Trouvez votre style : un guide pratique pour développer votre style d'illustration

1. Trouvez votre style : un guide pratique pour développer votre style d'illustration: Trouvons plus rapidement votre style d'illustration unique. Le conseil traditionnel pour trouver votre style en tant qu'artiste est, il suffit de dessiner des tonnes et des tonnes et éventuellement votre style émergera. Eh bien, vous pouvez sans but dessiner une tonne de trucs et vous finirez par atterrir sur un style. Mais d'après mon expérience, pratique dirigée intentionnelle a considérablement accéléré le développement de mon style visuel. Je m'appelle Brooke Glaser. Je suis illustrateur professionnel et professeur de haut niveau sur Skillshare. J' ai aidé plus de 100 000 artistes comme vous à améliorer leur art et leur carrière créative. Vous pouvez trouver mon art sur les vêtements pour enfants, cartes de vœux, les magazines d'emballage cadeau, et plus encore. Dans ce cours de style, nous allons faire des projets pratiques pour explorer différentes façons d'exprimer visuellement des formes, lignes, des textures, des couleurs, tous ces éléments visuels qui forment ce à quoi ressemble votre art. Nous allons apprendre des artistes que vous admirez et trouver façons d'intégrer ce que vous aimez dans leur travail dans le vôtre, mais d'une manière qui vous est propre. Vous terminerez la classe avec une série de quatre illustrations dans votre tout nouveau style. Pour ceux d'entre vous qui comme moi qui souffrent du syndrome des objets brillants et sont toujours désireux d'essayer un nouveau style, examinera les façons de travailler dans plusieurs styles. Nous discuterons de la cohérence et de la confiance dans votre travail. Nous parlerons des luttes très réelles de comparaison nous sommes tous confrontés en tant qu'artistes et des stratégies pour y faire face. C' est un guide amusant et pratique pour trouver votre style d'illustration. Commençons. 2. Présentation du cours: Mon partenaire, Dan a appris à jouer de la guitare et il m'a raconté une histoire qui, je pense, correspond parfaitement à votre style d'artiste. Dan m'a dit quand il a commencé à apprendre la guitare qu'il faisait juste des nouilles. Nouilles, c'est quand on se balade, jouant sans but sur sa guitare et qu'il n'y a rien de mal à nouiller. Ça fait partie des joies de jouer de la guitare. Mais Dan m'a dit que ce qu'il trouvait le plus utile pour apprendre à jouer de la guitare était en fait apprendre des échelles ou faire exercices spécifiques qui l'ont aidé à étirer ses doigts entre les notes, ou des exercices où il intentionnellement pratiqué déplacer ses mains rapidement entre les différents tribunaux. Beaucoup de conseils de style que j'entends est simplement : « Dessinez beaucoup et vous trouverez votre style. » C'est vrai. Vous pouvez nouiller autour et dessiner beaucoup et vous finirez par trouver votre style. Je veux dire, il est là et il sortira. Mais alternativement, vous pouvez travailler intentionnellement à développer votre style, et il y a des chances que vous progressiez beaucoup plus rapidement lorsque vous êtes intentionnellement sur le développement de votre style. Une définition rapide ici. Qu' est-ce que le style ? style est l'apparence de votre art. La stylisation est une abstraction de la réalité. C' est ce que vous omettez et ce que vous incluez dans vos illustrations. Par exemple, vous pouvez dessiner tous les détails d'un œil ou vous pouvez le simplifier jusqu'à un seul point. Nous allons nous concentrer sur les choses visuelles externes qui composent votre style dans cette classe. Mais il est également important de discuter que votre style artistique est bien plus que la façon dont votre art ressemble, de la même manière, que les vêtements que vous portez n'encapsulent pas toute l'ambiance de votre style en tant que personne, comme une entreprise le style de la personne est plus que juste leur costume. C' est la façon dont ils parlent ou ce qu'ils font. Qu' est-ce qu'on va faire dans cette classe ? Cette classe sera divisée en quelques sections différentes. abord, nous allons apprendre des artistes que nous admirons, puis nous plongerons dans une série d' explorations pratiques de différentes façons de représenter la forme, la couleur, la ligne, la texture et la forme. Ensuite, nous définirons notre propre style visuel unique. Nous parlerons également de la voix artistique, de la comparaison, du travail dans plusieurs styles et de la cohérence. Pour qui est ce cours ? C' est une classe intermédiaire. Si vous êtes tout nouveau dans le dessin, je vous encourage vivement à consulter certaines de mes autres classes, comme mon cours de dessin ou ma classe de théorie des couleurs. Il peut être très difficile de trouver votre style si vous vous habituez encore au dessin, si vous travaillez avec un tout nouveau pool ou support, ou si vous n'avez jamais fait qu'une poignée de pièces d'art. Vous trouverez peut-être cette classe plus utile une fois que vous aurez un peu plus d'expérience sous votre ceinture. Cependant, nous observons tous l'information de différentes manières. Vous pouvez trouver ces informations utiles même en tant que nouvel artiste débutant. Je vais faire toutes mes démonstrations pour la procréation, mais les idées et les principes peuvent être traduits dans n'importe quel support avec lequel vous travaillez. Si vous me voyez faire quelque chose dans la procréation et que vous vous demandez, « Comment diable fait-elle ça ? Je recommande fortement de vérifier ma classe Intro to Procreate où je décompose tous les outils. Mais assez de préambule. Allons plonger dedans. 3. Inspiration d'artiste: Ça va être amusant. Afin de commencer à développer le style d'art, nous devons identifier les styles d'art ont été attirés vers. Nous allons recueillir une poignée de pièces de cinq artistes différents que vous admirez. Vous pouvez créer un tableau Pinterest, une collection enregistrée sur Instagram. Vous pouvez les organiser sur un canevas dans Photoshop ou Procreate. Vous pouvez les imprimer et les coller dans un album. Ceux-ci peuvent être des artistes modernes, ils peuvent être de vieux artistes célèbres, ils peuvent être des artistes obscurs dont personne n'a entendu parler. Ils ont juste besoin d'être des artistes que vous aimez leur art. Nous allons nous référer à ces pièces tout au long de la classe en particulier lors de nos exercices pratiques de style. Pour chaque artiste, je veux que vous identifiiez ce que vous aimez réellement dans leur art ? Maintenant, si tu es comme moi, tu ne penses pas souvent à pourquoi tu aimes quelque chose, tu l'aimes juste. Mais quand tu vois un morceau qui est beau, tu dis juste : « Oh mon Dieu, j'adore ça. » C' est génial, c'est instinctif. C' est une pièce qui fait partie de votre tableau d'inspiration, mais nous voulons approfondir lesquelles nous aimons ces choses que nous pouvons commencer intégrer cela dans notre travail dans les leçons ultérieures. Par exemple, c'est mon tableau. J' aime Geneva Bowers, aussi connu sous le nom d'art gdbee. J' aime ses couleurs, son sens de la lumière dans l'utilisation de la couleur pour refléter la lumière. J' adore ses textures, ses coups de pinceau. Un autre artiste que j'aime est Brittany Lee et j'aime sa composition, le flux d'une forme à l'autre. J' adore David Sierra Liston. A un tel contraste. J' adore la façon dont il fait les cheveux. Les formes sont vraiment géométriques, mais elles ne se sentent pas comme ça, elles se sentent vraiment naturelles. Joey Chou a une si grande utilisation de la couleur et des textures. Il associe les choses à la forme la plus simple pour communiquer le plus, mais ensuite fortement les textures. J' adore les œuvres d'Annalies Draw. Elle associe les choses à leurs aspects les plus simples et les plus intrigants, puis elle utilise juste la bonne quantité de détails. Son contraste est vraiment génial. Comme la couleur dans les détails est juste assez sombre pour vraiment apparaître sur la couche inférieure des couleurs qu'elle utilise. J' adore le travail de Lorena Alvarez. Elle a un grand usage de la couleur évidemment, mais elle a aussi peu de détails en arrière-plan qui gardent votre attention mais ne dominent pas la scène. Vous pouvez vraiment regarder ses pièces pendant longtemps et voir beaucoup de choses nouvelles. Allez-y et créez votre tableau d'ambiance et si vous le souhaitez vous pouvez prendre une capture d'écran et partager cela dans vos projets. 4. Études principales: Notre premier exercice va être une étude de maître. Je veux que tu prennes une œuvre d'art d'un artiste que tu admires et que tu la recrées. Peut-être l'une des pièces que vous avez étudiées dans la dernière leçon, recréer une pièce que vous admirez est le raccourci le plus rapide pour comprendre comment créer dans ce style. Vous pouvez regarder une pièce toute la journée, mais je vous garantis que vous en apprendrez beaucoup plus en le redessinant. Cependant, il est très important que vous sachiez qu'il s'agit d'une pratique privée. Ces images, ces études de maître, ne sont pas destinées au partage public. Vous êtes invités à les partager dans votre projet Skillshare, veuillez créditer l'artiste original strictement comme partie éducative de cette classe. Mais je vous donne un avertissement en ce moment, ce n'est pas quelque chose que vous devriez mettre sur les réseaux sociaux ou dans votre portefeuille. Copier l'œuvre d'un autre artiste et la revendiquer comme la vôtre est plus que mal vu. Si vous avez essayé de vendre ou de tirer profit de l'œuvre d'un autre artiste, vous pouvez même avoir des ennuis juridiques. La plupart des artistes peuvent se sentir un peu contradictoires si vous deviez partager comme  : « Hé, écoutez, j'ai copié votre travail. » C' est une pratique privée, mais en tant qu'exercice d'apprentissage, c'est une façon fabuleuse d'apprendre. Je fais ça dans mon carnet de croquis privé tout le temps, et si c'est quelque chose que vous voulez vraiment partager sur les réseaux sociaux, essayez de faire une étude de maître auprès d'une personne du domaine public. Comme un célèbre artiste de la Renaissance. Puisque je fais ça pour la classe et que c'est un truc public, je vais utiliser une pièce de Vincent van Gogh pour notre classe. Vous êtes les bienvenus à suivre avec moi avec cette pièce de Vincent van Gogh, mais je vous encourage à utiliser n'importe quel artiste que vous admirez parce que c'est un cours de style et vous en apprendrez plus sur leur style en faisant une pièce que vous avez réellement veulent apprendre de. Assez avertissements désastreux, je veux partager quelques conseils pour approcher votre étude de maître. La première partie de ma carrière créatrice a été de travailler pour la peinture dans les studios. Essentiellement, j'ai été payé pour pratiquer la peinture. C' était incroyable, mais de temps en temps, je ne saurais pas quelle peinture j'enseignerais jusqu'à ce que je rentre dans le studio ce soir-là et que j'ai vu l'art pour la première fois. J' ai développé une méthode pour m'assurer que je pourrais garder la classe dans un délai de deux heures et obtenir de bons résultats. Voici quelques conseils pour approcher votre master study. Un, rassemblez votre palette de couleurs et décidez de quels pinceaux ou outils vous aurez besoin avant de commencer. Deuxièmement, commencer par un croquis grossier vous aide à mettre l'accent sur l'adéquation du style et de la technique au lieu de vous soucier de vous assurer que les formes sont correctes, le début. Commencez par un croquis. Troisièmement, les peintures ont souvent une couche de base de couleur sous les traits que vous pouvez voir sur le dessus, donc pour certaines peintures, vous pouvez commencer avec une couche de base de couleur. Quatre, avant de commencer, créez une feuille de route mentale. Comment allez-vous vous attaquer à la fabrication de cette pièce ? Comment les artistes auraient-ils créé cette œuvre ? Dans quel ordre auraient-ils peint cette pièce ? Ont-ils commencé avec l'arrière-plan en premier ou l'élément principal en premier ? Allons y plonger. Pour cette pièce de Van Gogh, je vais recruter ceci dans Procreate, mais l'original a probablement été fait en peinture à l'huile. Je pense qu'il a probablement commencé avec la couleur de fond du vert, et puis il a probablement aussi fait un sous-tableau de bleu pour le manteau et probablement une couleur sous peinte de peut-être un peu d'orange pour la peau. C' est peut-être quelque chose que j'essaierai de faire. Aussi, il me semble que tous ces coups de pinceau, ils sont très de la même taille. Dans son visage et surtout partout, c'est de la même taille. Il y a quelques coups de pinceau plus grands ici, et en arrière-plan il y a aussi des pinceaux différents plus grands. Je pense que je vais utiliser le même pinceau pour le portrait. Tout le même pinceau, mais un pinceau que je peux ajuster la taille. Quand je reviendrai ici, je pourrais agrandir le pinceau, et quand je travaille dans tous ces domaines, je garderai le pinceau une plus petite taille, mais je vais utiliser le même pinceau pour avoir le même look. Quand je considère la brosse que je vais utiliser, je remarque qu'il y a un peu plus effilée à ceux-ci, donc je veux un pinceau que si j'utilise un peu plus de pression, je peux l'obtenir pour être un peu plus mince sur les bords, surtout dans ces zones barbus et un peu plus épaisses. Je vais utiliser un pinceau qui me permet d'avoir des bords épais à fins afin que je puisse imiter le style. Je vais commencer par un croquis rapide et ensuite je vais mettre quelques couleurs de sous-couche. Je remarque ici que lorsque je commence la barbe, Van Gogh utilise beaucoup de coups de haut en bas et il est très intentionnel sur la direction de cette attaque. Il montre vraiment la courbe ou la forme de la barbe, il montre la forme de la forme. C' est vraiment important, la direction dans laquelle il utilise ses écoutilles. je suis loin dans ce tableau, plus je remarque que Van Gogh n'utilise pas toujours de tirets, parfois il utilise un contour, comme dans le manteau juste le long de ce bord juste ici. Aussi, je peux voir cela dans les yeux ici aussi. Il y a une ligne autour de cette partie de l'œil et il y a aussi une ligne par ici. Ce n'est pas toujours qu'il utilise ces lignes pointillées, parfois il utilise un contour et la question est, pourquoi ? Est-ce qu'il a une raison à ça ? Pour moi, ce que je pense est que le contour est toujours clair sur les bords de quelque chose qui doit être séparé de l'arrière-plan, donc c'est probablement pour aider à garder éléments séparés les uns des autres d'une manière vraiment distincte et claire . Les lignes dans la narine aident vraiment à séparer la barbe du nez et la même chose ici avec l'œil, il garde vraiment l'œil séparé de toutes les autres textures sur le visage et ces plis ici. Je pense que c'est vraiment destiné à la définition, ces contours. Je pense que c'est quelque chose que je peux prendre dans mon propre art partout où je veux que les bords de mes objets soient vraiment clairs, mais je veux qu'ils soient vraiment fortement texturés à l'intérieur. Je peux voir cette action vraiment clairement ici dans le bouton. Il est arrondi ici, puis ajouter une diagonale à l'intérieur. Je remarque que pendant que je superpose la barbe, les bleus sont sur le dessus de la barbe. Je me demande s'il a fait le manteau en dernier, puis utilisé le bleu de sa brosse pour ajouter plus de détails dans la barbe. L' ordre de la façon dont il a exposé les choses peut ou non avoir eu de l'importance, mais les gens abordent les choses différemment et peut-être pour moi, ce que je peux faire est que je peux essayer d'ajouter un peu de couleur à partir de parties de la peinture que j'utilise dans des zones inattendues ou des domaines que je ne les inclurais pas traditionnellement. Parce que je vois que aussi dans la peau, il y a même un peu de vert du fond dans la peau. Il utilise différents coups sur le fond qu'il fait sur le sujet, donc c'est là que je vais changer de pinceaux ici. Je remarque également que les couleurs d'arrière-plan sont toutes les mêmes que celles que j'ai utilisées dans la partie portrait. Je pense que le jaune ici pourrait être le même jaune qu'il a utilisé comme boutons et le lettrage sur son chapeau. Je me demande s'il les a peints même temps plutôt que de nettoyer sa brosse et de recharger la peinture. Il se peut