Au-delà des premiers pas : astuces et conseils pour améliorer vos aquarelles

1. Introduction: Je pense que beaucoup d'entre nous croient que la peinture est un talent avec lequel vous êtes né ou non, ou c'est une compétence que si vous ne développez pas comme un enfant, vous ne le ferez jamais. Pourtant, nous aspirons à être créatifs. Nous regardons l'art des autres et souhaitons que nous puissions le faire aussi. Si ce souhait, cette envie devient assez forte, peut-être qu'on achète des peintures, ramasse un pinceau, et on l'essaye nous-mêmes. Nous peignons et ce qui apparaît sur la page, pas le beau art que nous aimerions pouvoir faire, mais les premiers coups de pinceau provisoires d'un débutant. C' était moi il y a dix ans. Mais au lieu de m'arrêter après ces premiers coups de pinceau, j'ai continué. Je suis Anne Butera. Je suis autodidacte, donc j'ai appris en faisant des erreurs, fouettant et en frappant des murs, mais je n'ai jamais abandonné. Cela a pris des années d'essais et d'erreurs, d'expériences et de jeu, mais finalement j'ai dépassé le niveau de débutant et aujourd'hui je travaille en tant qu'artiste professionnel. Si j'avais abandonné mes rêves, ça ne serait jamais arrivé. Je ne veux pas que tu abandonnes non plus. Ce cours est conçu pour vous aider à dépasser la frustration de l'apprentissage de l'aquarelle. Je partage des conseils et des techniques que j'ai apprises en cours de route, dont beaucoup si je l'avais su dès le début, auraient facilité mon fouettement. Certains sont faciles et rapides, d'autres prendront plus de pratique. La seule façon d'apprendre à peindre est de peindre. Je crois vraiment que si je peux le faire, toi aussi. Si vous êtes prêt à passer vos aquarelles au niveau supérieur, je vous verrai en classe. 2. À propos de ce cours: J' ai grandi en pensant que je n'étais pas douée pour faire de l'art. Bien que je l'ai apprécié, je n'ai pas du tout poursuivi l'art. J' avais l'idée que l'art était un talent que vous aviez ou ne possédiez pas, alors qu'en fait, apprendre à peindre, apprendre à dessiner, sont des compétences que n'importe qui peut développer s'il y travaille. S' ils ont la patience, puis la conduite et l'ambition de continuer, et le courage de ne pas abandonner. Dans ce cours, je partagerai quelques conseils, techniques et suggestions de choses que j'aurais souhaité savoir quand j'avançais sur mon parcours artistique. J' espère vraiment qu'ils vous seront utiles. Tout au long de ce cours, je vais partager certaines de mes premières peintures avec vous et vous pouvez voir qu'elles ne sont pas très bonnes. L' important est que je n'ai pas été découragé et que je n'ai pas abandonné. Très peu de gens s'assoient pour peindre et peindre un chef-d'œuvre. Ou même peindre quelque chose qui est considéré comme bon quand ils s'assoient pour peindre pour la première fois. Alors, s'il vous plaît, ne vous découragez pas. Je veux que tu continues. Si rien d'autre, j'espère que cette classe vous encouragera à ne pas abandonner. Je ne pense pas que beaucoup d'artistes professionnels partagent leurs premières œuvres et leurs peintures ratées, et je comprends parfaitement pourquoi. Mon art et mon voyage n'est pas un secret, tout est là sur mon blog original. Je pense qu'il est important de partager avec mes étudiants d'où je viens, parce que l'essentiel est toujours, je veux vous encourager et vous inspirer à continuer, à croire en vos beaux rêves et à ne pas obtenir découragé que vous apprenez à peindre. Ça prend du temps. Donne-toi ce temps. Il n'y a rien à avoir honte ou gêné si vous êtes un débutant. J' espère que tous ces conseils, astuces et suggestions vous seront utiles. N' hésitez pas à passer d'une leçon à l'autre pour aborder tout ce qui vous est particulièrement difficile. Tout au long de la classe, n'importe quand contactez-moi ici sur Skillshare ou envoyez-moi un courriel, anne@mygiantstrawberry.com avec des questions ou pour partager quelques frustrations. Je serai sûr de revenir vers vous. Je veux que tu ne te précipites pas dans ce cours non plus. Prenez le temps de digérer chaque leçon et réfléchissez à la façon dont vous pouvez construire une compétence après l'autre. Ce n'est pas quelque chose qui va se produire du jour au lendemain, alors donnez-vous le temps d'apprendre et de vous développer. Pourquoi ne pas commencer ? Dans la prochaine leçon, je vais parler de fournitures parce que je pense que la mise à niveau vos fournitures est l'un des moyens les plus rapides et les plus faciles pour améliorer votre art. 3. Acheter des fournitures de meilleure qualité: J' encourage toujours mes élèves à utiliser ce que vous avez quand vous apprenez à faire de l'art. n'y a pas besoin d'accumuler beaucoup de fournitures, et de matériaux pour s'amuser, et trouver de la joie dans le processus de création. Mais quand vous allez au-delà d'être un débutant, cela a un impact énorme, mettre à niveau vos fournitures. Utiliser de la peinture, du papier et des pinceaux de qualité professionnelle aidera vraiment à améliorer vos arts. Je vais vous montrer des exemples de ce que je veux dire. Je vais commencer par parler de peinture, et vous montrer quelques exemples. J' ai deux ensembles à comparer. L' un d'eux, cet ensemble de moules à aquarelle est de [inaudible], et c'est un ensemble de qualité scolastique très peu coûteux. Sur le paquet pour l'ensemble, il n'y a pas beaucoup d'informations. Vous ne voyez aucun des noms de pigment. Il ne vous donne aucune information sur solidité de la lumière ou beaucoup sur la transparence des couleurs. C' est un autre ensemble de l'Arche Saint-Pétersbourg, qui est une société russe. Il y a beaucoup plus d'informations ici sur la transparence, la solidité de la lumière. Vous voyez tous ces noms qui comprennent les noms pigmentaires comme le cadmium, citron, et la matière rouge lac, tous sont nommés. En regardant les peintures elles-mêmes, vous pouvez voir une différence distincte. Les peintures de l'Arche de Saint-Pétersbourg sont très humides. Ces peintures [inaudibles] sont très sèches. Juste sur la chauve-souris, regardant les ensembles, vous pouvez obtenir beaucoup d'informations sur les différences entre eux. Lorsque nous regardons ces peintures sur papier, vous pouvez voir ces différences encore plus clairement. Les peintures moins chères sont très pâles. Les peintures de haute qualité sont beaucoup plus riches, plus intenses, beaucoup plus pigmentées. En regardant ces derniers sur papier, vous pouvez déjà dire où vous trouverez quelques frustrations travaillant avec l'ensemble moins cher par rapport à l'ensemble plus haute qualité. On va parler de papier maintenant. Les deux exemples ont été peints sur ce papier aquarelle Canson XL. C' est du papier assez peu coûteux, mais c'est 140 livres, ce qui est un joli poids du papier aquarelle. Il est également exempt d'acide, mais il ne vous indique pas de quoi il est fabriqué. Je veux vous montrer quelques échantillons que j'ai créés à partir des deux peintures sur du papier de qualité supérieure. Cet article est d'Arches, également prononcé Arch par certaines personnes. Il fait 140 livres, et c'est de la presse froide comme l'autre. C' est fait à 100% de coton. Si nous comparons ces deux papiers, vous pouvez voir dans les peintures moins chères, la peinture n'a pas bien absorbé dans le papier. Tu as des lignes, irrégularités, des taches. En regardant les peintures moins chères, il est très évident, ils ont l'air plus agréable sur le papier plus cher. Si vous regardez les peintures de qualité supérieure sur les deux papiers, vous pouvez voir cette même différence marquée. La peinture n'est pas bien absorbée dans le papier moins cher. Ce n'est pas aussi régulier, ce n'est pas aussi uniforme. Vous pouvez voir tout de suite où, même en utilisant des peintures de qualité supérieure vous donnera quelques frustrations, si vous utilisez du papier moins cher. Regardons cela en action. Je vais commencer par la peinture de qualité scolaire. Je frotte ma brosse humide contre la poêle, et j'essaie de ramasser autant de peinture que possible. Juste en regardant le pinceau, vous pouvez voir qu'il n'y a pas beaucoup de peinture là-dedans. En descendant sur le papier, c'est beau, mais ce n'est pas très intense. Essayons ça avec la peinture de l'Arche Saint-Pétersbourg. Regarde à quel point c'est différent. C' est si profond et riche. Je peux obtenir des tons plus clairs en ajoutant plus d'eau. C' est une des beautés de l'aquarelle. Vous pouvez obtenir des couleurs très pâles en ajoutant simplement de l'eau. Mais moins de peinture de haute qualité, je ne peux pas obtenir l'intensité de la couleur. Essayer sur le papier de qualité supérieure pourrait être un peu plus profond d'une couleur avec cette peinture scolastique, mais il ne s'approche pas aussi sombre que possible avec la peinture de qualité professionnelle. Cela vous donne une idée de la façon dont les différentes peintures et papiers réagissent ensemble lorsque vous travaillez avec eux sur la page. Je veux juste faire une note sur la qualité des matériaux. n'est pas parce que quelque chose est de haute qualité, juste parce que quelque chose est cher ou fabriqué en Italie comme ces deux blocs de papier, cela ne signifie pas que cela va bien fonctionner pour vous, ou que la qualité sera la même que quelque chose autrement, c'est aussi cher. Ces deux blocs, on dirait qu'ils devraient fonctionner très bien, mais les deux ont été très décevants pour moi. Ce tour, la peinture ne veut pas descendre du tout bien sur la page. C' est comme si le papier résistait à la peinture, à l'eau, et vous obtenez des résultats très erratiques. Cet autre bloc, il semble d'abord descendre bien la peinture, mais alors les bords commencent à plume, et saigner, et c'est quelque chose que vous ne voulez vraiment pas avoir arriver. Tu veux savoir où va tomber ta peinture, et que ça va rester là où tu la mets. C' est une des choses qui est importante pour l'aquarelle. Si vous faites des ridules comme celles-ci, et qu'ils commencent à saigner, et deviennent flous. Si ce n'est pas le regard que tu cherches, ça va être très frustrant pour toi. Il peut être utile de faire des recherches, de lire des commentaires et d'essayer des choses avant d'acheter beaucoup d'un seul approvisionnement. Parlons de pinceaux. pinceaux sont le troisième approvisionnement qui vous aidera à améliorer votre jeu, si vous avez amélioré vos pinceaux. Je vais commencer avec ce pinceau vraiment bon marché. Ceci est venu avec cet ensemble scolaire. Si vous utilisez un pinceau de cette qualité médiocre, la mise à niveau sera une révélation. Laisse-moi te le dire. Je vais voir comment je peux faire avec celui-là. Essayer de faire une variété de marques. Ce pinceau ne veut pas vraiment interagir avec le papier très bien. Il n'est pas très bien étalé la peinture sur toute la page. Les poils, les poils ne se tiennent pas très bien ensemble. Je peux obtenir une variété de marques, mais cela prend beaucoup de travail, et ce n'est pas très facile à utiliser. J' ai aussi l'impression que ces poils vont probablement tomber très rapidement. C' est l'une des autres frustrations avec un pinceau bon marché. Ce n'est tout simplement pas très amusant à utiliser. En revanche, je vais faire un pas en avant. C' est une brosse artisanale de, je pense que c'était Michaels Craft Store avec les peintures acryliques. Vous pouvez voir tout de suite combien cela fonctionne bien avec le papier, mais les poils ne veulent pas rester dans un point très bien, sauf si vous avez beaucoup d'eau sur votre brosse. Ils se séparent un peu, sorte que cela peut causer de la frustration avec les brosses moins chères. Celui-ci est un pinceau Princeton. Je ne suis pas sûr de quelle ligne, peut-être juste leur ligne de base. On verra comment ça va. Celui-ci est très agréable de travailler avec. Je reçois une variété de largeurs de mes marques. Quelques marques plus larges, quelques notes plus fines, celui-ci est agréable à travailler avec. Le pinceau est réactif, il fonctionne bien sur le papier. Enfin, c'est le Princeton Velvetouch long tour. C' est ma série préférée de pinceaux en ce moment. Ils créent le merveilleux point fin avec la forme longue du pinceau. Je peux obtenir une variété de marques, donc je pense que j'ai besoin d'un peu plus d'eau ici. Essayons encore ça. Le pinceau se sent bien sur votre main. Cette poignée en velours au toucher est très douce. Mais en tant que peintre d'aquarelle botanique qui peint des peintures réalistes et très détaillées, j'aime peindre beaucoup de ridules quand je travaille. Un pinceau comme celui-ci me permet de peindre des détails vraiment minuscules et aussi quelques marques plus larges, il contient beaucoup de peinture aussi. Une fois qu'il est chargé de peinture, je peux peindre de très longues lignes fines. Je vais continuer à peindre beaucoup de ridules ou à peindre des marques plus larges aussi. Cela vous donne une idée de ce que les différents pinceaux font à votre peinture à l'aquarelle. Une autre chose que ces pinceaux de pointeur fins vous permettront de faire est de peindre directement contre un autre objet. Si vous peignez des objets qui se chevauchent ou deux parties d'une fleur qui se croisent l'une contre l'autre, le pinceau très fin