Aquarelles marines : Guide du débutant pour la peinture du mouvement dans la nature

1. Introduction: Vous êtes-vous déjà assis au bord de la mer et observé les mouvements continus des vagues et du ciel et pensé comment puis-je capturer cela ? Bonjour, je suis Khadija, une artiste, un entrepreneur et un spécialiste du marketing numérique originaire de l'Inde. Je peins à l'aquarelle depuis plus de quatre ans. J'adore m'immerger dans le plein air et peindre la nature. J'ai grandi dans une petite ville balnéaire appelée Vizag en Andhra Pradesh. J'ai toujours été fasciné par le mouvement des vagues et des nuages changeants. Au fil des ans, j'ai mis au point des techniques simples et efficaces pour capturer ce mouvement dans un tableau. La peinture d'éléments naturels et dynamiques comporte trois défis majeurs. Une, une surface est encore, mais la nature change constamment. Comment capturer ce mouvement dans un tableau ? Je vois à 180 degrés, ce qui est beaucoup à regarder, alors comment puis-je capturer ce que je vois ? Enfin, trois, comment puis-je sélectionner des couleurs naturelles sur place pour améliorer mon travail ? Eh bien, ce cours vous aidera à simplifier les éléments dynamiques et en mouvement et créer une belle peinture en bord de mer tout en étant immergé en plein air. Il est parfait pour les débutants à l'aquarelle et tous ceux qui aiment peindre la nature. Tout au long du processus, j'ai inclus des exercices d'entraînement et des conseils utiles sur les bases de la lumière et des ombres, comment ajouter de la texture au soleil et aux vagues, et ajouter de petites figures pour ajouter de l'intérêt à votre scène. En prime, je vais vous montrer comment prendre une photo sur les réseaux sociaux. À la fin de ce cours, vous aurez non seulement une belle peinture balnéaire prête pour le monde entier, mais aussi la confiance, le flux et la finesse nécessaires pour aborder tous les éléments en mouvement de la nature. Allons bouger. 2. Votre projet: Parlons de votre projet de classe. Je vous suggère de peindre avec moi, en particulier les techniques d'échauffement. Une fois que vous êtes à l'aise avec cela, allez à l'extérieur ou trouvez de vieilles photos de vacances et créez votre propre tableau. Pour le projet final, nous allons peindre un paysage balnéaire depuis Visor, en Inde. J'ai joint l'image de référence dans la section ressources. Dans ce cours, je vais vous guider à travers les matériaux dont vous aurez besoin, une approche facile pour simplifier les éléments dynamiques, et nous ferons quelques exercices d'échauffement de la mer et du ciel. Comprendre comment sélectionner et mélanger des couleurs naturelles pour votre peinture. J'expliquerai différents types de compositions telles que les formes L et S, et comment créer et trouver votre propre composition, surtout en extérieur. Ensemble, nous allons peindre tous les éléments du paysage balnéaire, du ciel, collines, du soleil, la mer et de petites figures pour ajouter du caractère à votre peinture. En prime, je vais partager deux façons simples de prendre une photo de votre tableau. Si vous débutez dans la peinture en plein air et que vous souhaitez comprendre les plus petites nuances des paysages aquarelles et de la peinture extérieure, jetez un coup d'œil à mon cours précédent, Experience the Outdoors. Après avoir terminé les exercices d'échauffement et le projet final avec moi, vous vous sentirez extrêmement à l'aise pour créer des éléments dynamiques et créer votre propre peinture de paysage marin. Je vous ai invité à publier votre travail dans la section projet. Il s'agit d'une zone sans jugement pour s'aider mutuellement à apprendre et à grandir. 3. Votre matériel: Voici quelques-uns des matériaux dont vous aurez besoin pour ce cours. Ce ne sont que des recommandations. N'hésitez pas à utiliser ce que vous avez. Je suis sûr que vous allez créer un beau tableau. Ce panneau dur de bricolage permet de maintenir le tableau. Ce kit d'aquarelle d'apprêt. C'est petit et pratique, surtout quand je peins à l'extérieur. En plus des couleurs d'apprêt, j'ai trois couleurs jaune moyen, savoir le gris de Payne, bleu céruléen et le bleu turquoise. C'est parce que j'utilise beaucoup de blues. En général, je ne lave pas ma palette car elle m'aide à lever couleurs et à créer différents mélanges de couleurs chaque fois que je peins. Un carnet de croquis aquarelle. J'utilise un carnet de croquis [inaudible], qui est de 200 g/m² et 100 % de coton. Veuillez vous assurer d'utiliser du papier aquarelle, que ce soit dans des feuilles en vrac ou comme carnet de croquis. Je vais utiliser ces trois pinceaux. Il s'agit d'un pinceau simulé d'Escoda, taille 12. Il s'agit d'un pinceau Princeton, brosse ronde de taille 10, et il s'agit d'une taille 6. Pour moi, 3-4 pinceaux suffisent pour peindre. Assurez-vous que vous êtes minime et ajustez avec les pinceaux dont vous disposez. Un réservoir d'eau, un ruban de masquage, un crayon et un mouchoir. Un stylo plume dans lequel j'ai ajouté de l'encre sépia de couleur marron, et un stylo blanc juste pour ajouter des reflets de temps en temps. Apportez vos fournitures et rejoignez-vous à moi dans la prochaine leçon. 