Apprenez à dessiner ! Exercices faciles et amusants pour maîtriser les proportions, l'ombrage et bien plus encore

1. Introduction: Le dessin est une compétence apprise. Quand on voit des gens qui sont incroyablement talentueux, ils n'ont pas commencé comme ça. Tout le monde était le débutant une fois. m'appelle Brooke Glaser et je suis illustrateur à temps plein, mais le dessin n'est pas quelque chose qui m'est venu naturellement. J' avais l'habitude de lutter avec ça. L' astuce est d'apprendre ce qu'il faut chercher, d'apprendre à voir les choses un peu différemment. Ce que nous allons faire dans cette classe est d'apprendre quelques exercices pour vous aider, espérons-le, à voir les choses d'une manière que vous pourriez ne pas habituellement. Je vais vous apprendre les techniques que j'utilise pour dessiner des proportions avec précision et rapidité, comme la méthode de l'horloge, la méthode de grille, la méthode de forme et la méthode de traçage. Nous allons plonger profondément dans l'apprentissage de l'ombrage. Je vais couvrir les différents types d'ombres, comment elles ont l'air différentes, où les mettre, et un tas de trucs pour les illustrer amusante et facile. Je vais vous guider tout au long de mon processus, de l'image de référence aux croquis, en passant par la couleur et l'ombrage. Je vais également partager certains de mes conseils pour gérer les limites de couche et Procreate. Tout ce cours sera fait dans Procreate, mais peut facilement s'appliquer aux médias traditionnels. Si vous préférez des choses comme des crayons ou de la peinture ou Kranz, pas de problème. Vous pouvez suivre facilement aussi. À la fin de cette classe, vous serez en mesure de dessiner tout ce que vous pouvez voir et de créer un ombrage comme un pro. 2. Où trouver les ressources du cours: Bonjour, amis de l'art. Bienvenue en classe. Avant de vous lancer dans l'apprentissage, j'ai créé des photos de référence gratuites et des instructions de dessin pour les étudiants de cette classe. Pour les télécharger, rendez-vous sur brookeglaser.com/draw et saisissez votre adresse e-mail pour débloquer les cadeaux. Le lien se trouve dans l'onglet Projets et ressources. Cela vous ajoutera à ma liste d'e-mails, ce qui signifie que vous recevrez occasionnellement des conseils, cadeaux et des ressources pour les artistes. Vous pouvez vous désinscrire à tout moment. Une fois que vous aurez fait cela, vous serez redirigé vers la page où vous pourrez télécharger les cadeaux de cours. J'espère qu'ils vous aideront dans votre parcours de dessinateur. Bonne création, amis de l'art. [MUSIQUE] 3. Apprendre à voir: Le dessin est une compétence apprise. Quiconque veut, peut apprendre à dessiner. Quand vous voyez des gens qui sont incroyablement talentueux, ils n'ont pas commencé de cette façon. Ils ont aussi dû apprendre à dessiner. Certaines personnes, ramasser ces compétences plus vite que d'autres personnes. Mais nous commençons tous comme les enfants de cinq ans qui font terribles gribouillis étrangers.Il y a deux parties à apprendre à dessiner.La première partie est la main, coordination des yeux, et qui est juste apprendre comment faire réellement les marques que vous avez l'intention de faire. C' est quelque chose qui prend juste de la pratique, comme l'haltérophilie, l'exercice, ou apprendre à faire du vélo. Il est juste quelque chose que vous pratiquez et obtenez de mieux à.La deuxième partie est d'apprendre à voir et de voir réellement les formes et les formes que les objets sont réellement faits et puis de traduire cela sur la page.Souvent, quand on lui demande comment ils dessiner si bien, artistes vont juste vous dire, ils dessinent juste ce qu'ils voient, ce qui peut être très frustrant et ce n'est pas très utile parce que nous voyons tous les mêmes choses, pourquoi pouvez-vous dessiner mieux que moi ? Mais l'astuce est d'apprendre ce qu'il faut chercher, d'apprendre à voir les choses un peu différemment. C' est ce que nous allons faire dans cette classe est d'apprendre quelques exercices pour vous aider, espérons-le, à voir les choses d'une manière que vous pourriez ne pas habituellement. Vous avez peut-être entendu parler des deux côtés du cerveau avant qu'il y a un côté qui est vraiment créatif et un autre qui est vraiment analytique. C' est vrai qu'il y a différentes parties du cerveau. Une partie traite des choses créatives et de voir formes et des formes réelles et l'autre côté est très verbale.Le côté verbal remplace souvent le côté créatif qui voit des formes et des choses parce qu'il essaie d'être un bon cerveau. Il essaie de travailler aussi vite que possible et juste vous dire immédiatement ce que vous voyez. Par exemple, nous pourrions jeter un oeil à ces ciseaux et le côté verbal de votre cerveau dit : « Oh, je sais à quoi ressemblent les ciseaux, il y a deux cercles en haut et c'est un peu pointu en bas. » Mais qui est en fait pas vrai.Ce n'est pas un cercle, cela est en fait comme une forme d'oeuf, il est donc plus large en haut et plus mince en bas. Eh bien, c'est comme un ovale étrangement aplati, c'est presque comme une lettre D, mais arrondi et écrasé. Ce n'est pas qu'un cercle. En particulier, le premier exercice que nous allons faire, le dessin à l'envers est destiné à calmer le côté verbal de votre cerveau et à le décourager d'essayer de prendre le relais. Nous allons faire quelque chose que je ne peux pas comprendre et qui va laisser le créatif et le côté de votre cerveau qui voit les formes plus clairement prendre la scène centrale. Il y a quelques autres choses que vous pouvez faire pour encourager le côté créatif de votre cerveau et décourager le côté verbal de votre cerveau. L' une de ces choses est d'éviter les mots. Si vous écoutez de la musique, vous voudrez peut-être écouter de la musique sans mots en elle.Vous voulez certainement allumer votre téléphone en silence sans vibrations. Encore mieux si vous pouvez le mettre dans une autre pièce. Dans la mesure du possible, trouvez un espace tranquille où personne ne vous dérangera ou vous parlera. Ce n'est peut-être pas possible. Si vous avez juste des écouteurs, vous pouvez les faire entrer et essayer de bloquer le son comme vous le pouvez. Une autre chose qui est important à noter est que le côté créatif de votre cerveau, la partie qui voit les formes. Il ne garde pas de trace du temps non plus. Si vous êtes sur une limite de temps et que vous devez être quelque part, vous pouvez définir une minuterie. Cela vous donne également la liberté de simplement vous détendre et oublier le temps et juste entrer dans le flux de faire réellement les exercices de dessin. Alors commençons. 4. Ex 1 : Dessiner à l'envers/Concentrez-vous au maximum: J' ai créé une toile quatre pouces sur six pouces parce que c'est la taille de l'image que nous allons utiliser. Ce n'est pas une grosse affaire si ce n'est pas la même taille que l'image de référence. Le but de cet exercice n'est pas de créer une réplique parfaite de cette image, c'est de réveiller la partie de votre cerveau qui vous aide à voir les choses que vous dessinez. J' ai tiré la photo vers le haut dans mon application Photos et je vais faire glisser et déposer cela ici de ce côté pour que je puisse la référencer. Si je tape sur l'application Photos, il mettra un fond noir et supprimera ces miniatures. Ça va m'aider pour que je puisse voir où est le bord de ce dessin, puisque c'est juste noir et blanc. Vous pouvez télécharger cette image dans l'onglet Mon projet. Ou si vous voulez faire votre propre version de cet exercice, vous pouvez vraiment utiliser n'importe quelle image juste retournée à l'envers. J' utilise le crayon HB, mais vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau que vous voulez. C' est vraiment, vraiment peu importe la brosse que vous utilisez pour cela, vous ne voulez pas quelque chose qui est énorme, vous ne pouvez pas dessiner ces lignes très bien, donc juste ce qui est petit ish. Une chose qui va également vous aider avec cet exercice est de désactiver l'outil de forme rapide. Donc, je vais aller à l'icône Clé, je vais aller à Préférences, Contrôles gestuels, et je vais en fait désactiver cela parce que vous allez probablement dessiner lentement et intentionnellement pendant cet exercice sans soulever votre stylo. Vous pouvez accidentellement engager la forme Rapide, ce qui changera la forme de votre ligne pour vous, et il est donc simplement plus facile de désactiver cette option pour cet exercice particulier. N' oublie pas de le rallumer quand tu auras fini. Il y a quelques lignes directrices. Je ne veux pas dire de règles, mais les lignes directrices pour cet exercice, ne retournez aucun de ces dessins à droite jusqu'à ce que vous ayez terminé. Il va à l'encontre du but de cet exercice. Travaillez sur des lignes qui se connectent les unes aux autres. Au lieu d'aller tout le long du bord, ça va marcher beaucoup mieux de cette façon. Quand ton cerveau essaie de nommer ça comme, « Oh, c'est un œil, c'est une poche, c'est une montre. » Essayez d'arrêter et de penser que ce n'est pas le cas, c'est une ligne qui courbe de cette façon ou une ligne qui se plie de cette façon. Si vous vous sentez coincé, allez-y et passez à une nouvelle section du dessin. Je vais aller de l'avant et passer à travers cela pour que vous puissiez voir comment cet exercice est fait. Je vais commencer dans ce coin, et je vais commencer par dessiner ce triangle que je vois ici. Remplissez ensuite les petites lignes pour le remplir. Je ne vais pas être parfait, j'essaie juste de faire de mon mieux. C' est bon si je décroche les proportions, en ajustant le mieux que je peux en ce moment. J' ai fini ce dessin et ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais le retourner. Voila, voici les résultats de mon dessin. Je peux vous dire que pendant que je dessinais, j'ai senti qu'il y avait beaucoup de choses que j'ai faites vraiment, vraiment mal avec ce dessin. Mais quand je fais demi-tour et que je vois le résultat final, je pense que c'est vraiment impressionnant. Encore une fois, si je tire mon original ici et que je vous montre la version droite, je dirais que c'est assez décent. Tout cela vient simplement de prêter attention à l' endroit où chacune de ces lignes est par rapport à l'autre. Tout est au sujet du résultat final, il ne s'agit pas de chaque petit morceau. Juste pour garder cela à l'esprit quand vous faites vos propres dessins. Maintenant que nous avons terminé ce dessin, n'oubliez pas de réactiver votre forme rapide. 5. Ex 2 : Méthode de forme/Dessiner n'importe quoi: L' une des choses avec lesquelles je suis vraiment enlisé est d'être aspirée dans trop de détails, concentrant trop sur chaque petite partie du matériel de référence. L' une des astuces que j'utilise pour travailler plus vite et faire mon dessin plus vite est de décomposer les choses en formes simples. La plupart des choses peuvent être décomposées en un cercle, un triangle et un cube ou un rectangle d'une sorte quelconque. Jetons un coup d'oeil à cette grenouille par exemple, ses yeux sont de simples cercles reliés par des triangles, sa tête est comme une forme trapèze, son cou est un triangle et la partie de sa bouche est un long rectangle. Ses orteils sont faits de cercles et les doigts sont comme de longs rectangles. Même son bras et sa main sont des rectangles ou un triangle. Sa jambe arrière est un peu comme une forme de U à l'envers, mais tout est fait de formes simples. Maintenant, je ne trace pas mes objets. J' aime utiliser ma propre interprétation artistique. En dessinant ce que je vois, j'exerce mes muscles de dessin plus et ça sort un peu plus unique et stylisé, si je n'aime pas quelque chose sur la photo que j'utilise, je peux la changer. Beaucoup de choses ne se décomposent pas en formes aussi évidentes que cette grenouille. Je vais vous guider étape par étape à travers un exemple plus compliqué et à la fin, je vais vous montrer comment j'édite ces formes simples et les transforme en un croquis réel qui ne ressemble pas à un tas de formes enfoncées ensemble. Ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici sur le côté et je vais le faire en bleu pour que nous puissions voir la différence et je vais juste dessiner ce que je vois ici et donc je vais recommencer avec le bec et Je vais faire comme une forme triangulaire. Si je voulais, encore une fois, je pourrais peut-être faire ce triangle qui descend comme ça et je peux juste lisser ça comme je veux et puis le triangle qui vient en dessous est triangle arrondi aussi et puis je vais dessiner un cercle pour sa tête et je remarque que le sommet de sa tête rencontre le sommet de son bec, je veux que ce cercle soit en haut à droite là. Je ne m'inquiète pas de rendre ça parfait, c'est juste un croquis. Je vais ajouter toutes sortes de couleurs et toutes sortes de meilleur raffinement plus tard et encore, je vois que son cou est un peu comme ce trapèze. Ce n'est pas un carré parfait, ce n'est pas droit de haut en bas, ce côté de ce carré est incurvé. C' est vraiment fondamentalement ce que c'est, courbé et peut-être même un peu d'une courbe de ce côté et puis une forme de U pour son corps ou je peux dire un oeuf, pourrais finir ça et puis je vais dire, un rectangle merdique pour la branche. Plus ce rectangle est imprécis, plus il sera naturel. Si je dessine un rectangle très droit, comme si je fais des lignes parfaitement droites, cela semble très artificiel. Cela ressemble plus à une clôture plutôt qu'à un bûche d'arbre naturel et c'est tout à fait bien. C' est un choix stylistique mais je veux que ce soit un rectangle vraiment merdique et puis j'ajouterai un autre petit rectangle ici pour cette partie de la branche qui sort juste. Même si je ne peux pas le voir, je vais dessiner toute la queue de là où elle se connecte à ce dos. La raison pour laquelle je dessine le journal est parce que si je viens ici et que je pourrais accidentellement commencer par ici, eh bien, ça pourrait marcher, comme sa queue pourrait aller comme ça, mais ça change toute l'orientation de son corps. Juste pour rendre les choses plus faciles, je vais entrer ici et je vais dessiner à travers, dessiner mon rectangle là-bas, dessiner mon rectangle là-bas et je vais faire ses pieds aussi et je le vois. Vous pouvez les dessiner comme des rectangles droits comme ça, vous pouvez les dessiner comme des rectangles courbes, ou vous pouvez les dessiner sous forme de triangles sinueux. Je vais en faire un triangle sinueux et peut-être comme un triangle juste là-haut, regardant là-bas, puis triangle, rectangulaire, triangle. Crochet là-dedans, juste là et puis je vais aussi dessiner cette forme juste ici. Maintenant avant que je le fasse, je vais dire genre, wow, je peux vraiment voir que les proportions de cette forme de U me sentent vraiment loin et donc ce que je vais faire, c'est que je vais juste redessiner. Je ne vais même pas l'effacer, je vais juste dire, ok, ceci, je veux sortir plus loin et nous voulons qu' il se rapproche un peu et ensuite si je veux, je peux l'effacer pour que je puisse voir que c'est en fait la forme que je veux. C' est un peu mieux pour moi et je devrais peut-être redessiner ses pieds ou quoi que ce soit, mais juste une évaluation comme la même chose, c'est un peu mieux. Encore une fois, je vais venir ici. Maintenant, quand je regarde cette forme ici, je vois un cercle complet. Je peux dire que c'est un cercle complet, coupé en quarts et je vais tourner ce noir pour que vous puissiez voir ça un peu mieux. Je peux dire que je vois que c'est un cercle complet coupé en quatre et cette section ici, c'est cette courbe juste là. Si ça a du sens, je reviendrai au bleu. Je vais dire, ressembler à une courbe juste là comme s'il se termine au bas de sa mâchoire et puis cela se courbe en U large. sa mâchoire et puis cela se courbe en U large. Je veux que ça soit plus bas, donc je vais commencer ici et faire tomber ça juste là. Maintenant, c'est un croquis vraiment déroutant et désordonné et ce n'est pas nécessairement exact, mais c'est la chose. Quand je fais ces choix stylistiques où je suis, c'est comme une forme de U qui va comme ça ou son corps est un peu plus large ou quoi que ce soit, cela crée ma propre interprétation artistique de cela. Tu ferais peut-être attention à différentes parties de cet oiseau que moi et quand tu iras là et tu te visualises comme si je vais m' assurer que j'ai cette petite chose ici. Tu vas voir les choses différemment que moi. Vous allez ajouter ces détails et c'est ce qui vous aidera à les rendre uniques. Mais c'est toujours un gâchis, revenons à nettoyer le gâchis. Ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais affiner mon croquis et donc je vais baisser l'opacité ici. Évidemment, si vous utilisez un stylo et du papier, vous ne pouvez pas baisser l'Opacité. Si vous utilisez cet exercice avec un stylo et du papier, une technique que je trouve utile est de prendre mon croquis original et coller à une fenêtre et de poser une nouvelle feuille de papier sur le dessus, alors vous serez en mesure de voir facilement à travers votre croquis original en dessous. Retournons au nettoyage du bordel. Créez un calque, déposez l'Opacité et je vais dessiner en noir pour que je puisse le voir très bien. Vous pouvez dessiner sur la couleur que vous voulez et je vais encore dessiner mon croquis, mais cette fois je vais enlever ce que je ne veux pas être là, comme le tirage à travers juste là, peut-être ce cercle comme qui vient tout le chemin par ici, je ne vais pas dessiner ça et s'il y a des formes que je veux affiner ou faire un peu mieux, comme si ce n'était pas la forme que je veux et maintenant je peux juste la redessiner. Je peux passer en revue ça et être comme, je veux ce petit peu plus lisse. C' est le moment d'affiner ça. Maintenant, si j'éteins ce calque de croquis en dessous, et que j'éteins ce type, ce n'est pas trop mal. Voici le secret, vous n'avez pas à tout faire exactement comme l'image de référence. Vous pouvez également exagérer totalement les choses et cela peut ajouter quelque chose de vraiment amusant. J' aime vraiment ce bec, donc je vais faire sa tête beaucoup plus grande et je vais étendre la taille de son bec afin que je puisse me concentrer sur ce que je pense être la partie la plus intéressante des deux caméras. 6. Ex 3 : Méthode de grille/horloge : Proportion: La méthode de grille est idéale pour obtenir vos proportions très précises ou si vous voulez créer un dessin réaliste. J' aime penser à ça comme des roues de train sur un vélo seulement c'est pour ton cerveau. Vous former à mieux voir les proportions. Je vais vous guider dans cet exercice avec une très petite grille, mais à mesure que vous gagnez en confiance, vous pouvez passer à une grille plus grande et plus espacée. Je n'utilise plus de grille du tout, mais imaginez une dans mon esprit. C' est comme les roues d'entraînement. Je vais aussi parcourir quelques astuces comme la méthode de l'horloge, tracer des arcs et des formes pour vous aider tous avec votre vitesse et votre précision. Ce que je vais faire d'abord, c'est que je vais faire de la place pour le dessin afin que je puisse dessiner côte à côte à côté de ce chameau. J' utilise deux doigts pour zoomer et déplacer la toile autour de l'écran. Je vais traîner ma récolte et je m'assure juste que cette ligne centrale, donc il y a deux carrés ici et il y a deux carrés ici, donc ça devrait être à peu près la même taille de toile. Note rapide ici. Ils ne doivent pas avoir la même taille, votre toile de dessin peut être beaucoup plus grande ou beaucoup plus petite que votre photo de référence. La méthode grid peut être utilisée pour dessiner quelque chose de plus petit ou plus grand qu'il ne l'est réellement. Ce qui est essentiel, c'est que vous ayez le même nombre de carrés dans la grille sur votre photo de référence et la grille sur votre toile de dessin. Je vais montrer comment créer une grille numériquement et procréer. Mais si vous utilisez du papier, vous pouvez créer votre propre grille réutilisable. Dessinez une grille avec le marqueur sombre sur un morceau de papier. Si vous n'avez pas de règle, vous pouvez utiliser un bord droit comme un livre. S' il fait assez sombre, vous pourrez tracer la grille sur votre photo de référence. S' il ne fait pas assez sombre, nous pouvons utiliser la méthode de fenêtre utilisée dans la dernière leçon pour tracer la grille sur votre photo de référence. Vous pouvez ensuite utiliser la même grille sur votre feuille de dessin. S' il fait assez sombre, vous serez en mesure de voir à travers le papier, sorte que vous n'avez pas vraiment besoin de dessiner la grille sur votre papier à dessin, vous pouvez simplement utiliser la grille en dessous de celui-ci. Si ce n'est pas assez sombre, encore une fois, vous pouvez utiliser la méthode window. Maintenant, je vais activer la grille de dessin dans Procreate. J' ai frappé l'icône de la clé, Canvas, et juste sous ce Recadrage et redimensionnement, lequel nous étions juste dans, il y a le Guide de dessin. Je vais allumer ça et je vais cliquer sur « Modifier le guide de dessin ». Maintenant, je vais zoomer parce que vous ne pouvez probablement pas le voir. Très mince ici est un guide de grille et je peux contrôler cela ici. Je vais pomper l'épaisseur et l'application d'opacité pour que vous puissiez le voir un peu mieux sur la caméra. En fait, je vais aussi rendre tout cela noir, donc c'est peut-être peut-être un peu mieux, et je vais aussi augmenter la taille de la grille. Ce que je vais faire, c'est que je vais dessiner cette grille de chameau pour grille dans chaque section ici. Quand je mets en place la taille de mes grilles, je me dis juste : « Ok, est-ce que ça va être facile pour moi de voir la forme de cette tête et de la reproduire ici ? » Vous pouvez jouer avec cela pour ceux d'entre vous qui veulent suivre exactement le long, j'ai ça à environ 700 pixels et il y a le bas aligné ici et la ligne médiane juste là. Si vous voulez déplacer la grille autour, vous pouvez frapper ceci et faire glisser ce point bleu au centre et il drogue cette grille autour. Si pour une raison ou une autre, vous vouliez incliner la grille, vous pourriez. Je ne veux certainement pas incliner la grille. Aussi, quand je suis ici, dites que je suis genre, « Oh non, je ne veux pas vraiment incliner la grille », je peux appuyer deux fois sur mes doigts pour faire annuler. Je veux que ça soit au centre. Avec cette méthode, ce que je vais faire, c'est que je vais créer un nouveau calque pour esquisser et je vais le rendre rose pour que vous puissiez le voir vraiment bien ici. Tout comme la méthode de forme, je vais trouver les formes de base dont ce chameau est fait, comme ces cercles, et je vais les transférer dans le carré correspondant dans cette grille de toile. Quand je dis : « Tu sais quoi, le museau de sa bouche est comme un cercle. » Mais ce cercle, à quelle distance est-il sur cette place par rapport à quelle distance ? Je vais venir ici et je vais dire, « Le cercle est à peu près de cette taille, si loin et si loin », et la même chose ici. Il y a comme un plus grand cercle juste là et c'est probablement si loin et si loin. Ensuite, je peux les connecter puis je peux revenir en détail cela un peu mieux plus tard. Alors je veux connecter ce cou. Le cou commence à peu près au sommet ici, il plonge vers le bas, c'est à peu près le centre inférieur et qui serait en corrélation avec ce carré ici. Si loin et si loin là-bas, c'est là que ça arrive. Ça va se passer comme ça, et c'est comme un espace négatif. C' est facile pour moi de voir juste là, donc tu sais. Juste là, il y a un espace négatif de ça. Alors le haut de son cou est juste là. C' est à peu près en haut, peut-être à mi-chemin et à mi-chemin, un peu en bas de mi-chemin. Pas tous comme à la moitié du carré, peut-être à propos de cette taille. Encore une fois, pas comme tous, pas le centre mort, peut-être un peu plus haut, quelque part juste là. Maintenant, j'ai tracé tous ces points ici, je peux entrer et il y a ma courbe de cou et ça correspond assez bien. Je vais faire la même chose ici. Ça va commencer juste là et se terminer ici, qui est plus bas qu'à mi-chemin, donc ish. Si je les connecte, cool. Maintenant, ce n'est pas jusqu'à son cou, alors on va y aller. Voyons voir. Son corps est comme un œuf long, sans compter la bosse. Je vais faire comme une forme d'oeuf à partir de là, et ce gars, je pense juste à l'intérieur cet ovale ou à l'intérieur de ce carré, juste là. Ensuite, la partie inférieure de l'ovale, quelque part autour de là, la partie supérieure de l'ovale est quelque part juste autour de là. Voyons voir. C' est un deux, deux carrés sur ish comme ça. Alors ça va devenir plus étroit ici, très long. Je connais ses fesses, si je disais que le cercle était comme ça, la forme de l'œuf. Ses fesses se terminent là-bas. Cool. Ça n'a pas besoin d'être parfait. Encore une fois, si nous voulions faire une réplique parfaite, nous prendrions juste une photo, nous ne la dessinerons pas. Je n'ai pas besoin que cela soit exactement parfait, mais obtenir les bonnes proportions est vraiment utile, et cette méthode de grille est vraiment génial pour obtenir des proportions très précises. Maintenant, je vais exagérer encore plus cette bosse. Je ne vais même pas suivre ça. Quand je trouverai pourquoi sont les croquis, je dirai : « Non, ce n'est pas bon ou c'est génial. » Maintenant, je vais regarder les jambes ici. Ce type est comme un carré. Il va attacher, comme une tasse presque, donc il y a cette section arrondie là-bas. Ses jambes commencent par ici. C' est fini, si c'était une horloge, 12, 3, 6, 9, ça se dirigerait vers sept heures. Faisons la même chose ici. Il est 12 heures, 3 heures, 6 heures, 7 heures. Ouais, j'ai eu ça assez bien. Boum. Ensuite, cela va droit vers le bas, mais ce que j'aime vraiment, ce sont ces courbes. Si ça commence ici et qu'il finit juste là, en obtenant la courbe de cette jambe. J' ai adoré la façon dont ça s'est effondré. Je vais faire la même chose ici. Ce que je vais faire, c'est que je vais désactiver cette couche et que je vais désactiver la couche de grille. Ça a l'air plutôt bien. Couple une petite oreille sur lui et probablement mis un peu d'oeil sur lui. Il a l'air vraiment un beau croquis, réaliste et bien proportionné. Ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais vraiment venir au-dessus d'ici, et c'est là que je peux commencer à exagérer ou à styliser. Je vais choisir une couleur différente pour que vous puissiez la voir très bien et je vais baisser l'opacité sur ce calque là. Je vais juste venir ici et je vais juste créer un croquis plus propre. Je ne suis pas inquiet de le rendre terriblement parfait. Mais c'est à vous de décider. Pas mal. Il n'y a pas de mauvaise façon de le faire. Certes, je pourrais exagérer sa tête pour que sa tête soit plus grande et que cela pourrait faire une approche stylisée amusante. Ça pourrait faire un chameau amusant. Il serait plus intéressant de voir plus de son visage. Maintenant, sa bosse pourrait grossir, ses jambes pourraient devenir plus courtes ou plus grossières. C' est tout ce qu'il devient vraiment amusant et à vous de décider. Tout cela est au sujet de votre design. C' est exact, mais c'est amusant. Tout ça, c'est à vous de décider. 7. Dessiner en utilisant son imagination, un traçage et une référence: Jusqu' à présent, nous avons couvert le dessin exactement ce que vous voyez. Mais si vous voulez dessiner quelque chose qui n'existe pas, comme un dragon, une sirène, ou une fille à trois yeux. Vous avez probablement eu l'expérience d'essayer de puiser dans votre imagination et d'être extrêmement frustré. Le truc dans notre imagination, c'est que nous ne voyons pas vraiment les choses dans notre esprit aussi clairement que nous le faisons quand nous voyons une photo de la vraie vie, c'est très insaisissable. Nous verrons probablement certaines choses dans des détails très clairs ou des petits morceaux ici, mais pas toute la vue. Nous ne pouvons pas mesurer combien il est grand ou petit quelque chose l'un par rapport à l'autre, parce que ce pourrait être juste un sentiment. Ou vous ne visualisez peut-être que les parties les plus importantes, les choses qui ressortent le plus dans votre tête. Pas nécessairement tous les détails qui le composent qui ne sont pas vraiment si intéressants. Mais si vous regardez de plus près certaines créatures imaginaires, vous remarquerez peut-être qu'elles sont en fait constituées de choses qui, bien, pourraient être de multiples références. Comme une sirène, c'est juste une femme et un poisson. Vous pouvez trouver deux photos, une sirène et un poisson et combiner ces choses. La même chose avec les dragons. Peut-être qu'un dragon aurait des ailes de chauve-souris, des griffes d'un lion, et le visage d'un lézard. C' est en fait l'une des raisons pour lesquelles je vous encourage à ne pas tracer. traçage est rapide et facile, mais il ne vous permet pas de construire le muscle mental de voir comment les objets et les formes composent réellement les choses. Dessiner à partir de l'observation est beaucoup plus difficile que de tracer, mais cela va vous aider à développer le muscle mental pour puiser de votre imagination plus tard. Lorsque vous comprenez comment les choses réelles sont constituées, quelles formes elles sont composées, il est plus facile pour vous de les modifier lorsque vous dessinez réellement. Une autre raison que vous ne voulez pas tracer est que si vous voulez vendre votre travail, vous ne pouvez pas simplement répliquer une image que vous trouvez sur Google Images et la vendre dans votre boutique Etsy. Si vous voulez travailler avec des clients commerciaux, vous devez absolument faire attention à ne pas voler le travail de quelqu'un d'autre. Ce n'est pas parce que vous ne savez pas qui était le photographe que l'image était libre d'être utilisée. Que penseriez-vous si vous trouviez qu'un magasin de grande boîte utilisait une copie de votre art et la vendait. Pas cool, non ? Mais pour bien dessiner, nous devons utiliser des photos de référence. Alors, qu'est-ce qu'on est censés faire ? Utiliser des images de référence est très bien, tant que votre travail est nettement différent des photos. Voici un petit test que j'aime utiliser pour moi-même. Si je devais rencontrer le photographe dont j'ai utilisé l'image comme référence, serais-je excité et fier de lui montrer l'œuvre, ou serais-je gêné comme si je les avais arrachées ? J' aime utiliser plusieurs images. J' aime regarder beaucoup d'images différentes et avoir l'idée de la forme d'un animal ou d'un objet en fait. De cette façon, je ne prends pas qu'une seule personne, j'utilise tout un tas d'images pour trouver mon propre truc. copie d'une personne est généralement considérée comme du plagiat, mais la copie de dizaines de personnes est généralement considérée comme de la recherche. En fait, plus vous utilisez d'images de référence, vous allez voir les choses à travers votre propre perspective et vous allez voir votre propre prise de vue unique. Nous sommes tous différents et nous voyons tous les choses différemment. n'y a rien de mal à voir comment d'autres personnes dessinent des choses ou à utiliser des images de référence. Le fait est que vous ne voulez pas simplement puiser d'une source, vous voulez puiser dans beaucoup de sources. De cette façon, quand il s'agit de votre propre filtre de dessin, ce sera vous unique. Même si vous apprenez du maître est sur la façon de dépeindre la lumière, ou que vous apprenez de certains de vos artistes préférés comment ils utilisent différentes façons de dessiner des visages ou des oreilles. Plus vous combinez de tous ces endroits géniaux, plus ce que vous créez sera unique. Ne vous limitez pas à une seule façon de regarder une chose, une image de référence, un artiste que vous admirez. Cherchez l'inspiration dans autant d'endroits que vous le pouvez. Une autre bonne idée est de prendre vos propres photos de référence. Vous pouvez vous poser vous-même et vous pouvez utiliser la minuterie automatique sur votre appareil photo ou votre iPad et heureusement, il existe d'autres excellentes alternatives. J' aime utiliser un site web appelé Unsplash, où les photographes ont fait don de leurs photos pour être utilisées gratuitement, même dans vos projets commerciaux. Au fur et à mesure que vous utilisez plusieurs références, vous allez vous améliorer en dessinant. Il sera plus facile pour vous de puiser votre imagination et vous allez développer votre propre style unique. 8. Concours et deuxième partie du dessin: Au début de la classe, j'ai mentionné qu'il y a deux parties à apprendre à dessiner. L' un est d'apprendre à voir les choses et l'autre partie est en fait de faire la pratique, former votre main pour réellement faire les mouvements que vous avez l'intention de faire et qui prend juste de la pratique. Je veux te donner un peu plus de motivation pour t'entraîner. Si vous partagez votre art avant le 5 juillet 2019, sur Skillshare dans les projets et sur Instagram tout en me marquant dans #DrawWithBrooke. Vous serez inscrit pour gagner des prix. Il va y avoir quelques prix. Il y aura aussi quelques gagnants. Les gagnants seront choisis au hasard. Vous n'avez pas à vous soucier d'être le meilleur illustrateur ou le plus populaire. Tout ce que vous avez à faire est de jouer, dessiner et partager votre art avec nous. Il y aura un abonnement premium Skillshare d'un an, deux paquets de pinceaux fantastiques Lisa Bardot. J' utilise ses brosses dans mon travail tout le temps. Ces paquets comprennent une tonne de pinceaux qui rendront l'ajout de texture à votre travail beaucoup plus facile et amusant. Pour vous donner de l'inspiration, j'ai créé une liste d'invite que vous pouvez trouver dans l'onglet Ressources et ceci est juste pour vous aider à démarrer. Si vous le voulez, vous pouvez en faire un tous les jours, mais vous n'avez pas à les faire tous. En fait, vous n'avez pas à faire aucun d'eux. Vous pouvez faire votre propre truc, ce qui vous inspire. Je veux juste te donner un peu de motivation supplémentaire pour aller là-bas et pratiquer ton dessin. Je vais également présenter quelques pièces sur mon propre compte Instagram. Si vous voulez revenir sur cela, assurez-vous d'utiliser le #DrawWithBrooke. 9. Couleur de base et gestion des limites des calques dans Procreate: Maintenant, parce que je fais mes illustrations pour que je puisse l'imprimer vraiment grande, je travaille généralement avec une taille de fichier qui est de 16 sur 20, et souvent à 400 ppp. Cela signifie que j'ai généralement six couches pour travailler. Je dois être très stratégique. Pour faciliter le montage plus tard, si je décide de changer la couleur de son corps, de sa poitrine ou de son bec, je veux m'assurer qu'aucune des couleurs ne se touche. Je veux te montrer ça. Cette couche ici, si j'éteins la couleur de fond, comment est le brun de la branche, le blanc de sa poitrine, et le bleu dans son bec. Aucun d'entre eux ne se touche. C' est très facile pour moi de venir ici, et de simplement glisser et déposer, et de changer cette couleur ou de changer cette couleur. C' est très facile de le faire. La même chose ici. J' ai le noir, le jaune, l'orange et le rouge. Je veux juste vous montrer qu'il y a de l'espace entre les deux. Si je veux faire une chute de couleur sur l'orange, ça ne changera pas le rouge. Non seulement il est facile de faire une chute de couleur et de faire glisser ici, et de changer les couleurs individuelles, il est également très facile pour moi d'ajouter un peu de texture. Si je veux ajouter quelques détails ici ou si je veux ajouter du noir foncé, c'est facile pour moi de le faire. Je ne suis pas allé dans le blanc ou dans le brun parce que cette couche, aucune de ces choses n'est touchante, donc cela me rend vraiment facile d'ajouter des ombrages et des textures différentes sans sortir des lignes. Examinons les méthodes de remplissage de vos calques de base : chute de couleur, et un outil de sélection. Je vais rendre le corps de cet oiseau noir ou gris. Je n'aime pas commencer par le noir pur parce que les ombres sont toujours plus foncées que ma couche de base. Je veux me donner de la place pour jouer avec les ombres. Je n'utilise jamais de noir plat pour mes couches plates ou de noir pur pour mes couches plates, sauf si c'est quelque chose comme un détail comme un œil. Ce que je vais faire, c'est avoir un calque sous mon calque d'esquisse, et je vais baisser l'opacité de mon calque d'esquisse pour que je puisse le voir. Mais ce n'est pas déroutant quand je vois les bords de mon contour. J' aime utiliser un pinceau qui n'a pas de texture, quelque chose de très propre et lisse. La brosse à stylo studio sous l'encrage est également parfaite pour cette méthode. Maintenant, je vais créer un contour de la poitrine de l'oiseau. Pas de lacunes dans ce contour parce que je vais faire migrer la chute de couleur. Ce pinceau fait un très bon travail. Parfois, tu finiras avec une ligne funky, et je te montrerai ça. Essayons d'utiliser un pinceau plus texturé. Si je viens ici, et que j'essaie, et que la couleur tombe maintenant, parfois ce qui se passe, c'est que tu as ces contours bizarres. Ce qui peut aider à cela est le seuil de chute de couleur. moment, quand je prends ce cercle, et que je le fais glisser, si vous regardez ce seuil, ce que j'ai fait, c'est que j'ai fait glisser ça, et je l'ai laissé tomber. Je n'ai pas levé mon stylo. Maintenant, si je glisse vers la droite ou la gauche, ça va dire, « Combien de tout ça voulez-vous que je remplisse ? » Lorsque je glisse vers la gauche, vous pouvez voir que ce petit espace s'élargit, et que je le glisse vers la droite, eh bien, je veux le faire glisser tout le chemin vers la droite, il remplit tout le calque. Si je peux trouver l'endroit juste avant qu'il ne remplisse tout le calque, comme ce 60 pour ce pinceau particulier, il y a encore un peu comme, parce que ce seuil de couleur est tombé dans une quantité solide de couleur. Il n'a pas chuté en couleur texturée, mais il ne laisse plus d'espace dans la ligne entre la ligne que vous avez dessinée et la ligne dans laquelle vous déposez la couleur. Vous pouvez venir ici, et rendre ça un peu plus faible. C' est pourquoi j'aime utiliser une brosse lisse solide quand je suis dans la voie dans mes couleurs de base. Voici une autre raison pour laquelle j'aime garder ma couleur de base solide au lieu de texture. Si je disais : « Tu sais quoi, je veux que ce fond soit jaune, vert ou violet. » Cela affecte dramatiquement cette coloration. Je veux d'abord mettre des couleurs solides. Vous pouvez également éviter ce problème en étant décisif sur la couleur de fond dès le début. Maintenant, une autre technique de chute de couleur consiste à utiliser l'outil Sélection. Je vais commencer un nouveau calque ici, et je vais dessiner quelques sélections pour cette plume de queue ici. Je peux utiliser ce type. Si je tape à un endroit, et que je tape sur un autre, cela va faire une ligne parfaitement droite entre ces deux points. Si je fais glisser ce que je peux, ça dessinera où je veux. Si je fais une erreur, je peux utiliser deux doigts pour taper deux fois, et ça ira un pas en arrière. Maintenant, j'ai une sélection, et je peux couleur tomber dans cette sélection. 