qu'il ait ajouté ces petits détails supplémentaires pendant qu'il peignait. Peut-être que le jaune était une réflexion après coup en arrière-plan ici. Peut-être que la même chose est vraie avec des traits verts plus clairs et plus foncés. Peut-être qu'il les a ajoutés en arrière-plan, puis est retourné à la barbe et a ajouté un peu plus de couleur ici. Après avoir terminé votre master, ce que je suggère, c'est que vous vous demandiez ce que j'ai appris de cette master study ? Quelles sont les leçons que je peux appliquer dans ma prochaine pièce ? Pour moi, une chose que j'ai remarqué était lorsque je créais une version numérique de cette peinture à l'huile, une chose qui m'a vraiment manquée était d'avoir ce mélange de couleurs, comme vous pouvez le voir ici. Mon pinceau n'a pas mélangé et mélangé ces couleurs. Pour moi, je me demande si j'aurais pu jouer avec la dynamique des couleurs et créer un pinceau qui a légèrement changé la teinte en fonction de la pression que j'ai utilisée, ou de l'inclinaison que j'ai utilisée. Comment pourrais-je imiter cette idée d'un pinceau qui avait peut-être un tas de peinture blanche ici et se mélangeant avec le bleu mouillé. Peut-être que je pourrais jouer avec les paramètres d'opacité de mon pinceau de sorte que plus j'appuie dur, plus le blanc entre et moins j'appuie sur le moins de blanc pour que je puisse peut-être même créer un mélange de couleurs. Voyons voir si j'ajuste l'opacité ici, vous pouvez voir ce que je veux dire. J' appuie légèrement là-bas contre dur ici et je peux voir la couleur passer à travers. Peut-être que c'est quelque chose que je pourrais faire pour obtenir un pinceau qui imite ce que j'aime dans ce tableau. Si vous aimez vraiment faire les études de maître, une chose que je suggère que vous pourriez essayer est de faire un tour légèrement avancé sur cet exercice et essayer de prendre une de vos pièces et de le dessiner dans le style d'un autre artiste, comme je a fait ici avec le dimanche. Nous allons plonger dans ces dimanches et un peu, mais c'était ma version d'un dimanche totalement Van Gogh. 5. Les éléments du style: Dans la prochaine série de leçons, vous allez essayer d'explorer différentes façons de dessiner dans une variété de styles. Nous allons en apprendre davantage sur les éléments de l'art et comment nous pouvons utiliser des morceaux de style d'artistes que vous admirez pour explorer différentes façons de mettre votre propre unique sur ces différents éléments. Pendant qu'on fait ça, je veux que tu gardes quelques choses à l'esprit. Quand j'étais à la fac, je travaillais sur l'illustration d'une scène et j'avais vraiment mal à faire en sorte que mes rochers ressemblent à des rochers et mon professeur a suggéré quelques livres et artistes paysagistes que je pourrais utiliser pour obtenir quelques idées sur la façon de dessiner des roches. ai perdu l'esprit que je pouvais regarder ce que font les autres artistes au lieu de me contenter de me fier à ma propre imagination ou à mes observations. Je me sentais comme si c'était en quelque sorte tricher. Mon professeur m'a suggéré de m'inspirer de nombreux endroits et c'est ce que j'ai fait au fil des ans. J' ai regardé comment d'autres artistes représentent une grande variété de choses, tirant de nombreux artistes différents. Je prends ce que je verrais d'eux et, lorsque je l'appliquais dans mon travail, j'improvisais et modifiais les choses pour mieux s'adapter à la façon dont j'aime faire les choses. Au fur et à mesure que vous élargissez vos références, vous aurez bientôt une façon totalement unique de représenter toutes sortes de choses parce que vous tirez un peu d'inspiration ici et un peu d'inspiration de là et ce mésavourage Le truc de Frankenstein devient le vôtre. Maintenant, la clé est que je ne copie pas tous les éléments du style d'un artiste et que je l'appelle le mien. Lorsque vous écrivez un article, si vous copiez d'un auteur, cela s'appelle plagiat, quand vous copiez de plusieurs, c'est appelé recherche. Considérez cela comme le développement de votre style artistique. Mettez certains de vos propres éléments dedans et des éléments de plusieurs autres artistes, faites-le unique. Comme le dirait Marie Kondo, faites ce qui éveille la joie pour vous. Tu n'as pas à faire les mêmes choix que moi. Embrassez les choses dans les styles, dans les looks que vous aimez. C' est bon de faire un travail moche. Rappelez-vous, c'est une exploration et une expérience. C' est bon de faire un travail moche. En essayant de faire quelque chose différemment, nous découvrons parfois ce que nous ne voulons pas faire. C' est la valeur de faire un travail laid. Nous apprenons en essayant de nouvelles choses, même si nous n'aimons pas les résultats. 6. Forme et style: Dans cette leçon, nous allons discuter de la forme en ce qui concerne style et les différentes façons dont nous pouvons aborder le dessin de nos formes. Après avoir passé quelques exemples, nous allons essayer un exercice pratique pour l'essayer par nous-mêmes. Le premier élément que nous allons commencer est la forme. Quand je parle de forme, je parle des contours ou des bords d'une image. Par exemple, dans cette image de cactus, vous pouvez voir qu'il y a la forme des cactus, puis il y a la forme des pots et à l'intérieur de ces pots, ils ont aussi peu de détails, et ceux-ci sont tous faits de formes. Parfois, une forme est constituée d'une collection d'autres formes. Par exemple, dans la Nuit étoilée de Vincent Van Gogh, tout ce tourbillon ici, tout est composé de petits tirets minuscules et ce sont en fait des formes aussi bien. Chacun de ces éléments, ils se réunissent pour former cette forme. Tous ces petits swooshes surgissent et créent cette forme de tourbillon dans le ciel. Parfois, les artistes créent des formes à partir de l'absence de quelque chose, ce qu'on appelle l'espace négatif. Par exemple, ces fantômes sont en fait constitués de toile vierge et ce qui crée réellement leur contour est les bords des arbres. Ces fantômes sont créés par les formes négatives, le contraire. Cet arbre est la forme, mais les bords de cette forme sont ce qui crée ce pas cher du fantôme. La forme est partout. C' est dans le mobilier, c'est dans l'architecture, c'est dans le design au fil des ans. Maintenant, deux artistes peuvent dessiner le même objet et utiliser des façons complètement différentes de transmettre la forme. C' est ce que nous allons explorer dans cette leçon. Il y a plusieurs façons d'aborder la forme. Vous pouvez soit faire des formes de manière géométrique, organique, ou stylisées quelque part entre celles-ci. Les formes géométriques sont des cercles, cubes, des triangles, des cônes, des trucs comme ça. Les formes géométriques sont souvent associées à des sentiments artificiels parce qu'elles se sentent artificielles. La plupart des choses dans la nature ne sont pas parfaitement géométriques, et les formes organiques sont plus fluides. Ils ne sont ni précis ni exacts de la manière qu'un cercle parfait ou un carré parfait est. Par exemple, j'ai dessiné ces champignons dans un style très géométrique. Vous pouvez voir que tout sur ce champignon est géométrique. Le sommet de champignon lui-même est constitué d'un demi-cercle. Même ces coupes dans les bords sont très triangulaires, elles sont très droites et parfaites. Même l'ombrage est très géométrique. C' est un exemple d'un style de dessin très géométrique, alors que ce champignon est beaucoup plus naturel. Les bords ici ne sont pas parfaitement précis. L' ombrage est rugueux autour des bords. y a même pas de lignes super propres. C' est beaucoup plus fluide, c'est beaucoup plus naturel. Peut-être que certaines personnes diraient réaliste. Ce champignon est quelque part entre eux. Les cercles ne sont pas parfaits. Ils sont un peu rugueux sur les bords. Les petites encoches dans les champignons ne sont pas non plus parfaites, mais ce n'est pas réaliste. Ce n'est pas totalement organique. Il a un peu de forme géométrique. C' est juste que ces formes géométriques coulent au lieu de vraiment sont super organiques dans la façon dont ces champignons sont. C' est quelque part entre les deux. Ce que je veux faire pour notre projet, c'est que nous allons explorer une poignée de façons de dessiner ces formes en esquissant une photo de ce sundae, et vous pouvez en prendre une copie dans l'onglet Ressources Skillshare. Je vous encourage à essayer une version d'une forme hautement géométrique, des formes organiques, une forme réaliste, et quelque chose entre les deux. Je veux aussi que vous fassiez référence à l'artiste que vous avez déjà recherché. Pour ce premier, je vais faire une version vraiment réaliste. Je vais essayer d'obtenir ces formes aussi réalistes que possible. Je ne suis pas inquiet de lisser mes lignes ou de les rendre super parfaites parce que je veux que ce soit très imparfait, ce style particulier. Pour celui-ci, je vais m'en tenir à des formes aussi géométriques que possible. Je vais avoir un côté droit que je peux. Je vais avoir une vraie forme de U et je vais aussi garder le bas triangulaire. Pour les couches, je vais juste dessiner des lignes droites. Je vais leur faire des hauteurs différentes pour qu'on ait un peu d'intérêt visuel ici. Pour les gouttes de chocolat, je vais vraiment les faire descendre en forme de triangle. J' en ai fait un qui est réaliste et un qui est hautement géométrique et je vais essayer d'en faire un qui est entre les deux. Je vais juste juste dessiner ça de la façon que je le dessinais. Je ne vais pas y réfléchir trop fort, je vais juste le dessiner. Ce qui est important à noter, c'est que je dessine les formes que j' remarquées et que je pense être intéressantes et même si j' essaie différentes versions de dessiner ces formes, c'est toujours mon style parce que je dessine ce que je remarque. Vous pouvez remarquer différentes choses que vous voulez mettre en évidence dans ce sundae. Vous pourriez ignorer certaines des choses que j'inclut. Enfin, je vais faire référence à certains des artistes que j'admire vraiment leur langage de forme. Je veux que vous y retourniez, regardez les artistes dont vous admirez le langage de forme. Par exemple, j'aime la façon dont David Sierra fait cette perspective bizarre. Il fait ça, les tasses et la tarte. J' aime cet angle bizarre, et vous pouvez voir à l'intérieur du panier de pique-niques ou d'une tasse. Annaliesdraw fait aussi la même chose. J' adore ce style de perspective. Je vais faire une des tasses avec cette perspective biaisée. Nous venons de créer des lignes de formes et nous devons en fait les remplir pour en faire des formes. Cela nous amène à la prochaine partie importante de notre forme, c'est-à-dire les bords de nos formes. Après tout, ce sont les bords qui définissent la forme en premier lieu. Parlons de deux façons différentes que vous pouvez transmettre des arêtes dans vos formes. Je jette un coup d'oeil à un morceau de Claude Monet ici et ses formes sont vraiment lâches. Ici, au lieu de cette robe étant entièrement connectée comme une forme solide comme celle-ci, c'est très lâche. Si je pouvais utiliser un pinceau très peinture pour créer un bord lâche donc ce n'est pas une ligne solide. Puis, à l'autre extrémité du spectre, parfois Van Gogh utilise ici un contour solide. Vous pouvez voir qu'il y a un contour noir autour du bord de la maison et le long des bords des collines, donc il bloque vraiment ces formes. Il y a une définition sérieuse de cette chose montagneuse noire au premier plan ici, probablement des arbres. Il y a un bord très solide à cette ligne. Bien sûr, vous pouvez modifier la façon dont vous dessinez les bords de vos formes dans une pièce. Par exemple, dans les feuilles ici, j'ai utilisé une texture de bord vraiment floue et j'ai utilisé une texture rugueuse et solide très différente dans les lignes du stuc sur le mur ici. Mais j'ai aussi utilisé des contours solides à l'intérieur de la porte pour créer les formes à l'intérieur de là. Je vous encourage à essayer quelques styles différents de remplir vos formes ici. Je vais le faire probablement avec un contour très solide et peut-être que je vais faire un peu plus d'une texture avec ça et nous verrons comme nous allons. Mais une chose que je veux vous faire savoir c'est que je mets juste un peu de couleur ici, et je n'insiste pas sur mes choix de couleurs parce que nous allons passer en revue la couleur dans la prochaine leçon. Pour cette première sundae, je colle avec un très propre, bords nets. J' ai l'impression que c'est approprié puisque c'est cette tasse géométrique qui est vraiment nette et propre et d'une forme exacte. Pour ce deuxième sundae, je vais échanger mes brosses ici et essayer d'obtenir un bord parfait moins précis et au lieu de cela, je le garde un peu plus rugueux, un peu plus texturé dans celui-ci. Je veux que les bords de mes formes soient encore distincts, mais pas parfaits comme je l'ai fait avec la coupe géométrique. Maintenant, dans ce troisième sundae, je veux que les formes soient super rugueuses, surtout l'intérieur des sundae avec les couches. Je veux que tout saigne ensemble et ne reste pas comme des formes distinctes. Je vais utiliser un pinceau tout à fait rugueux pour le faire, et je garderai les bords extérieurs, comme les côtés de la tasse, juste assez solides pour qu'il soit assez clair pour voir que la forme du verre est distincte. Je ne veux pas que ce soit si fou que c'est partout. Enfin, avec ce dernier sundae, je vais juste utiliser un pinceau et garder les bords précis, mais avec un très joli bord texturé qui lui donne un look dessiné par un crayon. 7. Couleur et style: Dans cette leçon, nous allons d'abord choisir une palette de couleurs et l'appliquer à nos dimanches. Après cela, nous allons regarder nos artistes de référence pour inspirer de façons uniques d'organiser et d'appliquer cette couleur. Bien sûr, après ça, on va le faire avec nos propres dimanches, mais je pourrais continuer pendant des heures sur la couleur. Il y a tellement de choses à dire. En fait, j'ai un cours de théorie des couleurs et un rappel en direct où je vous montre comment ajuster une palette de couleurs trouvée que vous avez trouvée à votre art unique. Si vous voulez plonger beaucoup plus profondément dans la couleur, je vous recommande fortement de vérifier ces deux classes. Mais dans cette leçon, nous allons nous en tenir à la couleur en ce qui concerne le style. Comment utilisez-vous la couleur dans votre art ? Travaillez-vous uniquement en noir et blanc ou dans une palette de couleurs limitée ? Utilisez-vous souvent la même palette de couleurs ? Parfois, vos choix de couleurs sont forcés par le médium dans lequel vous créez. Banksy n'utilise qu'une ou deux couleurs. C' est la nature du travail de pochoir graffiti rapide. C' est aussi une limitation avec la sérigraphie. Parfois, vous devez payer par couleur utilisée, contrairement à un processus d'impression numérique où il n'y a pas de limite à la quantité de couleurs que vous pouvez utiliser. Parfois, le médium dans lequel vous travaillez affecte la façon dont vous utilisez la couleur dans votre style de couleur. Maintenant, si tu es comme moi, tu aimes toutes les couleurs de l'arc-en-ciel et c'est vraiment difficile pour toi de l'associer à seulement en choisir quelques-unes. Mais même si vous aimez toutes les couleurs, je parie qu'il y a des couleurs qui vous attirent plus que d'autres. Essayons un exercice pour voir si nous pouvons découvrir votre biais secret et définir votre style de couleur unique. On va faire un tableau Pinterest et régler une minuterie pour 10 ou 15 minutes. Je veux que vous fassiez défiler votre Pinterest ou que vous recherchiez des choses qui vous intéressent. Chaque fois que les couleurs apparaissent, je veux que vous conserviez ça dans votre tableau Pinterest. Les meilleurs endroits pour chercher une bonne inspiration de couleur sont la décoration de la maison, la mode. J' aime regarder la photographie de jardin ou la photographie alimentaire. Toutes ces sources sont d'excellentes sources pour trouver une inspiration de couleur fraîche. Heck, vous pouvez même rechercher les tendances des couleurs et une façon amusante de le faire est de rechercher par saison. Vous pouvez rechercher par tendances de couleur d'automne ou tendances de couleur printanière. Si vous êtes un utilisateur actif sur Pinterest, je vous encourage à rechercher toutes vos épingles enregistrées, car c'est