Aquarelles intro à la saleté dans Procreate

1. Introduction à la bande-annonce du cours d'aquarelle désordonnée: Une couleur riche, de beaux mélanges, des fleurs et des saignements d'eau, et n'oubliez pas les éclaboussures. Vous devez avoir les éclaboussures. Nous parlons de peinture à l' aquarelle désordonnée, mais pas comme vous l'avez toujours su. Cette fois, c'est numérique et cette fois ça change la donne. Je m'appelle Tilla, et dans ce cours, nous donnons une nouvelle signification à l' aquarelle désordonnée . Dans ce cours d'introduction aux aquarelles désordonnées dans Procreate, vous apprendrez à reproduire aquarelle désordonnée traditionnelle numériquement l'aquarelle désordonnée traditionnelle, puis nous ajouterons des compétences, des techniques et des méthodes au fur et à mesure que le cours progresse vers capitaliser sur tous les avantages que nous avons de peindre numériquement. Tout est étape par étape et adapté aux débutants. Vous pourrez suivre le chemin, même si vous n'avez jamais peint à l'aquarelle auparavant. En plus de ne pas avoir de gâchis lorsque vous peignez, nous avons également d'autres avantages, comme un bouton Annuler en deux touches pour faire disparaître littéralement les erreurs, superposer des éléments afin que vous puissiez ajuster une partie de votre peinture sans affectant les éléments voisins. recoloration à la volée, en utilisant la saturation et l'éclat n' est pas possible chez les pigments traditionnels. Une autre petite chose qui est vraiment importante, modes de fusion ou la possibilité d'influencer la façon dont les couleurs se fondent avec les couleurs en-dessous. Tous ces éléments combinés nous permettent d'avoir contrôle illimité sur un support autrement difficile. Avec 31 pinceaux inclus dans votre inscription, vous avez tout ce dont vous avez besoin pour peindre deux délicieuses aquarelles de bonbons pour les yeux. Vous serez prêt à peindre n'importe quel sujet que vous aimeriez à l'avenir. initier aux Aquarelles désordonnées de Procreate, vous avez tous les fournitures dont vous avez besoin en haut d'un stylet. Le nettoyage consiste simplement à appuyer sur votre bouton de verrouillage et vous êtes déjà dans le format dont vous avez besoin pour imprimer votre travail. Cliquez sur « S'inscrire » pour peindre des aquarelles désordonnées dans Procreate. 2. Bienvenue/aperçu du cours: Bienvenue dans le cours. m'appelle Tilla et je suis tellement excité que vous soyez là et que nous puissions créer une aquarelle désordonnée et procréer ensemble. Dans cette vidéo, je veux juste vous donner un aperçu rapide des attentes, de ce que vous pouvez envisager d'apprendre pour ce style d'aquarelle désordonné au fur et à mesure. Tout d'abord, parlons des conditions préalables. Je recommande d'avoir une connaissance de base de Procreate, une familiarité avec l'interface si vous n'avez jamais ouvert Procreate auparavant et que vous êtes tout nouveau dans Procreate, alors je vous recommande de prendre mon Cours Procreate pour débutants. Si vous touchez mon image de profil dans Skillshare, vous pouvez trouver toutes mes différentes offres de cours et il y a un cours Procreate 5x for Beginners et c'est le cours que je recommande de suivre. Regardez tout cela et vous serez en pleine forme pour ce cours. Je tiens également à mentionner que si vous n' avez pas d'expérience de peinture à l' aquarelle numérique ou traditionnelle , c'est tout à fait très bien. Je vais partager tout ce que vous devez savoir pour créer des résultats d' aquarelle réalistes et désordonnés. C'est donc agréable à avoir, mais certainement pas nécessaire. Logiciels et fournitures. L'ensemble de ce cours a été enregistré à l'aide de Procreate version 5.2.5. Je vous recommande d'utiliser cette version ou une version plus récente, vous aurez également besoin d'un iPad qui prend en charge la sensibilité à la pression. Je suis sur un iPad Pro de cinquième génération, 12,9 pouces, 256 concerts, mais vous n'avez nullement besoin d'avoir un iPad Pro. Tout iPad prenant en charge la sensibilité à la pression sera parfaitement adapté. Il y a une liste à l'écran, et vous aurez également besoin d'un stylet compatible qui prend en charge la sensibilité à la pression. Je recommande l'Apple Pencil. stylets tiers peuvent être extrêmement imprévisibles et incohérents, c'est pourquoi l'Apple Pencil est ma recommandation. me demande souvent quels accessoires j'utilise. Je veux vous donner un aperçu rapide de ces derniers. J'utilise un protecteur d'écran. J'utilise le papier comme un protecteur d' écran et je l'utilise depuis plus de deux ans. Je le recommande vivement. C'est tellement mieux que de dessiner sur du verre, plus que vous ne le pensez que cela ferait une différence une fois que vous l'aurez. Il vous donne cette texture vraiment agréable qui donne l'impression d'être du papier. J'utilise aussi le papier comme des poignées de crayon et je les ai adorées car vous pouvez les garder sur votre Apple Pencil pendant que vous le chargez. D'autres poignées, vous devez l'enlever. Si vous cherchez une option plus abordable pour une poignée crayon, alors la poignée Nimble serait ma recommandation. Vous devrez l'enfiler et l' éteindre lorsque vous chargez votre Apple Pencil, mais ils font vraiment de merveilleuses poignées. Enfin, on m' a demandé à plusieurs reprises ce que j'utilise pour mon étui pour iPad, et je n'utilise que le Smart Keyboard Folio. J'ai le clavier à ma disposition chaque fois que j'en ai besoin, puis il se replie et sert également d'étui rigide. J'en ai été tellement content et je ne l'ai jamais utilisé que comme cas. Je n'ai pas exploré d' autres options de cas. C'est celui que j'utilise. Qu'est-ce que l'aquarelle désordonnée ? Le style aquarelle désordonné est un style ample de peinture à l' aquarelle. C'est une esthétique vraiment désordonnée où il y a beaucoup de travail mouillé sur mouillé et beaucoup d'éclaboussures de peinture, mais le sujet de la peinture est encore très facile à comprendre malgré le désordre. Il y a beaucoup de mélanges de couleurs, de saignements et de lavages et encore une fois, tous ces éclaboussures de peinture et beaucoup de coups lâches, et pourquoi faisons-nous cela numériquement au lieu de Traditionnellement ? En tant qu'artiste numérique et aimant le côté traditionnel de l'aquarelle, il y a plusieurs avantages à travailler numériquement et l'un de mes favoris est le double robinet Annuler. Donc, une peinture traditionnelle, si vous commettez une erreur, vous devez trouver comment la corriger puis vous savez toujours qu'elle est là. Avec le numérique, vous appuyez sur Annuler, puis c'est parti comme si ce n'était jamais arrivé. Vous disposez également de calques modifiables. Vous pouvez conserver tous vos éléments sur des calques distincts afin de pouvoir effectuer des ajustements avec des éléments proches d'autres éléments sans affecter ces autres éléments. Ensuite, il y a des modes de fusion. Vous pouvez modifier le type de mode de fusion associé à chaque calque, ce qui modifiera la façon dont les différentes couleurs se fondent avec les couleurs en-dessous. Vous pouvez également recolorer des éléments très facilement en quelques gestes rapides, vous pouvez recolorer n'importe quel élément avec n'importe quelle couleur que vous souhaitez. Il y a aussi ce que j'appelle la couleur impossible parce que nous travaillons dans le spectre des couleurs RVB, qui utilise la lumière au lieu des pigments, vous pouvez obtenir des couleurs plus vives et saturées car nous avons une gamme de couleurs plus large les pigments que l'on trouve dans peinture à l'aquarelle traditionnelle , puis elle est déjà prête à imprimer. Vous êtes déjà dans le bon format pour réutiliser votre illustration comme vous le souhaitez. Vous n'avez pas besoin de le scanner. Vous n'avez pas besoin d'effectuer d' ajustements dans Photoshop, votre illustration est déjà numérique et vous pouvez l' appliquer comme vous le souhaitez à une variété de choses différentes. Que allez-vous apprendre ? L'esthétique désordonnée de l'aquarelle, je considère trois niveaux différents de désordre. Selon vos préférences personnelles, vous pouvez choisir le niveau de désordre que vous souhaitez et je veux vous montrer à quoi ressemblent ces différents niveaux de désordre, comment appliquez-les, où les appliquer, quand les appliquer. Il y a trois niveaux de désordre, désordre au fur et à mesure qu'ils progressent. Le premier niveau est notre niveau le plus bas. C'est juste un peu de gâchis et un peu de coups lâches, et ensuite nous avons notre régulier lâche et désordonné où la majorité de nos coups sont plus lâches et nous avons quelques des zones plus messières dans notre peinture , puis nous allons enfin à extra perdre extra désordre. Nous avons beaucoup de zones d' aquarelle humides et humides ainsi que beaucoup et beaucoup de désordre. Tous ces éclaboussures de peinture là-dedans, mais là où c'est très intentionnel. Comme il s'agit d'un cours d' introduction nous allons examiner comment appliquer cela au cours de deux projets différents. Dans le premier projet, nous allons prendre une œuvre d'art traditionnellement peinte. J'ai peint cette branche feuillue et nous allons reproduire cette branche feuillue, puis nous allons appliquer les trois niveaux différents de désordre et c'est un excellent exercice à expérimenter avec car une fois que vous verrez comment et où appliquer les coups plus lâches et les éclaboussures désordonnés parce que tout est fait avec intention, vous saurez exactement quoi faire avec n'importe quel autre sujet que vous envisagez de peindre à l'avenir. Ensuite, dans le projet numéro 2, nous allons prendre une photo. Nous allons ajuster la couleur pour qu'elle soit plus saturée et plus attrayante dans notre peinture, puis nous allons l' interpréter dans l'esthétique désordonnée de l' aquarelle. Nous allons inclure des tonnes de textures. Nous allons jouer avec les modes de fusion. Nous allons déformer les choses. Nous allons nous amuser beaucoup en intégrant la texture de différentes manières dans la création d'œuvres d'art qui pourraient être confondus avec une peinture à l' aquarelle traditionnelle. Maintenant, il est temps de devenir désordonné. fur et à mesure que vous parcourez le cours, si vous décidez de publier l'une de vos illustrations sur Instagram, j'adorerais que vous utilisiez le #Procreate it et les aquarelles désordonnées et que vous me taguez aussi, ma poignée est tous les mardis. De cette façon, je peux le voir et lui envoyer un peu d'amour. Il s'agit d'un bref aperçu de notre cours, alors commençons. 3. Bonus + instructions d'installation: Dans cette vidéo, je vais vous montrer où trouver les cadeaux de votre classe et comment télécharger et les installer dans Procreate. abord, vous voudrez rendre à l'URL every-tuesday.com/messy-bonus. Cela vous amènera à une page qui ressemble à ceci. Une fois que vous arrivez sur cette page, elle est protégée par mot de passe car il s' agit d'un bonus uniquement disponible pour les membres Skillshare. Lorsque vous arrivez ici dans la zone du mot de passe, vous voulez vous assurer d'activer le verrouillage des majuscules et de taper M-E-S-S-Y, c'est juste DÉSORDRE, puis appuyez Go et cela vous amènera à vos cadeaux. Vous pouvez filtrer les cadeaux ou simplement les faire défiler. Le tout premier ici, c'est votre ensemble de pinceaux. Tout au long des vidéos du cours, vous me verrez utiliser et accéder à l'ensemble complet de pinceaux aquarelle désordonnés, qui contient plus de 200 pinceaux. Mais ne vous inquiétez pas, je vous ai donné tous les pinceaux dont vous avez besoin pour réaliser tous les projets de cette classe. Cet ensemble d'échantillonneurs contient 31 pinceaux de l'ensemble complet de pinceaux. Vous allez télécharger celui-ci sous la forme d'un ensemble de pinceaux. Même si vous me voyez utiliser le jeu de pinceaux complet, vous avez toujours tous les pinceaux que vous devez suivre. Pour l'installer, vous allez appuyer sur cette image puis cliquer sur l'icône « Télécharger ». Cela va télécharger le jeu de pinceaux et il semble que rien ne se passe. Au fait, je suis dans Chrome. Je recommande vivement d'utiliser Chrome. Safari est vraiment incohérent lorsqu'il s' agit de télécharger des pinceaux Procreate. Veuillez utiliser Google Chrome comme navigateur et il fonctionnera à chaque fois pour vous. Une fois que vous avez cliqué sur cette petite icône de téléchargement, même s'il semble que rien ne s'est passé, c'est ici tout en bas. Vous le verrez dans la liste. Il s'agit d'un téléchargement plus important. Il s'agit de près de 30 mégs, donc le téléchargement peut prendre quelques secondes, mais ce sera juste ici. Ensuite, vous voulez simplement cliquer sur Télécharger, puis sur Ouvrir dans et vous obtiendrez Procreate comme l'une de vos options. Il suffit d'appuyer sur Procreate et il sera installé dans Procreate. Chaque fois que vous accédez à vos pinceaux, appuyez simplement sur les pinceaux. Ici, tout en haut de toutes vos catégories de pinceaux, vous le verrez répertorié et cela s'appelle Skillshare désordonné. Il suffit de taper dessus. Ce sont tous les pinceaux utilisés tout au long de cette classe. Maintenant, vous allez tous les installer. Revenons dans notre section bonus. Nous avons déjà téléchargé nos pinceaux. Les deux suivantes sont des images. Il s'agit d'un tableau que je propose que nous allons reproduire. Nous devons télécharger l' image source car nous allons recréer cette image avec nos pinceaux. Ensuite, celle-ci est une photo source de Unsplash. Commençons par celui-là. C'est une œuvre d'art que je vous ai peinte et que je vous ai fournie. Vous n'avez pas besoin de le télécharger à partir d'un site Web spécifique comme celui-ci. Ce que vous voudrez faire, c'est simplement appuyer sur l'image, puis la télécharger. Il ouvrira cette image dans la même fenêtre et tout ce que vous voulez faire est de taper avec votre doigt et de la maintenir enfoncée pendant quelques secondes. Ensuite, ce menu apparaîtra et vous voulez simplement cliquer sur « Enregistrer l'image ». Lorsque vous enregistrez l'image, elle enregistre sur la pellicule de votre appareil photo. Ensuite, lorsque nous l' insérons dans Procreate, vous pouvez le retirer directement de la pellicule de votre appareil photo. Pour revenir à notre section bonus, il suffit d'appuyer sur la flèche arrière, et maintenant nous sommes de retour ici. L'image suivante que nous devons télécharger et sauvegarder est cette image pastèque. Appuyez sur l'image, puis cliquez cette petite icône de téléchargement et elle vous redirigera vers Unsplash. Parce que ce n'est pas ma photo, je ne peux pas la redistribuer. Je fournit le lien pour que vous puissiez le télécharger directement depuis le site Web d' Unsplash. Ce que nous allons faire, c'est cliquer sur « Download free ». Cela s'ouvrira dans sa propre fenêtre. Nous devons retirer cette barre inférieure ici à partir du moment où nous avons téléchargé nos jeux de pinceaux. Il suffit d'appuyer sur le X et vous voulez simplement le faire glisser vers haut et vous verrez un petit « Ouvrir dans » juste ici. Faites-le glisser vers le haut, touchez « Ouvrir dans », puis sélectionnez « Enregistrer l'image », ce qui l'enregistrera dans la pellicule de votre appareil photo. Revenons à nos bonus une fois de plus. Le dernier bonus est un lien vers le tableau Pinterest que j'ai créé pour cette classe. Si jamais vous êtes coincé en cours de route ou savez pas quoi faire avec vos textures, il peut être extrêmement utile de faire référence à des œuvres d'aquarelle désordonnées traditionnelles. Ce tableau Pinterest a l'œuvre d' artistes traditionnels aquarelles désordonnés. Vous pouvez obtenir beaucoup d'inspiration et obtenir un tas de conseils simplement en regardant leurs œuvres d'art et comment ils ont choisi injecter du désordre dans leur travail. Si vous appuyez dessus, puis sur la petite icône de téléchargement, il s'agit en fait d'un lien de redirection. Il vous amènera au conseil d'administration de Pinterest. Vous pouvez les parcourir, les taper dessus et enregistrer celles que vous souhaitez. 