10. Ombres : Où les ajouter: On va parler d'ombres. Il y a deux ombres. La première ombre dont nous allons parler, c'est une ombre coulée. Une ombre coulée est lorsque la lumière frappe un objet et que cet objet jette une ombre. Si vous deviez faire des marionnettes avec une lumière dans le mur, ce serait une ombre coulée. Cette lumière est jetée par cette bougie. La même chose avec cette ombre sur le bureau juste ici de ces fleurs. Maintenant, parlons de la deuxième ombre, qui est l'ombre qui constitue la forme de l'objet. Jetons un oeil à ces fleurs. Vous remarquerez que ce n'est pas la même nuance de côtelettes, et pas la même nuance de jaune. Mais ces fleurs, elles sont la même nuance de jaune. Mais si vous regardez de près, ici, est une couleur beaucoup plus sombre qu'ici et là-haut. C' est l'ombre de forme, l'ombre de transition, l'ombre dont cette chose est composée. Puisque cette direction est d'où vient la lumière, c'est le côté lumineux, et c'est là que la lumière ne le frappe pas parce que c'est un objet rond, et donc il fait plus sombre de ce côté. Maintenant, une chose à savoir sur les ombres projetées, c'est que la qualité de la lumière va les affecter. ce moment, je suis assis devant une grande fenêtre et c'est un jour nuageux. Lumière douce diffuse. Vous obtenez ces ombres comme ça, qui sont très douces et floues sur les bords. Surtout ça. C'est tellement floue. Ce n'est pas un plan dur, autant plus que je m'éloigne de la table. Mais si j'ai une lumière dure comme une lampe de poche brillante, ou si c'était une journée ensoleillée, je vais allumer cela, et regarder à quel point les lignes de cette ombre sont dures maintenant. Si je devais prendre ceci et le faire briller sur les fleurs, c'est une ombre bien plus nette. Une autre chose à noter, quand je me rapproche d'un objet avec ma lumière vive, l'ombre devient plus courte, et quand je m'éloigne, l'ombre devient plus longue. Si je viens au-dessus d'un objet, cela peut presque faire disparaître cette ombre coulée. Les ombres agissent un peu différemment sur les objets ronds que sur les objets carrés ou tranchants. Les objets ronds ont tendance à avoir une transition progressive, tandis que les objets carrés ont tendance à avoir un plat dur, où l'ombre se rencontre juste là, c'est la fin du plan de cette boîte. Même si la lumière est diffuse et douce, et que toutes ces ombres sont vraiment douces, c'est très distinct ici. Parlons de quelques formes plus complexes, comme par exemple, ce visage de Bouddha. Vraiment, tout comme nous parlions dans la partie dessin, plupart des choses peuvent être décomposées en formes simples, et la plupart des ombres peuvent être décomposées en bords arrondis ou tranchants. Jetons un coup d'oeil à la connexion du nez à l'oeil juste ici. Maintenant, c'est une forme ronde, mais c'est plus d'une ombre dure, surtout du pont du nez à l'intérieur juste ici, c'est une ligne dure. C' est parce que c'est un avion, tout comme nous avons vu les plans des boîtes, comparés à ce côté. Mais au fur et à mesure que nous descendons dans cette forme ici, il devient plus une transition progressive et douce. Si nous regardons les petits carrés qui composent les cheveux ici, vous remarquerez qu'ils sont aussi très simples. Ici, c'est une zone très lumineuse, et c'est une zone très sombre. C' est une ligne distincte très nette qui sépare chaque côté de ce petit morceau de cheveux. Maintenant, c'est différent des yeux. Les yeux sont une ombre très douce. C' est le point le plus brillant ici. C' est probablement le point le plus élevé de cette prise à œil rond. Il devient progressivement plus sombre jusqu'à ce qu'il soit là-haut. Peu à peu, il devient de plus en plus sombre ici parce que cela se lève. Il monte et puis autour. Ce côté, ne se fait pas frapper par la lumière. Jetons un coup d'oeil à ça. Si je le ramasse ici maintenant, la lumière est juste ici et c'est graduellement, graduellement, c'est parce que c'est une forme ronde de ce globe oculaire. Même chose avec les lèvres. Ils sont incurvés, mais c'est un autre plan. Il descend et vers l'intérieur. Ce côté est brillant et ce côté est sombre, et c'est une ligne dure. Maintenant, cette forme, est un peu plus arrondie. C' est une transition progressive du plus haut, le point qui dépasse le plus, c'est la partie la plus haute de la lèvre, c'est le point le plus brillant. Comme il descend plus loin, il devient un peu plus dans l'ombre, une couleur plus foncée différente. Encore une fois, tout peut être fondamentalement décomposé en, une partie de celui-ci peut être ronde et une partie de celui-ci peut être carrée. Mais tout ce qui est un plan pointu, devient une ligne dure et tout ce qui est un changement progressif, comme ici, devient mou. Parlons des ombres dans l'illustration. La première ombre que je veux souligner ici, c'est cette ombre bleu foncé juste ici. C' est une ombre coulée. Il est jeté par la goutte de miel contre la tasse à thé. Ce que je veux souligner ici, c'est que ce n'est pas une couleur unie de bleu. Habituellement, les ombres sont plus sombres que l'objet sur lequel elles sont réellement. Mais parce qu'il s'agit d'une partie plus sombre de bleu, cela signifie que cette partie de l'ombre est plus sombre, et c'est en fait une partie plus claire de bleu. Cela signifie que la partie ombre, est plus légère ici que sur la partie inférieure. Je vais vous montrer quelques trucs et astuces pour faire ces ombres sans avoir à entrer manuellement et ajuster la couleur. C' est une ombre coulée. Parlons des ombres de forme. Ombres qui ne font qu'une partie de la forme de l'objet. Par exemple, cette tasse à thé. Cette tasse à thé a un bleu plus foncé ici et ensuite il vient progressivement dans un bleu plus clair. Maintenant, c'est différent du bord de la tasse à thé. Là encore, là où il y a ce bleu foncé, c'est un côté de la tasse à thé, et c'est la lèvre de la tasse à thé. C' est en fait dans l'ombre et cela est frappé par la lumière. Ce n'est pas une transition douce ici, c'est très difficile. C' est une ligne solide. Mais si je regarde le nid d'abeille, ils sont entre un objet rond et un objet carré. Je vais éteindre le miel de tout ça. Ce n'est pas tout à fait une ligne solide, c'est un peu d'une ligne texturée donc il lui donne un bord légèrement plus doux. C' était ma façon de dire que ce n'est pas forcément dur, dur, mais qu'il s'agit juste d'une transition douce entre un côté de l'avion et un autre. Jetons un coup d'oeil à un autre exemple ici. Ces cônes de crème glacée, ils ne sont pas un solide de jaune. L' ombre commence d'un côté et elle passe lentement et progressivement d'une couleur foncée, à une couleur plus claire, à la teinte la plus claire du cône de crème glacée. En outre, il s'agit d'une transition texturée. Laisse-moi te montrer à quoi ça ressemblerait si j'avais ces lignes dures. Au lieu d'avoir une transition douce, voyez comment c'est juste très texturé, ce pas des lignes pleines, il se déplace progressivement de l'une à l'autre par opposition à, c'est sombre, c'est léger. Si je l'ai montré avec tout, ça a l'air drôle. Ce n'est pas une transition très douce. Si j'utilisais ce même ombrage dur sur tout dans cette illustration, il le communiquerait probablement bien. Mais parce que c'est si différent de la façon dont j'ai fait des ombres dans le cône de crème glacée lui-même, et dans les mains, et les ongles, ce sont des ombres beaucoup plus texturées. Ça a l'air hors de propos. Maintenant, une astuce que je pourrais utiliser avec cette ligne dure, c'est que je pourrais utiliser mon outil de taches et que je pourrais tacher les ombres pour qu'elles se fondent. Ça a l'air bien mieux que celui-là. Regardons un autre exemple ici. Je veux te montrer le panier ici avec cet âne. Je sais que ce panier juste en le regardant, est des crêtes arrondies. J' ai communiqué cela parce que j'ai créé des ombrages sur chaque section de la crête. J' ai aussi dessiné ces lignes ici pour indiquer que ce sont les bâtons qui composent cette forme tissée. Maintenant, cette ligne ici, agit à la fois comme un contour, mais elle crée aussi la partie la plus sombre de cette ombre. J' ai créé une partie sombre de cette ombre, puis j'ai créé un ton médian, ou où la transition entre la partie la plus profonde de l'ombre est, au ton moyen, à la partie la plus brillante de l'ombre. Mais ce que j'ai aussi fait, ce sont ces lignes courbes, ils aident à indiquer la forme de ce panier. Si j'avais tracé des lignes droites ici comme ça, ça ne ressent pas tout à fait la même chose. On dirait un panier, mais maintenant au lieu d'un panier arrondi comme celui-ci, c'est très bulbeux, c'est beaucoup plus plat. La forme des lignes que vous utilisez, va également vous aider à indiquer comment est quelque chose en 3D. Nous avons déjà parlé de la direction de la lumière. Quand vous commencez à faire de l'illustration, c'est le plus simple de décider que, « Hé, ma lumière va venir d'une seule direction. » Vous décidez de quelle direction il s'agit et vous le composez. Dans le monde réel, il n'y a généralement pas une seule source de lumière. Peut-être que vous avez une fenêtre et peut-être une lampe. Il peut y avoir beaucoup de directions de lumière différentes. Mais c'est très compliqué d'essayer d'imaginer toutes ces choses. Dans ce cas, la lumière vient probablement de haut dans ce coin par ici. Mais je ne me suis pas tenu à ça strictement. J' ai inventé des trucs. Par exemple, si la lumière venait de cette direction, cette ombre sur le faisceau devrait être ici, et elle devrait être mise en évidence ici, elle ne devrait pas ressembler à ça. Mais j'ai été paresseux. J' ai pris cette abeille, je l'ai copiée et je l'ai collée ici. C' est bon. C'est mon interprétation artistique. Cette illustration n'a pas l'air d'être complètement fausse juste parce que cette ombre sur cette abeille n'est pas parfaite. Si vous mélangez trop ces choses, cela deviendra déroutant et vous pourriez ne pas être en mesure de déterminer pourquoi quelque chose ne semble pas bien. Mais c'est peut-être parce que les ombres et les reflets ne sont pas au bon endroit. La plupart des ombres et des points forts de cette image, viennent principalement de cette direction. Dans cette illustration ici, c'est un lieu étrange pour que la lumière vienne, parce que d'une certaine façon, c' est comme si la lumière venait d'ici et que la lumière venait d'ici. Eh bien, je viens de trouver qu'il était plus facile de le communiquer en ayant cette ombre ici parce que ça créait un peu plus de contraste sur les doigts. Vous êtes l'artiste et vous arrivez à décider à quel point vous voulez être réaliste avec vos ombres, et comment pas réaliste que vous voulez être avec vos ombres. En théorie, la lumière devrait probablement venir de cette direction dans cette illustration, car il y a une ombre derrière sa jambe ici et dans le panier. Mais si je regarde sa jambe ici, ce n'est pas comme ça que ça marche. Si la lumière venait de cette direction, le point culminant serait ici et l'ombre serait là. Mais une partie du but des ombres, est d'indiquer qu'une chose est en face d'une autre chose. Comme ces jambes étaient de la même couleur, je voulais créer une ombre sur cette jambe arrière, que vous puissiez voir qu'elle était derrière cette jambe. Je l'ai inventé. Encore une fois, c'est une interprétation artistique. Utilisez les ombres là où vous pensez qu'elles seront utiles. 