So schreibst du im Drehbuch eine Szene in einem Drehbuchformat

1. Introduction au cours Scénariste Ad 2025 R2: Chaque fois que je travaille sur une nouvelle idée, c'est comme ouvrir une porte vers un nouveau monde. Faire entrer ce monde dans notre existence est un défi phénoménal pour moi à chaque fois. Avec l'expérience, j'ai découvert que la capacité d'écrire une chose à la fois peut non seulement dompter votre idée, mais aussi presque dompter votre créativité Dans ce cours, nous démystifierons processus de scénarisation en nous concentrant sur l'écriture concentrant sur Je m'appelle Olaf. Je suis cinéaste avec plus de 20 ans d'expérience. J'ai réalisé des films et des documentaires et vendu des concepts originaux à des studios Au cours de ma carrière de cinéaste, j'ai écrit plus de 30 scénarios Et dans ce cours, je vais partager tous mes outils d'écriture. Nous allons apprendre à écrire une scène sous forme de scénario. Ainsi, après cela, vous pourrez le faire de manière indépendante. Vous pouvez donc simplement imaginer une scène sous forme de scénario. Tu l'écris plusieurs fois, et oh, tu as un scénario. L'apprentissage du format du scénario vous aidera non seulement à écrire pour le cinéma et la télévision, mais aussi parce qu'il est un peu rigide, il a la capacité de dompter notre créativité Ce cours est conçu de manière à ce que vous puissiez progressivement assimiler tous les outils qu' il contient, de sorte qu'au final, vous puissiez concevoir votre propre méthode d'écriture. La technique que nous utiliserons dans ce cours pour vous enseigner le format du scénario repose sur le pouvoir de limitation Nous utiliserons un cadre d'écriture et de nombreux autres outils pour vous fournir une expérience pratique et gérable Que vous soyez débutant ou que vous veniez de commencer à écrire vos propres scénarios, ce cours vous aidera à approfondir vos compétences en tant que conteur Tout ce dont vous avez besoin pour commencer ce cours est d'avoir un stylo, un papier ou quelque chose sur lequel écrire. À partir de là, nous allons progressivement commencer à apprendre le format du scénario en écrivant une scène. Je ne sais pas pour vous, mais j'ai hâte de partager tous mes outils d'écriture et voir quel type d'approche vous apporterez à ce cours d'écriture. Alors, allez. Allons-y Je tiens à partager brièvement que j'ai créé plusieurs cours de réalisation de films couvrant des aspects essentiels du métier Il s'agit notamment de la réalisation d'un court métrage, de la scénarisation, réalisation de documentaires, de la création de bandes-annonces de films et du financement de votre film et du financement Chaque cours est accompagné guides téléchargeables complets pour vous aider dans votre parcours en tant que narrateur visuel Pour encore plus de ressources gratuites, visitez mon site Web où vous trouverez des outils, des idées et de l'inspiration supplémentaires pour vous aider à donner vie à vos histoires. 2. PROJET DE CLASSE: Merci d'avoir rejoint ce cours. Listons quelques-unes des ressources et d'autres choses dont vous avez besoin pour prendre la classe. Mais d'abord, un bref aperçu. Cette classe est divisée en deux sections. Au cours de la première moitié, nous nous concentrerons sur le développement de votre point de vue sur le cadre que nous présenterons. Dans la deuxième partie, nous allons travailler dans le format du scénario. Au milieu, j'aurai une section spéciale où je vous donnerai toutes les informations nécessaires sur le fonctionnement du format du scénario. Chaque scénario, grand ou petit, est réalisé avec le même processus et ce que nous faisons dans cette classe, nous examinons les fondamentaux. Nous allons faire une version ADN d'un scénario en maîtrisant l'art de faire une scène et nous allons le faire très bien, presque ennuyeux, mais l'espoir est que vous gagnez en confiance pour commencer à écrire votre propre scénario. Bien sûr, écrire un scénario est compliqué, mais si vous maîtrisez l'art d'écrire une scène, ce sera un bon début. Si vous n'êtes pas familier avec le format du scénario, plus tard dans cette classe, il y aura une section spécifique juste avant de passer ce format sur la façon dont vous formater un scénario. La méthode que nous allons utiliser dans cette classe est l'une de mes méthodes préférées pour faire quoi que ce soit. Autrement dit, nous allons explorer et utiliser le pouvoir de la limitation. La limitation fonctionne à l'envers, comme un paradoxe. Plus nous appliquons de limites, moins de limites, ou elles disparaissent, je ne sais pas comment le dire. Ce que je vais faire est de suggérer un cadre, une situation ou une invite, où vous écrirez dans votre point de vue sur une chose. Examinons quelques-unes des limitations spécifiques que nous utiliserons. Nous commencerons par la quantité. On fait quelque chose de gérable. Nous n'allons écrire qu'une seule scène dans un format de scénario et par là, apprendre le format du scénario. Durée ; notre scène ne peut pas dépasser quatre pages, donc idéalement, vous auriez deux, trois ou quatre pages, mais pas plus parce que nous ne voulons pas trop l'étirer. Ensuite, c'est ma limitation préférée de toute la limitation qui vous rend réellement libre, le cadre. Je vais vous donner une situation de cadre ou une invite, et c'est là où vous allez insérer votre point de vue dessus. Le cadre que nous utiliserons sera d'amener une personne, votre personnage, à travers une rue. Nous allons plonger dans ce cadre plus spécifiquement quand vient le temps de travailler avec. Donnons des précisions sur ce dont vous avez besoin pour cette classe. Vous aurez besoin de quelque chose pour écrire, évidemment, un stylo ou un papier ou tout autre type de traitement de texte. La philosophie derrière cette classe est que nous gardons les choses aussi simples que possible. C' est important parce que nous allons finir dans un endroit un peu compliqué, qui est le format du scénario. Avec ce cours, j'ai joint sept ressources que vous pouvez télécharger. Quelques exemples de scénarios, quelques exemples et un plan pour les exercices que nous sommes sur le point de faire dans ce cours. Vous pouvez tout télécharger. Je vous encourage également à aller sur Internet, trouver des scripts gratuits ouverts au public, et à étudier le format du scénario. Bon, commençons à travailler avec des cadres et des limitations et deviendrons illimités. se voit dans la leçon suivante. 