une excellente façon de voir quelles couleurs vous êtes attirés sans même y penser. Maintenant, jetons un coup d'oeil à notre tableau Pinterest et voyons s'il y a thèmes récurrents ou des palettes de couleurs sur lesquels nous continuons de revenir. Quels modèles remarquez-vous ? Je vois que je suis attiré par beaucoup de ces pastel clair, bleu, jaune et rose, mais aussi j'aime beaucoup de pops sombres là-dedans. Vous remarquerez que beaucoup de mes palettes de couleurs il y a au moins une couleur foncée là-dedans et je pense que cela suit avec mes illustrations, aussi. Je crée souvent comme un peu de couleur foncée. Si vous le souhaitez, vous pouvez partager votre inspiration couleur avec nous en prenant une capture d'écran et en la partageant dans vos projets. Appliquons notre inspiration de palette de couleurs aux formes de base de nos dimanches que nous avons dessinées lors du dernier exercice. Voici une astuce amusante pour les utilisateurs Procreate. Si vous prenez une capture d'écran de votre inspiration de couleur préférée et que vous ouvrez Procreate, appuyez sur la palette ici et appuyez sur ce bouton plus, vous pouvez créer une palette de couleurs à partir de vos photos. Si vous appuyez sur connu à partir de photos, appuyez sur votre inspiration, il créera automatiquement une palette de couleurs pour vous. Maintenant, je suis un peu pointilleux. J' aime généralement laisser tomber les couleurs que je veux spécifiquement et bien sûr, si vous n'avez pas Procreate, si vous avez Photoshop ou quelque chose comme ça, vous voudrez colorer les laisser tomber, aussi bien. Une fois que vous aurez décidé de vos couleurs, je veux que vous jouiez avec les appliquer à vos dimanches. Je suis content de la palette de couleurs originale que j'ai créée, donc je vais m'en tenir à cela. Mais pour vos pièces, vous pouvez conserver les différentes palettes de couleurs que vous avez expérimentées. Vous n'avez pas à vous contenter de rester avec une palette de couleurs unies, c'est très bien. Mais maintenant que nous avons parlé du choix des couleurs que nous apprécions, je veux parler de l'arrangement et de la façon dont nous appliquons ces couleurs. Je veux jeter un coup d'œil à nos pièces d'inspiration d'artiste et voir si nous pouvons nous inspirer. Vous pouvez absolument suivre avec les exemples que j'utilise. Mais comme il s'agit d'un cours sur le développement de votre style unique, je vous recommande d'examiner les artistes que vous admirez, afin que vous réalisiez vos propres découvertes de couleurs qui sont uniques à ce à quoi vous étiez attiré. Joey Chou fait cette chose incroyable où il ne laisse pas quelque chose rester de la même couleur unie. Il utilise des teintes légèrement différentes. Comme dans l'océan ici, vous pouvez voir que ce n'est pas seulement un bleu clair à un bleu foncé. C' est un mélange de sarcelles et de bleus et mélanger ensemble. C' est la même chose avec le sol ici. Vous pouvez voir qu'il y a une gradation d'orange et de rouge. Il utilise aussi ces lignes striées. Ce n'est pas un bloc de couleur solide ici et la même chose est vraie dans l'océan. Ce n'est pas une ligne solide allant du bleu sarcelle au bleu. Ce sont en fait des lignes courbes et ondulées. Geneva Bowers, également connu sous le nom de GDB art fait des choses vraiment amusantes avec la couleur aussi. Elle ajoute ces petits étincelles sur la peau de la fille. Ce que j'aime vraiment, c'est qu'elle utilise des reflets de couleurs très brillants et audacieux. Si je jette un coup d'oeil ici, vous verrez que comme les faits saillants ici, ils sont vraiment épais, ils sont vraiment brillants et ils ne sont pas seulement blancs. Il y a du bleu, du rose. Il y a beaucoup et beaucoup de différentes touches de couleur que j' aime, comme ici dans les cheveux il y a ces formes vraiment audacieuses pour créer un contraste fort et des reflets lumineux. Comme je l'ai vu dans mon étude de maître, Van Gogh a emprunté la couleur à différentes parties de la peinture, sorte qu'une zone n'a jamais été une couleur unie. Par exemple, il a utilisé une partie du vert de l'arrière-plan dans sa barbe, ainsi qu'une partie du bleu de son manteau dans la barbe. Ce n'est pas seulement une couleur unie, beaucoup et beaucoup de couleurs mélangées de partout dans la palette. Revenons à nos dimanches et voyons si nous pouvons nous inspirer de ces exemples de couleurs. Maintenant, je veux faire une clé pour m'inspirer d'autres artistes ici. Je ne fais pas tous mes choix stylistiques de la même artiste. Je les mélange, j'essaie ma propre vision de ce qu'ils font, change un peu. Pensez-y comme ça, quand vous étiez au lycée si vous voyiez quelqu'un avec la tenue la plus cool, vous ne seriez pas à l' école le lendemain dans la même tenue, n'est-ce pas ? Tu t'inspirerais probablement de leur tenue. Peut-être le haut ou le bas ou quelques accessoires ou peut-être que vous n'utiliseriez pas la même tenue mais vous porteriez quelque chose qui avait une coupe similaire ou une couleur ou un T-shirt avec une phrase amusante différente. Utilisez plusieurs sources d'inspiration. Ne comptez pas trop sur l'inspiration d'une seule source. La première chose que je veux essayer est une gradation de couleur dans ce dimanche ici. Je ne veux pas que tout soit d'une couleur unie. Je vais peut-être essayer le stylo de calligraphie, peut-être la couleur Blache ici et voir ce que c'est d'ajouter une variation de couleur ici. Puis juste essayer différentes choses et différentes couleurs ici et juste expérimenter. Essayez quelque chose de similaire dans les couches ici. Personnellement, je veux que ce soit très subtil. Peut-être que je vais essayer des teintes différentes dans celui-ci. Au lieu d'entrer, je veux faire des pinceaux striés. Je vais essayer quelque chose dans la peinture et peut-être que je vais utiliser cette vieille brosse ici. Je pourrais venir ici et faire un rose plus léger, mais je pense que je vais aller un peu orange avec ça. Je vais faire glisser la couleur ici. Je pense que je vais faire la même chose à cette section du bas ici. Seulement, je vais traverser cette fois-ci. Je vais peut-être agrandir le pinceau. Ouais, c'est marrant. Je pourrais aussi aller un peu de l'autre côté. Si ce rouge pêche est là, peut-être que je viendrai. Je vais un peu sur le côté orange, peut-être que j'irai un peu sur le côté minuscule, aussi. Je pense que je veux que ce soit vraiment subtil. Peut-être que je vais rendre le rose un peu plus léger. Je pense que ça a l'air cool. Une autre chose que je pourrais faire est de créer un gradient plus lisse entre ce rose plus foncé ici et le rose plus clair ici. Apportez un peu de légèreté arrière pour le garder strié. Je pense que ça a l'air cool. Vous avez l'impression que la crème glacée ou la crème ou le lait ou quoi que ce soit d'ici et d'ici fondent ensemble. Je vais juste aller de l'avant et continuer cela sur différents domaines de cette pièce. Je ne veux pas garder tout ce que j'essaie, juste essayer des expériences différentes. Je vais aussi essayer des stries plus légères dans le chocolat. Je pense que je suis vraiment content de la façon dont celui-ci arrive. Pour cette pièce, je crois que j'utilisais le pinceau des peintures à l'huile. Je vais revenir à cela et je vais essayer de mélanger certaines des couleurs que j'ai dans différentes parties de la peinture dans des zones inattendues. Par exemple, je vais peut-être prendre une partie de la sarcelle et de la tige ici et l'amener dans la tasse. Peut-être que je vais même mettre un peu ici. Cool, et je pourrais aussi essayer de mettre du rose dans la crème ici. Peut-être que je vais même ajouter un peu de violet, donc c'est un peu sombre à mon goût. Je pense que je vais le garder très subtil dans la crème. Je peux même en ajouter dans le cookie. Peut-être que j'ajouterai du rose dans le cookie. Je pense que c'est beaucoup plus une utilisation intéressante de la couleur dans toutes ces pièces, en fait. Je suis excité de passer à la prochaine partie. 8. Ligne et style: Dans cette leçon, nous allons couvrir le travail de ligne, nous allons explorer comment différentes façons de dessiner des lignes peuvent affecter le sentiment et le style de notre travail et différentes façons d'appliquer nos lignes. Bien sûr, nous allons plonger dans l'application de ça à nos dimanches. Regardons les qualités stylistiques de la ligne. Les lignes peuvent être implicites comme des points ou des tirets, ou elles peuvent être des lignes complètes. Par exemple, ils peuvent être implicites comme les lignes pointillées juste ici. Les lignes ici sont également implicites et les lignes ici sont implicites. Ils peuvent également être d'épaisseur variable. Dans cet exemple, la ligne est plus épaisse et plus mince et plus épaisse et plus mince. Les lignes peuvent également être déchiquetées, donc elles pourraient être très texturées ou elles pourraient être très lisses, comme si elles étaient en fait assez lisses. Ils peuvent également être texturés comme dans la qualité de la ligne elle-même, vous pouvez voir celui-ci est faible et en très texturé. Il est également important de noter que les lignes ont une qualité émotionnelle. Des lignes épaisses et des lignes délicates créent des sentiments différents. L' épaisseur d'une ligne, nous avons des lignes très fines dans le tissu juste ici, peut créer une sensation vraiment délicate alors que nous avons quelques lignes plus épaisses ici. Si je dessine quelque chose qui est très mince, qui peut sentir beaucoup plus léger et plus délicat par rapport à quelque chose de très gros. Les lignes peuvent avoir le même poids tout au long. Comme les extrémités ici sont à peu près les mêmes de chaque côté, ou les lignes peuvent être effilées et cela signifie qu'elles passent de mince à épaisse. Vous pouvez voir qu'en action ici, la ligne commence vraiment mince et elle devient plus épaisse, c'est une ligne conique. La forme des lignes compte aussi. Dans la nature, les lignes aiguës et aiguës causent de la douleur, elles sont souvent comme des épines ou un court morceau de verre. lignes aiguës, dures et déchiquetées peuvent créer un sentiment plus dangereux, plus audacieux ou sinistre. Par exemple, dans cette pièce d'Edward Gorey, ces branches sont plutôt pointues, elles sont pointues et saisissent l'homme ici. C' est un excellent exemple de lignes nettes et audacieuses, alors que les lignes lisses peuvent se sentir fluides et sûres. Ce sont des lignes qui sont souvent utilisées pour communiquer quelque chose de mignon. Par exemple, dans cette pièce de Joey Chou, vous pouvez voir que ces lignes sont très calmes et sereines. Les lignes peuvent créer un sentiment de mouvement ou de mouvement selon la façon dont vous les placez. Les lignes répétées se sentent prévisibles et créent un rythme apaisant. Natalia Kattraba utilise un excellent travail de ligne dans ses pièces. Si nous regardons ces lignes ici, elles sont répétées d'une manière vraiment prévisible et cela rend cette pièce très apaisante et apaisante. Alors que dans cette pièce les lignes sont beaucoup plus imprévisibles, elles sautent dans des directions différentes, ce qui crée un sentiment de désordre ou de chaos. Mais ce n'est pas seulement à quel point les lignes sont prévisibles ou répétées, c'est aussi la direction que les lignes sont tracées. Les lignes horizontales nous donnent un sentiment de stabilité, elles nous donnent où se trouve la ligne d'horizon, tandis que les lignes verticales, et vous pouvez le voir si vous regardez ici, il y a des implications très faibles des lignes ici, cela nous donne un sens de la hauteur. Les lignes parallèles donnent une sensation de mouvement ou de vitesse, et les lignes courbes peuvent se sentir très organiques et paisibles. Si nous regardons les lignes juste ici que Natalia a dessinées juste là, elles créent un sentiment de mouvement dans les cheveux. Vous pouvez presque sentir la sensation de ce cheveu est juste bouger et vibrer. Vous pouvez aussi dire la même chose dans les vagues ici, ces lignes parallèles créent un sens du mouvement. Revenons à sa pièce avec les chats jumeaux, nous pouvons voir que les lignes en zigzag créent un sentiment d'anxiété ou d'énergie, comme ces formes ici. Ces formes peuvent se sentir en colère. Vous avez peut-être vu ça en Mongowa, peut-être qu'il y a des petits éclairs en colère ou des marques de stress sur le visage de quelqu'un. Les lignes inclinées créent une tension, elles créent un sens du mouvement dans cette direction. Ces lignes obliques attirent notre regard sur le personnage au centre. Il en va de même avec ces lignes implicites, ces petits tirets jaunes qui vont dans les deux sens vers le personnage. Tout se dirige vers le personnage, donc il attire l'œil vers l'intérieur. Je tiens à souligner que toutes les qualités émotionnelles que nous venons de discuter peuvent également être appliquées aux formes comme aux lignes. Maintenant, nous devons discuter où placons-nous des lignes ? Où placons-nous nos lignes ? travail de trait peut être un contour d'une forme ou il peut s'agir des détails à l'intérieur des formes. Parfois, la pièce entière est composée d'un travail de ligne comme ce travail de tatouage réalisé par les artistes Susa de Suflanda. Les lignes de contour sont les lignes externes que nous utilisons pour définir une forme. Tu as vu ça dans la bande dessinée. Personnellement, j'utilise la ligne comme contour avec parcimonie au lieu de compter sur des formes et des couleurs solides pour séparer les éléments. Par exemple, dans le pain ici, je n'utilise pas le travail de ligne et le contour pour créer une séparation entre l'arrière-plan et le pain, mais j'utilise une ligne juste ici pour séparer chaque miche de pain l'un de l'autre. J' utilise la ligne quand une définition supplémentaire est nécessaire pour définir une forme ou pour séparer des autres éléments d'arrière-plan. Assez de théorie, essayons d'expérimenter différentes façons de tracer une ligne. Utiliserez-vous des lignes dans une consistance épaisse ? Seront-ils texturés et cassés ? Seront-ils épais ou minces ? Utiliserez-vous des couleurs plus claires ? Utiliserez-vous des couleurs contrastées comme un contour de couleur différent de l'objet que vous avez dessiné ? Ou sera-t-il une version plus sombre ou plus claire de la même couleur ? Définiront-ils les contours de vos images ou ajouteront-ils des détails à vos images ? Je vais commencer par dessiner un contour épais à fin sur le bord de cette tasse. Je veux qu'il se sent plus lourd vers le bas, donc je vais le rendre plus épais sur le fond. Maintenant, je ne veux pas que ce contour soit si évident, donc je vais vraiment ajuster la couleur pour qu'elle corresponde aux bords de la tasse. Je vais le rendre un peu plus sombre, pas exactement la même couleur pour que vous puissiez dire que c'est un contour. Je vais créer une ligne solide pour créer définition dégoulinante autour des bords de ce chocolat, parce que pour le moment, il se sent juste comme une ligne de chocolat solide, mais quand j'ai un contour autour, il crée ce sens de hey, sont séparés, ce sont individuels succulents et goutte à goutte de chocolat. Je pourrais même faire la même chose le long de la jante. Une autre chose amusante que je pourrais faire est de créer une sensation plus légère en créant une ligne de décalage. Ces contours sont vraiment solides sur le chocolat. Je veux que la crème fouettée se sente un peu plus légère et plus délicate, alors peut-être que je vais essayer de créer une ligne décalée, une ligne qui ne s'alignera pas complètement. Je pourrais aussi jouer avec le mouvement et le mouvement en créant lignes qui créent ce sens de ce mouvement comme un liquide ou cela pourrait créer un tourbillon circulaire. Peut-être que je pourrais même vraiment souligner ces bords en les arrondissant. Cela lui donne beaucoup de mouvement, toute la crème glacée tourbillonne ensemble. Je veux utiliser des contours plus rugueux et plus lâches dans cette pièce parce que tout le sentiment est très rugueux et lâche. Je vais utiliser un autre pinceau. Je vais utiliser le vieux pinceau, mais vous pouvez jouer avec n'importe quel pinceau que vous aimez. Ces lignes ne sont pas du tout solides, elles sont très agitées et presque suggestives comme un contour, pas complètement là. Pour cette pièce, je veux essayer de jouer avec un sens du mouvement, donc je vais essayer juste peut-être une brosse à crayon. Je peux essayer quelques lignes tortueuses, sorte que donne ce sens du cookie est sur le point de bouger. Ou je pourrais créer des lignes d'accentuation au bout du verre. Je peux également utiliser quelques lignes pour souligner les différentes couches. Peut-être que je vais faire une ligne rose plus claire juste ici pour séparer le chocolat de la fraise. Peut-être que je vais utiliser une ligne de chocolat plus sombre ici qui crée vraiment un sentiment de distinction entre les différentes couches. Peut-être que je vais juste créer des contours droits pour créer un bord autour du verre. Je pense que ça a l'air cool. Je suis excité de passer à la prochaine partie. 