11. Conseils d'ombrage pour les médias physiques: Dans cette leçon suivante, je vais montrer comment et où placer des ombres dans Procreate. Certaines techniques numériques nous permettent de créer des ombres plus rapidement et si vous utilisez des outils analogiques comme des crayons ou des marqueurs, vous devrez ajouter vos ombres manuellement. Je veux vous donner juste quelques conseils pour créer des couleurs plus foncées si vous utilisez des crayons de couleur ou des marqueurs. Le premier est que si vous utilisez un marqueur, vous pouvez venir ici et dessiner votre forme. Laissez sécher pendant une seconde. Ensuite, quand tu reviendras et que tu dessines dessus de ça à nouveau, ça va arriver avec une couleur plus foncée. Maintenant, une autre façon de le faire est de remplir avec votre nuance plus claire, puis de saisir un marqueur de couleur plus foncée et d'ajouter votre ombrage de cette façon. Si vous utilisez un crayon de couleur, c'est encore plus facile parce que vous pouvez simplement entrer avec votre première couche de couleur, et ensuite vous pouvez simplement pousser plus fort pour créer cette couleur d'ombre plus foncée. Disons que vous utilisez une couleur rouge. Je peux également créer des ombrages en utilisant des couleurs qui sont à côté de cette couleur sur la roue de couleur. Une couleur qui est à côté du rouge est orange. Je peux venir ici et ajouter un peu d'orange ici et cela aidera à créer une nuance de rouge plus foncée. Si c'est trop orange, je peux venir sur le dessus avec juste un peu plus de rouge, mais maintenant vous pouvez voir cela semble beaucoup plus arrondi, beaucoup plus rouge foncé sur les coins. Un autre vraiment amusant, et je ne vais pas trop entrer dans la théorie des couleurs ici, mais si vous utilisez la couleur opposée sur la roue, donc si le rouge est d'un côté de la roue de couleur et le vert est en face. Si j'utilise une très petite quantité de vert, ça va créer l'illusion d'un rouge plus foncé et si j'utilise beaucoup de vert, ça va ressembler à un cercle rouge. Vous voulez être vraiment doux avec la quantité de la couleur opposée que vous utilisez car trop de celui-ci fera ressembler à la couleur opposée de la roue de couleur. Si vous voulez en savoir plus sur la théorie des couleurs, j'ai toute une classe à ce sujet. 12. Techniques d'ombrage dans Procreate: Maintenant que j'ai ma couche de base de couleur, je peux les voir tous juste là. Je vais commencer à faire un peu d'ombrage. Donc la première chose que je vais faire est que je vais ajouter peu d'ombrage à ce journal ici et je veux commencer un nouveau calque et je vais en fait utiliser un pinceau de Lisa Bardot. J' aime vraiment ses pinceaux et celui-ci, je vais utiliser la même couleur que la bûche, mais je vais juste aller un peu plus sombre. Maintenant, vérifions ça. Alors je vais devenir fou et dire, Breb, qu'est-ce que tu fais ? Ça a l'air terrible, mais voici le truc de fantaisie amusant. Ce que je vais faire, c'est que je vais utiliser ce qu'on appelle un masque d'écrêtage. Donc, je vais taper sur ce calque ici et je vais appuyer sur « Masque d'écrêtage », et il va contenir toutes les ombres que je viens de faire dans ce journal juste ici. Donc, c'est avec le masque d'écrêtage désactivé, c'est partout et c'est ce que le masque d'écrêtage est allumé. Donc, ce masque d'écrêtage, ce qu'il fait est quelque chose dans le calque qu'il coupe sur lui que partout où il y a quelque chose sur ce calque, il va le montrer. Donc si j'allume ça, vous verrez que la poitrine blanche des deux peut être un peu bâclée et qu'elle est montée dans cet espace, mais elle ne se montre nulle part ailleurs. Donc tout ce que j'ai à faire, c'est venir ici et juste effacer ça de là-haut et ce journal a l'air assez bien. Maintenant, je ne veux pas que ma bûche soit juste une texture solide. Je veux qu'il ait un peu de forme. Donc je vais dire que le rayon vient du haut rayon. Donc, le bas de cette bûche va être texturé et le haut va être une couleur plus claire. Donc ce que je vais faire, c'est que j'ai choisi ce shader de planche de bois, et je vais juste tapoter et tenir ma gomme à effacer, et ensuite ce qu'il va faire, c'est qu'il va tirer la même brosse que j'utilisais pour mon crayon, pour ma gomme et puis je peux venir ici et je peux, je suis toujours dans la brosse, je vais utiliser la gomme et juste commencer à effacer légèrement la moitié supérieure de ce journal. Alors que maintenant il semble un peu plus tridimensionnel. Donc, le bas de la bûche est dans l'ombre et le haut de la bûche est dans la lumière. Maintenant, j'utilise une très grande toile et je vais manquer de couches très vite. En fait, si j'essaie d'ajouter deux couches supplémentaires, je ne peux pas. Alors que se passe-t-il lorsque vous avez des couches limitées ? Je vais te montrer un autre truc amusant. Donc, ce que nous allons faire est d'utiliser certains des modes de fusion. Je veux ombrager le dessous de ce bec. Donc, je vais venir ici et je vais sélectionner à l'aide de mon outil de sélection. Alors maintenant que j'ai fait ma sélection, je vais ombrager tout cela, et idéalement je voudrais avoir un vert plus foncé et un bleu plus foncé et un rouge plus foncé, mais c'est une telle douleur de continuer à changer de couleur et essayer de garder ce trace de mon ombre cohérente. Donc je vais choisir un gris clair, un gris mi-ton et je vais utiliser, j'aime vraiment ce pastel à l'huile ou peut-être ce pastel doux, et je vais venir ici et je vais ajouter un peu d'ombre. Je vais m'assurer que c'est vraiment plus épais, près du bord du bec, parce que c'est là que l'ombre serait la plus sombre, et regarde ça, ça n'a pas l'air génial, n'est-ce pas ? Mais utilisons une couche de mélange. Donc, je vais frapper le n juste à côté de sur ce calque et cela va ouvrir les modes de fusion et si je joue avec certains d'entre eux, je commence à obtenir une couleur différente et j'aime vraiment utiliser « Multiply » et « Linear Burn » et » Color Burn », mais j'aime aussi utiliser certains de ces contrastes. « Overlay » fait de grandes choses pour moi, pas cette fois, mais aussi certains de ces autres et tout cela est vraiment une question de préférence personnelle. Cette fois, je vais utiliser « Linear Burn » et je vais prendre l' « Opacité » beaucoup plus bas et maintenant j'ai un peu d'ombrage dans ce bec. Donc c'est une façon de faire beaucoup d'ombrage très rapidement avec une couche et la chose cool est, si je change, puisque j'utilise une couleur neutre comme un gris mi-ton, si je change de couleur de ce bec, disons que je veux, juste pour le plaisir, changez cela en une couleur grise. Cet ombrage fonctionne toujours. Il est donc facile de modifier car vous n'avez pas besoin de changer la couleur de l'ombre. Alors qu'avec cette couleur de journal ici, si je devais changer cette couleur de la bûche pour, disons comme un brun jaunâtre. J' aurais vraiment besoin d'entrer et de changer la couleur de cette ombrage. Je vais venir ici et je veux créer un peu de rondeur sur ce bec supérieur, et c'est un peu trop sombre à mon goût. Donc tout ce que je vais faire, c'est que je vais venir ici et que je vais réduire l'opacité. Ce curseur contrôle l'opacité de votre brosse, et ce briquet contrôle la taille de la brosse. Donc, je vais garder la taille de la brosse la même et je vais juste réduire l'opacité, et cela va me donner une ombre beaucoup plus faible et bien sûr, je peux toujours utiliser mon outil gomme pour adoucir les bords, les taches ou les utiliser outil de salissure pour le tacher. Je veux créer une définition sur les pieds ici, et je voudrais aussi de l'aide pour rester dans les lignes. Il est vraiment facile de monter accidentellement dans le corps ou sur la bûche. Donc, ce que je vais faire, je vais sélectionner juste cette couche. Donc je vais utiliser deux doigts et je vais les tenir sur ce calque ici, et vous pouvez voir que j'ai sélectionné ces pieds, mais je vais dessiner sur ce calque. Donc, quand je le sélectionne, ça va seulement me permettre de dessiner dans cette sélection. Donc je ne peux pas sortir de cette sélection. Je ne vais pas entrer dans le corps, donc ça me donne une ligne vraiment, vraiment propre, et je vais faire la même chose ici. Je veux aussi créer un peu d'ombre sous le ventre ici. Peut-être même une ombre sous les pieds parce que les pieds créeraient une ombre sur la bûche. Voici le problème, si je sélectionne le journal, cela ne va pas m'empêcher de dessiner par-dessus ces pieds parce que cette couche d'ombre est au-dessus de tout. Alors qu'est-ce que je peux faire ? Ce que je peux faire, c'est exclure ces pieds. Donc je vais sélectionner les pieds et je vais inverser cette sélection. Donc, je minimise l'outil de sélection et je vais l'inverser, et maintenant je vais venir ici et je vais créer de l'ombrage sous les pieds, mais ça ne va pas me permettre de dessiner sur les pieds. Alors retirons cette sélection. Maintenant, j'ai encore ces belles lignes propres pour mes pieds juste là, mais j'ai aussi un peu d'ombre sous ses pieds. Le bummer à propos de l'utilisation d'un gris de ton moyen est que, eh bien, cela donne tout l'air gris. Comme pas particulièrement sauvage sur ce gris sur cette belle poitrine jaune pâle clair de l'oiseau. Je vais donc créer un nouveau calque et je vais utiliser plus de couleur. Eh bien, ça a l'air vraiment cool. Il ne fonctionne certainement pas sur la poitrine de l'oiseau, sur la partie bleue de l'oiseau. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais activer « Multiplier « et si je n'aime pas la façon dont ce jaune ressemble à son corps bleu, ce que je peux faire, c'est activer Alpha Lock sur cette couche ici, la couche jaune, et je peux choisir une couleur bleutée et je peux remplir avec une couleur bleue, et si c'est trop sombre, eh bien, alors je peux choisir une couleur bleue plus claire. Pour activer le verrou Alpha, vous pouvez balayer avec deux doigts sur le côté. Encore une fois, c'est deux doigts qui glissent sur le côté pour l'allumer. Vous pouvez voir qu'il est activé avec ces petits damiers et balayez vers la droite pour l'éteindre. Si jamais vous ne pouvez pas vous souvenir de ces raccourcis, vous pouvez toujours utiliser. Vous pouvez simplement taper sur le calque et il y a une copie sélective et un verrou Alpha. Alpha lock m'empêche de dessiner en dehors des lignes. Donc ici, si j'ai essayé de dessiner en dehors de l'ombrage que j'ai déjà créé, je ne peux pas, ça ne va pas me permettre. Je vais aussi ajouter quelques lignes ici à sa queue. Les lignes dans sa queue ici ont l'air génial, mais je veux revenir et ajouter un peu plus d'ombre à elle. Donc, je vais revenir à ma couche d'ombre et plutôt que ma couche de détails ici, et je vais m'assurer que je ne peux que toucher ces plumes de queue. Donc, je vais sélectionner en utilisant deux doigts sur la couche de queue juste là, et je vais m'assurer que je suis sur un gris de ton moyen. Je vais utiliser ma brosse pastel à peau douce et je vais venir ici et je vais créer un peu d' ombrage où la bûche jette une ombre sur la queue. Si je voulais devenir plus sombre, je pourrais utiliser un gris plus foncé. Maintenant, l'autre chose que je veux faire est de dire clairement que cette queue est derrière cette queue. Je vais donc resélectionner le calque de queue, mais n'oubliez pas de dessiner sur mon calque d'ombre, et je vais créer un peu d'ombre ici. Donc je peux dire distinctement que cette queue est derrière celle-là. Maintenant, ce n'est pas tout l'ombre, il y a aussi la mise en évidence et c'est ma couleur de base, qui signifie que je peux aller plus clair avec un surlignement. Donc, disons que cela voulait rendre ce bec très brillant et donc ce que je ferais c'est que je choisirais une couleur blanche et une brosse vraiment lisse, comme peut-être mon pinceau studio, et je créerais une touche blanche comme ça. Donc, cela rend le bec vraiment brillant, vitreux et humide. C' est pourquoi les reflets blancs sont généralement dans les yeux et parfois vous verrez comme un peu comme un aspect vitreux comme ça. C' est parce que les yeux sont mouillés et brillants. Dans ce cas, je ne pense pas que je veux vraiment que mon bec soit aussi brillant. Donc, ce que je vais faire est de créer un point culminant global ici. Encore une fois, je vais créer une sélection, et je vais créer juste un peu de lumière douce. Donc, la bonne chose à propos de la création d'une sélection est qu'elle crée une ligne dure sur le bord de la sélection, puis je peux vraiment changer doucement et progressivement, créer comme une gradation de couleur à l'intérieur. Ça ressemble à de la neige sur son bec. Mais grâce à la magie du mélange de couches, je peux entrer dans l'allégement et je peux jouer avec ces différents paramètres. Personnellement, j'aime la superposition beaucoup, j'utilise que beaucoup et la lumière douce est probablement mon préféré parce que la lumière douce, dans ce cas semble super, super doux. Donc c'est avec ça off, et c'est avec elle et donc ça ajoute vraiment un petit peu de surbrillance. Cela ajoute vraiment un joli petit intérêt visuel. 