3. L'histoire derrière ce cours: Je veux vous raconter l'histoire derrière ce cours. J' écris depuis plus de 20 ans et cinq ans, je suis resté coincé dans un peu de submersion. J' ai eu cette scène, c'était à propos d'une personne qui devait traverser la rue. J' ai eu cette personne à un bout de la rue pendant environ six mois parce que j'avais toujours trop réfléchi. Après environ six mois, je devine ici, pendant longtemps, j'ai réalisé que je ne pouvais même pas aider la personne de l'autre côté de la rue. Je ne pouvais pas faire simple. Après cela, j'ai commencé à utiliser cette situation pour m'encourager à ne pas arrêter, toujours continuer. Principalement, ça m'aide à me rappeler que nous sommes si souvent coincés quand nous ne pouvons pas faire simple. Donc ce cours, c'est une méthode avec ce cadre particulier sur une personne traversant une rue que j'ai utilisé dans mes cours comme entraîneur d'écriture à travers le monde, et je mets toujours ce cadre, comme si quelqu'un empilait, Je leur donne ce cadre, qui est une personne debout d'un côté de la rue, et ils demandent aux gens de les prendre de l'autre côté. Bien que cela sonne extrêmement simple, nous y mettons toujours notre propre point de vue. On ne peut pas échapper à notre propre vision des choses. C' est pourquoi ce cadre propre est très puissant pour nous débloquer. Cette classe est également de nous aider à travers l'expérience de passer par elle, est de reconnaître notre propre pouvoir en faisant simple. Parce que faire simple est l'antidote à la complexité, et comme tout bon paradoxe, la capacité de faire simple nous permet de créer beaucoup plus de complexité. Prendre ce cours vous aidera à reconnaître le pouvoir de, si je peux faire simple, je peux faire compliqué. C' est pourquoi il est important de penser à cette classe comme c'est un processus progressif. Même si vous patinez à travers, ça va marcher ainsi et donc si vous passez par la minutie de la regarder en temps réel, et ne vous inquiétez pas, j'ai édité, plupart de la science est sortie. Mais si vous le traversez, alors vous sentirez lentement les métamorphoses et la puissance de faire cet exercice simple que vous pourrez ensuite transférer à votre propre travail. 4. Le cadre: Dans cette section, nous allons parler du cadre, la boîte de limitation que nous allons travailler dans la situation. Donc, le cadre dans ce cas est en fait une scène. On appellera ça un cadre ou une situation juste pour plus de clarté, mais c'est une scène et la scène va comme ça. Ce n'est que le contour brut. Nous avons une personne à un bout de la rue, ils traversent la rue et ils finissent de l'autre côté, c'est tout. C'est le cadre. Souviens-toi, on va très lentement, on va très simple. Utiliser ce cadre peut être un peu mal à l'aise, mais cela épuise vraiment votre créativité et je vous promets, vous serez vraiment surpris à quel point ce cadre simple est puissant. 5. Première version: Dans cette section, nous voulons que vous créez votre propre version à partir de ce cadre. Nous voulons que vous aidiez la personne à traverser la rue. C' est votre première tentative, et nous en ferons plusieurs. Pour ce tour, nous n'utiliserons pas le format du scénario. Nous sommes encore en train de développer la scène, et nous n'utiliserons le format du scénario que lorsque nous y parviendrons plusieurs fois. Comme toujours, je suggère que vous utilisez une minuterie, sinon, nous pouvons si facilement tomber proie à trop penser. Pour cette section, je suggère d'utiliser 15-20 minutes, et d'écrire tout ce qui me vient à l'esprit. Quelques conseils utiles, comment laisseriez-vous une personne traverser la rue ? Qui est cette personne ? Comment la personne marche-t-elle ? Qu' est-ce qu'on voit autour d'eux ? Je t'ai parlé du cadre. Tu vas t'arrêter ici, et faire ta première tentative. 6. Vérifiez !: Comment allez-vous après votre premier essai d'utilisation de ce cadre ? Peut-être que ça ne s'est pas passé du tout, mais je soupçonne que vous avez rapidement créé un personnage qui pourrait traverser la rue. Si ce n'est pas le cas, réessayez jusqu'à ce que vous ayez trouvé le bon caractère que vous souhaitez utiliser dans cette configuration. 7. Rappels et ressources: Maintenant, nous allons passer à la deuxième étape de notre développement du cadre. Rappelons-nous ce que nous faisons. Nous avons fini de nous entraîner à écrire une scène dans un format de scénario, et pour cela nous aurons besoin de plusieurs tours. Si vous maîtrisez ce cours, vous aurez su exactement comment écrire une grande scène dans un scénario. Par conséquent, vous pouvez écrire beaucoup de scènes dans un scénario. Par conséquent, vous pouvez écrire un scénario. 8. Version suivante: Maintenant que vous avez fait la première tentative pour écrire votre cadre, la prochaine étape, la deuxième étape, est un petit exercice où nous allons visualiser le monde que vous avez créé lors de votre première tentative. Dans la section suivante, nous allons commencer la visualisation. Alors nous allons préparer un peu. Cette visualisation montre que vous en savez déjà un peu sur votre scène, mais vous ne l'avez peut-être pas remarqué au premier coup parce que dans la première manche, nous sommes généralement un peu occupés à essayer savoir ce qui se passe et nous sommes occupés l'écriture. Nous oublions donc parfois de regarder à l'intérieur de la scène elle-même dans notre imagination. Dans cet exercice, il s'agit d'aller dans cette imagination et de rester là un peu, pendant quelques minutes. Pour cette section, il s'agit de remarquer ce qui est déjà là, puis plus tard, vous pourrez décider ce que vous voulez apporter dans votre écriture. 