swing en dehors du cadre. Voyons à quoi ça ressemble. Maintenant, ils sont simplement poussés dehors ensemble. À ce moment-là, c' est là que je veux que ma prochaine balle entre en jeu. Je vais juste copier à nouveau mon ballon. que je veux faire ici, c'est parce que la mélodie est toujours la même dans chaque image, celle-ci, je peux utiliser images-clés de la dernière trajectoire de balle ce qui signifie que je peux simplement les copier images-clés ici. Je vais les coller dans ma troisième balle ici. Mais je vais juste jouer avec eux pour ne pas avoir à repartir de zéro. Je peux juste utiliser exactement les mêmes images-clés parce que c'est la même mélodie, donc elle a presque le même mouvement de rebond avec le timing, mais je vais juste la modifier juste parce que c'est la même mélodie, donc elle a presque le même mouvement de rebond avec le timing, mais je vais juste la modifier juste un petit peu pour qu'il corresponde à cette partie de la chanson. Je vais juste coller mes images-clés ici. Je vais les ajuster en fonction de la musique. C'était assez facile après avoir copié collé les images-clés de la balle précédente, et je les ai ajustées un tout petit peu juste pour qu' elles s'harmonisent avec cette mélodie dans le cadre. C'était tellement plus facile. Je n'ai pas eu à le faire à partir de zéro et c'est toujours le même rythme. J'aime le fait que c'est un peu constant. Le rebond est le même. Écoutons-le. C'est à peu près ça. J'ai juste joué avec la position du texte ici juste pour me déplacer légèrement vers la gauche en guise de préparation. Ensuite, il se déplace vers la droite avec le ballon et sort de l'écran pour la prochaine image. J'ai également copié-collé l'ombre de la dernière image et je l'ai ajustée en conséquence juste pour donner de la dimension à la balle également. Regardons ça à nouveau. Cool. À ce stade, nous sommes prêts à passer à Frame 10. 17. Animer sur les AE : cadre 10-11: Frame 10 voici notre trampoline. Cela commence vers la 36e et la 25e seconde ici, et il se termine à la 41e seconde, donc juste aux 10 dernières ici. Ce que je veux d' abord faire, c'est double-cliquer sur le cadre de mon trampoline ici, et ce que nous voulons faire maintenant , avant de nous lancer à nouveau dans la balle, c'est de préparer ces glaces les pelles rebondissent sur le trampoline. J'ai déjà dessiné ici une poche dans le trampoline d'Illustrator que je vais utiliser pour montrer qu' ils sautent dessus. Je vais d'abord commencer par cette cuillère à glace. C'est une cuillère à glace, non ? On y va. Il y a aussi des garnitures dessus que je vais faire sauter avec. Commençons par cela. Tout commence par ici. Je viens d'ajouter ici mes images-clés de position pour la cuillère à glace rebondisse vers le bas, puis vers le haut, et j'ai mis une expression en boucle. Voyons à quoi ça ressemble. C'est très bien pour moi. Ensuite, ce que nous voulons faire, c'est lorsqu'il rebondit, nous devons le masquer pour qu'il ait l'impression qu'il rebondit réellement sur la partie intérieure du trampoline et non à l'extérieur de celui-ci comme ça. Nous allons simplement utiliser la même méthode que lorsque nous avons masqué nos cordes oscillantes. Je vais juste cliquer dessus, sur mon calque, mais au lieu d'utiliser le rectangle, je vais devoir dessiner mon masque avec mon stylo. Ensuite, allez dans « Masques » et cliquez sur « Inverser ». Maintenant, on dirait qu'il rebondit à l'intérieur du trampoline. Même si mon masque couvre cette partie de la cuillère à glace comme je le souhaite, le problème avec le masque, c' est qu'il reste en place lorsque je le déplace à l'envers et que je coupe la partie de la cuillère . Ce que nous voulons faire, c'est jouer ici avec trajectoire du masque et l'extension du masque, et cela m'aidera à déplacer mon masque lorsqu'il monte , puis à le ramener à sa place lorsqu'il descend. Je vais juste tracer la trajectoire de mon masque ici, parce que c'est la forme que je veux qu'il conserve. Ensuite, lorsqu'il remonte, vous pouvez réellement manipuler la forme du masque comme vous le souhaitez. Il s'agit simplement d'une couche de forme avec des points d'ancrage et vous pouvez simplement la tirer vers le bas, manipuler sa forme comme vous le souhaitez. Quelque chose comme ça. Vous voyez comment la forme du masque se transforme, quelle que soit la manière dont vous le manipulez. Jetons un coup d'œil à ce à quoi cela ressemble. OK, cool. Maintenant, la prochaine chose que je veux faire est de commencer à déplacer cette poche qui va accentuer le rebondissement de la cuillère à glace. Je l'ai nommé ici Bounce-Pocket. Je souhaite créer une couche de forme à partir de celui-ci. « Créer », « Créer des formes à partir d'une couche vectorielle », et cela va juste m'aider à mieux manipuler son mouvement. La première cuillère à glace commence à rebondir ici. Je vais accéder à ma nouvelle couche de forme ici. En fait, je vais en parler un tout petit peu. Ensuite, lorsque la balle rebondit à nouveau, dès qu'elle se soulève, je veux que la poche revienne à l'intérieur. C'est ça C'est le mouvement que je souhaite essentiellement. Je vais juste continuer à copier-coller les images-clés ici jusqu'à ce que j' obtienne le rebondissement que je souhaite. Faisons un zoom arrière et voyons à quoi cela ressemble. Je veux juste ajouter quelques images-clés faciles juste pour que les choses restent super fluides. On y va. Ma petite cuillère à glace rebondissante. Maintenant, je veux simplement déplacer ces lignes blanches incurvées en même temps que le mouvement de la cuillère à glace, juste pour accentuer le mouvement et le rendre plus élaboré. Je suis juste allé de l'avant et j'ai animé la cuillère à glace sur la gauche également, et j'ai légèrement décalé la rotation du trampoline, et voici à quoi il ressemble. Ils rebondissent tous les deux sur le trampoline maintenant. Ensuite, en guise de transition, j'ai simplement tiré tout le trampoline vers le bas, comme ça, en utilisant simplement des images-clés de position. Vous pouvez voir que j'ai également animé les petites paillettes sur les cuillères à glace. Nous descendons. Si nous le voyons avec la vidéo de la marque et la musique, voici à quoi cela ressemblerait. Aux 10 dernières heures, c'est là que le trampoline est abaissé. Maintenant, il ne reste plus qu'à animer la balle ici, en revenant de la gauche. Cette fois, je vais l'essayer pour peut-être le faire rebondir sur le trampoline, ou si je le trouve trop, je pourrais simplement le faire rebondir sur le sol et copier-coller les mêmes images-clés que celles-ci avant. D'accord, donc après de nombreuses expériences, j'ai découvert que le ballon rebondissant sur le trampoline est la meilleure solution pour ce cadre, mais j'ai réduit la taille de la balle qu'elle ne puisse pas éclipser la cuillère à glace ressemble à une vraie petite balle sur trampoline, puis elle reprend sa taille d'origine. Voyons à quoi ça ressemble. Comme vous pouvez le voir, la balle atterrit sur le trampoline avec les cuillères à glace et elle rebondit juste un peu sur le trampoline, toujours avec la même technique, et enfin mélodie, il saute du trampoline sur le sol et passe dans l'image suivante. J'ai juste ajouté l'ombre rouge ici quand la balle est en l'air, et encore une fois ici et dehors, juste pour redonner un peu de contexte. Regardons juste un dernier coup d'œil. À la fin de la vidéo, je vais juste revenir en arrière et affiner tous ces petits mouvements, m' assurer que tout est propre, que rien n'est saccadé ou bizarre dans les mouvements, mais je Je pense que je suis content de la façon dont c'est et de l'apparence de ce cadre, et nous sommes prêts à passer au cadre 11. Lorsque vous entrez dans le cadre 11, c'est le bloc de texte suivant qui dit pour vos yeux et vos papilles. Je veux juste que ce cadre soit super simple. Je vais juste y aller ici. J'ai déjà changé le calque de forme