4. Taille de la toile et résolution: Dans cette vidéo, nous allons parler taille et de la résolution de la toile. Je suis essentiellement dans la vue de la galerie ici. Pour créer un tout nouveau canevas, vous allez toucher ce signe plus et il est livré avec beaucoup de toiles par défaut. Mais pour les besoins de cette classe, il sera vraiment utile de créer votre propre canevas, de cette façon, il peut être personnalisé à importe quelle œuvre d'art que vous créez. Pour créer un canevas personnalisé, vous devez cliquer sur cette icône ici. Cela affiche tous vos paramètres et options pour créer votre propre canevas personnalisé. La plus grande préoccupation de la plupart des gens lorsqu'ils créent un tout nouveau canevas est le nombre de couches auxquelles ils auront accès. C'est ici que vous verrez le nombre maximal de couches autorisées. Le nombre de couches que vous possédez est basé sur les dimensions de votre canevas. La résolution, c'est-à-dire le DPI ou les points par pouce, ainsi que la RAM de votre iPad. Parce qu'il y a tellement d'iPad différents maintenant, même si nous avons les mêmes dimensions et DPI, la quantité de couches que j' affiche sur mon écran pourrait être différente du vôtre car si nous avons différents iPad avec une RAM différente, c'est la raison pour laquelle. Pour tous les projets que nous allons créer dans cette classe, nous utilisons des photos sources. De la façon dont je travaille, je garde toujours ma photo source à gauche de l'œuvre que je suis en train de créer. Pour cette raison, toutes mes toiles seront plus larges que grandes. Je vous recommande simplement de rester avec moi, suivre les exercices et si vous trouvez qu' une taille de toile différente conviendra mieux à vous et à vos besoins, alors par tous les moyens, s'il vous plaît modifiez-le comme vous le souhaitez. Si vous avez certains objectifs spécifiques pour votre illustration, exemple si vous souhaitez les imprimer sur une certaine taille, c'est quelque chose que vous devez prendre en compte avant de créer votre canevas. Parce qu'une fois l' œuvre créée, vous n'êtes pas censé la mettre à l'échelle, car c' est à ce moment que vous étirez des pixels, c'est à ce moment que les choses commencent à devenir floues. Vous souhaitez vraiment créer votre œuvre d'art à la plus grande taille que vous ne l'utiliserez jamais. Mais le nombre de couches auxquelles vous avez accès peut être limité . Vous marchez sur une ligne fine en fonction spécifications de votre iPad et de la taille de votre toile. Nous voulons toujours utiliser un PPP de 300. Trois cents sont la résolution standard d'impression. Si vous avez déjà des projets ou pensez qu'il est possible que vous puissiez imprimer votre œuvre d'art à l'avenir, vous voulez conserver le set 300. Cela vous donnera juste une image beaucoup plus claire et plus belle. Parlons de largeur et de hauteur. Parce que je suis aux États-Unis, je travaille en pouces, et parce que beaucoup de ces œuvres d'art que j'aurais l' intention d'imprimer, c'est pourquoi je la garde en pouces, mais vous pourriez aussi travailler en pixels si vous êtes plus confortable ou le système métrique. Mais je vous donne juste un coup d'œil, je vais travailler en pouces juste parce que c'est comme ça que mon cerveau fonctionne avec des objets imprimés. Une très bonne taille que j'ai trouvée fonctionne bien pour de nombreuses applications d' impression qui nous donneront le maximum de calques dont nous aurons besoin pour cette œuvre d'art, 8 1/2 pouces de large sur six pouces de haut. Je vais passer à pouces et ici je vais mettre 8,5, puis une hauteur de six pouces. Parce que je suis sur un iPad Pro doté de la puce M1, c'est pourquoi je reçois un maximum de 178 couches. Quoi que vous décidiez d'utiliser pour vos dimensions ici, je vous recommande de vous assurer que vous disposez d' au moins 100 couches. Pour les projets que nous sommes en train de créer, si vous avez une centaine de couches ici, tout va bien. Tout ce qui est plus que cela n' est qu'un bonus pour nous. Cela vous donne simplement un peu plus de tranquillité d' esprit que vous pouvez expérimenter davantage ou ajouter d'autres couches et vous n' aurez pas besoin de fusionner des calques ensemble pour avoir accès à des calques supplémentaires. Il s'agit d'un aperçu rapide de la taille et de la résolution du canevas , ainsi que de la quantité maximale de calques. Dans la vidéo suivante, nous allons parler des profils de couleurs. 5. Profils de couleurs: Nous venons de finir de parler des dimensions de notre canevas dans le DPI. Ces dimensions changent parfois en fonction de l' illustration que nous recréons. Je vous ferai savoir au début de chaque projet quelles dimensions j'utilise. Si vous voulez suivre exactement, vous obtiendrez toujours cette information de ma part. Parlons de profils de couleurs. Si vous venez ici et que vous appuyez sur Profils de couleurs, vous verrez que vous disposez d'une catégorie RVB et d'une catégorie CMJN. Le RVB fait référence à tout ce qui comporte un écran, car c'est ainsi couleur est interprétée sur les appareils numériques, c'est avec la lumière. Ensuite, CMJN est votre encre traditionnelle pour imprimante. Cyan, magenta, jaune et noir. Chaque fois que vous travaillez avec le spectre lumineux ou le spectre RVB, vous obtenez une gamme de couleurs beaucoup plus large car vous pouvez avoir des couleurs plus saturées et plus intenses. Vous l'avez probablement remarqué sur n'importe quel écran d'ordinateur ou iPad, vos couleurs peuvent paraître beaucoup plus lumineuses et plus saturées car elles sont créées avec lumière par rapport à tout ce que vous avez jamais été imprimé. n'y a aucun moyen d'obtenir certaines des couleurs saturées que vous pouvez voir à l'écran avec des encres d'imprimante. C'est la principale différence entre RVB et CMJN. La règle générale lorsque vous créez des illustrations est de toujours vouloir créer des illustrations présentant la plus large gamme de couleurs disponible. De cette façon, si vous n'utilisez jamais vos illustrations que pour l' afficher numériquement, vous pourrez profiter de toutes les possibilités offertes par le spectre RVB. Si vous créez votre illustration en CMJN et que vous la publiez toujours dans un environnement numérique, vous manquez l'opportunité d'utiliser des couleurs plus saturées ou vives, ce qui pourrait vraiment faire de votre les œuvres d'art se distinguent beaucoup plus. Vous pouvez toujours passer de beaucoup de couleurs à moins de couleurs, mais vous ne pouvez jamais commencer par moins de couleurs, puis créer par magie toutes les couleurs supplémentaires dont vous avez besoin. Si nous commençons par RVB, qui a une gamme de couleurs la plus large et que nous décidons plus tard d'avoir besoin de CMJN, nous pourrons le changer en CMJN et cela réduira la quantité de couleurs que nous avons. Mais si nous commençons par CMJN, nous ne pouvons pas étendre ces couleurs en passant au RVB. Nous sommes coincés avec tout ce que nous avions accès au début. C'est pourquoi nous voulons toujours commencer par RVB, car vous pouvez toujours descendre mais vous ne pouvez pas monter. J'espère que c'est logique. Cela peut sembler un peu différent selon le type d'iPad que vous possédez. Si vous possédez un iPad plus récent, les nouveaux écrans d'iPad profitent d'une gamme de couleurs plus large car les écrans nous permettent de voir une gamme de couleurs encore plus grande. Si vous voulez vraiment vous débrouiller à moins qu'il y ait beaucoup de liens utiles, en particulier dans le site Web Procreate qui explique tous les différents profils de couleurs. Mais pour les besoins de cette classe, je vais travailler dans le profil couleur Display P3. Mais si vous ne l'avez pas, ce qui apparaît comme votre RVB par défaut. Si vous touchez RVB, et celui en haut, c'est peut-être celui-ci ici. Quel que soit le profil de couleurs sRGB par défaut, c'est la meilleure chose à faire. Il suffit d'utiliser ce qu'il est défini par défaut lorsque vous touchez RVB et vous serez prêt pour le reste de la classe. Maintenant que nous avons tous les paramètres dont nous avons besoin, nous pouvons même le renommer ici. Je peux étiqueter cela comme étant mon désordre par défaut car il fonctionne pour tant d'applications. C'est la taille que j' utiliserai pour la plupart de nos projets. Maintenant que j'ai ce qu' on appelle le désordre par défaut, je vais cliquer sur « Créer ». Je reçois cette nouvelle toile, si je sors de cette toile et que je vais créer un nouveau canevas dans la pile, je peux juste toucher le plus. Si je bascule jusqu'au bas de toutes mes toiles, vous pouvez le voir ici, désordonné par défaut. Ensuite, je peux choisir cela chaque fois que j'ai besoin d'une nouvelle toile, puis elle est dimensionnée de la façon dont j'avais besoin pour commencer à travailler dans ce style. 6. Droits d'utilisation des photos de référence: En utilisant les photos source, il existe deux scénarios différents pour utiliser des photos sources. Le premier scénario est lorsque vous créez des œuvres d'art basées sur une photographie. L'objectif final est de vendre l'œuvre que vous produisez en fonction de la photo source. Si vous utilisez une photo gratuite, vous voulez vous assurer que les droits sont clairement répertoriés pour elle et vous souhaitez rechercher certains mots lorsque vous lisez ces droits. abord, vous souhaitez rechercher l'autorisation de modifier, reproduire ou de copier l'image. Ce sont les trois principaux mots-clés de ce que nous faisons avec la photographie tout au long du cours. Perpétuel, vous ne souhaitez aucune date d'expiration ou de fin des droits répertoriés. Si les droits ne sont pas répertoriés. La meilleure façon d'agir est toujours contacter le propriétaire de la photo ou le site Web sur lequel la photo est disponible et d'obtenir une autorisation écrite, ce qui est parfait avec un e-mail, vous aurez votre autorisation écrite et vous serez prêt. Si vous utilisez une photo payante, si vous êtes allé sur un site de photos et que vous avez acheté une photo, vous pouvez donc l'utiliser comme source d'inspiration. Ou si vous envisagez d' acheter une photo, vous devez toujours garder à l'esprit que lorsque vous pensez acheter une photo, vous achetez la licence ou les droits utilisation de ce fichier dans des moyens spécifiques. Vous voulez vous assurer que les droits inclus dans votre achat couvrent ces trois mots-clés, la modification, la reproduction ou la copie de l'image. Vous souhaitez rechercher les limites éventuelles. Il peut s'agir du nombre d'articles que vous pouvez produire, ce que vous pouvez produire, manière dont vous pouvez les produire à toute expiration pour la licence. Lorsque vous achetez une photo, les droits peuvent être extrêmement spécifiques. Vous voulez simplement les lire et assurer qu'ils couvriront l' utilisation finale que vous souhaitez avec votre illustration. Il existe généralement des licences différentes fonction de la façon dont vous envisagez d'utiliser votre image. Par exemple, si vous l'utilisez sur un site Web, dans un blog ou dans un magazine, il dans un blog ou dans un magazine, peut s'agir d'une licence différente de celle par exemple, l'imprimer sur une tasse, puis de la vendre. Il suffit de lire les différents sites et les différentes licences qu'ils proposent. Assurez-vous que vous achetez la licence spécifique à l'utilisation que vous envisagez pour votre illustration finale. Une fois de plus, si quelque chose n' est pas clair, contactez toujours le propriétaire des photos ou le site Web sur lequel les droits de photos sont vendus. Expliquez-leur comment vous souhaitez l'utiliser et laissez-les vous dire par écrit quelle licence vous devez acheter. De cette façon, vous avez toujours un enregistrement de cela directement à partir de la source. scénario numéro 2 correspond au moment où vous créeriez des illustrations basées sur une photo et que vous envisagez de l'utiliser uniquement à des fins personnelles. Par projets personnels, je veux dire tout ce que vous créez pour la famille que vous n'avez jamais l'intention de vendre. Peut-être voulez-vous vous entraîner avec ça. Peut-être voulez-vous simplement créer des œuvres d'art pour votre maison. Tous ces éléments seraient considérés comme des usages personnels. Parce que vous n'avez pas l'intention de le vendre. Si vous utilisez une photographie qui n'énonce pas explicitement ses droits comme sur Pinterest, compte que si vous changez d'avis et que vous souhaitez vendre l'œuvre, vous risquez de ne pas être en mesure de le faire, ou il peut être difficile de retrouver le propriétaire d'origine. Enfin, je voulais juste jeter ça, si vous envisagez de créer des œuvres d'art pour un organisme à but non lucratif, la règle générale est de le traiter comme un usage commercial de cette façon que vous serez toujours couvert. car un organisme à but non lucratif est plus un usage professionnel qu'un usage personnel. 