9. Visualisation: Commençons par la visualisation. Dans cette section, si cela vous convient, fermez les yeux. Je vais vous poser quelques questions suivies d'un espace de silence pour vous donner un peu de place pour réfléchir. Pensons au cadre de la tâche. C' est une personne qui part d'une extrémité d'une rue, qui finit à l'autre extrémité, et en attendant la traversant. Remarquez ce que vous imaginez lorsque vous pensez à ce cadre. Qu'est-ce que tu vois ? Que se passe-t-il si vous zoomez de près sur quelque chose que vous voyez ? Pouvez-vous zoomer encore plus sur cette chose sur laquelle vous voulez vous concentrer ? Vous remarquez de la texture ? Maintenant, zoomez lentement. Peut-être que je monte dans le ciel, regarde vers le bas. Regardez ce que votre imagination vous montre. Il vous donne un peu d'options et d'idées. Attaquez-vous un peu dans le ciel. Pendant que vous restez dans le ciel, quels sons entendez-vous ? Combien de couches de sons y a-t-il ? Maintenant, je veux que tu repères au sol et que tu bouges ton appareil photo imaginaire en rond. Qu' est-ce que vous remarquez ? C'est quel genre de rue ? De quoi est-il fait ? Restez là un peu ou aussi longtemps que vous le souhaitez, et quand vous reviendrez, nous allons parler de la façon dont nous tirons parti de cet exercice. Merci. 10. Notes: Bienvenue de retour. Après avoir fait cet exercice, je vous suggère d'écrire tout, grand ou petit, à partir de ce que vous avez vu dans votre visualisation. Toujours, je suggère de le faire rapidement et de ne pas passer plus de 10 minutes pour le faire, juste pour garder trop réfléchir et submerger à distance. Exécutez à travers, écrivez tout dans aucun ordre particulier. Il suffit de recueillir les informations. 11. Présentation générale: Maintenant que vous avez terminé vos notes à partir de votre visualisation, nous allons passer à la troisième étape de cette phase de développement en visitant un emplacement. 12. Recherche d'un lieu: Dans cette section, nous allons visiter un endroit. Avec la visite de localisation ou la recherche de localisation, plusieurs choses magiques se produisent. Lorsque vous marchez sur les traces de votre personnage, vous commencez à sentir toutes sortes de nouvelles informations qui se trouvent là, se cachant là quand vous travaillez sur votre idée. Lorsque vous visitez un endroit, il n'a pas besoin d'être exactement comme dans votre script, il vous suffit d'avoir les mêmes paramètres, une rue à traverser, etc. chose la plus importante est que vous accomplissiez cet acte de recherche, comme si vous alliez réellement à l'endroit et que vous faites la tentative. Il y a des choses magiques qui se produisent là juste à cause de l'effort. Avec un emplacement défini, plusieurs choses magiques se produisent. Quand vous visitez, remarquez ce que vous ressentez quand vous commencez, quand vous la traversez, oh mon Dieu, je traverse, et quand vous arrivez à l'autre bout. Les gens te regardent drôle quand tu fais un cours d'écriture sur quelqu'un qui marche dans la rue, ça fait partie du processus. Je vais juste m'en aller. Avec tout ce que nous avons fait, nous contribuons toujours de façon peu étrange. C'est bien là. Nous avons notre petit cadre de quelqu'un qui traverse une rue. C' est gérable, c'est faisable. C' est quelque chose de comestible [inaudible] Amusez-vous. Lorsque vous visitez l'emplacement, il suffit de traverser la rue en toute sécurité. Remarquez ce que vous pensez lorsque vous vous tenez d'un côté de la rue que vous traversez et que vous êtes à l'autre bout de la rue. C' est aussi simple que ça. Souvenons-nous que le simple est probablement la chose la plus compliquée au monde, alors ne sous-estimez pas cette pratique. 13. Introduction du personnage: Dans les trois prochaines sessions, nous allons parler de caractère. Nous allons travailler sur leur histoire, vérifier leurs besoins et leurs désirs, et examiner comment nous pouvons transmettre leurs sentiments par l'expression physique. 14. Bonus : : Développement de personnages: Développement d'un personnage de film. Lorsque nous écrivons une histoire et que nous avons l'impression qu'elle n'est pas tout à fait complète, une bonne approche pour l'enrichir consiste à examiner ses éléments. Cela peut impliquer de réfléchir au thème, au message, etc. Mais une autre méthode consiste à se concentrer sur le développement du personnage. Comprendre vos personnages peut améliorer votre film car cela vous permet de le voir de leur point de vue Nous oublions souvent que nous regardons les films principalement pour les personnages, et pas seulement pour l'intrigue. Quel est le dernier film exceptionnel que vous avez vu ? Peut-être qu'une question plus révélatrice serait : quel est le dernier personnage mémorable que vous avez rencontré dans un film ? Si vous travaillez sur un personnage de film, voici quelques techniques pour mieux comprendre son personnage Mettez-vous dans la peau de votre personnage en imaginant simplement que vous êtes lui. Avant de faire cela, je recommande de mener autant de recherches que possible. Quels événements majeurs et mineurs de la vie connaissez-vous à leur sujet ? Dans l'exemple suivant, je me suis mise à place de mon grand-père et j'ai imaginé à quoi auraient pu ressembler certains moments de sa vie au cours d'une journée d'hiver fortuite dans les années 1950. Une fois que vous vous êtes mis à la place de votre personnage, notez ce que vous avez observé. Veuillez noter qu'il y a une grande différence entre réfléchir à cet exercice et simplement noter ce qui vous vient à l'esprit. Ne confondez pas réflexion et visualisation avec cet exercice, j'ai décidé d'imaginer une journée dans la vie de mon grand-père Il venait d'une communauté agricole de la côte ouest de l'Islande où j'ai grandi. Je voulais étudier son caractère et aussi me rappeler d'où je viens. J'ai demandé à ma mère un aperçu de sa vie, son père, et elle m' a parlé d'une journée, une journée d'hiver dans les années 1950. Sa description m'a aidée à le réimaginer afin de mieux comprendre le caractère de mon grand-père. Je m'imaginais descendre lentement vers la ferme où mon grand-père et ma grand-mère vivaient dans un climat froid à l'époque en Islande Je me suis installé un jour, j'ai imaginé que je me rendrais chez eux ou dans une ferme. Quand j'étais à l'intérieur de la maison, j'ai senti une odeur qui me rappelait mon enfance. Lorsque j'étais dans toutes ces fermes, il y avait une odeur de vieux cuir sale et aussi un soupçon de soufre provenant de leurs appareils de chauffage en feu Sur les traces du personnage de mon grand-père, j'ai inhalé la descente et j'ai regardé par la fenêtre et, parce que mon grand-père était prêtre, j'ai vu une église Je dirais à environ 100 mètres de la maison. Je me suis mise à la place de mon grand-père, et je m'imagine être lui. Je me suis habillée de vêtements chauds en laine et je suis