d' Illustrator en calque de texte afin que nous puissions y ajouter un effet de machine à écrire. Je vais juste y aller et le faire d'abord. Juste quelque chose comme ça. Ensuite, je veux revenir à la vidéo de ma marque et voir à quelle heure elle est censée quitter le cadre. Vérifions-le ici. Autour de la 43e seconde ici. Je vais juste revenir en arrière et je veux ajouter une image-clé de position au texte, je vais juste le préparer vers la gauche, puis le balancer par la droite parce que lorsque nous copions la balle, c'est en rebondissant, la balle va rebondir à nouveau complètement vers la droite, donc je veux que la couche de texte se déplace dans la même direction que la balle. Ça ressemble juste à ça et puis ça s'éteint. Vérifions-le encore une fois avec la musique. C'est peut-être un tout petit peu plus rapide ici. C'est bon Maintenant, la prochaine chose que je veux faire est copier-coller les images-clés des étoiles de l'image précédente afin qu'elles continuent à augmenter et à diminuer et disparaissent à la fin de l'image. Je vais juste accéder à n'importe quel cadre j'ai qui comporte des étoiles, et je vais simplement le copier-coller sur mon cadre ici. On y va. Les étoiles sont également animées et disparaissent au fur et à mesure que le texte se déplace vers la droite. Il ne reste plus qu'à copier la balle qui rebondit depuis une autre image, c'est exactement le même rythme que la plupart des autres images, je vais juste le copier-coller et le faire rebondir sur le sol avec l'ombre, et assurez-vous simplement que la balle est rouge ici, et c'est tout, nous sommes prêts à passer au cadre suivant. C'était très facile de copier-coller les images-clés sur cette image, et cela correspond parfaitement au rythme, alors écoutons-le. C'est bon, cool. Maintenant, nous pouvons passer au cadre 12. 18. Animer sur les AE : cadre 12-13: C'est là que nous nous sommes arrêtés. Voici notre prochaine image à être animée, la diapositive sur le milk-shake. Pour la diapositive sur le milk-shake, j'imagine une animation un peu différente des autres. Je veux qu'elle soit pertinente pour chaque illustration et c'est ce qui va rendre la vidéo de marque unique. Pour cette animation, je pense inclure une sorte de liquide milk-shake qui arrive du haut de l'écran. ensuite glisser la diapositive jusqu'à la fin, puis passez dans le cloud, puis quittez l'écran en déposant tout ou en déplaçant votre caméra vers le bas. Cette fois, la balle entrait et rebondissait. Mais peut-être aussi glisser le long du toboggan avec le liquide. Nous verrons comment cela se déroulera. Mais pour l'instant, je veux puiser le liquide voir à quoi il ressemble et le démarrer. Pour ce faire, je prévois de créer une nouvelle couche de forme. Ensuite, à l'aide de mon stylo et d'un trait, cette fois, je vais tracer une ligne blanche droite par le haut, comme suit. Je vais l'appeler verser du liquide. Juste pour que je sache laquelle c'est. Je veux juste le traîner sous ma paille ici. Ensuite, si vous cliquez sur le menu déroulant et sur la forme du contenu, allez sur contour, vous trouverez une option indiquant « vague ». Tu veux cliquer dessus. Cela vous permettra d'obtenir différentes valeurs de vagues ici. Vous pouvez modifier la quantité, la longueur d'onde, c'est-à-dire le nombre d'ondes présentes sur la ligne, et la phase. Ça va être vraiment cool d' afficher un effet de déversement de liquide. Je veux juste placer mon curseur juste ici, et je veux changer la valeur du montant. Vous voyez ce qui arrive maintenant à l'accident vasculaire cérébral, c'est devenu une situation de type vague de liquide froid. Ensuite, vous pouvez également jouer avec la longueur d'onde ici. Si je soulève simplement celui-ci, le nombre de vagues diminuera. Si je l'abaisse, le nombre de vagues augmentera. Je veux juste que ce soit le plus naturel possible, donc je vais juste faire le moins de vagues possible. Vous souhaitez simplement saisir ces deux valeurs ici. Ensuite, vous devez abaisser légèrement la chronologie avec votre curseur . Peut-être que je peux augmenter la longueur d'onde un peu à mesure que le liquide commence à couler davantage. Puis, vers la fin du cadre, je pourrais peut-être le faire tomber comme ça. Voyons à quoi ça ressemble. Cool. Chaque fois que vous êtes satisfait de la situation des vagues, vous pouvez passer à autre chose et créer des trajectoires de compensation pour votre coup. Nous voulons que notre coup commence réellement en haut de l'écran et que le liquide se déverse. Vous allez aller sur Ajouter ici et cliquer sur le bouton « Play », puis sur « Trim Paths ». Ouvrez ensuite Trim Paths. Au début, je voulais partir à zéro. Je vais juste le saisir. Ensuite, un peu plus bas dans ma chronologie, je peux appuyer sur 100 pour cent. Cela signifie qu'il va juste couler de haut en bas. Ensuite, nous voulons changer le capuchon du trait ici parce que c'est très net. Je veux que ça paraisse un peu plus liquide. Vous pouvez accéder à nouveau à Stroke, puis à Line Cap, cliquer sur le menu déroulant et choisir Round Cap. Pour que ça ressemble vraiment à un accident vasculaire cérébral. Si vous le souhaitez, il existe également une option de cône où vous pouvez effiler les extrémités du trait ici. Il peut être aussi pointu que vous le souhaitez, ou aussi pétillant que vous le souhaitez. Cool. Je viens d'ajouter un autre effet de trajectoire de coupe ici lorsque le cadre se termine pour retirer à nouveau le liquide. La prochaine chose que je veux faire est puiser le liquide qui descend le long du toboggan ici et ici également. Je vais aller ici et cliquer sur Layer New, Shape Layer. Je veux puiser mon liquide dès que le liquide qui coule arrive sur la lame. Cette fois, je ne vais pas utiliser de trait, je vais utiliser une couleur de remplissage en blanc. Je vais prendre mon stylo ici, et je vais commencer à dessiner le liquide réel avec mon stylo que je veux faire glisser sur cette partie de la lame. Voilà à quoi ça ressemble. Ensuite, nous allons passer au sommaire ici. La même chose que nous faisions auparavant avec la garniture de crème glacée, c'est que nous allons manipuler le chemin et After Effects va animer cette manipulation pour nous. Disons que je veux que le liquide vienne d'ici. qui signifie que c'est juste à la seconde que le liquide va commencer à couler. Ensuite, si je fais défiler un peu la page, je vais dire que c'est ici que je veux le liquide remplisse cette partie de la lame. Je vais juste tracer mon chemin ici, pour ne pas perdre la forme. Ensuite, je veux revenir à l'endroit où la partie liquide touche la première entrée du toboggan. Je vais commencer à changer la forme de mon liquide ici et à manipuler la forme tout en haut, sorte que lorsqu'il est animé, on dirait qu'il se déverse réellement sur la diapositive. Voyons à quoi ça ressemble. Voilà à quoi ça ressemble après avoir manipulé le chemin ici. On dirait juste que le liquide glisse vers le bas. Vous pouvez toujours revenir en arrière et manipuler ces formes. Il est très facile de contourner les points d'ancrage jusqu'à ce que cela ressemble à ce que vous voulez. Commencez toujours par définir la forme finale dans laquelle vous souhaitez vous déplacer afin de ne pas perdre cette forme. Commencez ensuite en arrière, puis remontez jusqu' à ce que la forme soit aussi petite que possible, afin qu'After Effects sache que vous souhaitez l'animer de ceci à cela. Cool. Maintenant, nous voulons également faire la même chose pour cette partie ici même. Au fur et à mesure que le liquide glisse sur la lame, je voulais qu'il apparaisse une dernière fois ici. Allons-y et faisons-le rapidement. Jetons juste un coup d'œil à cela. J'ai juste fait exactement la même technique que le liquide ci-dessus. Il suffit de dessiner, de façonner, manipuler sa trajectoire, de placer des images-clés. Super facile. Voyons à quoi cela ressemble avec la musique et tout le reste. Cela