vous permettra de le faire, de sorte que vous n'aurez pas beaucoup de chevauchement avec vos coups de pinceau et cela vous donnera des lignes distinctes très propres. Je veux vous montrer quelques exemples de peintures. Voici un de mes premiers tableaux. Vous pouvez voir qu'il se passe beaucoup de choses ici. J' étais vraiment un débutant quand je peignais ça. Il y a des problèmes avec la façon dont la peinture est sur le papier. En regardant cela, il est clair que j'utilisais de la peinture de qualité inférieure, du papier de qualité inférieure, et aussi des pinceaux. Certaines de ces lignes sont belles. Ces petits bourgeons sont assez distincts, mais certaines lignes ne sont pas très égales. Vous pouvez voir que la vacille un peu. Une partie de cela est due à la compétence, mais aussi juste à la qualité de la brosse. Sachant que vous allez obtenir une ligne fine ou même une ligne avec un pinceau de haute qualité comme je l'ai montré plus tôt, cela ne se passe pas ici. En outre, la façon dont la peinture réagit avec le papier, il semble presque que certaines de ces zones soient endommagées par plusieurs couches de peinture. La façon dont la peinture saigne et se mélange sur la page n'est pas très uniforme et pas très contrôlée. Une partie de ça, je suis sûr que c'est à cause du journal. Vous pouvez voir ici, semble presque que le papier est endommagé par trop de peinture, trop d'attention de la brosse. Cette peinture, bien que les compétences n'aient pas encore été tout à fait là, avoir des matériaux de meilleure qualité aurait amélioré la peinture. Voici un tableau plus récent. C' est une autre peinture dans un pot, bien qu'un type différent. Vous pouvez voir que la peinture se mélange de manière plus intéressante et contrôlée parce que c'est un meilleur papier et une meilleure peinture. Les détails ici sont très fins et distincts. Les zones qui se chevauchent sont avec des bords soignés, contrairement à cette peinture antérieure. Le mélange des couleurs est beaucoup plus agréable, la façon dont le papier et la peinture ont réagi. Voici un autre exemple. Vous pouvez voir les feuilles qui se chevauchent sur ces deux tableaux plus récents, c'est beaucoup plus propre. Le pinceau a pu se rapprocher. Aussi le mélange ici dans ce pot est juste très uniforme et agréable. Était beaucoup plus d'effets intéressants en cours, grâce à la qualité du papier et de la peinture et aussi des pinceaux. Voici un autre tableau précoce. Vous pouvez voir certains de ces mêmes problèmes qui se passent. Le mélange d'une peinture n'est pas très uniforme. Le mélange dans ce pot, les bords des feuilles est un peu meilleur que l'autre, mais il y a encore quelques problèmes avec la façon dont le papier réagit à la peinture. Je peux voir que ce n'est pas très uniformément absorbé dans la page et les couleurs, quand il y a quelques couleurs ensemble, ils ne se mélangent pas très bien. Certains de ces détails sont peints plus soigneusement que dans l'autre peinture. Il se peut que le pinceau que j'ai utilisé meilleur que le pinceau que j'ai utilisé pour l'autre peinture, mais la qualité des pinceaux n'est toujours pas là. Encore une chose, ces veines, je suis presque sûr que j'ai utilisé une épingle ou une aiguille pour gratter le papier pour créer ces veines. Vous pouvez voir des dommages au papier de cet effet, surtout ici. Si vous touchez le papier, vous pouvez sentir qu'il est rugueux du papier, se désintègre légèrement. Un papier de meilleure qualité prendra ces effets beaucoup plus bien. Voici un tableau plus récent. Vous pouvez voir à nouveau, les zones qui se chevauchent sont beaucoup plus propres et plus propres. Le mélange et les effets intéressants dans le pot sont plus contrôlés. papier de qualité supérieure permet que cela se produise sans le mélange inégal que vous obtenez dans les papiers moins chers. Vous pouvez voir les lumières et les sombres dans ces feuilles, les détails dans les fleurs. Beaucoup plus propre et plus propre aussi dans cette peinture. Bien sûr, une partie de cela est due à l'habileté, oui, parce que j'avais beaucoup pratiqué et peint entre ce premier tableau et ces peintures ultérieures. Mais aussi le papier de qualité supérieure et la peinture et les pinceaux vous permettent de faire des choses que les matériaux de qualité inférieure ne font pas. J' espère que vous avez maintenant une idée de l'impact qu'il peut avoir sur votre art de mettre à niveau vos matériaux. Une chose dont je n'ai pas parlé, c'est qu'il y a un vaste éventail de marques et de types de peintures, de papiers et de pinceaux. Vous n'avez pas besoin d'utiliser les mêmes marques que je préfère utiliser, mais j'ai inclus mes favoris dans le document de cette classe. Je suis également en train de créer des liens vers ma foire aux questions sur YouTube où je parle en profondeur des différents produits que j'aime utiliser. Maintenant, quand vous regardez vos peintures et que vous vous sentez frustré,vous verrez peut-être que cesont vous verrez peut-être que ce les matériaux eux-mêmes qui vous frustrent. 4. Mélanger vos propres couleurs: Probablement la chose la plus importante que vous pouvez apprendre qui aidera à améliorer votre peinture à l'aquarelle est de savoir comment mélanger vos couleurs. Maintenant, je sais que cela semble probablement simpliste, autant plus que le mélange de couleurs peut sembler un sujet débutant. Mais je pense que le fait de pouvoir mélanger des couleurs naturelles mettra votre travail à part et le fera sortir de la scène débutante. Je suis l'aquarelle botanique et je trouve mon inspiration dans la nature. Si vous allez regarder la nature, il y a tout un éventail de couleurs, tellement de couleurs que vous ne pouvez même pas les nommer toutes ou les décrire. Une couleur de tous ceux avec lesquels je travaille beaucoup, est le vert. Toute plante que je rencontre a un peu de vert dedans. Les verts que vous verrez dans vos palettes de peinture aquarelle, ou dans vos tubes de peinture aquarelle, ne ressembleront pas aux couleurs que vous voyez dans la nature. Si vous utilisez vos couleurs directement hors des casseroles ou directement hors des tubes, elles auront toujours l'air un peu anormal. Je vais vous montrer quelques exemples pour que vous puissiez voir de quoi je parle. Voici un de mes premiers tableaux. Comme avec les autres peintures que j'ai montrées dans la dernière leçon, il y a beaucoup de choses qui se passent ici dont je pourrais parler. Mais je veux vraiment me concentrer sur la couleur. C' est une chose qui se distingue, surtout ce vert. Si vous regardez attentivement le vert dans cette peinture, ce n'est pas une couleur très naturelle. Si vous regardez le violet dans les pétales de cette fleur, ce n'est pas un violet très naturel. C' est une couleur boueuse. Ce n'est pas une couleur que vous attendez à voir dans une fleur dans la nature. Tout de suite, si j'avais utilisé de meilleurs mélanges de couleurs, cette peinture aurait été plus réussie. Je n'ai pas d'autre clématite ou fleur de clématite de la même couleur, mais je vais vous montrer quelques autres tableaux. Celui-ci, vous pouvez le voir, bien sûr, la compétence s'est améliorée, mais une chose qui se distingue entre ces deux peintures est les couleurs les plus naturelles ici dans les feuilles et aussi dans les pétales, même si elles ne sont pas de la même couleur. Ils ont l'air beaucoup plus naturels. Les couleurs sont plus soigneusement mélangées. Voici un autre exemple avec deux variétés différentes de la fleur. Vous pouvez voir les couleurs sont beaucoup plus naturelles que dans cette peinture précoce. Ça les distingue vraiment. Être capable de mélanger vos couleurs plus naturelles, aidera vraiment à améliorer votre peinture. Voici un autre exemple. C' est une autre plante en pot. En regardant ça, la première chose qui me dépasse, c' est à quel point ces verts ont l'air non naturels. Je ne pense pas avoir jamais vu une plante avec des feuilles de cette couleur. Si vous regardez cette feuille brune, la feuille qui est en train de mourir et qui est sur le point de tomber. J' aime cette couleur le plus hors de toutes les couleurs. Le pot est correct, mais en ce qui concerne la plante et les feuilles, même les tiges, cette couleur qui est dans cette feuille morte, ça fonctionne vraiment le mieux. Le reste d'entre eux semble vraiment non naturel, la fois les côtés plus sombres des feuilles et les côtés plus légers. Maintenant, je n'en ai pas une autre, une peinture de la même plante, mais voici une bégonia en pot. Vous pouvez voir les couleurs de ces feuilles. Même si elles sont différentes feuilles, une plante différente, la couleur est tellement plus naturelle. Aussi avec cet orgue, ce vert chaud et mousseux, beaucoup plus naturel. Voici un vert plus profond, plus foncé, même plus bleu, mais il semble beaucoup plus naturel. La couleur n'est pas quelque chose qui vient d'être sorti de la peinture. Celui-ci aussi avec un couple de couleurs différentes de vert. Mélanger un peu de rouge dans vos verts vous donnera un look plus naturel. Ces exemples vous montrent la différence que les couleurs soigneusement mélangées peuvent faire pour vos peintures. Un dernier exemple. C' est une plante de capucine que j'ai peinte. C' est peut-être ma première tentative de peindre des capucines. capucines sont l'une de mes choses préférées à peindre. J' ai même un cours qui montre comment peindre les fleurs. En regardant ce tableau, une chose qui me dépasse vraiment, c'est la couleur. Encore une fois, la couleur n'est tout simplement pas naturelle. Si vous regardez cette tige ici, le mélange des couleurs, elle n'a tout simplement pas l'air naturel. J' aime vraiment le marron mélangé dans la tige de cette partie. Mais la couleur bleuâtre verdâtre ici, ne ressemble pas à une couleur naturelle. En outre, ces feuilles, cette couleur est très bleue, et un vert bleuâtre non naturel, pas quelque chose que vous pourriez voir dans la nature. À titre de comparaison, c'est le tableau de capucine le plus récent que j'ai peint. Bien sûr, le niveau de détail et de compétence est beaucoup amélioré par rapport à ma première peinture. Mais si vous regardez les couleurs, même les couleurs dans les fleurs, l'image plus récente est beaucoup plus naturelle. Encore une fois, prendre le temps de mélanger vos propres couleurs fera une grande différence pour vos peintures. Maîtriser l'art de mélanger les couleurs vous aidera à ouvrir un tout nouveau monde pour vous. Au lieu d'être limité au nombre de couleurs dans votre boîte de peinture, vous aurez une quantité illimitée de couleurs. J' ai démontré dans les dernières leçons, regardant les couleurs d'un grand ensemble de peintures. J' ai beaucoup de peintures dans ma collection. La vérité est cependant, vous n'avez pas besoin de beaucoup de couleurs pour réussir avec votre peinture, et d'avoir beaucoup de couleurs pour travailler avec. Je suggère, tout ce dont vous avez besoin, c'est : deux jaunes, deux bleus , deux rouges, peut-être un noir et un blanc. Je recommande aussi un peu de rose. Pourquoi deux jaunes, deux bleus et deux rouges ? Pourquoi deux de chacune des couleurs primaires ? Je dirais que vous avez besoin de deux parce que parfois la couleur que vous utilisez sera une version chaude d'une couleur. Il y a des rouges chauds et des rouges plus froids, il y a des bleus chauds et il y a des bleus plus froids. Il en va de même pour les jaunes. Lorsque vous utilisez ces différentes températures de couleurs, vous serez en mesure d'obtenir un mélange qui est une température de couleur différente. Mélanger ensemble un vert, vous pouvez obtenir des verts chauds ou des verts frais, ou quelque chose quelque part au milieu. Avoir deux de chacune de ces primaires ouvre vos possibilités encore plus. noir et le blanc sont parfois froncés dans les cercles d'aquarelle. Mais j'aime avoir un noir parce qu'il est difficile de mélanger une couleur noire foncée vraiment profonde. Vous pouvez certainement le faire, mais ça prend beaucoup de peinture, ça prend beaucoup de temps, et peut-être que je suis juste un peu trop paresseux pour mélanger le mien. Le noir est également idéal à ajouter à d'autres couleurs pour les assombrir, pour les bouffer, je ne l'utilise pas beaucoup. Le blanc est également pratique à avoir, pas pour l'utiliser pour créer blanc sur votre peinture parce que cela ne va pas fonctionner avec l'aquarelle, aquarelle est transparente. Mais si vous utilisez du blanc dans vos mélanges, ça les rend plutôt laiteux, ça les rend plutôt opaques. C' est vraiment utile si vous faites, disons, feuilles de sauge ou des oreilles d'agneau, c'est une plante, une couleur vert grisâtre. Mélanger un peu de blanc dans votre couleur aidera à donner cette couleur floue, opaque, la plus fourrure. Quant au rose, le rose est vraiment difficile à mélanger. Si vous prenez du rouge et que vous le mélangez avec du blanc, ou si vous prenez du rouge et que vous le diluez avec beaucoup d'eau, vous n'obtiendrez pas un rose vif clair. Une fois que j'ai ajouté de la peinture rose à ma collection, cela a vraiment fait une différence en termes de peinture de fleurs roses. Un exercice que je recommanderais pour tout le monde est, voir combien de couleurs vous pouvez mélanger avec seulement quelques