13. Qualité des lignes : Gardez l'attention du public plus longtemps: Quand les choses sont toutes les mêmes, elles deviennent prévisibles et ennuyeuses, et donc ce que nous voulons faire avec nos dessins est de créer beaucoup d'intérêt visuel. La qualité de la ligne peut vraiment vous aider avec cela. Si je regarde cette porte, cette ligne bleu foncé qui l'entoure, est très lisse, par opposition à ces feuilles ici, elles sont très texturées. Cette douceur par rapport à cette texture, même cette texture à l'intérieur ici, avec ces lignes, ces lignes sont également très texturées. Ce contraste crée un intérêt visuel. Ça nous donne quelque chose à regarder par ici. Nous ne regardons pas ça et n'avons rien d'autre à voir. Il y a plein de choses à voir ici. Une autre chose qui peut affecter la qualité de la ligne est la variation. Ces lattes dans la porte, elles ne sont pas toutes de la même épaisseur, elles ne sont pas toutes la même largeur. Certains d'entre eux sont très minces, et certains d'entre eux sont plus épais, ce qui nous donne quelque chose à rebondir autour. Par exemple, mon oeil peut être attiré dans cette zone ici, puis peut-être qu'il est attiré dans cette zone, ou dans cette zone, et si toutes ces lattes étaient de la même épaisseur tout au long, je ne les remarquerais pas autant. Mais parce qu'il y a des variations, ça me donne plus à regarder, à ce dessin. Une autre chose qui peut affecter la qualité de votre ligne est certaines lignes sont plus sombres et certaines lignes sont plus légères. Par exemple, dans cette plante de serpent ici, toutes ces lignes ne sont pas les mêmes, les stries vert foncé. Certains d'entre eux sont plus minces, certains d'entre eux sont plus épais. Certains d'entre eux sont un peu plus légers, ou un peu plus tachés, et certains d'entre eux sont plus sombres. La légèreté et l'obscurité peuvent également vous donner une certaine variation dans la qualité de votre ligne. La qualité de la ligne ne se réfère pas seulement aux lignes en contraste les unes avec les autres, elle peut également se référer aux lignes comme elle-même. Une raison pour laquelle cette ligne juste ici, cette ligne centrale blanche, n'est pas une seule épaisseur tout au long. C' est un peu cahoteux et un peu grossier. Si je devais en faire une ligne solide, ce ne serait pas aussi intéressant. Encore une fois, la qualité de votre ligne n'est pas seulement ces petits tirets les uns par rapport aux autres, c'est aussi la qualité de cette ligne unique. Les lignes dans ce cactus ici, elles ne sont pas en fait une seule ligne, mais elles créent des intérêts visuels parce qu'elles ne sont pas toutes la même légèreté et obscurité. Parce que certains d'entre eux sont plus légers. Même si ce n'est pas techniquement une seule ligne, c'est en fait une série de points, nous voyons visuellement cela comme une ligne. Ce qui rend celui-ci un peu plus intéressant, c'est que, il a des pièces à travers ou des pièces plus légères. Ce n'est pas la même obscurité. L' obscurité et la lumière, cette variation peut également affecter la qualité de votre ligne. 14. Restez motivé: N' oubliez pas, rien n'écrasera la joie de dessiner autant que de vous comparer à d'autres personnes. Enregistrez vos dessins originaux. Rien ne vous donnera autant de satisfaction que vu combien vous avez grandi vous-même. Même si vous n'aimez pas ce que vous faites maintenant, si vous vous y accrochez, vous allez voir des progrès, vous verrez une différence. Avoir ces dessins originaux va être en mesure motiver et de vous encourager mieux que n'importe quoi d'autre vraiment. 15. Remarques finales et projet: Avant d'entrer dans votre projet de classe, je tiens à vous dire, merci beaucoup d'avoir regardé ce cours et j'espère vraiment que cela vous a été utile. Si vous avez trouvé ce cours utile, je veux vous demander une faveur. S' il vous plaît partager ce cours avec un ami que vous pensez que cela aiderait également. Si cette personne n'a pas de partage de compétences, vous pouvez partager un lien avec elle afin qu'elle puisse obtenir deux mois gratuits. Là, dans l'onglet Projets, si vous partagez votre travail sur Instagram, j'aimerais voir ce que vous créez. Utilisez le hashtag, DrawWithBrooke, et je partagerai certains d'entre eux sur mon propre compte. Vous pouvez me trouver à Paperplaygrounds. Si vous voulez suivre ce que je fais, il s'agisse d'une nouvelle classe de compétences, d'un atelier en personne ou d'autres événements, vous pouvez rejoindre ma newsletter et le lien se trouve dans la description ci-dessous. Pour votre projet de classe, partagez une image que vous utilisez avec l'un des exercices de la classe. Il peut être l'un de ceux que nous utilisons comme exemple ou il pourrait être quelque chose de complètement différent. Je suis tellement excité de voir ce que vous créez. N' oubliez pas si vous avez besoin d'une des ressources dans l'onglet Projets, et si vous avez des questions, hésitez pas à les laisser dans l'onglet Communauté. Va créer des trucs, les gars, j'ai hâte de voir ce que tu fais. 16. Commentaires bonus des apprenants Partie 1: Bonjour les amis de l'art. Dans cette vidéo, je vais donner quelques commentaires sur l'art étudiant. Ces artistes ont participé à un atelier et ils ont soumis leur art pour obtenir des commentaires. Avant de plonger dans la vidéo, je veux juste vous faire savoir que l'art est totalement subjectif et que ce que les gens considèrent comme un bon art ou améliorer les choses est totalement subjectif. Ce que j'aime, tu pourrais ne pas aimer, et c'est tout à fait correct. Mon intention avec cette rétroaction est d'aider les gens à se hisser, mais honnêtement, le goût est différent. Vous pourriez adorer la façon dont ces œuvres d'art sont comme elles sont, et c'est tout à fait correct. n'y a pas de bonne ou mauvaise façon de dessiner et il n'y a pas de bon ou de mauvais style. Il s'agit de trouver ce que tu aimes. Prenez donc ce que vous aimez de cette session de commentaires et ignorez le reste. Allons plonger dedans. Monica a partagé un beau dessin aquarelle d'un toucan. Une ou deux choses que vous pouvez faire lorsque vous prenez des photos de vos images aquarelles est de les éditer afin qu'elles ressortent un peu plus brillantes. Par exemple, ce que je veux vous montrer, c'est comment je vais de là, qui est la photo originale, à ceci, qui est un peu plus lumineux. Je vais utiliser l'application Photos sur mon iPad. Si vous avez un iPhone, vous pouvez faire la même chose ici. Si vous avez un appareil Android, vous pouvez trouver une application comme Snapseed, mais je suis aussi devine qu'il ya une autre application de retouche photo qui est intégré dans le téléphone. Même si votre interface peut ne pas ressembler, vous pouvez certainement trouver les mêmes types d'outils similaires. Dans l'application Photos, je vais appuyer sur « Modifier », et sur le côté droit, il y a toutes sortes d'outils d'édition différents que vous pouvez faire attention. Le premier que je vais chercher s'appelle l'exposition. Maintenant, quand je retouche une photo, ce que je veux faire attention est le blanc du papier. Ce blanc est très, très sombre, et donc je veux l'amener au plus près d'un blanc réel que je peux. L' autre chose que vous voulez faire attention est tout noir qui est dans l'art parce que vous voulez que aussi rester aussi sombre que possible. Avec l'exposition, si je manivelle tout, ce que vous remarquerez, c'est que c'est vraiment brillant, mais dans les verts de l'arrière-plan, ça souffle. Ça enlève un peu de détails là-dedans. Je ne veux pas aller à 100 pour cent, mais je pense en fait que je pourrais aller à quelque chose comme 50 ou quelque chose dans cette application. Encore une fois, si vous utilisez une application différente pour le faire, ce sera votre art, votre photo, les conditions seront toutes différentes, donc vous devez faire attention à ce qui fonctionne dans votre cas particulier. On va continuer ici, et la prochaine à laquelle je veux prêter attention est le contraste. Si nous regardons les zones noires de cette photo, vous verrez qu'il est difficile de voir si l'une de ces zones est plus sombre ou pas. Ici, je vais en faire un exemple exagéré. Si je pompe le contraste, je ne peux vraiment pas faire de différence entre les Noirs. Tout ressemble à un noir plat. Si je manivelle tout vers le haut, surtout dans la queue ici, vous pouvez vraiment voir qu'il y a des zones où il y a noir plus foncé et des zones où il y a du noir plus clair. Maintenant, bien sûr, le contraste gonflé autant a air horrible parce que tout est juste aplati. Donc, vous voulez jouer et trouver un endroit où il ne déforme pas le reste de l'art, mais vous pouvez réellement voir une partie du contraste dans la queue. Maintenant, la prochaine chose que je veux chercher est la chaleur et la teinte. Maintenant, cela peut être appelé balance des blancs dans une autre application, mais parfois ce qui se passe lorsque nous prenons des photos est que le blanc du papier tourne, il peut être un peu sur le côté bleu ou un peu sur le côté rouge, parfois un peu un peu sur le côté vert. Cette chaleur et cette teinte ou équilibre des blancs, il peut faire une grande différence. Nous avons ajusté l'exposition sur cette photo particulière, et cette photo particulière est en fait assez propre, donc cela ne va pas faire une énorme différence, mais cela pourrait dans la vôtre. Si je rampe la chaleur tout le chemin, vous pouvez voir comme, wow, ça bifurque en un genre d'orangé, et si je dois le fausser jusqu'au bas, c' est un bleuâtre très léger. Dans ce cas, si je regarde le blanc, c'est difficile à dire sans avoir un exemple blanc réel à côté de lui, mais je pense que juste le cogner juste un peu sur le côté plus bleu, cela va faire ressortir certains des bleus et des verts dans ce peinture, et je ferai la même chose avec la tente. Encore une fois, la teinte, si je l'amène tout le chemin, elle apporte comme une teinte rougeâtre, et tout le chemin vers le bas, elle apporte une teinte verdâtre. Mais je veux que ce soit comme très, très légèrement [inaudible]. C' est neutre et c'est juste un peu plus vert. En fait, je pourrais l'abaisser un peu. Donc juste fait ressortir les verts à l'intérieur de là. Ensuite, je vais tapoter fait et j'aurai une pièce finie. Encore une fois, si je voulais comparer l'original, je peux appuyer sur « Modifier » et je pourrais appuyer sur « Revenir ». Revenez à l'original et vous pouvez voir quelle différence juste ces modifications simples faites. Betsy Thomas a présenté ce dessin génial du toucan. Ce que je voulais souligner à ce sujet, j'aime vraiment comment elle a exagéré les différentes caractéristiques de ce toucan. Elle a pris et dit : « Oh, j'aime vraiment la poitrine de ce toucan », et en a vraiment fait une partie beaucoup plus grande de l'oiseau que sur la photo. Si vous voulez le dessiner de façon réaliste, vous ne voulez pas le faire. Mais si vous voulez dessiner stylistiquement, qui est ma préférence, ce qui est ma préférence,c'est exactement ce que vous voulez faire. Tu veux dire, hé, c'est la forme que j'aime. C' est la partie de l'oiseau que je pense est la plus intéressante et souligne ces choses. J' aime qu'elle soit vraiment surdimensionnée, la partie de la poitrine, mais aussi le bec. Ce bec est un peu plus droit, mais elle a choisi de suivre cette ligne ici et d'en faire une partie incurvée. C' est quelque chose que vous pourriez trouver Betsy que vous allez vouloir faire dans tous vos dessins. Essayez de trouver où vous pouvez continuer une ligne d' une section du dessin dans la section suivante. Par exemple, cette forme de la tête dans le bec. C' est quelque chose que vous pourriez trouver devient un choix stylistique pour vous. Annette K. a soulevé une grande question sur la façon de faire pivoter ces images. J' ai une image dans Procreate et si je prends deux doigts et que je la tourne et la tourne, alors voilà, maintenant j'ai ce dessin à l'envers. Mais cette image n'est pas dans Procreate, elle est en fait dans l'application Photos. C' est là que je l'ai mis en avant. Si je touche « Modifier », voyons ici il y a un bouton ici qui a un mouvement de rognage et de rotation. Une fois que j'ai tapé dessus, il fera apparaître ces options ici pour faire pivoter l'image. Si vous avez d'autres questions spécifiques à Procreate, je recommande fortement de vérifier ma classe Intro to Procreate, qui vous aidera à comprendre certaines de ces choses à faire à l'intérieur de Procreate. Une autre chose que je voulais souligner, c'est que dans ce cas, elle a une interprétation vraiment amusante et bizarre du toucan ici. Mais une chose que je remarque est que cette ligne juste ici est que ce n'est pas très lisse. J' ai aussi vu la même chose dans les dessins de Taylor Ashbrook. C' est tellement cool. Elle a montré tout son progrès ici. Vous pouvez voir que c'est son tout premier brouillon comme en fait simplement copier ces formes sur, et comme elle va, elle a dessiné et retracé ces formes, et voici juste la version rétractée finale. Ce que je veux souligner ici, c'est que cette qualité de ligne vraiment fragile peut être un choix stylistique total. Vous pouvez absolument faire ça et ça a l'air vraiment cool. Cela semble vraiment agréable sur les branches, mais souvent quand vous êtes un débutant au dessin, votre main n'est pas très stable. Il y a quelques choses que vous pouvez faire pour améliorer la stabilité de votre main. L' un d'eux dessine rapidement. Même maintenant, si je dessine vraiment, vraiment, lentement, vous pouvez voir même mes lignes ne sont pas très lisses. Mais quand je le dessine rapidement, vous pouvez voir que la ligne est beaucoup plus lisse. Donc, quand vous bougez très, très, lentement