fonctionne. La vitesse est amusante. Maintenant, nous pouvons commencer à animer la paille et à déplacer ces petits bouts d'eau et les éclaboussures de milk-shake. Je veux que le bout de la paille, cette partie supérieure, bouge un peu de haut en bas, comme s'il s' agissait de boire un verre de milkshakes. Je vais juste remettre mon curseur un peu en arrière jusqu'à ce qu'il se déverse réellement ici. Je vais peut-être commencer par déplacer un peu ma partie supérieure. Je vais le saisir. Je voudrais prendre le reste de la goutte d'eau le déplacer un peu vers le haut et le saisir. Ensuite, avant, je vais remettre la rotation à zéro ici, et également fixer la position du reste de la paille. Je vais juste ajouter une boucle à cela ici. Cool. Voilà à quoi ressemble la paille. Je vais juste ajouter des images-clés faciles à utiliser ici. Essayez-le une autre fois. Super. Commande S that. Je vais juste réduire mes couches ici. Maintenant que le liquide coule, je veux aussi que la paille tombe de l' écran. Je voudrais simplement regrouper mes pièces de paille ici. Cliquez avec le bouton droit sur Pre-composer, appelez-le straw Ensuite, je veux prendre ma position image-clé ici et image-clé là. Ensuite, au début de l'illustration, je vais l' amener jusqu'en haut. Ensuite, je voudrais y ajouter une expression rebondissante, juste celle que je vous ai montrée tout à l'heure. Copiez-collez cela dans mes expressions ici. Peut-être que je vais juste réduire un peu le rebond. Ça, c'est mieux. Jetons un coup d'œil à cela avec la musique. Maintenant, il est temps d' animer ces petits bouts d' eau, ces gouttes de milk-shake les étoiles et tout ce qui accompagne l'animation des diapositives. Ça va être très simple, rien de trop fou ici. Je veux me rendre à mon premier dépôt ici. Ce que je voulais, c' est que dès que le liquide touche le toboggan, je voulais juste qu'il saute vers le haut et rebondisse à l'extérieur vers la gauche pour disparaître plus tard. Cela va simplement utiliser mes images-clés de position, de rotation et d'opacité. Rien de trop fou ici. Je veux juste le faire pivoter un peu. C'est ce à quoi je veux que ça ressemble. C'est juste un jet d' eau hors d'impact ici. Il disparaît simplement dans une opacité de 0 %, et c'est à peu près tout. Je vais juste répéter cette étape pour toutes les petites gouttes présentes dès que le liquide passe à côté d'elles. Ensuite, je vais les faire rebondir de chaque côté juste pour ajouter un petit effet comique rebondissant à la diapositive. Je vais également copier-coller les mêmes images-clés pour les étoiles ici et déplacer légèrement les nuages . Nous en aurons terminé avec l'animation des diapositives. Il y a quelques choses que je voudrais vous montrer. abord, j'ai animé ces gouttes d'eau et les gouttes roses ici, Tout d'abord, j'ai animé ces gouttes d'eau et les gouttes roses ici, en rebondissant à l'extérieur de chaque côté, si vous y regardez de plus près. Il est censé être rapide, tout comme un jet d'eau, il ajoute simplement un peu de saveur au mouvement et l'accentue. J'ai également animé la goutte bleue ici pour qu'elle glisse avec le mouvement du milk-shake glissant vers le bas. J'ai également quitté le liquide du milk-shake. Au début, nous les avons simplement fait entrer et y rester. Mais pour ressembler réellement à un toboggan, la partie supérieure doit glisser vers le bas et vers l'extérieur. Dès qu'il sort, celui du bas apparaît puis glisse à nouveau vers le bas du nuage. Encore une fois, il suffit de manipuler le tracé sur les couches de forme. Je pense que, dans l'ensemble, tout s'est très bien passé. Si on regarde ça avec la musique maintenant. Il ne reste plus qu'à placer le ballon dans ce cadre, à le faire rebondir et à glisser le long du toboggan. Pour animer la balle qui entre dans l'image suivante, j'ai juste besoin d' une autre écoute pour savoir exactement quand je vais faire rebondir la balle et quand je vais la faire glisser sur la diapositive. Je pense que sur les deux dernières notes mélodiques, c'est à ce moment-là que la balle va glisser le long de la diapositive. Faisons écouter ça à un autre. Ces deux petites notes mélodiques, c'est ici que ça va glisser. Dans la première moitié du cadre, je vais laisser la balle rebondir un peu avant qu'elle n' entre dans la diapositive. Je vais juste copier à nouveau ma balle de l'image précédente ici. Exactement comme avant, mais cette fois, je vais couper le chemin quelque part quand il rebondit pour le faire rebondir sur le toboggan. Ensuite, il suffit de rouler vers le bas et de sortir du cadre juste ici avec le toboggan qui descend. Je veux juste te montrer quelque chose pendant que je travaille. Comme je place la balle en haut de la diapositive, maintenant que la diapositive est lue et que la balle est rouge, la balle ne s' affichera pas vraiment lorsqu'elle glisse sur la diapositive. Mais j'ai besoin que la balle soit rouge dans la première moitié de l'animation car le fond est crème. Lorsque vous travaillez avec des formes vectorielles dans After Effects, il existe une option avec des formes vectorielles dans After Effects que vous pouvez réellement animer lorsque vous modifiez la couleur de la forme à modifier. Juste ici, sous Remplissage et coloration, il suffit de sélectionner la couleur que vous souhaitez. Si je zoome ici sur ma chronologie, j'ai décalé sa couleur l'approche de la diapositive. Ensuite, comme cette glissière est également assez étroite, la balle est trop grosse pour rentrer à l'intérieur. Je viens aussi de mettre une image-clé d'échelle ici pour qu'elle soit plus petite. Ensuite, je place simplement des images-clés ici et une forme en S ici pour les faire glisser vers le bas de la diapositive. Comme la couche de diapositive se trouve sous la boule ici dans ma fenêtre de composition, la balle glisse simplement sur le dessus de la diapositive plutôt que dans celle-ci. Je vais juste passer à la pré-composition de mon cadre ici. J'ai déjà isolé la partie centrale de la diapositive. J'en avais déjà fait une copie sur Illustrator. Je vais juste le copier et revenir à ma fenêtre de composition principale. En haut de la balle, je vais juste le coller. Cela vient de résoudre le problème. Je viens de coller la partie centrale de la diapositive ici. Maintenant, la balle peut entrer dans le toboggan et sortir par l'autre bout. Je viens de coller cette partie seulement. Maintenant, quelque chose d'autre à noter, si vous remarquez ici quand la balle rebondit, laissez-moi juste vous ramener un peu, je l'ai copiée et collée à nouveau, les images-clés de nos balles précédentes parce que c'est la même mélodie. Tout se passe bien avec la musique, mais le contexte est que nous sommes dans le ciel et qu' il y a des nuages, cela n'a aucun sens de mettre l'ombre sous la balle et de la traiter comme un sol parce qu'il y a des nuages tout autour. Je pourrais laisser la balle comme ça, mais je pense que la balle pourrait rebondir au-dessus des nuages, au lieu de rebondir sur au lieu de rebondir un fond solide vide. Juste pour donner un peu plus de contexte. Ce que je pouvais faire, c'est dessiner des nuages ici même dans After Effects, en utilisant simplement mes formes de cercle ici. Il suffit de faire rebondir la balle dessus plutôt que sur un fond crème. Laissez-moi juste essayer ça, et si cela fonctionne, tant mieux. Si c'est trop et trop encombrant, alors je peux m'en passer. J'ai juste tiré ce toboggan vers le bas, et j'ai juste tiré cette paille aussi, mais je l'ai fait tourner un peu pour qu'il tombe. Juste en utilisant les bonnes vieilles images-clés ici, rien de trop fou. Je pense que pour l'image suivante, je vais faire en sorte que l'image suivante vienne du haut de l'écran ainsi que de la balle, contrairement à toutes les images précédentes où elle venait de droite ou de gauche, car ce cadre sort de haut en bas. Il serait logique que l' image suivante