peintures. En passant méticuleusement, en ajoutant un peu d'une autre couleur. commençant par le bleu, en ajoutant un peu de jaune, en ajoutant un peu plus de jaune, en ajoutant un peu plus de jaune, et en augmentant continuellement le pourcentage de jaune dans votre mélange pour vous donner la gamme la plus complète de couleurs est un exercice qui ouvre les yeux. C' est aussi très méditatif et apaisant, et en ces temps de folie, c'est une pratique merveilleuse juste pour la joie de cela. Voici le mélange des couleurs en action. Lorsque vous prenez trois couleurs et voir combien de couleurs vous pouvez créer, de sorte que le jaune, le bleu, et le rouge. Tant de couleurs peuvent être créées à partir de ces trois. La façon dont je travaille, je commence avec une couleur et ici j' ajoute un peu plus de bleu à chacun d'eux. Plus de bleu ici, plus de bleu ici, puis continuer le long. En commençant par seulement ces deux, mais après avoir mélangé les deux, en ajoutant la troisième couleur dans. Avec les trois couleurs, le rouge, le jaune et le bleu, vous avez toutes sortes de gris et de bruns, et il y a tellement de belles couleurs. Voici une autre feuille vous montrant une vaste gamme de gris, de bruns, de verts, rouilles et de violets. En voici un autre que je n'ai pas fini, mais juste de travailler à travers, voir combien de couleurs vous pouvez mélanger parce que je pense que c'est vraiment illimité. Juste en commençant par ces trois couleurs et même juste avec deux couleurs, tous les violets, puis en ajoutant la troisième couleur, vous obtenez des rouilles, et des bruns, et des verts mousseux, et des gris, si belles couleurs. Vous n'avez pas besoin de beaucoup de couleurs dans votre boîte à peinture, dans votre collection de peinture, quelques-unes seulement vous donneront des couleurs presque illimitées. Voici un autre extrait de mon carnet de croquis. D' une part, ce n'est que quelques nuances de couleurs, mais aussi un peu de mélange. Juste en commençant avec quelques couleurs, puis en ajoutant la troisième couleur dans, et vous obtenez tellement de résultats intéressants. Aussi pour les verts, si vous commencez avec un vert qui est dans votre palais, puis vous mélangez dans quelques couleurs. Voyez ce qui se passe lorsque vous ajoutez du jaune à votre vert, vous obtenez ces couleurs, et vous pouvez d'abord utiliser un jaune frais et obtenir des verts frais. Ensuite, vous pouvez utiliser un jaune plus chaud et obtenir des verts plus chauds. Ensuite, quand vous ajoutez du rouge à cela, vous obtenez des verts profonds merveilleux, des rouilles et des bruns. Juste expérimenter et voir toute la gamme de couleurs que vous pouvez obtenir avec juste une palette très limitée, c'est juste vraiment incroyable pour moi et c'est presque magique. Vous n'avez pas besoin d'acheter de la peinture brune, vous n'avez pas besoin d'acheter de la peinture grise, les deux sont facilement mélangés. Une chose que je tiens à souligner est qu'il est important suivre votre propre œil lorsque vous créez vos mélanges de peinture. Peu importe les couleurs que j'utilise, peu importe quelles couleurs sont dans ma collection de peintures, ce qui importe quelles couleurs sont dans votre collection et quelles couleurs vous avez et utilisez pour votre propre art. Si vous prenez un autre cours pour moi et que je vous montre comment peindre une plante ou une fleur, ne vous inquiétez pas de recréer le mélange de couleurs exact que j'utilise. Regardez votre collection de peintures et regardez vos expériences de mélange de couleurs et voyez quelle couleur pourrait fonctionner. Ou simplement être curieux et se demander, quelle combinaison de couleurs aimerais-je utiliser pour faire le vert que je vois dans cette plante ou fleur ? Je pense que vous aurez le plus de succès quand vous travaillerez de votre propre curiosité, de votre propre créativité, et que vous n'essayez pas de recréer quelque chose que quelqu'un d'autre a fait. Je ne dis pas que vous ne devriez pas suivre les cours des autres, je ne dis pas que vous ne devriez pas suivre les exemples des autres ou utiliser leurs techniques. Mais je pense qu'être capable d'avoir une pratique durable et de peindre tout ce que vous rencontrez et que vous voulez peindre, il faut avoir la capacité de regarder quelque chose. Regardez vos peintures, regardez votre mémoire et votre expérience avec mélange de couleurs et créez vos mélanges de couleurs de cette façon. Je sais que c'est une compétence que vous devez construire. Quand je travaille avec mes étudiants débutants, ils luttent souvent avec cela, étant en mesure de créer la couleur qu'ils veulent mélanger, sans avoir confiance dans leur propre capacité de mélange. Je dirai être patient, travailler avec, pratiquer, faire beaucoup de mélange de couleurs, faire beaucoup d'expériences avec la couleur. Lorsque vous peignez une plante ou une fleur, jouez dans votre carnet de croquis, prenez beaucoup de notes. Écrivez des notes sur les couleurs que vous créez. Cette couleur est-elle un peu trop bleue ? Est-ce que cette couleur est un peu hors de la recherche pour une raison que vous n'êtes même pas sûr ? Cette couleur est devenue trop boueuse ? Être capable de regarder votre travail avec cet œil critique, sans dire, « Oh, c'est terrible », ou quelque chose comme ça. Mais être capable de critiquer ce que vous faites, ce soit le mélange de couleurs, ce dont nous parlons maintenant, ou l'une des autres compétences dont nous parlerons plus tard, cela vous aidera vraiment dans votre développement. Je vous exhorte à être patient, profiter du processus, et à vous amuser à jouer avec la couleur. Voici un autre exemple de pages de livre de croquis qui sont utiles. Si vous enregistrez les couleurs que vous mélangez, pas seulement vos expériences, mais aussi lorsque vous essayez d'obtenir une couleur spécifique, prenez des notes, quelles couleurs avez-vous utilisées ? Voici quelques violets que je créais pour certaines fleurs d'alto, et quelques verts que je créais pour ces feuilles et tiges d'alto, et j'ai écrit des notes méticuleuses sur les couleurs que j'ai utilisées. De cette façon, si je veux recréer ces mêmes couleurs dans un autre tableau, je saurai ce que j'ai utilisé. Cette page montre les couleurs que j'ai mélangées pour ma couleur de pot d'argile préférée. L' une des choses qui est génial dans ce mélange est que le cobalt turquoise crée un effet si intéressant. La couleur, ce pigment granulera à partir de votre mélange, et donc vous obtenez un peu d'ombrage modélisé dans votre mélange, les couleurs sortant de ce mélange. Il crée un effet vraiment intéressant. Garder une trace des couleurs et de leur fonctionnement est également très utile. Cette lumière turquoise cobalt est amusante à jouer avec pour obtenir des effets intéressants. Ils ne sont pas très contrôlables, ce qui le rend amusant et intéressant aussi. J' espère que parler de couleur vous a ouvert les yeux sur toute une gamme de possibilités, et j'espère que vous passerez du temps à jouer avec vos peintures, expérimenter, à être curieux, à être ouvert aux possibilités. Se demander ce qui se passerait si je mélangais ça et ça ? Que se passerait-il si j'utilisais un peu plus de cette couleur ? Être capable d'expérimenter comme ça, être ouvert aux idées et aux possibilités, être curieux de la couleur vous aidera vraiment à avancer dans votre parcours créatif. 5. Prendre le temps d'observer: En plus de pouvoir mélanger les couleurs que vous voyez, une des compétences les plus importantes que vous pouvez affiner est de s'observer. Donc, en tant qu'artiste botanique, je passe beaucoup de temps à observer dans mon jardin et à prendre ce que je grandisse dans mon atelier et à l'observer là-bas. Les deux outils les plus utiles pour mon observation sont mes yeux et mon crayon. Regarde les fleurs. Quelles formes voyez-vous dans les fleurs ? Comment les pétales s'attachent-ils les uns aux autres ? Quels modèles voyez-vous ? Quelles couleurs différentes voyez-vous ? Quelles sont les formes des feuilles et comment s'attachent-elles à la tige ? Comment la fleur s'attache-t-elle à la tige ? Ensuite, dans votre carnet de croquis, ce que vous faites est juste d'observer avec votre crayon ou avec votre stylo. Donc, prendre ce que vous voyez et le mettre sur papier. Toutes ces curiosités, toutes ces questions que vous posez, reçoivent une réponse au crayon ou au stylo. Ensuite, quand vous vous asseyez pour créer votre tableau, vous savez à quoi cela va ressembler, et cela vous aidera à réussir. Mais cela commence toujours par l'œil regardant, posant des questions, comparant une fleur à une autre. En quoi ces pétales de fleurs sont-ils différents d'une autre fleur ? Les pétales sont-ils de la même couleur des deux côtés ? La fleur est-elle symétrique ? Et les feuilles ? Les feuilles sont-elles symétriques ? Sont-ils opposés les uns aux autres ou sur les tiges ? A quoi ressemblent les bourgeons ? Ensuite, prenez ces questions et répondez-y sur papier. Répondez à ces questions et faites-les avec ce que vous voyez, sorte que lorsque vous vous asseyez pour peindre, vous ne serez pas déconcerté. Tu ne te demanderas quoi ressemble un bourgeon quand tu le peins, parce que tu le sauras déjà. Alors ne sautez pas la partie observation, regardez attentivement. Regardez les feuilles, regardez les bourgeons de fleurs, regardez les centres des fleurs, toutes ces choses. Vous pouvez ensuite travailler et capturer sur papier, observer, poser des questions, écrire des questions dans votre carnet de croquis, écrire vos observations, obtenir très détaillé, et ensuite cela vous aidera lorsque vous faites votre finale parce que vous saurez à quoi ressemble votre sujet. Si vous ne peignez pas de façon réaliste, vous n'avez pas besoin de tous les détails de votre peinture. Mais si vous peignez de façon réaliste et que vous peignez des botaniques détaillées, les types de peintures que je peins le plus souvent, vous devez observer ces détails. Regardez comment la feuille s'attache à la tige, comment la fleur s'attache à la tige, comment cette tige s'attache à la fleur, combien de pétales y a-t-il dans une fleur. Ils ont tous la même apparence ? À quoi ressemblent les bourgeons de fleurs quand ils sont minuscules ? Comment progressent-ils de plus petite à plus grande ? Comptez combien de veines sont dans une feuille. Les mêmes couleurs sont-elles partout dans la tige ou la tige est-elle plusieurs couleurs ? Quelles parties du bourgeon voyez-vous ? Quelles parties de la fleur et de la feuille voyez-vous ? Toutes les feuilles sont-elles identiques ? Est-ce qu'ils font face à la même direction ? Il est vraiment utile de vous poser toutes ces questions et de prendre vraiment le temps d'observer. J' adore observer les fleurs et les plantes dans mon jardin où elles poussent et j'emmène souvent mon carnet de croquis à l'extérieur, et je me bloque entre mes plantes pour faire des croquis. Mais quand vient le temps de créer une peinture à partir de ce que j'observe, je trouve qu'il est plus utile d'apporter la fleur, la plante ou la tige ou quoi que ce soit à mon atelier où je peux prendre le temps de l'observer pleinement sans aucune distraction. n'y a pas d'autres plantes qui bloquent mon point de vue. Je peux prendre la fleur et la regarder sous tous les angles. Je peux voir chaque partie sans avoir à plisser parce que je suis loin ou sans avoir à imaginer à quoi ça ressemble. Ce genre de problèmes que je rencontre aussi si je travaille à partir de photographies, parce que souvent dans une photographie tout ne sera mis au point ou pas tout sera dans le cadre. Donc, vous pouvez vous demander, quoi ressemble vraiment la feuille, ou comment cette tige se connecte-t-elle à l'autre tige, ou comment cette fleur se connecte-t-elle au reste de la plante. Être capable de voir cela de près et personnel fait toute la différence dans le monde. Alors regardez d'abord avec vos yeux, puis observez avec votre stylo ou votre crayon, en capturant les détails, ce que vous voyez. Il est également utile si ce n'est pas l'été d'utiliser des photos que vous avez prises. Ensuite, lorsque vous vous asseyez pour créer vos peintures, vous serez en mesure d'avoir plus de succès parce que vous savez à quoi ressemble cette plante. Vous avez passé le temps d'observer, vous avez pris le temps de vraiment voir, puis la peinture devient tellement plus facile. Je veux vous montrer quelques exemples de carnets de croquis. Voici une page que j'ai travaillé à partir de photographies. J' ai enregistré les photos dans mon carnet de croquis, puis j'ai observé sur la page opposée. Je me suis écrit toutes sortes de notes, j'ai posé des questions, j'ai écrit des notes sur les couleurs et j'ai inclus quelques nuances de couleur ici. J' ai observé des choses comme comment les feuilles dans la tige étaient presque floues, comment elles étaient pâles, et j'ai esquissé des choses, mais j'ai aussi écrit beaucoup et beaucoup de notes. Ceci est si utile pour vous de le faire, écrire des notes pour vous-même afin que vous vous souvenez. Voici quelques croquis de coquelicots que j'ai fait, et j'ai continué à faire plus de croquis, en observant les différentes parties séparément, en les observant ensemble. Voici une autre page avec quelques photos