4. Comment aborder les éléments dynamiques: Voici deux choses que vous devez garder à l'esprit lorsque vous peignez des éléments dynamiques. Il s'agit de variations tonales et de mouvements. Commencez à observer consciemment la nature autour de vous. Lorsque vous regardez la mer, remarquez la variation tonale des vagues. Simplifions cela en le regardant en noir et blanc. Vous pouvez désormais facilement identifier les tons clairs , moyens et sombres. Tout en peignant un élément dynamique, nous devons capturer cette variation tonale. C'est la moitié de la bataille gagnée. À titre d'exemple, regardons ce tableau. Nous avons laissé le blanc pour montrer la forme des vagues et le reflet du soleil. Vers la fin, c'est le ton le plus sombre, et entre les deux, le ton moyen. Deuxièmement, nous devons aborder cela comme un objet immobile, mais créer un mouvement. Confus ? Je vais le simplifier. Si cela vous aide, prenez une photo. Une image transforme immédiatement un élément dynamique en élément fixe. Dans cette image, regardez la direction des nuages et la direction des vagues. C'est dans cette direction que nous allons faire nos coups. La direction de vos traits aide à créer du mouvement dans vos peintures. Examinons cet exemple. Lorsque nous peignons la mer, nous ne peignons pas chaque vague, mais une direction de la vague. Voyez comment je ne fais que créer des traits pour créer une direction et un mouvement pour les vagues. Nous allons entrer dans les détails dans la prochaine classe, qui est un cours d'échauffement. De même, lorsque je crée le ciel, je me déplace consciemment de gauche à droite ou de droite à gauche pour créer un mouvement dans le ciel. Encore une fois, nous allons entrer dans les détails dans notre prochain cours, qui sera un cours d'échauffement. 5. Echauffement du ciel : Coups de pinceau: Commençons par le ciel. Pour le ciel, nous utiliserons une technique humide sur mouillé. Cette technique aide à garder les choses douces et à créer des mouvements dans les nuages. Commençons par décider de la couleur que nous utiliserons pour le ciel. J'utilise un mélange de bleu turquoise et de bleu céruléen. N'hésitez pas à utiliser le bleu que vous avez en bouche. Pour créer de la profondeur et des peluches dans le ciel et les nuages, j'utiliserai une seconde couleur, qui sera une couleur violette. Ce sont les deux couleurs que j'utiliserai pour le ciel. Commençons l'échauffement du ciel. Je vais utiliser une brosse à balai Escoda taille 14. Cependant, n'hésitez pas à utiliser le pinceau que vous possédez. Essayez d'utiliser une taille plus grande, disons entre 10-14. Maintenant, je prends de l'eau claire et je crée une couche d'eau propre sur ma page. Vous devriez voir un éclat d'eau et voir qu' il n'y a pas de flaques d'eau créées lorsque vous faites cela. Ce devrait être un ton d'eau uniforme. Une fois que vous aurez cette couche d'eau claire, nous allons ensuite mettre la couleur. ce moment, je prends le bleu turquoise et le bleu céruléen dans mon pinceau. Maintenant, remarquez que je n'utilise que la pointe du pinceau pour créer des nuages, et je ne mets pas la couleur partout. Ce que j'essaie de faire ici, c'est laisser des parties blanches, qui ressembleront aux nuages. Parce que c'est de l'aquarelle, laissez l'eau répandre la couleur et ne mettez pas de couleur partout. Pour la partie supérieure, je mets un ton uniforme parce que je ne veux pas avoir de nuages en haut, car c'est ainsi que j'observe la nature. De plus, la partie supérieure sera plus sombre que le reste du ciel, pour créer cette profondeur. Vers le bas, j'utilise la pointe extrême pour montrer de très petits nuages. Continuez à observer comment je tiens mon pinceau et comment il change en fonction de la partie du ciel sur laquelle je travaille. Maintenant, je vais prendre un mouchoir et soulever certaines parties de la couleur pour rendre les nuages plus proéminents. Faites-le doucement. Maintenant, j'utilise un pinceau légèrement plus petit, un pinceau rond de taille 6, prends du violet dans mon pinceau et j'essaie d'ajouter des peluches dans le ciel. Juste dans certaines parties où vous sentez qu'il y a des nuages sous la partie blanche, ajoutez ce violet pour que les nuages soient moelleux. Permettez-moi de faire un bref récapitulatif des trois étapes pour créer le ciel. abord, mettez une couche d'eau claire, puis utilisez une brosse plus grande et, à un angle de 45 degrés, ajoutez dans le ciel et soyez particulier pour laisser espaces blancs pour laisser couler l'eau et laisser les nuages se créer. Utilisez ensuite le violet et créez des peluches dans vos nuages. Vous ne l'obtiendrez peut-être pas la première fois, mais vous n'avez pas besoin de vous durcir et de continuer à vous entraîner. Ce sont des éléments que vous pouvez inclure dans n'importe lequel de vos tableaux. 6. Echauffement de la mer : Cration des vagues: Pour la mer, nous utiliserons une combinaison pour la technique humide sur humide et humide sur sec. Je vais démontrer deux styles de peinture de la mer. L'un sera un rivage et des vagues et l'autre sera une vue sur l'océan. Actuellement, je fais un dessin au trait très basique, qui inclura le rivage et l'horizon pour celui avec des rives et des vagues, et la deuxième vue océanique aura juste la ligne d'horizon. Les couleurs que j'utiliserai sont un mélange de bleu turquoise et de bleu céruléen. N'hésitez pas à utiliser le bleu que vous avez. Pour les vagues, je vais juste prendre un peu de pigment de mon pinceau et faire un mouvement rapide de ma brosse de gauche à droite. Cela aide à montrer la vitesse et le mouvement et à laisser une partie blanche qui montre le reflet et la forme des vagues, et c'est ainsi que nous allons faire les vagues. Pour faciliter la tâche, prenez un peu de pigment, essuyez un