ait le même mouvement. Regardons cela ensemble et nous pouvons passer au cadre 13. Super. Nous pouvons maintenant passer à l'image suivante. Tu te souviens quand notre dernière image, tout a été démonté ? C'était pour une raison, car à l'époque de la 13e image, les nuages se trouvaient au-dessus. Je veux qu'ils entrent dans le cadre en les tirant vers le bas, comme si je glissais sur la dernière image et cette image en me déplaçant de haut en bas. C'est la première chose que je vais faire. Je vais faire passer le texte et les nuages de haut en bas juste comme transition pour entrer dans le cadre. J'ai juste saisi les nuages d'en haut et le texte. Je les ai juste attrapés et ajouté une expression de rebond, comme les précédentes. C'est à peu près ça. Je veux que les choses restent simples. Maintenant, je veux juste ajouter la balle qui rebondit ici , juste pour continuer avec le thème de la balle qui rebondit. Mais au lieu de le faire venir par la gauche, je vais le faire par le haut. Comme s'il avait glissé sur le toboggan et qu'il tombait d'en haut. Mais je vais tout de même utiliser la même technique en copiant l'une des images-clés des balles précédentes que j'ai. Je vais juste changer l'image-clé au début, au lieu de la faire venir de la gauche, je vais changer la position de l' je vais changer la position de l' image-clé pour qu'elle vienne du haut. C'était facile. J'ai juste copié collé exactement les mêmes images-clés, mais j'ai juste changé l'image-clé au lieu de venir de la gauche, ai fait venir du haut. Cela ne fait que rendre la transition d'un cadre à autre plus pertinente en ce sens. La dernière touche que je veux faire est d'ajouter une ombre au sol, comme nous l'avons fait auparavant. Je vais aussi copier-coller ça à partir de l'une des autres ombres. C'était aussi simple que cela, copier-coller les images-clés et nous avons une ombre. Cool. Maintenant, je veux juste faire une sortie pour ce cadre. Puisque la balle repart vers la droite, je vais juste sortir du texte par la droite et déposer les cerceaux vers le bas Les nuages peuvent également se déplacer de chaque côté, donc nous pouvons passer à l'image suivante. C'est aussi simple que cela. Regardons-y un autre coup d'œil. Ils sortent de l'écran. Nous sommes maintenant prêts à nous lancer dans le Frame 14, qui est le vélo à grains de café. 19. Animer sur les AE : cadre 14-15: [MUSIQUE] Voici Frame 14, et c'est l'illustration d'un vélo à grains de café qui vient après que notre cuisine soit dans les nuages. Je vais juste double-cliquer dessus. Mon idée pour cette animation est de faire tourner les vélos à grains de café, ainsi que la pédale ici, et aussi déplacer le vélo le long d'un chemin, et de l'animer le long du chemin traverse le de l'autre côté du cadre, mais nous reviendrons sur cette partie plus tard. Pour l'instant, je veux juste commencer à animer les roues une par une , puis à animer la pédale ici. En fait, la façon dont je vais animer la roue ne consiste pas à faire tourner toute la roue blanche ici. Je vais juste faire pivoter cette capsule rose au milieu. Je l'ai nommée ici la ligne rose 1 et celle de gauche est la ligne rose 2. Génial. Tout d'abord, vous devez sélectionner cette couche et saisir votre stylo derrière l'outil de point d'ancrage ici. Cela indique simplement pour After Effects où vous souhaitez centrer votre élément pour la rotation ou quoi que ce soit d'autre. Si je devais le mettre ici, par exemple, alors la rotation tournerait autour ce point ici et de ce rayon au centre. Il suffit de le faire glisser ici et de vous assurer qu'il est centré sur la ligne rose. Retournez ensuite à votre outil de sélection. Ensuite, vous devez appuyer sur « R » pour la rotation et ajouter zéro pour le moment. Ensuite, vous devez parcourir un peu votre chronologie. Peut-être ici. Je ne vais le faire tourner qu'une fois par tour. Je vais juste en appuyer un ici à côté x. Je vais le mettre en boucle. OK, super, cette vitesse me convient. Maintenant, vous voyez comment la ligne rose, lorsqu'elle arrive au centre d'ici, sort un peu du cercle . Pour y remédier, nous allons y ajouter un masque, mais un type de masque différent de celui que nous allons y ajouter un masque, mais un type de masque vous avez vu auparavant, et il s'appelle Track Matte. Je vais vous montrer comment nous allons procéder maintenant. abord, je veux faire une copie de la couche située en dessous, donc la roue blanche. Je l'ai nommé ici en tant que roue droite, je veux juste le faire glisser sous ma ligne. Je vais juste copier-coller. Je vais juste en avoir une copie ici et je vais la mettre en dessous. Ensuite, vous devez passer au-dessus de la ligne rose et créer une nouvelle couche. Couche, nouvelle, couche de forme. Cette fois, nous allons vraiment dessiner notre masque. Je vais dessiner mon masque en suivant la forme de l'ovale, parce que quand il vient ici, je veux que le masque masque les lignes qui sortent d'ici. Avec mon crayon, je vais juste dessiner un masque autour de cet ovale, mais pour faciliter les choses quand je dessine, je vais juste réduire l'opacité à 15, juste pour voir ce que je suis dessiner exactement. Ensuite, vous devez revenir en arrière et commencer à ajuster le masque jusqu'à ce qu'il vous ressemble et qu'il vous convient. Ensuite, vous devez descendre ici dans la barre d'outils et cliquer simplement sur la deuxième icône de la première à droite. Il indique : développez ou réduisez le volet des commandes de transfert. Il vous suffit de cliquer dessus pour agrandir vos panneaux ici avec plus d'options. Vous avez maintenant l' option Track Matte ici sur votre droite. Vous allez passer à la ligne rose, donc ce que vous voulez réellement masquer sous la forme que vous avez dessinée. Vous voulez accéder à Track Matte ici et cliquer sur Alpha Matte. C'est aussi simple que ça et ça m'a juste masqué la ligne rose. Je vais juste faire la même chose pour la roue de gauche, puis nous passerons à l'animation suivante. OK, cool. Maintenant, ils tournent tous les deux exactement au même moment et ils sont tous deux masqués. La prochaine chose que nous allons faire est de faire pivoter et d'animer la pédale ici, au milieu. Si je zoome, vous verrez que l'outil d'ancrage panoramique est déjà placé au milieu. C'est très bien. Je veux juste prendre le bon volant. Je souhaite copier les images-clés de rotation que nous avons faites pour la roue. Je vais juste copier ça. Revenez à la composition de mon cadre, puis passez à la pédale ici. Ensuite, je vais cliquer sur R et le coller. Maintenant, si nous cliquons sur l'aperçu, vous constaterez qu'ils se déplacent tous les deux en même temps. C'est pourquoi j'ai voulu copier-coller exactement la même image-clé afin qu'elles puissent toutes se déplacer ensemble en même temps. OK, super. Maintenant, ce que je veux faire ensuite, c'est commencer à animer le vélo sur un sentier. La première chose que je veux faire est regrouper tous les éléments du vélo occasion et ceux qui ne sont pas utilisés, afin que nous puissions avoir une couche complète de vélos ici. Il suffit de cliquer avec le bouton droit sur Pre-Composer, et je vais appeler ça un vélo. Maintenant, si je le cache, je vais avoir le vélo entier sous la une seule couche et tout ce qui est animé à l'intérieur. Maintenant, ce que nous voulons faire, c'est tracer un chemin. Je vais juste cacher la couche vélo pour l'instant. Je vais cliquer sur Layer, New Shape Layer. Ensuite, je vais utiliser mon stylo ici et enlever les remplissages ou les traits qu'il contient. Juste avec ton crayon, tu veux tracer un chemin. Il peut s'agir de n'importe quelle voie que vous choisissez. Cela dépend du type de chemin dans lequel vous souhaitez que votre élément se déplace. Il peut être aussi ondulé que possible, de manière aussi sinueuse que possible. Je pense que je vais juste faire une vague ici, commençant par le bas en montant puis en