7. Influences et inspiration: Dans cette vidéo, je souhaite partager quelques inspirations et influences. Voici quelques-uns de mes artistes aquarelles traditionnels préférés qui travaillent dans le style désordonné de l' aquarelle, et je les ai divisés trois niveaux différents de désordre pour chaque artiste mes artistes aquarelles traditionnels préférés qui travaillent dans le style désordonné de l' aquarelle, et je les ai divisés en trois niveaux différents de désordre pour chaque artiste. je partage trois artistes différents dans ces trois versions différentes du style, même s'ils croisent quelques-uns d'entre eux dans le plus désordonné ou le moins désordonné. Je vous encourage vraiment à consulter leur Instagram, leurs sites Web, leurs Etsys. Ce ne sont que des artistes incroyables. Pour nos premiers artistes montrant un peu lâche et un peu désordonné, Inga Buive, et j'adore ses palettes de couleurs. Elle utilise une sorte de palette limitée pour les œuvres d'art qu'elle crée et il y a un peu de gâchis, et elle a juste ces magnifiques mélanges. C'est tellement captivant quand je regarde son travail, je n'arrête pas de le regarder. [RIRES] C'est tellement joli. La façon dont elle passe d'une couleur à l'autre, surtout dans cette image de feuille à gauche, est tellement belle. J'adore la façon dont elle mélange ses couleurs et elle ajoute dans son désordre de manière vraiment subtile, beaucoup de fois c'est juste un peu d'éclaboussures de peinture, parfois elle a un peu de lavage supplémentaire attachée à elle, mais pour la plupart, son œuvre d'art est très nette et propre, et puis elle a cette petite injection de désordre et quelques coups lâches. L'étape suivante est Sophie Rodionov et je l'ai mise dans la catégorie lâche et désordonnée, bien qu'elle ait pas mal d'œuvres d'art qui est dans le style de désordre extrême. Je vous encourage vraiment à découvrir ses œuvres d'art. Vous pouvez constater une différence notable entre le travail de Sophie et le travail d'Inga. Elle utilise beaucoup de mouillé sur mouillé dans ses œuvres d'art que j' adore cette juxtaposition entre ces lignes dures et des lignes vraiment super douces. Elle a des lavages de fond vraiment magnifiques, beaux, et une fois de plus, juste avoir ces zones de désordre extrême à côté ces lignes plus propres rend son œuvre d'art tellement intéressante, et là c'est juste beaucoup de points sur lesquels se concentrer et se faire aspirer. Elle publie également pas mal de vidéos de processus sur son Instagram, donc si vous êtes intéressé à voir comment elle travaille dans développer ses peintures, cela peut être vraiment utile quand vous êtes réinterpréter cette idée dans le format numérique. Et puis enfin pour la version extra lâche, extra désordonnée, j'ai choisi Dean Crouser, et vous remarquerez tout de suite la différence entre son œuvre d'art et les deux artistes précédents. Il utilise ce que j'aime penser comme une palette arc-en-ciel. Il y a tellement de couleurs, la gamme de couleurs et il les utilise de manière si intentionnelle et merveilleuse où vous n'obtenez pas de couleurs boueuses, manière si intentionnelle et merveilleuse où vous ce qui est l' une des choses les plus difficiles à faire. lorsque vous travaillez avec des œuvres d'aquarelle, surtout lorsque vous travaillez sur mouillé sur mouillé. J'adore qu'il ait juste ces magnifiques saignements de couleurs, des tonnes et des tonnes d'éclaboussures, et l'éclat et la saturation de ses œuvres d'art traditionnelles sont vraiment impressionnantes. Tout comme Sophie, ils font des allers-retours entre le milieu de gamme désordonné puis le super désordre. Jetez un coup d'œil à leurs différentes œuvres d'art, j'ai tiré les exemples qui vont avec ces catégories, mais ils ont tellement de choses dans leurs portefeuilles qui valent vraiment la peine d'y jeter un coup d'œil. Au fur et à mesure que nous avançons, si vous êtes coincé en cours de route ou si vous ne savez pas comment faire fonctionner une floraison désordonnée ou un lavage, ou si vous avez simplement besoin de regarder quelque chose qui a été créé traditionnellement pour voir comment l'eau coulait et j'ai fait référence au fait que, je le fais tout le temps, j'ai créé une planche Pinterest avec quelques-unes de mes inspirations aquarelles désordonnées préférées, aquarelle traditionnelle. Si vous voulez voir comment l' eau et les aquarelles réelles se déplacent ensemble et que vous voulez reproduire cela ou faire quelque chose de similaire dans tout ce que vous peignez, il peut être très utile de se référer à ces images. Ce tableau Pinterest est every-tuesday.com/messy-inspo, et il y a une grande collection que je vais continuer à ajouter, donc si jamais vous êtes à la recherche inspiration supplémentaire ou avez besoin d'une étincelle puis dirigez-vous vers le tableau de Pinterest et je vous ai couvert. 8. Proj1 : Répliquer la peinture, partie 1: Nous sommes prêts à commencer notre premier projet. Dans notre premier projet, le but de ce projet est de passer tous les différents niveaux de désordre que vous pouvez ajouter, comment décider où les ajouter et combien décider d'y ajouter. Nous allons y parvenir avec un exercice de peinture amusant. Nous allons prendre des œuvres d'art déjà peintes traditionnellement, et nous allons la reproduire et ensuite y ajouter du désordre. Nous devons donc créer un nouveau Canvas. Je vais toucher le signe « plus ». Si vous regardez la section Meilleures pratiques sur les profils de taille, de résolution et de couleur de Canvas , vous avez déjà le désordre par défaut, Canvas déjà configuré et c'est bon d'y aller. Sa taille est de 8,5 pouces par six pouces. Il se trouve dans le profil couleur Display P3 et il est à 300 ppp. Je vais taper là-dessus et l'ouvrir. Ensuite, nous allons apporter notre photo source, qui est cette œuvre d'aquarelle traditionnellement peinte. Je vais utiliser la branche feuillue pour ça. Si vous avez manqué le téléchargement et l'installation de vos bonus, assurez-vous d'abord de regarder cette vidéo, puis vous saurez que vous devez passer à la clé, cliquer sur Ajouter une catégorie, insérer une photo et la saisir à partir de votre rouleau de caméra. C'est la branche feuillue que nous allons reproduire. Je vais juste le réduire un peu et le remettre sur le côté juste ici. Je m'assure simplement que c'est la taille que je souhaite pour ma dernière œuvre d'art, qui sera créée sur le côté droit de mon écran. Je le rends un peu plus petit que d'habitude parce que je veux y inclure un peu de désordre. Je veux un peu de place en haut, en bas et sur les côtés pour inclure ce désordre. Avant de commencer à peindre, il y a quelques contrôles gestuels que nous utiliserons tout au long de cette classe. Je veux m'assurer que les contrôles gestuels que j'utilise correspondent à vos paramètres. Pour vérifier, nous allons passer à la petite icône en forme de roue dentée, aller dans Préférences, puis appuyez sur Commandes de gestes. Ici, sur le côté gauche, vous avez toutes vos catégories sous Pipette. Assurez-vous que le petit carré plus touch est activé que le petit carré plus l' Apple Pencil est allumé. Cela va nous permettre de collyrer les couleurs de nos photos sources très rapidement et facilement que nous pourrons ensuite intégrer dans notre illustration finale. Celles-ci seront probablement activées par défaut, mais le prochain paramètre ne le sera probablement pas. Alors venez ici où il est dit « calque select », et vous voulez choisir cette touche et maintenez-la et activez-la. Mon délai est fixé à 0,4 seconde. Au fur et à mesure que nous créons cette œuvre d'art, nous allons nous retrouver avec beaucoup de calques. Si jamais nous avons besoin de trouver un calque spécifique, suffit de toucher et de maintenir l'écran pour l'élément que nous voulons trouver dans notre palette de calques, et cela nous permettra de le sélectionner immédiatement. C'est donc un geste très pratique et je recommande vivement de l'activer. C'est ça. Allons sur « Terminé ». Nous pouvons maintenant commencer à peindre. chaque photo source, nous allons commencer par une trace de contour. Ensuite, nous allons l' apporter et ensuite nous allons tout peindre à partir de zéro. Créons maintenant notre trace de contour. Entrez dans vos calques, créez un tout nouveau calque. Nous allons passer au noir. Touchez deux fois où le noir est pour sélectionner le vrai noir. Je vais entrer dans mes pinceaux, et sous les Extras désordonnés, c'est ici que se trouvent tous vos pinceaux. Je crée parfois mon contour avec le pinceau à eau du mardi ou le crayon à croquis. L'un ou l'autre d'entre eux va très bien. Je vais m'en tenir au pinceau à eau du mardi pour créer mon contour. Encore une fois, assurez-vous d'être sur une toute nouvelle couche. Nous allons maintenant retracer cette œuvre aussi précisément que possible, et c'est ce qui va nous permettre de peindre de la même manière lorsque nous la recréons [MUSIQUE]. Nous pouvons prévisualiser notre plan et nous assurer que nous n'avons pas manqué de points évidents. Je vais juste activer et éteindre ça et voir. On dirait que j'ai tous les petits trous ou les lacunes de l'œuvre d'art. La partie suivante de ce contour permet de voir où la couleur change. J'aime toujours noter cela dans mes contours parce que ça me donne beaucoup mieux. Lorsque je commence à saigner les couleurs et à faire une autre couleur, je sais jusqu'où elles doivent aller en fonction de mon contour. Ici, je peux toujours voir que j'ai un peu de brun qui vient dans le bleu ici. Je le remarquerai sachant qu'il s'étend un peu plus loin, mais la majorité de celle-ci va s'asseoir juste là. Il ne s'arrête pas seulement le long de ce bord. Il pénètre dans la feuille, puis il s'estompe un peu plus. Je me laisse quelques notes visuelles en montrant simplement où cette couleur supplémentaire se fond dans d'autres sections. Celui-ci est plutôt subtil. J'ai un peu de réplique ici sur laquelle je peux me laisser une note. Ensuite, cette partie en sort un peu. C'est probablement la dernière petite zone. Je vois aussi que j' ai une bonne partie de ce bleu foncé qui vient de cette feuille dans la feuille bleu clair. Je vais aussi me donner une note à ce sujet. Je pense que c'est probablement la majorité. Celui-ci est assez subtil, mais nous allons le mettre là-dedans. Maintenant que j'ai ceci, si je désactive mon contour, si je désactive mon illustration, je peux prévisualiser ce contour. Cela me donne immédiatement un plan de jeu pour créer cette œuvre finale. Maintenant, je vais prendre ce contour et le faire glisser tout droit. Lorsque vous le sélectionnez ici, la seule chose que j'ai sélectionnée est de capturer et cela me permettra de le garder droit pendant que je le fais glisser. Vous verrez ces lignes orange, verrez la ligne orange du milieu qui apparaît. Cela me fait savoir que je suis parfaitement franc avec celui-ci. Je peux le faire glisser jusqu'à ce que je sois content de son emplacement ici. Nous pouvons maintenant commencer à peindre. Vous voulez simplement vous assurer que vous ne peignez jamais sur votre calque de contour. Allons étiqueter celui-ci Outline. Je vais créer une nouvelle couche. Je vais à Eyepipette, ce qui est l'un des gestes que nous avons mis en place. Si je tape sur ce petit carré ici et que je mets mon crayon sur la zone que je veux colorier, ou que je peux utiliser mon doigt et que je peux faire tomber de cette façon, je peux juste faites-le glisser et saisissez la couleur. Je sais que j'ai différentes nuances de cette couleur ici. Comme si c'était un peu plus léger ici qu'ici. Mais la façon dont ces pinceaux sont configurés, ils auront naturellement des zones plus transparentes et moins transparentes. Je gravite généralement vers la couleur de milieu de gamme ou les couleurs plus foncées. C'est beaucoup plus sombre ici. Je vais prendre plus d' un bleu de milieu de gamme juste là. Je vais toujours utiliser le pinceau à eau, le pinceau à eau du mardi pour cette partie. C'est la feuille que je réplique et je vais juste la peindre. Cela ressemble davantage au blocage des couleurs car nous allons y ajouter plus de détails plus tard. Lorsque vous utilisez ces pinceaux, il vous suffit de vous assurer qu' une fois que vous commencez à peindre, vous gardez votre stylet à l'écran. Ne soulevez pas avant d'avoir fini de peindre cette section. Sinon, vous obtiendrez un look mouillé sur sec où vos opacités vont se combiner avec tous les nouveaux traits que vous posez. C'est peint là-dedans. Nous pouvons prévisualiser et comparer en désactivant notre couche de contour. C'est le début de la reproduction numérique de cette œuvre. Nous allons maintenant passer à la feuille suivante. Chaque fois que je crée une nouvelle feuille, je crée un nouveau calque. Nous finirons par les fusionner plus tard pour fusionner certaines de ces couleurs et les saigner les unes dans les autres, mais c'est une très bonne habitude de tout diviser par couches. De cette façon, vous pouvez changer, réparer et ajuster les choses très facilement avant que nous ne nous aplatissions et que nous commencions vraiment à rendre cela désordonné. Je vais créer un tout nouveau calque et passons à cette feuille ici. Encore une fois, je vais prendre une couleur de milieu de gamme. Je vois que mon brun va aller jusqu'ici. Je suis juste en train de suivre le guide que j'ai dessiné mes grandes lignes. Encore une fois, je vais garder le stylet sur l'écran jusqu'à ce que j'ai fini peindre dans toute cette section. Si vous sortez de la ligne, ne vous inquiétez même pas. Nous pouvons toujours y remédier plus tard. J'ai ma feuille brune là-dedans. Nous pouvons le prévisualiser à nouveau. Je vais juste continuer à peindre toutes ces feuilles. Je vais accélérer la vidéo, mais chaque feuille sera sur son propre calque. Ensuite, nous passerons à mélanger les couleurs les unes dans les autres. [MUSIQUE] Nous pouvons désactiver le contour et voir à quoi cela ressemble. Nous avons réduit notre première couche de couleur et nous sommes définitivement sur notre chemin. Nous y arriverons. Dans la vidéo suivante, nous allons parler de la façon de fondre ces couleurs les unes dans les autres le plus bas parmi et aussi comment introduire le niveau de désordre les trois niveaux que nous allons créer. 