peu de pigment sur un papier de soie, puis déplacez rapidement votre pinceau d'un côté à l'autre. Cela peut prendre de la pratique. Pratiquez cela un peu, et c'est ce qu'on appelle une technique de brosse sèche. Maintenant, ce que nous pouvons aussi faire, c'est utiliser un peu de pigment et le déplacer de l'autre côté pour montrer les vagues qui frappent le rivage et reviennent. En outre, ajoutons quelques profondeurs vers l'extrémité plus profonde en utilisant le même pigment, la même combinaison de couleurs, mais plus de pigment et moins d'eau pour créer un bleu plus profond. Je ne fais que peindre le sable rapidement pour que vous puissiez comprendre l'effet des vagues. J'utilise juste une sienne brûlée et je fabrique rapidement le sable. Vous pouvez également tenir votre brosse à un angle de 90 degrés et créer des vagues plus petites vers l'extrémité où l'eau arrive vers le rivage. Pour la seconde, nous utilisons une technique humide sur mouillé, ce qui signifie que je mouille d'abord le papier avant d'ajouter le pigment. Dans la partie où nous avons la mer, j'ajoute de l'eau claire uniformément dans toute la section où je veux la peindre. J'utilise le même mélange de bleu céruléen et de bleu turquoise, et j'ajoute doucement des traits. Dans cette technique mouillée sur humide, le pigment se mélange à l'eau et donne ainsi un aspect doux. Vers l'horizon, je vais avoir un pigment plus foncé et vers moi, il va être plus léger. J'ajoute aussi quelques coups sur un angle de 45 degrés, donc on a l'impression qu'il y a des vagues dans la mer. Ce sont les deux techniques. L'un est un mouillé sur sec et un mouillé sur mouillé, selon l'effet que vous souhaitez créer. Maintenant que c'est semi-sec, ce que je vais faire, c'est que je vais ajouter doucement des coups de vagues. Il suffit de l'ajouter dans quelques zones et de laisser quelques zones blanches, sorte que vous puissiez voir des tons clairs, moyens et sombres de vagues dans la mer. Maintenant, je vais ajouter un ciel en deux nuances de violet montrant le lever du soleil ou le coucher du soleil, afin que vous puissiez comprendre le ciel et la mer dans ce tableau. Pour le premier tableau, je vous encourage à utiliser ce que nous avons appris de la première leçon sur le ciel et à ajouter le ciel par vous-même pour la première peinture. Pratiquez ces deux techniques afin que vous puissiez l'appliquer chaque fois que vous souhaitez ajouter vagues ou une vue océanique à vos propres peintures. 7. Sélection des couleurs: Pour capturer l'essence des éléments dynamiques, vous devez choisir judicieusement votre couleur. N'essayez pas de choisir les éléments exacts. Essayez simplement d'avoir une idée de l'endroit grâce à votre sélection de couleurs. Lorsque vous regardez votre scène photo, quelles sont les couleurs que vous remarquez ? Quand je regarde cette scène, dans le ciel, je n'en vois pas une mais un mélange de deux couleurs, turquoise et bleu céruléen. Pour les nuages, je vois que j'aimerais laisser le papier blanc, et pour l'ombre des nuages, je vois du violet. Commencez à remarquer les couleurs que vous voyez dans vos scènes. Étudiez maintenant votre boîte à peinture et comprenez quelles couleurs s'accorderont le mieux à vos sujets actuels. Je connais très bien ma palette, et c'est pourquoi il m'est facile d'identifier les différentes couleurs qui vont bien avec les différents sujets que je choisis dans ce tableau. Permettez-moi de vous montrer comment je fais cela. Maintenant, je sélectionne les couleurs. D'abord, je vais prendre le bleu turquoise. Ce que vous voyez actuellement sur la page est bleu turquoise. Voyez quelles couleurs vous avez de votre palette qui convient bien au ciel. Maintenant, ce que vous voyez, c'est que je mets du bleu céruléen. Je vais maintenant mélanger ces deux couleurs dans ma palette. La troisième couleur que je mets est un mélange des deux premières couleurs. Le mélange de ces deux couleurs me donne une belle nouvelle teinte. Revenons maintenant à notre composition et voyons les couleurs que nous voyons pour le sable. Pour le sable, je vois des mélanges de jaune et brun et je vais donc utiliser de l'ocre jaune et de la sienne brûlée. Oups. Cette couleur s'est mélangée, mais ce que je vais faire, c'est que je vais utiliser de l'ocre jaune. Voyez quel jaune vous avez qui ira bien pour quelque chose comme le sable. C'est une sienne brûlée, de couleur brunâtre. Maintenant, dans ma palette, je mélange ces deux couleurs et ensemble, elles me donnent une belle couleur sableuse, brun jaunâtre. Encore une fois, voyez les couleurs que vous avez, ce que vous souhaitez mélanger et ce qui se passe le mieux. reprenant l'observation de la colline, je vois un vert très profond. Je vais mélanger le vert sève et le violet pour en faire un vert profond et terne. Si vous avez un vert plus clair, mélangez simplement plus de violet. Cette première couleur que vous m'avez vue mettre est un vert sève et la deuxième couleur que je viens de mettre sur la page est un violet. Maintenant, je vais mélanger ces deux-là pour obtenir ce vert profond. Voyez comment je décide des couleurs à mélanger. abord, j'ai pris le bleu pour créer une nuance différente de la même couleur, et le brun est une nuance d'orange, donc une couleur voisine au jaune et donc se marie bien l'un avec l'autre. Le troisième est un mélange où j'ai essayé d'approfondir une couleur. Utilisez des couleurs similaires, des couleurs complémentaires ou quelque chose que vous souhaitez approfondir pour créer votre propre mélange de couleurs. J'utilise les couleurs comme formule, et c'est pourquoi j'ai écrit turquoise plus céruléen qui vous donnera un nouveau mélange de couleurs. Le premier sera mon ciel et ma mer parce que le ciel est le reflet de la mer, ils seront de la même couleur. Le second est la terre ou le sable, et le troisième est le feuillage. Allez-y et sélectionnez les couleurs que vous souhaitez utiliser pour vos éléments. 