redescendant. Je vais juste le dessiner sur mon Shape Layer. Maintenant, vous pouvez toujours revenir en arrière et l' ajuster, et je le ferai probablement , mais pour l'instant, je vais juste le garder comme ça. Je pourrais juste le réduire un peu. C'est juste ici. Maintenant que vous avez un chemin, je vais juste le nommer ici Piste cyclable. Maintenant, vous pouvez simplement faire défiler le menu de la piste cyclable et accéder à la forme , puis cliquer sur Path. Lorsque vous cliquez sur Path, vous constaterez que toutes les images-clés ici sont sélectionnées. Ce que vous voulez faire, c'est simplement la commande C, copier et fermer le menu ici. Ensuite, allez à vélo, faites défiler, transformez, puis rendez-vous ici pour positionner et coller le chemin à partir de la piste cyclable. Il suffit de mettre le vélo sur le chemin que vous avez tracé. Maintenant, la prochaine chose que nous voulons faire est orienter le vélo en fonction de la trajectoire. instant, c'est exactement le même type d'orientation, ça a juste l'air un peu bizarre ici. Ce que vous voulez faire, c'est cliquer avec le bouton droit sur « Vélo », puis aller sur Transform, puis cliquer sur « Auto Orient ». Ensuite, vous constaterez que vous avez cliqué sur Désactivé. Vous voulez réellement cliquer sur Orienter « Along Path » et le travail sera fait à votre place : faire pivoter le vélo fonction du chemin que vous avez tracé et cliquez sur « OK ». Maintenant, lorsque vous le parcourez, vous constaterez que le vélo se déplace réellement le long du chemin que vous avez créé. Évidemment, ce parcours est un peu trop élaboré pour le vélo mais je voulais juste vous en montrer l'idée principale. Ce que je vais faire, c'est revenir en arrière modifier un peu le chemin et le rendre beaucoup plus subtil, parce que je ne veux pas que le vélo bouge comme ça. Je voulais juste une vague très douce, presque. Je vais juste revenir en arrière et modifier le chemin un peu, puis copier-coller à nouveau les images-clés jusqu'à ce que je sois satisfait de l' apparence du chemin. J'ai donc juste ajusté le chemin comme je l'aime. Je veux juste que ce soit le plus simple possible, avec juste une très légère vague ici et copier-coller à nouveau les images-clés. J'ai ajouté une facilité facile au début et à la fin et voici à quoi cela ressemble. C'est ça. On peut le voir avec la musique. [MUSIQUE] C'est à peu près ça. Ce que je veux faire ensuite, c'est plier le gazon un peu comme s'il balançait de droite à gauche ou comme s'il y avait une certaine brise qui passe par l'imagination. Je vais juste y ajouter un peu de texture et ne pas l'avoir juste statique. Je fais couper mon gazon en petits morceaux ici. Herbe 1, herbe 2, herbe 3, herbe 4, et ainsi de suite. C'est exactement comme ça que je l'ai superposé sur Illustrator. Ce que nous allons faire, c'est simplement placer notre curseur sur la chronologie où commence l'animation. Ensuite, nous allons prendre l'herbe 1, qui est celle-ci juste ici. Dans les effets, nous allons écrire CC Bender cette fois-ci, pas le plier, et vous devez double-cliquer dessus. Ensuite, ouvrez-le, puis dans la section de la valeur du montant vous voulez jouer avec le montant. Je vais juste zoomer sur l'herbe pendant une seconde pour que nous puissions voir clairement. Je vais commencer à plier le gazon. Vous voyez comment il se plie mais je ne veux pas trop le plier , sinon il aura juste l'air déformé et un peu effrayant. Je vais juste faire un petit virage. Peut-être à environ moins 13 ici et juste une image-clé. Ensuite, je vais probablement aller un peu ici et faire l' inverse. Vers 11 heures peut-être, et ensuite je vais juste copier-coller la première image-clé. Mettons-le en boucle. Je pense que je vais le faire un peu plus lentement. Permettez-moi de les cacher ici pour que nous puissions y voir clair. Je veux juste faciliter la tâche. Ensuite, il vous suffit de copier ces images-clés ici. Je vais juste sélectionner toutes mes autres couches de gazon ici et je vais simplement double-cliquer sur CC Bender. Maintenant, ils vont tous avoir l'effet. Je vais juste les ouvrir un par un sur CC Bender, aller au montant et simplement le coller. Faisons ensuite un zoom arrière et voyons à quoi cela ressemble. Je joue juste avec eux pour que certains d'entre eux se balancent de l'autre côté, de l'autre côté, juste pour que les choses aient l' air un peu moins uniformes. J'aime le mouvement ici plus que le fait qu' ils se balancent complètement d'un côté. côté va juste en choisir différents au hasard ici et faire la même chose pour eux. J'aime bien qu' ils n'aillent pas tous dans la même direction. C'est juste plus naturel de cette façon. Je vais juste cliquer et réduire mes couches. Maintenant, nous pouvons simplement animer les boutiques comme nous l'avons toujours fait auparavant et déplacer légèrement les nuages de droite à gauche. Nous passerons ensuite à l'animation de la balle. C'est fait. On y va. Il ne reste plus qu'à revenir à la composition principale et ajouter l'animation de la balle de l' une des précédentes. Je copie simplement les images-clés collées de notre précédent rebond de balle qui accompagne cette mélodie [MUSIQUE]. En fait, si nous zoomons, je veux copier-coller la couche d'herbe de notre image et collez-le sur le mur ici pour que l'herbe puisse recouvrir certaines parties de la balle au lieu de la balle reposer dessus comme ça. Je vais juste passer à ma composition et je vais précomposer mon gazon ici et l'appeler herbe. Ensuite, je vais juste le copier et le coller ici. Maintenant que l'herbe recouvre le mur et qu'il est beaucoup plus beau lorsqu'il rebondit, [MUSIQUE] et c'est tout. Regardons tout ce qui s'est passé dans l'image précédente. [MUSIQUE] C'est ça. Nous sommes prêts à passer au cadre 15. Après avoir terminé la dernière fois avec le cadre en grains de café, nous sautons dans le cadre de texte d'une boule de rêves avec imagination. Comme la balle est sortie de l' écran par la droite, je vais entrer par la gauche. Je veux que mon texte vienne également de la gauche. Je vais juste changer mon calque de forme ici en un calque de texte. Je veux juste saisir la position de mon texte ici parce que c'est à ce moment-là qu'il est censé entrer. Peut-être un peu avant de le déplacer hors du cadre pour que je puisse venir avec le ballon par la gauche. Nous pouvons également y ajouter un petit coup de fouet, afin que cela ne vienne pas et ne s'arrête pas là brusquement. Je vais peut-être simplement ajouter une image-clé de position pour secouer un peu sur le côté et revenir à sa position. Juste quelque chose comme ça. Juste pour que ce ne soit pas si statique. Je veux juste le réviser avec la musique et voir si c'est trop rapide ou si c'est juste. [MUSIQUE] C'est un peu trop rapide pour moi, donc je vais juste ralentir là où commence la première image-clé. C'est beaucoup mieux. Regardons ça à nouveau. [MUSIQUE] C'est exactement sur ce ton là. Maintenant, pour en revenir à mon cadre, tel que je le regarde maintenant, je pense que nous pouvons peut-être nous passer des cerceaux ou passer des cerceaux ou des cuillères à glace parce que je pense aux deux, avec une balle qui rebondit. autour, sera bien trop encombrée pour le cadre, et le cadre ne durera que trois secondes. Je ne veux pas submerger les gens lorsqu'ils le regardent ou voudrais simplement que les choses soient aussi simples que possible. Je vais juste décider lequel je veux conserver dans ce cas quel élément. Je pense que, par souci de cohérence et pour réduire l'encombrement visuel, je pense que je vais juste cacher les cuillères à crème glacée et garder les cerceaux. Parce que nous avons déjà vu les hula hoops. Je ne veux pas introduire un nouvel élément vers la fin de la vidéo maintenant. Je vais juste rester aussi simple que cela. Au fur et à mesure que le texte se déplace de gauche à droite, je vais également faire tomber les