9. Proj1 : Répliquer la peinture, partie 2: Nous sommes là où nous nous sommes arrêtés après la dernière vidéo. Nous avons notre peinture de base, et maintenant nous allons commencer à repousser ces couleurs ensemble et à les mélanger , puis nous allons ajouter la plus petite quantité de gâchis de nos trois niveaux. Jetons un coup d'œil et créons notre plan de jeu. Ici, c'est l'une de nos plus grandes zones de mélange. Nous pouvons voir que le bleu entre dans le vert, mais il se fond le long de ce bord. Nous devons pousser une partie de l'écran dans le bleu pour créer une transition plus fluide ici. Nous devons prendre le bleu de cela et le pousser un peu plus dans le vert, et nous devons prendre le vert et le pousser dans le bleu et créer ce joli mélange homogène ici. J'ai créé un pinceau pour vous aider spécifiquement. Si vous entrez dans vos outils de bavure, tapez sur la petite tache, puis sous extras désordonnés, vous voulez choisir la brosse à fleurs et à purger. Je vais en réduire un peu la taille. Nous devrons peut-être le modifier un peu. Je vais descendre à environ 30 % et voir comment cela fonctionne et nous nous adapterons à partir de là. Prenons ce calque et très rapidement, puisque nous avons maintenant plusieurs calques construits, nous pouvons utiliser l'un de nos raccourcis gestes. Je veux sélectionner ce bleu. Tout ce que j'ai à faire, c'est de mettre mon doigt sur l'écran au-dessus de ce bleu parce que c'est ce que je veux sélectionner, maintenir et attendre, et vous pouvez voir que je peux simplement glisser ce calque et maintenant ce calque est sélectionné. Je n'ai même pas besoin d'aller dans ma palette de calques et c'est là. C'est vraiment un geste pratique à choisir. Nous devons pousser ça un peu, j'appuie et je pousse légèrement, poussant cette couleur dans la couleur verte. Maintenant, nous allons prendre le vert et le pousser dans le bleu. Je vais mettre mon doigt sur l'écran, sélectionner le vert, et je peux repousser le vert dans le bleu. Je vais juste faire des allers-retours comme ça jusqu'à ce que je sois content de l' apparence du mélange. Vous pouvez voir que je perds un peu de texture ici, mais ne vous inquiétez pas du tout. Nous avons beaucoup de trucs que nous pouvons utiliser pour récupérer ça. Nous avons ce mélange en cours ici maintenant, et nous allons maintenant nous concentrer sur ce petit mélange ici. Revenons à celui-ci. Je vais taper sur l'écran, faire sélectionner ce brun, puis pousser avec mon pinceau à taches sur le brun, puis sélectionner le bleu et pousser. Je pousse juste un peu ici parce que je sais que j'ai besoin de plus brun dans le bleu et que le bleu entre dans le brun. Je fais juste des allers-retours jusqu'à ce que je reçoive ce joyeux médium de ce que j'aime. Je pense que j'ai trop poussé le bleu dans le brun, je reviendrai à ma couche bleue et je repousserai ça dans la zone bleue. Revenez toujours ici et voyez ce qui se passe et voyez si vous devez ajuster quoi que ce soit. Voyons voir, je pense que ça a l' air plutôt bien. Je peux repousser le brun, juste une tache et on y va. Sur ce mélange ici, nous allons continuer à faire la même chose. J'utilise ce contrôle gestuel et j' appuie un peu. J'appuie avec beaucoup de pression, puis je le pousse vers le haut. C'est juste pousser la couleur dans la direction où va mon styliste, et il semble que j'ai besoin qu'elle soit plus subtile ici pour que je puisse la repousser et utiliser moins de pression poussez moins de couleur lorsque vous utilisez moins de pression dessus. Je vois comment le bleu et le brun se sont heurtés. Je fais constamment des allers-retours, regardant mes œuvres d'art originales. Poussez ce bleu plus clair vers le bas un peu plus dans le brun. Nous allons comparer. Il me semble que j'ai besoin d'un peu plus bleu clair dans cette zone. Je vais juste pousser ça et reculer un peu le bleu foncé. Il faudra un peu de pratique et de finesse. Mais une fois que vous serez dans le rythme et que vous verrez comment les couleurs se déplacent, il cliquera définitivement et vous saurez exactement quoi faire. Vous pouvez jouer avec ça et l'ajuster toute la journée. Si je pousse là où il n'y a pas de couleur, je peux pousser dans la couleur et réduire la quantité de couleur dans cette zone ainsi que les joies de l'utilisation d'un pinceau à taches. où deux couleurs frappent, surtout parce que cela a été peint plus humide sur mouillé que humide et sec, c'est pourquoi je reçois tous ces jolis mélanges. Je fais donc attention quand je vois que j' avais cette petite zone où ils étaient touchés, je savais que je devais les mélanger un peu. Nous pouvons maintenant nous concentrer sur ce bord qui est un peu plus difficile. C'est plus humide sur sec, mais vous pouvez voir que nous avons des bordures sombres qui se produisent juste là, que nous pouvons certainement incorporer un peu. Mais lissons tout ça un peu. Je vais attraper ma couche verte et juste une très petite quantité de bavures ici. Voyons ce qui se passe là où le bleu foncé frappe le vert foncé. Nous avons un peu de saignement du vert dans le bleu foncé. Voyons si nous avons quelque chose d'autre ici, je pense que c'est vraiment subtil. Je n'ai pas trop à m' inquiéter de cette partie. Nous voulons simplement que ces deux-là se transforment l'un à l'autre. Maintenant, je veux vous montrer une petite astuce pour créer cette bordure vraiment sombre qui occupe une place prépondérante dans beaucoup d'œuvres d' aquarelle. Vous pouvez voir ce bord très fin qui est vraiment sombre et nous l'avons aussi le long de ce bord. Nous avons des zones sombres, je vais vous montrer comment y mettre ça. abord, colorions cette couleur vert foncé dont nous aurons besoin. Je vais frapper cette petite icône et prendre la couleur foncée. Lorsque je reviendrai ici sur mon illustration et que je vais sélectionner ce calque, touchez jusqu' à ce que vous le trouviez, sélectionnez-le, et maintenant nous devons créer une sélection de ce calque. Je vais appuyer sur la vignette de mon calque et choisir Sélectionner, et ici, assurez-vous que le remplissage de couleur n'est pas sélectionné, sinon vous devez le refaire. Vous souhaitez uniquement que cette icône Ajouter soit mise en surbrillance, sinon elle ne fonctionnera pas. Ensuite, vous allez revenir à vos calques, créer un tout nouveau calque juste au-dessus et je vais sélectionner à nouveau mon pinceau à eau en haut. Ce que cela fait, c'est que cela me permet seulement peindre dans les limites de cette feuille. Je ne peux rien peindre ici. Cela va seulement me permettre de peindre à l'intérieur de la feuille. C'est ce qui va me permettre de peindre très soigneusement le long du bord et de me donner cette ligne vraiment sombre et elle sera parfaite le long de ce bord car nous avons créé la sélection. Je peux peindre ici et le bord de mon pinceau commence tout juste à le toucher, donc je peux le rendre beau et fin et je n' ai pas à m'inquiéter de sortir des lignes et je peux obtenir ce look plus réaliste. Regardez-moi notre image et nous l'avons aussi autour de cette ouverture pour que je puisse la peindre là-dedans. Il vous sera utile d'avoir votre pinceau sur le côté plus petit pour certaines parties de cela, surtout si vous êtes dans de petits espaces, je suis à 8 pour cent. Nous avons pas mal de choses ici. Je peux peindre ce côté , mais je veux aussi vous montrer quelque chose d'autre que vous pouvez faire. Cette partie saigne un peu. Vous pouvez voir cette courbe là où j'ai cette couleur plus foncée. Je pense que j'ai trop de noir ici pour que je puisse en effacer une partie. Mettez-le dans un peu plus léger. Mais ici, je peux prendre mon outil de bavure et je peux tacher pendant que j'ai toujours la sélection active, ce qui lui permettra de ne pas tacher à l'extérieur de cette feuille. Je peux juste pousser ici. J'ai cette ligne dure, puis j'obtiens aussi ce mélange qui se produit avec le vert foncé dans le vert clair. Vous pouvez voir que cela correspond très bien maintenant. Si j'ai besoin d'ajouter plus de couleur pour passer à votre pinceau, ajoutez-en un peu plus sur le bord. Poussez si vous avez besoin d'en pousser davantage. Je veux m'assurer de garder ce bord sombre une fois que j'ai fini de le mélanger. Ça a l'air vraiment bien. Je suis content de ça. Je dois remonter de ce côté juste un peu plus avant de désélectionner. Je vais aussi assombrir ce bord qui a été taché, ce je peux aussi faire à cause de cette sélection. Je peux même me tacher un peu ici aussi. Maintenant, nous pouvons désélectionner et regarder ce que nous avons. Si nous voulons que cela se démarque un peu plus, il suffit de changer votre mode de fusion, voici nos détails sur cette feuille, pour se multiplier. Appuyez sur le « n », puis choisissez « Multiplier » et cela le rendra un peu plus sombre, sorte qu'il se démarquera un peu plus. Nous avons ça le long de ce bord ici, et un peu le long de ce bord. Nous devons ajouter un peu de bavures au sommet de cette feuille, et je peux aussi faire le tour de ce bord et de ce bord. Je vais accélérer la vidéo, mais je fais exactement ce que nous venons de traverser avec cette feuille et je l'applique aux autres feuilles de mon tableau ici. Je vais commencer par cette feuille d'abord. Créez une sélection en appuyant sur la vignette du calque et en choisissant Sélectionner, créez un tout nouveau calque juste au-dessus. Je vais choisir la couleur dont j'ai besoin. Une couleur foncée. Allons le trouver. Ensuite, j'ai mon pinceau à eau. Regardez où je dois le peindre, juste le long de ce bord supérieur, et peignez-le dedans. Cette partie peut prendre beaucoup de temps en fonction la précision que vous souhaitez la comparer à l'original. C'est votre œuvre d'art, rendez-la aussi précise ou imprécise que vous le souhaitez. Je peux aussi mettre un bloc de couleur. J'ai remarqué qu'il y avait beaucoup d' obscurité ici. Je viens de me donner une de couleur, puis je vais utiliser touche de couleur, puis je vais utiliser mon pinceau à taches et l'enlever. Je peux l'enfoncer, je peux étendre la couleur plus foncée, ou je peux l'apporter en poussant de l'extérieur. Je peux en réduire l'intensité, mais je peux alors mettre cette ombre très facilement. Il se bloque dans la sélection des manches , donc je prends également la texture qui se trouve dans la feuille. C'est un autre conseil très pratique pour ajouter ombrage et rester confiné dans les limites d'une forme. Cela ressemble plus à cette zone maintenant à cause de cette obscurité. Nous allons sélectionner la couche brune. Vous devez en créer une sélection. Appuyez sur la vignette du calque, sélectionnez, créez un tout nouveau calque juste au-dessus, puis sélectionnez la couleur avec laquelle je vais peindre. [MUSIQUE] Je pense que c'est plutôt bon pour le brun. J'ai un peu d' obscurité que je veux ajouter ici. Je viens de remarquer que j' ai un peu de rayures et un petit point ici. Ajoutez-le et tachez-le. Passons à la feuille bleue. Appuyez sur « Maintenir », touchez « Sélectionner », créez un tout nouveau calque. Prenez la couleur dont nous avons besoin. [MUSIQUE] La feuille suivante, appuyez sur « Sélectionner », accédez à vos calques, touchez « Sélectionner », calques, créez un tout nouveau calque. Prenez la couleur dont vous avez besoin. Une fois que vous aurez fait cela cinq fois, il commencera à venir très naturellement. [MUSIQUE] Je vais juste adoucir un peu ça et je vais y retourner et durcir un peu plus, donc j'ai une belle transition vers cette couleur plus foncée. Ce dernier est probablement notre plus complexe car il se passe beaucoup de choses ici, surtout ce seul coup qui arrive presque au milieu de la feuille. Voyons exactement ce que nous devons faire. Sélectionnons notre feuille, accédons à nos calques, touchons la vignette du calque et choisissons, Sélectionner, revenir à vos calques, créer un tout nouveau calque juste au-dessus. Nous allons prendre la couleur foncée dont nous avons besoin, que je peux juste saisir cette couleur sombre ici, revenir et voyons voir. Tout d'abord, nous n'avons pas besoin de ligne dure le long de ce bord. Nous avons besoin de lignes dures ici et d'obscurité. Juste le long de ce bord, nous avons besoin d'une ligne dure. Nous devons ajouter une ligne dure ici et beaucoup de bavures ici. Prenons soin du sommet d'abord car c'est le plus facile. Je vais juste peindre un bloc de couleur et je vais l'effacer. Maintenant, nous avons un peu de couleur qui descend. Je vais juste baisser cette couleur un peu. Nous avons cette ligne qui arrive le long de ce petit écart et jusqu' au bas de cet écart. Je vais juste mettre une petite ligne et nous allons baisser cette gentillesse et doucement seulement d'un côté de la ligne. Nous devons ajouter plus d' obscurité ici. Voyons voir. J'ai un peu de notre ligne qui arrive comme ça. Nous devons maintenant ajouter cette ligne dure le long de ce bord. Voyons voir. Nous avons aussi un peu d' obscurité juste là, mais pas autant qu'ici. Est-ce qu'on a besoin de quelque chose ici ? Peut-être juste un peu ici et un peu juste là. Ensuite, celui-ci sera fait. Je vais désélectionner. Nous avons maintenant reproduit un grand nombre de nos zones de bavure, de l' original à notre version numérique, et cela ressemble de plus en plus à de l'aquarelle. La dernière petite partie serait le long de la tige ici. Nous avons un avantage dur et un peu ici. Ensuite, nous pourrons continuer à ajouter notre désordre. Je vais sélectionner ma tige, taper sur la vignette du calque, choisir Sélectionner, créer un tout nouveau calque juste au-dessus, et saisir cette couleur plus foncée et peindre le long de ce bord. [MUSIQUE] Je fais constamment des allers-retours entre le pinceau et la tache. Une fois que cette sélection est active, désélectionnez. Dans la prochaine vidéo, nous allons ajouter ce petit peu de désordre, puis nous continuerons ajouter de plus en plus de désordre à cela. 10. Proj1 : Petit peu libre et petit plus tard: Maintenant vient l'une de mes parties préférées de ce style, c'est d'ajouter à tous nos désordres. Nous allons d'abord faire le premier niveau de désordre, ce qui est juste de le rendre un peu lâche et d'ajouter juste un peu de gâchis, puis nous allons progressivement ajouter plus en plus à ce projet. . Pour notre premier niveau de désordre, je veux vous montrer quelques astuces que vous pouvez utiliser pour le rendre un peu plus lâche que le tableau original et commencer à le rendre désordonné. Nous devons d'abord examiner les zones qui sont vraiment évidentes pour le mélange ou les bords durs. C'est ce sur quoi je me concentre pour la première fois. Ici, nous avons cette zone de mélange dont j'ai parlé avant d' apporter une texture supplémentaire. Nous devons attirer un peu plus d'attention sur cette zone car il s'agit d'une zone de mélange si grande. Nous pourrions en créer un peu de fleurs, donc je vais saisir cette couleur, je vais créer une toute nouvelle couche en haut. Je vais aller dans mes pinceaux à fleurs, des fleurs désordonnées. Vous pouvez voir que nous avons beaucoup de choix. Cette zone ressemble davantage à une forme circulaire ou ovale. Nous pouvons essayer quelques-uns d'entre eux et voir ce que nous aimons. Le premier qui m' attire est Bloom 07. Voyons à quoi ça ressemble. Chaque fois que vous utilisez ces tampons, l'important est toujours vouloir les tamponner avec votre doigt. Si vous le tamponnez avec votre stylet, il prendra automatiquement plus de transparence que ce qu'il avait initialement programmé. Vous n'obtiendrez peut-être pas le niveau d'opacité que vous recherchez. Vous pouvez toujours descendre, mais si vous commencez par trop bas, cela rend la tâche plus difficile. Vous devez commencer à dupliquer des calques. C'est juste un travail supplémentaire que vous n'avez pas besoin de faire. Sautons simplement sur notre toile. Vous voulez vous assurer qu'il ne saigne aucun des bords. S'il est trop grand, suffit de réduire la taille et de le tamponner à nouveau. Mais la taille fonctionne. Maintenant, nous pouvons le sélectionner, assurez-vous que l'uniforme est sélectionné ici. Nous pouvons le réduire et le positionner en place. Cela va ajouter de la texture et rendre ce mélange beaucoup plus lisse, car ce pinceau, car ce pinceau, le tampon était basé sur une floraison réelle à l'aquarelle. Nous ne le voyons pas très bien, mais nous allons modifier le mode de fusion pour le multiplier. Appuyez sur le petit n, faites-le glisser vers le haut pour multiplier et maintenant nous pouvons voir que c'est une grosse petite tache ici. Mais nous pouvons le déplacer et voir ce que nous ressentons à ce sujet et nous pouvons même en faire un