8. Types de compositions: Parlons des différents styles de composition que vous pouvez créer. Qu'est-ce que la composition dans l'art ? La composition est une façon de combiner différents éléments d'une œuvre d'art. Il fait référence aux sujets clés d'une œuvre d'art et façon dont ils sont disposés les uns par rapport aux autres. Pourquoi est-ce important ? L'ordre des éléments dans une bonne composition crée l'œuvre d'art dans un ensemble unificateur. Il guide l'œil du spectateur de manière ciblée pour créer une direction dans l'œuvre et la signification de chaque élément. Tout d'abord, nous aborderons trois styles de composition les plus couramment utilisés dans les paysages. Ici, vous pouvez voir que j'ai divisé la peinture Starry Nights de Van Gogh en lignes verticales et horizontales. Vous verrez apparaître plusieurs lignes horizontales et verticales, et donc plusieurs formes en L. Cela crée un sentiment de paix et de sérénité. Dans cette peinture de Claude Monet, on peut voir un S ou un Z se former. La forme S guide votre œil et donne aux spectateurs un chemin à suivre. La forme S ou Z met l'accent sur la composition. Diagonales, ce style est idéal pour créer une tension visuelle dans votre composition. la direction des traits Comme vous pouvez le voir, est du côté diagonal. Il fonctionne bien avec les éléments dynamiques. Dans cette peinture The Great Wave, vous pouvez voir comment les diagonales sont utilisées pour créer des tensions dans les vagues. Les quatre compositions suivantes ne sont pas spécifiques aux paysages, mais elles sont couramment utilisées dans d'autres sujets. Triangles, c'est une composition extrêmement courante utilisée dans les portraits. Ici, dans la peinture de Mona Lisa, vous pouvez voir comment le sujet est composé dans un triangle, concentrant l'attention du spectateur dans cette section. regroupant, dans ce style de composition, nous créons des grappes pour ajouter du poids à la peinture. Remarquez dans ce tableau de Michel-Ange deux personnes rencontrent vos grappes qui attirent l'attention des spectateurs. Comme son nom l'indique, ce style comporte des lignes proéminentes qui mènent les spectateurs dans une direction spécifique. Couramment utilisé dans les bâtiments en perspective à un point, où tout ce qui se trouve dans cette peinture se dirige vers un point. Composition centrale, couramment utilisée dans les natures mortes. Ici, le sujet est placé au centre de la composition, remarquez cette peinture de Paul Cézanne et la mise en place des fruits. Il est placé juste au centre de la peinture. Ces styles discutés sont couramment utilisés pour capter l'attention du spectateur et créer des compositions de peinture fortes. Joignez-vous à moi dans la prochaine leçon alors que nous créons notre propre composition. 9. Finalisez votre composition: Pour ce qui est de ma position, je vais créer un viseur avec mes mains. Je vais mettre ma main droite avec ma paume vers le haut et une main gauche inversée, ce qui me donne une composition plus petite ou une vue de ce que j'aimerais peindre. Je me déplace autour de 360 degrés pour voir quelles sont les compositions que je pourrais avoir. J'ai décidé de cette composition. ici, je dessine trois lignes imaginaires horizontalement et verticalement, ce qui guide la règle des tiers. La règle des tiers est un moyen facile de créer une composition agréable. Ensuite, nous plaçons nos principaux éléments à l'intersection des pensées. Ici, j'ai placé une colline à l'intersection de la première pensée pour créer une composition agréable et équilibrée. Utiliser vos mains est un bon moyen de créer un viseur pour vous-même. Notez également que dans cette composition, vous pouvez voir un S ou un Z. Reportez-vous à la leçon précédente où un S ou un Z donne à l'œil du spectateur un chemin à suivre. Commencez à expérimenter votre propre composition et rejoignez-moi dans la prochaine leçon alors que nous dessinons un dessin [inaudible]. 10. Dessin vignette: Le dessin de vignettes est la partie la plus importante de la peinture extérieure ou intérieure. Il s'agit d'un espace qui vous permet d'ajouter et soustraire des éléments et d'expérimenter votre composition. Ne manquez pas cette étape, s'il vous plaît. Je commence seulement par dessiner ma vignette sous la forme d'un cadre dans le coin de ma page qui ne sera pas utilisé pour peindre. Ensuite, je marque les points médians qui servent de ligne directrice. Après cela, je pense à l'endroit où je vais ajouter la ligne d'horizon. N'ajoutez pas la ligne d'horizon au milieu, ajoutez-la au-dessus ou au-dessous. La ligne d'horizon est la ligne où la terre rencontre le ciel ou la mer rencontre le ciel. Une fois que je l'ai fait, je sais où placer la colline. La colline s'étend un peu, donc c'est comme ça que je vais le faire. Une fois que j'aurai la colline, je vais dessiner le prochain élément majeur qui est la mer. Je vais juste marquer grossièrement la zone dans laquelle la mer va se trouver. Vous pouvez voir comme si nous avons créé une