hula hoops du haut de l'écran et y ajouter une expression de rebond, comme nous le faisions auparavant. Laissez-moi simplement le faire. C'est à peu près ça. Les textes arrivent par la gauche et les cerceaux arrivent par le haut lorsque j' y ai ajouté l'expression des limites l'expression des limites ici et que j'ai simplement joué avec la décadence ici pour identifier comment beaucoup de rebond que je veux garder. Plus le chiffre est élevé, moins de résidus de rebond et plus le nombre est bas, plus il y aura de résidus. Je l'ai juste gardé comme une valeur intermédiaire ici. Maintenant, je veux juste ajouter les images-clés précédentes, copier-coller sur les étoiles ici, et aussi déplacer les nuages jusqu'à la fin de cette image. [MUSIQUE] C'est fait. Les nuages et les étoiles sont désormais également animés. Maintenant, comme d'habitude, nous allons simplement ajouter une autre couche de balle copiée à partir de l'une d'entre elles ici sur notre cadre ici. J'ai juste copié-collé la balle depuis l'un des cadres ainsi que l'ombre ici. Lorsque la balle sort du cadre, j'ai simplement saisi mes textes et saisie vers la gauche en guise de préparation. Ensuite, il se dirige rapidement vers la droite avec le ballon ici. Ensuite, les cerceaux tombent tout simplement en dessous comme ça. Jetons un coup d'œil ici avec le cadre précédent et voyons comment tout les relie. [MUSIQUE] Parfait. Nous pouvons maintenant passer au cadre 16. 20. Animer sur AE : Outro: Après la dernière image, nous passons au cadre 16, qui est le toboggan à churros. Maintenant, c'est exactement ce que j'ai en tête, ce sera une animation très simple. Je vais juste faire rebondir la balle et puis, à la toute dernière seconde, elle rebondira ici et il suffit de glisser le long de la diapositive comme un demi-cercle ici , puis de quitter l' écran juste là. Peut-être qu'en sortant de l'écran, je peux jouer avec cette flaque d'eau ici comme si elle faisait sensation ou si elle fondait sur les churros. Si je double-clique dessus, j'ai ma partie rose fondante ici, séparée et isolée, ainsi que les flaques d'eau ici, afin de pouvoir jouer avec cela avec les couches de formes et les manipuler. Je pourrais également animer les oiseaux ici en copiant et en collant les images-clés que nous avons créées dès la première image. Souvenez-vous de l'outil de marionnette que nous avons fabriqué pour les oiseaux. Je peux simplement copier-coller ces cadres, je n'ai pas besoin de recommencer à zéro. Je vais commencer par le ballon. En fait, je ne suis pas d'accord avec l'animation réelle de la diapositive parce qu'il n'y a pas grand-chose à animer sauf à la toute fin quand la balle glisse, donc je dois faire rebondir la balle ici , exactement sur de la musique d'abord avant pouvoir l'animer avec la diapositive. Je vais juste copier-coller à nouveau n'importe quelle balle que j'avais auparavant, mais à la toute fin, je vais juste changer la position de l'image-clé donc au lieu d'avancer vers la droite, je vais la faire rebondir, descendez le toboggan et sortez. J'ai simplement copié-collé les images-clés de la balle rebondissante des précédentes, mais à ce stade, au lieu de la laisser liée à gauche, je l'ai simplement fait rebondir en haut de la diapositive et j'ai diminué sa taille ici est telle qu'elle s'adapte à la diapositive et ne soit pas trop grande pour elle, puis j'ai juste créé une diapositive juste avec mes images-clés ici. à mesure qu'il glisse, Au fur et à mesure qu'il glisse, il reprend sa taille d'origine, de sorte qu'il tombe dans l' image suivante à sa taille d'origine. Écoutons-le avec la musique. Lorsque la balle atteint le sommet du toboggan, c'est ici que je veux commencer à faire fondre ma garniture rose sur le dessus de la trêve. Je vais juste cliquer sur mon cadre ici et je vais cliquer sur la couche et je vais lui dire, Créer des formes à partir d'une couche vectorielle. Je vais élargir mon chemin ici, juste ici, peut-être que je vais le saisir, puis je vais revenir en arrière et c'est là que je veux commencer à manipuler la forme. Je voulais juste réduire la fonte ici, pas complètement, mais la réduire un peu pour que lorsque je fais défiler la chronologie, elle commence à fondre sur les churros. Je l'ai simplement réduit à une très fine couche de garniture au début puis si je passe en revue ma chronologie, elle devient plus une garniture fondante ici. Vérifions-le en faisant glisser la balle vers le bas. Je pense que ça doit être beaucoup plus rapide. Ça me convient. En fait, au fur et à mesure que la balle tombe, dans cette partie, je veux que ces flaques d'eau et ces éclaboussures apparaissent enfin comme si la balle avait réellement fait cette éclaboussure lorsqu'elle glissait vers le bas. Je vais juste passer à mes couches ici et les découper à ce stade pour qu'elles apparaissent. Essayons-y et voyons à quoi cela ressemble. Cool. Une autre chose que je veux faire est de demander à la balle de glisser le long de la diapositive, même chose qui s'est produite avec la diapositive de milk-shake auparavant, c'est qu' elle se trouve sur le dessus de la diapositive parce que la couche se trouve en dessous. La balle est là. Heureusement, j'ai déjà isolé la partie avant du toboggan , donc celle-ci est juste là. Je vais juste le copier, le mettre sur le dessus de mon bol ici et coller sur le dessus du bol pour qu'il recouvre cette partie du bol et qu'on dirait que c'est à l'intérieur. Ensuite, je vais aussi copier ma partie rose fondante et la coller dessus également, pour que ça se voit. La balle est maintenant à l'intérieur du toboggan. Je veux juste ajouter une ombre à la balle lorsqu' elle entre dans le cadre et rebondit sur le sol. Encore une fois, je vais simplement copier-coller l'une de ces ombres. J'ai ajouté l'ombre sous la balle ici, et j'ai ajusté les images-clés en fonction des rebonds et de la musique , alors écoutons-la. Super, alors maintenant je peux revenir à mon cadre et j'ai envie d' animer mes oiseaux. Je vais juste revenir à la composition principale et passer à la toute première image, je crois, l'intro Frame 1. Je vais juste copier la pré-composition de mes oiseaux , puis revenir à l'image 16 et coller les oiseaux ici , puis accéder à leurs images-clés et les faire glisser vers notre chronométrage maintenant. On y va. Une fois que vous serez satisfait de cela, vous pouvez simplement supprimer vos couches d'oiseaux ici et je les supprimerai. Revenons à la vidéo et regardons ça. OK, parfait. La dernière chose que j'ai envie de faire est de me déplacer dans les nuages ici pour sortir de l'écran alors que la balle rebondit enfin à la toute fin. Jetons un dernier coup d'œil au cadre maintenant. Parfait. Nous approchons maintenant de la fin et nous sommes prêts à animer Frame 17. Dans l'image précédente, j'ai simplement fait glisser la diapositive vers le bas parce que je veux que l'image suivante où les textes apparaissent soit tirée parce que je veux que l'image suivante vers le bas depuis le haut. Je voulais juste faire cette transition ici, comme nous l'avons vu auparavant. En tant qu'être abaissé, donc juste ici, c'est peut-être là que je vais extraire mon texte. Je vais juste aller ici au Frame 17. Je veux juste transformer le calque de forme de mon texte en un véritable calque de texte. Ensuite, je veux qu'il soit abaissé avec mes trames de position et je vais y ajouter une expression de rebond, sorte qu'il rebondisse lorsqu'il est déplacé depuis le haut. C'est très bien Maintenant, vérifions-le avec la musique. C'est parfait Ce cadre va rester jusqu'ici. La balle va juste rebondir devant elle, mais à un rythme beaucoup plus lent pour correspondre à la mélodie. À ce stade, je vais copier-coller les images-clés de l' animation de la balle pour l'une des couches où la balle tombe du haut, afin qu' elle corresponde à cette image et je vais juste coller dans une nouvelle couche. [MUSIQUE] Maintenant