9. Texture et style: Juste après la couleur, la texture est l'un de mes éléments préférés pour jouer avec. La texture est ce qui donne à une œuvre d'art l'impression que vous pouvez tendre la main et ressentir la paix comme si elle était tangible. Nous pouvons séparer la texture en deux catégories : réelle et implicite. La texture implicite est quand vous dessinez quelque chose de sorte qu'il semble comme une vraie chose. Comment nous dessinons de courtes lignes floues pour la fourrure ou comment nous puisons de l'eau pour lui donner l'impression qu'elle est mouillée. C' est comme cela que nous impliquons avec notre dessin, c'est une surface, c'est une texture, c'est la sensation physique d'un objet. Il existe de nombreuses façons de transmettre ces textures. Il y a probablement autant de façons différentes que d'objets dans le monde, il y a probablement plus que cela parce que les artistes utilisent tous les moyens pour représenter des textures de la même chose. Dans notre exemple du dimanche, une certaine texture implicite pourrait être ce qui rend le chocolat sur la jante mouillé et brillant, c'est peut-être ce que nous utilisons pour rendre les biscuits secs et friables. Ensuite, il y a de la texture réelle. La texture réelle est de quoi votre illustration est réellement faite. La texture réelle du papier ou de la toile que vous utilisez, l'aquarelle ou la texture des crayons de couleur que vous utilisez. C' est inhérent au support que vous utilisez, donc du papier aquarelle ou des blobs épais de peinture acrylique. Si vous travaillez avec des supports physiques, à bien des égards, vous êtes à l'avantage des artistes numériques. Votre art naturellement et automatiquement a un sens de la texture, vous n'avez pas besoin de travailler pour le créer. De plus, je trouve personnellement des textures naturelles comme les médiums d'art physique super attrayantes et vous obtenez cet attrait sans aucun effort supplémentaire. Cependant, d'un autre côté, les artistes numériques finissent par avoir beaucoup plus d'options et de contrôle sur les textures qui finissent dans leurs pièces. Les pinceaux numériques peuvent vous donner toutes les textures étonnantes, il vous suffit d'être beaucoup plus intentionnel pour obtenir un look que vous voulez. Nous pouvons certainement regarder vos artistes d'inspiration pour savoir comment ils utilisent la texture et ce que vous aimeriez ajouter à votre travail. Mais la meilleure chose à faire est de jouer avec le médium que vous avez déjà, avec les pinceaux et les textures que vous avez à votre disposition, que ce soit physique ou numérique. Maintenant, Procreate a des pinceaux absolus par défaut, mais il y a beaucoup de pinceaux étonnants qui sont disponibles à l'achat. Vous pouvez également créer les vôtres, vous pouvez habiller vos propres textures et utiliser des modes de fusion et les découper sur vos calques de forme. Vous pouvez être réaliste avec votre sens de la texture ou vous pouvez être totalement abstrait. J' utilise souvent de la texture lorsque je crée de l'ombrage sur un objet, et nous allons passer en revue la forme et l'ombrage dans la leçon suivante. Mais vous pouvez également utiliser la texture pour éviter une couleur plate totalement vierge sur une forme. Certains illustrateurs sont très plats avec leurs illustrations et ils n'utilisent pas du tout la texture. Il s'agit d'explorer votre goût, ce que vous pensez être bon, puis de trouver comment faire en sorte que quelque chose ressemble de cette façon. Nous allons faire un peu d'exploration de la texture le dimanche. Maintenant, si vous êtes déjà allé au magasin d'art et que vous avez vu un mur de crayons ou marqueurs et qu'ils ont des petites feuilles de test que vous pouvez essayer, c'est ce que nous allons faire ici. On va juste essayer un tas d'expériences. Tu n'as pas à t'engager à quoi que ce soit. Si vous voulez créer un document en double afin que vous ne puissiez pas vous soucier gâcher votre pièce d'art, c'est tout à fait bien. Je veux que vous vous inspiriez de vos images d'artiste, mais je vous invite aussi à essayer explorer certains des différents pinceaux que vous avez disponibles. Si vous utilisez des supports physiques, vous voudrez peut-être effectuer ces tests de texture sur une nouvelle feuille de papier complètement vierge. Une chose que je recommande est une fois que vous avez compris vos pinceaux préférés, créez un dossier afin que vous ayez tous vos pinceaux que vous utilisez encore et encore dans le même dossier afin que vous n'ayez pas à les rechercher lorsque vous voulez les utiliser. Mais pour l'instant, nous allons créer des expériences amusantes dans la texture. La première chose que je veux faire est de créer un nouveau calque. Je veux créer de nouvelles textures dans peut-être un grain. Si je vais à l'onglet Esquisse et que je vais à Bonobo Chalk, je vais prendre cette couleur rose ici. Si je vais sur le dessus d'ici, ça crée une couleur rose unie. Mais un truc vraiment amusant que vous pouvez utiliser est, est que si vous appuyez dessus, il ouvrira vos modes de fusion. Si j'utilise multiplier, cela va créer une version plus sombre de n'importe quelle couleur est en dessous de celui-ci. C' est vraiment amusant de jouer avec. J' aime ajuster l'opacité parfois que je reçois un peu plus d'un effet subtil. Je vais éclaircir cela et le faire un peu plus intentionnellement que de simplement le griffonner dessus. Mais j'aime vraiment la façon dont cela crée un effet granuleux. Maintenant, une autre chose que je veux essayer est que je veux ajouter un peu de texture aux sections de chocolat ici. Ce que je peux faire est de nouveau, je vais créer une nouvelle couche et je vais l'allumer pour se multiplier, et je vais saisir la couleur chocolat ici. Je vais essayer la calligraphie. Peut-être que je vais essayer ce pinceau Blotchy. Si je viens ici, j'irai partout avec ça, ce qui n'est pas mon intention. Ce que je vais faire, c'est que je vais taper sur la couche. Cette couche a cette forme de chocolat pour moi. Je vais taper dessus et je vais choisir « Sélectionner ». Si j'appuie sur le pinceau, si je devais dessiner dessus, je ne dessinerai que dans cette forme. Maintenant, je veux m'assurer que je fais cela sur un calque séparé donc j'ai fait une sélection de ce calque, mais je dessine sur ce calque ici. De cette façon, si je change d'avis, je peux simplement l'effacer ou activer ou désactiver la visibilité, et j'ai encore ma couche de chocolat en dessous. Je vais essayer d'expérimenter avec ça. Ça a l'air vraiment cool. Un autre endroit que je veux ajouter de la texture est sur le cookie ici. Je vais prendre la couleur du cookie et je vais essayer un nouveau pinceau, peut-être que je vais aller dans Dessin et je vais essayer, je n'ai aucune idée de la façon de prononcer cela, mais Freycinet, bien sûr. Je vais sélectionner ma couche de cookies, et je vais dessiner sur mon calque multiplier. Parfois, ça ne marche pas parce que la forme de cookie que j'ai dessinée était sous la glace. Ce que je peux faire est que je peux saisir ma couche de crème glacée, je peux cliquer sur « Sélectionner » et puis quand je viens à la couche multiplier, je peux effacer cette section où il touche de la crème fouettée. Beaucoup d'expériences amusantes ici. Je pourrais essayer d'ajouter un peu de texture dans la tasse aussi. Maintenant, je tiens à souligner que ces autres dimanches ont déjà de la texture. nous entrons dans ces éléments, plus vous pouvez voir que tous ces éléments, ils sont vraiment liés ensemble et même s'il est utile de les séparer pour que nous puissions comprendre chaque élément seul et nous pouvons se concentrer sur les décisions que nous pouvons prendre dans ces éléments, dans le monde réel, ils n'existent pas dans le vide, ils sont vraiment mélangés. J' ai déjà ajouté de la texture à ce dimanche par la nature de cette brosse à huile striée que j'ai utilisée. Quand j'ai commencé à expérimenter des versions stripy de couleur, j'ai commencé à ajouter de la texture à cette pièce. Je suis vraiment content de l'apparence de celui-ci. Quand je remplissais les formes, les brosses que j'utilisais pour cela avaient aussi de la texture. Mais ça ne fait jamais mal d'ajouter un peu plus de texture pour faire un peu plus d'expériences. Je vais essayer d'ajouter quelque chose de différent dans le chocolat ici. Peut-être qu'au lieu de simplement ajouter de la texture pour le saké de textures, je vais essayer de faire ce look sec et friable. Je vais sélectionner cette couche de chocolat, je serai sur l'une de mes couches multiplier, et je vais essayer les peintures pulvérisées, et je vais essayer ces Flicks. Ce que je veux faire est de créer une version beaucoup plus sombre de ce chocolat. J' aime la façon dont cela ressemble, je pense qu'il a l'air vraiment sec et j'imagine ce biscuit rugueux friable look. Je pourrais aussi entrer avec une couleur vraiment claire, mais parce que c'est sur un mode de fusion, cela va juste assombrir tout, donc je vais créer un nouveau calque qui n'est pas en mode de fusion et ensuite je peux créer un peu plus lumineux textures là-dedans. Peut-être pas beaucoup, peut-être un peu plus léger, mais j'adore la façon dont ça a l'air. Je pense que ça a l'air super cool. Je pense aussi que je veux créer un peu de texture dans le chocolat ici. Encore une fois, je vais attraper la couleur chocolat, je vais regarder la couleur chocolat, et je vais sélectionner le chocolat pour que je ne dessine que là où se trouve ce chocolat. Je vais essayer le pinceau de peinture, je vais essayer ce Stucco ici et créer une texture amusante ici. Je suis juste en train d'expérimenter et je pourrais faire la même chose avec le cookie, donc je vais peut-être ajouter quelques formes. Il y a quelques expériences amusantes avec la couleur et la texture. Il y a probablement autant de textures dans le monde qu'il y a de choses dans le monde. Mais d'après mon expérience, trop de textures différentes peuvent rendre une pièce chaotique. Si vous vous sentez totalement perdu avec les textures, ce que je recommanderais est d'essayer d'utiliser seulement un ou deux. Vous pouvez expérimenter avec la couleur de cette texture ou l'opacité, façon dont elle est visible, et vous pouvez obtenir une vaste gamme de variété avec une seule texture. Bien sûr, toutes les règles sont censées être brisées, donc si vous pensez que stupide, hey, allez fou avec vos textures. 10. Forme et style: La forme est la façon dont nous faisons quelque chose en 3D ou lui donnons un sens de la profondeur. Parfois, un sens de forme tridimensionnelle est créé avec des lignes comme ce cube. Ce travail n'utilise pas toujours beaucoup d'ombrage, mais elle fait sentir les choses 3D plutôt qu'un 2D plat avec ses lignes. Ainsi, les cercles sur le dessus de ce haricot cuit peuvent vraiment donner l'impression que c'est une forme en trois dimensions. La même chose est vraie pour les crêpes parce que nous pouvons voir le côté et le haut. On dirait que c'est 3D. Mais le plus souvent, la forme est communiquée par la création, l'ombrage et la mise en évidence. Donc ici, vous avez juste des formes plates et ici vous avez des ombrages sur eux. En passant, si vous voulez plonger plus profondément dans savoir où placer vos ombres, je vais en profondeur sur l'ombrage dans ma façon de dessiner la classe. Il existe de nombreuses façons de styliser la façon dont vous créez l'ombrage et la forme. Alors passons en revue deux de ces options maintenant. Dégradés. Un dégradé est l'endroit où la couleur change graduellement à mesure qu'elle se déplace dans un formulaire. Je l'utilise beaucoup. Carson Ellis en fait un excellent travail. Vous pouvez vraiment le voir en action directement sur le poêle. Il y a donc un dégradé d'ombrage car il devient plus léger pour créer l'idée que le bord du poêle crée une ombre. Katie Daisy fait la même chose. Il y a donc un dégradé de couleur dans la terre ici. Il passe donc d'un vert plus foncé à un vert plus clair. Cela donne l'idée que cette terre est inégale. Ce n'est pas juste comme une forme plate. Elle le fait aussi dans l'ombrage dans les montagnes ici tout en bas. Les gradients sont ma méthode instinctive et naturelle. Vous pouvez voir que je l'utilise dans la table juste ici. Je l'ai plus sombre sous les jambes et il devient plus léger à mesure qu'il descend pour créer l'idée que les jambes sont sous la table. Il crée un sens de forme 3D. Je l'utilise aussi dans ces mains ici. J' utilise donc un ombrage qui passe sous le pouce pour créer l'idée qu'il y a une forme en trois dimensions. Éclosion. La hachure utilise des lignes pour créer un sentiment d'ombrage. Lorsque les lignes sont plus éloignées, elles créent des zones, des zones plus claires, et lorsqu'elles sont plus proches, elles créent un sentiment d'ombre plus profonde. Donc, sous le menton ici, vous pouvez voir David Sierra a créé un ombrage épais vraiment agréable pour créer le sens de ce gros ours et il est beaucoup plus serré quand il se rapproche de son bras et il s'éloigne beaucoup plus loin quand il devient plus loin de son bras. Je veux surtout que vous sachiez comment les lignes qui sont plus densément compactées ou desserrées plus loin indiquent la forme de l'objet. Si nous regardons les cheveux ici, remarquez comment les lignes deviennent vraiment denses et compactées ici où les cheveux sont cachés par rapport aux lignes plus longues et plus lâches lorsque les cheveux sont sortis et coulent. Vous pouvez voir ça dans sa chemise aussi. Les lignes sont vraiment denses dans ces zones étroites où les vêtements sont vraiment proches les uns des autres et il devient un peu lâche ici où il y a plus d'espace dans la chemise. Crosshatching. hachurage est vraiment similaire à la hachure, sauf qu'il y a des lignes qui se croisent dans plusieurs directions. Les illustrations de Maurice Sendak utilisent de superbes exemples de lignes de hachage. Donc, vous pouvez voir dans le ventre du monstre juste ici qu'il y a beaucoup de hachures de croix en cours. Encore une fois, les mêmes règles s'appliquent là où il est plus dense, est plus sombre et où il est plus lâche et léger, il y a moins d'ombrage qui se passe. Dappage et pointillage. Barre oblique de jappage. Sussane, qui va aussi par Suflanda, est un tatoueur et crée une forme étonnante en utilisant pointillé. Stippling est de petits points faits pour créer l'idée de forme. Stippling peut prendre plusieurs types de formes différentes. Dans le lapin ici, il y a plus de lignes courtes que dans la robe, c'est des points. Ainsi, vous pouvez utiliser mix et assortir vos types de pointillage. Vous pouvez également mélanger et faire correspondre différents styles de forme. Par exemple, dans cette pièce, Sussane a créé des pointillés et elle a également utilisé des hachures pour créer des ombrages. Vous pouvez un peu comme créer votre propre version. Donc Van Gogh crée un peu cet hybride bizarre entre les pointillés avec ces tirets vraiment courts, mais aussi c'est un peu comme l'éclosion. Il y a donc toute une variation entre ces choses. Contraste. Parfois, les artistes utilisent la rue du contraste et la couleur ou la forme pour créer une forme. Lindsey, l'artiste de jeu de mots visuels hilarant utilise beaucoup de ce contraste lisse. Il utilise un beau changement subtil. Vous pouvez le voir aux extrémités de ces campeurs de crème glacée sundae. Il y a une couleur ici puis une autre couleur ici et ce contraste entre les couleurs crée cette forme. Maintenant, c'est vraiment une version douce, comme ceci est juste une couleur plus foncée de jaune, une couleur plus foncée de vert, une couleur plus foncée de rose. Vous pouvez aussi aller vraiment extrême avec cela comme Sarah Beth Morgan fait. Elle utilise une couleur très forte. Elle utilise