composition par ici. Je vais maintenant ajouter quelques autres éléments pour mieux comprendre ce qui va se passer sur la plage. Il s'agit d'un espace où vous pouvez comprendre ce que vous voulez ajouter, ce que vous voulez soustraire. Permettez-moi d'ajouter des pierres ou des rochers qui se trouvent sur la mer, puis permettez-moi d'ajouter des figures humaines. Mais je peux décider, vers la fin de ma peinture si j'aimerais ajouter ces figures ou non. Ici, je suis juste en train d'expérimenter leur apparence. Maintenant, une fois que j'en ai eu, je veux également vous montrer comment nous utilisons la règle des tiers. Je divise l'écran en trois sections et je vous montre comment j'ai ajouté les éléments dans la troisième colonne et je n'ai pas encombré tous mes éléments au milieu. Un autre aspect important est de comprendre la direction de la lumière et de créer des ombres. Dans un paysage, il y a principalement trois directions pour la lumière : gauche, au-dessus et droite. Ici, je vous montre la différence d'ombres en fonction de la direction de la lumière. Lorsque la lumière vient de la gauche, vous verrez l'ombre dans la partie droite. Dans le premier dessin, remarquez les ombres sur les collines et les ombres des gens. Lorsque la lumière est d'en haut, disons le soleil levant, les ombres tombent juste en dessous de l'objet. Remarquez l'ombre des figures qui change énormément en fonction de l'heure de la journée ou de la direction de la lumière. Sur le côté droit, vous pouvez voir que la source de lumière se trouve à droite et que les ombres tombent sur le côté gauche des autres objets comme les collines et les figures. Notre source de lumière, dans ce cas, le soleil, se trouve sur le côté gauche. choses vers la droite auront l'ombre, et par conséquent, lorsque nous la peignons, nous l'assombrirons légèrement. Dans chaque section, le rivage, la terre, les collines, je vous montre la section où l'ombre tombera. Dans n'importe quelle peinture, la beauté vient du contraste, vos tons clairs moyens et sombres. Ce qui provient principalement de la source de lumière où vous mettez la lumière. Même dans le ciel, je vais peindre le côté droit un peu plus sombre pour montrer que le soleil est sur le côté gauche. Identifiez toujours votre source lumineuse et marquez vos ombres. 11. Esquisse de votre peinture: Je commence par mettre un ruban de masquage sur les quatre côtés. Un ruban de masquage aide à sécuriser le papier et il ne bouge pas lorsque vous peignez Une fois que vous aurez terminé votre peinture et que vous avez sorti votre ruban de masquage, vous remarquerez une belle bordure créée et donc elle la rend propre et look complet de votre tableau. Commencez par placer du ruban adhésif sur les quatre côtés. L'esquisse finale ressemble beaucoup à un dessin miniature. Je marque les points du milieu, puis je commence par la ligne d'horizon. Comme nous l'avons discuté, la ligne d'horizon sera au-dessus ou au-dessous du point médian et non pas juste au point médian. La ligne d'horizon est la ligne où la terre rencontre le ciel. Marquant maintenant la colline et l'extension du terrain près de la colline. Je ne fais que marquer quelques choses qui arriveront vers la fin. Maintenant, je marque ma section maritime. Le dessin au trait, l'esquisse est toujours un dessin au crayon très léger et nous n'entrerons pas trop dans les détails. Tous les détails viendront lorsque vous peignez. J'ajoute juste un peu de verdure ou de feuilles d'automne qui sont là vers le sol. Je me souviens de le faire. Je ne fais que dessiner deux lignes pour marquer le chalet. Le chalet sera très simple comme créer de petites maisons, les créer comme vous le souhaitez. Mais comme nous avons déjà fait une vignette dans notre esprit, nous avons une vision très claire de l'aspect que nous voulons que le tableau ressemble. Pour le croquis final, nous le faisons de manière extrêmement minimaliste. Ici, je vais juste marquer les quelques rochers qui vont être là dans la mer. C'est à peu près tout. Joignez-vous à moi dans la prochaine leçon alors que nous commençons à peindre. 12. Ciel nuageux: Maintenant, pour la partie amusante, commençons par le ciel. Je prends de l'eau claire dans mon pinceau. Ici, je prends un pinceau de taille Mach 14. Remarquez comment je le maintiens vers la fin afin que je puisse utiliser toute la section du pinceau pour obtenir un ton uniforme sur mon papier. Remarquez simplement que nous n'avons pas de flaques d'eau. Il est important qu'il y ait une couche d'eau uniforme ici. Une fois cela fait, sélectionnez vos couleurs, qui sont le bleu turquoise et le bleu céruléen dans ce cas. Maintenant, j'utilise le bord de mon pinceau et je vois comment je me déplace de droite à gauche et de gauche à droite pour créer la direction du vent. Vous n'ajoutez pas de pigment partout, laissez des espaces blancs entre les formes ultérieures dans les nuages. Maintenant, vers le bas, je vais créer un ton de couleur uniforme. C'est parce que je ne veux pas trop de nuages vers le bas. Maintenant que nous avons ceci, je vais ajouter une couche plus foncée vers le haut. Je vous encourage à créer différents tons dans votre ciel créant de l'obscurité et de la lumière du même pigment ou légèrement différent. Cela crée de la profondeur. Habituellement, ajoutez les sections les plus sombres vers la partie supérieure du ciel. Parce que si vous remarquez la nature, c'est ainsi que le ciel est généralement plus sombre vers le point plus éloigné de