que j'ai imprimées et ensuite j'ai esquissé. Encore une fois, utilisez de bonnes photos que vous avez prises où vous pouvez voir clairement votre sujet et il est plus facile à esquisser alors. Voici quelques fleurs que j'ai esquissé et regardé les feuilles séparément, regardé la vue latérale de la fleur, regardé la vue arrière de la fleur, derrière, j'ai écrit ici. Celui-ci a esquissé quelques zinnias par un jour froid, pluvieux et sombre et les a esquissés dans des directions différentes. C' est juste un crayon et du papier. C' est très utile, surtout si vous n'avez pas confiance en vos capacités de dessin. Plus tu le fais, mieux tu deviendras. Voici une page où je travaillais. J' ai mon croquis ici, mais j'ai aussi travaillé sur les couleurs, trouver juste les bons rouges, juste les bons verts pour ma peinture, et tester quelques techniques différentes pour voir ce qui fonctionnerait le meilleur. Puis capturer tous mes échantillons de couleur ici, ce qui est l'une des choses les plus amusantes pour moi. Une autre page avec une combinaison de stylo et d'aquarelle, regardant les différentes parties de la fleur, en prenant des notes à nouveau, tiges rayées que j'ai écrit, et c'est juste une partie du processus amusant en plus d'être utile. Voici une page, c'est un peu différent parce que j'ai enregistré une tige de la plante, puis j'ai fait mes croquis sur différents morceaux de papier, papier aquarelle, et les ai collés dans mon carnet de croquis qui ne fonctionneraient pas aussi bien avec l'aquarelle. J' ai donc fait mes croquis à l'aquarelle sur un bout de papier, les ai testés, puis les ai enregistrés dans mon livre. Il s'agissait d'un événement artistique en ligne récent auquel j'étais présentateur et je suis en train de jeter un oeil sur les différentes parties de la plante, de les peindre avec de l'aquarelle, de peindre des échantillons, les esquisser avec un stylo, puis collage ou collage des feuilles et des pétales. C' est donc une excellente référence pour vous. Je veux vous montrer quelques exemples de ce qui se passe si vous n'observez pas bien. Voici une première peinture de la mienne, d'une rose et encore, il y a beaucoup d'autres choses qui se passent. Une chose que je vois est que la façon dont les tiges sont attachées les unes aux autres, comment la tige s'attache à la fleur, ce n'est pas très clair dans la peinture. Ma supposition en regardant cela, c'est que je n'ai pas pris assez de temps pour observer la plante afin que je puisse la peindre comme elle a vraiment l'air. Cette petite peinture aurait également pu bénéficier d'un peu plus d'observation. En regardant maintenant, il semble que je n'ai pas une idée claire de ce à quoi ressemble vraiment la plante, surtout ces feuilles. Si j'avais passé un peu plus de temps à les observer, comment ils s'attachent à la plante, quelle est leur forme, quoi ressemblent réellement ces tiges, j'aurais été plus efficace pour capturer la plante sur papier. Une chose que je n'ai pas mentionnée est qu'avoir un croquis sur votre papier avant de peindre, vous aidera vraiment à être plus efficace. Dans ce cas, si j'avais dessiné la fleur avant de la peindre, je n'aurais pas le problème que j'ai ici où la tige n'est pas au bon endroit. La tige doit être au centre de la fleur, pas en dehors du centre ici. Donc, bien que j'aime l'apparence de tous ces pétales, ils sont vraiment beaux, la peinture est ruinée parce que la tige est au mauvais endroit. Donc, un peu plus de travail d'observation avant de commencer à peindre, croquis avant de commencer à peindre, croquis sur votre papier aquarelle avant de commencer à peindre, est vraiment rentable à long terme. Je vous ai déjà montré cette peinture, mais je voulais y revenir parce que je pense, surtout avec cette fleur, si j'avais passé plus de temps à observer la fleur avant de la peindre, ça aurait l'air moins gênant. Donc, après que j'ai peint des distorsions beaucoup de fois au fil des ans et que je sais à quoi elles ressemblent, et cette fleur ne me semble pas juste et je pense qu'une partie de cela est que je n'ai pas pris le temps d'observer complètement à quoi ressemblent les pétales comme, comment les pétales s'intègrent ensemble, toutes les différentes parties de la fleur. Si j'avais passé plus de temps à observer, cela m'aurait aidé à réussir. Voici un autre exemple, et cette peinture, grande partie de celui-ci est très soigneusement rendu, mais ces racines, elles ne semblent pas correspondre avec le reste de la peinture. Je sais que la raison est que les feuilles, les tiges, les fleurs, les bourgeons de fleurs, la fleur dépassée, toutes ces choses que j'ai pu observer directement. Mais quand il est venu le temps de peindre les racines, je n'ai pas creusé ces tubercules dans les pots de fleurs et d'observer les racines de mes propres yeux. Donc, ces racines, ils sont assez fantaisistes. Ils ne semblent pas correspondre avec le reste de la peinture. Alors voici un avertissement pour vous. Si vous n'avez pas pu observer quelque chose, ne le peignez pas. J' espère que maintenant vous êtes prêt à prendre ce que vous avez appris sur l'observation et à l'appliquer à votre prochaine peinture. 6. La composition: Avant de vous montrer d'autres techniques que vous pouvez pratiquer, je veux parler de quelque chose qui vous aidera à réussir plus que vous choisissez ce qu'il faut peindre et créer vos peintures. C' est la composition. Si vous choisissez une composition pour votre peinture, qui convient à votre niveau de compétence, vous aurez plus de succès. Si vous choisissez une composition qui va être un peu trop difficile pour vous, c'est là que vous pouvez rencontrer des problèmes. Mais si vous choisissez des compositions toujours trop simples pour vous, vous n'apprendrez jamais certaines des techniques les plus avancées. Il y a toujours une ligne fine et c'est toujours un acte d'équilibre. Mais plus que tout, je veux que tu sois conscient de la composition. Alors que vous créez vos peintures et les planifiez, je veux que vous réfléchissiez à la façon dont vous pouvez organiser les éléments votre peinture pour que votre pièce finie soit la plus réussie possible. Il y aura beaucoup d'expérimentation dans le processus et c'est une bonne chose. Je veux juste partager quelques exemples pour que vous compreniez de quoi je parle. La composition la plus simple est simplement un objet unique sur une page. Cet objet peut être soit un objet simple, soit un objet plus complexe. Ces fleurs et cette tomate ont des zones qui se chevauchent qui les rendent un peu plus complexes. Vous pouvez certainement simplifier l'endroit où vous mettez les tiges, mais elles n'ont pas de feuilles, elles n'ont pas de fleurs multiples, elles n'ont pas d'autres tiges ou bourgeons. Les fleurs sont principalement orientées vers l'avant, ce qui les rend plus faciles à peindre. Il s'agit de la version la plus simplifiée de ces sujets. Ajouter des feuilles, avoir quelques tiges et plusieurs fleurs rendra votre composition plus complexe et un peu plus difficile à peindre. Une façon de faire une composition plus intéressante est de peindre des multiples du même objet. Ces trois feuilles sont un exemple d'une composition amusante. Ensuite, ce qui est beaucoup plus complexe, tous ces glands dans un cercle. Chacun des glands eux-mêmes est très simple et pourtant les assembler fait une composition intéressante et plus complexe. Vous pouvez construire la complexité de vos peintures en ajoutant de plus en plus d'objets et en ayant de plus en plus de chevauchement. De cette façon, vous pouvez développer vos compétences et votre confiance. Plus complexe qu'un seul objet, une plante dans un pot peut encore être quelque chose que vous pouvez simplifier. Ici, chacune des feuilles est peinte séparément. Ces tiges n'ont pas beaucoup de chevauchement. Les feuilles ne se chevauchent pas. Il y a un peu de chevauchement des tiges avec une partie du pot. C' était une peinture antérieure de la mienne, et j'ai pu y avoir plus de succès que d'autres parce que j'ai pu simplifier le sujet. Voici un autre exemple précoce d'une plante dans un pot où j'ai simplifié les choses. Il y a un peu de chevauchement dans les tiges, mais les feuilles sont toutes séparées et ne se chevauchent rien du tout. La peinture est plus réussie à cause de cela. Je pense que c'est la première orchidée que j'ai jamais peinte. Même si ce n'est pas parfait, ça m'a vraiment aidé à renforcer ma confiance. Il y a un certain chevauchement des feuilles et de la tige. Le papier que je n'aime pas vraiment la couleur n'est pas resté dans un endroit et il a saigné un peu. Si j'avais un document différent, ça aurait été plus réussi. Mais j'ai gardé ça simple. Il y a une tige, une fleur pointant vers l'avant. Il y a des bourgeons, mais rien ne se chevauche à part les feuilles et les racines. n'y a pas de chevauchement, ce qui le rend plus simple. Si vous comparez ce tableau plus récent, il y a beaucoup de chevauchement. Il y a un chevauchement des fleurs. Il y a aussi de la complexité dans le fait que les fleurs sont orientées vers des directions différentes. Il y a des bourgeons qui sont ouverts et je suis partiellement ouvert. C' est beaucoup plus complexe. Mais j'ai pu construire vers cette complexité en commençant d'une manière plus simple. En regardant ce tableau, je peux le comparer à une progression de complexité. Vous pouvez voir dans le premier, il n'y a pas beaucoup de chevauchement. Dans la seconde, il y a un chevauchement, puis le troisième ici, il y a beaucoup de chevauchement. Vous pouvez voir qu'avec cette peinture, c'est une composition plus simple avec pas beaucoup de chevauchement. Puis ici, et ce tableau, il y a beaucoup de complexité dans la façon dont les feuilles se chevauchent, comment elles chevauchent les tiges, comment elles se chevauchent dans le pot. Ainsi, une façon de construire votre complexité est d' augmenter la quantité d'objets dans votre peinture qui se chevauchent. De même, vous pouvez construire votre complexité en choisissant des fleurs qui ont des formes plus complexes comme cette rose qui a beaucoup de pétales, beaucoup plus que la rose campion ou cette peinture d'iris qui a plusieurs fleurs et plusieurs bourgeons, beaucoup de feuilles qui se chevauchent. Une autre façon d'augmenter la complexité de vos compositions consiste à inclure plusieurs sujets. Cette peinture a trois types différents de plantes. Il y a un papillon, ils sont tous nichés ensemble et se chevauchent. Cela a juste un type de plante, mais deux couleurs différentes, deux variétés différentes. Il y a tellement de façons différentes que vous pouvez jouer avec la complexité de votre composition. La meilleure façon de jouer avec votre composition est d'esquisser quelques mises en page différentes dans votre carnet de croquis avec un crayon avant de commencer à peindre. De cette façon, vous pouvez avoir une idée claire de ce que vous voulez, de votre composition. En faisant cela, vous pouvez travailler jusqu'à des compositions plus complexes avant de mettre de la peinture sur le papier. Voici un autre exemple d'une idée que je travaillais pour une peinture de tournesols, et j'ai écrit toutes les notes pour moi-même pendant que j'affine mon design. voici une autre avec plusieurs plantes et je suis de trouver où exactement je veux qu'elles soient sur la page, donc j'ai une idée claire quand il est temps de peindre. C' est un autre avec des tomates. Il est toujours utile d'élaborer vos compositions dans votre carnet de croquis et de les développer et de les planifier de cette façon. Dans les prochaines leçons, je partagerai des techniques que je pense importantes pour vous pratiquer et de maîtriser afin d'aller au-delà d'être un débutant. 