sortie de la maison crépuscule de l'après-midi J'ai senti mes doigts froids sous les gants, puis j'ai retiré la neige qui bloquait le chemin que je devais emprunter pour me rendre à l'entrée de l'église. Après avoir dégagé le chemin, j'avais faim et je suis rentrée à la maison pour trouver quelque chose à manger. J'ai écouté une vieille horloge dans la maison et le son des autres personnes qui parlaient à l'intérieur des pièces. J'ai mangé les restes d'une tête de mouton. C'était assez courant à l' époque, et je buvais du café noir avec une trop grande quantité de sucre en regardant à nouveau par la fenêtre, cette fois non pas pour regarder l'église, mais pour aller à la ferme pour le bétail. Boum, je suis de retour dehors et j' entends le bruit de la neige dure qui se brise sous mes pieds. Ensuite, je vois le jour donné ce soir. J'ai vu ma vieille voiture Jeep ensevelie sous la neige et j'ai pensé qu'il faudrait que je l'arrache plus tard et que je la réchauffe Mais je doute vraiment de pouvoir aller où que ce soit, car il y avait de la neige partout sur le chemin de la ferme J'ai plissé les yeux Pendant la dure transition au crépuscule, cela m'a fait penser à ceux qui s'étaient risqués à revendiquer Maintenant, je suis juste dans le même état d'esprit que mon grand-père. Lorsque j'étais dans la ferme travailler avec le bétail et à préparer les repas, j'écoutais les moutons et vaches et je les entendais mâcher et respirer en même temps Puis j'ai remarqué qu'un chien fidèle me suivait tout le temps, ses yeux me serrant dans ses bras chaque fois que je me sentais seule. Je pensais que j'aurais mal au dos à cause de la tension constante liée au transport du fumier et de la nourriture du bar à la maison principale. Je devrais peut-être aussi préparer un cheval et m'installer à l'église. Si un membre de la communauté devait mourir, vouloir se marier Après avoir imaginé cette journée, j'en sais plus sur mon grand-père parce que je me suis mise à sa place. Sur une note personnelle, j'apprécie la résilience de mon grand-père J'ai également appris à quel point j' admirais ce qu'il a fait pour la communauté, la communauté dans laquelle j'ai grandi. Il s'agissait d'une petite étude de personnage, visant à vous mettre dans la peau du personnage. Je voulais juste rendre visite à mon grand-père et je vous encourage à faire votre propre étude, selon vos propres termes, pour votre film. 15. Background: Dans cette section, nous allons penser à l'histoire de fond. Ce qui s'est passé avant de voir la scène d'un personnage traversant la rue. On peut penser à ce qu'ils ont fait le matin ? Où vont-ils ? Quelles relations ont-ils ? Quels vêtements ils portent et ainsi de suite ? Ce n'est pas quelque chose que nous devons mettre directement en exposition dans la scène, mais cela aidera avec le travail immatériel que nous faisons. Nous faisons tous ces petits exercices juste pour ajouter un peu de données à chaque fois avant de commencer à écrire. 16. Besoins VS envies: Si vous lisez un livre sur l'écriture de scénarios, vous rencontrerez ce terme, vouloir versus besoin. Que veut ton personnage ? Comme un chocolat ou ce dont votre personnage a besoin comme pas un chocolat. Dans notre cas, nous avons une personne qui veut traverser une rue. Dans cette scène, nous ne savons pas pourquoi ils veulent traverser la rue, ou du moins nous ne le saurons pas à haute voix en tant que public, mais il est important pour vous ou pour nous, en tant qu'auteur, d'y penser. Vous avez déjà créé ce personnage, alors nous voulons réfléchir à ce qu'ils veulent par rapport à ce qui va venir, ce dont ils ont besoin. C' est juste un petit exercice de caractère à garder à l'esprit lorsque vous pensez à votre personnage. 17. Expression physique: Une partie du travail immatériel que nous faisons avec tous ces exercices peut alors se manifester en quelque chose que nous voyons réellement, comme dans l'expression physique ; comment marchent-ils ? Comment clignotent-ils les yeux ? Et ainsi de suite. Parce que c'est la seule monnaie que nous ayons. Comment les choses se manifestent-elles visuellement dans l'expression physique ? Nous savons peut-être que la personne est déprimée, mais nous devons signaler au public comment la personne se sent déprimée ou heureuse. Est-ce qu'ils ont un ressort dans leur marche ou quelque chose qui les alourdit sur leurs épaules ou quelque chose comme ça ? 18. Modifications de l'arrière-plan: Dans cette section, nous allons travailler sur le fond de la scène. Nous savons ce qui est au premier plan, dans l'action principale, c'est-à-dire une personne qui va d'un bout à l'autre de la rue. Il y a le début, le milieu et la fin du premier plan. Nous allons maintenant nous concentrer sur l'arrière-plan, le début, le milieu et la fin. Nous savons tous que quand raconter un changement d'histoire est la chose la plus fondamentale. Parce que le changement aidera le public à sentir que l'histoire va de l'avant. Si quelque chose est d'une certaine manière au début de la scène, puis à la fin de la scène, il est changé, le public marquera la différenciation, et par là ils auront le sentiment que les choses vont de l'avant parce qu'ils ont changé. Nous avons atteint cela au premier plan déjà en ayant une personne dans un endroit physique, puis aller dans un autre endroit physique, donc il y a une distinction claire, il y a une différence claire apparaissent, changement. Nous allons maintenant passer à l'arrière-plan. L' idée est que plus nous apportons de changements, plus les choses peuvent aller de l'avant. Quand la scène commence, quel est quelque chose que vous voulez changer à la fin ? Vous pouvez le changer à la fin, et quand vous décidez quel est le changement, alors vous avez bien sûr le changer au début. Qu' est-ce qu'un bon exemple de fond ? Je ne vais pas voler votre défi d'essayer de le comprendre. Je pense qu'il est bon de donner quelques exemples clairs. Un bon changement de contexte pourrait être, par exemple, qu'au début de la scène quelqu'un tient une tasse de café. Ensuite, à la fin de la scène, la tasse peut être vide, elle peut être cassée et ainsi de suite. Pensez à l'exercice. Qu' est-ce qui peut être à un endroit au début de la scène en arrière-plan et comment cette chose peut-elle être dans un endroit différent à la fin de la scène ? 