quelque chose comme ça. Une technique que j'utilise sur cet écran en verre, c'est très facile pour moi d'accoler ma main. Vous remarquerez que je ne bouge pas toute ma main, je bouge en fait de mon poignet, donc ça m'aide à garder une ligne plus lisse aussi. Une autre chose est encore, si vous bougez rapidement. Vous verrez beaucoup de fois dans les croquis d'artistes ce qu'ils vont faire est appelé fantôme. Ils traceront la ligne plusieurs fois pour qu'ils puissent s'habituer à ce mouvement, et ensuite ils peuvent venir sur le dessus et tracer cela d'une manière plus rapide et plus confortable parce qu'ils l'ont dessiné plusieurs fois. C' est comme pratiquer le mouvement. Ensuite, une fois que vous l'avez pratiqué plusieurs fois, vous pouvez le faire plus rapidement. Cela peut absolument être un choix stylistique. Je pense qu'Annette a des lignes très lisses dans les becs et les bords extérieurs. Vous voudriez vous assurer qu'il est intentionnel d'avoir cette section moins lisse ici. Encore une fois, c'est totalement un choix stylistique. Vous pouvez faire l'un ou l'autre. Mais si vous trouvez que vous créez involontairement ces lignes tremblantes, ce qui, encore une fois, cela semble vraiment cool et vous pouvez dire que Taylor a fait cela. Elle s'est entraînée à lisser ces lignes ici, et vous pouvez dire qu'elle est beaucoup plus confiante dans ses dernières lignes. C' est évidemment très involontaire. Encore une fois, totalement, cela peut être un choix stylistique, mais si vous avez l'impression que vous avez involontairement lignes ondulées ou tremblantes et que vous voulez qu'elles soient plus lisses, essayez de dessiner plus rapidement, essayez la méthode fantôme et essayez se déplaçant non seulement vos doigts, mais se déplaçant soit du poignet ou du coude. Si votre surface de dessin est plus grande, il est plus facile de dessiner à partir du coude pour créer une courbe lisse ou une ligne droite au lieu de déplacer vos mains ou vos doigts pour faire ces lignes. En parlant de fantôme, vous pouvez le voir en action avec Venu. Je suis désolée si je massacre ton nom. Mais vous pouvez voir qu'ils ont utilisé ce bel effet fantôme ici pour comprendre comme, « Hé, où est-ce que je veux vraiment que cette forme du corps de l'oiseau aille juste ici ? » Vous pouvez aussi voir qu'ils l'ont fait ici en face. Cela les aide à créer exactement la ligne qu'ils veulent créer ici, et exactement la ligne qu'ils veulent créer ici. Ce n'est pas juste comme ils sont venus et ont dit, « Ok, je vais le faire une fois, et c'est le dernier choix que j'ai fait. Je dois rester avec ça. » Non, ils sont entrés et ils ont fait des cercles, et de cette façon, vous pouvez choisir. Si je baisse l'opacité ici, comme si j'avais dessiné avec un crayon très légèrement, alors je pourrais dire : « D'accord, en fait, je pense que cette ligne est la meilleure ici. » Cette technique de fantôme peut être vraiment, vraiment utile et elle peut vous aider à pratiquer ces mouvements. Ce que j'ai remarqué ici, j'adore cette interprétation. Dessinez à travers ici. C' est une perspective totalement unique de cela. C' est comme voir la forme et dire, « Tu sais quoi, en fait, j'aime que ça soit un peu plus lisse et plus rond et comme avoir un peu plus dynamique dans la queue. » Une chose que j'ai aussi remarqué, c'est une excellente interprétation parce que le corps est incliné de cette façon, alors que le corps est très droit dans ce dessin, l'ovale du corps ici est incliné. Quand on dessine, c'est une interprétation artistique. Tu peux dire : « Tu sais quoi, en fait j'aime ça et ça me donne le sens du mouvement avec cet oiseau. » Tu peux garder ça. La seule chose que je pourrais, si vous voulez garder l'inclinaison du corps de cette façon, vous pourriez vraiment entrer ici et aussi incliner la tête de celui-ci pour que la tête de l'oiseau soit inclinée de cette façon. Maintenant, bien sûr, vous devriez redessiner la poitrine de l'oiseau, mais c'est une bonne façon pour vous de comprendre, « Hé, peut-être que je veux que cet oiseau regarde une direction totalement différente. Peut-être que je veux que l'oiseau regarde vers le bas. » Ensuite, vous pouvez imaginer quelle serait la connexion entre la ligne . Beau travail Venu. Je voulais souligner pour Amy Z. Elle a aussi fait ce dessin génial ici. Amy Z a aussi un corps légèrement incliné, le résultat de l'inclinaison du corps comme ça, mais la tête de l'oiseau est inclinée de cette façon. L' ovale de la forme n'est pas droit de haut en bas comme il est droit de haut en bas juste ici, il est incliné en arrière. Cela crée une ambiance totalement nouvelle pour l'oiseau. L' oiseau se sent beaucoup, beaucoup plus vivant, comme s'il pouvait sauter et s'envoler à tout moment. Oui, je vois beaucoup de gens qui disent : « Oh, mon lapin à l'envers. Ce n'est pas exactement la même que la version réelle, mais c'est en fait une bonne chose. C' est un processus créatif. Nous ne prenons pas de photos, nous créons nos propres interprétations de cet art. Peut-être que vous ne vouliez pas que l'oiseau se penche en arrière, et que vous voulez qu'il soit droit de haut en bas, mais c'est en fait un heureux accident parce que ce que vous pouvez faire à partir d'ici c'est embrasser le fait que, « Hey, cela semble un peu différent. Le sentiment de ce dessin est un peu différent de cette photo. » C' est ce qui va amener quand tu embrasses les erreurs que tu commets. Cela va apporter votre style. Cela va apporter votre prise de vue unique, vos choix artistiques uniques. Parce que cela a l'air bien, si quelque chose que vous faites qui est une erreur, ça ne se traduit pas bien, alors peut-être que vous ne voulez pas l'avoir là-dedans et peut-être que vous voulez le réparer. Mais dans ce cas, je pense que cette forme crée vraiment beaucoup plus de ressemblance à la vie à l'oiseau. Donc, je ne réparerais pas ça. Je voudrais garder cela comme il est et passer aux étapes de coloration. Encore une fois, tout n'a pas besoin d'être parfaitement comme il est censé être. Il ne doit pas nécessairement être une reproduction parfaite de la photo. Sinon, nous prendrions simplement une photo, à moins bien sûr que votre objectif soit réaliste, et dans ce cas, essayez de rester aussi près que possible de votre référence. Diana Hewitson a envoyé cette belle photo qu'elle a utilisée avec la méthode de grille. Elle a pris ces photos de ces crocus au soleil et utilise la méthode de la grille pour faire un travail vraiment fantastique de traduire ces formes dans sa peinture à l'aquarelle, et elle a fait un excellent travail, vous ne pouvez même pas voir la grille sur ici. Vraiment, vraiment bien joué. Nous n'avons pas passé l'ombrage, mais je pense que des trucs d'ombrage aideraient vraiment avec ces dessins de crocus. Ce que j'ai fait, c'est que je viens d'en tirer dessus et je voulais souligner où et pourquoi j'ai dessiné dessus. Cette photo est en fait très difficile à dessiner au soleil, car il y a tellement d'ombres jetées. Ce que j'ai tendance à faire dans ces cas, c'est j'essaie de créer l'apparence des pétales étant un sur l'autre afin que vous puissiez voir la forme de la fleur un peu mieux. Mais c'est vraiment compliqué parce qu'il y a toutes ces ombres aléatoires différentes, donc je dois me rattraper. Donc, ce que j'ai fait ici, je suis venu ici, et si j'éteins ça, vous verrez ici dans cette fleur, vous verrez ici dans cette fleur, c'est vraiment difficile de dire, quel pétale est sur le dessus et quel pétale est sur le fond. Donc, j'ai dessiné des ombres sur les dessous des pétales qui devraient être en dessous. Ici, vous pouvez voir que ce pétale est à l'avant. J' ai fait des ombres ici. Juste le long du bord de l'endroit où se trouve ce pétale qui est sur le dessus. J' ai aussi vraiment renforcé ça. Quand ces fleurs s'enroulent sur le bord, elles vont être brillantes sur le dessus où le soleil est assis alors et elles seront plus sombres en dessous de ça. Nous avons vraiment exagéré ça. Diana a fait du très bon travail avec ça. Vous pouvez voir qu'elle a de beaux reflets blancs ici. Je l'ai exagéré pour que vous puissiez le voir un peu mieux. Un autre endroit que j'ai vu pourrait probablement utiliser un peu plus de définition était dans cette fleur. Ce pétale ici, la courbe est beaucoup plus courte. Ceci par rapport à la taille du pétale, cela pourrait être écrasé. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai effacé ce bord et rapporté cette courbe, un peu plus près. J' ai aussi fait la même chose ici. Dans ce pétale, la courbe de la fleur vient tout le chemin vers le haut. Tu ne peux pas en voir le dessous. Vous pouvez voir comme ici, vous avez la courbe du pétale, puis le dessous de celui-ci. Mais comme on ne voit pas que je l'ai évoqué, c'est totalement subjectif. Vous ne pouvez absolument pas faire ça. Les fleurs sont géniales pour cela parce qu'elles sont si abstraites, organiques que quoi que vous leur fassiez, elles ont l'air bien. Cela ne doit pas être comme une réplique exacte de la photo, mais comme nous essayons d'exercer nos muscles de dessin, j'ai juste pensé que je voudrais le souligner. Ce n'est absolument pas nécessaire. Encore une fois, je viens juste de venir ici et de créer des ombres le long des bords pour que je puisse mettre l'accent sur l'idée de, hé, ce pétale juste ici, il serait dans l'ombre parce qu'il est en dessous de ces deux pétales juste ici. Beau travail Diana. 17. Commentaires bonus des apprenants Partie 2: Cat a fait un fabuleux travail de recréation de ces pommes de pin. Ce que je veux vraiment souligner ici, tout d'abord, est qu'il est si utile de puiser dans la vie. La différence entre le dessin d'une photo et le dessin de la vie est que vous devez vraiment décider comme, hé, où sont les lignes que je veux garder ? Quelle est la forme en fait ? Lorsque vous utilisez une photo, elle est déjà aplatie pour vous. Tirer de la vie vraiment, vraiment exerce ces muscles dans votre cerveau qui vous ont aidé à voir des formes et à prendre vos décisions par vous-même où vous pensez que les choses devraient aller. Maintenant, Cat dit, « J'ai suivi les conseils de Brooks et j'ai été un peu libérale avec l'idée d' ombrage plutôt que d'essayer de reproduire exactement là où se trouvaient les ombres et les reflets. J' aime le sentiment de croquis que j'ai eu, mais j'étais certainement trop léger sur les ombres de cache, aquarelles, sec, plus léger, et ceux-ci ont presque disparu. Je ne suis pas sûr de ma tentative d'ombrage. J' ai essayé de donner une impression d'ombrage sans être trop détaillé et je ne suis pas sûr que cela ait fonctionné. » Ce que je dirais, c'est que cela semble phénoménal. Cat a fait un fabuleux travail de création d'ombrage dans les zones ici. Vous avez la partie sombre où cela jette une ombre sur cette partie de la pomme de pin, donc ça fait un très bon travail, et laisser ces bords blancs juste ici aide vraiment à créer cette illusion de genre, hey, c'est sur le dessus et c'est en dessous. La seule chose que je dirais si vous vouliez ajouter est que vous pourriez ajouter une ombre de forme entière au-dessus de cela pour créer l'idée que la pomme de pin entière soit ronde, donc j'ai créé ça ici. Maintenant, j'ai utilisé juste les ombres de ce côté de la pomme de pin. Cat, vous avez probablement dessiné ces pommes de pin ailleurs et vous placez juste ces pommes de pin ici pour les besoins de l'image, mais c'est pourquoi j'ai choisi ce côté pour créer ces ombres parce que si vous plissez, vous pouvez voir que ce côté de la pomme de pin est un peu plus sombre. Si je voulais vraiment être exactement, le côté plus sombre est comme ça, mais je l'ai juste arrangé et je l'ai mis autour de ces zones. Maintenant, vous pouvez aussi faire semblant et juste faire de l'autre côté. C' était ma première tentative d'ajouter un peu d'ombrage à cela et je l'ai juste dessiné ici. Ce n'est pas du tout comment ce cône de pin est façonné, mais c'est comme ça que je l'ai fait de mon imagination. Tout cela fait est de créer l'illusion de la pomme de pin elle-même étant ronde, mais honnêtement, même juste cela en soi semble grand aussi. Annette K. a fait une illustration très amusante d'une chenille. Annette a posé de grandes questions sur les contours et les changements de couleurs. En règle générale, lorsque je rentre et que je fais ma couleur, je redessine sur mon croquis et je ne garde pas mes lignes d'esquisse. Mais de temps en temps, j'ai mis beaucoup de travail dans mes lignes de croquis et je veux les garder. J' ai pris l'image d'Annette et j'ai séparé les lignes d'esquisse sur leur propre calque et la couleur est sur son propre calque, donc je vais simplement dessiner sur les lignes d'esquisse, et en dessous de cela se trouve toute la couleur qu'elle a mise. Encore une fois, les lignes d'esquisse sont seules. Ce que je vais faire, c'est créer un verrou Alpha sur la ligne d'esquisse. J' ai utilisé ça en