nous. Dans cette section, vous devez vous déplacer rapidement. Maintenant, je prends un peu de violet et je l'ajoute vers les parties inférieures de mes nuages afin de créer des peluches dans les nuages. Cela ajoute une bonne profondeur, mais soyez très rare, en ajoutant du violet. Maintenant, j'ajoute des nuages en soulevant la couleur à l'aide du tissu. Une fois que j'ai soulevé certaines sections, je donne forme aux nuages. Les nuages et le ciel ont besoin de s'entraîner, et ils doivent se déplacer rapidement avant que votre papier ne sèche. Ne soyez pas déçu si vous ne le faites pas correctement la première fois et continuez à vous entraîner à créer des nuages. Une fois que vous avez pris le coup, il se déplace très vite. Laissez le ciel sécher et rejoignez-moi dans la prochaine leçon pour peindre le sable et les collines. 13. Sable et colline : Couche 01: J'utilise une brosse ronde de taille 10 et le pigment est un mélange de sienne brûlée et d'ocre jaune. Maintenant, je mets cette couleur, prends de l'eau et je l'étale sur toute la section de sable. Il suffit de prendre un peu d'eau et d'étaler la couleur. Nous voulons que le sable soit inégal parce que la nature n'est pas uniforme. Maintenant, ce que je vais faire, c'est que je vais prendre plus de pigment et le mettre en différentes sections et ça va être un peu aléatoire. C'est donc ce look irrégulier, qui vient. Ma couche de base est déjà mouillée et c'est pourquoi cela devient une technique mouillée sur mouillée lorsque je mets la deuxième couche de pigment. Nous avons déjà identifié nos sections d'ombres vers la droite des objets. C'est donc là que je vais mettre des feuilles de sable plus sombres pour signifier les régions ombragées. C'est ça. Je ne veux pas trop faire. Je vais attendre que la section sable sèche et y revienne. Passons maintenant à la première couche de la colline. J'utilise un pinceau rond taille 8. J'ai pris de l'eau claire et je ne mets cette eau claire que dans la section de la colline, laisse les cabanes pour l'instant et juste dans la section de colline avec une couche d'eau propre. Une fois que vous aurez cette eau, je vais utiliser du vert sève dans mon pinceau et ajouter des buissons à la colline. Ce que je vais faire, c'est avec le bord de mon pinceau, je vais simplement utiliser une pointe pour le toucher et laisser les couleurs se répandre un peu. Cette touche et cet ascenseur donnent un effet agréable aux buissons qui se trouvent sur les collines. Je vais aussi utiliser une petite sienne brûlée pour donner un peu de contraste dans les collines du sable qui se trouve derrière les buissons. Nous allons faire cette technique dans toute la colline. Maintenant que vous avez cette première section couverte, je vais prendre un mélange plus sombre en ajoutant du violet au vert sève pour créer les zones d'ombre. Il y aura des ombres près des chalets car c'est l'ombre du chalet sur la colline. Comme nous l'avons dit, puisque le soleil vient de la gauche, il y aura également des ombres sur le côté droit. Ce que je fais ici, c'est qu'il y a deux endroits où j'ajoute mes tons les plus profonds, proximité du chalet et du côté droit de la colline. Identifiez donc vos ombres dans votre tableau et ajoutez des tons plus profonds. Quelle que soit la couleur que vous avez déjà utilisée comme ton de base, ajoutez du violet à ce ton pour en faire une ombre ou un ton sombre. Utilisez la même technique en plaçant simplement un point à partir du bout de votre pinceau. Si votre toile est beaucoup plus grande, utilisez un pinceau plus gros et utilisez la même technique. Maintenant, ce que je fais, c'est que j'ajoute un peu aux bords pour que la colline ne se sente pas uniforme et que vous puissiez sentir les petits buissons qui poussent vers le sommet de la colline. Il suffit d'ajouter un peu qui sort de la colline de tous les côtés. Maintenant que nous avons cela, nous allons le laisser sécher et revenir mettre une deuxième disposition. Joignez-vous à moi dans la prochaine leçon alors que nous effectuons la deuxième couche pour le sable et la colline. 14. Sable et colline : Couche 02: Pour la deuxième couche de soleil, je prends un peu de vert sève et j'ajoute juste dans certaines sections des petites plantes envahies par la végétation. Utilisez un gros vert sève dans votre pinceau et j'utilise maintenant une brosse ronde de plus grande taille 10 et ajoute des verts plus foncés sous les collines et dans certaines sections vers la droite du sable. De plus, prenez de la sienne brûlée pour pouvoir ajouter un mélange de terre et de plantes qui s'y trouvent. Je ne veux pas que les lignes soient trop dures, donc je prends de l'eau et j'adoucit les lignes qui s'y trouvent. De plus, je prends une sienne brûlée et je définit un peu la partie terrestre sur le dessus, mais juste un peu. Regardez votre peinture et voyez où vous souhaitez ajouter de la profondeur et des feuilles plus foncées et utilisez les mélanges de couleurs que vous possédez. J'utilise du vert sève et je touche juste certaines sections pour montrer l'herbe irrégulière qui s'y trouve. Pendant que j'attends que ça sèche, je vais aller sur la colline. Maintenant sur la colline, je prends une autre eau claire très doucement pour qu'elle devienne mouillée. J'utilise un pinceau rond de plus grande taille 10 et j'ajoute mes régions plus sombres. Ce mélange est vert sève et violet. Il suffit d'ajouter de la profondeur aux sections en ajoutant vos zones d'ombre un peu plus