7. Contrôler la quantité d'eau: Je veux passer du temps à parler du contrôle de l'eau parce que je sais que c'est quelque chose avec lequel vous avez beaucoup de mal. Alors que j'étais en train de monter et de filmer ce cours, j'ai contacté mes élèves pour voir s'il y avait quelque chose en particulier qui leur était très frustrant alors qu'ils apprenaient à peindre. Encore et encore, j'ai entendu dire que le plus grand défi était d'apprendre à contrôler l'eau lors de la peinture à l'aquarelle. Je comprends totalement, et j'aimerais pouvoir vous donner une réponse rapide facile sur la façon de maîtriser le contrôle de l'eau à l'aquarelle. Mais malheureusement, la mauvaise nouvelle est le seul moyen que vous allez maîtriser cette compétence est de pratiquer, de pratiquer et de pratiquer. Je vais vous donner quelques conseils qui vous aideront à le rendre plus facile. En fait, j'ai déjà parlé de la mise à niveau de vos matériaux, du papier et des brosses fera une grande différence en termes de capacité à contrôler le médium. Si vous utilisez un papier de meilleure qualité, vous rencontrerez moins de frustrations quant à l'absorption inégale de la douleur. En outre, vous aurez moins de fleurs inattendues de couleur où les choses dessinent de façon inégale et la peinture remonte d'une manière que vous ne voulez pas. Regardons les échantillons que nous avons faits dans l'autre leçon. C' est la peinture de qualité inférieure, et sur la gauche est le papier de qualité inférieure. Vous pouvez voir qu'il est séché inégalement. Sur le papier de qualité supérieure, il y a plus de couleur uniforme, et vous pouvez voir que le papier de qualité inférieure, il y a quelques lignes, il y a des irrégularités dans la couleur. n'y a pas vraiment de fleurs, mais ce n'est pas une belle, plate, même couleur. Ceci est encore plus évident avec la peinture de qualité supérieure car il est plus saturé de couleur. Si vous regardez ces deux choses, vous pouvez voir la différence que le papier de qualité supérieure fait, il a séché beaucoup plus uniformément. n'y a pas de lignes dans la couleur. Tu ne vois pas de fleurs bizarres. Les couleurs sont très uniformes et bien saturées, mais ici, sur le papier moins cher, vous avez quelques fleurs, il y a une certaine linéarité, et il n'a vraiment pas l'air aussi bon. C' est juste un bon rappel de la différence que feront les matériaux de meilleure qualité. Les pinceaux aussi feront une grande différence, car si vous utilisez un pinceau de haute qualité qui tient bien la peinture et l'eau, il ne va pas s'égoutter quand vous ne le voulez pas, et vous n'aurez pas à ajouter continuellement plus d'eau dans notre peinture pour continuer à peindre une plus grande surface. Cela dit, vous allez toujours avoir besoin de pratiquer et de vous mettre à l'aise en utilisant le médium. Je vais vous montrer quelques exemples de peintures anciennes et quelques problèmes. Cette peinture, le bol, vous pouvez voir que la peinture ne sèche pas très uniformément. Bien que certains des effets que j'aime, ce bord où vous pouvez avoir des lignes distinctes et une couleur plus foncée à droite sur le bord ; c'est parce qu'il y avait trop d'eau, et la peinture a été poussé sur le bord comme il a séché et il a laissé cette ligne plus sombre . Je pourrais y retourner et réparer ça, surtout si j'utilisais un meilleur pinceau, je pourrais aller lisser ça. Vous pouvez voir les couleurs qui se chevauchent la même chose dans la tomate ici. Un meilleur papier aurait aidé avec ces deux, et aussi une meilleure brosse, mais le contrôle de l'eau est la grande chose avec cela, parce qu'il y a juste trop d'eau et qu'il n'a pas absorbé uniformément. Un problème d'absorption est évident dans ce radis aussi. J' essayais de mélanger les couleurs, donc il y a la partie inférieure blanche et la partie rouge foncé. Cette partie blanche a séché plus rapidement que le rouge, et la peinture rouge essayait de s'y fondre, mais elle a frappé cette zone sèche et elle ne pouvait pas aller plus loin, et c'est pour ça que vous avez la ligne. meilleur papier aurait aidé avec cela aussi, mais aussi juste une plus grande uniformité de la saturation de l'eau. Un autre truc rapide que je peux partager avec vous est assurer que vous avez quelques restes de tests de votre papier à portée de main. De cette façon, vous pouvez tester votre brosse et votre charge d'eau sur la brosse sur la ferraille de papier pour voir si vous en avez trop peu ou trop. Tester sur un morceau de papier avant de travailler sur votre peinture finale est toujours une bonne idée parce que de cette façon vous ne risquez pas de ruiner cette peinture, et vous savez si votre pinceau a trop peu ou trop d'eau. Je vais faire un peu de pratique ici en utilisant ce papier Canson Heritage Aquarelle parce que c'est un beau papier de texture moyenne. Je vais travailler à partir de peinture sèche sur ma palette que j'ai mélangée à l'avance. C' est ainsi que je préfère travailler, ayant cette peinture sèche sur ma palette. De cette façon, j'ai plus de contrôle sur la saturation et la peinture n'est pas trop humide. C' est un petit truc à utiliser ; mélangez votre peinture, laissez-la sécher, puis revenez, et utilisez-la après séchage. Je vais m'entraîner avec trop d'eau, trop peu d'eau, puis essayer de contrôler mon eau. Je veux que tu joues avec ça aussi, surtout parce que je veux que tu saches ce que ça fait d'avoir trop d'eau sur ton pinceau. Essayez d'exagérer cela et puis observez à quoi ressemble votre papier ? À quoi ressemble ton pinceau ? Qu' est-ce que ça fait ? J' essaie de mélanger ces deux couleurs sur le papier. Vous trouverez peut-être qu'il est vraiment difficile de vous forcer à avoir trop d'eau, donc il n'a même pas l'air si mauvais. Mais alors expérimentez, comment est-ce que c'est d'essayer de peindre des ridules avec trop d'eau ? À quoi ressemble le papier ? Comment se sent votre pinceau ? Alors comment sèche-t-il à la fin ? Essayez simplement de remplir votre page avec toutes ces expériences, différentes expériences de mélange, juste des marques différentes. Essayons de mélanger quelques couleurs ici. Vous devrez peut-être tirer plus d'eau et observer comment ces couleurs se mélangent-elles ? Quels types de lignes faites-vous si vous essayez de faire une ligne fine et qu'il y a trop d'eau sur votre brosse ? Si vous essayez de remplir un grand espace et qu'il y a trop d'eau sur votre brosse, que se passe-t-il ? Je trouve très difficile d'utiliser trop d'eau. Ce n'est pas naturel pour ma façon de travailler. Ce qui est encore plus difficile, c'est d'essayer de travailler avec trop peu d'eau. Que se passe-t-il s'il n'y a pas assez d'eau sur votre brosse ? Une chose est que l'eau ou la peinture ne se propage pas. Il a l'air sec, il est inégal. C' est ce que je remarque, et ces lignes fines ne sont pas trop mauvaises. Ma brosse est déjà humidifiée de travailler avec trop d'eau. J' aurais peut-être dû commencer avec trop peu d'eau. Je n'avais pas vraiment pensé à ça. Ici, je fais une couleur, et puis nous allons essayer de les mélanger sur le papier et voir à quel point cela ressemble à la trop grande quantité d'eau. Ils se mélangent dans une certaine mesure. Vous pouvez même effacer votre papier si vous constatez que c'est trop d'eau ou juste la bonne quantité. Vous pouvez voir les endroits humides. Ils commencent déjà à agiter et à boucler. Le papier est en train de flamber. Essayons de mélanger d'autres couleurs ici. En fait, ce n'est pas trop mal. Ils se mélangent bien. Encore une fois, il est difficile de vous forcer à travailler avec trop peu d'eau. Je suis passé à une brosse inutilisée qui est beaucoup plus sèche. Vous pouvez voir combien il est difficile pour moi d'essayer de peindre une ligne fine sans assez d'eau sur mon pinceau, et bien sûr, j'exagère cela. Je veux que tu l'exagères aussi et que tu expérimentes et que tu joues. En regardant ces mélanges, ce n'est pas trop mal. Essayons de mélanger quelque chose qui est vraiment sec ici et voyons ce qui se passe. Parce que ces deux sont de la peinture sèche, ils ne vont pas se fondre. Essayons ici aussi sur ce bord. C' est trop sec. Si vous avez trop d'eau, il ne va pas bien se fondre. Si tu en as trop peu, ça ne va pas se fondre bien. En plus de buvard votre papier, vous pouvez également éponger votre brosse si vous trouvez que vous avez trop d'eau dessus. J' aime juste effacer le côté de la brosse. Il va tirer l'eau sans enlever trop de peinture. Il suffit de sécher un peu la brosse, puis de garder votre échantillon à portée de main pour que vous puissiez tester. Une fois que vous avez exagéré trop d'eau et trop peu d'eau, je veux que vous jouiez avec le contrôle de votre eau. Faites quelques beaux lavages, faites des ridules ou des lignes de largeur variable, et essayez différentes saturations de couleur. Saturations plus légères et plus foncées. Si elle semble inégale, vous pouvez revenir en arrière et déplacer la peinture un peu aussi longtemps qu'elle est encore humide. Si elle est trop absorbée dans le papier, vous allez commencer à tirer de la peinture. Expérimentez et ressentez cela. Si votre brosse commence à sécher, vous pouvez ramasser plus de peinture ou ramasser plus d'eau, et vous pouvez revenir en arrière, et vous pouvez ajuster n'importe où qui semble irrégulier. Mais encore une fois, rappelez-vous, ne passez pas trop sur votre peinture parce que vous commencerez à ramasser la peinture au lieu de la poser. Les ridules peuvent être difficiles, et il est bon de pratiquer des ridules plus légères et des ridules sombres et d'expérimenter avec des lignes de taille moyenne. Peut-être même dessiner avec un crayon d'abord et remplir différentes largeurs de lignes, et juste la pratique. Il peut également être utile, au lieu de peindre, nuanciers, des carrés ou des rectangles, de peindre des formes. Peut-être peindre des formes de feuilles. Je suppose que j'ai des feuilles sur l'esprit parce que pendant que je filme ce cours, c'est l'automne, et donc je vois beaucoup de feuilles autour. Bien sûr, vous pouvez également vous entraîner sur une peinture réelle au lieu d'une page d'échantillons. C' est à vous de décider avec quoi vous êtes le plus à l'aise. Je pense qu'il est utile de simplement jouer avec la peinture en dehors du contexte de la peinture quelque chose de spécifique. Si dans votre pratique, votre papier devient trop humide, vous pouvez toujours l'effacer et ensuite revenir peindre sur ce qu'il est trop humide. Une alternative serait de laisser sécher complètement, puis de peindre dessus. Mais il suffit de remplir un document entier avec des pratiques différentes peut être utile. Ici, cette feuille, je veux mélanger quelques couleurs, et si elle est trop humide, elles ne se mélangeront pas bien. Vous pouvez expérimenter avec le mélange avec différentes quantités d'eau. Une chose qui est utile de garder à l'esprit est que la peinture se mélange le plus bien si les deux couleurs, les deux peintures que vous utilisez, sont à la même humidité. Si l'on est vraiment sec et qu'on est vraiment mouillé, ils ne vont pas bien se fondre sur la page. Je veux que cette orange sèche un peu, alors nous allons peindre un peu plus. L' habileté de mélanger les couleurs est une compétence légèrement différente de celle du contrôle de l'eau. Mais je pense que le contrôle de l'eau est si important pour la façon dont les couleurs se mélangent sur le papier, que vous pouvez pratiquer ces deux choses ensemble. Revenons à cette première feuille d'orange et ajoutons une autre couleur ici, un peu de rouge. Attention, ne mettez pas votre main sur de la peinture humide. Je reviens et je touche le bord de cette feuille avec la pointe du pinceau. Vous pouvez voir si vous tamponnez la brosse ou si vous arrêtez de déplacer la brosse, cela va conduire plus de couleur dans l'orange. On peut l'essayer avec celui-ci. C' est beaucoup plus sec, donc je ne pense pas que ça va se fondre autant. La couleur ne va pas être entraînée dans cette orange. Il va juste s'asseoir le long du bord, ce qui est aussi une bonne compétence à avoir parce que parfois vous voulez que les couleurs ne se mélangent pas. Essayons cette troisième feuille ici et voyons ce qui se passe. Cela ressemble à une bonne quantité d'humidité. On peut revenir ici, et là tu as vu que j'ai arrêté mon pinceau, et la couleur a été enfoncée là-dedans. Chaque fois que vous arrêtez votre pinceau ou tamponnez votre pinceau, la couleur s'étalera. Maintenant que tout est sec, nous pouvons jeter un oeil et voir ce qui s'est passé. Ici où il y avait trop d'eau, vous pouvez voir comment les choses se sont mélangées. Vous pouvez également sentir le papier. Ceci est encore légèrement bouclé en raison de la quantité d'eau que j'ai utilisée. Vous pouvez voir où la couleur a été poussée sur le bord, comment j'ai parlé plus tôt. Lorsque vous avez trop d'eau, la couleur vient au bord. Il y a presque une ligne. Vous pouvez voir ici où les couleurs ne se mélangent pas parce qu'il n'y avait pas assez d'eau, et ici ils se sont mélangés bien. Ensuite, jetez un oeil à toutes ces expériences, voyez comment elles sont lisses, comment vous pourriez avoir besoin d'une autre couche. C' était peut-être un peu trop sec. Il y a quelques lignes là-dedans, mais voici des formes de feuille, et vous pouvez voir comment ils ont séché, comment les couleurs se sont mélangées. Le marron et le rouge sont un peu plus distincts maintenant qu'il est séché. Vous pouvez voir où les choses se sont mélangées, saignées et non. Pratique, pratique et plus pratique. Cela vous aidera à être plus à l'aise. J' espère que cela aide votre réflexion sur la façon de pratiquer et comment améliorer votre contrôle de l'eau. Encore une fois, la chose la plus importante à retenir est que vous devez continuer à pratiquer. Plus vous pratiquez, plus vous peignez, plus vous serez à l'aise, et finalement, ce ne sera pas aussi mystérieux. Même aujourd'hui, parfois quand je peins, je vais mettre une marque et me dire  : « Oh, il y a trop d'eau, ou oh, j'ai besoin d'un peu plus d'eau. » C' est bon. Ce n'est pas une science exacte, c'est un art, et donc, juste apprendre à aller avec le flux est l'une des choses les plus importantes que vous pouvez faire. Dans la prochaine leçon, je vais partager la compétence numéro un qui vous aidera à passer d'un débutant, et je peux vous garantir que ce n'est probablement pas quelque chose que vous pensiez que j'allais dire. 8. La compétence la plus importante: Je suppose que vous pourriez avoir des soupçons sur ce que je considérerais la compétence numéro 1 que vous devriez apprendre lorsque vous développez vos capacités avec de l'aquarelle, ou vraiment avec tout autre type d'art. La compétence que je dirais est la plus importante pour vous d'exercer et pour vous de pratiquer, et