19. Format du scénario: Jusqu' à présent, nous avons fait toutes sortes de méthodes différentes pour collecter des données, extraire des choses de nos idées, secouer un peu notre idée et saisir toutes ces données. Il est temps de le déplacer dans le format du scénario. Dans le cas où vous n'êtes pas familier avec le format descriptif , j'ai préparé un petit mini-cours qui vous fera rapidement connaissance avec lui. 20. Mini-cours sur le scénario: À la fin de ce chapitre, vous auriez dû reconnaître les principaux éléments dans l'écriture en format scénario. C' est un cours de crash en format scénario et nous allons le faire assez rapidement. Nous allons commencer par un en-tête de scène, quand et où la scène a lieu. Ensuite, nous allons aborder les personnages, comment nous les présentons, ce qui est en majuscules, comment dire leur âge, et comment le dialogue est-il formaté et structuré. Nous allons également parler des parenthèses fantaisistes que nous pouvons utiliser tout autour du scénario entre parenthèses et descriptions, dialogue hors écran et voix off, et nous allons terminer avec l'utilisation de transitions. Tout d'abord, commençons par l'en-tête de la scène. Dans l'en-tête de la scène, nous vous répondons si la scène est à l'intérieur ou à l'extérieur, INT ou EXT, puis nous disons le nom de l'emplacement, où se déroule la scène ? Ensuite, nous disons au public quelle heure de la journée c'est. Il s'agit de plusieurs aspects pratiques en termes de production. Il est bon pour la production de savoir quand et où se déroule la scène. Lorsque nous introduisons un personnage, nous disons le nom et généralement, c'est à vous, c'est un peu de problème de style, c'est agréable de mettre leur nom dans toutes les majuscules au début et ensuite leur âge entre parenthèses. Comme vous le savez probablement et nous verrons dans n'importe quel logiciel d'écriture de scénarios, est que les personnages sont automatiquement centrés au milieu avec le dialogue. Il est également bon de garder à l'esprit chaque ligne que vous écrivez il peut être très utile de le considérer comme un seul coup. Ici, nous pouvons voir comment one-shot est une ligne ou un paragraphe, et voici la section action du scénario où nous décrivons ce qui se passe dans la scène. Certaines des petites choses autour de la réalisation d'un scénario sont entre ces parenthèses astucieuses réparties autour du scénario. Parlons de certains d'entre eux. Juste après le nom du personnage, avant qu'ils ne parlent, nous pouvons mettre ce qu'on appelle la parenthèse, qui est un peu comme une réflexion ou une explication après coup. Donc on peut mettre une voix tonale et des trucs comme ça. On doit juste l'utiliser avec parcimonie. Suivant dans cette section de crochets fantaisie est le système d'exploitation, après le nom du personnage, qui est hors écran. Donc, quand quelque chose est hors écran, cela se passe dans la scène. Par exemple, quelqu'un marche et quelqu'un crie, « Hé, viens ici. » C' est hors-écran parce qu'il est dans la scène, mais ils ne sont pas dans le cadre. Hors-écran peut également être utilisé comme, par exemple, il y a une scène qui a eu lieu il y a longtemps, nous pouvons également être à l'écoute de cette scène. Cela ne doit pas être confondu avec la voix off ou VO. C' est quelque chose que nous mettons là où le personnage parle au public, comme si je me souviendrais toujours, bla, bla, bla. Gardez à l'esprit de ne pas confondre ces deux-là. Hors-écran est une chose et Voiceoff en est une autre. Allons dans les transitions. Il est très pratique de mettre en coupe comme si vous êtes dans une scène, vous écrivez la scène, puis vous écrivez coupé et puis vous êtes sur la scène suivante. C' est aussi un peu une chose de style. Vous pouvez choisir si vous utilisez ceci ou non. 21. Bonus : : Histoire d'exposition: Dans cette leçon, je vais réfléchir à l'équilibre de l'exposition lorsque vous écrivez votre scénario. Lorsque nous écrivons un scénario, nous nous demandons toujours quelle quantité d'informations le public doit connaître pour être intrigué De quelle quantité d'exposition expliquant l'intrigue le public a-t-il besoin pour être curieux de découvrir ce film et comprendre l'histoire ? Nous ne voulons pas avoir trop ou pas assez d'informations. Oui, trouver l'équilibre entre la quantité d'exposition ou d'information dont le public a besoin est aussi déroutant que cela en a l' air que . D'après mon expérience, le meilleur moyen est d'écouter votre instinct. Et B, demande à quelqu'un de lire le scénario pour voir ce qu'il obtiendra et ce qu'il n'obtiendra pas, même une fois mon film terminé. Pour trouver l'équilibre parfait entre information et exposition, je projette mon film à plusieurs reprises un petit public et j' écoute leurs commentaires. La question qui vous convient le mieux est combien aimeriez-vous cacher et ce que vous aimeriez que le public sache ? Si vous le souhaitez, vous pouvez également décider de faire votre film pour que personne ne l'obtienne. C'est très bien. Tant que vous explorez quelque chose qui vous intéresse, montant que nous expliquons dépend également de la structure financière de votre film. Si vous avez des financiers, vous devrez peut-être avaler une certaine fierté artistique Continuons et revenons à la question fondamentale. De quelle quantité d'informations le public a-t-il besoin pour comprendre l'histoire ou s' y intéresser ? Cette question devrait vous hanter tout au long du processus d'écriture car elle vous met au défi et, en fin de compte, vous apprend à vous expliquer J'aime que les choses soient très claires lors de mon premier cycle d'écriture. Et au second tour, j' utilise la métaphore de la face cachée de la lune parce qu' au second tour, je commence à masquer une clarté sélective Ce n'est pas aussi robotique que cela en a l'air, car j' écris souvent quelque chose que je ne comprends pas au début , puis je fais l'inverse pour apporter de la clarté, comme d'habitude. Il n'y a pas de bien ou de mal ici. Mais le but de ces mots est de vous aider à prendre davantage conscience de l'importance de jouer avec l'équilibre de l'exposition. La métaphore de la face cachée de la lune. Jouer avec cet équilibre est un outil formidable. Nous voulons suffisamment de clarté, ponctuée de ténèbres. L'objectif est d'inviter le public à se pencher en avant