profondes. J'ajoute les autres régions, mais elles sont beaucoup plus légères que mes principales régions d'ombre. Une fois l'aquarelle sèche, elle diminue de 50 % dans son pigment et c'est pourquoi nous devons continuer à assombrir les choses. Je suis revenu sur le sable et je suis en train d'assombrir la région sur laquelle nous venons de travailler, à savoir les plantes qui poussent près du sable. Je vais utiliser une technique d'éclaboussures pour créer un effet de sable. Ici, j'ai pris du pigment dans un pinceau, je vois comment je tiens le pinceau, et avec un autre pinceau, il suffit de taper le pinceau ci-dessous. Cela créera des éclaboussures qui ressemblent à des grains de sable pour votre région de sable. Cela fonctionne parfaitement à la fois pour le sable et si vous créez également beaucoup de feuillage, vous pouvez utiliser cette technique. Il suffit de lever la couleur dans un pinceau et, avec l'autre pinceau, toucher le pinceau ci-dessous. Comme nous l'avons fait lors de notre échauffement, nous avons appris la technique des brosses sèches. J'ajoute quelques coups de pinceau sec sur mon soleil parce que je veux montrer un aspect irrégulier du soleil. Ici, j'utilise juste Sienna brûlée. Vous utilisez ces deux, trois choses comme la technique des éclaboussures et la technique de brosse sèche pour donner un bon effet au sable. Joignez-vous à moi dans la prochaine classe alors que nous travaillons sur la mer et le chalet. 15. Mer et Cottage: Assurez-vous de changer votre eau avant de commencer par la mer. Nous ne voudrions pas qu'aucun brun ou vert soit mélangé dans la mer. Nous allons maintenant appliquer la technique du pinceau sec que nous avons pratiquée. Coups rapides de gauche à droite, ce qui contribuera à créer du mouvement. La couleur que j'utilise est le bleu turquoise, un mélange de bleu turquoise et de bleu céruléen, et j'utilise un pinceau rond taille 10. Maintenant, je vais prendre un mélange plus sombre de la même couleur et ajouter des traits plus sombres pour montrer les vagues et la profondeur dans la mer. Essayez d'utiliser le bord de votre pinceau, le bout de votre pinceau, afin d'obtenir des lignes plus fines et plus fines afin qu'il ressemble à des vagues qui se trouvent dans la mer. Assurez-vous de laisser les blancs entre les deux. Maintenant, cette partie que je fais est celle des vagues qui reculent, qui vont de droite à gauche, donc je mets aussi quelques vagues du côté droit. Assurez-vous de laisser les blancs, cela montre le reflet du soleil et aussi la mousse qui se forme lorsque la mer atteint le rivage. Ajoutez quelques sombres et créez des vagues. Je suis content de la façon dont cela se passe. Je prends un pinceau légèrement plus petit taille 6 pour créer des détails plus fins et je mets une couleur plus foncée vers le haut, ce qui est comme vers la ligne d'horizon. Cela contribue à créer de la profondeur dans la mer que nous montrons. Maintenant, je prends quelques bruns et je le touche à la fin pour montrer des petites pierres et des rochers qui se trouvent dans la mer. Cela crée un contraste agréable avec la mer. Maintenant, comme on l'a dit, le côté droit a l'ombre, donc j'utilise la sienne brûlée et l'assombrit vers le côté droit. Maintenant, je vais travailler un peu sur le chalet, donc je prends de l'ocre jaune et je l'ajoute un peu au chalet. J'utilise toujours une brosse ronde de taille 6 et j' utiliserai une couleur écarlate ou rouge pour ajouter les toits du chalet. Faites-le avec précaution, car c'est un espace vraiment petit. Il n'a pas besoin d'être trop détaillé car le chalet est très éloigné, mais juste un aperçu qu'il y a quelque chose sur les collines. Je prends aussi un peu de vert sève et je l'ajoute à la partie inférieure du chalet pour montrer l'ombre sur les collines, ce qui crée une belle profondeur. En ajoutant également la deuxième couche aux rochers, c'est la sienne brûlée. Je ne fais que l'ajouter Dab, Dab, Dab. Avec les aquarelles, nous avons besoin que les sections sèchent, sorte que nous continuons à revenir aux sections pour une deuxième et une troisième couche et nous ne faisons pas la partie entière ensemble. C'est pourquoi vous me voyez bouger et revenir parce que j'attends qu'il sèche. Maintenant que la mer est également sèche, je vais ajouter quelques coups supplémentaires pour qu'ils soient plus définis. Vous pouvez utiliser tout ce processus et ce style pour n'importe laquelle des peintures que vous créez. Je suis content de la façon dont cela prend forme, rejoignez-moi à la prochaine leçon pour quelques touches finales. 16. Figures et touches finales: Je vais maintenant ajouter des figures humaines au tableau. C'est complètement facultatif. Les figures humaines sont très simples. Dessinez une tête ronde en forme de carotte ou de rectangle, dessinez un corps et utilisez du brun pour dessiner les pattes. Il suffit de voir qu'une jambe est plus petite que l' autre pour montrer du mouvement comme si la personne marche. L'ajout de figures ajoute beaucoup de caractère à notre peinture. J'ajoute deux personnes comme si elles allaient faire une promenade matinale ensemble. De même, une tête ronde, un corps triangle qui ressemble à une carotte et deux pattes, dont l'une sera plus petite pour montrer que la personne a une jambe en avant et marche. Je vais également utiliser la couleur violette pour ajouter des ombres. Les ombres seront orientées vers la droite du peuple. J'aime comment ça sort, et les gens ont l'air d'être venus faire