que j'ai ajouté l'ombre et que j'en ai ajusté la vitesse et la taille. Jetons juste un coup d'œil à cela. Je viens d'ajouter l'animation des magasins ici et j'ai créé l'un des magasins en haut à gauche de l'échelle supérieure à gauche de la page. Ici, tu dois écouter. On y va. Juste quelque chose qui accentue la mélodie de la musique et y ajoute une petite touche magique. Ensuite, pour sortir du cadre, je tire le texte de gauche à droite dans la direction de la balle comme nous le faisions auparavant et les nuages sortent du cadre de chaque côté où ils sont entrés. C'est ça Nous sommes prêts à le voir dans les deux dernières images et nous en aurons terminé avec notre vidéo de marque. Nous avons presque atteint la ligne d'arrivée. Nous allons entrer dans les deux dernières images de la balle en rebondissant puis en nous rapprochant du logo. Enfin, je veux juste écouter la musique ici parce que cela va dicter le nombre de rebonds La balle va rebondir un écran rouge vide avant de revenir en tant que point sur le logo. cette dernière titularisation, j'imagine que la balle tombera au milieu de l' écran, vers le bas. Ensuite, juste ici, il tomberait du haut de l'écran et revenait sous la forme d'un point. En attendant, il va simplement rebondir selon la mélodie de l' une des couches de balle précédentes. Permettez-moi de copier l' une des couches de balle pour que je puisse la coller ici. Je viens de copier-coller l'une des animations de balle des précédentes, mais je l'ai juste légèrement modifiée pour qu'elle corresponde à la douceur de la mélodie cette fois. Puis, à la toute fin, il lévite dans les airs et tombe tout à coup. Cela nous mènera au cadre final du logo. Regardons cela avec la musique et l'image finale. C'est ça Sur la dernière boîte, il tombe. Pour la dernière image, je vais juste copier ma dernière balle que j' ai faite ici et la coller. Ensuite, je veux prendre l'image-clé finale ici et supprimer le reste. Ensuite, je vais amener cette balle vers l'écran exactement au même endroit que celui ci-dessous, juste poussé vers le haut. ici, je veux pousser la balle vers le bas, donc au fur et à mesure que la balle descend, je veux la réduire à la forme du point ici. J'ai juste diminué son opacité, donc je sais exactement où se trouve le point afin de le réduire. Ensuite, je veux juste ajouter un très léger rebond à la balle lorsqu'elle s'approche du logo ici, puis un rebond glissant le logo en guise de touche finale. J'allais prendre chaque lettre et en faire une goutte comme avant, comme nous l'avons vu dans l'intro. Mais j'ai l'impression que ça va être un peu trop. La fin de la chanson est très calme et lente, donc je pense que le logo qui apparaît avec un point qui redescend est juste suffisant, je pense que pour ça, je ne veux pas en faire trop à ce stade, donc tout comme une belle fin de clôture nette me convient à ce stade. Je voulais juste ajouter un tout petit rebond en utilisant une expression de rebond et nous verrons à quoi cela ressemble. Jetons un coup d'œil à ce à quoi cela ressemble. C'est aussi simple que cela. J'aime bien la fin simple. Revoyons ça de plus près. C'est juste un tout petit rebond que j'ai ajouté en utilisant l'expression de la monture. C'est tout ce que cela signifie pour les derniers instruments à la fin. C'est ça C'est une vidéo de marque complète d'une minute et huit secondes. Nous avons enfin terminé et ce que je vais faire maintenant, c'est revoir nouveau tous les cadres depuis le début. Je vais juste les passer en revue et m'assurer que tout va bien. Tout est parfaitement intégré à la musique. S'il y a des parties ondulées problèmes de vitesse ou de mouvement, je vais les aplatir, les redresser et m' assurer que tout est fluide et qu'il se marie bien avec la musique. Je vais juste faire un bref examen à ce sujet. Ensuite, nous pouvons passer à la leçon suivante où nous allons exporter notre fichier et enfin regarder la vidéo de la marque. 21. Animer sur les AE : l'exportation: [MUSIQUE] Après avoir peaufiné certaines choses ici et là et tout peaufiné comme je le voulais, j'ai juste ajouté une petite chose que je voulais vous montrer, à savoir le Motion Blur. Si vous regardez en bas à côté de mes couches de balle, vous verrez que ces trois cercles se chevauchent et c'est le Motion Blur activé. Je voulais juste activer un Motion Blur sur le mouvement de la balle, car cela accentue simplement le mouvement et le rend plus réaliste, plus nerveux et rebondissant, et c'est aussi simple que de vérifier la boîte à côté du ballon ici. Vous pouvez le faire avec n'importe quelle couche votre fichier et cela activera un flou de mouvement, à condition que vous y ayez des images-clés de position et que l' objet se déplace réellement. Si vous pouvez le voir ici à l'écran, il y a un léger flou de mouvement la balle rebondit d'un endroit à l'autre. Cela ajoute juste un petit quelque chose, quelque chose à cela. Sans plus attendre, je pense que je suis prêt à commencer à exporter. Je vais juste aller ici pour Fichier et Exporter. Maintenant, je vais choisir Ajouter à Adobe Media Encoder car cela va aider à exporter mes vidéos vers MP4, ce que nous voulons. Je vais également vous montrer un autre moyen d'exporter si vous n'avez pas Adobe Media Encoder, qui convertira également votre fichier en MP4. Mais pour l'instant, je vais choisir ceci et cliquer dessus. OK, donc votre vidéo va apparaître ici dans cette fenêtre et la valeur par défaut est H.264, c'est ce que nous voulons, alors laissez-la telle quelle. Vous devez également laisser le débit tel quel. Vous pouvez voir la fin, il y aura l'extension MP4 ici et le statut est prêt. Si tout semble bon et que vous pouvez y aller, il vous suffit d'appuyer sur « Enter ». Et maintenant, il va juste commencer à exporter, et il vous indiquera ici combien de temps il reste. Donc, le mien va prendre environ deux minutes. OK, et c'est fait. Ma vidéo est maintenant enregistrée sur mon bureau avec une extension MP4 et c'est parti. Je veux juste te montrer un autre moyen de le faire. Donc, si vous revenez à votre fichier After Effects et que vous cliquez sur « Fichier », « Exporter », mais que cette fois, vous cliquez sur « Ajouter à la file d'attente de rendu ». Et puis cette fenêtre apparaîtra ici et vous voudrez appuyer sur « Lossless ». Ensuite, au lieu de cliquer sur Animation ici, vous pouvez cliquer sur « Apple ProRes 422 » ou « Apple ProRes 422 HQ ». Je trouve simplement qu'il exporte vers la plus haute qualité de cette façon. Cliquez sur « OK », puis sur « OK » à nouveau et enregistrez-le ici où vous voulez l'enregistrer, puis cliquez sur « Rendu » ici, et le rendu et l' enregistrement se feront à l'endroit où vous avez choisi de l'enregistrer. Mais After Effects enregistre uniquement le fichier to.mov. Il n'exporte pas directement un MP4. Vous devrez le faire via Adobe Media Encoder. Mais si vous n'avez pas Adobe Media Encoder, vous pouvez télécharger un programme gratuit appelé HandBrake. Maintenant, HandBrake convertit essentiellement n'importe quel fichier vidéo en MP4. Il vous suffit d'ouvrir la fenêtre ici et de faire glisser votre fichier ici, enregistrer où vous voulez l'enregistrer dans cette fenêtre, puis de cliquer sur « Démarrer », et c'est fait. Vous avez donc les deux options au cas où vous voudriez le savoir. Et c'est tout. Nous avons enfin terminé. Alors restez dans les parages pour la prochaine leçon pour regarder la révélation finale de la vidéo de marque. 