pour essayer de jeter un coup d'œil derrière la lune, curieux de voir ce qui se cache dans l'obscurité 22. Bonus : : Dialogue d'exposition: Dans cette leçon, nous allons discuter de l'équilibre de l'exposition lorsque vous écrivez dialogues dans votre scénario. L'objectif principal de l'écriture d' un dialogue est de le rendre naturel et authentique. Si vous trouvez que le dialogue semble forcé ou gênant sur la page, voici un conseil utile pour le mettre en pratique. Un acteur talentueux peut souvent donner vie à un dialogue même difficile, rendant beaucoup plus naturel qu'il n'y paraît par écrit. La question clé à se poser lors de la rédaction d'un dialogue est la suivante : est-ce clair ? La clarté ne signifie pas nécessairement une divulgation ou une exposition complète. Dans la vraie vie, les gens n'expriment souvent pas explicitement leurs pensées ou leurs sentiments. Au lieu de cela, ils les cachent. Par conséquent, vous pourriez vous demander s'il est évident que les personnages cachent ce qu'ils pensent réellement et si vos intentions sont claires ? En tant qu'écrivain, l'une des méthodes que j'utilise consiste à écrire le dialogue avec une exposition presque stupide et évidente, expliquant pleinement la scène dans le dialogue Ensuite, je commence à cacher l'exposition. Ce faisant, je précise quelles sont les intentions des personnages afin que je puisse les cacher. C'est presque comme peindre un mur. Au lieu de le rendre parfait la première fois, je fais cette superposition pour le premier tour, puis j'ajoute la deuxième couche pour masquer la première Ainsi, le public commence à jouer au chat et à la souris avec les personnages. Qu'y a-t-il dans la couche qui sous-tend la conversation ? Exemple, dialogue. Supposons qu'un personnage soit soupçonné d'avoir commis un crime et qu'un policier l'interroge. Exemple, une couche mal exposée. Officier, où étiez-vous sur le dixième suspect ? J'étais chez ma sœur. Elle peut le confirmer, mais elle ment et me couvre. C'était ma première série d'expositions évidentes. Maintenant, au deuxième tour, je commence à le cacher. Exemple, couche deux. Sans exposition, le personnage cache ce qu'il pense. Officier, où étiez-vous sur le dixième suspect ? Il fait froid ici. Je peux avoir quelque chose à boire ? Dans ce deuxième exemple, j'évite de répondre à la question, mais le suspect laisse entendre qu'il a froid qu' il est sensible à la chaleur. Ils demandent s'ils peuvent se procurer quelque chose à boire. essaient de poser une question contre une autre, laissant entendre qu'ils ont vraiment soif ou qu'ils font tactique et qu'ils essaient de distraire 23. Préparez-vous !: Maintenant, nous avons abordé certaines des bases de l'écriture d'un scénario, et il est temps que vous écriviez votre premier brouillon. Allons y sauter. 24. 1ère version: Dans cette section, vous allez écrire le premier brouillon de votre scène dans un format de scénario. Pour vous aider avec cela, j'ai créé un petit modèle de plan de Blueprint que vous pouvez télécharger dans les ressources de classe. Cela ressemble plus à une ligne directrice juste pour vous assurer que dans le cas où vous êtes dans l'ensemble plus perdu, alors vous pouvez l'utiliser comme cadre de référence. Gardez à l'esprit que ce comprimé est juste une ligne directrice et rien à prendre trop au sérieux. 25. Gravé dans la roche: Une chose à garder à l'esprit lorsque nous écrivons dans le format du scénario, surtout après la première ébauche, c'est que vous remarquerez qu'il y a quelque chose à écrire dans cette structure rigide qui rend un peu difficile de changer les mots. Ils sont coincés comme s'ils avaient été martelés dans la pierre. C' est un défi camouflé. On ne pense pas que ce soit comme ça. On a écrit un script, oui, on peut juste le changer. Regardez-moi. Ça va être utile de simplement en être conscient. Que lorsque vous écrivez un format de scénario, il y a quelque chose dans notre cerveau interprété comme les mots sont de la poésie et vous ne pouvez pas vraiment les changer. Soyez conscient de cela parce que vous pouvez facilement rester coincé dans une version et vous commencez vraiment à avoir du mal à mettre à jour votre texte ou à le changer. 26. 2ᵉ version: Maintenant que vous avez terminé votre première ébauche, dans cette section, nous allons évidemment passer à la deuxième ébauche. Une chose que je voudrais mentionner est qu'il est extrêmement important que vous preniez des pauses, des pauses entre les courants d'air. Idéalement, une fois le premier brouillon terminé, il est bon d'attendre un jour ou deux avant de passer au second brouillon. En attendant, vous verrez simplement les choses plus clairement et vous serez rapide à corriger l'art et à changer. Ce second projet consiste à ajouter de la viande aux os. Si vous avez créé le premier brouillon et le second brouillon, il s'agit de le musculer un peu, ajouter des choses, d'ajouter des bits, d' enlever des bits et d'en insérer de nouveaux, etc. Il y a un peu de montage, mais nous y ajoutons encore des choses et vérifions l'architecture. Comment ça commence ? Comment ça finit ? Qu' est-ce qui est au milieu, et ainsi de suite ? Pendant que je vous donne ces outils, début, milieu, fin, et tout ça, j'essaie simplement d'être neutre. En étant très neutre et pensant aux mathématiques un peu au début, au milieu et à la fin, c'est un peu comme créer ou offrir un aéroport pour que vos idées atterrissent. Ils ont quelque part pour atterrir. Souvent, nous devons utiliser ces paramètres simples pour offrir cela. Regardons le modèle pour le deuxième brouillon. Je ne peux pas vous exhorter assez à ignorer cela, rappelez-vous que ce ne sont que des lignes directrices et des cadres que vous pouvez briser. On a cette rue. En ce moment, dans la deuxième ébauche, nous pourrions ajouter des détails à l'environnement, comme la météo. Qu' est-ce que ça sonne ? Ceci provient du premier modèle. ce moment, nous pouvons ajouter des détails à leur apparence, comment ils se sentent. On n'a pas forcément à voir leur visage tout de suite, on pourrait le cacher. Arrêt près du feu de circulation. Nous irions à nouveau dans les environs et peut-être qu'il y a d'autres personnes autour. Ensuite, nous pouvons entrer dans quelle est réaction de notre personnage principal à l'environnement, à d'autres personnes ou à