peu. Nous attirons davantage l'attention sur ce domaine et nous créons davantage de points focaux. Je pense toujours que c'est un peu trop sombre pour que nous puissions réduire l'opacité et trouver un juste milieu pour nous. C'est donc beaucoup mieux. Je suis à environ 40 %. Avant et après. Nous nous rapprochons beaucoup plus de l'original. J'ai également mentionné les bords durs. Nous pouvons voir que nous avons un avantage assez dur ici, et nous avons un avantage difficile ici. Une autre astuce que vous pouvez utiliser pour cela, regardons d'abord la brune, je vais saisir la zone la plus sombre de ce brun, créer un tout nouveau calque juste au-dessus de la couche de feuilles brunes ici, Je peux même le mettre au-dessus de ma zone de bavure. Ensuite, allez dans les brosses à taches douces. Touchez là et nous en avons besoin d'une légère courbe car nous allons suivre cette belle courbe vers le haut de la feuille. Si je viens ici, je peux voir celui-là a une belle courbe. Essayons celui-là et nous en avons d' autres que nous pouvons essayer si ça ne nous plaît pas. Essayons Soft Stain 11. Je vais le tamponner avec mon doigt une fois de plus. Vous pouvez voir qu'il saigne de la toile. Nous ne voulons pas cela, alors annulez, réduisez un peu la taille, tamponnez-la à nouveau, et maintenant nous pouvons la dimensionner vers le bas et la faire pivoter. Vous voulez toujours baisser la taille, vous ne voulez pas augmenter car il va ensuite étirer les pixels du tampon et cela va le rendre plus flou, surtout si vous voulez un disque dur ici, vous ne voulez pas qu'elle finisse floue simplement parce que vous augmentez au lieu de diminuer. C'est pourquoi je l'estampille toujours plus grand que nécessaire car je peux réduire la taille et l'adapter comme j'en ai besoin. Je suis juste en rotation et je m'ajuste. Je pense que je veux que cette partie curvier soit ici, donc je vais la retourner verticalement, puis je peux tourner. Assurez-vous de saisir le nœud vert et non le nœud jaune. Le jaune change simplement la taille de votre cadre de sélection, vous n'avez pas besoin de le faire. Nous le faisons pivoter avec le vert et maintenant je peux le déplacer en place, faire pivoter un peu et le mettre ici. Maintenant, il est temps de prendre la liberté créative, vous n'avez pas besoin de correspondre exactement à l' original, car maintenant nous allons commencer à ajouter notre désordre et ce que nous voulons voir en ce qui concerne les détails. ceci. Je vais rendre celle-ci un peu sombre pour qu'elle se démarque davantage. Je vais changer le mode de fusion pour qu'il se multiplie, mais c'est trop lourd, donc je vais réduire légèrement l'opacité. Je vais descendre à environ 50 %. Ensuite, je vais entacher certains de ces domaines que je ne veux pas autant se démarquer. Si nous regardons ici, je n'ai pas besoin d'un bord dur juste là ou juste ici. Je vais revenir et enlever ça juste en y pénétrant, et ensuite je pourrai trop tacher ici juste un peu pour le briser. J'ai un joli détail de ligne dure, ce qui le fait ressembler davantage vraies aquarelles et il se sent plus lâche dans son style et j'ajoute aussi ce détail et je le rompe. Faisons la même chose ici avec cette ligne dure. Nous pouvons apporter une autre tache molle. Permettez-moi d'attraper ce vert foncé, créer une toute nouvelle couche au-dessus de cette couche de feuilles, pénétrer dans des taches douces et j'en ai besoin d'une couche un peu plus droite cette fois. Essayons Soft Stain 14, tamponnez-le avec votre doigt et cette taille fonctionne, puis redimensionnez-la et déplacez-la en place. Vous pouvez voir, laissez-moi désélectionner et le faire se multiplier pour que vous puissiez mieux le voir. J'ai besoin d'un peu de courbe que je n'ai pas en ce moment. On va le déformer un peu. Je vais le mettre en place là où j'en ai besoin, puis j'ai besoin de cette partie pour remonter un peu. Nous allons appuyer sur Warp vers le bas dans mes paramètres de sélection et avec ces boîtes, je vais juste le pousser vers le haut, puis redescendre un peu celle-ci . Ensuite, je peux introduire une courbe à un élément autrement non courbé. Ce n'est pas extrême, il est subtil, mais il va s' intégrer et le rendre plus lâche par ici. Je vais juste entacher cette zone ici, briser un peu, je ne veux pas que ce soit cette ligne dure jusqu'au bout. Il semble plus naturel s' il est cassé dans des zones. Nous avons maintenant plus de détails là-dedans. Vous pouvez vraiment devenir fou avec cela et ajouter un tas de taches douces. Les taches douces sont vraiment une astuce que j'aime utiliser lorsque je réplique des œuvres d'art ou donne une sensation plus désordonnée. Nous avons maintenant quelques-uns de ces détails ici. Nous pouvons ajouter une autre floraison ici si nous le voulions. Mais continuons à avancer et à ajouter nos petits détails désordonnés. Pour nos petits détails désordonnés, je vais ajouter des éclaboussures et nous allons tacher les éclaboussures. Nous avons déjà commencé par assouplir le champ en ajoutant ces taches douces et en ajoutant une floraison. Ajoutons quelques éclaboussures. Je vais attraper le brun puisque celui-ci est assez haut, je pourrais utiliser du bleu foncé, mais j'ai déjà quelques zones bleu foncé et le marron est la seule couleur que je n' ai pas ici. Je pense que ce serait bien d' avoir quelques éclaboussures au-dessus de ces autres éléments bleus ou verts pour attirer l'attention sur ces autres éléments bleus ou verts le désordre. Vous pouvez faire n'importe quelle couleur que vous voulez, j'ai juste décidé d'aller avec le marron ici et c'est pourquoi. Je vais aller jusqu' au sommet, créer une toute nouvelle couche. Je vais prendre ma couleur brune. Rendez-vous dans vos éclaboussures en désordre et vous pouvez sélectionner toutes les éclaboussures désordonnées que vous souhaitez. Je vais choisir, voyons, je pense que Splatter 04 fonctionnera bien pour cela parce que je garde un minimum de gâchis avec celui-ci et que je tape sur l'écran et ça va trop loin, donc Je dois réduire un peu la taille et descendre à 35 pour cent, touchons à nouveau et voyons. Maintenant, je vais revenir à l'uniforme, je peux réduire un peu. Je veux juste planter ça ici. J'aime bien que je prenne certaines de ces pièces directement sur mon bleu, puis je les désélectionne. Avec ces calques encore sélectionnés nous allons saisir notre pinceau à taches. Pour certains de ces points, je veux qu'ils soient assis sur le dessus et d'autres, je veux qu' ils aient l'air de se mélanger avec des zones humides sur la feuille. Puisque je suis près d'une zone humide ici, je vais le faire maculer et je vais le salir. Je ne vais pas tous les salir, mais ça va paraître plus désordonné si certains d'entre eux ont atterri dans l'eau des feuilles et que d'autres touchent des zones sèches. Vous pouvez tacher une partie de votre point et laisser l'autre côté dur si vous le souhaitez. C'est totalement à vous de décider. Parce que je chevauche certaines zones de brun, je veux que les éclaboussures apparaissent encore là-dessus, donc je vais choisir le mode de fusion pour se multiplier. Appuyez sur le N, faites glisser le curseur vers le haut pour le multiplier et c'est trop sombre, donc je vais réduire un peu l'opacité juste là. Maintenant, c'est un peu plus lâche que j'ai commencé et c'est un peu plus désordonné. Dans la vidéo suivante, nous allons parler de l'amener au niveau moyen du désordre et d'autres astuces que j'utilise dans un style moyen désordonné. 11. Proj1 : lâche et désordonnée: Dans cette vidéo, nous passons à un niveau de style moyen désordonné, donc nous allons introduire beaucoup plus de gâchis que nous ne l'avons actuellement. Si vous voulez dupliquer votre fichier et commencer par un autre, de cette façon, vous avez toujours votre version originale du petit mess. Nous pouvons aller dans notre galerie, simplement faire glisser cela vers la gauche et choisir un double, puis nous pourrons ouvrir la nouvelle puis nous pourrons ouvrir la nouvelle galerie et de cette façon, nous avons séparé cela. Si jamais vous êtes préoccupé par les calques ou si vous vous demandez où vous en êtes avec vos calques, car au fur et à mesure que nous allons commencer à ajouter de plus en plus de couches. Parfois, vous me demandez, j'ai l'impression de m'approcher, quel point suis-je proche ? Vous pouvez le découvrir très facilement en appuyant simplement sur la clé ici, puis en appuyant sur «  Informations sur la toile ». Si vous basculez ici sur Calques, vous pouvez voir combien de couches vous avez utilisées, il vous indiquera le nombre de groupes. Il y a toutes les informations pour vous ici, mais l' important est vous pouvez voir que j'ai utilisé 20 couches et il me reste 158 à laquelle j'ai accès, et la quantité maximale de couches pour mon la taille du canevas, les dimensions, la RAM de mon iPad et la résolution ou le DPI m'ont permis 178. Cela vous indiquera toujours si vous vous rapprochez si vous souhaitez peut-être dupliquer votre fichier puis fusionner certaines couches ensemble, de cette façon, vous aurez toujours accès à ces couches ultérieurement. cela peut être très utile. Passons à autre chose. La prochaine partie va nous obliger à regrouper tous les calques que nous avons réalisés jusqu'à présent, donc je les fais glisser tous vers la droite, à l' exception de mon calque de contour et de mon illustration originale. couche. Je peux juste cliquer sur « Groupe », je peux changer ça. Comme je n'ai pas encore utilisé une tonne de couches, je vais juste garder ça ici, glisser et choisir le dupliquer. Je vais éteindre ce groupe original. De cette façon, j'ai toujours accès à ces calques si je le souhaite, alors appuyez sur la vignette de ce groupe et choisissez aplatir. Maintenant, tout cela se trouve sur une seule couche. La raison pour laquelle je fais cela est pour ce prochain niveau de désordre, nous devons commencer à salir certaines de ces zones et cela aura air plus naturel si elles se fondent toutes les unes dans les autres sur la même couche. Avec ce calque sélectionné, je vais revenir à mon pinceau à taches. J'ai toujours sélectionné le pinceau à taches Bloom and Bleed et je vais juste commencer à maculer certaines zones et à le rendre plus désordonné. Regarder cette zone est déjà désordonnée, alors exagérons un peu plus cela. Je vais juste venir ici et pousser dehors. [BRUIT] Plus je pousse loin, je peux commencer à faire une transition de cette couleur qui saigne en blanc. [BRUIT] C'est ce que je cherche ici. Je ne veux pas que ce soit trop fou, mais je veux qu'il soit évident qu'il s'agit d'une zone de bavure. Voyons si nous pouvons en introduire un autre. J'ai l'impression que ce bord dur est une autre occasion de rendre cela un peu plus désordonné, [BRUIT] donc je vais juste pousser ce bord un peu là où l'eau s' infiltre peut-être dans le arrière-plan et voyons voir. Une chose que vous voulez éviter est la symétrie lorsque vous faites cela, comme si j'ai une tache ici, je n'en veux pas une autre ici, mais je pourrais en mettre une ici et l'enlever et j'aime l'idée de ça, donc je n'en ai pas ici, mais j'en ai un de ce côté. J'en ai un de ce côté-ci. Je pourrais m'arrêter avec deux, mais je pense que je veux en ajouter une troisième juste pour avoir plus d'occasion de vous montrer ces petites options que vous pouvez ajouter. [BRUIT] C'est subtil, ce n'est pas extrême ici et je fais vraiment attention à ce que j' ai cette zone de bavure, mais je suis en train de s'estomper. [BRUIT] Je saisis de moins en moins de couleur et je la laisse passer naturellement au blanc. Avec la peinture à l' aquarelle traditionnelle, si vous avez ces zones qui s'effacent, il vous reste généralement une petite ligne fantôme de l'endroit où la couleur s'accumule et sèche le long du bord de l'eau. Nous pouvons ajouter cela dans. Commençons par le bleu ici. Je vais saisir cette couleur bleu moyen, créer un tout nouveau calque juste au-dessus et retourner dans les taches douces. Je cherche plus d'un bord courbé pour suivre cela, mais il va certainement se briser, et ici j'en ai quelques jolies. Le Soft Stains 2 fonctionnera bien pour cela. Tamponnez-le avec votre doigt et vous pouvez voir qu'il est vraiment subtil, mais il sera parfait pour cet effet. Faites-le descendre , puis faites-le pivoter comme vous en avez besoin. Je me connecte là où ça sort ici. J'ai besoin qu'il soit un peu plus petit que de le faire sortir et je veux que ce soit une belle transition là-bas pour que je puisse bavure et faire des bavures ici aussi. [BRUIT] Vous pouvez voir cette coloration qui sort et ensuite elle a l'air beaucoup plus réaliste. Je peux en ajouter un autre ici, car je l'avais sur le bord supérieur. Faisons en sorte que celui-ci arrive plus sur le bord inférieur. Je vais saisir cette couleur entre les deux et créer un tout nouveau calque. Prenons-en une autre cette fois, attrapons Stain 06, tampons-la, réduisez-la vers le bas, inclinez-la au besoin. Je vais tailler cette ligne dure parce que je ne veux pas que ce soit aussi dur, mais je veux quand même que vous voyez certains de ces bords. Ensuite, nous avons juste celui-ci ici. Prenons ce brun moyen, créons une toute nouvelle couche. Prenons 08 pour celui-là. Vous pouvez prendre ce que vous voulez. Je ne sais pas toujours que le timbre que je choisis va marcher, mais je l'essaie et si ça ne marche pas ou que je ne peux pas le faire fonctionner, alors j'en prends un autre, et puisque nous sommes sur une nouvelle couche, c'est vraiment facile. Il vous suffit de supprimer le calque et de créer un nouveau calque. J'aime bien ce que cela ressemble, mais j'ai l'impression qu'il est un peu fort donc je peux en réduire l'opacité. Je vais changer le mode de fusion pour qu' il se multiplie donc avec ce qui se trouve derrière d'une manière plus sombre, puis je vais entacher certaines de ces zones pour les briser un peu. [BRUIT] Vous pouvez déjà voir que nous sommes beaucoup plus désordonnés. Je pense que cet avantage doit aussi devenir plus désordonné. J'ai cet endroit sympa mais je n'aime pas comment ça arrive brusquement ici. J'ai l'impression que cela doit être décomposé un peu plus, donc je vais le faire et je peux simplement taper et saisir cette couche. J'ai ma brosse à taches et je le gâche un peu. Si je me pointe même avec ça, [BRUIT] Je peux rendre ce bord beaucoup plus irrégulier et adouci, ce qui brise un peu plus ce bord. Ça fait du bien et nous devons ajouter des éclaboussures supplémentaires à cela. Cette fois, prenons une partie de ce bleu plus foncé. Prenons par ici, allons créer une toute nouvelle couche en haut, retourner dans les éclaboussures et cette fois, prenons Splatter 7. Touchez avec votre doigt, pivoter, réduisez la taille. Faites-le venir ici peut-être. J'ai l'impression d'avoir beaucoup plus d'éclaboussures que ce dont j'ai besoin avec ça. Vous pouvez toujours effacer une partie des éclaboussures. Je ne veux pas autant que cela m'a donné, donc je vais juste effacer quelques-uns de ces points pour les briser un peu plus, changer le mode de fusion pour le multiplier. Comme nous l'avons fait auparavant, allons en tacher quelques-uns pour qu'ils se fondent avec ce qui se trouve en dessous d'eux. [BRUIT] C'est notre niveau de style désordonné de milieu de gamme et dans la vidéo suivante, nous allons tout mettre et ajouter une quantité extrême de désordre, mais pas enlever à la capacité du spectateur à encore comprendre ce qu' est le sujet et ce qui se passe dans la pièce. 