le noir pour créer l'ombrage dans toutes ces zones et c'est juste un bloc de couleur. Bon, commençons à expérimenter nos sundaes. Donc je vais commencer par celle-là. Je pense que ce serait amusant de créer des éclosions. Donc je vais prendre, je vais juste utiliser un crayon 6B et je vais commencer ici dans le verre. Je vais juste créer des éclosions pour créer un peu d'ombre sous la tasse. Je vais également ajouter un peu d'ombre sur les gouttes de chocolat. Je pense que ça pourrait aussi être amusant d'ajouter quelques éclosions ici. Pour ce prochain sundae, je vais utiliser un pinceau encreur. Je vais m'entraîner et utiliser le stylo du studio. Je pense que ce serait vraiment cool d'essayer comme un de ces blocs solides d'ombrage. Je vais donc créer un nouveau calque et je vais faire un calque multiplier et je vais réduire l'opacité. Donc c'est une bonne façon, donc je n'ai pas à changer de couleur quand je passe le rose contre le chocolat. Je peux jouer avec l'opacité pour décider à quel point j'aimerais être sombre ou clair. Je pense que ce serait vraiment cool de créer un peu d'ombre sur le chocolat aussi. Donc, si je crée un peu de ligne juste ici, ça donne l'impression que le chocolat se distingue. Nous pouvons également créer une deuxième couche multiplier et créer un peu d'ombrage sur le chocolat lui-même. Il est probablement un peu plus sombre que ce que je voudrais, donc réduire l'opacité. Donc ça a l'air plutôt cool. Je pense qu'une autre chose amusante serait de le mettre avec des pointillés. Alors peut-être que je veux créer quelques reflets du verre, comme briller ici. C' est un peu amusant. Je pourrais même en faire des marron clair sur le chocolat ou peut-être sur le biscuit. Nous avons créé un peu subtil quand nous avons ajouté une partie de cette texture et de cette couleur ici dans la crème. En fait, il a déjà créé une forme, une forme. Mais je pense que ce serait amusant de vraiment souligner cela avec un peu plus de pointillage. Je pourrais aussi utiliser quelques pointillés pour créer un point culminant sur la tasse. Peut-être que tu pourrais essayer un peu d'éclosion, pour que je puisse créer des éclosions le long du bord juste là sous la tricherie solide. Si je fais un zoom arrière, je dirais que ce bloc solide est un peu étroit et je pense que j'aimerais juste l'étendre un peu. Regardons un zoom arrière. Ouais, ça a l'air un peu mieux. Je pourrais refaire l'éclosion en dessous de ça. Cool, c'est un peu amusant. Pour cette prochaine pièce, je pense que je vais essayer beaucoup plus de gradients puisque c'est ce que je gravite naturellement vers. Donc, je vais essayer d'utiliser sur cette couche multiplier, un pinceau texturé. Peut-être que je vais utiliser comme les artistes cran ou quelque chose comme ça. Je vais juste créer une transition douce et progressive sur le côté de la tasse. devient un peu plus profond, plus il est loin. En fait, peut-être que je vais même aller un peu plus sombre à mesure que ça se rapproche du bord. C' est un très beau gradient doux. Je vais faire la même chose dans le chocolat. Ensuite, sur un calque normal, je pense que je vais créer des reflets lisses parce que cette ligne lisse crée vraiment une forte différence. Ça l'aide vraiment à se démarquer. Je pourrais même ajouter un fort point fort sur le verre, et peut-être sur la base de la tasse aussi bien. Je pense que ce serait aussi amusant d'ajouter un peu d'ombre sur la tasse, encore une fois avec un ombrage plus doux et plus progressif. Je pense que je vais aussi ajouter un peu d' ombre texturée dans la crème ici, la crème fouettée. Peut-être que je vais même ajouter quelques faits saillants en allant extrêmement là-dessus. Ce n'est pas seulement le style d'ombrage que vous utilisez qui déterminera votre style, c'est aussi l'endroit où vous le mettez. Quelque chose que j'aimerais essayer et je vais faire une nouvelle couche multiplier pour cela est peut-être quelques ombres sous les couches à l'intérieur de la sundae. Alors peut-être que je vais essayer quelque chose en dessous pour vraiment faire sentir comme cette partie supérieure, cette crème rose haut arrive sur le chocolat et peut-être que je vais faire la même chose ici. Laissez-le s'estomper progressivement. Se fondre graduellement. Donc, on dirait vraiment que c'est des couches et bien sûr le cookie mérite un peu d'amour. Cool. Enfin, sur ce sundae, je pense que je vais essayer un mélange entre pointillage, éclosion. Je vais utiliser une brosse à encre et j'utiliserai celle au mercure. Donc je pense que la première chose que je vais faire est de créer quelques faits saillants. Donc je vais prendre quelque chose de très léger et je vais ajouter un peu de brillance au chocolat ici et aussi au verre. Je pense que je vais ajouter un peu de réflexion ici. Je pense que ce serait amusant d'ajouter une partie du crumble de biscuits. Je pense que je vais également ajouter un peu d'ombrage global sur la couche multiplier. ne sont donc pas des lignes solides. Ils sont en quelque sorte pointillés. Peut-être que je vais essayer un peu sur le dessous du chocolat aussi. Je pense que c'est un peu intense. Donc je pourrais aller un peu plus tard avec peut-être aussi sous la tasse. Une autre chose que je pourrais essayer est d'ajouter une sorte de bord à la tasse et même au-delà, peut-être un peu d'ombre sur le sol lui-même. Peut-être que je vais aussi ajouter un peu d'ombre sur le cookie pour qu'il semble qu'il soit un peu derrière cette crème. On y va. Je pense que cela rend vraiment cette pièce beaucoup plus finie et entière. Je crois que j'ai des pièces très fortes ici. 11. Votre guide de style / identifier votre style actuel: Nous avons un tas d'expériences vraiment intéressantes maintenant et j'espère que vous avez découvert de nouvelles façons de dessiner que vous appréciez vraiment. Peut-être que tu en as trouvé quelques-uns que tu n'aimais pas vraiment. Mais c'était une expérience amusante. Mais c'est surtout ce que c'était. C' était une expérience. C' est quelque chose que j'ai essayé, mais c'est juste une seule œuvre d'art. Je ne peux pas vraiment dire, hé, c'est mon style encore parce que je n'ai pas utilisé ce style de façon cohérente. Je n'en ai fait qu'un. Ce que nous allons faire, c'est que nous allons intégrer ces explorations dans notre travail à l' avenir et nous allons le faire avec un défi amusant de dessin dans votre style artistique. Nous allons choisir et choisir nos éléments visuels préférés que nous avons essayés sur ces sundaes et les appliquer dans une série de nouvelles pièces. Quand vous avez une collection de plusieurs pièces qui utilisent éléments visuels de manière assez cohérente, c'est quand vous pouvez dire, « Hé, c'est mon style. » Réfléchissons sur les éléments que vous aimez et que vous voulez utiliser pour aller de l'avant. Nous allons créer un guide de style personnel et ne vous inquiétez pas, vous n'êtes pas engagé dans ces choix pour le reste de votre vie. Vous pouvez toujours les changer et changer la façon dont vous aimez dessiner des choses. Réfléchir à ce que vous faites et n'aimez pas peut conduire à idées très utiles et parfois inattendues et rappelez-vous, inclure les éléments visuels que vous avez aimé créer. Comment voulez-vous dessiner vos formes ? J' adore vraiment cette perspective biaisée ici. Je pense que cela va avoir une grande influence sur mon travail et je vais l' utiliser autant que possible pour aller de l'avant. J' ai aussi vraiment aimé tout ce qui était en arc et qui coule comme ces gouttes de chocolat ici. Je suis vraiment surpris à quel point j'ai été inspiré par cette pièce géométrique. pensant à ces couches et à ces espaces géométriques plats et en pensant aux formes des gouttes comme ces triangles simples, cela a vraiment inspiré comment j'ai abordé beaucoup ce sundae et ce sundae. Je pense que je veux garder ça dans ma tête. Je ne suis peut-être pas le plus grand fan de ce travail parfaitement géométrique, mais si je me sens coincé à essayer de décomposer une forme en une forme géométrique très basique est un excellent moyen de démarrer mon cerveau créatif. De quelles façons voulez-vous utiliser la couleur ? aller de l'avant, je pense que je veux embrasser les changements de teinte qui sont utilisés dans cette pièce. Je suis passé de l'orange au rose à la pêche. J' ai vraiment aimé utiliser cette variété de teintes. J' ai aussi vraiment aimé cette méthode de mélange que j'ai utilisée le long ces deux roses ici et je pense que je vais l'utiliser en allant de l'avant. Quel travail de ligne voulez-vous utiliser ? Je veux utiliser beaucoup plus de lignes allant de l'avant. J' ai vraiment aimé les lignes que j'ai utilisées dans la crème ici et dans la base de la tasse ici. J' ai aussi vraiment apprécié les groupements de lignes que j'ai fait ici, et surtout même ici. Mais je pense que je veux être un peu plus intentionnel. Je ne veux pas que ce soit si lâche. Comment aimez-vous transmettre ou ne pas transmettre la forme et la forme ? Si je suis honnête, j'ai aimé toutes les différentes façons dont j'utilise la mise en évidence et l'ombrage. Je pense que je vais probablement les utiliser tous pour aller de l' avant et c'est la beauté de choisir votre propre style. Vous n'avez pas à vous en tenir à un seul choix. Textures. Quelles textures utiliserez-vous ? J' ai vraiment aimé le mélange des couleurs et des textures que j'ai utilisées dans cette pièce ici et je pense que je vais continuer à l'utiliser d'une manière intentionnelle notable comme j'ai les stries ici. J' aime vraiment cette texture. J' aime aussi vraiment la façon dont j'ai fait la texture ici, comme dans un angle très déterminé. Mais j'aime le mélange de tout ça ensemble. Je ne suis pas fou par le grain que j'ai utilisé et les gradients que j'ai utilisés dans cette pièce. Le grain a l'air cool, mais ce n'est pas pour moi. J' adore les textures de crayon que j'ai utilisées dans cette pièce. Mais je pense que je voudrais que ce soit un peu plus exagéré parce que pour l'instant je dois zoomer pour voir les détails de celui-ci. Le style est comme l'écriture manuscrite. Vous pouvez essayer d'imiter la signature de quelqu'un d'autre. Mais quand vous êtes pressé, vous écrivez va juste sortir comme il le fait naturellement. La façon dont vous dessinez est la même. C' est instinctif et naturel pour vous et même si vous pouvez exercer votre collage pour la rendre plus lisible ou plus jolie, vous aurez probablement toujours par défaut votre façon instinctive d'écrire la lettre a. Il vous aurez probablement toujours par défaut votre façon instinctive d'écrire la lettre a. va de même pour nos styles de dessin. Nous pouvons travailler pour le changer, mais une partie de votre style va être complètement intuitive, mais définir ce que c'est, ce qui constitue notre propre style naturel peut être incroyablement difficile parce que nous sommes souvent aveugles à ce qui nous rend unique. Il y a des choses que nous faisons qui sont si évidentes pour nous que c'est comme respirer. Nous ne réalisons même pas que nous faisons ces choix ou essayons de cette façon. Dans cette leçon, nous allons faire quelques exercices amusants différents pour essayer de vous aider à définir votre style un peu plus clairement afin que vous puissiez voir ce que c'est qui vous rend unique. Ton top 9. D'abord, je veux que vous réunissiez entre trois et neuf de vos morceaux préférés. Nous allons les référencer pour les prochains exercices. Je veux que vous considériez les pièces dont vous êtes le plus fier, mais aussi celles que vous avez aimé tirer le plus et celles que vous êtes le plus heureux des résultats. Il peut s'agir d'un mélange de toutes ces choses. Maintenant, vous pouvez organiser cela dans un top neuf affichage Instagram fantaisie, ou vous pouvez simplement les mettre dans un document tout à fait. Je vous encourage à les partager dans votre projet Skillshare. Voici les miens. Remplissez le vide. Maintenant, essayons un exercice amusant de style Mad Libs remplissage-in-the-blank. Je veux que vous trouviez trois adjectifs visuels qui décrivent les visuels de votre art. N' hésitez pas à appuyer sur pause et à prendre un moment pour trouver vos propres mots. Vous n'avez pas à choisir dans cette liste. Votre art est-il monochromatique, réaliste, léger, désordonné, doux, beau, croquis, lumineux, unique, inhabituel, coloré, dessin animé, complexe, conceptuel, éblouissant, décoratif, fluide, stylisé ? En regardant mes pièces, je dirais probablement mignon, féminin et coloré. Ensuite, je veux que vous trouviez quelques mots pour décrire l'ambiance ou le sentiment de votre travail. Encore une fois, n'hésitez pas à appuyer sur pause et prendre un moment pour trouver vos propres mots. Vous n'avez pas à choisir dans cette liste. Sombre, adorable, innocent, audacieux, calme , glamour, organisé, franc, tranquille, audacieux, simple, mystérieux, ludique, romantique, sophistiqué, traditionnel, psychédélique, de bon goût. Encore une fois, pour ma collection d'art, je pense que ces pièces sont un peu calmes ou tranquilles. Peut-être pas tous, mais oui, l'ensemble, c'est le sentiment. Mon travail se limite à la bande dessinée, mais je n'ai pas l'impression qu'il ait cette ambiance de bande dessinée. Je voudrais peut-être le souligner. Je pense qu'il a une touche de sophistication. Ensuite, je veux que vous écriviez les sujets que vous dessinez fréquemment. Je vois beaucoup de scènes, d'animaux et de lettres. Enfin, je veux que vous écriviez le médium de l'art que vous utilisez. Tout cela est fait dans Procreate, donc ils sont tous de l'art numérique. Allons tout ensemble. Quand quelqu'un demande quel genre d'art faites-vous, vous pouvez dire que je crée, insérer votre choix de l'ambiance ou du sentiment, insérer votre objectif visuel, insérer le sujet d'art que vous dessinez, et aussi insérez le support d'art que vous utilisez. Pour moi, je peux dire que je crée des scènes colorées et tranquilles dans Procreate. Si vous voulez, vous pouvez accrocher quelques adjectifs. Vous pouvez réorganiser le libellé ou même supprimer une partie de l'équation ici. Par exemple, bien que j'aime dessiner des scènes et des vitrines, ce n'est qu'environ la moitié de l'art que je crée. Je voudrais peut-être supprimer ce sujet dans cette Mad Lib. Peut-être que pour vous, le sujet est vraiment cohérent, mais peut-être que je pourrais développer le mien en disant, je crée des illustrations numériques mignonnes et colorées avec une touche de sophistication. Ta-da. Maintenant, vous avez un moyen simple et facile de décrire le travail que vous faites pour d'autres personnes. Bien sûr, cela n'encapsule pas tout sur votre style. Essayons de plonger un peu plus profondément. Nous allons plonger plus en profondeur dans l'examen de notre propre style. Voici quelques questions pour vous aider à démarrer. Vous remarquez des motifs ou des thèmes récurrents ? Maintenant, c'est quelque chose qui pourrait ne pas être visuellement apparent, mais je sais personnellement que plus de la moitié des pièces que j'ai choisies ont été inspirées par des voyages que j'ai faits ou des voyages que j'aimerais faire. Je sais que le voyage est une grande partie de ce qui influence mon style, même si ce n'est pas super évident dans l'art lui-même. Un autre motif que j'ai remarqué est que j'essaie toujours de faire apparaître certains détails en utilisant un contraste très élevé, tandis que le style général est doux et doux couleurs, j'aime vraiment faire quelques détails pop parce que je sens qu'il rend vous voulez regarder plus profondément dans l'art. D' autres questions à vous poser pourraient être que voulez-vous que votre public ressente quand il regarde votre travail ? Quels thèmes aimez-vous explorer ? Est-ce que votre art a un message ? Énumérez trois choses que vous aimez dans votre style. Comparez votre style à l'art que vous détestez. Si vous avez vraiment du mal à articuler votre art, un autre exercice consiste à le comparer à l'art que vous détestez. En quoi votre art est-il différent ? Est-ce différent dans l'ambiance, les styles visuels ou les thèmes ? Je ne vais pas donner d'exemples pour ça parce que ça semble grossier de mettre l'art de quelqu'un sur l'explosion que je déteste. Mais ce que je vais dire, c'est que je n'aime pas habituellement l'art qui a thèmes violents ou qui est vraiment grossier et épineux. Ce sont les confitures de certaines personnes, mais ce n'est pas le mien. Quel genre d'art détestez-vous ? Pour moi, c'est peut-être dur, violent, malheureux, effrayant, grossier. Alors, quel est le contraire de ces choses ? Dans mon cas, ce serait doux, léger, plus heureux, paisible. Demandez à vos amis. Le raccourci pour définir votre style actuel, demander à des amis de confiance. La façon dont nous nous voyons nous-mêmes n'est pas la façon dont les autres nous voient. Demandez à des amis  : « Hé, je veux te demander une faveur. Je travaille à améliorer mon illustration en clarifiant ce qui me rend unique, mais il est difficile de se voir comme les autres. Pourriez-vous me dire trois mots que vous utiliseriez pour décrire mon art ? Cherchez des réponses communes et voyez ce qui résonne avec vous, vos différences, votre identité. Parfois, ce qui nous rend uniques est d'une évidence flagrante et nous pouvons en être gênés, ou vouloir tonifier cette partie de nous-mêmes. C' est la nature humaine de vouloir s'intégrer. Peut-être que vous avez grandi dans un environnement qui ostracisait ou se moquait de gens qui étaient différents ou qui se démarquaient. Mais je tiens à vous encourager à jeter un second regard sur ces choses et s'il est vraiment dans votre intérêt de réduire qui vous êtes, ce qui vous rend différent pourrait très bien être votre plus grande force. Par exemple, j'ai été choisi beaucoup dans l'enfance. Les gens se moquaient de la façon dont j'avais l'air, en particulier mes cheveux et mon enthousiasme. Mais maintenant, ce sont quelques-unes de mes plus grandes forces. Je suis plus mémorable à cause de mes cheveux, cause de ma personnalité. Comme je l'ai dit tout à l'heure, votre style est votre écriture. Vous pouvez essayer d'imiter l'écriture de quelqu'un d'autre, mais votre propre écriture naturelle va continuer à glisser à travers. Alors que nous jouons avec ces différents exercices, essayant d'être conscients des choses qui ne cessent de glisser, des choses que vous continuez à faire sans s'en rendre compte, ou même quand vous n'avez pas l'intention de le faire. Ce sont les petits signaux de votre style. Les choses auxquelles vous voudrez faire attention, les choses que vous voudrez vous pencher. 