l'environnement ? Nous attendons, puis nous pouvons aussi nous rapprocher d' insérer une réaction où nous pouvons lire la réaction des yeux ou de la bouche ou quelque chose comme ça. Souvenez-vous, expression physique. Peut-être qu'ils imaginent quelque chose, pour qu'on puisse vraiment mettre un peu de fantasme ici si on veut, puis ils voient le feu vert pendant qu'ils traversent la rue. Nous pourrions également mentionner à nouveau l'environnement, et il faut juste qu'il s'agisse d'une escalade par rapport à l'environnement antérieur. Ça ne peut pas être pareil, nous ne voulons pas répéter les choses. Vous pouvez aussi avoir une voix hors champ dans la scène si vous le souhaitez. Ensuite, nous pouvons aller dans ce que si des questions. Et s'ils n'étaient pas passés de l'autre côté de la rue ? Et si quelque chose se passait ou se passait ? Si quelque chose se produit ici, par exemple, vous voulez aller jusqu'au début et le configurer. Toujours vouloir faire ces liens interconnectés dans la scène. Ensuite, nous pouvons éditer peut être comme ça ou peut-être nous pouvons faire autre chose. Amusez-vous dans votre deuxième brouillon. 27. Affiche et bande-son: Dans cette section, je vais vous offrir quelques outils supplémentaires pour mieux connaître votre idée. Ces outils sont l'outil de bande son et l'outil d'affiche. S' il y avait de la musique dans votre scène, avec tout ce que vous savez à ce sujet, quoi ça ressemblerait ? Vous avez peut-être une chanson dans votre tête, mais vous pouvez aussi simplement composer quelque chose. Comme faire un peu d'air, tout ce que vous voulez faire. Avec toutes les techniques qu'on utilise pour se détendre, il y a beaucoup de choses là-bas. Comme si vous connaissez la bande son, alors vous connaissez le rythme, et ensuite vous pouvez renforcer ce rythme si vous voulez. Si vous deviez créer une affiche pour vos scènes dans ce cadre, quoi ressemblerait-il ? Il est toujours utile de penser à une affiche comme une simple, c'est presque comme un panneau de signalisation, presque. En utilisant cette technique d'affiche est, vous pouvez trouver une icône. Il peut être agréable de penser à des choses qui sont dans votre vie quotidienne, choses normales comme le couteau, peut-être que c'est censé le faire. Une tasse vide, un verre brisé, je ne sais pas, je suis juste en train de riffer ici. Une certaine couleur, quelle est la couleur de l'affiche et ainsi de suite. Ces outils, bande-son et affiche, qui est destiné à fléchir un peu. On devient toujours complexes. Avec chaque nouvelle technique que nous utilisons, nous obtenons comme de petits incréments de nouvelles informations. Mais peut-être qu'on les utilisera et peut-être pas, mais ça n'a pas d'importance. On apprendra juste à connaître notre idée sous beaucoup d'angles. 28. 3ᵉ version: Dans cette section, nous allons parler de l'ébauche numéro 3 et de quelques options sur la façon dont nous pouvons l'aborder. Récapitons rapidement ce que nous avons fait et où nous en sommes en ce moment. Jusqu' à présent, nous avons utilisé toutes sortes d'outils, bien sûr, dans la phase de développement. Ensuite, nous sommes passés au format scénario lentement et en toute sécurité. Vous avez écrit le premier brouillon et le second brouillon. Maintenant, c'est l'heure de mon projet préféré. Le brouillon le plus ludique, le brouillon numéro 3. Le projet numéro 3 consiste à se détendre et à masser un peu le texte. Dans le premier brouillon, nous avons fait le squelette ou le plan de la scène. Dans le projet numéro 2, nous avons ajouté de la viande à l'os. Maintenant dans le brouillon numéro 3, il s'agit de jouer du jazz avec. Détendez-vous, profitez-en. [ inaudible]. C' est ce que j'appelle la version jazz. Dans ce brouillon, il s'agit de travailler avec le brouillon numéro 1 et brouillon numéro 2 et d'y ajouter votre caractère, comme les mots que vous voulez utiliser, métaphores que vous voulez utiliser, dialogues que vous voulez utiliser. Il s'agit de construire sur les ébauches 1 et 2. Allons nous amuser un peu parce que dans le brouillon numéro 4, nous allons revenir dans un mode un peu rigide, passer sur l'orthographe et la grammaire et les lier ensemble. Alors amusez-vous et jazz. 29. Écrire pour éviter: L' une des choses intéressantes souvent avec l'écriture de scénarios lorsque vous créez une histoire est qu'il y a plusieurs façons que la procrastination peut se faufiler. L' une des façons les plus folles que j'ai trouvées personnellement, et c'est très commun avec mes élèves, c'est en fait assez courant, est d'éviter votre histoire en écrivant le scénario. Ça a l'air un peu fou, mais c'est très factuel. Par exemple, lorsque vous commencez votre histoire, vous passez en revue le synopsis des grandes lignes. C' est la version courte de l'histoire, vous pensez au thème. J' essaie peut-être de gérer un peu de storyboard. Mais cette phase est assez inconfortable parce qu'elle est pavée d'incertitude. Par exemple, vous écrivez l'histoire, vous ne pouvez pas le faire avec un, obtenir plus avec l'attitude. Quand nous avons fait cela, disons que nous écrivons un court métrage, nous écrivions cinq ou dix pages et quand nous l'avons fait, cela nous empêche parfois de le revoir. On se dit : « Oh, j'ai fait ça. Pourquoi devrais-je y retourner ? » Soyez prudent. Je veux dire, il n'y a rien de mal à sauter et à écrire votre scénario ou des extraits de celui-ci, mais je dirais toujours, sauter entre les départements dans votre chemin créatif. Comme écrire une scène, revenir en arrière, comment cela s'insète-t-il dans le contexte de ton monde ? Écrivez une scène, arrêtez, laissez-la pendant un peu de temps, puis vérifiez-la plus tard. C' est important où vous placez tous vos éléments créatifs. Ce que je veux dire par endroit, c'est que, garder le script dans un endroit, thème du développement, et tout ça dans un autre endroit et puis vous sautez entre les deux. 30. 