12. Proj1 : Extra libre et plus désordonné: Dans cette vidéo, nous allons terminer le projet numéro 1 et ajouter notre niveau de désordre le plus intense et le plus extrême. Je vais donc vous montrer certaines des choses que je fais pour introduire ce nouveau niveau de désordre en plus de ce que nous avons déjà fait. La première chose que j'aime utiliser, c'est quelques-unes des brosses de lavage que j'ai créées pour vous. Ceux-ci aident vraiment à faire croire à la couleur qu'elle saigne au-delà de l' œuvre elle-même et de sa subtile. Vous pouvez voir que la couleur saigne, mais cela n'interrompra pas certaines courbes ou les forums qui permettent aux spectateurs comprendre quel est votre sujet. Donc le premier que je vais mettre près de cette feuille verte parce que j'ai l'impression c'est un joli bord dur qui attire beaucoup l' attention et que nous n'avons pas du tout gâché. C'est toujours super propre et on va chercher un super désordre ici. Donc, ce que je vais faire, c'est attraper ce vert foncé, créer un tout nouveau calque. Dans la catégorie lavage, vous pouvez voir qu'il y a un tas de lavages ici. Les meilleurs sont principalement destinés aux lavages de fond. Si vous souhaitez ajouter une texture de lavage d'arrière-plan à votre illustration. Mais si vous basculez vers le bas dans la partie centrale de l'ensemble de lavages, vous verrez des lavages plus subtils et c'est ce que nous allons utiliser. Je vais donc essayer le lavage numéro 23 pour ça. Encore une fois, il suffit de le taper avec votre doigt et de le mettre à l' échelle et de le placer ici et de voir ce qui se passe. Je pense que cela a l'air plutôt bien, mais ce n'est pas aussi évident ou intense que je le veux, donc je vais dupliquer cela et cela va doubler la transparence. Ensuite, je peux fusionner ces deux-là ensemble. Il suffit de les pincer pour les fusionner. Nous pouvons maintenant les repositionner si nous devons les orienter. J'aime bien que celui-ci soit tout droit. Je vais juste le planifier juste en haut d'ici. Nous pouvons également en faire une partie, comme si j'ai cette zone sombre, je peux le tailler dans ma feuille pour faire passer les deux ensemble, leur donner l'impression qu'ils appartiennent ensemble. J'ai aussi besoin de tacher ce bord de ma feuille pour qu'il semble qu'il saigne un peu plus. Je vais donc sélectionner cette feuille et tacher cette zone. Une autre chose que nous pouvons faire avec cette zone est la floraison. Je peux donc saisir cette couleur vert plus foncé, créer un tout nouveau calque. Allons voir nos tampons de fleurs. Celui-ci a un peu de courbe, alors prenons Loom 19 et tampons-le et réduisons un peu la taille. Maintenant, je peux le planter dans ce coin. Ce bord est beaucoup plus doux que vous ne pouviez pas faire avec un pinceau dans Procreate, mais nous pouvons le simuler avec un pinceau à tampon basé sur des aquarelles traditionnelles existantes. Donc, vous pouvez le voir, maintenant j'ai fait la transition. Je maintiens la texture à cause du tampon et il saigne. Si je change le mode de fusion pour qu'il se multiplie, je peux le fondre plus facilement de façon sombre avec ce qui se trouve en dessous. Appuyez donc sur le « N » et faites-le glisser pour multiplier et nous pourrons le tacher un peu si vous avez un avantage dur dont vous n'êtes pas fou . On y va. Maintenant, cela a l'air vraiment désordonné et ce lavage de fond aide vraiment à attacher tout cela en même temps. Il y a donc beaucoup de gâchis ici. Ajoutons un peu plus de gâchis au gâchis que nous avons ici, parce que c'est sympa . C'est un gâchis subtil, mais nous allons chercher un désordre extrême maintenant, donc nous devons vraiment gâcher ce bord. J'aime que ce coin supérieur sur le côté droit de mon œuvre soit affecté, puis j' ai affecté ce coin inférieur du côté gauche de mon œuvre. Je ne garde donc pas les choses symétriques parce qu'elles sont décentrées des deux côtés. Je suis toujours en train de créer un équilibre avec la quantité de désordre que j'introduit. Ajoutons donc un peu de désordre extrême ici de la même manière que nous l'avons fait ici. Nous pouvons ajouter une fleur à cela et nous ajouterons également l' un des lavages subtils. Je vais donc prendre mon brun. Je vais créer une nouvelle couche. Je veux utiliser une floraison différente de celle que j'ai faite ici. Essayons Bloom 23 et voyons ce qui se passe. Ça va sortir de la toile. On y va. Nous allons en parler ici, positionner ici. Je remarque déjà que j'ai un avantage que je veux rendre plus désordonné. Mais c'est vraiment bien. J'aime à quel point ça paraît désordonné par rapport à ce que nous avions auparavant. Regardez à quel point cela est plus désordonné et cela reste réaliste. Changeons le mode de fusion pour qu'il se multiplie et on peut le faire un peu. Je veux aussi tacher cette feuille. Je vais briser ce bord dur un peu , rien de trop fou. Maintenant, nous devons ajouter ce lavage derrière. Créez une nouvelle couche. J'ai toujours sélectionné ce même brun. Revoyons nos lavages. Je vais essayer Wash 19 pour ça. C'est trop gros. J'aime beaucoup ça. Changeons le mode de fusion de celui-ci pour le multiplier également. Vous pouvez voir où la feuille se chevauche. Nous obtenons également de belles lignes de texture supplémentaires tout au long de cela et si vous voulez les briser un peu, il suffit de tacher quelques zones mais laissez une partie de cette ligne évidente. Nous ne faisons qu'ajouter au réalisme et au désordre. Je pense aussi qu'ici, nous avons besoin quelques éclaboussures supplémentaires parce que nous avons tellement de choses à faire ici. J'aime bien ça. J'ai des éclaboussures ici. Je veux en savoir plus ici. Je veux vous montrer un pinceau que j'ai fait et que j'adore vraiment. Créez donc une toute nouvelle couche. Nous allons modifier ce mode de fusion pour qu'il se multiplie. C'est dans la catégorie des fleurs, alors dirigez-vous vers vos fleurs et c'est comme une éclaboussure de fleurs ici. C'est donc le numéro 25. Je vais le tamponner, réduire la taille et l'amener ici. C'est subtil, mais vous pouvez voir qu'il y a des taches d' éclaboussures qui se sont entièrement mélangées à des zones humides sur mouillées. C'est donc vraiment le désordre. La dernière chose que je remarque, c'est ici, ce bord, je pense que je veux une tache douce ici, car j'en ai juste là et juste ici. Examinons les brosses à taches et voyons comment rendre ce coin un peu plus désordonné. Je vais donc prendre mon vert. Je vais attraper l'un des verts les plus foncés, créer une toute nouvelle couche dirigée vers les taches douces. Je veux une légère courbe, alors je vais attraper la tache douce 12, réduire et la positionner juste ici. Je vais changer le mode de fusion pour multiplier et réduire l'opacité. Ensuite, je vais le rompre un peu avec le pinceau à taches. Ensuite, la dernière chose que je veux ajouter à cela est juste une texture de papier par-dessus, donc on a plus l'impression qu'elle a été peinte sur du vrai papier aquarelle. Je vais passer au sommet de tous mes calques, créer un tout nouveau calque, changer le mode de fusion pour multiplier, changer de couleur en noir. Appuyez donc sur le point de couleur, touchez deux fois où se trouve le noir, puis entrez dans vos pinceaux pour obtenir les extras désordonnés. Essayons le papier aquarelle 1 et voyons à quoi cela ressemble. J'ai la taille jusqu' au maximum. Je vais juste peindre dessus. Si ce n'est pas assez intense, vous pouvez voir que nous ajoutons plus de texture à toutes ces différentes zones. Si vous voulez qu'il soit plus intense, suffit de dupliquer ce calque. Si c'est trop intense, vous pouvez toujours le faire baisser un peu. Maintenant, c'est comme une fois et demie au lieu de 2 fois. On y va. Cela complète le projet numéro 1, où nous avons recréé œuvres d' aquarelle traditionnellement peintes et nous avons ajouté trois niveaux de désordre différents dans une variété de procédés, de méthodes et techniques. 13. Proj2 : configurer votre fichier: Dans ce projet, nous allons créer une pastèque aquarelle de style désordonné. Nous allons utiliser le même format que celui que nous avons utilisé jusqu'ici. Alors touchez le plus, et c'est ce désordre par défaut, qui est de huit pouces et demi sur six pouces, affiche le profil couleur P3 300 ppp. Nous allons maintenant apporter la référence photo de pastèque. Si vous ne l'avez pas encore téléchargé, assurez-vous de vous référer à la vidéo sur les bonus et les instructions d'installation. Je vais passer à ma clé, appuyer sur « Ajouter », « Insérer une photo ». Quand elle arrivera pour la première fois, la pastèque que nous allons utiliser pour cette illustration sera cette pastèque ici. Je vais donc le rendre un peu plus grand et remplir plus de mon écran et plus centré cette fois. Nous allons travailler un peu différemment de ce que nous avons fait jusqu'ici. Je veux vous montrer une autre façon poser votre peinture de base, et comment vous pouvez établir une stratégie sur laquelle vous allez placer vos éléments désordonnés, lorsque vous travaillez à partir d'une photo par rapport à l'aquarelle. Désélectionnez, et maintenant nous avons notre pastèque ici. Je veux faire quelques ajustements de couleurs avant de commencer notre peinture de base. J'ai juste l'impression que ce n'est pas aussi saturé qu'il pourrait l'être, et nous pouvons le rendre beaucoup plus appétissant. Je vais venir ici où se trouve la magie, et sélectionner « Teinte, Saturation et Luminosité ». La couleur est correcte, elle est précise, mais je veux qu'elle soit plus saturée. Je vais augmenter ma saturation à un niveau presque irréaliste, car cela va juste attirer plus l'attention sur elle et paraître beaucoup plus juteuse. C'est pourquoi j' augmente ma saturation jusqu'à 70 %. Je vais augmenter très légèrement ma luminosité, jusqu'à 53 %. Créez un tout nouveau calque, et dans la vidéo suivante, je vais vous guider à travers cette méthode alternative pour créer votre peinture de base. 14. Proj2 : Peindre de base: reprenant juste là où nous nous sommes arrêtés, je veux offrir un autre moyen, surtout lorsque vous avez un sujet plus détaillé que vous peignez sur la façon de créer votre peinture de base. Pour celle-ci, nous avons beaucoup de nuances différentes de roses, de blancs et de rouges, et nous avons des graines noires ici. Il y a tellement de variations de couleurs différentes que pour le rendre plus réaliste, nous voulons inclure autant de variations que possible. Mais cela peut être assez délicat si nous créons simplement un contour comme nous l'avons fait auparavant et que nous essayons de deviner où chaque petite tache doit aller. Nous pouvons peindre directement sur notre sujet juste pour nous donner notre peinture de base. Ensuite, nous allons écarter notre image source, faire preuve de créativité et infuser notre propre personnalité avec le style désordonné. Sur la nouvelle couche que nous avons créée, je vais venir à mes extras désordonnés et choisir le pinceau à eau du mardi pour cela. Nous allons juste commencer l'échantillonnage des couleurs. Je peux peindre dans mon vert ici. Je ne suis délibérément pas exact avec les choses. Je veux juste des petites taches ou des zones de couleur. Ce ne sont que des sections. Je bloque les couleurs. Je pose juste la couleur que je vois où elle est et elle n'a pas besoin d'être parfaite du tout. Je sais juste que j'ai une partie de cette couleur ici , alors je vais l'ajouter. Ce bord est vert foncé, donc je vais mettre ça dedans. Je vais juste passer par cette pièce entière et vous devez garder votre image à pleine opacité, sinon vous n'obtiendrez pas d'échantillons de couleurs précis. Je sais qu'il va être difficile de voir ce que vous avez peint et ce que vous n'avez pas encore peint. Mais lorsque cela se produit, il suffit d'entrer dans vos calques et désactiver votre image source. Il est normal que vous ayez des lacunes. J'ai un tas d' écarts entre ici. Cela va juste rendre le résultat plus original pour vous. Ne vous inquiétez pas du tout à ce sujet. Je vais vous expliquer exactement comment combler toutes ces lacunes et toutes les décisions que nous allons prendre après cela. Je vais accélérer la vidéo et je viens juste d'arriver. Je travaille essentiellement de gauche à droite et je change simplement cet échantillonnage de couleurs fur et à mesure que je progresse et ce geste. Assurez-vous que ce geste est activé pour l'échantillonnage des couleurs. [MUSIQUE] Voyons ce que j'ai manqué. Je vais désactiver mon image source et j'ai couvert plus que je ne le pensais. C'est à vous de choisir si vous voulez ajouter cette ombre dure, je veux l'ajouter, mais je ne veux pas endommager quoi que ce soit que j'ai déjà fait. Je vais créer un tout nouveau calque et peindre cette zone d'ombre. De cette façon, je peux facilement le changer si je change d'avis plus tard. Je peins près du bord de la pastèque de cette façon, je peux utiliser ma tache pour l'extraire davantage et la faire ressembler davantage à une ombre. Éteignons l'image source et je suis bon avec ça. La prochaine chose que nous devons faire pour finir la peinture spatiale, c'est de faire tout cela ensemble. Je garde mon image source hors tension pendant toute cette partie. Quoi qu'il en soit, il en sort, et c'est avec ça que je travaille pour aller de l'avant. Au moins, je reçois toute cette variation de couleur dans mon sujet. C'est ce que je vais chercher car une fois que nous commencerons à ajouter notre texture et tous nos détails désordonnés, cela sera considérablement différent de la photo originale. J'avais juste besoin d'une base pour commencer. C'est comme ça que je regarde ça. Je vais d' abord passer à la couche de pastèque et l'effacer. Ensuite, je prendrai soin de l' ombre de cette façon qu'elles vont pair plus facilement puisque la pastèque est plus importante que l'ombre. Je peux même éteindre l'ombre si c'est gênant pour moi. Je vais prendre ma brosse à taches. J'utilise à nouveau le pinceau à fleurs et à saignement. C'est évidemment mon pinceau préféré, donc je vais m'en tenir à ça. Je vais simplement me déplacer dans la pastèque et nous en aurons fini avec notre peinture de base. Je ne fais que pousser les couleurs les unes à côté des autres pour ne pas avoir de lignes dures entre les deux. Je veux que toutes ces différentes couleurs aient l'air d'être transformées entre elles . [MUSIQUE] J'espère que votre main ne sera pas prête à tomber votre bras comme le mien en ce moment. Ce n'est qu'une autre façon que vous pouvez mettre dans votre peinture de base. Si vous préférez la façon dont nous avons déjà utilisé, n' hésitez pas à faire le contour de votre trace, puis à noter toutes les différences de couleur sur une trace sur le côté , puis à peindre vos différentes parties. Vous pouvez certainement le faire de cette façon. Celle-ci vous donne plus de réalisme, mais au détriment de la chute de votre bras. C'est à vous de décider dans quelle direction vous préférez aller. J'ai ma pastèque et ne vous inquiétez pas si vôtre commence à vous rappeler une pizza. Quand j'ai créé cela pour la première fois, j'ai continué à penser que, oh , mon Dieu, ça commence à ressembler à une pizza. Je promets que tout se réunit à la fin et qu'il ressemblera définitivement à une pastèque. Ne vous inquiétez pas si la vôtre est sur le point d'être une pizza en ce moment. Je vais passer au calque d'ombres et nous allons juste faire disparaître celle-ci. Je vais utiliser un petit pinceau à tacheter 20  % car je suis proche de la pastèque parce que je ne veux pas que ces couleurs deviennent trop boueuses ici et je peux être plus précis avec un pinceau à bavures plus petit. Je l'ai peint un peu plus loin que je ne l'aurais probablement dû. Je suis ici pour le rapprocher un peu. Mais je vais utiliser un très grand pinceau à taches pour l'autre partie, donc on dirait que c'est une ombre qui s'estompe. Pour cette partie, je vais augmenter considérablement la taille de ce pinceau pour atteindre 50 % et me donner simplement ces longs coups. De toute évidence, ces lignes sont assez distrayantes. Maintenant, je peux les maculer et ça va juste flouter un peu ces bords. C'est une façon facile de faire comme un fondu transitionnel directionnel. N'oubliez pas que si vous allez trop loin que vous ne le souhaitez, vous pouvez toujours utiliser la brosse à taches pour repousser un peu les choses. Nous avons terminé notre peinture de base maintenant et dans les prochaines vidéos où cela va vraiment commencer à prendre ce look désordonné. 