pour vous de maîtriser, est l'habileté et l'art de la patience. Vous aurez besoin de patience lorsque vous travaillez avec l'aquarelle, vous aurez besoin de patience pour développer vos compétences, et vous allez apprendre et exercer votre compétence de patience pendant que vous développez vos capacités artistiques. Ça ne va pas être une chose du jour au lendemain, ça va prendre du temps. Je pense qu'accepter cela et comprendre cela aide à éliminer une partie de la pression que vous pourriez ressentir. Prenez une profonde respiration, et sachez que cela prendra du temps. Prenez une profonde respiration et sachez que vous devez être patient avec vous-même, ainsi qu'avec le processus. Soyez doux avec vous-même, soyez gentil avec vous-même, et sachez que les bonnes choses prennent du temps. La patience est également très importante avec l'aquarelle, car, avec l'aquarelle, vous devez faire beaucoup d'attente. Vous devez attendre que la peinture sèche, vous devez attendre que le papier arrive au niveau de saturation parfait de sorte que lorsque vous mélangez des couleurs sur la page, ou essayez de créer des mélanges de couleurs, vous travaillez au bon moment. Si vous précipitez les choses, si vous faites des choses quand l'eau et la peinture ne sont pas prêtes, vous ne réussirez pas. Savoir que cela vous aidera vraiment pendant que vous travaillez tout au long du processus. Je pense que c'est vraiment une chose merveilleuse d'apprendre aussi, patience est quelque chose dont nous avons tous besoin dans tous les domaines de notre vie et pour être capable de ne pas précipiter les choses, d'être conscient , d'être présent, c'est un cadeau vraiment important que vous pouvez vous offrir, en particulier pendant les périodes de stress et de transition. Ralentir, prendre une profonde respiration, s'installer dans le moment, et savoir que les choses prendront du temps, c'est une compétence merveilleuse et utile pour vous d'avoir. Quand vous êtes présent et quand vous ralentissez, c'est quand vous arrivez à la très bonne chose, c'est quand vous pouvez observer, c'est quand vous faites des connexions dans votre cerveau, c'est quand vous avez des épiphanies et quand vous peut aller de l'avant. Ce n'est pas quelque chose que vous pouvez vous précipiter, ce n'est pas quelque chose qui va arriver du jour au lendemain, et c'est une bonne chose. J' apprends à peindre maintenant depuis 10 ans, et je suis vraiment excité de voir ce que les 10 prochaines années apporteront. Pas seulement à des choses comme le succès, mais à des choses comme apprendre de nouvelles compétences, essayer de nouvelles choses, c'est une chose vraiment excitante à penser. C' est excitant de penser à l'endroit où mon style va progresser. En regardant en arrière au cours des 10 dernières années, il est intéressant de voir comment mon style a progressé au point qu'il a atteint aujourd'hui, et j'espère que vous aurez le même genre de compréhension que vous progresserez également dans votre voyage. Je dirai encore une fois, la compétence la plus importante que vous pouvez avoir tout au long de ce processus et tout en travaillant avec l'aquarelle est la patience. Installez-vous, mettez-vous à l'aise, et on va continuer. Je vais partager d'autres conseils avec vous pour vous aider à développer vos compétences avec l'aquarelle et aller au-delà d'être un débutant. 9. Un pétale à la fois: Je veux partager quelques compétences qui vous aideront vraiment à améliorer vos aquarelles. Le premier dont je veux parler est d'attendre qu'une partie de votre peinture sèche avant de peindre quelque chose qui se croise contre cette zone. La meilleure application pratique que j'ai trouvée pour moi-même, pour mes peintures, où j'ai vu une énorme différence peinture de cette façon est quand je peins des fleurs. Cette zone est un pétale et la seconde zone est un deuxième pétale. Les roses en sont un excellent exemple. Voici quelques premières peintures que j'avais vraiment du mal à faire. Je luttais pour créer une rose qui ressemble à une rose qui a des pétales séparés, qui a un centre séparé et pourtant je peignais la fleur comme une seule entité et essayer d' obtenir toutes les lumières et les sombres comme une seule chose au lieu de peindre les pétales séparément. Ici, j'ai essayé de différencier les pétales et pourtant ça ne fonctionnait pas. Quand j'ai commencé à peindre les pétales séparément, ça a fait une énorme différence. Voici un exemple d'étude avec beaucoup de roses différentes et j' expérimentais pour voir ce que je pouvais créer. Vous l'avez déjà vu, mais il est clair à quel point chacun de ces pétales sont séparés, le centre est séparé des pétales. Voici une fleur de pivoine que j'ai peinte très tôt et j'ai eu du mal à obtenir l'apparence de la fleur de pivoine multi-pétales en peignant juste une chose, la fleur, et ça n'a pas fonctionné. Si je peignais ces pétales séparément, comme dans ce tableau, ça ressemblerait soudainement à une fleur de pivoine et pas seulement à un blob. Clé, peindre chaque pétale séparément. Celui-ci aussi, même si les pétales ne se chevauchent pas, ils ne sont même pas touchants, peindre avec les pétales et le centre comme une entité au lieu de parties séparées n'a tout simplement pas réussi. Vous pouvez voir à quel point il a l'air différent quand je peins les pétales séparément, quand je peins le centre séparément et que chaque chose sèche soigneusement avant de peindre la suivante. Encore une fois, c'est quelque chose où vous allez pratiquer la patience en attendant qu'un pétale sèche avant de peindre l'autre pétale. Mais quand vous peignez de cette façon, c'est incroyable la différence que cela fait. 10. Objets superposés: Semblable à l'habileté de peindre un pétale à côté d'un autre pétale, est de peindre un objet devant un autre objet. C' est quelque chose dont j'étais assez nerveux au début. Voici quelques exemples pour vous de jeter un oeil à l'endroit où j' avais du mal à peindre un objet devant l'autre. La peinture ne va pas jusqu'au bord et une partie de cela est l'habileté et une partie de cela est des matériaux. Avoir un pinceau qui n'a pas un point très fin rendra très difficile la peinture jusqu'à un bord étroit comme ça, il est donc important qu'il n'y ait pas d'espace blanc, ou que vous puissiez voir la peinture chevauchement d'une couleur sur une autre parce que l'aquarelle est transparente. C' est vraiment quelque chose que vous avez besoin de pratiquer et avoir de meilleurs matériaux aide aussi. Vous avez déjà vu ce tableau. Ici, dans le pot où il y a cette ombre, cette deuxième couche de peinture que j'ai peinte, ça ne va pas jusqu'à ces tiges. Donc, assurez-vous que lorsque vous peignez des deuxième couches ou des troisième couches au-dessus d'une couleur, que vous apportez ce calque sur toute la surface afin que vous ayez l'apparence finie la plus nette. Si vous regardez certaines de mes peintures antérieures pour me faciliter la tâche, je simplifie la composition afin qu'il n'y ait pas d'objets différents les uns devant les autres. Mais apprendre à avoir un objet devant l'autre fera une grande différence dans vos tableaux. Toute page avec des marques d'aquarelle fonctionnera pour pratiquer la peinture d'un objet devant un autre. C' est là que le fait d'avoir une belle pointe sur votre pinceau fait une grande différence. À partir de là, je vais mouiller mon pinceau et ensuite je vais tirer de la peinture de mon palais, travailler avec les mêmes couleurs que nous avions avant, et juste m'assurer que mon pinceau est bien saturé. Je vais juste commencer à peindre jusqu'au bord de cette forme verte. Ce bord n'est pas un bord parfait, donc ça va le rendre un peu plus délicat. Vous devrez décider si vous voulez peindre jusqu'à la première couleur et avoir un peu de chevauchement ou si vous voulez laisser un peu de blanc, vous pouvez toujours revenir en arrière après avoir peint votre deuxième couleur. Même si c'est de la même couleur, ça n'a pas d'importance. Vous pouvez revenir en arrière avec le premier objet et peindre un autre calque dessus et ainsi vous pouvez nettoyer ce bord. Nettoyer vos bords est toujours une bonne idée. Si vous n'avez pas obtenu un bord propre la première fois, vous pouvez toujours revenir en arrière et réparer les choses. Je continue ici avec cette orange. Cela va juste prendre de l'entraînement si vous n'avez pas fait beaucoup de ça. Je retourne ici où j'avais laissé l'espace blanc. J' ai décidé que je voulais venir se chevaucher un peu plus. Une partie de ce vert va se montrer à travers, mais si nous saturons notre couleur un peu plus et avons un peu d' orange plus foncé, cela aidera à couvrir certains de ces morceaux verts qui n'étaient pas tout à fait lisses. Avoir un papier plus lisse rendra cela aussi plus facile. C' est le pressé à froid avec un peu de texture à elle. Si votre papier a moins de texture, ce sera plus facile. Eh bien, tu t'entraînes juste. Si vous avez un tas de formes sur votre papier, vous pouvez vous entraîner à prendre votre ligne jusqu' au bord de la forme peinte et devenir plus confortable. Vous pouvez commencer à travailler très lentement le long ce bord pour être plus précis et ensuite, dans vos grandes zones, vous pouvez travailler plus rapidement et déplacer la peinture dans cet espace. Une autre chose que je veux vous rappeler, utilisez vos petits papiers de test. Donc, testez pour vous assurer que vous avez assez de peinture, vous avez assez d'eau. Que tu aimes la couleur qui arrive. S' il est assez saturé ou pas assez saturé et utilisez-le avant de poser votre pinceau sur le papier. Vous pouvez également l'utiliser pour vous assurer que la ligne que vous obtenez est assez bien. Alors prenez votre temps et soyez patient. Comme je l'ai dit, la patience est votre compétence la plus importante qui va bien vous servir et travailler simplement à obtenir une belle ligne propre et un beau chevauchement propre entre vos objets. Parce que j'ai souvent des feuilles qui se chevauchent, je vais juste peindre une autre feuille ici. Je sais que cette première forme ne ressemble même pas à une feuille, mais moins prétendre. Voici une autre feuille d'orange, de la même couleur. Je n'ajouterai pas ces autres nuances là-dedans, ce qui est de la pratique. Ici encore, avoir un croquis aiderait, mais pratiquez-vous simplement à imaginer quels différents objets vous pourriez chevaucher. Encore une fois, si vous avez besoin d'effacer les erreurs que vous faites. C' est toujours utile. Quelque chose que je pense parfois que vous ne pensez pas à l'aquarelle est que vous pouvez effacer la peinture dans des zones où vous n'en voulez pas. Il y a donc une idée d'une feuille derrière la première que nous avons peinte. Maintenant, une chose qui est un peu plus difficile est de se chevaucher les lignes fines. Par exemple, dans mon travail, j'ai souvent des tiges qui se chevauchent. Il est difficile de le faire jusqu'à ce que vous construisez le contrôle et les petites habiletés motrices nécessaires et que vous soyez à l'aise avec le processus. Une chose que je trouve utile est de faire une légère ligne le long de la première tige, puis de remplir la deuxième tige. Cette ligne est là où les deux tiges se chevauchent. Il aide à lui donner une définition, et il aide la peinture à arrêter. Donc, vous ne chevauchez pas la peinture et vous n'avez pas un bord désordonné. Bien sûr, vous pouvez réparer n'importe quel désordre et je vais vous le montrer dans une autre leçon. En travaillant lentement et en prenant votre temps et en arrêtant votre peinture avec cette autre ligne qui court juste le long du bord de votre première tige vous aidera à éviter les chevauchements désordonnés. N' oubliez pas de prendre votre temps comme je l'ai déjà dit et de prendre du temps pour la pratique. Ne précipitez pas le processus d'apprentissage qui, je pense, est ce que j'ai dit depuis le début. Ne vous précipitez pas dans le processus d'apprentissage, prenez votre temps pour en profiter. Prenez le temps d'être vraiment à l'aise avec elle parce que la seule façon d'apprendre à peindre est de peindre. Vous devez peindre beaucoup pour être vraiment à l'aise. Comme je l'ai déjà dit, la patience est votre compétence la plus importante. Une fois que vous vous détendez dans ce que c'est plus facile. Je vais montrer une autre pratique de peindre des tiges qui se chevauchent. Je pense que c'est vraiment utile de pratiquer ça encore et encore. Avec cela, vous devez juste être prudent, lent et patient. Comme pour les grandes zones qui se chevauchent, assurez-vous également que vous déplacez toujours votre papier afin que vous travailliez à la position la plus confortable et que vous puissiez vraiment voir ce que vous faites. Si vous avez déjà un croquis sur votre papier, cela le rendra plus facile. Ici, je n'ai rien esquissé et je suis juste en train de l'esquisser. Vous voudrez peut-être faire un croquis d'abord pendant que vous vous entraînez. Assurez-vous également de ne pas poser votre main partout où il y a de la peinture humide. C' est un peu trop d'eau et un peu trop de peinture. Je peux tamponner ça et ça va résoudre le problème. De plus, si vous vous chevauchez là où vous ne le souhaitez pas, vous pouvez tamponner votre papier pour y remédier tant que votre