22. Vidéo de marque: [MUSIQUE] Enfin, après un long processus et des expériences et une plongée dans tous ces détails, la révélation finale est arrivée. Il suffit de prendre une tasse de café, vous asseoir et de regarder la vidéo finale de la marque. [MUSIQUE] 23. Projet du cours: [MUSIQUE] J'aimerais prendre un moment pour vous remercier et vous féliciter d' être arrivés à ce stade du cours et de vraiment engagés tout au long du cours. Il est très important que vous compreniez la quantité nécessaire à ce métier et compreniez tous les arguments qui le sous-tendent et la technique qui le sous-tend. Maintenant c'est ton tour. Mais pas de panique, il n'y a absolument aucune pression créer une vidéo de marque parfaitement soignée dès le départ. Personnellement, il m'a fallu beaucoup de pratique pour en arriver là et je ne peux que vous encourager à faire de même. Pour votre projet de classe, vous devez avoir déjà créé un logo et une identité de marque. Il peut s'agir d'un projet passionné de votre part ou d'une véritable marque que vous avez créée pour un client. À partir de là, vous avez deux options. Vous pouvez simplement publier l'histoire de la marque et le storyboard de la vidéo de marque que vous avez en tête. Mettez-les au format JPEG pour qu'ils soient faciles à visualiser. lui seul, c'est un excellent document à présenter à un client pour montrer la grande idée de la vidéo avant réaliser, pour obtenir une approbation ou des documents que vous pouvez envoyer à un animateur que vous pourrez ensuite collaborez avec pour exécuter la vidéo réelle. La deuxième option, si vous vous sentez courageux, aventureux et enthousiaste, alors n'hésitez pas à publier une vidéo de marque de 30 secondes à une minute pour la marque que vous avez créée. Lorsque vous êtes prêt, publiez-le sur Vimeo ou YouTube, puis collez le lien ici dans la section du projet de classe. N'oubliez pas que la vidéo de votre marque peut être animée comme celle que j'ai faite avec les illustrations et les effets secondaires, mais elle peut aussi être aussi simple que jouer avec la photographie, les types et les séquences, comme les exemples que je vous ai montrés au début du cours. Ce que je veux vraiment que vous retiriez de ce cours, c'est compréhension globale et pas vraiment un processus étape par étape qui soit juste rigide et gravé dans le marbre. Je veux que vous preniez les idées que vous jugez pertinentes pour votre marque et que vous les appliquiez à votre manière. Si vous avez d'autres étapes du processus que vous souhaitez partager avec moi pour obtenir des commentaires ou quelque chose à me demander, n' hésitez pas à le faire. Pour moi, le processus est tout aussi important que le résultat. Je suis vraiment impatiente de voir le type d' histoires et de vidéos que vous allez créer. 24. Récap: [MUSIQUE] Pour terminer ce cours, j'ai rassemblé les principaux points à retenir en 10 conseils, afin que vous puissiez avoir une longueur d'avance avant de commencer votre projet de classe. Conseil numéro 1, connaissez votre public. qui s'adresse cette vidéo de marque ? Quel ton et quelle voix allez-vous adopter ? En connaissant votre public, vous saurez quel type d'impact vous souhaitez avoir sur lui. Conseil numéro 2, définissez votre objectif. À quoi servira la vidéo de marque ? S'agit-il du lancement d'une nouvelle marque ? S'agit-il d'une vidéo expliquant comment utiliser un service ou une application ? Présentez-vous de nouveaux produits ou une nouvelle image de marque ? En définissant votre objectif, vous avez déjà une idée de la structure de votre vidéo. Conseil numéro 3, planifiez votre contenu. En suivant les deux premiers conseils, vous saurez de quel type de contenu cette marque a besoin. S'agira-t-il uniquement d'une vidéo animée ? Y aura-t-il des images, stop motion, des voix off, des acteurs, de l'animation ? En planifiant le type de contenu dont vous aurez besoin, vous serez en mesure de rassembler tous ces documents et envisager de collaborer avec d'autres. Conseil numéro 4, écrivez votre histoire. Personne ne connaît mieux la marque que vous. En quoi consiste cette marque ? Quel type d'émotion essayez-vous de transmettre ? Un sentiment d'appartenance, d' excitation, de confiance, de bonheur ? Commencez par écrire les mots clés de l'émotion que vous souhaitez transmettre, puis rédigez une histoire qui trouve un écho dans votre marque. Conseil numéro 5, disséquez la marque. Regardez la marque comme s'il s'agissait d' un puzzle composé de nombreuses pièces assemblées et déterminez quelles pièces clés peuvent être utilisées pour la vidéo. Il peut s'agir du logo ou de parties du logo, de messages clés, illustrations, de photographies, éléments graphiques de l'identité de marque. Conseil numéro 6, structurez votre chronologie. En utilisant la méthode à 360 degrés et les éléments disséqués de votre marque, vous pouvez maintenant commencer à les placer sur une chronologie générale. Par quoi voulez-vous que votre vidéo commence ? Quels éléments se situeront au milieu ? Comment souhaitez-vous terminer votre vidéo ? Utilisez cette chronologie comme aide visuelle pour vous aider à structurer votre vidéo. Conseil numéro 7, créez un storyboard. Avec une structure claire devant vous, vous pouvez commencer à dessiner un storyboard de ce qui se passera sur chaque image. Cela vous servira de guide plus tard lorsque vous animerez ou si vous partagerez cela avec un animateur. Cela vous aidera également à voir le flux complet de la vidéo avant de commencer. Si vous devez apporter des modifications, réviser quoi que ce soit, c'est l'étape pour le faire. Conseil numéro 8, calque sur Illustrator. Une fois le storyboard terminé, commencez à placer vos fichiers sur Illustrator selon la séquence du storyboard. Assurez-vous que tous les éléments que vous souhaitez animer sont séparés sur des couches individuelles. Cela vous facilitera la vie plus tard dans After Effects. C'est également une excellente étape pour envoyer vos fichiers à un animateur et il pourra les récupérer à partir de là. Conseil numéro 9, investissez dans la musique. L'aspect visuel de la vidéo de marque représente la moitié de l'impact. L'aspect sonore est tout aussi important. Passez votre temps à rechercher la musique et les sons appropriés qui reflètent le ton de votre marque. Assurez-vous que la musique correspond au rythme de la vidéo et qu'elle est liée à l'intention. Conseil numéro 10, animez avec pertinence. Votre choix d' animations peut être aussi simple ou complexe que vous le souhaitez. Revenez toujours au brief et à l'histoire de la marque pour déterminer le type d'animation convient le mieux à votre marque. Les styles d'animation doivent parler le même langage que votre marque. Un conseil en prime, qui est plutôt une idée à garder en tête. C'est que vous êtes à la fois le conteur et le public. est vous qui concevez l'information et l'histoire de manière convaincante et intrigante. Mais vous êtes aussi le public dans le sens où vous devez le décomposer, le simplifier, l'humaniser et faire semblant de le voir pour la toute première fois. Demandez-vous ce que je veux ressentir. 25. Merci: [MUSIQUE] Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours et d'avoir été patient avec moi. J'espère que vous avez développé un nouvel amour et appréciation pour la narration et les vidéos de marque. Si vous n'avez retiré qu' une ou deux choses, mais en toute compréhension, je serais très, très heureuse. N'oubliez pas que dans tout métier, c'est la pratique qui rend parfait. Je vous encourage donc à revoir les outils de ce cours, revoir quelques conseils et à continuer de les appliquer avec la pratique pour vraiment perfectionner votre métier. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'adorerais que vous laissiez un commentaire afin que les autres étudiants puissent savoir à quoi s'attendre de ce cours. N'hésitez pas à poster vos vidéos sur Instagram et à me taguer. J'adorerais le voir et communiquer avec vous. Si vous vous sentez plus aventureux, participez à mes autres cours Skillshare et suivez mon cours de mot-mark si vous voulez apprendre à créer votre propre mot-symbole, PS ; il contient également une vidéo de marque. Si vous aimez les emballages et le chocolat comme moi, alors allez à mon cours de design d'emballages et cela ne vous décevra pas. Merci encore et à bientôt.