15. Proj2 : ajouter de la texture, partie 1: Maintenant, pour la partie vraiment amusante, nous allons devenir fous avec les textures et les superpositions et faire vraiment ressortir cette couleur. Nous avons donc cette couche de base. Tout ce que nous mettons dessus va simplement construire la couleur de manière substantielle. Il y a tellement de liberté créative ici. Je vais vous guider et vous montrer quels sont mes choix, mais n'hésitez pas à les modifier et à ajuster les choses fur et à mesure et à les personnaliser comme vous le souhaitez. La première chose que je vais faire, c'est une texture très grande pour me donner un bloc de couleur rouge ici même. Cela va vraiment saturer la pastèque et la rendre beaucoup plus presse-agrumes et cela va immédiatement ajouter de la texture et nous donner quelque chose dont nous pouvons également travailler. Je dois prendre une couleur. J'ai besoin de colorier un échantillon comme un rouge vraiment vif que j'ai obtenu ici. a l'air plutôt bien ici. Je vais saisir celui-là, et nous allons créer un tout nouveau calque, et je vais me diriger vers les formes si désordonnées et les formes désordonnées 1, qu'elles commencent par des cercles puis des lignes. Mais toutes les formes dans les formes 02, cette catégorie. Ces formes sont toutes abstraites, c'est ce que je veux pour cela. Vous pouvez prendre tout ce que vous voulez. Voyons voir, je me penche vers les formes 60, donc nous allons simplement le tamponner et voir comment ça se passe. J'ai beaucoup de texture ici qui va passer en revue ce que j'ai déjà fait. Je peux le planter directement sur le dessus et l'orienter comme je veux que cette texture se manifeste. C'est plutôt bien là. N'oubliez pas que nous pouvons toujours effacer tout ce que nous n'utilisons pas. Je garde juste à l'esprit à quoi ressemble une vraie pastèque et comment je veux apporter toutes ces différentes teintes et textures. Je vais effacer la majorité qui est en train de piquer ici, et ensuite je vais juste reculer tout ce qui reste pour ne pas avoir de bords durs dessus. Repoussons cette couleur. C'est également le bon moment pour saisir notre image source. Vous pouvez l'utiliser comme image de référence où vous n'avez qu'une fenêtre avec une référence. Je vais vous montrer à quoi ça ressemble. Il suffit appuyer sur la clé, puis Canvas, puis de basculer sur la référence. Ensuite, vous souhaitez appuyer sur Image, Importer, sélectionner l'illustration que vous souhaitez utiliser. C'est ma photo de référence et je peux zoomer dessus. Je peux le déplacer n'importe où sur mon écran pour effectuer un zoom avant. Je peux le planter où je veux. Je peux l'avoir juste à côté car je me concentre sur différents détails, ce qui peut être vraiment utile. Mais pour moi, personnellement, je n'aime pas utiliser ça parce que je ne peux pas colorer l'échantillon. Si j'ai besoin de saisir la couleur à n'importe quel moment , nous avons ajusté la couleur là-dessus. Cela ne nous est pas très bénéfique à moins que vous ne souhaitiez simplement zoomer sur certains détails. C'est pourquoi je n' utilise pas cette fenêtre, mais si c'est quelque chose qui aidera votre flux de travail, c'est comment l'utiliser et comment y accéder. Je vais m'en sortir, et ce que je vais faire, c'est juste prendre notre image de référence originale, basculer vers la gauche. Je vais le dupliquer. J'en ai toujours un qui est juste derrière quand je peins. Je l'ai pleine grandeur si jamais j'en ai besoin. Mais le deuxième double, je peux réduire celui-ci et juste l'avoir sur le côté. Si vous avez des illustrations supplémentaires qui interfèrent avec votre illustration sur laquelle vous travaillez, il vous suffit de la sélectionner, de la faire glisser sur le côté, de la désélectionner, de la sélectionner à nouveau et elle se rognera tout ce qui saignait en dehors de votre toile. Je vais aussi le faire en bas. J'ai juste cette petite pastèque dans le coin, et je peux l'échantillonner en couleur car cela est basé sur les réglages de couleur que j'ai effectués sur cette image. Si je veux colorier quelque chose, je l' ai ici, et je peux constamment le regarder sans avoir mon œuvre d'art par-dessus. C'est juste un choix que j'ai fait pendant que je travaille. Si je ne veux pas ce coin là, je peux en effacer des parties aussi, juste pour avoir une jolie taille miniature, et je peux le mettre partout où j'en ai besoin. En continuant, nous avons posé cette première texture, donc je vais ajouter une autre texture maintenant, et je vais garder les mêmes couleurs que j'arrive au sommet. Nous pouvons également modifier le mode de fusion. Passons en revue certains modes de fusion et voyons si nous aimons quoi que ce soit. J'aime bien la couleur brûlée. Celui-ci s'est vraiment saturé, multiplier c'est bien. Je pense que j'ai vraiment aimé la saturation la brûlure linéaire et de la gravure des couleurs. Je vais m'en tenir à la brûlure linéaire pour ça. Créez une toute nouvelle couche. Passons à la gravure linéaire, et nous allons mettre ici une autre forme abstraite. Je vais demander à celui-ci de venir ici. Utilisons la forme 64. Celui-ci a une texture beaucoup plus dense. Nous allons également obtenir des variations de cette façon. En fait, je pense que je l'aime mieux ici parce que j' ai cette longue file d'attente en haut. Je vais effacer cette partie supplémentaire, repousser ça et je vais adoucir un peu ce bord et garder une partie de la dureté. Je pense que je vais également réduire un peu l'opacité de celle-ci. Je veux que certaines de ces graines soient plus nombreuses qu'elles ne le sont. Je peux juste effacer cette couche. Je peux juste me donner un petit trou là , puis le rendre plus naturel en les bavardant autour, et je vais aussi le faire sur l'autre. Nous ajoutons déjà beaucoup plus de texture. Si nous regardons l'image source, nous pouvons voir que nous avons cette zone, ce point fort, qui n'est plus représenté ici parce que nous avons ajouté ce rouge saturé, nous allons donc nous occuper de maintenant. Je vais prendre une belle couleur pâle et pêche. Ajoutons une autre forme ici. Créez une toute nouvelle couche en haut. Je vais laisser cela comme un mode de fusion normal, puis nous pourrons jouer avec les modes de fusion et voir ce qui fonctionne le mieux. Jetons un coup d'œil à ces questions. Je pense qu'avec la forme qu'il s'agit, cette forme 60 pourrait bien fonctionner pour cela. Tamponnez cela, n'oubliez pas de tamponner avec votre doigt, puis nous pouvons le positionner là où il faut aller. Effacez cette partie, sachez. Voyons maintenant les modes de fusion. Je veux que cela se démarque plus qu'il ne l'est actuellement. Chaque fois que vous utilisez l'ajout ou l'écran, il sera plus léger que l'apparence d'origine. Cela va le rendre plus léger que ce à quoi ressemble le mode de fusion normal. Je vais probablement utiliser l'écran ici. Je pense que ça a l'air bien. Je tiens également à mentionner ici vers le haut, sont généralement vos modes de fusion plus sombres. Lorsque vous utilisez des couleurs plus foncées et que vous voulez que les choses apparaissent plus foncées, dirigez-vous vers le haut de ces modes de fusion, et lorsque vous essayez de rendre les choses plus claires, c'est plus comme au milieu de la liste des modes de fusion. Je vais le laisser comme écran et voir si je veux adoucir ces bords. Peut-être juste un peu, mais j'aime que certains de ces bords apparaissent encore. Nous commençons à obtenir un peu plus de variation de couleur. Revenons ici. Je vois cette grande bande de points forts, et je pense que c'est une très bonne occasion d'utiliser l' un de mes pinceaux de style éclaboussures préférés. Je vais saisir l'une des zones les plus claires de ce rose et créer une toute nouvelle couche en haut. Je vais vraiment me lancer dans mes éclaboussures. Pour cela, nous allons utiliser beaucoup de ces textures d'éclaboussures parce qu'elles conviennent parfaitement à une pastèque. Celui à qui je pensais était Splash 23. C'est donc un éclaboussement assez intense. Je vais le tamponner. Vous pouvez voir qu'il y a beaucoup d'éclaboussures et que vous réduisez la taille, tamponnez-le là-dedans. Je vais changer le mode de fusion avant de le positionner parce que je veux qu'il apparaisse assez lumineux ici. Passons à l'écran. Je regarde mon image source pendant que je la positionne. Cela va lui donner beaucoup de caractère immédiatement, juste ici et je vais réduire un peu l'opacité. Ici, on dirait qu'il a besoin de quelque chose. Si vous ne trouvez pas une forme que vous aimez, rappelez-vous que vous le pouvez toujours, laissez-moi passer juste au-dessus de ce calque trois, vous pouvez toujours utiliser un échantillon de couleur à partir de cette zone. Je vais prendre le pinceau à eau à texture douce. Vous pouvez simplement peindre dans une zone de couleur si vous avez besoin d'un peu plus de couleur et que vous ne voulez pas utiliser l'un des tampons. Ensuite, il suffit de le mélanger avec ce qui se trouve derrière et ce qu'il y a dessus. 16. Proj2 : ajouter de la texture, partie 2: Je veux un peu plus de texture ici. J'ai ajouté ce point fort, mais j'adore cette texture et j'en veux plus ici. Je vais encore saisir cette couleur. Je vais créer une toute nouvelle couche haut, et je vais revenir dans mes éclaboussures, et voyons ce que nous pouvons utiliser. Celle-ci est assez grosse, Splash 14. Je vais l'utiliser, le tamponner, puis le manipuler au besoin. Je pense que cela va vraiment bien marcher ici. Je regarde juste cette zone et je m' associe au timbre où je pense qu'il conviendra le mieux. Je veux vous montrer une autre astuce avec ces tampons que vous pouvez utiliser. C'est une bonne position, mais les bords sont vraiment bien définis ici. Je veux que certains d'entre eux soient définis et que certains d' entre eux ne soient pas définis. Je peux simplement tacher un tampon existant. C'est comme ce que nous avons fait avec nos éclaboussures, mais vous pouvez le faire avec n'importe lequel de ces tampons texturés. Cela peut encore ressembler à une très belle splash ici , mais parce que nous l'avons mélangé un peu, il se fonde dans ce qui est déjà là plus naturellement et cela semble beaucoup plus réaliste de cette façon. Je vais changer le mode de fusion en écran, réduire l'opacité à environ 50 % et je vais en venir à l' autre que nous avons. Nous pouvons utiliser nos gestes. Il suffit de vérifier deux fois. C'est tout et je vais mélanger quelques-uns de ces bords. J'aime bien comment ça se passe et je vois ce que je peux faire d'autre avant d'arriver à la croûte de la pastèque parce que j'ai grands projets pour cette partie. Je veux juste prendre soin de la viande de la pastèque en premier. Je pense que cette zone ici pourrait être la dernière partie. C'est sur ça que je vais me concentrer. Je vais faire un échantillon de couleur ce petit peu et nous allons mettre de la texture juste ici. Ensuite, la partie principale de la pastèque sera complète et nous pourrons nous concentrer sur la croûte. Je vais créer une nouvelle couche. Je pense que je veux une tache douce. Prenons quelque chose qui va être plus subtil parce que je veux attirer davantage l'attention sur subtil parce que je veux attirer la partie rouge et la croûte. Allons faire 11. Je pense que ça a l'air bien. Cette pièce ici est en harmonie avec cette pièce ici. C'est ce que je regarde. Voyons si nous voulons le mode de fusion d'écran. Cela semble trop intense. Je pense que je vais laisser ça normal. Dans cette partie, parce que je l'ai peint et que je l'ai saisi, j'ai perdu un bon peu de texture. Je veux le ramener parce que lorsque je le regarde de loin, mon œil va juste ici et le reste est superbe. Je veux régler ce problème avant de passer à notre croûte. Je vais colorer cette zone et prendre une autre forme à ajouter et voyons voir. Je ne pense pas avoir besoin de quoi que ce soit de trop fou, mais j'ai besoin d'une forme triangulaire pour s'adapter à ce coin. Je pense que celui-là pourrait fonctionner, 73, alors marchez-le. C'est pourquoi j'ai rendu cet ensemble de pinceaux si massif. Il y aura une option [RIRE] pour tout ce dont vous avez besoin. En fait, j'aime ce bord irrégulier et je ne suis pas fou que cette partie soit sur la pastèque, mais cette partie est la texture que je veux et j'aime ce bord, donc c'est pourquoi je le positionne comme ceci. Je peux effacer cette partie, repousser ça, et simplement tacher quelques zones avec ça. Ajustons le mode de fusion. Je me penche davantage vers la brûlure linéaire, mais je vais réduire l'opacité de celle-ci, donc 50 %. Si vous vous rappelez plus tôt, j'ai peint cette zone, mais je pense que je veux l'enlever simplement parce qu'elle n'est pas aussi texturée que le reste et que je veux m' assurer que tout va bien. Je vais désactiver la visibilité de celle-ci et peut-être augmenter mon opacité maintenant, et j'aime mieux cela. Nous sommes tous prêts avec la viande de notre pastèque, et maintenant nous allons passer à la