couleur n'est pas trop tachée. Ensuite, vous pouvez y retourner et le réparer. Soit laisser sécher tout le chemin, puis fixez-le ou revenez alors qu'il est encore mouillé. Encore une fois, je veux que vous pratiquiez ceci si vous n'êtes pas déjà à l'aise de le faire et voir à quel point vous pouvez obtenir vos objets à se chevaucher. Aussi, défiez-vous de peindre. Des objets plus petits ou des objets plus grands ou tout autre objet qui se chevauche vous effraie le plus, il suffit de pratiquer cela et de voir. Voyons voir. Pourquoi on n'a pas une orange sur orange ? Parce que souvent vos objets qui se chevauchent seront de la même couleur. Encore une fois, utilisez votre ferraille pour tester la couleur. Assurez-vous que c'est correct, puis entrez et peignez votre ligne. Encore une fois, il n'y a pas de hâte. Il n'y a pas de précipitation. N' oubliez pas de respirer. Je sais que j'apprenais d'abord à peindre et que je peignais quelque chose dont j'étais un peu nerveux, je retiendrais toujours mon souffle, ce qui, je pense, rend les choses plus difficiles. Ce n'est pas non plus très sain. N' oubliez pas de respirer et de prendre votre temps, profiter du processus et de vous amuser avec. Ne mets pas trop de pression sur toi. Je vais revenir ici et assombrir ce vert. Lorsque vous travaillez sur de petites surfaces et qu'il n'est pas très saturé, il sèche assez rapidement. Vous pouvez ajouter des zones de ramification. Pratique avec ça. Entraînez-vous à chevaucher différents objets. Vous pourriez remplir toute une page avec des expériences comme ça. Aussi revenir en arrière et ajouter plus de couleur peut toujours aider. Vous pouvez commencer avec une version plus pâle de votre couleur, puis revenir et ajouter un peu plus. Je construis juste la couleur. Une fois que vous peignez est séché, vous pouvez revenir et ajouter une certaine différenciation entre vos objets. Ici, je teste juste une couleur grise pour faire une ombre étroite très subtile. Je vais commencer par ces feuilles. Je vais juste peindre une ligne très fine pour aider à faire apparaître la feuille qui est sur le dessus de la page de celui-ci. Assurez-vous juste de tester votre ligne d'abord avant de la mettre sur votre papier. Là, cela aide vraiment à différencier ces deux formes. Je vais le faire de l'autre côté même s'il y a déjà une certaine différenciation parce que cette première feuille est une couleur plus foncée que la feuille inférieure. Mais juste peindre cette ligne très fine plus sombre aide à donner un peu plus de définition. Même lorsque les formes sont totalement différentes, vous pouvez ajouter un peu d'ombre, juste une petite ligne fine. C' est à vous de décider si vous voulez une ligne fine, si vous voulez une ligne plus épaisse, je peux revenir ici et rendre cette ligne plus épaisse. Testé à nouveau, voir. Je crois que j'ai besoin d'un peu plus d'eau. Je reviendrai ici et j'ajouterai lentement un peu plus d'une ligne d'ombre. Cela aide juste ces deux objets à sembler comme s'il y en avait un devant l'autre. Cela peut également être utile ici pour nos formes orange et vert où il y a un peu de chevauchement de la peinture. Ajouter cette couleur d'ombre aidera à le déguiser et à le rendre plus intentionnel. Pratiquez et expérimentez et voyez ce qui se passe lorsque vous ajoutez une ligne très fine pour différencier vos formes. J' espère qu'au fur et à mesure que vous créerez votre prochain tableau, vous penserez à des objets qui se trouvent les uns devant les autres et vous mettrez au défi de voir comment vous pouvez peindre l'un devant l'autre et réussir. 11. Superposer les couleurs: La couleur de superposition est quelque chose qui aidera à donner de la profondeur à vos peintures. Pour réussir avec cela, vous devez vraiment maîtriser l'habileté du contrôle de l'eau. Mais je vais vous montrer quelques choses pour le rendre plus facile. Ajouter des couches supplémentaires à vos peintures peut faire des choses étonnantes. Je vais vous montrer sur cet exemple trop d'eau, comment nous pouvons réparer ce mélange de couleurs. Je commence juste par ajouter cette première couleur rouge à nouveau. C' est un mélange assez aqueux que j' utilise parce que je ne veux pas que la couleur devienne trop sombre. Puis, en faisant tomber un peu de cette orange, revenant sur cette zone qui a l'air uniforme, il ne fait pas très sombre. Nous pouvons corriger cette irrégularité, corriger ce mélange de ces deux couleurs, et assombrir cette couleur claire. Laissez-les faire leur truc. Ici, cet exemple avec trop peu d'eau où la couleur était vraiment inégale et pâle, je peux revenir en arrière et ajouter plus de couleur et couvrir cette irrégularité avec une autre couche. Être capable d'assombrir vos couleurs avec des couches d'aquarelle transparentes est l' une des principales techniques pour travailler avec l'aquarelle que vous devriez apprendre. Vous pouvez également ajuster les couleurs en ajoutant d'autres calques. Ajustez vos formes. Si vous n'aimez pas l'apparence d'une forme, vous pouvez ajouter un autre calque et travailler dessus, lissant les bords. Tant que votre première couche n'est pas vraiment sombre et ne saignera pas, vous pouvez revenir et réparer un peu ça. Vous pouvez également ajouter des couches suivantes afin que vous n'ayez pas à vous arrêter avec seulement deux couches. Si vous avez une couleur très pâle qui travaille vers une couleur plus foncée, vous pouvez utiliser beaucoup de couches. Ce petit exemple ici avec le mélange qui n'a pas prêté parce que la peinture était à sécher, nous pouvons fixer ce mélange en ajoutant la deuxième couleur, cette couleur chartreuse brillante, juste sur le bord où il était, et j'ai ajouté un peu de plus pour qu'il s'étale sur le bord. Ensuite, dans l'aqua, je vais juste utiliser de l'eau pure et cette eau va toucher là où se trouve la couleur chartreuse. Je tire une partie de la couleur. Il suffit de mélanger cette eau claire sur l'aqua et cette chartreuse va saigner et se fondre dans le bleu. Ici où il y a des lignes dans notre couleur et nos couleurs pâles, je peux revenir et fixer ces lignes, assombrir la couleur. Je peux également fixer les bords comme je l'ai fait avec l'exemple rouge. Rendez le rectangle un peu plus propre en ajoutant cet autre calque. Chaque fois que vous n'aimez pas l'apparence de votre peinture, pensez à ce qui se passerait si vous ajoutez un autre calque. Ici, cette petite feuille où le rouge ne s'est pas mélangé dans l'orange, si vous ne vouliez pas cet effet, vous pouvez revenir et couvrir toute la forme avec de l'eau claire et laisser tremper un peu, donc ce n'est pas plus brillant, puis revenir après qu'il est trempé dans et ajouter un peu de rouge. Le rouge va venir le long du bord comme nous l'avons fait dans ces autres exemples. Vous pouvez également affiner et modifier un peu la forme. Si vous vouliez que la pointe de la feuille soit un peu plus intéressante, vous pouvez revenir et ajouter plus de couleur, ajouter à la forme. Partout où vous tamponnez la pointe de votre pinceau enverra plus de ce rouge dans l'orange et il laissera le mélange un peu plus. En revenant à cette autre page d'exemple, voici une forme où il y a des fleurs et des irrégularités. Je vais utiliser une brosse robuste ou une brosse ici. Bien que je sois à court de peinture orange, je vais m'imprégner autant que je peux et utiliser de la peinture et aussi juste en utilisant de l'eau, je vais réparer cette couleur. En revenant sur ces bords qui sont vraiment inégaux là où il y a quelques fleurs, je peux revenir avec ma brosse et tout lisser. Parfois, vous pouvez simplement utiliser de l'eau et c'est très bien, il réactivera la peinture sur la page. Si vous n'avez pas assez de peinture sur la page, si c'est une couleur vraiment pâle, vous devrez ajouter un peu plus de peinture. Mais je pense que ça marche plutôt bien. Il est juste de mélanger toutes ces zones inégales où avoir une belle brosse robuste avec une pointe inférieure peut être utile, affiner ces bords. Les exemples que je vous ai montré où il y avait des lignes distinctes entre les couches, qui pourraient être fixées avec une autre couche de peinture où vous frotter un peu les bords avec la pointe du pinceau. Vous allez devoir vous assurer que votre papier que vous utilisez est vraiment robuste pour résister à des couches supplémentaires et à des frottements supplémentaires. Ici, cette forme à l'endroit où il y avait quelques fleurs parce qu'il y avait trop d'eau, je peux revenir et ajouter plus d'eau et plus de peinture et lisser cette irrégularité et juste fixer les bords. Au lieu d'avoir une forme désordonnée, nous aurons une forme beaucoup plus soignée. Je veux que vous pensiez à votre propre travail et moments où vous aviez des couches que la couleur était inégale, ou vous aviez des fleurs, ou votre couleur n'était pas assez sombre et au lieu de désespérer et de penser que c'était une erreur ou un problème, il suffit de le regarder comme votre première couche. aquarelle est merveilleuse car elle est transparente et vous pouvez construire couche sur couche. C' est également merveilleux car ces couches peuvent vous aider à résoudre problèmes qui se sont produits dans les couches situées en dessous d'elles. Si la pratique sur des formes aléatoires fonctionne pour vous, allez-y et faites cela, ou jetez un oeil à une peinture précédente et voyez si vous pouvez la corriger en ajoutant un autre calque. 12. Éclaircir les couleurs: Lever la peinture de votre papier est une très grande compétence que vous pouvez avoir pour que vos peintures ne soient pas complètement uniformes. Cela aide si vous peignez des choses qui sont tridimensionnelles, cela aide si vous peignez des choses qui ont un point culminant, ou des parties claires, et des parties sombres. Cela aide également lorsque vous faites des choses comme peindre des veines, et c'est certainement quelque chose qui prend un peu de pratique. Avant de montrer la peinture de levage, je veux vous montrer quelques exemples de quelques premières peintures qui auraient pu bénéficier de la levée de la peinture pour rendre la couleur moins uniforme. Ces deux tableaux, je vais vous montrer, au contraire, ces cynorrhodons, la couleur était assez uniforme ici. Il y a des lumières et des sombres. Si j'avais un peu d'ombrage, des lumières et des sombres dans ce premier tableau, ça l'aurait amélioré. Cette rose, vous pouvez voir qu'il y a des lumières et des sombres dans ces pétales, ce qui n'est pas apparent dans cet autre tableau. Quand je démontre quelques exemples de la façon de manipuler la peinture sur le papier. Je peins une simple forme de feuille, et je vais bouger la peinture. Ce deuxième pinceau est humide, il n'y a pas de peinture dessus, et je peux l'utiliser pour pousser la peinture et soulever la peinture d'un côté de cette feuille. Il y a un côté plus clair et un côté plus sombre, puis je peux revenir et ajouter un peu plus de peinture verte pour rendre le contraste entre la lumière et l'obscurité encore plus apparent. Pratiquez ceci, en soulevant la peinture. Je vais vous donner un autre exemple ici. Une autre forme de feuille simple avec la peinture verte, et cette fois je vais soulever une veine. Je vais laisser sécher un peu cette feuille verte. Donc, la peinture a absorbé dans le papier, il est encore humide. À l'aide d'un pinceau propre et humide, je retire la peinture du papier. C' est presque comme si je peignais une ligne, mais au lieu d'ajouter de la peinture, le pinceau enlève de la peinture. Voici une autre forme de feuille que j'ai peinte avec une couleur plus foncée et rougeâtre, et puisque cette couleur est plus foncée et absorbée légèrement plus, cela va prendre quelques essais, alors soyez patient avec cela. Il suffit de déplacer votre pinceau doucement et il va remonter la couleur. Mettons une autre feuille ici. Celle-ci dans un rouge plus vif. Peindre des formes comme celle-ci, c'est aussi une bonne pratique pour contrôler l'eau, la quantité d'eau sur votre pinceau et sur votre papier. Je vais revenir ici et tirer une partie de la peinture à nouveau, semblable à la première feuille que nous avons peinte, en utilisant le pinceau humide et en m'assurant d'enlever la peinture supplémentaire sur l'essuie-tout pour que vous ne répandiez pas plus peinture dans la zone plus légère. Je peux utiliser cette brosse humide pour pousser et déplacer la peinture, et cela me donne une feuille avec un côté clair et un côté plus sombre. Une chose qui a été utile car j'ai développé mes compétences en aquarelle est d'essayer différents types de pinceaux, et une brosse qui a été très utile à utiliser est un mélangeur ciseau, ou un shader plat, un très étroit un, et je vais vous montrer ce que je veux dire. Les brosses shader et mélangeur fonctionnent merveilleusement pour soulever les veines. Voici une forme de feuille rouge humide, et j'utilise la pointe du pinceau latéralement pour tirer ma veine , puis essuyer l'excès de peinture et prendre la brosse humide. Comme nous l'avons fait avec la brosse ronde pointue, soulevant cette fine ligne. Je vais aussi vous montrer que vous pouvez soulever la couleur de la peinture sèche. Il faut un peu plus d'efforts, mais un avantage est que vous pouvez obtenir une ligne plus fine lorsque la peinture est séchée. Vous devrez peut-être aller sur la peinture un certain nombre de fois pour tirer une belle ligne propre. Sois patient et tu y arriveras. brosses Blender euses et shader sont parfaites pour nettoyer les choses aussi. Comme ici, je suis juste en train de nettoyer les bords où j'avais des tiges qui se chevauchent. Vous le travaillez de la même façon que si vous prenez de la peinture séchée, toutes ces tiges, s'il y a un peu de désordre de l'endroit où vous avez peint les chevauchements, vous pouvez revenir soulever une partie de la peinture et nettoyer ces bords. Il peut également vous permettre d'alléger les centres des tiges ou les côtés des tiges et de leur donner un aspect plus tridimensionnel. J' espère que vous allez jouer avec et expérimenter avec différents types de pinceaux. 