prenant deux doigts et en glissant vers la droite. Maintenant, je peux dire que le verrou Alpha est mis dessus parce que c'est comme un petit damier. Ce que je vais faire, c'est que je viendrai ici et je dépose la couleur que ce violet est ici et je peux remplir ces zones où les lignes touchent le corps. Vous pouvez voir que je suis bâclée près du fond, là où les jambes se rencontrent. En fait, j'ai accidentellement dessiné comme sur cette section. Tout ce que je vais faire, c'est que je vais aussi goûter en tenant mes doigts vers le bas sur la couleur que je veux utiliser jusqu'à ce que cette petite pipette apparaisse. Maintenant, j'ai la couleur du pied et je peux venir ici et je peux décider exactement à quel moment je veux qu'ils entrent. Je ne veux pas de la pourpre ici. Je le veux jusqu'à là pour que je puisse sauver tout ce travail de ligne qu'Annette a mis beaucoup de travail pour faire un travail de ligne vraiment sympa, lisse et propre ici. Je peux encore avoir des lignes complètement propres juste là. J' ai sauvé ce travail de ligne agréable, propre et lisse que et cela a fait, mais je l'ai aussi enlevé pour que je ne vois plus les contours. Maintenant, bien sûr, les contours sont totalement un choix stylistique. Si vous aimez les contours noirs, vous pouvez absolument les garder. Une autre chose que vous pourriez faire est que vous pourriez même faire ces contours de la même couleur mais plus foncés. Maintenant, j'ai les contours du pied juste là. Ça peut être vraiment amusant quand on a des trucs comme des rayures au milieu ici. Je pourrais venir faire une rayure vert vif entre toutes les rayures ici. Cela peut être un effet vraiment amusant. Peut-être que je veux faire un peu de ces orange ici. Maintenant, j'ai des rayures orange au lieu de rayures noires. Cela peut être une technique vraiment utile pour remplir le travail de ligne si vous voulez l'enregistrer au lieu de redessiner dessus. Céline a écrit : « J'ai trouvé cela un peu difficile avec les différentes lignes. Je voudrais avoir un point principal de mise au point, mais comme j'ai fait les lignes de base les plus épaisses, je ne suis pas sûr que les décorations dans le ballon se démarquent assez. Tout conseil que vous avez sur la façon d'améliorer l'image serait grandement apprécié. » La première chose que je dirais est que lorsque vous avez un croquis, il n'y a aucun moyen de dire ce que sera la zone de concentration dominante parce que couleur joue un rôle énorme dans l'endroit où votre regard est attiré dans une image. Maintenant, j'ai toute une classe sur la théorie des couleurs et je vous recommande fortement de vérifier ça. Mais je veux voir quelques conseils rapides ici. La première chose que je veux souligner, c'est que je viens de remplir une version rapide du magnifique ballon de Céline ici. Ce n'est pas sa coloration. Elle n'a peut-être pas choisi ces couleurs. Elle a peut-être un goût de couleur totalement différent de moi. Mais ce que je veux souligner, c'est que si vous avez ces lignes sombres et épaisses, une couleur foncée, surtout si le reste de l'image est vraiment léger, il se distingue beaucoup. Mais si vous en faites une couleur plus claire ou si vous le faites fondre dans l'arrière-plan, donc par exemple, je l'ai fait comme une version plus sombre du ciel ici, alors il se fond vraiment dans. Il n'apparaît pas presque autant, même si ces lignes sont vraiment épaisses. Maintenant, une autre chose que vous pourriez faire est que vous pouvez créer des points d'intérêt plus sombres et plus contrastés. J' ai fait ces petits ornements ici. Je les ai rendus très sombres, donc ils se démarquent vraiment quand ils sont sur un ballon léger. Si le ballon était plus sombre, si le ballon entier était de cette couleur plus foncée, il pourrait ne pas se démarquer autant. Mais même encore, ce ballon est une si grande partie de l'image, la couleur étant une couleur si perceptible va également attirer votre attention sur le ballon et les décorations ici. Encore une fois, je voudrais vérifier cette classe de théorie des couleurs pour en apprendre un peu plus sur la façon dont vous pouvez utiliser la couleur pour dessiner votre œil. Je pense que vous avez un bel intérêt visuel ici. Encore une fois, la couleur aura vraiment un grand impact, que vous ayez des lignes épaisses ici ou non. J'espère que ça aide. Diana a fait un excellent travail en ajoutant de la belle lignée et de l'intérêt visuel à cette belle fleur. Ce que j'aime vraiment dans ce que Diana a fait, c'est qu'elle a ajouté à la fois des lignes épaisses et des lignes minces, donc vous avez de belles lignes épaisses juste ici. Ensuite, vous avez des lignes fines, juste ici. C' est vraiment, vraiment sympa. Une autre chose que j'ai aimé que Diana ait fait est qu'elle l'a fait très intentionnellement. Si vous regardez l'image originale, vous verrez qu'il y a des plis dans les fleurs juste ici et juste ici, et juste ici. Ces plis aident vraiment à indiquer que le pétale tourne autour. Diana l'a fait, ajouté que des détails supplémentaires dans ces pétales intentionnellement ici. On dirait vraiment que les pétales se replient en eux-mêmes. Diana a fait un excellent travail en ajoutant non seulement des intérêts visuels, mais aussi des intérêts visuels qui ont du sens, qui sont liés à la façon dont cette image était à l'origine. Elle a aussi fait un beau travail dans les feuilles sur le côté gauche par ici. A l'origine, si nous passons à l'original, vous pouvez voir qu'elle a fait un très bon travail en créant des formes vraiment intéressantes pour commencer, surtout pour ajouter cette touche de couleur. Ici même si elle ne frappe pas toute la feuille, c'est vraiment sympa parce que cela crée aussi intérêts visuels quand vous avez cette ligne ici, mais il y a une section plus sombre et il y a une section plus légère. Cela implique presque que la lumière ou l'ombre frappe ce pétale. Mais elle est aussi revenue et a ajouté de belles lignes à l'intérieur d'ici. Ce que j'aime, c'est qu'elle n'est pas juste allée droite, puis droite et droite, elle a fait un excellent travail de courbure ces lignes pour qu' elles se sentent vraiment à nouveau comme la feuille elle-même est courbée. Ces lignes courbes aident vraiment à ajouter de la forme sans même avoir à ombrager. Même s'il n'y avait pas ce côté plus sombre du pétale ici, vous auriez vraiment l'impression que le pétale se replie juste à cause de ces lignes elles-mêmes, excellent travail Diana. Venu a fait une illustration étonnante que je suis tellement excité de partager avec vous. Cette illustration a eu tant de réflexion, mais derrière elle. Si vous regardez son projet, vous pouvez vraiment voir la considération qui est mis dans le flux, comme ceci ici est ce flux de cette image, et puis même cela juste ici par les lignes juste ici imitent vraiment ce côté. Elle a mis une tonne de pensée incroyable, les fleurs et les détails, toutes les formes et l'ombrage, tout cela est vraiment, vraiment incroyable. Honnêtement, la seule chose que je voudrais souligner, et en fait cette illustration est totalement belle comme elle est. Il y a quelques choses que vous pourriez être capable de faire, donc parce qu'il y a tellement de pensée étonnante mis dans toutes ces fleurs, il peut rivaliser avec le point focal de l'illustration. Il y a deux ou trois choses que vous pourriez faire pour augmenter cela. Vous pourriez assombrir l'image centrale ici loin des feuilles. Je viens de rendre cette partie de l'illustration un peu plus sombre. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai ajusté les courbes et c'est quelque chose que vous pourriez faire à l'image entière. En fait, c'est à ça que ça ressemblerait si je ne voyais pas une image entière. Ce que cela fait, c'est qu'il pousse vraiment les couleurs les plus sombres pour qu'elles soient un peu plus profondes, et que les couleurs claires conservent également leur légèreté. C' est quelque chose que vous pouvez simplement faire sur l'ordinateur, vous n'avez pas à redessiner quoi que ce soit du tout. Juste pour vous montrer très vite comment j'ai fait ça, j'ai séparé les deux canettes et la fente loin des feuilles. Je suis allé dans cette icône de baguette magique et j'ai frappé les courbes, j'ai frappé la couche, et puis j'ai juste ajouter un petit point juste ici et faire glisser jusqu'à ce que je trouve un bon endroit pour que je augmente les sombres de crayon de couleur que vous avez ajouté tout en conservant les dernières lumières. C' est une chose vraiment facile, donc vous n'avez pas à vous soucier de redessiner tout ça. Une autre chose que vous pourriez faire est que vous pourriez réellement ajouter plus d'espace entre les feuilles et les caractères. Si je devais zoomer, je peux vraiment dire où se trouve cette illustration. Maintenant, si vous avez une œuvre d'art physique, vous ne pourrez pas effectuer un zoom arrière, mais si vous marchez à 10 pieds et regardez votre illustration, cela fait le même effet que le zoom arrière. Je peux vraiment voir, hé, c'est le point de mire de mon illustration alors que l'original est beaucoup plus serré, donc c'est beaucoup plus difficile de voir où ça se termine. Maintenant, une chose que je tiens à souligner que Venu a vraiment bien fait avec ça, c'est qu'elle a évité ce qu'on appelle les tangentes. Aucune de ces feuilles ne se croise devant ou ne touche même l'oiseau, la branche ou la fente. C' est vraiment très proche ici. Dans ce cas, vous pourriez vouloir effacer cela juste pour donner un peu plus de place à respirer juste là pour que vous puissiez vraiment voir le bord de la fente, mais elle n'est pas venue ici et a accidentellement touché cela parce que quand vous faites cela, il est plus difficile de voir la séparation entre les morceaux de l'image. C' est une pièce vraiment phénoménale, bien faite Venu. Taylor a fait un travail fabuleux avec cette illustration de grange. J' aime l'épaisseur et la variation des lignes. Il y en a qui vont de haut en bas et d'autres qui vont côte à côte. C' est vraiment un excellent travail. J' aime aussi ce dernier en passant. Une chose que j'ai remarqué, Taylor a dit qu'elle n'avait pas l'impression que cette pièce était tout à fait terminée. La seule raison pour laquelle je peux y penser est que la grange et l'herbe ici sont des couleurs très similaires, donc il n'y a pas beaucoup de contraste entre ce bord ici. Maintenant, il y a beaucoup de contraste entre la grange et le ciel, et il y a beaucoup de contraste de ce côté parce qu'il y a ce beau vert foncé saturé ici qui sépare vraiment ce côté de la grange du champ. Maintenant, Taylor a fait ce mashups d'animaux vraiment farfelus, génial et amusants, et elle a aussi dit, « Hey, cette pièce n'a pas l'impression d'être finie. » Ce qu'elle a fait, c'est qu'elle a ajouté ces feuilles saturées vert foncé autour d'elle pour créer une vignette. Cela aide également à attirer votre œil vers l'intérieur vers l'animal. Je suggère peut-être de faire quelque chose de similaire avec cette pièce ici. Tout ce qu'il faudrait, c'est peut-être saturer certains de ces espaces verts. Vous pourriez saturer le ciel juste un toucher si vous le vouliez. Dans cet exemple, j'ai également allégé un peu la grange. Maintenant, il est vraiment facile de voir la différence entre la grange et le champ. Je pense que ça pourrait aider cette pièce à se sentir un peu plus finie. Vous n'avez même pas besoin d'être aussi saturé avec l'herbe si vous préférez un look plus discret, mais même l'original que je pense est fantastique, bien joué, vous devriez être très fier de cette pièce, Taylor. 18. Améliorez votre couleur: Donc, vous venez de terminer ce cours de dessin et que vous voulez faire passer votre art au niveau supérieur. Avez-vous déjà eu l'impression de savoir quelles couleurs vous aimez, mais elles n'ont tout simplement pas l'air bien ensemble ? Alors ce cours est pour vous. Qu' est-ce qui sépare les amateurs des professionnels ? Les pros comprennent l'importance de la théorie des couleurs. Même les dessins les plus simples peuvent sembler incroyables avec les bonnes couleurs. Cette classe est une exploration pratique amusante de la théorie des couleurs. Vous apprendrez à utiliser la couleur pour diriger les yeux des gens et faire éclater vos couleurs. Vous apprendrez à ombrager avec la couleur. Je vais vous montrer plusieurs façons de réparer vos couleurs quand ils n'ont pas l'impression de travailler. Vous apprendrez à choisir des couleurs évocatrices pour souligner l'ambiance que vous essayez de créer. Je vais partager ce que vous devez savoir sur la couleur dans le monde réel, lorsque vous imprimez et numérisez votre art, les cinq pierres d'achoppement de couleur les plus courantes, et les astuces amusantes couleurs peuvent jouer sur nos yeux. Il y a quelque chose de si satisfaisant quand les bonnes couleurs se réunissent. J' espère que vous me rejoindrez dans ce cours amusant sur la couleur.