croûte. Pour la croûte, nous allons ajouter un tas de taches douces. Cela va vraiment différencier les couleurs et la rendre plus superposée et moins comme une pizza. Je vais passer à l'image source et attraper, voyons, vert plus doux et créer un tout nouveau calque. Passons à nos taches douces et nous voulons simplement courbes pour celles-ci ou légèrement courbées. Je pense que je vais commencer par la teinture 11 pour faire le premier niveau. Retournez ça. Nous n'avons pas besoin de remplir toute la croûte. En fait, c'est joli s' il est un peu rompu. Je vais mettre ça ici et changer le mode de fusion. Je veux qu'il se fonde un peu plus sombre, alors voyons. Je pense que Multiply fonctionne plutôt bien là-bas. Je vais dégager cette zone et repousser là où elle saigne plus loin que je n'aimerais qu'elle aille dans la pastèque. Maintenant, nous allons ajouter un peu de vert foncé, ajouter une zone un peu plus sombre. Créez une toute nouvelle couche. Modifions le mode de fusion pour qu'il se multiplie , puis nous verrons si nous voulons l'ajuster après. Prenons la tache 12. Je vais mettre celui-ci ici et je vais le laisser saigner un peu. Je vais laisser cela faire partie de mon désordre. Voyons quels autres modes de fusion nous avons. J'aime bien la brûlure linéaire. Nous allons garder ça. Mais maintenant, je commence à avoir trop de chevauchements ici, donc je vais le faire disparaître. Ensuite, je veux rendre cette zone verte la plus sombre vraiment évidente. Je vais attraper le vert, créer un tout nouveau calque. Je vais changer ça en brûlure linéaire, et je vais essayer la teinture 10 pour cela. Je vais déformer ça pour essayer de rapprocher cette partie du bord. Appuyez sur « Warp », poussez cela vers le haut, puis ramenez-le et voyez jusqu'où nous pouvons arriver ici avec le gauchissement. Je pense aussi que je veux un peu de floraison ici, c'est la même couleur verte. Je vais changer mon mode de fusion en gravure linéaire et voyons simplement à quoi cela ressemble. Je ne sais pas si cela va marcher, mais je veux l'essayer. Va en fleurs. Je vais essayer 17 et voir à quoi ça ressemble. juste eu l'impression qu'il devenait trop jaune ici et j'essaie toujours d'éviter la pizza à ce stade. Avoir un peu de vert ici permet à tout le monde de savoir qu'il s'agit d'une pastèque. Je vais juste tacher le bord juste ici pour que ça finisse moins brusquement. C'est tellement joli. Je reçois cette ligne que je n'aime pas, alors je veux m'en occuper. Maintenant, je veux mettre ici une floraison de cette couleur plus claire pour compenser la lourdeur ici. Prenez cette couleur plus claire. Vous pouvez voir ici que j' ai un peu cette légèreté. En fait, laissez-moi échantillonner les couleurs d'ici. On va s' épanouir là-haut, créer une toute nouvelle couche, se diriger vers les fleurs. Je vais essayer 23. Avant de trop le réduire, je vais changer le mode de fusion en écran. Je vais le dupliquer, rendre un peu plus évident, mais réduire l'opacité sur le calque dupliqué. Je vais descendre à 30 %, puis les pincer ensemble. Repositionnez au besoin, puis tachez-le pour mélanger. Nous avons fait beaucoup de chemin dans cette vidéo avec l' ajout de beaucoup de texture. Dans la vidéo suivante, nous allons ajouter encore plus de texture, commencer à entrer dans nos éclaboussures et finir tout. 17. Proj2 : ajouter le gâchage et les touches finales: Nous reprenons là où nous nous sommes arrêtés et maintenant nous allons commencer à intégrer beaucoup de nos effets désordonnés à cela. Nous avons déjà ajouté de nombreuses améliorations de texture et de couleur au sujet principal. Maintenant, nous devons commencer à saigner une partie de cette couleur vers l'extérieur et ajouter de la masse et des textures supplémentaires à l'extérieur. La première chose que je veux faire est de planter un éclaboussement géant le long du Rhin pour améliorer l' écran que nous avons, ainsi que certains de ces éclaboussures rouges. Il faut être très prudent avec rouge et la quantité d'éclaboussures de rouge. Nous ne voulons pas d'effets sanguins ici. Nous voulons que cela ressemble à un fruit. Chaque fois que vous peignez un sujet rouge, gardez toujours à l'esprit, est-ce que cela ressemble à des éclaboussures de sang ou ressemble-t-il à un élément qui pourrait se rapporter au sujet comme du jus avec une pastèque. J'ai remarqué que cette ligne était suspendue ici et je veux m'en occuper avant d' suspendue ici et je veux m'en occuper avant d'ajouter notre éclaboussure et c'était sur la couche de peinture d'origine donc je vais juste le faire . Ajoutons cette touche géante. Je pense qu'il est temps de le faire. Je vais créer une toute nouvelle couche en haut. Je vais prendre une partie de ma verdure de légumes verts et retrouverons notre éclaboussure. Je vais aller dans nos éclaboussures et je vais attraper le 3. Attrapez ça et n'oubliez pas de le tamponner avec votre doigt. C'est un peu trop petit, donc je vais augmenter la taille et ça fait du bien. Je vais faire pivoter ça ici. Je vais réfléchir à cela , alors retournez-le horizontalement. Déplacez ça vers la droite dans ce coin. Je veux que cette petite barre oblique soit dans ce coin. Apportez-le juste là-dedans, augmentez un peu la taille. Je fais attention parce que je ne veux pas saigner sur le bord, mais je veux que ce soit vraiment percutant. Je vais essayer cela et si nécessaire, nous pourrons le redimensionner par la suite. Je vais effacer la majorité de cela, mais je vais laisser tout ce bord qui saigne là-bas, donc je vais simplement couper ça comme ça et effacer tout ça en plus. Passez à la brosse à taches et repoussez beaucoup de choses en arrière. Ne vous inquiétez pas de l' intensité de cela. Nous devons encore ajuster le mode de fusion et ajuster la transparence. ce moment, je suis juste concentré sur l' isolement des parties de cet éclaboussement dont j'ai besoin. Je pense que je vais utiliser ce vert ici comme une occasion de faire ressembler à une couleur qui saigne de cette zone et nous pouvons en faire plus dans un petit peu. Nous allons changer le mode de fusion. Examinons quelques-uns de ces éléments et voyons s'il y a quelque chose que nous aimons, pensez que je vais utiliser Multiply, réduire l'opacité et descendre à environ 75 %. Je vais réduire la taille de cela et ensuite faire des taches pour corriger les zones bizarres. Ajoutons un peu de lavage ici , là où le vert saigne. Je vais prendre le même vert, créer un tout nouveau calque. Allons dans nos lavages et prenons l'un de ces lavages plus subtils. Je vais prendre Wash 19, tamponner et le positionner juste ici. Ça a l'air bien. Changez le mode de fusion et passez à la gravure linéaire pour celui-ci, effacez tous les bits supplémentaires et passez à la transition. Maintenant, je veux ajouter un peu de saignement de couleur qui se passe juste sur ce bord, donc je n'ai plus que le vert et puis j'ai cette couleur rouge foncé qui ne correspond pas totalement à la pastèque. Je veux une touche de rouge ici. Je pense qu'une floraison est probablement une meilleure solution que d'utiliser l'une de ces textures de lavage subtiles. Je vais jouer et mettre une fleur là-dedans et voir ce qui se passe. Je vais saisir ma couleur rouge intense, créer un tout nouveau calque. Je vais mettre celui-ci sous cette couche de lavage et allons nous diriger vers nos fleurs. Je n'ai pas besoin de quelque chose de fou. Je veux juste un peu plus de texture. Essayons Bloom 11. Je dois réduire la taille. Je vais aller avec multiplier je pense, mais je vais dupliquer ça, donc c'est un peu plus intense et peut-être que je vais changer le dupliqué en lumière dure pour qu'il soit un peu plus lumineux. Je préfère ça. Je vais fusionner ces deux-là ensemble, puis réduire un peu l'opacité. Je vais descendre à 75 %. Je n'aime pas le chevauchement massif que j'ai ici , alors effacez ça et ensuite tachez-le. Il me paraît encore trop sombre. Changeons à nouveau le mode de fusion. C'est de ça qu'il s'agit. Il s'agit simplement d'expérimenter, d' essayer de nouvelles choses, voir ce que vous aimez le mieux et ce qui fonctionne le mieux. Je pense que la lumière linéaire n'a pas l'air trop mauvaise, mais je vais réduire l'opacité pour qu'elle pas trop concurrentielle comme je veux qu'il soit vraiment évident que la pastèque est au-dessus de cela. Je pense que c'est un peu mieux. Mais cela aiderait aussi si je définissais un peu plus ce bord et que je puisse le faire avec ma couleur d'ombre. Permettez-moi de revenir ici où se trouve l'ombre, créer un tout nouveau calque juste au-dessus, le modifier pour le multiplier et utiliser mon pinceau à eau pour définir un peu plus ce bord . on dirait qu'il y a plus de profondeur puisque les tranches de pastèque sont généralement assez grosses et je pense que cela aidera avec la profondeur que je dois montrer ici. Il s'agit d'une autre façon de vous approprier votre illustration, où vous savez que vous pouvez ajouter quelque chose qui ne figurait peut-être pas sur la photo source qui aidera votre illustration. Faites-le. On y va. C'est ce dont j'avais besoin. J'avais besoin de cette ligne dure. Je vais y ajouter un peu plus. J'aime vraiment ce que ça a fait, ça ne surgit pas du tout et maintenant c'est définitivement le cas. Il ne reste plus qu' à y ajouter des éclaboussures. Si vous souhaitez ajouter des lavages ou des fleurs supplémentaires , vous pouvez le faire. Mais c'est à peu près réglé maintenant. Je vais lancer d' autres éclaboussures et n' oubliez pas d'être conscient des éclaboussures rouges que vous faites. Je vais m'en tenir à une couleur rose plus foncée. Je vais traîner ici même dans cette zone pour l'échantillonnage des couleurs, créer un tout nouveau calque. Je vais changer le mode de fusion pour qu'il se multiplie, afin qu'il se fonde avec les couleurs en dessous et se dirige vers mes éclaboussures. Les éclaboussures ont juste plus d'énergie que les éclaboussures. Les éclaboussures ressemblent davantage à des points ici, alors que les éclaboussures ont cette énergie intense. J'ai vraiment fouetté la peinture [RIRES] du pinceau quand je les fabriquais. Voyons voir, maintenant ça a l'air plutôt beau et vous réduisez la taille. N'oubliez pas que vous pouvez toujours effacer tous les morceaux que vous ne voulez pas et vous pouvez également tacher d'autres zones pour se fondre avec tout ce qui se trouve en dessous. Je veux ajouter quelques éclaboussures de couleur claire. J'ai vraiment aimé l'éclaboussure que j'ai au milieu, alors je veux présenter un peu plus ici aussi. Je vais prendre une couleur vraiment claire, créer un tout nouveau calque et je vais essayer Splash 18. J'ai déjà décidé que je vais avoir éclaboussures directionnelles de cette façon, donc je veux m' assurer que les autres éclaboussures que j' ajouterai ne contredisent pas la motion dans laquelle cela évolue parce que c'est comme des baisses d'énergie dans mon esprit. Je vais changer le mode de fusion de cela. Je vais m'en tenir à l'écran et juste effacer la partie que vous ne pouvez pas voir et tacher le reste. Je pense que nous avons déjà beaucoup d' éclaboussures à l'intérieur qui le rendent désordonné et nous avons des éclaboussures à l'extérieur. Je peux désactiver cette image source supplémentaire. Ajoutons-y une texture d'arrière-plan. J'ai une couleur rose clair en tête donc je vais emprunter quelque part que je trouve vraiment rose clair. On y va. Tout droit ici, au bas de toutes ces couches que nous avons. Je vais le planter juste en dessous de notre couche de peinture de base. Nous allons nous diriger vers les lavages et choisir l'un de ces lavages supérieurs à utiliser comme arrière-plan. Je me penche vers le lavage numéro deux, donc on verra quoi ça ressemble. Ça a l'air bien. Je pense que je peux même réduire un peu l'opacité là-dessus. L'ombre que je viens d'ici, je vais avoir ce mélange un peu mieux, donc je vais changer le mode de fusion pour le multiplier, réduire l'opacité juste un peu. et nous allons adoucir ce bord supérieur, alors saisissez votre tache et faites-la sortir. Cela vient compléter ce projet de notre pastèque désordonnée. 18. Remerciements + étapes suivantes: C'est donc notre classe. Si vous êtes arrivé jusqu'ici, merci beaucoup d'avoir suivi et d'être ici. Dans cette vidéo, je veux simplement vous proposer quelques rappels et quelques étapes à suivre pour pousser votre œuvre d'art beaucoup plus loin. abord, n' oubliez pas de récupérer vos bonus. L'URL est répertoriée l'écran et le mot de passe une fois que vous arrivez. Assurez-vous que ce sont tous les majuscules M-E-S-S-Y, pas d'espace par la suite et que vous pourrez accéder à tous les bonus de cette classe. Et si vous ne savez pas comment les installer, reportez-vous simplement à la vidéo intitulée Bonus et instructions d'installation et vous saurez exactement quoi faire. Pour les prochaines étapes. Certaines excellentes façons d'élargir vos compétences sont simplement de commencer à expérimenter différents types de sujets et de photos, les modifier comme vous le souhaitez, de les modifier, de les personnaliser et de les personnaliser. Si vous envisagez de vendre quelque chose que vous fabriquez, assurez-vous simplement que les utilisations de cette photo sont répertoriées sur le site ou que vous obteniez l' autorisation de les utiliser comme vous le souhaitez. Assurez-vous d'expérimenter, jouer avec différents niveaux de désordre, différents styles de pinceaux et différentes méthodes de mélange désordonnées. Nous en sommes allés voir quelques-uns dans ce cours. Alors jouez avec eux et combinez-les et voyez ce que vous préférez pour votre propre style unique. Si vous êtes prêt à relever un défi, une excellente façon de le faire serait de créer votre contour à partir de zéro au lieu de tracer le dessus de votre sujet. Pour ces notes visuelles, modifiez-les également et voyez comment cela affecte votre résultat final. Comme toujours, continuez à pratiquer la navigation de votre calque, votre intuition de distorsion, vos sélections de textures, tout cela améliorera à mesure que vous créez ainsi. À chaque nouvelle pièce que vous fabriquez, vous verrez une différence notable dans votre œuvre d'art. Enfin, notre hashtag de classe, nous en avons deux pour celui-ci, veuillez utiliser procreateit et messywatercolors et également me taguer. Mon manche est tous les mardis de cette façon que je peux trouver et lui donner un peu d'amour. Si vous êtes à la recherche d'autres tutoriels Procreate dans ce style d'enseignement, vous pouvez en trouver des centaines sur ma chaîne YouTube. L'URL est YouTube.com/EveryTuesday. Si vous cherchez à élargir vos connaissances de la peinture en procréation, j'ai beaucoup d' informations à ce sujet sur mon site web every-tuesday.com. Encore une fois, ce cours gratuit Procreate for Beginners, si vous appuyez simplement sur mon image de profil, vous pourrez le trouver avec tous mes autres cours Procreate Skillshare. Merci encore d' être ici et je suis vraiment ravi de voir ce que vous créez.