13. Ajouter des détails: La dernière technique que je veux partager est d'ajouter des détails à vos peintures. Les détails sont un excellent moyen d'aller au-delà d'être un débutant, et ils aident également vos pièces à paraître plus finies. Cette peinture précoce n'a pas vraiment de détails. Les bourgeons de fleurs n'ont aucun détail. Les feuilles n'ont pas de veines. Si vous regardez les pétales de fleurs, il n'y a pas de veines, il n'y a pas de détails au centre de la fleur. En revanche, cette peinture, il y a des détails dans les feuilles, il y a des détails dans les bourgeons de fleurs et aussi dans les pétales de fleurs. Au centre de la fleur, il y a des marques de texture et des veines. L' ajout de ces détails rend la peinture vraiment finie et beaucoup moins comme le travail débutant. Ce tableau n'a pas vraiment beaucoup de détails bien que les feuilles aient de belles lumières et de sombres, et le mélange de couleurs même si les couleurs ne sont pas très naturelles, il n'y a pas beaucoup de détails. Il y a quelques veines sur le dessous des feuilles, mais ces sommets des feuilles n'ont aucune veine du tout. Aussi, les tiges, les branches, ils n'ont pas beaucoup de détails. Ils sont assez plats, donc ils n'ont pas l'air tridimensionnel du tout. Le pot a un peu d'ombrage pour le rendre plus tridimensionnel, mais c'est à peu près. En revanche, cette peinture, si vous regardez la tige, il y a beaucoup de détails ici. Il semble beaucoup plus réaliste à cause des marques de texture sur les tiges, ces feuilles, c'est une plante de jade et ils n'ont pas de veines, mais il y a beaucoup de lumières et de sombres et d'ombrage qui la rendent plus réaliste. Ces deux petites peintures de graines d' érable sont récentes et inachevées. Ils n'ont pas de détails pour le moment. N' ayant pas de détails, ils ressemblent plus à une peinture débutante. Ces deux fleurs aussi, elles sont inachevées. Dans cet état sans les détails, sans qu'ils soient finis, ils ressemblent plus à une peinture débutante. Ajouter quelques détails à vos peintures aidera à les déplacer au-delà de l'apparence d'un débutant. Si nous regardons à nouveau ces graines d'érable, et les comparons à une peinture finie de quelques graines d'érable, vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de détails texturés, il y a des veines, et ajouter ces détails à ce tableau a fait que la pièce ressemble beaucoup moins à une peinture débutante, et il lui donne l'air beaucoup plus fini. Un autre exemple de contraste est cette peinture de zinnia. Les pétales sont très détaillés avec des veines, il y a des ombres, il y a des détails au centre, aussi il y a les feuilles et la tige avec des lumières et des sombres, et des veines. C' est beaucoup plus fini et ça ne ressemble pas à une peinture débutante. En ajoutant quelques détails, vous voudrez utiliser un pinceau fin et pointé et tester votre pinceau sur votre morceau de papier. Je vais ajouter des veines à cette feuille rouge. En utilisant la pointe de mon pinceau, je peins une ligne très fine au centre de la feuille. Maintenant cette feuille imaginaire, donc j'imagine qu'il y a des veines sur les côtés rayonnant du centre. Ceci est juste pour vous montrer un exemple de la façon de peindre ces fines marques de détail sur votre peinture. Ce ne sont que des veines simples qui sont des lignes simples. Si vous observez une feuille réelle dans la nature, je veux que vous regardiez à quoi ressemblent ces veines. Ici, je suis juste d'ajouter un peu plus de couleur à la tige elle-même pour assombrir cela et cela ira avec la couleur des veines. C' est le type de veine le plus simple. Autre chose que si vous observez avec des veines plus légères, vous verrez que le long des bords de ces veines plus légères, il y a souvent un peu d'obscurité. Qu' il s'agisse de l'ombre du centre ou d'une ligne colorée réelle, cela aide à différencier cette ligne plus sombre en peignant une ligne très fine de chaque côté du centre. Puis, encore une fois, en peignant certaines veines qui sont sur les bords, vous pouvez soit peindre du centre vers l'extérieur ou des bords vers le centre, et cela vous donne une idée rapide de la façon de peindre certaines veines. En plus des veines réelles, vous pouvez ajouter des détails en ajoutant quelques marques de texture. Je vais juste utiliser la même couleur rouge et ajouter des lignes très rapides, fines, qui se chevauchent pour donner une impression de texture à cette feuille. C' est vraiment à vous de décider combien de détails vous voulez utiliser, et n'oubliez pas de garder votre papier de test nuancier à portée de main. J' ajoute une ligne plus sombre le long de cette veine pour l'aider à se démarquer un peu. Je peux revenir en arrière et ajouter autant de détails et assombrir toutes les zones qui doivent être assombries comme l'autre côté de cette veine que je veux. Rappelez-vous que l'observation est votre première étape. Ce sont des feuilles imaginaires que je peins. Mais je veux que vous observiez, ici, je vais juste ajouter quelques détails à ces tiges. Peut-être une obscurité entre les deux tiges s'attachent l'une à l'autre. C' est souvent quelque chose que je vois, ou peut-être un bord plus sombre de l'un ou de l'autre côté des tiges. N' oubliez pas d'observer, puis vous pouvez décider combien de détails vous voulez ajouter. Bien sûr, la pratique aide, donc ici je vais vous montrer une autre façon que nous pouvons ajouter quelques détails. Je m'assombrit le long de cette veine plus claire, puis je vais revenir et faire un contraste de lumières et de sombres sur la moitié de la feuille. Il est plus sombre près du centre, et puis cette obscurité n'est pas égale. Il donne ce sentiment de tridimensionnalité. Vous pouvez ajouter une couleur plus foncée ici. Vous pouvez superposer différentes couleurs, et cela aide à rendre la feuille plus finie. Je veux que vous vous entraîniez à observer et à ajouter des détails. Je sais que cela gratte juste la surface de tout le sujet de l'ajout de détails à vos peintures, et mes exemples étaient simplement pratiques. Je veux que vous sortiez, observez votre sujet et regardez-le pour que vous puissiez vraiment voir les détails et ensuite les recréer dans vos tableaux. quantité de détails que vous voulez ajouter est entièrement à vous de décider. Au fur et à mesure que vous progressez avec vos compétences, vous pouvez ajouter de plus en plus de détails. Bien sûr, ajouter des détails est également une décision stylistique. Il y a tellement de styles d'art différents, certains avec plus et d'autres avec moins de détails. Donc c'est quelque chose que vous devez décider aussi. 14. De vous-même: Je sais que nous avons couvert beaucoup de terrain pendant ce cours et il y a beaucoup de choses à penser et beaucoup de choses à pratiquer. Ne vous sentez pas dépassés. Rappelez-vous que la chose la plus importante tout au long de tout cela, tout au long de votre parcours créatif, est la patience. Pensez à la façon dont vous pouvez commencer mettre en pratique certaines des choses dont nous avons parlé. Comme je l'ai dit plus tôt, la chose la plus rapide que vous pouvez faire pour aider à améliorer vos peintures est de mettre à niveau vos fournitures. Peut-être que vous voulez commencer là et voir ce qui se passe quand vous peignez avec un papier de qualité supérieure, avec des peintures de meilleure qualité et avec des pinceaux de meilleure qualité. Tout de suite, j'espère que cela vous aidera à vous améliorer. En outre, commencez à apprendre à mélanger vos couleurs et pratiquez-vous à mélanger ces couleurs. Pratiquez votre contrôle de l'eau, pratiquez toutes ces petites compétences, toutes les compétences qui vous aident à affiner les détails de votre peinture et à prendre votre temps avec elle. Je ne veux pas que tu te sentes pressée. Rappelez-vous, la patience est la chose la plus importante. Il m'a fallu 10 ans d'apprentissage pour arriver ici et je sais que nous avons tous notre propre calendrier. Nous avons tous nos propres capacités naturelles et nos propres façons naturelles d'apprendre, alors ne vous découragez pas si cela vous prend plus de temps que quelqu'un d'autre. Nous apprenons tous à notre propre rythme. Tous nos voyages sont uniques et c'est une chose merveilleuse. Savourez votre voyage, savourez votre processus d'apprentissage. Profitez de la magie de travailler avec l'aquarelle. Je crois vraiment que c'est magique, c'est beau, c'est joyeux, et je veux que tu ressentes toutes ces choses aussi. Je veux dire quelque chose sur la vie privée. Lorsque vous créez, il est important d'avoir une certaine confidentialité. Je ne veux pas seulement dire un espace privé pour que tu travailles, je veux dire ça d'une manière plus métaphorique. Ne ressentez pas la pression de partager tout ce que vous créez. Ne ressentez pas de pression pour publier des choses sur les médias sociaux. Prenez du temps pour vous. Laissez une partie de votre art être juste pour vous. Ce faisant, je pense que vous êtes libéré de la pression de rendre des choses parfaites ou de faire des choses qui ressemblent même à ce que vous jugerez bon. Je ne veux pas que vous vous compariez à d'autres personnes que vous voyez en ligne, vous voyez dans les médias sociaux, dans les magasins, dans les galeries, peu importe. Ne comparez pas votre art à quelqu'un d'autre que vous-même. Je veux que vous preniez un tableau très tôt que vous avez créé et regardez-le par rapport à quelque chose que vous avez créé récemment. Si vous peignez depuis un moment, vous devriez voir une amélioration. Si tu ne peins pas depuis un moment, ça va aussi. Prenez le temps de développer vos compétences. J' espère qu'après avoir suivi ce cours et travaillé sur certaines des choses dont j'ai parlé, vous pourrez prendre un tableau que vous avez peint la semaine dernière et le comparer à un tableau que vous peignez demain, et que vous va voir une amélioration. Encore une fois, ce n'est pas quelque chose qui va se produire du jour au lendemain, alors soyez patient, donnez-vous du temps. Pour le projet de ce cours, je veux que vous preniez une peinture que vous avez créée, que vous n'êtes pas entièrement satisfait et regardez-la à travers le filtre des choses dont nous avons parlé en classe et réfléchissiez à la façon dont vous pouvez améliorer ça. Peut-être que vous allez peindre sur un meilleur papier, peut-être que vous allez mélanger toutes vos propres couleurs, peut-être que vous allez ajouter quelques détails à la fin, peu importe ce que c'est, peut-être que vous allez faire beaucoup de choses différentes que nous J'ai parlé. Même si tu en fais un, j'espère que quand tu iras repeindre ce sujet, tu verras une amélioration dans ta peinture. Alors trouvez un tableau que vous voulez recréer et commencez avec ça. En termes de confidentialité, et ce que j'ai dit à propos de garder certaines choses pour vous, ne pensez pas nécessairement que vous avez besoin de partager ou de ne pas partager dans cette classe. J' adorerais voir ce que vous créez. J' aimerais vous donner des commentaires ou des suggestions sur la façon dont vous pouvez vous améliorer. Donc, si vous partagez quelque chose, posez-moi des questions si vous voulez mes commentaires. Aussi, je suis totalement d'accord avec vous poster un projet pour cette classe qui est quelque chose qui vient d'être écrit. Peut-être partager une photo de certaines de vos fournitures et ensuite certaines de vos pensées, parce que j'aime voir ce que vous pensez, et j'aimerais voir ce que vous avez encore des difficultés et j'aimerais aider. Alors dites-moi, avec quoi tu as du mal, qu'aimerais-tu apprendre ensuite ? Parce que j'aime intégrer cela dans ma prochaine classe, dans un billet de blog, ou dans une newsletter que j'écris et envoie à mes abonnés, alors assurez-vous de partager vos pensées avec moi. N' oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare, et regardez mon site Web et inscrivez-vous. Si vous ne l'avez pas déjà fait, vous pouvez obtenir mon guide d'aquarelle qui vous guidera à travers beaucoup de choses dont nous avons parlé aujourd'hui, en particulier sur les fournitures d'aquarelle, qui sera très utile. Il y a aussi un PDF ici dans cette classe que j'espère que vous allez télécharger. C' est tout pour aujourd'hui. Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. Merci de peindre avec moi. Merci d'avoir appris avec moi. Jusqu' à la prochaine fois, joyeux tableau. Prends soin de toi. Au revoir.