12. DTIYS : : créer votre série: Passons au défi artistique. Pour vous aider à créer un style cohérent et cohérent, nous allons faire un dessin dans votre défi artistique. J'ai illustré quatre friandises que vous pouvez également recréer en utilisant les éléments que vous avez listés dans votre guide de style personnel. Si vous souhaitez vraiment relever le défi, j'ai inclus les photos de référence de ces pièces et vous pouvez partir de là plutôt que de mes illustrations. Parfois, je trouve qu'il est un peu plus facile de rebondir sur ce que quelqu'un a déjà fait Vous pouvez donc commencer par mes illustrations et rebondir à partir de là. Vous pouvez récupérer les images de référence dans l'onglet Ressources. N'oubliez pas de partager votre art dans votre projet Skillshare. Vous pouvez ajouter des images supplémentaires à votre projet au fur et à mesure de sa création en mettant à jour votre projet. Voici quelques conseils pour travailler sur votre série. Pour que cette série ait l'impression d'être dans le même style, vous devez avoir un certain niveau de cohérence entre toutes les pièces. Mais vous n'êtes pas obligé d'utiliser exactement le même élément stylistique sur chaque pièce pour que ce style soit cohérent Quelques cohérences remarquables aideront à relier les choses. L'utilisation d'un sujet thématique aidera, par exemple une série de déserts, et c' est ce que nous faisons. Je suggère vivement d'utiliser la même palette de couleurs, car la couleur est un moyen incroyablement simple pour nous regrouper instinctivement quelque chose. Dans ma série, j'ai utilisé la même palette de couleurs mais en variant les couleurs de fond, ce qui a permis à chaque œuvre d' art de se démarquer les unes autres tout en donnant l' impression de faire partie d'un tout. fait d'avoir plusieurs éléments visibles et utilisés de manière cohérente dans chaque œuvre vous permettra d' expérimenter les différences entre les différentes œuvres d'art. Par exemple, j'ai utilisé tracé très différent dans ces deux pièces. Ils n'utilisent pas le même type de tracé. Vous êtes autorisé à utiliser différents styles. J'ai beaucoup aimé jouer avec les hachures de cette tasse géométrique. Je l'ai inclus dans ces deux pièces ici. Ma méthode instinctive naturelle pour créer des ombres consiste utiliser des dégradés, comme je l'ai fait dans cet article, et je n'ai pas abandonné cette méthode dans cette série sur les desserts. Vous pouvez voir dans les framboises ici que j'ai utilisé de nombreux dégradés pour créer cet ombrage. Je l'ai même fait dans les tranches du gâteau. Fais ce qui suscite la joie. Le fond de mon gâteau était très simple, alors j'ai voulu ajouter ces petites paillettes pour décorer le fond. J'ai tellement aimé ajouter ces détails que je les ai ajoutés à presque toutes les autres pièces. Ce n'est pas quelque chose que j'ai exploré en faisant mes coupes glacées, mais j'ai bien aimé. Ne vous sentez pas piégé par votre guide de style ou par les choix de style que vous avez faits dans le passé, au point de ne pas pouvoir apporter quelque chose de nouveau, quelque chose qui vous rend heureux au reste de votre art. L'expérimentation prend du temps, alors ne vous découragez si vous n'êtes pas satisfait de chacune de vos pièces. En fait, j'ai développé une poignée de styles différents pour ce cours, et je n'ai même pas fini par les utiliser ou les partager. Il me faut quelques pièces différentes et de la pratique pour intégrer les éléments de style que j'essaie d'inclure. Cela n'arrive pas en le faisant une seule fois. Cela devient plus nuancé, je suis plus précis quant à la façon dont j'intègre cet élément. De plus, il est tout à fait normal de ne pas aimer toutes vos pièces de la même manière. Je survole souvent une pièce qui m' inspire beaucoup, puis je suis vraiment déçue lorsque les autres pièces d' une série ne me semblent pas aussi fraîches, excitantes ou satisfaisantes que la première pièce. La vérité est que certaines pièces seront meilleures que d'autres. Mais parfois, je suis tellement inspirée par le processus de dessin que je suis un peu aveugle au résultat final. De plus, parfois, après ne pas avoir regardé l' une de ces pièces décevantes pendant ces pièces décevantes pendant un certain temps et en y revenant, je trouve que je l'aime beaucoup plus que je ne l'ai fait. D'autres fois, les gens sont réellement attirés par les pièces qui ne m'intéressaient même pas au départ. Vous pouvez dessiner une pièce par jour ou, si vous êtes comme moi, vous pouvez travailler sur toutes les pièces en même temps. Quand je me sens coincé sur une pièce, je passe à une autre. Parfois, je trouve l'inspiration pour l'œuvre qui me tenait à cœur en travaillant sur une nouvelle œuvre ou en passant en revue des œuvres que j'ai déjà terminées. Par exemple, j'avais l' impression que le lait et les biscuits étaient très simples. Je suis donc allée voir mes coupes glacées originales et je me suis souvenue de la teinte géométrique que j'avais appliquée sur ce gobelet géométrique, alors je l'ai intégrée. Une autre astuce pour remplir le stock est de regarder toutes vos pièces ensemble. Non seulement cela peut vous inciter à ajouter quelque chose d'intéressant à la pièce sur laquelle vous travaillez actuellement, mais le fait de regarder la série dans son ensemble vous aidera à faire des choix pour que votre collection reste cohérente et cohérente. 13. Gagnez un an de cours sur Skillshare: Pour vous donner un peu plus de motivation pour pratiquer votre nouveau style, je suis en train d'augmenter l'ante en organisant deux cadeaux pour un an de Skillshare. Je vais choisir un gagnant parmi les projets Skillshare et un sur Instagram, donc vous aurez deux chances différentes de gagner. Pour entrer sur Skillshare, tout ce que vous avez à faire est de soumettre un projet à cette classe. Vous pouvez télécharger vos expériences du dimanche ou n'importe quel article Dessinez ceci dans votre style. Je vais également organiser un deuxième cadeau séparé sur Instagram. Pour participer à ce cadeau, partagez votre art Draw This In Your Style sur Instagram. Vous pouvez partager une seule image ou partager plusieurs pour plusieurs entrées. Mentionnez la classe dans la légende et assurez-vous d'utiliser le hashtag #DTIYSBrooke. C' est « Dessinez ceci dans votre style, Brooke » pour m'assurer que je peux trouver votre entrée. Vous pouvez trouver plus de détails sur ce cadeau sur mon Instagram @paperplaygrounds. Les deux gagnants seront choisis au hasard, et j'annoncerai le gagnant dans l'onglet discussion de cette classe. La date limite d'inscription est le 31 août 2021. J' ai hâte de voir ton art. J' adore voir vos belles prises créatives sur ces projets. 14. Voix artistique: Voix artistique. Nous avons passé une grande partie de cette classe à se concentrer sur l'aspect visuel du style, apparence de votre art. Mais il y a beaucoup plus à ce qui compose votre style que strictement les visuels. Vous pouvez travailler activement à modifier vos visuels, mais certaines parties de votre style vous suivront, que vous modifiiez la façon dont vous tracez des lignes et des formes, vous changiez de médiums ou d'outils, et non en tant que voix artistique. Votre voix peut être les sujets que vous choisissez de dessiner, l'ambiance qu'elle crée ou le message qu'elle partage. Votre voix est vraiment vous, qui vous êtes et vos points de vue. Ces choses affectent également votre style et si vous souhaitez approfondir le sujet du développement de votre voix artistique, je vous recommande fortement de consulter le livre de Lisa Congdon, Find Your Artistic Voice. Pour certains artistes, leur voix dépend davantage du sujet qu'ils couvrent plutôt que de l'aspect visuel de leur style, et certains artistes sont beaucoup plus cohérents avec leurs visuels qu'avec leur sujet. Les deux versions de ceci sont valides. Certaines personnes sont très intentionnelles avec leur voix. Ils sont très clairs avec qui ils sont en tant qu'artiste et ils sont très bons exprimer cela et certaines personnes ne réalisent même pas qu'ils ont une voix, c'est plus une chose subconsciente que c'est une chose consciente. Vous n'avez pas besoin d'être profond ou sérieux avec votre voix, votre point de vue peut simplement être, je veux mettre plus de belles choses dans le monde. Comprendre votre voix est une grande partie du développement de votre style et un grand exercice pour cela est de vous poser les questions suivantes. Quelles vibrations essayez-vous de créer ? Que voulez-vous que votre public fasse l'expérience ? Par exemple, essayez-vous de créer de l'art qui a un sentiment de détente ? Quels choix visuels ou thématiques pouvez-vous faire pour soutenir cette ambiance ? Qu' est-ce que tu essaies de dire avec ton art ? Cela peut être quelque chose d'important et de profond ou il peut s'agir d'une émotion légère. Par exemple, le message derrière cette pièce est que je veux célébrer l'anniversaire de quelqu'un. Mais encore une fois, comprendre le message derrière votre art peut vous aider à faire des choix visuels et thématiques pour le soutenir. Qu' est-ce que tu essaies de mettre dans le monde ? Quelles expériences essayez-vous de cultiver ? Est-ce un message, une émotion, est-ce simplement une appréciation de l'objet que vous dessinez ? Vous pouvez trouver utile de tirer des pièces que vous avez déjà créées et de poser ces questions sur ces pièces ou même de poser ces questions sur des œuvres d'art que vous admirez d'autres artistes. 15. Gérer la comparaison: Lorsque j'ai exposé à mon premier salon professionnel de l'illustration, j'ai été tellement submergé par tous les artistes étonnants là-bas. C' était un vrai réveil que si je voulais m'empiler professionnellement, j'avais vraiment besoin de faire de l'art meilleur et plus intéressant. Cette réalisation était vraiment importante pour moi. J' ai travaillé dans ma propre petite bulle et je n'étais pas au courant de tout ce qui m'entourait et de ce que tout le monde faisait autour de moi. La vérité honnête était que j'avais vraiment besoin de mettre plus d'efforts dans mon art. Mais j'ai aussi ressenti ce sentiment absolu d' incapacité écrasante à agir face à cette tâche de nivellement, essayant de se démarquer de la foule. Comment diable allais-je me démarquer ? Comment pourrais-je faire ça ? Je me sentais affreux de me comparer à tous ces artistes que j'admirais. J' avais besoin d'un équilibre. J' avais besoin de me sentir inspiré en voyant ce que d'autres artistes faisaient. Mais pas tellement que j'ai commencé à me sentir mal pour moi. Au mieux, la comparaison consiste à apprendre et à vous améliorer. Au pire, ça te fait te sentir comme de la merde et arrête tes progrès. C' est un acte d'équilibrage très délicat, et je ne suis pas expert dans cet acte d'équilibrage et j'ai toujours du mal à comparer. J' ai même eu du mal à comparer pendant que je développais cette classe parce que travailler sur votre style peut être un sujet très sensible. Je ne suis pas expert dans la conquête des mauvais côtés de la comparaison. Mais je voulais partager avec vous dix choses qui m'ont aidé à y faire face. Consommation consciente. Je suis conscient de la façon dont la consommation inconsciente ou inconsciente des médias me fait sentir. Après avoir défilé Pinterest ou Instagram, est-ce que je me sens inspiré ou me sens mal ? Quand j'ai remarqué que mes sentiments de jalousie sont en pleine vitesse, je vais prendre une désintoxication sur les réseaux sociaux. Bien sûr, il n'a pas besoin d'être noir et blanc, soit vous utilisez les médias sociaux ou vous n'utilisez pas les médias sociaux. Comprendre vous-même est une chose vraiment importante à cet égard. Vous trouverez peut-être que votre habitude nocturne de faire défiler Instagram ne vous sert pas vraiment à rester inspiré. Peut-être que la lecture d'un livre est une meilleure façon de vous donner une inspiration créative pendant que vous vous relaxez avant de vous coucher. Pour moi, j'ai remarqué que je suis un peu sensible le matin. Je pense que mes matinées m'ont vraiment aidé à régler ma journée de congé, donc j'évite vraiment les médias sociaux, les courriels ou la télévision pendant les premières heures. Je ne veux pas être bombardée par ce que tout le monde veut que je fasse une priorité. Ce moment est pour moi de me concentrer sur ce que je veux sortir de la journée. J' essaie aussi d'éviter les médias sociaux quand je me sens émotionnellement sensible. Si quelque chose m'a bouleversé ou que je me sens dégoûté. À ce moment-là, je pourrais être un peu plus sensible aux comparaisons, donc au lieu d'aller sur les réseaux sociaux, je vais peut-être regarder des vidéos YouTube ou jouer à un jeu pour me détendre au lieu du défilement. Évitez la comparaison passive. Je suis aussi conscient de quand je prends la comparaison. Pour moi, j'ai trouvé que c'est plus utile quand je peux immédiatement agir dessus. Je regarde souvent des idées pour mon style ou des photos de référence lorsque je travaille sur une pièce ou lorsque je recherche une pièce que je peux utiliser immédiatement cette comparaison. La comparaison passive est quand je tombe souvent dans l'impression que « Je ne suis pas à la hauteur ». J' essaie habituellement d'éviter de chercher à regarder. Tu es ce que tu manges. Une autre façon de m'inspirer artistiquement est que je consomme des médias qui m'inspirent, mais ce n'est pas le média dans lequel je crée, donc pour moi c'est une illustration. Je sens très fortement que cela m'aide à apporter une nouvelle perspective à ce que je crée, mais me permet également de m'inspirer sans être aspirée dans ce piège de comparaison. Ma créativité est comme un puits, j'ai besoin de le remplir d'inspiration, besoin de remplir l'eau. Parfois, la création sera sa propre inspiration, mais parfois j'ai besoin d'amorcer la pompe, créer au lieu de consommer. Je me sens mieux quand je passe du temps à créer, pas seulement à consommer, aussi simple que ça. Au lieu de jouer sur mon téléphone le soir, peut-être que je suis mieux de jouer avec des subventions ou des marqueurs. Comparez-moi à moi-même. Je prends le temps de me comparer à moi-même. Quand je vois les progrès que j'ai accomplis, je peux en être fier. Je prends le temps de m'entraîner, me