4ᵉ version: Le 4ème brouillon de cette classe est le brouillon principal. C' est là que nous maîtrisons notre scène. Nous allons tester notre scène sous tous les angles et continuer à collecter une forme de données, mais nous voulons aussi faire attention à ne pas surpeindre notre scène. Par exemple, si vous faites un tableau, comment pouvons-nous savoir quand arrêter ? Eh bien, il y a une chose qui peut vous dire ça, c'est si vous vérifiez simplement ce que vous voulez dire et l'avez dit et est-ce clair ? Dans le brouillon numéro 4, nous n'ajoutons pas grand-chose à la scène, nous nous assurons juste que c'est clair, vous l'avez deviné. C' est là qu'il devient important d'utiliser des sources extérieures, des mesures extérieures, parce que nous avons tellement travaillé écrire la scène et maintenant nous devrons la tester. Vous penseriez qu'il y a des façons infinies de tester votre scène. En fait, je dirais que ce n'est pas le cas, et c'est très dangereux de penser comme ça. Quand je dis des dangers, je ne veux pas dire un vrai danger, je veux juste dire le danger de trop penser en le complétant étroitement. Tout comme avec le message de votre scène, le plus important est d'être clair sur le processus lorsque nous terminons quelque chose. Ici, je voudrais vous suggérer une méthode que vous pouvez utiliser pour terminer votre scène ou même votre scénario. C' est le processus que j'utilise. C' est un processus en sept étapes et bien sûr, vous pouvez créer votre propre système à partir de cela. Je commence par vérifier l'orthographe et la grammaire, et quand j'en ai fini, je lis la scène à haute voix. Je m'enregistre même pour pouvoir l'écouter ou mieux encore, quelqu'un d'autre le lit à haute voix. Après cela, j'attends un jour ou une semaine ou un mois. Après avoir attendu, j'ai un ami de confiance le lire et j'écoute leurs commentaires, puis j'applique le bon sens. La lumière pour moi quand il s'agit de rétroaction est revenir dans la chose de clarté ; est-ce clair ? Parce que nous ne voulons pas tomber dans les pièges de la lutte contre les opinions, la chose la plus importante est la chose la plus importante. Il n'y a rien de mal à une idée étrange, mais si l'idée étrange est indécise ou alambiquée alors nous voulons l'éclaircir, nous voulons être clairs sur l'imprécision pour ainsi dire. Après avoir reçu des commentaires, j'attends à nouveau. Ce temps d'attente est toujours un peu un facteur X, parfois j'ai attendu un jour, parfois une semaine et ainsi de suite. Mais attendre est vraiment important pour que le jardin de l'idée puisse grandir sans que vous en jouiez tout le temps. Après cela, je fais ce que j'appelle une lecture et une sensation. Si je l'ai lu plusieurs fois et que je peux sentir ou sentir que je l'apprécie alors je sais qu'il est là. La dernière étape pour moi va dans l'esthétique. Ce que je veux dire par esthétique, c'est que je vérifie la lisibilité et juste vérifier à quoi la scène ressemble visuellement sur une page. J' aime l'espacer un peu juste pour le rendre un peu plus attrayant et plus facilement digéré pour le lecteur. Amusez-vous et s'il vous plaît profiter de cette période précieuse du projet numéro 4 ; La maîtrise de votre scène. 31. Une scène d'Olaf: Dans cette section, je vais partager avec vous une scène ou une prise, une de mes prises sur ce cadre d'une personne traversant la rue, puis dans le coin aménagé à haute voix pour vous. Mais rappelez-vous, c'est juste ma version du cadre. Oui. Je ne veux pas que tu t'embrouilles. Tout est au sujet de votre prise. Parce que nous avons traversé plusieurs étapes, à ce stade, je peux partager un peu mon point de vue. Alors profitez de cette lecture phénoménale. Extérieur. Rue, jour. Chaussures bleues sur un trottoir dénouées avec des taches de café sur eux. Les doigts pénètrent dans le cadre et attachent les lacets. Correspondance à la couleur bleue des ongles. Nous entendons un flux constant de trafic en dehors du cadre. Nous suivons les doigts de la taille d'une personne qui commence à marcher. Nous restons sur les doigts quand ils frappent un bouton de feu de circulation. La lumière est rouge. Nous sortons pour voir un groupe de piétons empilés par un bout de la rue en attendant le feu vert. Parmi eux, nous repérons rapidement les chaussures bleues. Ils appartiennent à Howard, qui à plusieurs reprises à moitié mord sur cette lèvre inférieure, les yeux se déplaçant sans aller à gauche et à droite. Désorienté. Nous repérons un jeune garçon devant lui, attendant également que le feu vert s'allume. Le jeune garçon porte des chaussures bleues. Le jeune garçon se tourne vers Howard. On devrait traverser la rue. Au début, Howard ignore le jeune garçon. Tu m'as entendu ? On devrait traverser. Howard regarde le jeune garçon, l'humour. Comment on fait ça ? La traverser ? On va courir. Je ne peux pas courir. Ramper sera plus comme ça. Je sais. Tu es vieux, mais je suis jeune et je peux te porter. Je cours, je ne rampe pas. Je pense que tu dois apprendre l'aérodynamique. On l'a déjà fait. Oui, mais tu ne l'as pas fait, pas encore. Plus lâche. La lumière devient verte. Dernière chance ? Saute sur mon dos. Allez. Howard y pense. Le jeune garçon lui tourne le dos et lui propose de marcher dessus. Howard grimpe sur le dos du jeune garçon. Pendant une fraction de seconde, on dirait qu'ils vont l'arracher. Mais alors le jeune garçon s'effrite au sol. Howard commence à traverser la rue. À mi-chemin, il s'arrête, se tourne et regarde le jeune garçon. Toujours sur le sol. Tu vois ? Ramper. 32. Merci !: Félicitations pour avoir terminé ce cours. Il est parfois difficile de transmettre ce que cela signifie pour moi de pouvoir partager mes outils, pour quelqu'un d'écouter, pour quelqu'un de créer ses propres outils à partir de l'expérience que j'ai eu la chance d'avoir. Cela m'a donné une seconde vie dans ma carrière d'écriture personnelle de pouvoir partager les outils. Ça m'inspire beaucoup. Même si ça peut sembler drôle, merci sincèrement. Ce que je dis est important et je suis maladroit, mais c'est de la créativité. Si vous êtes d'humeur, veuillez passer en revue cette classe. Ça aide vraiment à répandre le mot. Tout type de commentaire positif. vous plaît sachez que vous pouvez toujours me contacter directement via mon site Web. Vous n'y croyez peut-être pas, mais je m'efforce généralement d'utiliser X temps pour enseigner et me connecter avec d'autres cinéastes. Ça me donne vraiment de l'oxygène créatif. Qu' est-ce qui vous a inspiré à devenir réalisateur ? Quand j'avais 20 ans, j'ai rompu avec une fille. Vous découvrez toutes sortes de choses sur vous-même et vous commencez à vous poser de sérieuses questions, et j'ai trouvé cette réponse pour essayer de m'exprimer à travers le cinéma.