un jogging ou se promener le matin. Cette option est totalement facultative si vous souhaitez ajouter. Maintenant, j'utilise un pinceau pour fontaine pour donner un peu de définition aux cabanes. Je vais juste ajouter un peu aux toits et aux petites fenêtres, qui définiront ces chalets, sur la colline. Je vais maintenant utiliser un peu de violet et ajouter un peu d'ombre aux cabanes sur le côté droit des cabanes. Très légèrement et très peu. Cela ne fait qu'approfondir les chalets et donner une définition. Utilisez également le stylo plume pour définir légèrement les figures que nous avons dessinées. Maintenant, prenez votre tableau, regardez autour de vous, voyez s'il y a autre chose que vous aimeriez ajouter. Tout ce que vous aimeriez assombrir et approfondir. Il me reste quelques idées, il ne me reste que quelques petites touches. Revenons. J'ai pu voir quelque chose plus loin. Je vais simplement utiliser mon stylo plume pour dessiner quelques lignes et points abstraits. Rien de très défini, juste quelque chose qui montre qu'il y a quelque chose d'autre qui se passe. J'ajoute aussi quelques nuances plus sombres et plus profondes aux rochers et au chalet. Il s'agit d'une étape où vous devez voir dans votre tableau s'il y a quelque chose que vous aimeriez ajouter. Si vous êtes satisfait de votre peinture à ce stade, laissez-le tel quel. J'utilise un stylo blanc pour ajouter quelque chose sur les collines comme s'il y avait quelque chose de beaucoup plus loin. J'ai l'impression que cela donne plus de définition à mon jeu cérébral. En regardant ma mer, je veux simplement ajouter quelques vagues plus profondes. J'utilise le même mélange de céruléen et de bleu turquoise et j'ajoute juste quelques vagues. J'aime bien l'effet d'ajouter ces quelques nuances plus profondes. J'ai l'impression que ça ajoute beaucoup plus de caractère à la peinture. Quand je regarde la colline, j'ai l'impression qu'elle est devenue beaucoup plus légère que ce que j'aurais aimé. Je vais juste y retourner et ajouter quelques coups. Ici, j'utilise directement le violet et j' ajoute juste quelques traits vers le côté droit. Dès que je l'ajoute, je me sens heureux d'avoir donné beaucoup de profondeur. Il est également très important de savoir quand s'arrêter dans votre peinture. Je pense que nous allons nous arrêter ici parce que je suis plutôt content de la façon dont il est sorti. Maintenant, pour la partie la plus satisfaisante du retrait du ruban de masquage. Vous pouvez voir comment le ruban de masquage nous donne une ligne claire et définie comme dans un cadre. C'est pourquoi j'utilise toujours un ruban de masquage pour que mon eau ne déborde et que ma peinture ne déborde pas. C'est ça. Maintenant, signez le tableau, donnez-vous une tape dans le dos et profitez simplement de votre création. 17. Bonus : prendre une photo: Je vais vous montrer deux styles pour photographier votre tableau. Le premier style s'appelle un plat. Une pose à plat est la façon dont vous placez votre peinture à plat sur le sol et cela peut se faire aussi bien à l'intérieur qu'à l'extérieur. Ici, le soleil crée un beau fond. J'utilise ma boîte à peinture et mes pinceaux comme accessoire, et ils fabriquent de beaux accessoires. Maintenant, je prends mon téléphone et je le mets parallèlement et beaucoup plus haut que ma peinture, ce qui me donne une belle pose plate. J'en prends un horizontal et un vertical, mon mode grille est allumé sur mon téléphone et j'essaie de placer ma peinture dans la grille du milieu. Le deuxième style fonctionne magnifiquement à l'extérieur. Placez votre tableau devant votre scène et placez votre téléphone avant votre tableau. Cela donne une belle ambiance de montrer ce que vous avez peint et le fait que vous êtes en plein air. Essayez différentes façons de photographier votre tableau. Si vous avez vos propres conseils et techniques, partagez-les avec nous dans la section discussion, j'aimerais bien entendre ce que vous avez à dire. 18. Bonus : Rédigez une note: Après avoir terminé ma peinture, j'aimerais écrire une brève note sur la prise de raison de mes observations. C'est comme mon journal de peinture personnel. Je vous encourage à faire de même. Ça peut être n'importe quoi. Il peut s'agir de cet endroit, des choses que vous avez remarquées ce jour-là, ou de votre peinture, des choses que vous aimez faire, des choses que vous avez trouvées difficiles, des endroits que vous aimeriez pour améliorer ou pratiquer votre peinture, ou vous pouvez simplement écrire vos observations de couleur. Cela aide lorsque vous regardez en arrière ce tableau et votre petite note, cela ramène de doux souvenirs et de petits endroits sur lesquels vous aimeriez travailler, améliorer, et juste de petits morceaux de joie que vous avez ressenti ce jour-là. Je vous encourage à écrire une courte note chaque fois que vous terminez un tableau, que vous le fassiez à l'extérieur ou que vous le fassiez dans votre studio. 19. Réflexions finales: Merci d'avoir regardé ce cours. J'espère que ces techniques vous ont plu et que vous avez appliqué ces techniques à vos propres compositions et peintures. Veuillez télécharger votre peinture dans la section projet ci-dessous. Si vous avez des questions, hésitez pas à me contacter pendant la période de discussion. Pour m'aider à contacter la plupart des élèves, veuillez laisser un commentaire de cette classe. Si vous téléchargez votre travail sur Instagram, veuillez me taguer sur QuirkyKhadz. Allez, allez peindre.