sentir bien dans mon art, admirer ce que j'ai fait. J' ai sauvé des œuvres d'art que j'ai faites tout au long de ma vie, et c'est vraiment agréable de regarder en arrière sur moi-même il y a des années et des années. C' est aussi agréable de me comparer au travail que j'ai fait l'année dernière. Faire défiler les vieilles images sur Instagram est une façon vraiment agréable de regarder mes progrès. Je vous encourage vivement à sauvegarder votre ancienne œuvre, ne serait-ce que pour cette seule raison. Ce qui est agréable de vous comparer à vous-même, c'est que, vous pouvez voir les progrès et vous pouvez apprécier le voyage, le voyage créatif sur lequel vous êtes. Voir toute la photo. Quand je me sens jalouse, j'essaie de me rappeler que la vie est plus que la façon dont je fais professionnellement ou artistiquement. J' ai d'autres choses que j'ai besoin d'équilibrer, comme les relations, la santé mentale, la santé physique, la famille. Je me souviens qu'il y a plus d'un aspect de ma vie pour être heureux et reconnaissant. Peut-être que je ne suis pas l'artiste le plus populaire sur Instagram. Peut-être que je n'ai pas la façon la plus cool de dessiner les gens, mais j'ai aussi un jardin de kick cul, dans lequel j'aime passer du temps et je suis beaucoup mieux pour garder les plantes en vie qu'il y a des années, et ça me rend heureux et fier. Rappelez-vous, l'herbe est toujours plus verte. Cela m'aide à me rappeler que quand je me compare à une autre personne, je ne connais pas leur vie complète. Ils peuvent avoir un diagnostic de cancer, une perte dans la famille, ou avoir une multitude d'autres choses, que je n'échangerais pas ma vie. Cela pourrait les conduire à faire les choses qu'ils font et dont je suis jaloux. Si je suis jalouse du succès de quelqu'un sur les réseaux sociaux, je dois me rappeler qu'il peut payer un coût que je ne suis pas prêt à payer. Peut-être qu'ils passent plus de temps à prendre des photos de leurs vacances où je préférerais profiter du moment. Peut-être qu'ils consacrent plusieurs jours de la semaine à travailler sur leurs réseaux sociaux et ce n'est pas quelque chose que je veux faire. Peut-être qu'ils aiment faire ces choses plus que moi. Nos vies sont différentes, nos pulsions sont différentes, nos désirs sont différents. C'est bon. Ce n'est pas juste de comparer les gens aux gens. Auto-validation. En fin de compte, la meilleure façon de repousser ce piège de comparaison est de maintenir une saine estime de soi, reconnaissance externe, des compliments, et tout cela est merveilleux et grand. Mais si une pièce ne reçoit pas beaucoup de goûts en publiant sur les réseaux sociaux, j'apprécie toujours mon propre travail. Je sais que je me suis amélioré. Je sais de quelles parties de cet art je suis fier et qui compte pour moi. Je ne crée pas seulement de l'art pour partager avec le monde que je crée, pour profiter du processus. Je ne suis pas une île et j'ai encore besoin du soutien d'autres humains, donc j'ai travaillé pour nourrir et construire des relations avec des gens qui m'aiment, gens qui me soutiennent et peuvent m'apprécier. Si vous n'avez pas beaucoup d'estime de soi actuellement, sachez que c'est quelque chose que vous pouvez développer. Si vous avez beaucoup de gens qui découragent votre pratique artistique, arrêtez peut-être de partager avec eux et cherchez de nouvelles personnes avec qui vous le partagerez. Après tout, c'est votre vie, changez votre perspective. Acceptation. Parfois, le miroir de la comparaison nous donne un reflet douloureux mais précis de nos faiblesses. Parfois, la meilleure chose que vous puissiez faire est d'accepter cela. L' acceptation ne signifie pas que vous abandonnez les progrès. Oui, vous n'êtes peut-être pas encore bon pour l'ombrage ou l'anatomie. peut-être vrai, mais est-ce que ça aide à vous juger et à dire : « Je suis le pire artiste du monde, je crains, et rien de ce que je fais ne se passe bien. » Tu es toujours novice à l'ombrage et tu te sens mal pour toi. Tu agis juste une situation normale. Au lieu de cela, il peut être plus utile de dire, je lutte avec l'ombrage. Je sais que c'est une de mes faiblesses. Je peux rechercher des classes et des ressources pour m'aider à mieux comprendre l'ombre et pratiquer cela ou je vais pratiquer l'ombrage dans ma prochaine pièce ou vous pouvez aussi dire, je ne suis pas bon pour l'ombrage, et c'est bon. Je me concentre sur l'utilisation de combinaisons de couleurs vraiment convaincantes à la place. L' auto-renforcement positif aide à progresser plus vite que de nous battre. l'autre côté, acceptez vos forces, beaucoup de compliments de minimisation des artistes qu'ils obtiennent. Les gens sont gentils. Ils ne veulent pas dire les belles choses qu'ils disent. Ne fais pas ça. Ne minimisez pas vos réalisations, qu' il s'agisse de dévier un compliment ou de rejeter vos propres réalisations en interne. Savourez votre propre succès, même si c'est juste un instant, imprégnez-vous de ces compliments comme un rayon de soleil et ne les repoussez pas. Être fier de ce que vous faites bien, vous vous sentirez encouragé à continuer. Reconnaissez ce que vous ressentez. Ne pas être doué dans quelque chose, ça craint, et ça ne se sent pas bien. Je suis vraiment gênée quand je ne suis pas douée dans quelque chose, ce qui est le pire. Il peut être frustrant ou décevant de ne pas être bon dans les choses. Je suis une créature très émotionnelle et parfois simplement reconnaître ou identifier mes sentiments m'aide à les laisser passer ou, comme Elsa dirait, laisser tomber. Quand je ressens une comparaison ou que je n'ai pas l'impression me mesurer à l'endroit où j'aimerais me voir, je ressens de la tristesse, de la honte, de l'impuissance, de la colère, de la vulnérabilité, de l'embarras, de la déception ou de la frustration. C' est normal de ressentir ça. Parfois, au lieu d'avoir ce sentiment de bouleversement en vous, reconnaître ce que vous ressentez peut être utile. Ensuite, vous pouvez laisser aller et vous engager à travailler à améliorer ou à accepter cette faiblesse. C' est plus facile de dire, « Hé, je me sens comme ça. » C' est juste un sentiment et cela va passer et vous pouvez le laisser aller et continuer à travailler à améliorer ou à accepter toute faiblesse qui a commencé à vous faire sentir comme ça. 16. Travailler dans plusieurs styles: Travailler dans plusieurs styles. L' un des sujets les plus courants qui apparaissent quand on parle de style est la peur d'être pris au piège dans un seul style. En tant qu'artistes, nous sommes tous naturellement curieux, nous voulons explorer différents sujets, différentes fournitures d'art, différentes techniques ; bref, c'est amusant de jouer avec différents styles et il n'y a rien de mal à cela. En fait, c'est une partie importante de votre développement artistique. Je dirais, et je pense que beaucoup d'autres artistes professionnels diraient, qu'il est vraiment important que vous ayez du temps et de l'espace pour explorer votre art. C' est particulièrement important au début lorsque vous vous familiarisez avec un outil, une technique ou que vous commencez votre parcours artistique. Exploration et expérimentation avec le style est la façon dont vous trouvez votre style. En fait, si vous vous engagez à ne travailler que dans un style trop tôt, vous risquez de ralentir votre croissance créative en tant qu'artiste. L' importance du style. Mais d'un autre côté, il y a aussi un avantage indéniable à avoir un style unique et identifiable qui est le vôtre. Si quelqu'un peut regarder votre travail dans la nature et être capable de dire, « Oh hey, c'est un Brooke Glaser. » Ou insérez votre nom là-dedans. C' est vraiment important, ça vous aide à vous démarquer de la foule, ça vous aide à devenir plus reconnaissable et plus populaire, c'est vraiment important. Travailler dans plusieurs styles. Avoir un style cohérent ou s'engager dans un style spécifique ne signifie pas la mort de votre exploration artistique. En fait, de nombreux artistes à succès travaillent dans multiples styles et il y a beaucoup de façons d'aborder cela. n'y a pas de mal ou de bonne façon, c'est ta vie, ton art, et ta carrière. Examinons trois façons différentes que vous pouvez aborder le travail dans plusieurs styles. Numéro 1, avoir tout sous une seule marque. Si tu jettes un coup d'oeil au travail de Lisa Congdon, c'est incroyable. Son style de rendu de portraits et de maillots de bain dans son livre, The Joy of Swimming est tout à fait différent de son illustration numérique réalisée dans Procreate comme cet exemple avec sa collaboration avec Method soap. C' est une artiste très réussie. Deux, créez des marques différentes pour vos différents styles. Il peut être logique dans certains cas de séparer vos styles en différentes marques et je pense que Teagan White est un exemple étonnant de cela. Teagan White crée des dessins détaillés étonnants d'animaux morts, et elle les vend comme des œuvres originales, des gravures et des autocollants. Elle crée également ces adorables créatures boisées pour les produits pour enfants sous la marque Tiny Moth Studio. La faune est clairement son centre d'intérêt. Elle utilise la même palette de couleurs et elle pourrait, en théorie, dessiner ces différents styles sous son nom, comme le fait Lisa Congdon. Mais Teagan est très malin à ce sujet. Ces publics pour ces deux types de styles d'art sont vraiment différents et il est probablement beaucoup plus logique pour elle de les diviser en deux marques. gens qui s'intéressent à l'art des enfants mignons, ils pourraient être éteints par des images de la faune morte, et le public qui apprécie son approche autoproclamée pour célébrer la vie et la mort dans le monde naturel, Ce n'est pas une façon géniale de décrire ce qu'elle fait ? Eh bien, ce public n'a peut-être aucun intérêt pour les animaux des enfants mignonnes. Numéro 3, et si tout cela est trop à supporter et que vous ne voulez vraiment pas vous engager à rester dans un style spécifique, vous voulez être un caméléon de style, c'est bon aussi. Vous pourriez être un artiste en interne vraiment incroyable et cela peut être une chose vraiment précieuse pour les entreprises. J' ai travaillé en interne comme artiste pour une entreprise de mode, et ils achetaient des œuvres d'art à d'autres artistes et me demandaient de peaufiner les designs en fonction de leurs besoins. Parfois, je devais redessiner une fleur, ou ajouter cinq fleurs différentes dans le même style mais pas exactement le même, ou j'aurais changé la taille de quelque chose. Être un caméléon de style est aussi une compétence. Pour moi personnellement, j'ai cessé de vouloir reproduire n'importe quel style et je voulais commencer à travailler sur mon propre style, et plus vous expérimentez, plus vous trouverez que c'est vrai pour vous, ou vous ne le faites pas, et c'est très bien aussi, n'y a rien de mal à ça. Il y a différentes parties de votre parcours artistique. À un moment donné, je voulais être un caméléon de style et je voulais juste jouer avec style, puis à un autre moment, je ne l'ai pas fait. Ce n'est pas inhabituel, c'est normal. En tant qu'artiste, vous êtes autorisé à expérimenter, vous êtes autorisé à faire évoluer votre style artistique. En fait, vous allez probablement vous ennuyer ou stagner si vous ne le faites pas. La plupart des artistes que je connais ne cessent de croître et d'évoluer. Même si vous êtes un artiste établi, si vous avez un style établi, l'expérimentation est toujours une partie saine d'être un artiste. J' entends constamment des artistes professionnels aux styles définis parler de leur importance pour le temps de travail personnel, pour l'exploration et l'expérimentation, et je pense que c'est juste une partie innée du fait d'être un artiste. En outre, les styles globaux changent aussi. Tout comme la mode, certains styles d'art sortent, et aussi comme la mode, tout semble toujours revenir, mais vous n'avez pas à porter la même mode pour le reste de votre vie, vous n'avez pas à avoir les mêmes cheveux pour le reste de votre vie, vous n'avez pas non plus à avoir le même style artistique pour le reste de votre vie. Si vous regardez David Hockney, le peintre tristement célèbre, il a commencé sa carrière dans les années 1960 et son style a considérablement changé au cours des décennies suivantes. Votre style va changer et évoluer. Mon style a changé parce que le travail que je faisais a changé. 17. Être cohérence et décider de son style: Parlons de cohérence. Une autre préoccupation de style courante est de ne pas pouvoir maintenir votre style d'une pièce à l'autre. Si vous avez l'impression que chaque pièce que vous dessinez semble complètement différente l'une de l'autre, il y a quelques choses qui pourraient se passer ici. Il se peut que vous ayez besoin de travailler sur vos compétences techniques. Si un client veut vous embaucher, vous aurez besoin de la capacité technique pour reproduire votre propre style. Plus vous comprenez ce qui rend ce style, comme la ligne, la forme, la couleur, les éléments que nous avons parcourus dans cette classe, plus vous les comprenez et pouvez les voir et les identifier, plus il sera facile être de séparer ces éléments et de les refaire. En outre, plus vous aurez de pratique avec vos outils, plus vous serez confiant et mieux vous y serez. Si vous n'avez pas l'impression de pouvoir reproduire un style d'une pièce à l'autre, il se peut que vous n'ayez pas passé assez de temps à travailler sur le côté technique de votre métier. Pratiquer un peu tous les jours afin que vous puissiez vous sentir confiant dans vos mouvements de la main afin que vous puissiez prédire la façon dont votre cercle et vos lignes vont finir, vous le faites. C' est quelque chose que j'ai fait beaucoup au début de mon voyage artistique était juste de dessiner des cercles et de m'assurer que je pouvais vraiment dessiner ce que j'avais l'intention de dessiner. Utilisez et explorez vos outils afin que vous les connaissiez et que vous puissiez les utiliser quand vous en avez besoin. Si vous êtes un débutant à un nouveau support ou au dessin, il est vraiment normal que vous n'ayez pas l'impression de pouvoir faire les outils exactement ce que vous voulez qu'ils fassent tout de suite. Personne n'entre dans la salle de gym et peut immédiatement soulever 200 livres la première fois. Ils doivent pratiquer leurs compétences et travailler à la hauteur. Ces muscles artistiques sont exactement ça. Ce sont des muscles. Ce sont des choses que vous développez et vous vous améliorez. Donc, si vous ne vous sentez pas confiant dans votre capacité technique à reproduire un style, continuez à pratiquer. C' est quelque chose qui va devenir plus facile avec le temps. Tout ce qui dit, une autre chose qui peut se produire, c'est que parfois, en tant qu'artistes, nous ne sommes pas les meilleurs juges de notre propre constance. Parfois, nous sommes aveugles à ce qui est cohérent dans notre travail parce qu'il est si évident pour nous que nous n'y réfléchissons même pas. Si vous n'êtes pas un débutant, débutant, je demanderais à un ami de confiance s'ils peuvent vous dire ce qui est cohérent dans votre travail, s'ils peuvent dire qu'un morceau de la suivante est réellement le vôtre. Espérons que les exercices ci-dessus ont aidé à ouvrir les yeux pour identifier les façons uniques que vous dessinez les choses. Par exemple, en faisant ce cours, j'ai réalisé que je suis très spécifique dans la façon dont j'ombrage les choses et je les ombrage toujours d'une certaine manière, et c'est vrai quel que soit le sujet que je dessine, ou peut-être pour vous est votre utilisation cohérente des contours dans toutes vos pièces. FOMO ou syndrome d'objet brillant. Une autre préoccupation avec la cohérence est FOMO ou syndrome d'objet brillant, et vous avez toujours l'impression que vous voulez essayer quelque chose nouveau parce qu'il pourrait y avoir quelque chose de mieux là-bas pour vous. Si c'est toi, je te sens. C' est définitivement moi aussi. Parfois, je dessine juste pour moi et je ne partage pas le travail. Mais quel est le plaisir de ça ? Une façon dont j'ai abordé le partage d'un travail expérimental ou d'un travail qui n' est pas mon style habituel est de travailler en série ou de présenter mes expériences comme une collection plutôt que simplement des pièces uniques. Par exemple, en octobre, je voulais me limiter à travailler en noir et blanc afin que je puisse me concentrer exclusivement sur les formes plutôt que sur la couleur, qui est une grande partie de ce que j'utilise. La couleur est une grande partie de ce que je fais. Avoir ces pièces en noir et blanc aurait été vraiment choquant parce que c'est tellement différent de mon style. Ce que j'ai fait, c'est que je l'ai présenté comme une série au lieu d'une seule pièce. Je pourrais afficher ça comme neuf images sur une image pour que tu puisses dire, hé, c'est une série de morceaux, ou je pourrais le mettre sur mon Instagram et mettre six trois ou neuf pour qu'il y ait plusieurs morceaux d'affilée pour qu'ils se sentent comme, c' est une chose. J' aime jouer avec le lettrage et beaucoup de ce travail qui n'est que du lettrage peut se sentir choquant quand il est sorti de son contexte. Quelqu' un va à mon portfolio, ils pourraient être comme, hé, est-ce que cet artiste fait du lettrage ou de l'illustration ? Mais si je regroupe ces pièces en une seule catégorie ou projet sur mon portfolio comme ici sont toutes mes pièces de lettrage, maintenant ça ne me semble pas si incongru. C' est peut-être une idée de la façon dont vous pouvez vous approcher, essayer de nouveaux styles tout en conservant un certain degré de cohérence dans votre travail. Dépassement. Si vous avez du mal à la cohérence parce que vous vous sentez submergé par choix comme vous ne savez pas quelles palettes de couleurs vous aimez ou quels pinceaux vous aimez utiliser le plus, des contraintes créatives peuvent être l'un de vos meilleurs amis. Vous pouvez essayer de dessiner le même objet une fois par jour pendant la semaine suivante, ou décider d'utiliser seulement un ou deux pinceaux pour votre pièce suivante, ou vous engager dans la même palette de couleurs pour les trois pièces suivantes. Limiter vos choix dans une zone vous permettra d'explorer d'autres éléments de votre style sans autant de pression pour obtenir chaque composant parfait. Ne sois pas trop dur avec toi-même. Si vous n'avez dessiné qu'une seule fois, vous ne pouvez pas vous attendre à avoir un style de dessin. Dessinez 10 personnes et voyez ce qui est en commun avec ces personnes. Si vous êtes nouveau dans le domaine de l'art numérique, vous ne devriez pas vous attendre à ce que vous sachiez immédiatement quels pinceaux vous préférez. Ça prendra du temps et de l'expérimentation. Tout ça n'arrive pas du jour au lendemain pour la plupart des gens. Je suis sûr que vous l'avez entendu d'autres artistes que vous admirez. Si cela ne se produit pas du jour au lendemain pour eux, pourquoi devriez-vous être si dur pour vous-même de s'attendre à ce que cela se produise du jour au lendemain pour vous ? Mais ce qui vous aidera est de dessiner aussi souvent que vous le pouvez tous les jours si vous pouvez le gérer. Pour ce faire, une routine aide. Engagez-vous à travailler à un moment précis dans un endroit spécifique pendant x minutes chaque jour. J' ai trouvé utile de décider ce que je vais dessiner à l'avance au lieu de m'asseoir pour dessiner et de passer tout mon temps à essayer de comprendre ce qu'il faut dessiner. Quand j'ai fait ma série sur les vitrines, j'ai pris une journée pour rassembler toutes mes images d'inspiration, puis un autre jour pour dessiner 10 croquis. Puis tous les jours après ça, j'ai décidé quel sketch serait le plus amusant à aborder et je me suis laissé travailler sur celui dont je me sentais le plus inspiré. Vous pouvez également trouver utile de participer à un défi de dessin. Décider de votre style. Comment avez-vous décidé de votre style ? Que voulez-vous constituer en société et que voulez-vous laisser de côté ? C' est à toi de décider, c'est ton art. Mais voici les choses que je suggère de prendre en considération lorsque vous faites votre choix. Aimez-vous créer de cette façon ? Cela pourrait être à la fois le processus et aussi le résultat final. Aimez-vous son apparence et aimez-vous la créer ? Après tout, c'est ainsi que vous passez votre temps. Est-ce que d'autres personnes, votre public ou vos clients attirés par ce style ? Si les gens vous donnent des compliments sur votre travail et surtout des choses spécifiques, faites attention à ce qu'ils ont mentionné. Si vous n'avez pas de public ou n'importe qui qui peut vous faire part de vos commentaires, il peut être utile de demander un examen de portefeuille payant. Parfois, les directeurs artistiques ou les agents les proposent sur leurs sites Web. Sinon, vous n'avez pas besoin de dépenser cet argent. Vous pouvez également demander à un ami de confiance s'il serait prêt à partager les aspects de votre travail qu'il pense être le mieux. des chances que vous finissiez quelque part entre les deux, en faisant du travail que vous aimez créer, mais aussi en répondant à ce que les gens aiment voir de vous. Après tout, le renforcement positif de notre travail est l' un des moyens les plus encourageants de continuer à aller de l'avant. En parlant de, si vous trouviez cette classe utile, cela signifierait le monde pour moi si vous laissiez un avis positif. 18. Bonus : conseil sur le style avec Gia Graham: Dans cette leçon, je vais parler avec Gia Graham, illustratrice et lettre à la main basée à Atlanta. Gia est également l'une des meilleures enseignantes ici sur Skillshare. Mais la principale raison pour laquelle je veux parler avec Gia c'est qu'elle a aussi un cours sur recherche de votre style et que cela prend une approche légèrement différente de ce cours. J'ai pensé que ce serait vraiment intéressant de m'asseoir et d'avoir une conversation avec elle. Le style de Gia est vraiment lumineux et audacieux. Elle crée son arrière-plan insulaire pour influencer les couleurs vives des fleurs et du feuillage luxuriants qu'elle utilise dans son travail. Les clients tendent la main à Gia pour obtenir des commissions et des opportunités de licences en raison de son style distinctif. Ses œuvres d'art sont apparues sur une gamme de produits, allant des articles ménagers aux cartes de vœux aux couvertures de livres et même aux accessoires. Gia, comment abordez-vous le processus de recherche de votre style ? Eh bien, pour moi, le style, quel que soit le genre de style, que ce soit la mode, le design d'intérieur, style artistique, c'est l'expression de qui vous êtes. C'est l'aboutissement de vos goûts, vos expériences, de vos influences. Toutes ces choses rebondissent généralement à l'arrière de votre cerveau, mais vous n'en êtes pas conscient. Pour moi, mon approche consiste d'abord à jeter un coup d'œil vers l'intérieur. Prendre du recul et être vraiment intentionnel à identifier ces goûts ces expériences et ces influences. Au cours de la première moitié de ma classe, j'aide à guider les élèves à travers ce processus d'auto-observation et cette découverte de soi. C'est génial. Parce que trouver son style est un voyage, c'est quelque chose qui prend du temps. Je pense donc que cette première étape consiste à ouvrir la feuille de route pour ce voyage et à mettre votre x pour dire : « Je suis ici. » Parce que lorsque vous faites cette découverte de soi, vous avez des repères sur qui vous êtes et où vous êtes en tant que créatif , puis à partir de là, je pense qu'il est plus facile d'avancer sur le chemin avec intention et ensuite, faites les choses pratiques qui explorent nouvelles techniques, formes et styles de dessin et tout cela. Mais oui, je pense que la première étape consiste à regarder les choses que vous aimez, les expériences que vous avez vécues et ce qui vous a influencé , puis vous pouvez aller de l'avant à partir de là. En fait, je pense que nos cours se complètent vraiment bien de cette façon parce que nous adoptons chacun une approche légèrement différente. Si les élèves suivent les deux cours, ils auront un bon guide complet la façon de développer leur style. Pensez-vous qu'il soit nécessaire d'avoir un seul style ou pensez-vous que l'artiste peut travailler dans plusieurs styles ? Eh bien, je pense que si l'art est votre passe-temps, je ne pense pas qu'il soit vraiment nécessaire d'avoir un seul style, mais si vous voulez gagner votre vie en tant qu'artiste, alors avoir un style unique peut vraiment vous aider. vous boostez votre carrière. Je sais que cela a été mon expérience, cela m'a facilité création d'une marque d'art, et en fait, je ne savais même pas que je développais une marque artistique, j'étais tellement concentrée sur le fait d'essayer Découvrez ce que j'ai aimé avec le lettrage et l'illustration, ce que je n'ai pas aimé. essayant différentes techniques qui, au fil du temps, j'ai perfectionné mon style et j'ai construit une marque d'art de façon organique. Je ne m'en suis même pas rendu compte. Lorsque je parle d'une marque d'art, je fais simplement référence au fait qu'en tant qu'artiste, crée une marque artistique lorsque votre travail est associé à une esthétique spécifique. La bonne chose à ce sujet, c'est qu'il y aura des moments où les clients viendront vous voir, ils vous chercheront parce qu'ils veulent que vous mettiez votre tampon unique sur leur projet, leur produit ou quoi que ce soit. Je dois dire que cela rend mon travail beaucoup plus agréable parce que je peux aborder chaque nouveau projet depuis un endroit sûr car je sais que le client aime déjà mon style, donc je peux simplement me concentrer sur la mise en œuvre ma voix créative, quel que soit ce mémoire créatif. Quel que soit le projet qu'ils m'ont apporté. L'autre avantage du développement de votre style est que vous pouvez créer un portfolio dont vous êtes vraiment fier. Je me souviens que lorsque j'étais graphiste il y a plusieurs lunes, je voulais changer d'emploi, alors j'étais en train de rassembler un portfolio et j'ai découvert que j'étais vraiment aux prises avec ça parce que tout s'est senti si déjoint. Je faisais différents projets pour différents clients et tout semblait complètement différent l'un de l'autre. Mais maintenant, je travaille actuellement la reconstruction de mon site Web et ce qui est si merveilleux, c'est que même si j'ai du travail de différents clients, il y a une cohésion même si chaque projet est différents et tous les projets ne se ressemblent pas, il y a la ligne de mon style là-bas. Mon portefeuille a maintenant l'impression que tout vient de la même personne. Oui, c'est tellement cool. N'est-ce pas seulement de voir tout le corpus du travail, c'est vraiment excitant. C'est le cas. J'adore ça. Que dites-vous à quelqu'un qui explore son style depuis quelques mois mais qui ne semble toujours pas trouver son style ? Oui. En fait, je reçois beaucoup cette question et j'ai une réponse qui n'est peut-être pas si populaire. Cela prend juste du temps. Temps et pratique cohérente. Ce n'est pas quelque chose que l'on peut forcer à se produire du jour au lendemain. Je dirais que vous pouvez vous accorder jusqu'à un an pour vous entraîner constamment à explorer nouvelles choses et, au cours de cette année, vous commencerez à voir un style émerger si vous êtes cohérent et intentionnel. votre cabinet. Il est également très important de prendre du recul temps en temps et de jeter un coup d'œil à l'œuvre que vous avez créée, peut-être tous les deux ou trois mois. J'appelle cela un audit artistique et je pense que c'est une pratique très utile. J'adore ça. Je vais vous donner une analogie, alors regardons ça comme une plante d'intérieur. Vous allez au magasin, vous achetez cette plante d'intérieur, vous la ramenez à la maison, vous êtes très enthousiaste à l'idée d'en prendre soin, de l'arroser et de la nourrir, et tout cela, et au jour le jour, vous ne remarquez pas vraiment de différence dans la plante. Mais si vous passez un an en avant et que vous faites votre entretien quotidien et tout cela, et que vous décidez : « Bon, eh bien, laissez-moi regarder cette photo que j'ai prise il y a un an. » Si vous mettez les deux côte à côte, vous regardez la photo de la plante et que vous voyez la plante devant vous, alors c'est quand vous réalisez : « Oh, elle est vraiment cultivée. » Vous ne voyez pas ces changements progressivement au jour le jour, mais si vous faites une pause pendant un instant et prenez du recul et obtenez une image plus large, vous pourrez voir vos progrès. Il en va de même pour votre pratique artistique. Si vous faites preuve de diligence et d'intention au sujet de votre pratique, recul tous les quelques mois et vous serez en mesure voir cette croissance que vous ne remarquiez pas au jour le jour. C'est un bon moyen de rester motivé car lorsque vous prenez du recul et que vous regardez comment vous avez grandi, ce n'est peut-être qu'une petite chose que vous avez remarquée. Mais le fait de voir ces changements se produire vous encouragera à y rester. autre côté, si vous achetez une plante et que vous la ramenez à la maison et que vous êtes sporadique à l'idée de s'en occuper, vous l'arrosez cette semaine et vous êtes super pour vous en occuper cette semaine, puis vous oubliez. à ce sujet pendant quelques mois, puis vous y revenez. Il va mourir. [RIRES] Il ne va certainement pas grandir, il va probablement mourir. De la même manière, avec votre pratique artistique, si vous êtes laxiste à ce sujet et que vous abandonnez, après un mois ou si vous sautez quelques semaines et que vous revenez, alors votre style ne grandira pas. Je pense qu'il est vraiment important de s'y tenir de façon cohérente et d'avoir cette cohérence au fil du temps. Oui, j'adore cette analogie. Je suis moi-même un grand fan de plantes d'intérieur, donc [RIRES] ça a beaucoup de sens. Même chose. C'est drôle, j'ai pas mal de photos et je me dis  : « Wow, je n'arrive pas à croire à quel point cela a grandi. » C'est super vrai, comme même pour moi en tant que quelqu'un que j' ai l' impression d'avoir établi un style, mais un an plus tard, je peux regarder en arrière et me : « Wow, les choses ont vraiment évolué. Il a vraiment grandi. » Ce n'est pas forcément toujours comme un changement fou. Mais je suis devenu plus fort dans ce que je fais. Absolument. Je suis tellement content que vous ayez dit que ce n'est pas un changement fou parce que parfois ce ne sera pas un changement fou, mais cela pourrait suffire à faire avancer votre créativité encore plus. C'était tellement génial. Merci beaucoup Gia d'avoir pris le temps de parler avec moi aujourd'hui. Si vous ne l'avez pas déjà fait, oubliez pas de consulter la classe de Gia qui s'intitule Find Your Style, How To Develop Your Own Lettering Aesthetic. Si ce n'est pas déjà le cas, assurez-vous de la suivre sur Skillshare afin que vous puissiez être averti chaque fois qu'elle publie un nouveau cours. 19. Notes finales: Avant de passer en revue quelques notes finales, je tiens à dire un grand merci et félicitations, vous avez réussi à franchir cette grande vieille classe. J'apprécie vraiment vous ayez passé tout ce temps avec moi. Si vous aimez le cours, je veux vous demander une faveur, s'il vous plaît laisser un avis positif sur la classe. Vos encouragements me permettent vraiment de continuer et m' inspire à continuer faire de ces cours le meilleur possible, même un simple merci pour le cours dans l'onglet discussion me donne les fous chaleureux. J'adore voir ce que vous faites et je mets souvent en avant les projets étudiants sur Instagram. Vous pouvez me trouver dans les terrains de jeux de papier. Si vous souhaitez que je partage votre travail, assurez-vous de me taguer terrains de jeux de papier et d'utiliser le hashtag, dessinez avec Brooke, si vous êtes intéressé par les pinceaux numériques que j'utilise, j'ai une liste de pinceaux qui vous intéressent. Je le recommande sur mon site Web. Si vous êtes intéressé par plus de cours sur le plan commercial et créatif, j'ai des cours sur la façon de gagner ma vie en tant qu' artiste, de productivité pour les artistes. J'ai également des cours sur l'utilisation de Procreate, façon de dessiner, sur la théorie des couleurs et plus encore. Vous pouvez les trouver sur mon site Web ou sur mon profil Skillshare. Si vous avez des questions, le meilleur moyen d'y répondre est les laisser dans l'onglet de discussion. génial dans la section discussion de la classe c'est que si quelqu'un d'autre a la même question, il peut voir ma réponse tout de suite. Qui sait, jetez un coup d'œil et voyez si quelqu'un d'autre a eu la même question que vous. Vous êtes tous des cookies intelligents et vous posez des questions très intelligentes. Merci beaucoup de vous être joint à moi et créer des amis d'art heureux.